МУЗИКАЛНА КУЛТУРА НА АНТИЧНОСТТА, СРЕДНОВЕКОВИЯТА, ВЪЗРАЖДАНЕТО

АНТИЧНОСТ

Музикална култураДревна Гърция формира първия исторически етап в развитието на европейската музикална култура. В същото време това е най-висшият израз на културата Древен святи разкрива несъмнени връзки с по-древните култури на Близкия изток – Египет, Сирия, Палестина. Въпреки това, с всички исторически връзки от този вид, музикалната култура на древна Гърция изобщо не повтаря пътя, изминат от други страни: тя има свой собствен уникален облик, свои собствени неоспорими постижения, които предава отчасти на европейските Средновековието и след това в по-голяма степен до Ренесанса.

За разлика от други форми на изкуство, музиката на древния свят не е оставила в историята равностойно на тях творческо наследство. В огромен исторически диапазон от осем века - от 5 век пр.н.е. от 111 век от н.е д.-разпръснати са само единадесет примера за древногръцка музика, които са запазени в нотния запис от онова време. Вярно, това са първите записи на мелодии в Европа, достигнали до нас.

Най-важното свойство на културата на Древна Гърция, извън което тя почти не се възприема от съвременниците и съответно не можем да разберем, е съществуването на музиката в синкретично единство с други изкуства - в ранните етапи или в синтез с тях - в разцвета си. Музика в неразрушима връзкапоезията (оттук и текстовете), музиката като незаменим участник в трагедията, музиката и танца - това са характерните явления на старогръцкия художествен живот. Платон, например, говори много критично за инструменталната музика, независима от танците и пеенето, като твърди, че тя е подходяща само за бързо, без колебание ходене и за изобразяване на животински писъци:

„Използването на отделно свирене на флейта и цитара съдържа нещо изключително безвкусно и достойно само за магьосник.“ Произходът на гръцката трагедия, високо и сложно изкуство, идва от митологията, от магическите действия, от вярванията на хората. Произходът се връща в древни времена древногръцки митовеза велики музиканти - Орфей, 0лимпе, Марсия.

Важна информацияза ранната музикална култура в Гърция ни дава омировият епос, който сам по себе си се свързва с музикално изпълнение: “Илиада”, “Одисея”.

Наред със солистичните изпълнения на епически произведения през XI-VI в. спец хорови жанрове. Песните на остров Крит са съчетани с пластични движения, с танц (хипорема); хоровите жанрове са широко култивирани в Спарта от 7 век. Известно е, че спартанците са отдавали голямо значение на музиката, образователна стойност. Обучението им по музикално изкуство не е имало професионален характер, а е просто част от системата за общо образование на младежта. От тук в крайна сметка израства теорията за етоса, обоснована от гръцките мислители.

Ново направление в музикалното и поетичното изкуство на Древна Гърция, което излага лирически теми и образи, се свързва с имената на йонийския Архилох (VII век) и най-големите „представители на лесбийската школа Алкей и Сафо (обратът на Човек може да си помисли, че със засилването на лирическото начало и нарастването на ролята на мелодията в техните произведения, самата дума „лирика“ води началото си от лирата.

Лирическата поезия от 6 век е представена от няколко жанрови разновидности: елегии, химни, сватбени песни.

Класическият век на трагедията е 5 век пр.н.е. е.: творчеството на най-големите трагици Есхил (ок. 525-456), Софокъл (ок. 496-, Еврипид (ок. 480-406). Това е времето на най-високия разцвет на гръцката художествена култура, вековете на Фидий и Поликлейт, такива паметници класическа архитектура, като Партенона в Атина, най-добрият век в изкуството на целия древен свят. Производствата на трагедии се считаха за обществени тържества и в границите на робовладелското общество имаха относително широк демократичен характер: театърът се посещаваше от всички граждани, които дори получаваха държавни помощи за това. Хорът, изразител на общата нравственост, представлява народа на трагичната сцена и говори от негово име.

Драматургът беше едновременно поет и музикант; той направи всичко сам. Есхил, например, самият участва в изпълнението на своите пиеси. По-късно функциите на поета, музиканта, актьора и режисьора все повече се разделят. Актьорите бяха и певци. Пеенето на хора беше съчетано с пластични движения.

В елинистическата епоха изкуството вече не израства от художествената дейност на гражданите: то става напълно професионализирано.

Всичко, което е написано в Древна Гърция за музикалното изкуство и което може да се прецени с увереност от много оцелели материали, се основава на идеи за мелодичност (свързани главно с поетичното слово). Това е очевидно не само от съдържанието на специалните теоретични трудове, но и от по-общите етически и естетически изказвания на най-големите гръцки мислители. Така напълно се утвърждава изцяло характерният за старогръцкото музикално изкуство принцип на монофонията.

Най-интересното от древните съждения за музикалното изкуство е така нареченото учение за етоса, изложено от Платон, развито и задълбочено от Аристотел. Древната традиция свързва съчетаването на въпроси на политиката и музиката с името на Домон от Атина, учител на Сократ и приятел на Перикъл. Предполага се, че от него Платон е възприел идеята за благотворния ефект на музиката върху възпитанието на достойни граждани, която развива в книгите „Държава“ и „Закони“. В своето идеално състояние Платон отрежда на музиката първата (наред с другите изкуства) роля за възпитанието на младия човек в смел, мъдър, добродетелен и уравновесен човек, тоест в идеален гражданин. В същото време Платон, от една страна, свързва влиянието на музиката с влиянието на гимнастиката („красиви движения на тялото“), а от друга, той твърди, че мелодията и ритъмът най-вече улавят душата и насърчават човек да подражава на онези примери за красота, които му дава музикалното изкуство.

„След това, анализирайки какво точно е красиво в една песен, Платон открива, че това трябва да се преценява по думите, начина и ритъма. В съответствие с идеите на своето време, той измива всички начини, които са тъжни и релаксиращи по природа, и призовава само Дорийският и фригийският са достойни само за високите цели да възпитават млад войн. По същия начин философът признава сред музикалните инструменти само цитрата и лирата, отричайки етичните качества на всички останали. Така носителят на етоса от Платон гледна точка, не е произведение на изкуството, нито неговата образност, нито дори системно изразно средство, а само начинът или тембърът на инструмента, на който е приписано определено етично качество.

Аристотел преценява целта на музиката много по-широко, като твърди, че тя трябва да служи не на една, а на няколко цели и да се използва полезно: I) в името на образованието, 2) в името на пречистването, 3) в името на интелектуалното забавление , тоест в името на спокойствието и релаксацията от напрегната дейност... От тук е ясно,” продължава Аристотел, „че въпреки че можете да използвате всички режими, не трябва да ги използвате по един и същи начин.” Той съди естеството на въздействието на музиката върху психиката по този начин:

„Ритъмът и мелодията съдържат образи на гняв и кротост, смелост и умереност и всички противоположни на тях свойства, както и други, които са най-близки до реалността. нравствени качества. Това е ясно от опит: когато възприемаме ритъма и мелодията с ушите си, нашето психическо настроение също се променя. Навикът да изпитваме тъжно или радостно настроение, когато възприемаме нещо, което имитира реалността, води до факта, че започваме да изпитваме същите чувства, когато се сблъскваме с [ежедневната] истина” 3 . И накрая, Аристотел. стига до следния извод: „...Музиката е способна да има известно въздействие върху етическата страна на душата; и тъй като музиката има такива свойства, тогава, очевидно, тя трябва да бъде включена сред предметите на обучението на младежта.

Още от древността на философа и математика Питагор (VI в. пр. н. е.) се приписва значението на първия от гръцките мислители, който пише за музиката. На него се приписва първоначалното развитие на учението за музикалните интервали (консонанси и дисонанси) въз основа на чисто математически зависимости, получени чрез разделяне на струна. Като цяло питагорейците са използвали числа и пропорции по примера на древните. ориенталски култури(най-вече Египет) - даде магическо значение, извеждайки от тях, по-специално, магическите лечебни свойства на музиката. Накрая, чрез абстрактни и спекулативни конструкции, питагорейците стигат до идеята за така наречената „хармония на сферите“, вярвайки, че небесните тела, намирайки се в определени числени („хармонични“) отношения помежду си, трябва да звучат, когато движещи се и създават „небесна хармония“.

Що се отнася до учението за етоса, по-късно неоплатониците, особено Плотин (III век), го преосмислят в религиозно-мистичен дух, лишавайки го от гражданския патос, който някога му е бил присъщ в Гърция. От тук има преки нишки към естетическите възгледи на Средновековието. Упадъкът на античната култура в епохата на разлагането на робовладелската система именно допринесе за успешното развитие на християнското изкуство, което в много отношения се противопостави на естетиката и музикалната практика на Рим от предишните векове. Невъзможно е да се отрече, че на границата на две епохи са се образували някои връзки между наследството на античността и развитието на естетическата мисъл на следващите времена.

МУЗИКАЛНА КУЛТУРА НА СРЕДНОВЕКОВИЕТО

В развитието на музикалната култура на Западна Европа дългият и широк исторически период на Средновековието е трудно да се разглежда като един период, дори като една голяма епоха с обща хронологична рамка. Първата, начална граница на Средновековието - след падането на Западната Римска империя през 476 г. - обикновено се обозначава като 6 век. Междувременно единствената област на музикалното изкуство, оставила писмени паметници, до 12 век беше само музиката на християнската църква. Целият уникален комплекс от явления, свързани с него, се развива на основата на дългогодишна историческа подготовка, започваща от 2 век, и включва далечни начала, отиващи отвъд Западна Европа на Изток - до Палестина, Сирия, Александрия. В допълнение, църковната музикална култура на Средновековието по един или друг начин не е избягала от наследството на Древна Гърция и Древен Рим, въпреки че „бащите на църквата“ и по-късните теоретици, които пишат за музиката, до голяма степен противопоставят изкуството на християнската църква на езическия артистичен свят на древността.

Вторият най-важен етап, бележещ прехода от Средновековието към Ренесанса, през Западна Европане протича едновременно: в Италия - през 15 век, във Франция - през 16 век; в други страни борбата между средновековните и ренесансовите тенденции се провежда в различно време. Всички те се доближават до Ренесанса с различно наследство от Средновековието, със собствените си възникващи заключения от огромния исторически опит. Това беше значително улеснено от значителен поврат в развитието на художествената култура на Средновековието, който се случи през 11-12 век и беше причинен от нови социално-исторически процеси (разрастването на градовете, кръстоносните походи, появата на нови социални слоеве, първите силни центрове на светската култура и др.).

Въпреки това, с цялата относителност или подвижност на хронологичните аспекти, с неизбежните генетични връзки с миналото и неравномерния преход към бъдещето, музикалната култура на западноевропейското средновековие се характеризира със значими явления и процеси, които са уникални за нея и немислимо при други условия и в други времена. Това е, на първо място, движението и съществуването в Западна Европа на много племена и народи на различни етапи от историческото развитие, многообразието от начини на живот и различни политически системи и в същото време упоритото желание на католическата църква да обедини цял огромен, бурен, разнообразен свят, не само обща идеологическа доктрина, но и общи принципи на музикалната култура. Това, второ, е неизбежната двойственост на музикалната култура през Средновековието: църковното изкуство неизменно противопоставя своите канони на многообразието на народната музика в цяла Европа. През 1-13 век възникват нови форми на светско музикално-поетично творчество и църковната музика претърпява голяма трансформация. Но тези нови процеси протичат вече в условията на развит феодализъм.

Както е известно, специален характерсредновековна култура, средновековно образование, средновековно изкуство до голяма степен се определя от зависимостта от християнската църква.

Музиката на християнската църква се оформя в оригиналните си форми още в историческите условия на високата мощ на Римската империя. Вярата в задгробния живот, в най-високата награда за всичко, извършено на земята, както и идеята за изкуплението на греховете на човечеството чрез жертвата на Христос, разпънат на кръста, успяха да завладеят масите.

Историческата подготовка на григорианското песнопение като ритуално пеене на господстващата християнска църква е дълга и разнообразна.

В края на IV век, както е известно, Римската империя се разделя на западна (Рим) и източна (Византия), чиито исторически съдби тогава се оказват различни. Така западните и източна църква, тъй като по това време християнската религия е станала държавна религия.

С разделянето на Римската империя и образуването на два центъра на християнската църква пътищата на църковното изкуство, което е в процес на окончателно формиране, също се изолират до голяма степен на Запад и Изток.

Рим преработва по свой начин всичко, с което християнската църква разполага и на тази основа създава своето канонизирано изкуство – григорианския песнопение.

В резултат на това при папа Григорий (поне по негова инициатива) са съставени църковни мелодии, избрани, канонизирани, разпространени в рамките на църковната година. официален трезор - антифонар. Включените в него хорови мелодии се наричат Григориански песнопениеи става основа на литургичното пеене на католическата църква. Колекцията от григориански песнопения е огромна..

Колекцията от григориански песнопения от 11-12 век, а след това през Ренесанса, служи като начална основа за създаването на полифонични произведения, в които култовите песнопения са получили най-разнообразно развитие.

Колкото повече Римската църква разширява сферата си на влияние в Европа, толкова повече григорианското пеене се разпространява от Рим на север и запад.

Реформата на музикалната нотация е извършена от италианския музикант, теоретик и учител Гуидо д'Арецо през втората четвърт на 11 век.

Реформата на Гуидо беше силна в своята простота и органичен характер на оригиналната мисъл: той начерта четири линии и като постави невми върху тях или между тях, им даде точна стойност на надморската височина. Друга иновация на Гуидо от Арецо, по същество също негово изобретение, беше изборът на специфична шестстепенна скала (до-ре-ми-фа-сол-ла).

От края на 11 век, през 12 и особено през 13 век в музикалния живот и музикалното творчество на редица западноевропейски страни се появяват признаци на ново движение - отначало по-малко, а след това все по-забележимо. От първоначалните средновековни форми на музикалната култура, развитието на художествените вкусове и творческата мисъл преминава към други, по-прогресивни видове музикално творчество, към други принципи. музикално творчество.

През XII-XIII век постепенно се създават исторически предпоставки не само за формирането на нови творчески течения, но и за тяхното известно разпространение в Западна Европа. Така средновековният роман или разказ, който се развива на френска земя през 12-13 век, не остава само френски феномен. Заедно с романа за Тристан и Изолда и историята за Окасен и Николет, Парсифал и Бедният Хенри влизат в историята на литературата. Новият, готически стил в архитектурата, представен от класически образци във Франция (катедралите в Париж, Шартр, Реймс), намира израз и в германски и чешки градове, в Англия и др.

Първият разцвет на светската музикална и поетична лирика, който започва в Прованс през 12 век, след това завладява Северна Франция, отеква в Испания и намира израз по-късно в немския Минесанг. С цялата оригиналност на всяка от тези тенденции и тях се появи нов модел, характерен за епохата в нейния широк мащаб. По същия начин възникването и развитието на полифонията в нейните професионални форми - може би най-важният аспект на музикалната еволюция по това време - се случва с участието не само на френската творческа школа и особено не само на една група музиканти от Катедралата Нотр Дам, без значение колко големи бяха заслугите им.

За съжаление ние преценяваме пътищата на средновековната музика до известна степен избирателно. От състоянието на източниците е невъзможно да се проследят конкретни връзки, например, в развитието на полифонията между нейните източници на Британските острови и нейните форми на континента, особено в ранните етапи.

Средновековните градове в крайна сметка се превръщат във важни културни центрове. Основани са първите университети в Европа (Болоня, Париж). Градското строителство се разширява, издигат се богати катедрали и в тях се извършват богослужения с голяма блясък с участието на най-добрите хорови певци (те се обучават в специални училища - метрици - при големите църкви). Църковното обучение (и по-специално музикалното обучение), характерно за Средновековието, вече не е концентрирано само в манастирите. Нови форми, нов стил на църковна музика несъмнено са свързани с културата на средновековния град. Ако те са били частично подготвени от предишната дейност на учени монашески музиканти (като Хукбалд от Сен-Аман и Гуидо от Арецо), ако ранните примери на полифония идват от монашеските училища на Франция, по-специално от манастирите в Шартр и Лимож, , тогава все още има последователно развитието на нови форми на полифония започва в Париж през 12-ти и 13-ти век.

Друг, също много значим пласт от средновековната музикална култура, първоначално е свързан с дейността, кръга от интереси и своеобразната идеология на европейското рицарство. Кръстоносни походи на Изток, огромни движения на дълги разстояния, битки, обсади на градове, граждански борби, смели, рисковани приключения, завладяване на чужди земи, контакти с различни народи на Изтока, техните обичаи, начин на живот, култура, напълно необичайни впечатления – всичко това оставя отпечатък върху новия мироглед на рицарите кръстоносци. Когато част от рицарството успя да съществува в благоприятни мирни условия, съществуващата преди това идея за рицарска чест (разбира се, социално ограничена) беше съчетана с култа към красивата дама и рицарското обслужване към нея, с идеала за придворна любовта и свързаните с нея норми на поведение. Тогава започва да се развива музикално-поетичното изкуство на трубадурите, което дава първите образци на писмена светска вокална лирика в Европа.

Продължават да съществуват и други слоеве от музикалната култура на Средновековието, свързани с народния живот, с дейността на странстващите музиканти, с настъпващите промени в тяхната среда и бит.

Сведенията за скитащи народни музиканти от Средновековието стават по-богати и категорични от 9-ти до 14-ти век. Тези жонгльори, менестрели, шпилмани - както са ги наричали по различно време и в различни части - дълго време са били единствените представители на светската музикална култура на своето време и по този начин са изиграли важна историческа роля. До голяма степен на базата на тяхната музикална практика, на техните песенни традиции се оформят ранните форми на светската лирика от 12-13 век. Те, тези скитащи музиканти, не се разделиха с музикалните инструменти, докато църквата или отхвърли участието им, или го прие много трудно. В допълнение към различни духови инструменти (тромпети, рогове, флейти, флейти на Пан, гайди), с течение на времето арфата (от древните), къртицата (келтски инструмент), разновидности на лъкови инструменти, предците на бъдещата цигулка - rebab, viela, fidel (възможно от изток).

По всяка вероятност тези средновековни актьори, музиканти, танцьори, акробати (често всички в едно лице), наричани жонгльори или други подобни имена, са имали свои собствени културни и исторически традиции, датиращи от древността. Те биха могли да поемат - през няколко поколения - наследството синкретично изкустводревноримски актьори, чиито потомци, наречени хистриони и мимове, се скитаха дълго време, лутайки се средновековна Европа. Най-старите полулегендарни представители на келтския (бардове) и германския епос също можеха по един или друг начин да предадат своите традиции на жонгльори, които, въпреки че не успяха да им останат верни, все пак научиха нещо от тях за себе си. Във всеки случай, през 9-ти век, когато предишните споменавания на хистриони и мимове вече са били заменени от доклади за жонгльори, последните са били известни и като изпълнители на епоса. Придвижвайки се от място на място, жонгльорите участват в празненства в дворове (където се събират на определени дати), в замъци, в села, а понякога дори им се допускат в църкви. В стихове, романи и песни от Средновековието многократно се споменава участието на жонгльори в празнични забавления и в организирането на всякакви зрелища на открито. Докато тези представления, провеждани на големи празници в църкви или гробища, се изпълняваха само на латински, учениците от манастирските училища и младите духовници можеха да участват в представленията. Но до 13-ти век латинският е заменен от местните народни езици - и тогава скитащите музиканти, преструвайки се, че изпълняват комични роли и епизоди в духовни представления, успяват по някакъв начин да си пробият път в редиците на актьорите и след това да спечелят успех с техните шеги сред зрители и слушатели. Такъв е случаят например с катедралите в Страсбург, Руан, Реймс и Камбре. Сред „историите“, които се представяха по празниците, бяха коледни и великденски „действия“, „Оплакването на Мария“, „Историята за разумните девици и глупавите девици“ и др. Почти навсякъде в представленията, в името на посетители, определени или други комични епизоди, свързани с участието на зли сили или с приключенията и забележките на слугите. Тук се отвори полето за актьорските музикални способности на жонгльорите с тяхната традиционна буфонада.

Много от менестрелите изиграха специална роля, когато започнаха да си сътрудничат с трубадурите, придружавайки навсякъде своите рицари-покровители, участвайки в изпълнението на техните песни и присъединявайки се към нови форми на изкуство.

В резултат на това самата среда на „скитащи хора“, жонгльори, шпилмани, менестрели, претърпяла значителни трансформации с течение на времето, не остана еднаква по състав. Това беше улеснено и от притока на нови сили - грамотни, но загубили стабилното си положение в обществото, тоест по същество декласирани неудачници от дребното духовенство, скитащи студенти, монаси-бегълци. Появявайки се сред редиците на пътуващи актьори и музиканти през 11-12 век във Франция (а след това и в други страни), те получават имената на vagantes и goliards. С тях нови житейски концепции и навици, начетеност, а понякога дори известна ерудиция идват в пластовете на жонгльорството.

От края на 13 век в различни европейски центрове се създават гилдийни асоциации на шпилмани, жонгльори и менестрели, за да защитят правата си, да определят мястото си в обществото, да запазят професионалните традиции и да ги предадат на учениците. През 1288 г. във Виена е основано Братството на Св. Никола“, която обединявала музиканти, през 1321 г. „Братството на Св. Жулиен“ в Париж беше гилдийна организация на местни певци. Впоследствие в Англия се сформира гилдия от „кралски менестрели“. Този преход към еснафския начин на живот по същество слага край на историята на средновековното жонгльорство. Но скитащите музиканти не са се установили напълно в своите братства, гилдии и работилници. Техните скитания продължават през 14-ти, 15-ти и 16-ти век, обхващайки огромна територия и в крайна сметка създавайки нови музикални и ежедневни връзки между отдалечени региони.

Трубадури, трувери, минезингери

Изкуството на трубадурите, възникнало в Прованс през 12 век, по същество е само началото на специално творческо движение, характерно за своето време и почти изцяло свързано с развитието на нови, светски форми на художествено творчество. Тогава много благоприятства ранния разцвет на светската художествена култура в Прованс: относително по-малко опустошения и бедствия в миналото, по време на миграцията на народите, стари занаятчийски традиции и дълго запазени търговски връзки. В такива исторически условия се развива рицарската култура.

Своеобразният процес на развитие на ранното светско изкуство, възникнал по художествена инициатива на провансалското рицарство, до голяма степен се подхранва от мелодичния произход на народните песни и се разпространява в повече широк кръгжители на града, съответно развиващи се по тематично съдържание.

Изкуството на трубадурите се развива почти два века от края на 11 век. През втората половина на 12 век имената на труверите вече са известни като поети и музиканти в северна Франция, в Шампан и в Арас. През 13 век дейността на труверите става по-интензивна, докато изкуството на провансалските трубадури завършва своята история.

Труверите до известна степен наследяват творческата традиция на трубадурите, но в същото време техните произведения са по-ясно свързани не с рицарската, а с градската култура на своето време. Въпреки това сред трубадурите имаше представители на различни социални кръгове. И така, първите трубадури са: Гийом VII, граф на Поатие, херцог на Аквитания (1071 - 1127) - и бедният гасконец Маркабрун.

Провансалските трубадури, както знаем, обикновено си сътрудничат с жонгльори, които пътуват с тях, изпълняват песните им или съпровождат пеенето им, като че ли съчетават едновременно задълженията на слуга и помощник. Трубадурът е бил меценат, автор на музикално произведение, а жонгльорът е бил изпълнител.

В музикално-поетичното изкуство на трубадурите възникват няколко характерни жанрови разновидности на поеми-песни: алба (песен на зората), пастурел, сирвента, песни на кръстоносците, песни-диалоги, оплаквания, танцови песни. Този списък не е строга класификация. Любовните текстове са въплътени в албуми, пасторели и танцови песни.

Сирвента - обозначението не е много ясно. Във всеки случай това не е така лирическа песен. Звучащ от името на рицар, воин, смел трубадур, той може да бъде сатиричен, обвинителен, насочен към цял клас, към определени съвременници или събития. По-късно възникват жанровете балади и рондо.

Както може да се прецени въз основа на специални изследователски материали, изкуството на трубадурите в крайна сметка не е изолирано нито от традициите на миналото, нито от други съвременни форми на музикално и поетично творчество.

Изкуството на трубадурите служи като важно свързващо звено между първите форми на музикално-поетична лирика в Западна Европа, между музикално-битовата традиция и високо професионалните области на музикалното творчество през 13 век. XIV век. Самите по-късни представители на това изкуство вече са гравитирали към музикална професионализация и са усвоили основите на ново музикално умение.

Ето как Адам де ла Ал ( 1237-1238 - 1287), един от последните трувери, родом от Арас, френски поет, композитор, драматург от втората половина на 13 век. От 1271 г. той служи в двора на граф Робер д'Артоа, с когото през 1282 г. отива при Карл Анжуйски, крал на Сицилия, в Неапол.По време на престоя му в Неапол е създадена "Играта на Робин и Марион" - най-големият и значителна работапоет-композитор.

Такива творби са предисторията на раждането на френската музикална комедия от 16 век. и оперети от 19 век.

Примери за изкуството на трубадурите идват в Германия през 12-ти и 13-ти век и привличат интересно внимание там; Текстовете на песните са преведени на немски, дори мелодиите понякога са с подтекст с нови думи. Развитието от втората половина на 12 век (до самото начало на 15 век) на немския минесанг като художествено въплъщение на местната рицарска култура прави този интерес към музикалното и поетичното изкуство на френските трубадури - особено сред ранни минезингери - съвсем разбираемо.

Изкуството на минезингерите се развива почти век по-късно от изкуството на трубадурите, в малко по-различна историческа ситуация, в страна, където първоначално не е имало толкова силни основи за формирането на нов, чисто светски мироглед.

Най-големият представител на Minnesang беше Валтер фон дер Фогелвайде, поет, автор на "Парсифал" Волфрам фон Ешенбах. Така легендата в основата на „Танхойзер“ на Вагнер се основава на исторически факти.

Дейностите на немските минезингери обаче по никакъв начин не се ограничават до служба и представления в съдилищата: именно най-забележителните от тях прекарват значителна част от живота си в далечни пътувания.

Така че изкуството на минесанг не е толкова едноизмерно: то съчетава различни тенденции, а мелодичната страна като цяло е по-прогресивна от поетичната. Жанрово разнообразиеПесните на минезингерите са в много отношения подобни на тези, култивирани от провансалските трубадури: песни на кръстоносците, любовно-лирични песни от различни видове, танцови мелодии.

Свещената музика от късното Средновековие също продължава да се развива. Полифоничното музикално представяне беше широко развито.

Развитието на полифоничното писане, което първоначално е характерно за църковното изкуство, също води до формирането на нови музикални жанрове както с духовно, така и със светско съдържание. Най-често срещаният жанр на полифонията става мотет.

Мотетът, който има голямо бъдеще пред себе си, се развива много интензивно през 13 век. Неговият произход датира от миналия век, когато възниква във връзка с творческата дейност на школата Нотр Дам и първоначално има литургично предназначение.

Мотетът от 13-ти век е полифонично (обикновено тригласно) произведение с малък или среден размер. Жанровата характеристика на мотета беше първоначалното разчитане на готова мелодична извадка (от църковни мелодии, от светски песни), върху която бяха наслоени други гласове с различен характер и дори понякога с различен произход. Резултатът беше комбинация от различни мелодии с различни текстове.

Инструменти (виела, псалтериум, орган) могат да участват в изпълнението на определени мотети. И накрая, през 13 век, уникална форма на ежедневна полифония, наречена рондел, рота, ру (колело), ​​също придобива популярност. Това е комичен канон, познат и на средновековните шпилмани.

До края на 13 век музикалното изкуство на Франция до голяма степен задава тона в Западна Европа. Музикалната и поетична култура на трубадурите и труверите, както и важни етапи в развитието на полифонията отчасти повлияха на музикалното изкуство на други страни. В историята на музиката 13-ти век (от около 1230-те години) получава наименованието "Ars antiqua" ("старо изкуство").

ARS NOVA ВЪВ ФРАНЦИЯ. ГИЙОМ МАШО

Около 1320 г. в Париж е създаден музикално-теоретичен труд на Филип дьо Витри, озаглавен „Ars nova“. Тези думи - „Ново изкуство“ - се оказаха крилати фрази: от тях дойде определението за „ера на Ars nova“, което и до днес обикновено се приписва на френската музика от 14 век. Изразите „ново изкуство“, „нова школа“, „нови певци“ често се срещат по времето на Филип дьо Витри, не само в теоретични трудове. Независимо дали теоретиците подкрепяха новите тенденции или ги осъждаха, независимо дали папата ги осъждаше, навсякъде те имаха предвид нещо ново в развитието на музикалното изкуство, което не съществуваше преди появата на развитите форми на полифонията.

Най-големият представител на Ags nova във Франция беше Гийом дьо Машо-известен поет и композитор на своето време, чието творческо наследство се изучава и в историята на литературата.

Колкото и сложно да е станало през 14в по-нататъчно развитиеполифонични форми, линията на музикално-поетичното изкуство, идваща от трубадурите и труверите, не се губи напълно в атмосферата на френската Аrs nova. Ако Филип дьо Витри беше преди всичко учен музикант, а Гийом дьо Машо стана майстор на френските поети, тогава въпреки това и двамата бяха поети-музиканти, тоест в този смисъл те сякаш продължаваха традициите на труверите от 13 век. В крайна сметка не толкова дълго времеразделя творческата дейност на Филип дьо Витри, който започва да композира музика около 1313-1314 г. и дори дейността на Машо (от 1320-1330 г.) - от последните годинитворчески живот на Адам де ла Ал († 1286 или 1287).

Много по-значима е историческата роля на Guillaume ds Machaut. Без него изобщо нямаше да има Ars nova във Франция. Именно неговото музикално-поетично творчество, изобилно, оригинално, многожанрово, концентрира Основните функциитази епоха. Неговото изкуство изглежда съдържа линии, които текат, от една страна, от музикалната и поетична култура на трубадурите и труверите в нейната древна песенна основа, а от друга, от френски училищаполифония от 11-111 век.

ОТНОСНО житейски пътЗа съжаление не знаем нищо за Машо преди 1323 г. Известно е, че той е роден около 1300 г. в Машо. Той беше високообразован поет с широка ерудиция и истински майстор на своя композиторски занаят. Предвид безспорно високия му талант, той, разбира се, е трябвало да получи задълбочена подготовка за литературно и музикална дейностПървата дата, с която се свързва фактът от биографията на Машо, е 1322 - 1323 г., когато започва службата му в двора на бохемския крал Йоан Люксембургски (първо като чиновник, след това като кралски секретар). Повече от двадесет години Машо беше в двора на краля на Бохемия, понякога в Прага, понякога постоянно участваше в неговите кампании, пътувания, фестивали, лов и т.н. В свитата на Йоан Люксембургски той имаше възможност да посети големите центрове на Италия, Германия и Полша. По всяка вероятност всичко това остави много впечатления на Гийом дьо Машо и го обогати напълно житейски опит. След смъртта на краля на Бохемия през 1346 г. той е на служба при френските крале Йоан Добри и Карл V и също получава канонизация в катедралата Нотр Дам в Реймс. Това допринесе за славата му на поет. Машо е високо ценен приживе, а след смъртта си през 1377 г. е прославян от съвременниците си с великолепни епитафии. Машо оказва значително влияние върху френската поезия и създава цяла школа, която се характеризира с формите на разработената от него поетична лирика.

Мащабът на музикално-поетичното творчество на Машо с многостранното развитие на жанровете, независимостта на позициите му, оказали силно влияние върху френските поети, високото майсторство на музиканта - всичко това го прави първата толкова голяма личност в историята на музикално изкуство.

Творческо наследствоМашо е обширно и разнообразно. Създава мотети, балади, рондо, канони и др.

След Машо, когато името му беше високо почитано от поети и музиканти и влиянието му се усещаше по един или друг начин и от двамата, той нямаше истински големи наследници сред френските композитори. Те научиха много от неговия опит като полифонист, усвоиха техниката му, продължиха да култивират същите жанрове като него, но донякъде усъвършенстваха изкуството си чрез свръхусложняване на детайлите.

ВЪЗРАЖДАНЕ

Непреходното значение на Ренесанса за културата и изкуството на Западна Европа отдавна е признато от историците и е станало общоизвестно. Музиката на Ренесанса е представена от редица нови и влиятелни творчески школи, славните имена на Франческо Ландини във Флоренция през 14 век, Гийом Дюфе и Йоханес Окегем през 15 век, Жоскен Депре в началото на 16 век и плеяда на класиката строг стилв резултат на Ренесанса – Палестрина, Орландо Ласо.

Това е началото в Италия нова ераидва за музикалното изкуство през 14 век. Холандското училище се оформя и достига първите си върхове до 15 век, след което развитието му се разширява и влиянието му по един или друг начин завладява майстори на други национални училища. Признаците на Ренесанса ясно се появяват във Франция през 16 век, въпреки че неговите творчески постижения са големи и неоспорими дори в предишните векове. Възходът на изкуството в Германия, Англия и някои други страни, включени в орбитата на Ренесанса, датира от 16 век.

И така, в музикалното изкуство на западноевропейските страни се появяват очевидни черти на Ренесанса, макар и с известна неравномерност, в рамките на XIV-XVI век. Художествената култура на Ренесанса, по-специално музикалната култура, несъмнено не се отклонява от най-добрите творчески постижения на късното Средновековие. Историческата сложност на Ренесанса се корени във факта, че феодалната система все още е запазена почти навсякъде в Европа и са настъпили значителни промени в развитието на обществото, което в много отношения е подготвило настъпването на нова ера. Това се изрази в социално-икономическата сфера, политически живот, в разширяването на кръгозора на съвременниците – географски, научен, художествен в преодоляването на духовния диктат на църквата, в възхода на хуманизма, израстването на самосъзнанието на значима личност. С особена яркост се появиха признаците на нов светоглед и след това се утвърдиха в художествено творчество, в движение напред различни изкуства, за когото „революцията на умовете“, създадена от Ренесанса, е изключително важна.

Няма съмнение, че хуманизмът в неговото „ренесансово“ разбиране влива огромни свежи сили в изкуството на своето време, вдъхновява художниците да търсят нови теми и до голяма степен определя характера на образите и съдържанието на техните произведения. За музикалното изкуство хуманизмът означаваше преди всичко задълбочаване в човешките чувства, признаване на нова естетическа стойност за тях. Това допринесе за идентифицирането и прилагането на най-силните свойства на музикалната специфика.

Цялата епоха като цяло се характеризира с ясно преобладаване на вокалните жанрове, по-специално вокалната полифония. Много бавно, постепенно инструменталната музика придобива известна самостоятелност, но нейната пряка зависимост от вокалните форми и от битовите източници (танц, песен) ще бъде преодоляна малко по-късно. Основните музикални жанрове остават свързани с вербалния текст.

Дългият път на музикалното изкуство, изминат от XIV до края на XVI век, никак не е прост и праволинеен, както и цялата духовна култура на Ренесанса не се развива само и изключително по възходяща права линия. В музикалното изкуство, както и в сродните области, имаше както собствена „готическа линия“, така и собствено, стабилно и упорито наследство от Средновековието.

Музикалното изкуство на западноевропейските страни достигна нов крайъгълен камък в многообразието на италиански, холандски, френски, немски, испански, английски и други творчески школи и в същото време с ясно изразени общи тенденции. Вече беше създадена класика на строг стил, течеше своеобразна „хармонизация“ на полифонията, движението към хомофонично писане се засилваше и ролята на творческа индивидуалностхудожник, значението на ежедневната музика и нейното въздействие върху професионалното изкуство стават все по-силни високо ниво, светските музикални жанрове (особено италианския мадригал) образно се обогатяват и индивидуализират, а младата инструментална музика се доближава до прага на независимостта. 17 век директно получава всичко това от 16 век - като наследство от Ренесанса.

ARS NOVA В ИТАЛИЯ. ФРАНЧЕСКО ЛАНДИНИ

Италианското музикално изкуство от 14-ти век (Trecento) като цяло създава невероятно впечатление за свежест, сякаш младостта на нов, току-що възникващ стил. Музиката на Арс е нова в Италия и е привлекателна и силна именно поради своята чисто италианска природа и различията си с френското изкуство от същото време. Ars е нов в Италия - вече зората на Ренесанса, негов значим предвестник. Неслучайно Флоренция се превръща в център на творческата дейност на италианските представители на Ars nova, чието значение е първостепенно за нова литературахуманистично направление, а – до голяма степен – и за изобразителното изкуство.

Периодът Ars nova обхваща 14 век от около 20-те до 80-те години и е белязан от първия истински разцвет на светското музикално творчество в Италия. Италианската Ars nova се характеризира с неоспорим превес на светските творби над духовните. В повечето случаи това са примери за музикални текстове или някакви жанрови произведения.

В центъра на движението Ars nova се издига фигурата на Франческо Ландини, богат и много талантлив художник, който направи силно впечатление на прогресивните си съвременници.

Ландини е роден във Фиезоле, близо до Флоренция, в семейството на художник. След като боледува от едра шарка в детството си, той ослепява завинаги. Според Вилани той започва да учи музика рано (първо пеене, а след това свирене на струнни инструменти и орган). Неговото музикално развитие върви с невероятна скорост и удивлява околните. Той отлично изучава дизайна на много инструменти, прави подобрения и измисля нови дизайни. През годините Франческо Ландини надминава всички италиански музиканти от своето време.

Той беше особено известен със свиренето си на орган, за което той, в присъствието на Петрарка, беше увенчан с лаври във Венеция през 1364 г. Съвременните изследователи го приписват ранни творбидо 1365-1370г. През 1380-те години славата на Ландини като композитор вече е засенчила успехите на всички негови италиански съвременници. Ландини умира във Флоренция и е погребан в църквата Сан Лоренцо; Датата на надгробния му камък е 2 септември 1397 г.

Днес са известни 154 композиции на Ландини. Сред тях преобладават баладите.

Работата на Ландини по същество завършва периода Ars nova в Италия. Няма съмнение, че общото ниво на изкуството на Ландини и характерните за него качества не ни позволяват да го считаме за провинциално, примитивно или чисто хедонистично.

През последните две десетилетия на 19 век в музикалното изкуство на Италия настъпват промени, които първо нарушават целостта на позицията на Ars nova, а след това довеждат до края на нейната епоха. Изкуството на 10 век вече принадлежи към нов исторически период.

Средновековието е велика епоха от човешката история, време на господство на феодалната система.

Периодизация на културата:

ранно средновековие – V - X век

Зряло Средновековие – XI – XIV век

През 395 г. Римската империя се разделя на две части: Западна и Източна. В западната част, върху руините на Рим, през 5-9 век има варварски държави: остготи, вестготи, франки и др. През 9 век, в резултат на разпадането на империята на Карл Велики, три държави са били формирани тук: Франция, Германия, Италия. Столицата на източната част е Константинопол, основан от император Константин на мястото на гръцката колония Византия - откъдето идва и името на държавата.

§ 1. Западноевропейско средновековие

Материалната основа на Средновековието са феодалните отношения. Средновековната култура се формира в условия селско имение. В бъдеще социалната основа на културата става градска среда – бюргери.С образуването на държавите се формират основните класи: духовенство, благородство и народ.

Изкуството на Средновековието е тясно свързано с църква . християнска доктрина- основата на философията, етиката, естетиката, целия духовен живот на това време. Изпълнено с религиозна символика, изкуството е насочено от земното, преходното – към духовното, вечното.

Заедно с официална църквакултура (висока) е съществувала светскикултура (масови) – фолклор(ниски социални слоеве) и рицарски(придворно).

Основни огнища професионаленмузика ранно средновековие- катедрали, певчески училища към тях, манастири - единствените центрове на образованието от онова време. Учили са гръцки и латински, аритметика и музика.

Основният център на църковната музика в Западна Европа през Средновековието е Рим. В края на VI - началото на VII век. се формира основната разновидност на западноевропейската църковна музика - Григориански песнопение , кръстен на папа Григорий I, който извърши реформа на църковното пеене, събирайки и рационализирайки различни църковни песнопения. Григориански песнопение - монофониченКатолическо песнопение, което обединява вековни певчески традиции на различни близкоизточни и европейски народи (сирийци, евреи, гърци, римляни и др.). Това беше плавното монофонично разгръщане на една мелодия, която имаше за цел да олицетворява една воля, посоката на вниманието на енориашите в съответствие с принципите на католицизма. Характерът на музиката е строг, безличен. Хоралът се изпълнява от хор (оттук и името), а някои части от солист. Преобладава прогресивното движение, базирано на диатонични ладове. Грегорианското пеене позволява много градации, вариращи от силно бавно хорова псалмодияи край годишнини(мелизматично напяване на сричка), изискващо виртуозно вокално майсторство за изпълнението му.

Григорианският песнопение отдалечава слушателя от реалността, предизвиква смирение и води до съзерцание и мистично откъсване. Този ефект се улеснява и от текста на латински език,неразбираем за мнозинството от енориашите. Ритъмът на пеенето се определяше от текста. Тя е неясна, неопределена, обусловена от характера на акцентите на рецитацията на текста.

Различните видове григориански песнопения бяха събрани в основната служба на католическата църква - маса, в който са установени пет стабилни части:

Кайри Елисън(Господ е милостив)

Глория(слава)

Кредо(Аз вярвам)

Санктус(свят)

Агнус Дей(агне на Бог).

С течение на времето елементи от народната музика започват да проникват в григорианското песнопение химни, секвенции и тропи.Ако псалмодиите се изпълняваха от професионален хор от певци и духовници, тогава химните в началото се изпълняваха от енориаши. Те са били вложки в официалното богослужение (имали са черти на народната музика). Но скоро химничните части на масата започнаха да изместват псалмичните, което доведе до появата полифонична маса.

Първите последователности бяха подтекст за мелодията на годишнината, така че един звук от мелодията да има отделна сричка. Последователността се превръща в широко разпространен жанр (най-популярният « Вени, sancte спиритус» , « умира irae», « Стабат матер» ). „Dies irae“ е използвано от Берлиоз, Лист, Чайковски, Рахманинов (много често като символ на смъртта).

Първите примери за полифония идват от манастирите - органум(движение в паралелни пети или четвърти), Гимел, Фобурдон(паралелни шести акорди), диригент. Композитори: Леонин и Перотин (12-13 век - катедралата Нотр Дам).

Превозвачи светски народ музика през Средновековието са били мимове, жонгльори, менестреливъв Франция, стилети– в страни с немска култура, hoglars –в Испания, смешници -в Русе. Тези пътуващи артисти бяха универсални майстори: те съчетаваха пеене, танци, свирене на различни инструменти с магия, цирково изкуство и куклен театър.

Другата страна светска културабеше рицарска (придворна) култура (култура на светските феодали). Почти всички благородни хора са били рицари - от бедните воини до кралете. Създава се специален рицарски кодекс, според който рицарят, наред със смелостта и доблестта, трябва да има изискани маниери, да бъде образован, щедър, великодушен и да служи вярно На красивата дама. Всички аспекти на рицарския живот са отразени в музикалното и поетичното изкуство трубадури(Прованс - Южна Франция) , trouvères(Северна Франция), Минезингери(Германия). Изкуството на трубадурите се свързва преди всичко с любовната лирика. Повечето популярен жанримаше любовна лирика канцона(Минезингерите имат „Утринни песни“ - албуми).

Труверите, като използваха широко опита на трубадурите, създадоха свой собствен оригинални жанрове: « тъкачни песни», « Майски песни" Важна област от музикалните жанрове на трубадурите, trouvères и minnesingers бяха песенни и танцови жанрове: рондо, балада, виреле(рефренни форми), както и героичен епос(Френски епос „Песента на Роланд“, немски - „Песента на нибелунгите“). Сред минезингерите беше често срещано песни на кръстоносците.

Характерни черти на изкуството на трубадурите, труверите и минезингерите:

Монофония- е следствие от неразривната връзка на мелодията с поетичния текст, която следва от самата същност на музикално-поетичното изкуство. Монофонията също съответства на фокуса върху индивидуализираното изразяване на собствените преживявания, върху личната оценка на съдържанието на изявлението (често изразяването на лични преживявания беше рамкирано чрез изобразяване на картини от природата).

Най-вече вокално изпълнение.Ролята на инструментите не беше значителна: тя беше сведена до изпълнението на въведения, интерлюдии и постлюдии, рамкиращи вокалната мелодия.

За рицарското изкуство все още не може да се говори като професионално, но за първи път в условията светскимузицирането се създава мощно музикално-поетично направление с развит комплекс от изразни средства и сравнително перфектно музикално писане.

Едно от важните постижения зряло Средновековие,започвайки от X-XI век, е имало градско развитие(бюргерска култура) . Основните характеристики на градската култура са антицърковна, свободолюбива ориентация, връзки с фолклора, нейният смях и карнавален характер. Развива се готическият архитектурен стил. Формират се нови полифонични жанрове: от 13-14 до 16 век. - мотет(от френски - „дума“. Мотетът се характеризира с мелодичното различие на гласове, интониращи различни текстове едновременно - често дори на различни езици), мадригал(от италиански - „песен на роден език“, т.е. Италиански Текстовете са любовно лирични, пасторални), качча(от италиански - "лов" - вокално произведение, базирано на текст, изобразяващ лов).

Пътуващите народни музиканти преминават от номадски към заседнал начин на живот, населяват цели градски квартали и формират уникални „музикантски гилдии“. От 12 век се присъединяват и народни музиканти ваганти и голиарди- декласирани хора от различни класи (ученици, монаси-бегълци, скитащи духовници). За разлика от неграмотните жонгльори - типични представители на изкуството на устната традиция - вагантите и голиардите са били грамотни: те са притежавали на латиницаи правилата на класическата версификация, те композираха музика - песни (диапазонът от образи е свързан с училищната наука и ученическия живот) и дори сложни композиции като диригенти и мотети.

Превръща се в значим център на музикалната култура университети.Музиката, или по-точно музикалната акустика, заедно с астрономията, математиката и физиката, беше включена в квадриума, т.е. цикъл от четири дисциплини, изучавани в университетите.

По този начин в средновековния град има центрове на музикална култура от различен характер и социална насоченост: асоциации на народни музиканти, придворна музика, музика на манастири и катедрали, университетска музикална практика.

Музикална теория на Средновековието е тясно свързана с теологията. В малкото музикално-теоретични трактати, достигнали до нас, музиката се разглежда като „слугиня на църквата“. Сред видните трактати от ранното средновековие се открояват 6 книги „За музиката“ на Августин, 5 книги на Боеций „За установяването на музиката“ и др.. Голямо място в тези трактати е отделено на абстрактните схоластични въпроси, учение за космическата роля на музиката и др.

Средновековната режимна система е разработена от представители на църковното професионално музикално изкуство - затова името „църковни режими“ е присвоено на средновековните режими. Йонийският и еолийският модус се утвърждават като основни модуси.

Музикалната теория на Средновековието излага учението за хексакордите. Във всеки режим на практика бяха използвани 6 стъпки (например: do, re, mi, fa, salt, la). Тогава Si беше избягван, защото заедно с F, той формира ход към увеличена четвърта, което се смяташе за много дисонантно и беше образно наречено „дяволът в музиката“.

Невзаимното записване беше широко използвано. Гуидо Аретинскиподобри системата за нотиране. Същността на неговата реформа беше следната: наличието на четири линии, третото съотношение между отделните линии, ключовият знак (първоначално азбучен) или оцветяването на линиите. Той също така въвежда сричкови означения за първите шест степени на модуса: ut, re, mi, fa, сол, la.

Въведено мензурална нотация, където на всяка нота се приписваше определена ритмична мярка (лат. mensura - мярка, измерване). Наименование на продължителности: maxima, longa, brevis и др.

XIVвек – преходен период между Средновековието и Ренесанса. Изкуството на Франция и Италия от 14 век се нарича " Арс нова"(от латински - ново изкуство), а в Италия имаше всички свойства на ранния Ренесанс. Основни характеристики: отказ от използване изключително на жанрове на църковната музика и обръщане към светски вокално-инструментални камерни жанрове (балада, какия, мадригал), сближаване с ежедневната песен и използването на различни музикални инструменти. Ars nova е обратното на т.нар. ars antiqua (лат. ars antiqua - старо изкуство), което означава музикално изкуство преди началото на 14 век. Най-големите представители на ars nova бяха Гийом дьо Машо (14 век, Франция) и Франческо Ландино (14 век, Италия).

Така музикалната култура на Средновековието, въпреки относителната ограниченост на средствата, представлява по-високо ниво в сравнение с музиката на античния свят и съдържа предпоставките за великолепния разцвет на музикалното изкуство през Ренесанса.

Музика от средновековието

Музикалната култура на Средновековието е изключително обемно и многостранно историческо явление, хронологично разположено между епохите на Античността и Ренесанса. Трудно е да си го представим като единичен период, тъй като в различните страни развитието на изкуството следва свои собствени пътища.

Специфична черта на Средновековието, оставила отпечатък върху всички сфери на човешкия живот по това време, е водещата роля на църквата в политиката, етиката, изкуството и т.н. Музиката също не е избегнала тази съдба: тя все още не е била се отделя от религията и има предимно духовна функция. Неговото съдържание, образност и цялата му естетическа същност въплъщават отричането на ценностите на земния живот в името на наградата след смъртта, проповядването на аскетизма и откъсването от външните блага. Народното изкуство, което продължава да носи отпечатъка на езическите вярвания, често е атакувано от „официалното“ изкуство на католическата църква.

Първият период - ранното средновековие - обикновено се изчислява от епохата, последвала непосредствено след падането на Римската империя, т.е. от 6 век сл. Хр. д. По това време много племена и народи съществуват и мигрират на територията на Европа на различни етапи от историческото развитие. Оцелелите паметници на музикалното изкуство от този период обаче са само музиката на християнската църква (главно в по-късна нотация), наследяваща, от една страна, културата на Римската империя, а от друга, музиката на Изтока. (Юдея, Сирия, Армения, Египет). Предполага се, че изпълнителските традиции на християнското пеене са антифон (противопоставяне на две хорови групи) и респонсории (редуване на соло пеене и „отговори” на хора) - разработени на базата на източни модели.

До 8 век в европейските страни постепенно се формира традиция на литургичното пеене, чиято основа е григорианският песнопение - набор от монофонични хорови песнопения, систематизирани от папа Григорий I. Тук трябва да се спрем по-подробно на личността на самия Григорий, който поради значимостта на фигурата си в историята е удостоен с титлата Велик.

Той е роден в Рим през 540 г. в семейство от знатен произход, което не е изпитвало финансови затруднения. След смъртта на родителите си Григорий получава богато наследство и успява да основе няколко манастира в Сицилия и един в Рим, на хълма Келиан, в семейния си дом. За място за живеене той избра последния манастир, наречен Манастирът на св. апостол Андрей.

През 577 г. Григорий е ръкоположен за дякон, през 585 г. е избран за настоятел на основания от него манастир, през 590 г. с единодушно решение на римския сенат, духовенството и народа е избран на папския престол, който заема до смъртта си през 604 .

Още приживе Григорий се радваше на голямо уважение на Запад и не беше забравен дори след смъртта си. Има много истории за чудеса, извършени от него. Той стана известен и като писател: биографите го приравняват в това отношение с велики философи и мъдреци. Освен това Григорий Велики е една от най-важните фигури в развитието на църковната музика. Приписва му се разширяването на системата от амв-росийски ладове и създаването на специална школа за пеене, наречена cantus gregorianus.

Григорий събира песнопения от различни християнски църкви в продължение на много години, като по-късно прави колекция от тях, наречена „Антифонарий“, която е прикрепена към олтара на църквата „Свети Петър“ в Рим като пример за християнско пеене.

Папата въвежда октавната система, за да замени гръцката система от тетракорди, и обозначава имената на тоновете, които преди са били гръцки, с латински букви A, B, C и т.н., като осмият тон отново получава името на първия . Цялата гама на Григорий Велики се състоеше от 14 тона: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. Буквата B (b) имала двойно значение: B кръгла (B rotundum) и B квадратна (B quadratum), т.е. B flat и B bekar, в зависимост от нуждата.

Но нека се върнем към папа Григорий, който, наред с други неща, стана основател на училището за пеене в Рим, ревностно следваше обучението и дори се преподаваше, строго наказвайки учениците за небрежност и мързел.

Трябва да се отбележи, че постепенно григорианското песнопение, състоящо се от два вида песнопения - псалмодии (размерено рецитиране на текста на Светото писание, главно на една височина на звука, при което има една нота от песнопението на сричка от текста) и юбилейни химни (свободни песнопения на сричките на думата "Алилуя"), изместили амброзианското пеене от църквата. Той се различаваше от последния по това, че беше гладък и независим от текста. Това от своя страна направи възможно мелодията да тече естествено и плавно, а музикалният ритъм оттук нататък стана независим, което беше най-важното събитие в историята на музиката.

Въздействието на хоровото пеене върху енориашите се засилва от акустичните възможности на църквите с техните високи сводове, отразяващи звука и създаващи ефекта на Божественото присъствие.

През следващите векове, с разпространението на влиянието на Римската църква, григорианският песнопение е въведен (понякога насилствено наложен) в службите на почти всички европейски страни. В резултат на това до края на 11 век цялата католическа църква е обединена общи формибогослужения.

Музикалната наука по това време се развива в тясна връзка с монашеската култура. През 8-9 век се формира система от църковни режими на Средновековието въз основа на григорианския песнопение. Тази система е свързана с едногласна музикална структура, с монодия и представлява осем диатонични гами (дорийска, хиподорийска, фригийска, хипофригийска, лидийска, хиполидийска, миксолидийска, хипомиксолидийска), всяка от които се възприема от средновековните теоретици и практици като комбинация от определени изразителни способности (първият гриз - "сръчен", вторият - "сериозен", третият - "бърз" и т.н.).

През същия период започва да се формира нотиране, първоначално представено от така наречените невми - икони, които ясно показват движението на мелодията нагоре или надолу. Музикалните знаци впоследствие се развиват от невми. Реформата на музикалната нотация е извършена през втората четвърт на 11 век от италианския музикант Гуидо д'Арецо, който е роден през 990 г. Малко се знае за детството му. Навършвайки пълнолетие, Гуидо става монах в бенедиктинския манастир Помпоза близо до Равена.

Гуидо д'Арецо

Природата щедро го надари с различни таланти, които му дадоха възможност лесно да надмине своите другари в ученето. Последните завиждаха на успеха му и колко добре се показа Гуидо като учител по пеене. Всичко това доведе до рязко отрицателно и отчасти дори враждебно отношение на околните към Гуидо и той в крайна сметка беше принуден да се премести в друг манастир - в Арецо, от името на който получи прякора си Аретино.

И така, Гуидо беше един от изключителните музиканти на своето време и неговите нововъведения в областта на преподаването на свещено пеене дадоха блестящи резултати. Той обръща внимание на нотацията и изобретява четириредова система, на която точно определя местоположението на полутоновете (от тях зависят характерните черти на даден лад, както и мелодията, базирана на този лад, попадайки между стъпките на григорианските режими).

В опит да запише мелодията възможно най-точно, Гуидо измисли различни правила, които той проектира в сложна и заплетена система с нови имена на тонове: ут, ре, ми, фа, сол, ла. Въпреки различните трудности, причинени от използването на такава система, тя продължи много дълго време и нейните следи се намират в теоретиците от 18 век.

Интересно е, че първоначално Гуидо Д’Арецо е бил преследван заради иновациите си. Но тъй като системата на талантливия музикант значително улеснява записването и четенето на мелодии, папата го връща с почести в манастира Помпоза, където Гуидо Д'Арецо живее до смъртта си, тоест до 1050 г.

През 11-12 век се наблюдава повратна точка в развитието на художествената култура на Средновековието, причинена от нови социално-исторически процеси (разрастването на градовете, кръстоносните походи, появата на нови социални слоеве, включително рицарство, формирането на първите центрове на светската култура и др.). Нови културни феномени се разпространяват в цяла Европа. Извършва се формирането и разпространението на средновековния роман и готическия стил в архитектурата, полифоничното писане се развива в музиката, формират се светски музикални и поетични текстове.

Основната характеристика на развитието на музикалното изкуство през този период е установяването и развитието на полифонията, която се основава на григорианския хорал: певците добавят втори глас към основната църковна мелодия. В ранните примери на двуглас, записани в нотната музика от 9-11 век, гласовете се движат успоредно в един ритъм (на интервали от четвърти, пети или октави). По-късно се появяват модели на непаралелно движение на гласове („Единият певец води основната мелодия, другият изкусно се скита през други звуци“, пише теоретикът Гуидо Д’Арецо). Този тип дву- и полифония се нарича органум по името на добавения глас. По-късно добавеният глас започва да се украсява с мелизми и започва да се движи ритмично по-свободно.

Развитието на нови форми на полифония е особено активно в Париж и Лимож през 12-13 век. Този период влиза в историята на музикалната култура като „ерата на Нотр Дам“ (по името на световноизвестния архитектурен паметник, където е работил певческият параклис). Сред авторите, чиито имена е запазила историята, са Леонин и Перотин, автори на органуми и други полифонични произведения. Леонин създава „Голямата книга на органумите“, предназначена за годишния кръг на църковното пеене. Името на Перотин се свързва с прехода към три- и четиригласа, по-нататъшното обогатяване на мелодичното писане. Трябва да се отбележи, че значението на училището Нотр Дам е значимо не само за Франция, но и за цялата европейско изкуствотова време.

Формирането на светските жанрове през този период е подготвено от работата на странстващи народни музиканти - жонгльори, менестрели и шпилмани. Отхвърляни и дори преследвани от официалната църква, скитащите музиканти са първите носители на светската лирика, както и на чисто инструменталната традиция (използват различни духови и лъкови инструменти, арфа и др.).

По онова време артистите бяха актьори, циркови артисти, певци и инструменталисти, събрани в едно. Те пътували от град на град, изпълнявали празненства в дворове, в замъци, на панаири и т.н. Към жонгльорите, шпилманите и менестрелите се присъединили и вагантите и голиардите - нещастни ученици и монаси-бегълци, благодарение на които се разпространява грамотността. Постепенно в тези кръгове се появява специализация; пътуващите художници започват да създават гилдии и да се установяват в градовете.

През същия период възниква уникална „интелектуална“ прослойка – рицарство, сред която (в периоди на примирие) също пламва интересът към изкуството. През 12 век в Прованс възниква изкуството на трубадурите, което става основата на специално творческо движение. Трубадурите в по-голямата си част произлизат от висшето благородство и са музикално грамотни. Те създават сложни музикално-поетични произведения, в които възпяват земните радости, героиката на кръстоносните походи и др.

Трубадурът е преди всичко поет и често заимства мелодия от ежедневието и творчески я интерпретира. Понякога трубадурите наемат менестрели, за да осигурят инструментален съпровод на тяхното пеене, и наемат жонгльори, за да изпълняват и композират музика. Сред трубадурите, чиито имена са достигнали до нас през булото на вековете, са Хуафре Рудел, Бернар дьо Вентадорн, Бертран дьо Борн, Рамбут дьо Вакейрас и др.

Поезията на трубадурите има пряко влияние върху формирането на творчеството на труверите, което е по-демократично, тъй като повечето трувери идват от жителите на града. Някои трувери създават произведения по поръчка. Най-известният от тях е Адам де ла Хале, родом от Арас, френски поет, композитор и драматург от втората половина на 13 век.

Изкуството на трубадурите и труверите се разпространява в цяла Европа. Под негово влияние в Германия век по-късно (13 век) се развиват традициите на школата на Минезингер, чиито представители, талантливи музиканти и композитори, служат главно в съдилищата.

14 век може да се счита за своеобразен преход към Ренесанса. Този период във връзка с френската музика обикновено се обозначава като „Ars Nova“ („Ново изкуство“), след името на научна работа, създадена около 1320 г. от парижкия теоретик и композитор Филип дьо Витри.

Трябва да се отбележи, че по това време в изкуството действително се появяват принципно нови елементи: например, има утвърждаване (включително на теоретично ниво) на нови принципи на ритмично разделяне и озвучаване, нови модални системи (по-специално, промени и тонална гравитация - т.е. „диези“ и „бемоли“), нови жанрове, достигащи ново ниво на професионални умения.

Сред най-големите музиканти на 14-ти век, в допълнение към Филип дьо Витри, който създава мотети по свои собствени текстове, трябва да се включи и Гийом дьо Машо, който е роден в град Машо, в Шампан, около 1300 г.

Гийом дьо Машо по едно време е служил в двора на Жана Наварска, съпруга на Филип Хубави, по-късно става личен секретар на бохемския крал Джон Люксембургски, а в края на живота си е в двора на Карл V от Франция. Неговите съвременници почитаха неговата необикновеност музикален талант, благодарение на което той беше не само блестящ изпълнител, но и отличен композитор, оставил след себе си огромен брой произведения: неговите мотети, балади, рондо, канони и други песни (песен и танц) форми достигнаха до нас.

Музиката на Гийом дьо Машо се отличава с изтънчена изразителност, изящество и според изследователите е изразител на духа на епохата Ars Nova. Основната заслуга на композитора е, че той написа първата меса в историята по случай възкачването на трона на Карл V.