Veľkí ruskí skladatelia. Najznámejšie ruské opery v zahraničí Ruskí operní skladatelia

Fanúšikov klasickej hudby určite zaujíma otázka, aké sú dnes najznámejšie opery na svete. Medzi obrovským počtom majstrovských diel vytvorených skladateľmi v priebehu niekoľkých storočí je ťažké vybrať tie najobľúbenejšie. Zo všetkých je však možné identifikovať nesporných lídrov, ktorí sa dostali do prvej desiatky uvedenej nižšie. Tieto opery boli preložené do niekoľkých jazykov a pravidelne sa hrajú na scénach najlepších divadiel sveta.

10 Norm. Vincenzo Bellini

Norma (Vincenzo Bellini) otvára zoznam najpopulárnejších opier na svete. Ide o lyrickú tragédiu v dvoch dejstvách, ktorá vznikla na motívy diela A. Sumeho „Norma, alebo Infanticída“. Opera bola prvýkrát uvedená v Miláne a takmer okamžite si získala širokú popularitu medzi milovníkmi opery. Titulná časť je považovaná za jednu z najťažších v sopránovom repertoári. Skladbu „Norma“ napísal skladateľ v 31. roku 19. storočia a dodnes sa teší celosvetovej obľube.

9 Eugen Onegin. P. I. Čajkovskij

„Eugene Onegin“ (P. I. Čajkovskij) je najznámejšia opera ruského skladateľa svetového mena. Dielo vzniklo podľa rovnomenného románu Alexandra Sergejeviča Puškina na libreto Konstantina Šilovského. Opera bola predstavená širokej verejnosti v moskovskom Maly Theatre. Čajkovskij pred napísaním svojho majstrovského diela dlho hľadal operný dej, ktorý by bol silnou drámou. Zápletka bola zhodou okolností inšpirovaná skladateľom speváčkou Lavrovskou.

8 Figarova svadba. W. A. ​​Mozart

Figarova svadba (W. A. ​​​​Mozart) je populárna opera rakúskeho virtuózneho skladateľa, ktorá si získala celosvetovú slávu. Na motívy rovnomennej hry od Beaumarchaisa. Mozart začal písať hudobné dielo v 86. roku 18. storočia. Tvorba partitúry trvala päť mesiacov. Po prvom jej predstavení verejnosti si veľkú obľubu nezískala. Po uvedení opery v Prahe prišla sláva a vavrín. Operu prvýkrát preložil do ruštiny Pyotr Iľjič Čukovskij. Opera pozostáva celkovo zo štyroch dejstiev. Dej diela je spojený s prípravou svadby slúžky Susanny a komorníka Figara.

7 Čarovná flauta. W. A. ​​Mozart

Čarovná flauta (W. A. ​​​​Mozart) je jednou z najlepších opier na svete, ktorú skladateľ napísal v dvoch dejstvách. Prvýkrát bol verejnosti predstavený v roku 1791 vo Viedni. V centre deja je princ Tamino, ktorý musí prejsť mnohými ťažkosťami a skúškami, aby bol hodný byť v blízkosti svojej milovanej, dcéry kráľovnej noci. Goetheho toto dielo tak potešilo, že sa pokúsil napísať pokračovanie tohto libreta.

6 holič zo Sevilly. Gioacchino Rossini

Holič zo Sevilly (Gioacchino Rossini) je jednou z najlepších opier, ktorá si získala celosvetovú obľubu. Zahŕňa dva počiny, ktoré vznikli na základe rovnomennej komédie Pierra Boramsheho. Najprv sa libreto volalo „Almaviva, alebo Márne opatrenie“. Dej hudobného diela sa odohráva v Seville v 18. storočí. Opera začína vystúpením grófa Almaviva, ktorý je pod oknami svojej milovanej. Pre ňu predvedie malú opernú áriu „Čoskoro bude východ jasne žiariť zlatým úsvitom“. Opatrovník milovanej nedovolí vyjsť na balkón, a tak sú Alvamivine pokusy márne.

5 Čechy. Giacomo Puccini

„La Boheme“ (Giacomo Puccini) je jedným zo svetových hudobných majstrovských diel, predstavených verejnosti už v roku 1896. Opera obsahuje štyri dejstvá. Vznikol podľa diela Henriho Murgera „Scény zo života Čechov“. Dej v librete sa odohráva v Paríži v 30. rokoch 19. storočia. Prvé dejstvo sa začína tým, že nebohý básnik Rudolph a jeho kamarát výtvarník Marcel strávia večer pri studenom krbe, ktorý nemá čo zapáliť. Umelec chce spáliť poslednú stoličku, no Rudolf ho zastaví tým, že obetuje jeden zo svojich rukopisov. Akcia končí stretnutím básnika so svojou láskou.

4 Lucia di Lammermoor. G. Donizetti

"Lucia di Lammermoor" (G. Donizetti) je zaradená do zoznamu najpopulárnejších opier na svete. Tragické hudobné dielo talianskeho skladateľa sa hrá v troch dejstvách. Libreto je napísané podľa románu W. Scotta „Nevesta z Lammermooru“. O niečo neskôr napísal skladateľ aj francúzsku verziu opery. Zahrmela po celom svete a stala sa jednou z najlepších. Dej románu využilo pred Donizettiho viacero skladateľov, no jeho tvorba úplne vytlačila všetky predchádzajúce. Libreto sa odohráva v Škótsku v 18. storočí. Celkovo dielo obsahuje dve časti: „Odchod“ a „Manželská zmluva“.

3 Carmen. Georges Bizet

„Carmen“ (Georges Bizet) otvára tri najlepšie opery sveta, ktoré skladateľ napísal podľa rovnomennej poviedky Prospera Mériméeho. Jednotlivé návrhy partitúry sa objavili v 74. roku 19. storočia. Premiéra sa prvýkrát konala vo Francúzsku, kde to bolo hotové fiasko. Bez uznania francúzskou verejnosťou a kritikmi opera na dlhý čas opustila javisko a na javisko sa vrátila až v roku 1983, keď si našla svetovú slávu. Sám Čajkovskij povedal, že ide o skutočne majstrovské dielo, ktoré po určitom čase získa veľkú slávu.

2 Vojna a mier. S. Prokofiev

"Vojna a mier" (S. Prokofiev) je jednou z najznámejších opier, ktoré zahrmeli po celom svete. Podľa rovnomenného románu vynikajúceho spisovateľa 19. storočia Leva Tolstého. Celkovo dielo obsahuje trinásť obrazov. Opera sa začína vystúpením Bolkonského na javisku, ktorý navštevuje panstvo grófa Rostova. Počuje hlas grófovej dcéry Natashe, ktorá naňho zapôsobí svojim krásnym spevom. Trinásty posledný obrázok hovorí o zvyškoch ustupujúcej armády Bonaparte. Nápady napísať operu podľa slávneho románového skladateľa sa rodili dlho. Prvé náčrty sa objavili v roku 1941 a v roku 1959 zahrmelo na javisku Veľkého divadla a stalo sa jednou z najlepších svetových opier.

1 Traviata. Giuseppe Verdi

La traviata (Giuseppe Verdi) dopĺňa rebríček najlepších opier sveta. V preklade do ruštiny slovo traviata znamená „stratený“ alebo „padlý“. Skladateľa k jej napísaniu inšpiroval román Alexandra Dumasa Dáma s kaméliami. Prvýkrát verejnosti predstavená La Traviata utrpela úplné fiasko, no po radikálnej revízii si získala celosvetovú obľubu. Charakteristickým znakom tejto opery je na tú dobu nezvyčajný výber hrdinky – padlej ženy na smrteľnej posteli. Akcia "La Traviata" sa odohráva v Paríži v polovici 19. storočia. V centre pozornosti je kurtizána, spoločnosťou odmietaná a nikým nepotrebná. V pôvodnej partitúre sú zahrnuté tri akty.

Svetová klasická hudba je nemysliteľná bez diel ruských skladateľov. Rusko, veľká krajina s talentovanými ľuďmi a svojím kultúrnym dedičstvom, vždy patrilo medzi popredné lokomotívy svetového pokroku a umenia, vrátane hudby. Ruská skladateľská škola, na ktorej tradície nadviazali sovietske a dnešné ruské školy, začala v 19. storočí skladateľmi, ktorí spájali európske hudobné umenie s ruskými ľudovými melódiami, spájali európsku formu a ruského ducha.

O každom z týchto slávnych ľudí sa dá veľa povedať, všetci majú nie jednoduché a niekedy tragické osudy, ale v tomto prehľade sme sa pokúsili len stručne opísať život a dielo skladateľov.

1.Michail Ivanovič GLINKA (1804—1857)

Michail Ivanovič Glinka je zakladateľom ruskej klasickej hudby a prvým domácim klasickým skladateľom, ktorý dosiahol svetovú slávu. Jeho diela, založené na stáročných tradíciách ruskej ľudovej hudby, boli novým slovom v hudobnom umení našej krajiny.
Narodil sa v Smolenskej provincii, vzdelanie získal v Petrohrade. Formovanie svetonázoru a hlavnej myšlienky práce Michaila Glinku uľahčila priama komunikácia s osobnosťami ako A.S. Pushkin, V.A. Žukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig. Tvorivý impulz k jeho tvorbe pridala dlhodobá cesta do Európy začiatkom 30. rokov 19. storočia a stretnutia s poprednými skladateľmi tej doby - V. Bellinim, G. Donizetti, F. Mendelssohn a neskôr s G. Berliozom, J. Meyerbeer. Úspech dosiahol M. I. Glinka po naštudovaní opery „Ivan Susanin“ („Život pre cára“) (1836), ktorú všetci s nadšením prijali, po prvýkrát vo svetovej hudbe, ruskom zborovom umení a európskej symfonickej a opernej praxi organicky kombinované a objavil sa aj hrdina, podobný Susaninovi, ktorého obraz zhŕňa najlepšie vlastnosti národného charakteru. VF Odoevsky opísal operu ako „nový prvok v umení a v jeho histórii sa začína nové obdobie – obdobie ruskej hudby“.
Druhá opera - epos "Ruslan a Lyudmila" (1842), práca, na ktorej sa pracovalo na pozadí Puškinovej smrti a v ťažkých životných podmienkach skladateľa, kvôli hlboko inovatívnej povahe diela, bola nejednoznačná. prijalo publikum a úrady a prinieslo M. I. Glinkovi ťažké pocity. Potom veľa cestoval, žil striedavo v Rusku a v zahraničí bez toho, aby prestal komponovať. V jeho odkaze zostali romance, symfonická a komorná tvorba. V deväťdesiatych rokoch minulého storočia bola „Vlastenecká pieseň“ Michaila Glinku oficiálnou hymnou Ruskej federácie.

Citát M.I.Glinka: "Aby človek vytvoril krásu, musí byť čistý v duši."

Citát o M.I.Glinkovi: „Celá ruská symfonická škola, ako celý dub v žaludi, je obsiahnutá v symfonickej fantázii „Kamarinskaya“. P.I. Čajkovskij

Zaujímavý fakt: Michail Ivanovič Glinka sa nelíšil v dobrom zdraví, napriek tomu bol veľmi pohodový a veľmi dobre poznal geografiu, možno keby sa nestal skladateľom, stal by sa cestovateľom. Vedel šesť cudzích jazykov vrátane perzštiny.

2. Alexander Porfirjevič BORODIN (1833—1887)

Alexander Porfirievič Borodin, jeden z popredných ruských skladateľov druhej polovice 19. storočia, bol okrem skladateľského talentu aj chemikom, lekárom, pedagógom, kritikom a mal literárne nadanie.
Narodený v Petrohrade, od detstva všetci okolo neho zaznamenali jeho nezvyčajnú aktivitu, nadšenie a schopnosti v rôznych smeroch, predovšetkým v hudbe a chémii. A.P. Borodin je ruský nuggetový skladateľ, nemal profesionálnych učiteľov hudobníkov, všetky jeho úspechy v hudbe sú spôsobené samostatnou prácou na zvládnutí techniky skladania. Vznik A.P.Borodina ovplyvnila tvorba M.I. Glinka (rovnako ako všetci ruskí skladatelia 19. storočia) a dve udalosti dali podnet k úzkemu obsadeniu kompozície začiatkom 60. rokov 19. storočia – po prvé zoznámenie a manželstvo s talentovanou klaviristkou E.S. Protopopovou a po druhé stretnutie s M.A. Balakirev a pripojenie sa k tvorivej komunite ruských skladateľov, známej ako „Mocná hŕstka“. Koncom sedemdesiatych a osemdesiatych rokov 19. storočia A.P. Borodin veľa cestoval a koncertoval po Európe a Amerike, stretol sa s poprednými skladateľmi svojej doby, jeho sláva rástla, koncom 19. storočia sa stal jedným z najznámejších a najpopulárnejších ruských skladateľov v Európe. storočie. storočie.
Ústredné miesto v tvorbe A.P.Borodina zaujíma opera „Knieža Igor“ (1869-1890), ktorá je ukážkou národného hrdinského eposu v hudbe a ktorú sám nestihol dokončiť (dokončila ju r. jeho priatelia A.A. Glazunov a N.A. Rimsky-Korsakov). V "Princ Igor" sa na pozadí majestátnych obrazov historických udalostí odrážala hlavná myšlienka celého diela skladateľa - odvaha, pokojná vznešenosť, duchovná šľachta najlepších ruských ľudí a mocná sila. celého ruského ľudu, prejavujúce sa pri obrane vlasti. Napriek tomu, že A.P. Borodin zanechal pomerne malý počet diel, jeho tvorba je veľmi rôznorodá a je považovaný za jedného z otcov ruskej symfonickej hudby, ktorý ovplyvnil mnohé generácie ruských i zahraničných skladateľov.

Citát o A.P. Borodinovi: "Borodinov talent je rovnako silný a úžasný ako v symfónii, tak aj v opere a romantike. Jeho hlavné vlastnosti sú obrovská sila a šírka, kolosálny rozsah, rýchlosť a impulzívnosť v kombinácii s úžasnou vášňou, nehou a krásou." V.V. Stašov

Zaujímavý fakt: chemická reakcia strieborných solí karboxylových kyselín s halogénmi, ktorej výsledkom sú halogénom substituované uhľovodíky, ktorú prvýkrát skúmal v roku 1861, je pomenovaná po Borodinovi.

3. Modest Petrovič MUSSORGSKY (1839—1881)

Modest Petrovič Musorgskij – jeden z najbrilantnejších ruských skladateľov 19. storočia, člen „Mocnej hŕstky“. Musorgského novátorská práca ďaleko predbehla svoju dobu.
Narodil sa v provincii Pskov. Ako mnohí talentovaní ľudia od detstva prejavoval talent v hudbe, študoval v Petrohrade, bol podľa rodinnej tradície vojenským mužom. Rozhodujúcou udalosťou, ktorá určila, že Musorgskij sa nenarodil pre vojenskú službu, ale pre hudbu, bolo stretnutie s M.A. Balakirevom a vstup do „Mocnej hŕstky“. Musorgskij je skvelý, pretože vo svojich grandióznych dielach – operách „Boris Godunov“ a „Khovanshchina“ – zachytil v hudbe dramatické míľniky ruských dejín s radikálnou novotou, ktorú ruská hudba pred ním nepoznala, ukazuje v nich kombináciu masových ľudové scény a rozmanité bohatstvo typov, jedinečný charakter ruského ľudu. Tieto opery, v početných vydaniach od autora aj od iných skladateľov, patria medzi najpopulárnejšie ruské opery na svete. Ďalším výnimočným Musorgského dielom je cyklus klavírnych skladieb „Obrazy na výstave“, farebné a nápadité miniatúry sú presiaknuté ruskou refrénovou tematikou a pravoslávnou vierou.

V Musorgského živote bolo všetko – veľkosť aj tragédia, no vždy sa vyznačoval skutočnou duchovnou čistotou a nezáujmom. Jeho posledné roky boli ťažké - neusporiadaný život, neuznanie kreativity, osamelosť, závislosť od alkoholu, to všetko predurčilo jeho skorú smrť v 42 rokoch, zanechal pomerne málo skladieb, z ktorých niektoré dokončili iní skladatelia. Špecifická melódia a novátorská harmónia Musorgského predznamenali niektoré črty hudobného vývoja 20. storočia a zohrali dôležitú úlohu vo vývoji štýlov mnohých svetových skladateľov.

Citát poslanca Musorgského: "Zvuky ľudskej reči ako vonkajšie prejavy myslenia a cítenia sa musia bez preháňania a znásilňovania stať pravdivou, presnou hudbou, ale umeleckou, vysoko umeleckou."

Citát o M. P. Musorgskom: „Aborigénsky ruština znie vo všetkom, čo Musorgskij robil“ N. K. Roerich

Zaujímavý fakt: Musorgskij sa na sklonku svojho života pod tlakom „priateľov“ Stasova a Rimského-Korsakova vzdal autorských práv na svoje diela a predložil ich Tertiyovi Filippovovi.

4. Peter Iľjič Čajkovskij (1840—1893)

Piotr Iľjič Čajkovskij, možno najväčší ruský skladateľ 19. storočia, pozdvihol ruské hudobné umenie do nevídaných výšin. Je jedným z najvýznamnejších skladateľov svetovej klasickej hudby.
Rodák z provincie Vyatka, hoci jeho otcovské korene sú na Ukrajine, Čajkovskij prejavil hudobné schopnosti od detstva, ale jeho prvé vzdelanie a práca boli v oblasti práva. Čajkovskij je jedným z prvých ruských „profesionálnych“ skladateľov – študoval hudobnú teóriu a kompozíciu na novom petrohradskom konzervatóriu. Čajkovskij bol považovaný za „západného“ skladateľa, na rozdiel od ľudových postáv „Mocnej hŕstky“, s ktorými mal dobré tvorivé a priateľské vzťahy, no jeho tvorba je nemenej presiaknutá ruským duchom, dokázal unikátne spojiť tzv. Západné symfonické dedičstvo Mozarta, Beethovena a Schumanna s ruskými tradíciami zdedenými po Michailovi Glinkovi.
Skladateľ viedol aktívny život - bol učiteľom, dirigentom, kritikom, verejným činiteľom, pôsobil v dvoch hlavných mestách, cestoval po Európe a Amerike. Čajkovskij bol dosť emocionálne nestabilný človek, nadšenie, skľúčenosť, apatia, vznetlivosť, prudký hnev - všetky tieto nálady sa u neho dosť často menili, keďže bol veľmi spoločenský človek, vždy sa snažil o osamelosť.
Vyzdvihnúť z Čajkovského tvorby niečo najlepšie je ťažká úloha, má na konte viacero rovnako veľkých diel takmer vo všetkých hudobných žánroch – opera, balet, symfónia, komorná hudba. Obsah Čajkovského hudby je univerzálny: s nenapodobiteľnou melodizmom zahŕňa obrazy života a smrti, lásky, prírody, detstva, novým spôsobom sa v nej odhaľujú diela ruskej a svetovej literatúry, reflektujú sa hlboké procesy duchovného života.

Citát skladateľa:
"Som umelec, ktorý môže a musí priniesť česť svojej vlasti. Cítim v sebe veľkú umeleckú silu, ešte som neurobil ani desatinu toho, čo môžem. A chcem to urobiť zo všetkých síl, ktoré mám. dušu."
"Život má čaro len vtedy, keď pozostáva zo striedania radostí a smútkov, zo zápasu dobra so zlom, svetla a tieňa, jedným slovom z rozmanitosti v jednote."
"Veľký talent si vyžaduje veľkú tvrdú prácu."

Citát o skladateľovi: „Som pripravený stáť vo dne v noci čestnú stráž na verande domu, kde žije Pyotr Iľjič – do takej miery si ho vážim“ A.P. Čechov

Zaujímavosť: Univerzita v Cambridge v neprítomnosti a bez obhajoby dizertačnej práce udelila Čajkovskému titul doktora hudby a Parížska akadémia výtvarných umení ho zvolila za korešpondenta.

5. Nikolaj Andrejevič RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikolaj Andrejevič Rimskij-Korsakov je talentovaný ruský skladateľ, jedna z najvýznamnejších osobností pri tvorbe neoceniteľného domáceho hudobného dedičstva. Jeho svojrázny svet a uctievanie večnej všeobjímajúcej krásy vesmíru, obdiv k zázraku bytia, jednota s prírodou nemajú v dejinách hudby obdoby.
Narodil sa v provincii Novgorod, podľa rodinnej tradície sa stal námorným dôstojníkom, na vojnovej lodi cestoval po mnohých krajinách Európy a dvoch Amerikách. Hudobné vzdelanie získal najskôr od matky, potom súkromné ​​hodiny u klaviristu F. Canilleho. A opäť, vďaka M.A. Balakirevovi, organizátorovi „Mocnej hŕstky“, ktorý uviedol Rimského-Korsakova do hudobnej komunity a ovplyvnil jeho tvorbu, svet nestratil talentovaného skladateľa.
Ústredné miesto v dedičstve Rimského-Korsakova zaujímajú opery - 15 diel demonštrujúcich rôzne žánrové, štylistické, dramatické, kompozičné rozhodnutia skladateľa, ktoré však majú osobitný štýl - so všetkým bohatstvom orchestrálnej zložky sú melodické vokálne linky. tie hlavné. Skladateľovu tvorbu rozlišujú dva hlavné smery: prvým je ruská história, druhým je svet rozprávok a eposu, pre ktorý dostal prezývku „rozprávkar“.
Okrem priamej samostatnej tvorivej činnosti je N.A. Rimsky-Korsakov známy ako publicista, zostavovateľ zbierok ľudových piesní, o ktoré prejavil veľký záujem, a tiež ako finalista diel svojich priateľov - Dargomyžského, Musorgského a Borodina. Rimskij-Korsakov bol zakladateľom skladateľskej školy, ako pedagóg a vedúci petrohradského konzervatória vyprodukoval okolo dvesto skladateľov, dirigentov, muzikológov, medzi nimi Prokofieva a Stravinského.

Citát o skladateľovi: "Rimskij-Korsakov bol veľmi ruský človek a veľmi ruský skladateľ. Domnievam sa, že túto jeho prvotne ruskú podstatu, jeho hlboký folklórno-ruský základ, treba dnes obzvlášť oceniť." Mstislav Rostropovič

Tvorba ruských skladateľov konca 19. – prvej polovice 20. storočia je celistvým pokračovaním tradícií ruskej školy. Zároveň bol pomenovaný koncept prístupu k „národnej“ príslušnosti tej či onej hudby, priama citácia ľudových melódií prakticky neexistuje, ale zostal ruský intonačný základ, ruská duša.

6. Alexander Nikolajevič SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevič Skryabin je ruský skladateľ a klavirista, jedna z najjasnejších osobností ruskej a svetovej hudobnej kultúry. Originálne a hlboko poetické dielo Skrjabina vyniklo svojou inováciou aj na pozadí zrodu mnohých nových trendov v umení spojených so zmenami vo verejnom živote na prelome 19. a 20. storočia.
Narodil sa v Moskve, jeho matka zomrela skoro, jeho otec sa nemohol venovať svojmu synovi, pretože slúžil ako veľvyslanec v Perzii. Skriabin bol vychovaný jeho tetou a starým otcom, od detstva prejavoval hudobné schopnosti. Najprv študoval v kadetnom zbore, chodil na súkromné ​​hodiny klavíra, po absolvovaní zboru nastúpil na Moskovské konzervatórium, jeho spolužiakom bol S.V. Rakhmaninov. Po skončení konzervatória sa Skrjabin venoval výlučne hudbe – ako koncertný klavirista-skladateľ cestoval po Európe a Rusku, väčšinu času trávil v zahraničí.
Vrcholom Skriabinovej skladateľskej tvorby boli roky 1903 – 1908, kedy vznikla Tretia symfónia („Božská báseň“), symfonická „Báseň extázy“, „Tragické“ a „Satanské“ klavírne básne, 4. a 5. sonáty a ďalšie diela. prepustený. „Báseň extázy“, pozostávajúca z niekoľkých tém-obrázkov, koncentrovala Sryabinove tvorivé nápady a je jeho jasným majstrovským dielom. Harmonicky spájala skladateľovu lásku k sile veľkého orchestra a lyrický, vzdušný zvuk sólových nástrojov. Kolosálna životná energia, ohnivá vášeň, silná vôľa obsiahnutá v „Básni extázy“ pôsobí na poslucháča neodolateľným dojmom a dodnes si zachováva silu svojho vplyvu.
Ďalším majstrovským dielom Skrjabina je „Prometheus“ („Báseň ohňa“), v ktorom autor úplne aktualizoval svoj harmonický jazyk, odchyľujúc sa od tradičného tonálneho systému, a po prvýkrát v histórii malo byť toto dielo sprevádzané farbou hudba, no premiéra z technických príčin neobišla žiadne svetelné efekty.
Poslednou nedokončenou „záhadou“ bola myšlienka Skrjabina, snílka, romantika, filozofa, osloviť celé ľudstvo a inšpirovať ho k vytvoreniu nového fantastického svetového poriadku, spojenia Vesmírneho Ducha s Hmotou.

Citát A. N. Skrjabina: „Poviem im (ľudom), že... od života neočakávajú nič okrem toho, čo si môžu vytvoriť sami... Poviem im, že nie je čo smútiť o tom, že niet straty "Aby sa nebáli zúfalstva, ktoré jediné môže viesť k skutočnému triumfu. ​​Silný a mocný je ten, kto zažil zúfalstvo a zvíťazil nad ním."

Citát o A.N. Skrjabinovi: "Skrjabinovo dielo bolo jeho dobou, vyjadrené zvukmi. Ale keď to dočasné, pominuteľné nájde svoj výraz v diele veľkého umelca, nadobúda trvalý význam a stáva sa trvalým." G. V. Plechanov

7. Sergej Vasilievič Rahmaninov (1873 - 1943)

Sergej Vasilievič Rachmaninov je najväčší svetový skladateľ začiatku 20. storočia, talentovaný klavirista a dirigent. Tvorivý obraz Rachmaninova ako skladateľa je často definovaný prívlastkom „najruskejší skladateľ“, zdôrazňujúc v tejto stručnej formulácii jeho zásluhy na zjednotení hudobných tradícií moskovskej a petrohradskej skladateľskej školy a na vytvorení vlastného jedinečného štýlu, ktorá vyčnieva izolovane vo svetovej hudobnej kultúre.
Narodil sa v provincii Novgorod a od štyroch rokov začal študovať hudbu pod vedením svojej matky. Študoval na Petrohradskom konzervatóriu, po 3 rokoch štúdia prestúpil na Moskovské konzervatórium a skončil s veľkou zlatou medailou. Rýchlo sa stal známym ako dirigent a klavirista, komponoval hudbu. Katastrofálna premiéra prelomovej Prvej symfónie (1897) v Petrohrade vyvolala kreatívnu skladateľskú krízu, z ktorej Rachmaninoff vzišiel začiatkom 20. storočia s vyspelým štýlom, ktorý spájal ruské cirkevné pesničkárstvo, odchádzajúci európsky romantizmus, moderný impresionizmus a neoklasicizmus. so zložitou symbolikou. V tomto tvorivom období sa zrodili jeho najlepšie diela vrátane 2 a 3 klavírnych koncertov, Druhej symfónie a jeho obľúbeného diela – básne „Zvony“ pre zbor, sólistov a orchester.
V roku 1917 bol Rachmaninov a jeho rodina nútení opustiť našu krajinu a usadiť sa v Spojených štátoch. Takmer desať rokov po svojom odchode nič nekomponoval, ale absolvoval rozsiahle turné po Amerike a Európe a bol uznávaný ako jeden z najväčších klaviristov tej doby a najväčší dirigent. Napriek všetkej búrlivej činnosti zostal Rachmaninov zraniteľným a neistým človekom, ktorý sa snažil o samotu a dokonca aj osamelosť a vyhýbal sa dotieravej pozornosti verejnosti. Svoju vlasť úprimne miloval a túžil po nej, premýšľal, či neurobil chybu, keď ju opustil. Neustále sa zaujímal o všetky udalosti odohrávajúce sa v Rusku, čítal knihy, noviny a časopisy, pomáhal finančne. Jeho posledné skladby - Symfónia č. 3 (1937) a "Symfonické tance" (1940) sa stali výsledkom jeho tvorivej cesty, absorbovali všetko najlepšie z jeho jedinečného štýlu a žalostného pocitu nenapraviteľnej straty a túžby po domove.

Citát S. V. Rachmaninova:
"Cítim sa ako duch blúdiaci sám vo svete, ktorý je mu cudzí."
"Najvyššou kvalitou akéhokoľvek umenia je jeho úprimnosť."
"Veľkí skladatelia vždy a predovšetkým dbali na melódiu ako hlavný princíp v hudbe. Melódia je hudba, hlavný základ celej hudby... Melodická vynaliezavosť v najvyššom zmysle slova je hlavným životným cieľom skladateľa. ... Z tohto dôvodu veľkí skladatelia minulosti prejavili taký záujem o ľudové melódie svojich krajín.

Citát o S. V. Rachmaninovovi:
"Rachmaninov bol vyrobený z ocele a zlata: Oceľ v rukách, zlato v srdci. Nemôžem na neho myslieť bez sĺz. Nielenže som sa sklonil pred veľkým umelcom, ale miloval som muža v ňom." I. Hoffman
"Rakhmaninovova hudba je Oceán. Jeho vlny - hudobné - začínajú tak ďaleko za horizontom a dvíhajú ťa tak vysoko a spúšťajú ťa tak pomaly... že cítiš túto silu a dych." A. Končalovskij

Zaujímavý fakt: počas Veľkej vlasteneckej vojny usporiadal Rachmaninov niekoľko charitatívnych koncertov, z ktorých vyzbierané peniaze poslal do fondu Červenej armády na boj proti nacistickým útočníkom.

8. Igor Fiodorovič STRAVINSKÝ (1882-1971)

Igor Fjodorovič Stravinskij je jedným z najvplyvnejších svetových skladateľov 20. storočia, vodca neoklasicizmu. Stravinskij sa stal „zrkadlom“ hudobnej éry, v jeho tvorbe sa odráža mnohotvárnosť štýlov, neustále sa prelínajúcich a ťažko zaraditeľných. Voľne kombinuje žánre, formy, štýly, vyberá si ich zo stáročí hudobnej histórie a podriaďuje ich vlastným pravidlám.
Narodil sa neďaleko Petrohradu, študoval na Právnickej fakulte Petrohradskej univerzity, samostatne študoval hudobné disciplíny, súkromné ​​hodiny u N. A. Rimského-Korsakova, to bola jediná Stravinského skladateľská škola, vďaka ktorej ovládal kompozičnú techniku ​​na výbornú. Profesionálne začal komponovať pomerne neskoro, no vzostup bol rýchly – séria troch baletov: Vták Ohnivák (1910), Petruška (1911) a Svätenie jari (1913) ho okamžite priviedla k skladateľom prvej veľkosti. .
V roku 1914 opustil Rusko, ako sa ukázalo takmer navždy (v roku 1962 boli zájazdy v ZSSR). Stravinskij je kozmopolita, musel vystriedať niekoľko krajín – Rusko, Švajčiarsko, Francúzsko a napokon žil v USA. Jeho tvorba je rozdelená do troch období – „ruská“, „neoklasická“, americká „sériová výroba“, obdobia sú rozdelené nie podľa doby života v rôznych krajinách, ale podľa „rukopisu“ autora.
Stravinskij bol veľmi vzdelaný, spoločenský človek s úžasným zmyslom pre humor. V okruhu jeho známych a dopisovateľov boli hudobníci, básnici, umelci, vedci, podnikatelia, štátnici.
Posledný najvyšší Stravinského počin – „Requiem“ (Spevy za mŕtvych) (1966) absorboval a spojil predchádzajúce umelecké skúsenosti skladateľa a stal sa skutočnou apoteózou majstrovského diela.
V Stavinského tvorbe vyniká jeden unikát – „jedinečnosť“, nie nadarmo sa mu hovorilo „skladateľ tisíc a jedného slohu“, neustála zmena žánru, štýlu, smerovania deja – každé jeho dielo je jedinečný, ale neustále sa vracal k dizajnom, v ktorých je viditeľný ruský pôvod, počul ruské korene.

Citát I.F. Stravinského: "Celý život hovorím po rusky, mám ruský štýl. Možno to v mojej hudbe nie je hneď viditeľné, ale je to vlastné, je to v jej skrytej povahe."

Citát o I.F. Stravinskom: "Stravinskij je skutočne ruský skladateľ... Ruský duch je nezničiteľný v srdci tohto skutočne veľkého, mnohostranného talentu, ktorý sa narodil z ruskej zeme a je s ňou životne spojený... " D. Šostakovič

Zaujímavý fakt (bicykel):
Raz v New Yorku si Stravinskij vzal taxík a bol prekvapený, keď si na nápise prečítal jeho meno.
- Nie ste príbuzný skladateľa? spýtal sa vodiča.
- Existuje skladateľ s takýmto priezviskom? - prekvapil sa vodič. - Počuť to prvýkrát. Stravinskij je však meno majiteľa taxíka. Nemám nič spoločné s hudbou - volám sa Rossini...

9. Sergej Sergejevič PROKOFIEV (1891—1953)

Sergej Sergejevič Prokofiev - jeden z najväčších ruských skladateľov 20. storočia, klavirista, dirigent.
Narodil sa v Doneckej oblasti a od detstva sa venoval hudbe. Prokofieva možno považovať za jedného z mála (ak nie jediného) ruských hudobných „čudákov“, od 5 rokov sa venoval komponovaniu, v 9 rokoch napísal dve opery (samozrejme, tieto diela sú ešte nezrelé, ale prejavujú túžbu po tvorbe), v 13 rokoch zložil skúšky na petrohradskom konzervatóriu, medzi jeho pedagógov patril N.A. Rimskij-Korsakov. Začiatok jeho profesionálnej kariéry vyvolal búrku kritiky a nepochopenia jeho individuálneho zásadne antiromantického a extrémne modernistického štýlu, paradoxom je, že porušovaním akademických kánonov zostala štruktúra jeho skladieb verná klasickým princípom a následne sa stala obmedzujúca sila modernistického všetko popierajúceho skepticizmu. Od samého začiatku svojej kariéry Prokofiev veľa vystupoval a cestoval. V roku 1918 absolvoval medzinárodné turné vrátane návštevy ZSSR a nakoniec sa v roku 1936 vrátil do vlasti.
Krajina sa zmenila a Prokofievova „slobodná“ kreativita bola nútená ustúpiť realite nových požiadaviek. Prokofievov talent prekvital s novým elánom – píše opery, balety, hudbu k filmom – ostrá, rázna, mimoriadne presná hudba s novými obrazmi a nápadmi, položila základ sovietskej vážnej hudbe a opere. V roku 1948 došlo takmer súčasne k trom tragickým udalostiam: pre podozrenie zo špionáže bola jeho prvá španielska manželka zatknutá a vyhnaná do táborov; bol vydaný dekrét Polibura Ústredného výboru celozväzovej komunistickej strany boľševikov, v ktorom boli Prokofiev, Šostakovič a ďalší napadnutí a obvinení z „formalizmu“ a nebezpečenstiev ich hudby; došlo k prudkému zhoršeniu zdravotného stavu skladateľa, odišiel do dôchodku a prakticky ju neopustil, ale pokračoval v komponovaní.
Niektoré z najjasnejších diel sovietskeho obdobia boli opery „Vojna a mier“, „Príbeh skutočného muža“; balety „Romeo a Júlia“, „Popoluška“, ktoré sa stali novým štandardom svetovej baletnej hudby; oratórium „Na stráž sveta“; hudba k filmom „Alexander Nevsky“ a „Ivan Hrozný“; symfónie č. 5,6,7; klavírna práca.
Prokofievovo dielo je pozoruhodné svojou všestrannosťou a šírkou tém, originalita jeho hudobného myslenia, sviežosť a originalita tvorili celú éru svetovej hudobnej kultúry 20. storočia a mali silný vplyv na mnohých sovietskych a zahraničných skladateľov.

Citát S.S. Prokofieva:
„Môže umelec stáť bokom od života?... Som presvedčený, že skladateľ, podobne ako básnik, sochár, maliar, je povolaný slúžiť človeku a ľudu... V prvom rade musí byť občanom v jeho umenie, spieva o ľudskom živote a vedie človeka k svetlejšej budúcnosti...
"Som prejavom života, ktorý mi dáva silu odolávať všetkému neduchovnému"

Citát o S.S. Prokofievovi: "...všetky stránky jeho hudby sú krásne. Ale je tu jedna úplne nezvyčajná vec. Všetci máme zrejme nejaké zlyhania, pochybnosti, proste zlú náladu. A v takýchto chvíľach, aj keď Nehrám a nepočúvam Prokofieva, ale len na neho myslím, mám neskutočnú dávku energie, cítim veľkú chuť žiť, hrať“ E. Kissin

Zaujímavý fakt: Prokofiev mal veľmi rád šach a obohatil hru svojimi nápadmi a úspechmi, vrátane „deväť“ šachov, ktoré vynašiel – doska 24x24 s deviatimi sadami figúrok.

10. Dmitrij Dmitrijevič ŠOSTAKOVIČ (1906 - 1975)

Dmitri Dmitrijevič Šostakovič je jedným z najvýznamnejších a najhranejších skladateľov sveta, jeho vplyv na modernú vážnu hudbu je nezmerateľný. Jeho výtvory sú pravdivým vyjadrením vnútornej ľudskej drámy a análov ťažkých udalostí 20. storočia, kde sa hlboko osobné prelína s tragédiou človeka a ľudstva, s osudom jeho rodnej krajiny.
Narodil sa v Petrohrade, prvé hudobné hodiny dostal od svojej matky, vyštudovala petrohradské konzervatórium, pri vstupe ktorého ho jeho rektor Alexander Glazunov prirovnal k Mozartovi - na každého zapôsobil vynikajúcou hudobnou pamäťou, bystrým sluchom a skladateľským darom. . Už začiatkom 20. rokov 20. storočia, po skončení konzervatória, mal Šostakovič batožinu vlastných diel a stal sa jedným z najlepších skladateľov v krajine. Svetovú slávu získal Šostakovič po víťazstve na 1. medzinárodnej Chopinovej súťaži v roku 1927.
Do istého obdobia, konkrétne pred inscenáciou opery „Lady Macbeth z Mtsenského okresu“, pôsobil Šostakovič ako umelec na voľnej nohe – „avantgardista“, experimentoval so štýlmi a žánrami. Tvrdá výpoveď tejto opery v roku 1936 a represie v roku 1937 položili základ následnému neustálemu vnútornému zápasu Šostakoviča o túžbu vyjadriť svoje názory vlastnými prostriedkami zoči-voči štátom vnucovaným trendom v umení. V jeho živote sú politika a kreativita veľmi úzko prepojené, bol chválený úradmi a nimi prenasledovaný, zastával vysoké funkcie a bol z nich odstránený, bol ocenený a bol na pokraji zatknutia seba a svojich príbuzných.
Mäkký, inteligentný, jemný človek našiel svoju formu vyjadrenia tvorivých princípov v symfóniách, kde vedel čo najotvorenejšie povedať pravdu o čase. Zo všetkých rozsiahlych diel Šostakoviča vo všetkých žánroch zaujímajú ústredné miesto symfónie (15 diel), najdramatickejšie sú symfónie 5,7,8,10,15, ktoré sa stali vrcholom sovietskej symfonickej hudby. V komornej hudbe sa otvára úplne iný Šostakovič.
Napriek tomu, že sám Šostakovič bol „domácim“ skladateľom a do zahraničia prakticky necestoval, jeho hudba, vo svojej podstate humanistická a svojou formou skutočne umelecká, sa rýchlo a široko rozšírila do celého sveta v podaní tých najlepších dirigentov. Veľkosť Šostakovičovho talentu je taká obrovská, že plné pochopenie tohto jedinečného fenoménu svetového umenia ešte len príde.

Citát D.D. Šostakoviča: "Skutočná hudba je schopná vyjadrovať len humánne pocity, len pokročilé humánne myšlienky."

ruská opera- najcennejší príspevok do pokladnice svetového hudobného divadla. Narodil sa v ére klasického rozkvetu talianskej, francúzskej a nemeckej opery, ruskej opery v 19. storočí. ostatné národné operné školy nielen dohnal, ale aj predbehol. Mnohostranný charakter vývoja ruského operného divadla v 19. storočí. prispel k obohateniu svetového realistického umenia. Diela ruských skladateľov otvorili novú oblasť opernej tvorivosti, vniesli do nej nový obsah, nové princípy budovania hudobnej dramaturgie, priblížili operné umenie k iným druhom hudobnej tvorivosti, predovšetkým k symfónii.

Obr.11

História ruskej klasickej opery je neoddeliteľne spojená s vývojom spoločenského života v Rusku, s rozvojom vyspelého ruského myslenia. Opera sa týmito spojeniami vyznačovala už v 18. storočí, ako národný fenomén vznikla v 70. rokoch, v období rozvoja ruského osvietenstva. Formovanie ruskej opernej školy bolo ovplyvnené osvietenskými myšlienkami, vyjadrenými v túžbe pravdivo zobraziť život ľudu. Neyasova, I.Yu. Ruská historická opera 19. storočia. S.85.

Ruská opera sa tak od svojich prvých krokov formuje ako demokratické umenie. Zápletky prvých ruských opier často presadzovali protipoddanské myšlienky, ktoré boli charakteristické aj pre ruské činoherné divadlo a ruskú literatúru na konci 18. storočia. Tieto tendencie sa však ešte nerozvinuli do uceleného systému, empiricky sa prejavili v scénach zo života roľníkov, v ukazovaní ich útlaku zo strany zemepánov, v satirickom zobrazení šľachty. Toto sú zápletky prvých ruských opier: „Nešťastie z koča“ od V. A. Paškeviča, „Koči na zostave“ od E. I. Fomina. V opere "Mlynár - čarodejník, podvodník a dohadzovač" s textom A. O. Ablesimova a hudbou M. M. Sokolovského (v druhej verzii - E. I. Fomina), myšlienka ušľachtilosti práce roľníka je vyjadrená a vznešená arogancia je zosmiešňovaná. V opere M. A. Matinského – V. A. Paškevič „Petrohradský Gostiny Dvor“ sú v satirickej podobe vyobrazení úžerník a úplatkár.

Prvé ruské opery boli hry s hudobnými epizódami v priebehu akcie. Veľmi dôležité v nich boli konverzačné scénky. Hudba prvých opier bola úzko spätá s ruskými ľudovými piesňami: skladatelia hojne využívali melódie existujúcich ľudových piesní, prerábali ich, čím sa stali základom opery. V „Melniku“ sú napríklad všetky charakteristiky postáv podané pomocou ľudových piesní iného charakteru. V opere "Petrohrad Gostiny Dvor" je ľudový svadobný obrad reprodukovaný s veľkou presnosťou. Vo filme „Koči na ráme“ vytvoril Fomin prvý príklad ľudovej zborovej opery, čím položil jednu z typických tradícií neskoršej ruskej opery.

Ruská opera sa rozvíjala v boji za svoju národnú identitu. Politika kráľovského dvora a vrcholnej šľachtickej spoločnosti, sponzorujúca zahraničné súbory, bola namierená proti demokracii ruského umenia. Postavy ruskej opery sa museli naučiť operným zručnostiam podľa vzorov západoeurópskej opery a zároveň obhájiť nezávislosť svojho národného smerovania. Tento boj sa na dlhé roky stal podmienkou existencie ruskej opery, ktorá na nových scénach naberá nové formy.

Spolu s operou a komédiou v XVIII. objavili sa aj iné operné žánre. V roku 1790 sa na dvore uskutočnilo predstavenie pod názvom „Olegova počiatočná správa“, ktorého text napísala cisárovná Katarína II. a hudbu zložili spoločne skladatelia K. Canobbio, J. Sarti a V. A. Paškevič. predstavenie nemalo ani tak operný charakter ako skôr oratórium a do istej miery ho možno považovať za prvý príklad hudobno-historického žánru, tak rozšíreného v 19. storočí. V diele vynikajúceho ruského skladateľa D. S. Bortňanského reprezentujú operný žáner lyrické opery Sokol a Súperiaci syn, ktorých hudba sa z hľadiska rozvoja operných foriem a zručnosti dá postaviť na úroveň moderných príkladov. západoeurópskej opery.

Budova opery bola využívaná v 18. storočí. veľká popularita. Postupne do stavovských divadiel prenikla opera z hlavného mesta. Pevnostné divadlo na prelome 18. a 19. storočia. uvádza jednotlivé vysoko umelecké príklady stvárnenia opier a jednotlivých rolí. Nominovaní sú talentovaní ruskí speváci a herci, ako napríklad speváčka E. Sandunova, ktorá vystupovala na scéne hlavného mesta, alebo nevoľnícka herečka divadla Šeremeteva P. Zhemčugova.

Umelecké úspechy ruskej opery 18. storočia. dal impulz k prudkému rozvoju hudobného divadla v Rusku v prvej štvrtine 19. storočia.

Spojenie ruského hudobného divadla s myšlienkami, ktoré určovali duchovný život éry, sa posilnilo najmä počas vlasteneckej vojny v roku 1812 a počas rokov decembristického hnutia. Téma vlastenectva, odrážajúca sa v historických i súčasných zápletkách, sa stáva základom mnohých dramatických a hudobných predstavení. Myšlienky humanizmu, protest proti sociálnej nerovnosti inšpirujú a obohacujú divadelné umenie.

Na začiatku XIX storočia. ešte nemožno hovoriť o opere v plnom zmysle slova. V ruskom hudobnom divadle hrajú dôležitú úlohu zmiešané žánre: tragédia s hudbou, vaudeville, komická opera, opera-balet. Ruská opera pred Glinkom nepoznala diela, ktorých dramaturgia by sa opierala len o hudbu bez hovorených epizód.

Musorgského hudobná dráma „Khovanshchina“ (obr. 12) je venovaná lukostreleckým povstaniam na konci 17. storočia. Prvok ľudového hnutia v celej jeho bujnej sile pozoruhodne vyjadruje hudba opery, založená na tvorivom prehodnotení umenia ľudovej piesne. Hudba „Khovanshchina“, podobne ako hudba „Boris Godunov“, sa vyznačuje vysokou tragédiou. Základom melodickej míle oboch opier je syntéza piesňových a deklamačných začiatkov. Musorgského novátorstvo, ktoré sa zrodilo z novosti jeho koncepcie, a hlboko originálne riešenie problémov hudobnej dramaturgie zaraďuje obe jeho opery k najvyšším úspechom hudobného divadla.

Obr.12

19. storočie je obdobím ruskej opernej klasiky. Ruskí skladatelia vytvorili majstrovské diela v rôznych žánroch opery: dráma, epos, hrdinská tragédia, komédia. Vytvorili inovatívnu hudobnú drámu, ktorá sa zrodila v úzkom spojení s inovatívnym obsahom opier. Dôležitá, určujúca úloha masových ľudových scén, mnohostranná charakterizácia postáv, nová interpretácia tradičných operných foriem a vytváranie nových princípov hudobnej jednoty celého diela sú charakteristické znaky ruskej opernej klasiky. Neyasova, I.Yu. Ruská historická opera 19. storočia. S.63.

Ruská klasická opera, ktorá sa rozvíjala pod vplyvom progresívneho filozofického a estetického myslenia, pod vplyvom udalostí vo verejnom živote, sa stala jedným z pozoruhodných aspektov ruskej národnej kultúry 19. storočia. Celá cesta rozvoja ruskej opery v minulom storočí prebiehala paralelne s veľkým oslobodzovacím hnutím ruského ľudu; skladatelia sa inšpirovali vysokými myšlienkami humanizmu a demokratického osvietenstva a ich diela sú pre nás skvelými príkladmi skutočne realistického umenia.

3.1 Modest Petrovič Musorgskij

Modest Petrovič Musorgskij – jeden z najbrilantnejších ruských skladateľov 19. storočia, člen „Mocnej hŕstky“. Musorgského novátorská práca ďaleko predbehla svoju dobu.

Narodil sa v provincii Pskov. Ako mnohí talentovaní ľudia od detstva prejavoval talent v hudbe, študoval v Petrohrade, bol podľa rodinnej tradície vojenským mužom. Rozhodujúcou udalosťou, ktorá určila, že Musorgskij sa nenarodil pre vojenskú službu, ale pre hudbu, bolo stretnutie s M.A. Balakirevom a vstup do „Mocnej hŕstky“. Musorgskij je skvelý v tom, že vo svojich grandióznych dielach – operách „Boris Godunov“ a „Chovanščina“ (obr. 13) zachytil v hudbe dramatické míľniky ruských dejín s radikálnou novotou, ktorú ruská hudba pred ním nepoznala, ukazujúc v r. sú kombináciou masových ľudových scén a rozmanitého bohatstva typov, jedinečného charakteru ruského ľudu. Tieto opery, v početných vydaniach od autora aj od iných skladateľov, patria medzi najpopulárnejšie ruské opery na svete. Danilová, G.I. čl. S.96.

3.2 Charakteristika Musorgského opery "Khovanshchina"

"Khovamshchina"(ľudová hudobná dráma) - opera v piatich dejstvách ruského skladateľa M. P. Musorgského, ktorá vznikla podľa vlastného libreta v priebehu niekoľkých rokov a nikdy nebola autorom dokončená; dielo dokončil N. A. Rimskij-Korsakov.

Khovanshchina je viac ako opera. Musorgského zaujímali tragické zákony ruských dejín, večný rozkol, zdroj utrpenia a krvi, večná predzvesť občianskej vojny, večné vstávanie z kolien a rovnako inštinktívna túžba vrátiť sa do svojej obvyklej pozície.

Musorgskij vymyslel myšlienku „Khovanshchina“ a čoskoro začne zbierať materiály. To všetko sa uskutočnilo za aktívnej účasti V. Stašova, ktorý v 70. rokoch. sa zblížil s Musorgským a bol jedným z mála, ktorí skutočne pochopili vážnosť skladateľových tvorivých zámerov. V. V. Stašov sa stal inšpiráciou a najbližším asistentom Musorgského pri tvorbe tejto opery, na ktorej pracoval od roku 1872 takmer do konca svojho života. „Venujem ti celé obdobie svojho života, keď bude vytvorená Khovanshchina... ty si to začal,“ napísal Musorgskij Stasovovi 15. júla 1872.

Obr.13

Skladateľa opäť priťahoval osud ruského ľudu v prelomovom období ruských dejín. Povstalecké udalosti konca 17. storočia, ostrý boj medzi starým bojarským Ruskom a novým mladým Ruskom Petra I., nepokoje lukostrelcov a hnutie schizmatikov dali Musorgskému príležitosť na vytvorenie novej ľudovej hudobnej drámy. Autor venoval "Khovanshchina" V.V. Stasovovi. Danilová, G.I. čl. P.100.

Práca na "Khovanshchina" bola náročná - Musorgskij sa obrátil na materiál ďaleko za rámec operného predstavenia. Intenzívne však písal („Práca je v plnom prúde!“), aj keď s dlhými prestávkami z mnohých dôvodov. V tomto čase Musorgskij prechádzal rozpadom Balakirevovho okruhu, ochladzovaním vzťahov s Cui a Rimským-Korsakovom, Balakirevovým odchodom z hudobných a spoločenských aktivít. Mal pocit, že každý z nich sa stal nezávislým umelcom a už sa vydal vlastnou cestou. Byrokratická služba nechávala na skladanie hudby len večerné a nočné hodiny, čo viedlo k ťažkej prepracovanosti a čoraz dlhšie trvajúcim depresiám. Napriek všetkému však skladateľova tvorivá sila v tomto období vyniká silou a bohatstvom umeleckých myšlienok.

„Khovanshchina je komplexná ruská opera, rovnako zložitá ako ruská duša. Ale Musorgskij je taký úžasný skladateľ, že dve jeho opery sa takmer každý rok uvádzajú v rôznych operách po celom svete.“ Abdrazakov, RIA Novosti.

Opera odhaľuje celé vrstvy ľudového života a ukazuje duchovnú tragédiu ruského ľudu na prelome jeho tradičného historického a spôsobu života.

3.3 Opera Musorgskij "Khovanshchina" v divadle

Grandiózny rozsah eposu - v tomto formáte v posledných rokoch uprednostňuje Alexander Titel, inscenoval "Vojna a mier" od Sergeja Prokofieva, "Boris Godunov" od Musorgského a nakoniec obrovské historické plátno - "Khovanshchina" . Nie je potrebné pripomínať dnešný význam tohto Musorgského výtvoru, ktorý absorbuje všetky tragické kolízie „ruského“ – rozkol moci a ľudu, náboženskú schizmu, politické intrigy, fanatický idealizmus, neustále hľadanie „ruského“ cesta“, rozdvojka eurázijskej. Relevantnosť je na povrchu a nie je náhoda, že "Khovanshchina" v poslednej sezóne "šachty" je na európskych scénach - vo Viedni, Stuttgarte, Antverpách, Birminghame. Predstavenie Titela takmer s úzkosťou vracia jeho krajanov k týmto témam Musorgského.

O tom, že divadlo pristúpilo k svojej „historickej“ výpovedi s osobitnou intenzitou, svedčí na premiéru pripravený booklet s výstrihmi z dokumentov a skutočnými životopismi prototypov Khovanshchina a expozícia načasovaná na uvedenie predstavenia v r. Átrium divadla s vystavenými archeologickými nálezmi z čias "Khovanshchina "- úlomky zbraní nájdené pod budovou divadla. Je zrejmé, že atmosféra vystúpenia s takýmto sprievodom mala byť ešte „autentickejšia“. Divákov však na javisku neprivítali veže a kremeľské veže, ale jednoduchá dosková škatuľa podobná stodole, v ktorej sa viac ako tri hodiny odvíjal pochmúrny epos ruského života. Hudobný tón udával Alexander Lazarev, ktorý si zvolil orchestráciu Dmitrija Šostakoviča, plnú metalických podtextov, lámajúcich akoby do priepasti zvukov, ťažké zvony, ktoré zneli v jeho interpretácii takmer neutíchajúcou forte, s ťažkým oloveným markaztom drvivým až ťahaným. - lyrické piesne. V niektorých momentoch orchester zanikol a potom „vonku“ vyšli zbory: slávne „Ocko, ocko, poď k nám!“ znelo ako majstrovské dielo, tiché schizmatické modlitby. Masol, L.M., Aristova L.S. Hudobné umenie. S.135.

Obr.14

Tvrdá orchestrálna kulisa ladila s temnou frenetickou akciou na pódiu. Obrovský komparz - stovky ľudí oblečených jednotne, v šarlátovej - streltsy (obr. 14) alebo bielej - "ľudovej". Princovia majú jednoduché kaftany s malými gombíkmi, bez obvyklých kožušín a drahocenných výšiviek. Títo komparzisti sa zúčastňujú stolovania pri dlhom drevenom stole, vychádzajú v dave s ikonami, bratia sa, chytajú sa za ramená okolo Bati Khovanského. No davy na pódiu „nežili“, skôr dokresľovali dej.

Obr.15

Hlavná zápletka sa však rozvinula „hore“ - medzi princami a bojarmi, ktorí splietajú sprisahania, diktujú výpovede, bojujú o moc. Najprv Šaklovity (Anton Zaraev) zúrivo diktuje Podjačymu (Valerij Mikitskij), vystraší ho mučením a štvaním, cárovi Petrovi a Ivanovi podá správu o otcovi a synovi Khovanského, potom princ Golitsyn (Nazhmiddin Mavljanov) spriada intrigy proti úrady s Khovanským (Dmitrij Ulyanov) a Dosifey (Denis Makarov) - zúfalo, na pokraji boja. Mladší Chovanskij (Nikolaj Erokhin) tu s rovnakým šialenstvom eroticky prenasleduje Nemku Emmu (Elena Guseva) a schizmatická Martha (Ksenia Dudniková) - pomstychtivo ťahá rozrušeného Andreja k samovražde v skete. Musorgského hrdinovia v hre existujú, akoby každé ich slovo obrátilo svet hore nohami. Kričia v áriách až zachrípnuto, búšia päsťami po stole. Marfa strašne háda, búcha päsťami do vody a akoby zo zinkového vedra žmýkala niečo živé. Lukostrelci položia hlavy na šarlátové kaftany na popravu a Khovansky starší zdvihne sukne Peržanov. Na pódiu melancholicky znie arménsky duduk – číslo vložené do predstavenia. Je pravda, že prečo je relevantnejší ako bežný perzský tanec, nie je úplne jasné. Tiež, žiaľ, nie je jasné, o čom to predstavenie nakoniec bolo, končiace obrázkom stojaceho schizmatického davu ponárajúceho sa do tmy, o ktorom sa hrdinovia tak horúčkovito hádali, lámali si hlasy, tri hodiny v hystérii vybuchovali. riadok, čo presne chceli zo svojej skúsenosti sprostredkovať, okrem obrazu ponurého Ruska. Vrátane, a pretože slová v predstavení sú takmer na nerozoznanie. Titulky bežeckej línie sú v angličtine a v sále je len málo znalcov libreta naspamäť. Medzitým to nebolo náhodou, že sám Musorgskij vyslovoval každé slovo. Vytvoril „Khovanshchina“ ako aktuálnu politickú drámu a pravdepodobne dúfal, že zážitok z tohto príbehu pomôže niečo zmeniť v súčasnosti.

Dejiny opery u nás ako hudobného a dramatického žánru, ktorý prišiel zo Západu, sa však začali písať dávno pred uvedením Glinkovho Života pre cára (Ivan Susanin), prvej ruskej klasickej opery, ktorá mala premiéru 27. novembra 1836.

Ak sa pokúsite, začiatky ruskej opery možno nájsť v staroveku, pretože hudobný a dramatický prvok je vlastný ruským ľudovým rituálom, ako sú svadobné obrady, okrúhle tance, ako aj cirkevné predstavenia stredovekého Ruska, ktoré možno považovať za predpoklady pre vznik ruskej opery. S ešte väčším rozumom možno vidieť zrod ruskej opery v ľudovo-duchovných predstaveniach 16. a 17. storočia, v školských drámach kyjevskej a moskovskej akadémie na biblické námety. Všetky tieto hudobné a historické prvky sa odrazia v dielach budúcich ruských operných skladateľov.

17. októbra 1672 sa uskutočnilo prvé predstavenie "Ester" ("Artaxerxov čin") od Johanna Gottfrieda Gregoryho, ktoré trvalo desať hodín až do rána. Do akcie bola zapojená hudba – orchester Nemcov a dvorných ľudí, ktorí hrali na „organoch, violách a iných nástrojoch“, možno sa na hre podieľali aj zbory „suverénnych spevokolov“. Cára to zaujalo, so všetkými účastníkmi vystúpenia sa zaobchádzalo milo, štedro odmenení a dokonca bolo cárovi dovolené pobozkať ruku – „boli z rúk veľkého panovníka“, niektorí dostávali hodnosti a platy, sám Gregor dostal za jeden štyridsať sobolov. sto rubľov (miera kožušinovej pokladnice).

Nasledujúce hry od Gregora sa hrali už v Moskve v kremeľských komnatách, publikum bolo blízko kráľovi: bojari, kolotoče, šľachtici, úradníci; existovali špeciálne miesta pre kráľovnú a princezné, oplotené častými mrežami, aby ich verejnosť nevidela. Predstavenia sa začali o 22. hodine a trvali až do rána. Ak v „Artaxerxovom akte“ bola účasť hudby skôr náhodná, v roku 1673 sa na javisku objavila hra podobná opere. S najväčšou pravdepodobnosťou išlo o prepracovanie libreta Rinucciniho opery „Eurydice“, ktorá bola jednou z úplne prvých opier a v početných úpravách bola široko rozšírená po celej Európe.

Johann Gregory dokonca v roku 1673 založil divadelnú školu, v ktorej 26 filistínskych detí študovalo „komédiu“. V roku 1675 však Gregor ochorel a odišiel na liečenie do nemeckých krajín, ale čoskoro zomrel v meste Merserburg, kde bol pochovaný, a divadelná škola bola zatvorená. Po smrti cára Alexeja Michajloviča v roku 1676 nový cár Fiodor Alekseevič o divadlo neprejavil záujem, hlavný mecenáš Artamon Matveev bol poslaný do vyhnanstva v Pustozersku, divadlá boli rozobraté. Okuliare prestali, ale myšlienka zostala, že je to prípustné, pretože to pobavilo samotného panovníka.

Keďže Gregory prežil väčšinu svojho života v Rusku, zaostával za modernými divadelnými trendmi a komédie, ktoré inscenoval, boli zastarané, ale začiatok dramatického a operného umenia v Rusku bol položený. K ďalšej apelácii na divadlo a jeho oživeniu došlo o dvadsaťpäť rokov neskôr, za Petra I.

Odvtedy prešli štyri storočia, no opera je stále považovaná za jeden z najobľúbenejších hudobných žánrov. Porozumenie opernej hudbe je prístupné každému, tomu napomáhajú slová a scénické činy, hudba umocňuje dojmy z drámy a svojou prirodzenou stručnosťou vyjadruje to, čo je niekedy ťažké vyjadriť slovami.

V súčasnosti sa ruská verejnosť zaujíma o opery S. M. Slonimského, R. K. Ščedrina, L. A. Desjatnikova, V. A. Kobekina, A. V. Čajkovského - hoci náročné, môžete si ich pozrieť zakúpením lístkov do Veľkého divadla. Najznámejším a najobľúbenejším divadlom u nás je, samozrejme, Veľké divadlo – jeden z hlavných symbolov nášho štátu a jeho kultúry. Po návšteve Bolshoi môžete naplno zažiť spojenie hudby a drámy.

Ruská opera, ktorá vznikla ako imitácia západných vzorov, bola cenným prínosom do pokladnice celej svetovej kultúry.

Ruská opera v 19. storočí, ktorá sa objavila v ére klasického rozkvetu francúzskych, nemeckých a talianskych opier, nielen dobehla klasické národné operné školy, ale ich aj predbehla. Zaujímavosťou je, že ruskí skladatelia si pre svoje diela tradične vyberali námety čisto ľudového charakteru.

"Život pre cára" Glinka

Opera „Život pre cára“ alebo „Ivan Susanin“ rozpráva o udalostiach z roku 1612 - o poľskom ťažení šľachty proti Moskve. Autorom libreta sa stal barón Yegor Rozen, avšak v sovietskych časoch bola úprava libreta z ideologických dôvodov zverená Sergejovi Gorodetskému. Premiéra opery sa konala vo Veľkom divadle v Petrohrade v roku 1836. Časť Susanin hral dlho Fjodor Chaliapin. Po revolúcii Život pre cára opustil sovietsku scénu. Boli pokusy prispôsobiť dej požiadavkám novej doby: takto bola Susanin prijatá do Komsomolu a posledné riadky zneli ako „Sláva, sláva, sovietsky systém“. Vďaka Gorodetskému, keď bola opera uvedená vo Veľkom divadle v roku 1939, bol „sovietsky systém“ nahradený „ruským ľudom“. Od roku 1945 Veľké divadlo tradične otvára sezónu rôznymi inscenáciami Ivana Susanina od Glinku. Najrozsiahlejšia inscenácia opery v zahraničí bola realizovaná azda v milánskej La Scale.

"Boris Godunov" od Musorgského

Operu, v ktorej sú cár a ľud vybraní ako dve postavy, začal Musorgskij v októbri 1868. Na napísanie libreta skladateľ použil text rovnomennej Puškinovej tragédie a materiály z Karamzinových Dejín ruského štátu. Témou opery bolo obdobie vlády Borisa Godunova tesne pred Časom nepokojov. Musorgskij dokončil prvé vydanie opery Boris Godunov v roku 1869, ktoré bolo predstavené divadelnému výboru Riaditeľstva cisárskych divadiel. Recenzenti však operu odmietli a odmietli ju uviesť pre nedostatok svetlej ženskej úlohy. Musorgskij uviedol do opery „poľský“ počin milostnej línie Mariny Mniszek a False Dmitrija. Pridal aj monumentálnu scénu ľudového povstania, vďaka ktorej bolo finále veľkolepejšie. Napriek všetkým úpravám bola opera opäť zamietnutá. Zinscenovaný bol až o 2 roky neskôr, v roku 1874, na scéne Mariinského divadla. V zahraničí sa premiéra opery konala vo Veľkom divadle v Parížskej Veľkej opere 19. mája 1908.

Piková dáma od Čajkovského

Operu dokončil Čajkovskij začiatkom jari 1890 vo Florencii a prvá inscenácia sa uskutočnila v decembri toho istého roku v Mariinskom divadle v Petrohrade. Operu napísal skladateľ na objednávku cisárskeho divadla a Čajkovskij po prvýkrát odmietol objednávku prevziať, argumentujúc tým, že v deji nie je „správna scéna“. Zaujímavosťou je, že v Puškinovom príbehu má hlavný hrdina priezvisko Hermann (s dvoma „n“ na konci) a v opere je hlavnou postavou muž menom Herman – nejde o omyl, ale o zámernú zmenu autora. . V roku 1892 bola opera prvýkrát uvedená mimo Ruska v Prahe. Potom - prvá produkcia v New Yorku v roku 1910 a premiéra v Londýne v roku 1915.

"Princ Igor" Borodin

Základom libreta bol pamätník starovekej ruskej literatúry „Príbeh Igorovej kampane“. Myšlienku zápletky navrhol Borodinovi kritik Vladimir Stasov na jednom z hudobných večerov v Šostakovičovi. Opera vznikala viac ako 18 rokov, no skladateľ ju nikdy nedokončil. Po smrti Borodina dokončili prácu na diele Glazunov a Rimsky-Korsakov. Existuje názor, že Glazunov dokázal obnoviť z pamäti autorské prevedenie opernej predohry, ktorú kedysi počul, sám Glazunov však tento názor vyvrátil. Napriek tomu, že Glazunov a Rimsky-Korsakov urobili väčšinu práce, trvali na tom, že knieža Igor bol výlučne operou Alexandra Porfiryeviča Borodina. Premiéra opery sa konala v Mariinskom divadle v Petrohrade v roku 1890, po 9 rokoch ju videlo zahraničné publikum v Prahe.

"Zlatý kohút" od Rimského-Korsakova

Opera Zlatý kohút bola napísaná v roku 1908 podľa rovnomennej Puškinovej rozprávky. Táto opera bola posledným dielom Rimského-Korsakova. Cisárske divadlá odmietli operu uviesť. Ale len čo ju diváci prvýkrát videli v roku 1909 v moskovskej opere Sergeja Zimina, o mesiac neskôr bola opera uvedená vo Veľkom divadle a potom začala svoj triumfálny sprievod po celom svete: Londýn, Paríž, New York, Berlín, Vroclav.

"Lady Macbeth z Mtsenského okresu" od Šostakoviča

Myšlienka opery pochádza od Alexandra Dargomyzhského v roku 1863. Skladateľ však pochyboval o jeho úspechu a dielo považoval za tvorivé „výskumné“, „zábavu nad Puškinovým Donom Giovannim“. Napísal hudbu k Puškinovmu textu Kamenného hosťa bez toho, aby v ňom zmenil jediné slovo. Problémy so srdcom však skladateľovi nedovolili dielo dokončiť. Zomrel a v závete požiadal svojich priateľov Cui a Rimského-Korsakova, aby dielo dokončili. Opera bola prvýkrát predstavená publiku v roku 1872 na javisku Mariinského divadla v Petrohrade. Zahraničná premiéra sa konala až v roku 1928 v Salzburgu. Táto opera sa stala jedným zo „základných kameňov“, bez jej vedomia nie je možné pochopiť nielen ruskú klasickú hudbu, ale aj všeobecnú kultúru našej krajiny.