Moderní ruskí umelci stoja za bližší pohľad. Málo známi súčasní ruskí umelci a ich obrazy Módni umelci 21. storočia

Ak si myslíte, že všetci veľkí umelci sú minulosťou, potom ani netušíte, ako veľmi sa mýlite. V tomto článku sa dozviete o najznámejších a najtalentovanejších umelcoch našej doby. A verte, že ich diela vám utkvejú v pamäti nemenej hlboko ako diela maestra z minulých období.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je súčasný poľský umelec. Vyštudoval Sliezsky polytechnický inštitút, no spojil sa s. V poslednej dobe maľuje prevažne ženy. Zameriava sa na prejavy emócií, snaží sa získať čo najväčší účinok jednoduchými prostriedkami.

Miluje farby, ale na dosiahnutie najlepšieho dojmu často používa odtiene čiernej a šedej. Nebojte sa experimentovať s novými technikami. V poslednej dobe si získava čoraz väčšiu obľubu aj v zahraničí, hlavne vo Veľkej Británii, kde úspešne predáva svoje diela, ktoré sa už nachádzajú v mnohých súkromných zbierkach. Okrem umenia sa zaujíma o kozmológiu a filozofiu. Počúva jazz. V súčasnosti žije a pracuje v Katoviciach.

Warren Chang

Warren Chang je súčasný americký umelec. Narodil sa v roku 1957 a vyrastal v Monterey v Kalifornii. V roku 1981 absolvoval s vyznamenaním Art Center College of Design v Pasadene s titulom Bachelor of Fine Arts v odbore výtvarné umenie. Nasledujúce dve desaťročia pracoval ako ilustrátor pre rôzne spoločnosti v Kalifornii a New Yorku, kým v roku 2009 začal svoju kariéru ako profesionálny umelec.

Jeho realistické maľby možno rozdeliť do dvoch hlavných kategórií: biografické interiérové ​​maľby a maľby zobrazujúce pracujúcich ľudí. Jeho záujem o tento štýl maľby má korene v tvorbe maliara Jana Vermeera zo 16. storočia a zasahuje do objektov, autoportrétov, portrétov rodinných príslušníkov, priateľov, študentov, interiérov ateliérov, tried a domov. Jeho cieľom je vytvoriť náladu a emócie vo svojich realistických obrazoch prostredníctvom manipulácie so svetlom a použitím tlmených farieb.

Chang sa preslávil po prechode k tradičnému výtvarnému umeniu. Za posledných 12 rokov si vyslúžil množstvo ocenení a vyznamenaní, z ktorých najprestížnejšie je Master Signature od Asociácie olejových maliarov v Amerike, najväčšej olejomaľovacej komunity v Spojených štátoch. Iba jeden človek z 50 má možnosť získať toto ocenenie. V súčasnosti žije Warren v Monterey a pracuje vo svojom ateliéri, zároveň vyučuje (známy ako talentovaný učiteľ) na Akadémii umení v San Franciscu.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni je taliansky umelec. Narodil sa v Blair 15. októbra 1955. Vyštudoval scénografiu na Inštitúte umenia v Spolete. Ako umelec je samouk, keďže samostatne „postavil dom poznania“ na základoch položených ešte v škole. Olejom začal maľovať vo veku 19 rokov. V súčasnosti žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho raná maľba má korene v surrealizme, no postupom času sa začína sústreďovať na blízkosť lyrického romantizmu a symbolizmu, pričom túto kombináciu umocňuje vynikajúcou prepracovanosťou a čistotou svojich postáv. Živé a neživé predmety nadobúdajú rovnakú dôstojnosť a vyzerajú takmer hyperrealisticky, no zároveň sa neskrývajú za oponou, ale umožňujú vám vidieť podstatu vašej duše. Všestrannosť a sofistikovanosť, zmyselnosť a osamelosť, premyslenosť a plodnosť sú duchom Aurelia Bruniho, živeného nádherou umenia a harmóniou hudby.

Aleksander Baloš

Alkasandr Balos je súčasný poľský umelec špecializujúci sa na olejomaľbu. Narodil sa v roku 1970 v poľských Gliwiciach, no od roku 1989 žije a pracuje v USA, v meste Shasta v Kalifornii.

V detstve študoval umenie pod vedením svojho otca Jana, samouka a sochára, takže už od malička mala umelecká činnosť plnú podporu oboch rodičov. V roku 1989, vo veku osemnástich rokov, Balos odišiel z Poľska do Spojených štátov, kde jeho učiteľka a umelkyňa na čiastočný úväzok Cathy Gaggliardi povzbudila Alcasandera, aby sa prihlásil na umeleckú školu. Balos potom získal plné štipendium na University of Milwaukee Wisconsin, kde študoval maľbu u profesora filozofie Harryho Rosina.

Po ukončení štúdia v roku 1995 bakalárskym titulom sa Balos presťahoval do Chicaga študovať na School of Fine Arts, ktorej metódy sú založené na práci Jacquesa-Louisa Davida. Figurálny realizmus a portrét tvorili väčšinu Balosovej tvorby v 90. rokoch a začiatkom 21. storočia. Balos dnes využíva ľudskú postavu na zvýraznenie čŕt a nedostatkov ľudskej existencie bez toho, aby ponúkal nejaké riešenia.

Dejové kompozície jeho obrazov sú určené na samostatnú interpretáciu diváka, až potom plátna získajú svoj skutočný časový a subjektívny význam. V roku 2005 sa umelec presťahoval do severnej Kalifornie, odvtedy sa rozsah jeho tvorby výrazne rozšíril a teraz zahŕňa voľnejšie metódy maľby vrátane abstrakcie a rôznych multimediálnych štýlov, ktoré pomáhajú vyjadrovať myšlienky a ideály bytia prostredníctvom maľby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks je súčasná americká umelkyňa. Narodila sa v roku 1977 v Ridgewoode v štáte New Jersey. O maľovanie sa začala zaujímať ešte ako dieťa. Navštevovala The New School v New Yorku a Montclair State University a v roku 1999 ukončila štúdium na Boston College s bakalárskym titulom. Zároveň študovala maľbu na Akadémii Lorenza Mediciho ​​vo Florencii.

Potom pokračovala v štúdiu v rámci magisterského štúdia na New York Academy of Art na oddelení figurálneho umenia, ktoré ukončila v roku 2001. Vyštudovala Fullerton College v roku 2006. Krátko prednášala na univerzitách a vzdelávacích inštitúciách po celej krajine a vyučovala maľbu na New York Academy of Art, ako aj na Montclair State University a Lyme Academy College of Art.

„Pomocou filtrov, ako je sklo, vinyl, voda a para, deformujem ľudské telo. Tieto filtre umožňujú vytvárať veľké plochy abstraktného dizajnu, cez ktoré prenikajú ostrovčeky farieb – časti ľudského tela.

Moje obrazy menia moderný pohľad na už zabehnuté, tradičné pózy a gestá kúpajúcich sa žien. Pozornému divákovi by mohli veľa povedať o takých zdanlivo samozrejmých veciach, akými sú výhody plávania, tanca a pod. Moje postavy sú pritlačené k sklu okna sprchovacieho kúta, deformujúc svoje vlastné telo, uvedomujúc si, že tým ovplyvňujú notoricky známy mužský pohľad na nahú ženu. Hrubé vrstvy farby sa zmiešajú, aby z diaľky napodobňovali sklo, paru, vodu a mäso. Zblízka sa však ukážu úžasné fyzikálne vlastnosti olejovej farby. Experimentovaním s vrstvami farieb a farieb nachádzam moment, kedy sa abstraktné ťahy stávajú niečím iným.

Keď som prvýkrát začal maľovať ľudské telo, bol som ním okamžite fascinovaný a dokonca posadnutý a mal som pocit, že svoje obrazy musím urobiť čo najrealistickejšími. Realizmus som „vyznával“, až kým sa nezačal rozmotávať a dekonštruovať sám. Teraz skúmam možnosti a potenciál štýlu maľby, kde sa stretáva reprezentačná maľba a abstrakcia – ak oba štýly dokážu koexistovať v rovnakom čase, urobím to.“

Antonio Finelli

taliansky umelec - strážca času“ – Antonio Finelli sa narodil 23. februára 1985. V súčasnosti žije a pracuje v Taliansku medzi Rímom a Campobasso. Jeho diela boli vystavené vo viacerých galériách v Taliansku i v zahraničí: Rím, Florencia, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a nachádzajú sa aj v súkromných a verejných zbierkach.

Kresby ceruzkou" Strážca času“ Antonio Finelli nás posiela na večnú cestu vnútorným svetom ľudskej dočasnosti a dôslednej analýzy tohto sveta s ním spojeného, ​​ktorej hlavným prvkom je prechod časom a jeho stopy na koži.

Finelli maľuje portréty ľudí akéhokoľvek veku, pohlavia a národnosti, ktorých mimika naznačuje prechod v čase a umelec tiež dúfa, že na telách svojich postáv nájde dôkazy o nemilosrdnosti času. Antonio definuje svoje diela jedným všeobecným názvom: „Autoportrét“, pretože vo svojich kresbách ceruzou zobrazuje nielen človeka, ale umožňuje divákovi kontemplovať skutočné výsledky plynutia času vo vnútri človeka.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni je 37-ročná talianska umelkyňa, dcéra diplomata. Má tri deti. Dvanásť rokov žila v Ríme, tri roky v Anglicku a Francúzsku. Vyštudoval dejiny umenia na BD School of Art. Potom získala diplom v odbore reštaurátor umeleckých diel. Predtým, ako našla svoje povolanie a začala sa naplno venovať maľbe, pracovala ako novinárka, koloristka, dizajnérka a herečka.

Flaminiaina vášeň pre maľovanie vznikla už v detstve. Jej hlavným médiom je olej, pretože miluje „coiffer la pate“ a tiež sa hrá s materiálom. Podobnú techniku ​​sa naučila v dielach umelca Pascala Toruu. Flaminia je inšpirovaná veľkými majstrami maľby ako Balthus, Hopper a François Legrand, ako aj rôznymi umeleckými smermi: street art, čínsky realizmus, surrealizmus a renesančný realizmus. Jej obľúbený umelec je Caravaggio. Jej snom je objaviť terapeutickú silu umenia.

Denis Černov

Denis Chernov je talentovaný ukrajinský umelec, narodený v roku 1978 v Sambir, Ľvovská oblasť, Ukrajina. Po absolvovaní Vysokej školy umenia v Charkove v roku 1998 zostal v Charkove, kde v súčasnosti žije a tvorí. Študoval tiež na Charkovskej štátnej akadémii dizajnu a umenia, odbor grafika, ktorú ukončil v roku 2004.

Pravidelne sa zúčastňuje umeleckých výstav, v súčasnosti ich je na Ukrajine aj v zahraničí viac ako šesťdesiat. Väčšina diel Denisa Černova je uložená v súkromných zbierkach na Ukrajine, v Rusku, Taliansku, Anglicku, Španielsku, Grécku, Francúzsku, USA, Kanade a Japonsku. Niektoré diela sa predávali v Christie's.

Denis pracuje v širokej škále grafických a maliarskych techník. Kresby ceruzkou patria k jeho obľúbeným maliarskym postupom, veľmi pestrý je aj zoznam tém jeho kresieb ceruzou, maľuje krajinky, portréty, akty, žánrové kompozície, knižné ilustrácie, literárne a historické rekonštrukcie a fantasy.

Hodnotenie najdrahších diel žijúcich umelcov je konštrukcia, ktorá o úlohe a mieste umelca v dejinách umenia hovorí oveľa menej ako o veku a zdraví.

Pravidlá zostavovania nášho hodnotenia sú jednoduché: po prvé, do úvahy sa berú len transakcie s dielami žijúcich autorov; po druhé, berú sa do úvahy iba verejné aukcie; a po tretie, dodržiava sa pravidlo „jeden umelec – jedno dielo“ (ak Jonesovi patria dva rekordy v hodnotení diel, zostáva len ten najdrahší a ostatné sa neberú do úvahy). Hodnotenie sa vykonáva v dolároch (podľa výmenného kurzu v deň predaja).

1. JEFF KOONS Králik. 1986. 91,075 milióna dolárov

Čím dlhšie sledujete aukčnú kariéru Jeffa Koonsa (1955), tým viac nadobudnete presvedčenie, že pre pop art nie je nič nemožné. Sochy Koonsa môžete obdivovať v podobe balónových hračiek, alebo ich môžete považovať za gýč a nevkus – vaše právo. Jedno sa nedá uprieť: inštalácie Jeffa Koonsa stoja šialené peniaze.

Jeff Koons začal svoju cestu ku sláve ako najúspešnejší žijúci umelec na svete už v roku 2007, keď bola jeho obrovská kovová inštalácia Hanging Heart kúpená za 23,6 milióna dolárov v Sotheby's. Dielo kúpila Larry Gagosian Gallery zastupujúca Koonsa (v r. tlač, že to bolo v záujme ukrajinského miliardára Viktora Pinčuka.) Galéria nezískala len inštaláciu, ale v skutočnosti dielo šperkového umenia. 2,7 m váži 1 600 kg), ale má podobný účel. a pol tisícky hodín bolo vynaložených na výrobu kompozície so srdcom pokrytým desiatimi vrstvami farby, v dôsledku čoho sa za veľkolepú „dekoráciu“ zaplatili obrovské peniaze.

Ďalším bol predaj Purple Balloon Flower za 12,92 milióna libier (25,8 milióna dolárov) v Christie's London 30. júna 2008. Zaujímavosťou je, že sedem rokov predtým kúpili predchádzajúci majitelia „Kvetu“ dielo za 1,1 milióna dolárov.Je ľahké spočítať, že za tento čas sa jeho trhová cena zvýšila takmer 25-krát.

Pokles na trhu s umením v rokoch 2008-2009 dal skeptikom dôvod na ohováranie, že móda pre Koons pominula. Ale mýlili sa: spolu s trhom s umením sa oživil záujem o diela Koonsa. Nástupca trónu kráľa pop artu Andyho Warhola aktualizoval svoje osobné maximum v novembri 2012 predajom viacfarebnej sochy „Tulipány“ zo série „Triumph“ v Christie's za 33,7 milióna dolárov vrátane provízie.

Ale "tulipány" boli "kvety" v doslovnom a prenesenom zmysle. Len o rok neskôr, v novembri 2013, nasledoval predaj nerezovej plastiky balónového psa (oranžová): cena kladiva bola až 58,4 milióna dolárov! Rozprávková suma na žijúceho umelca. Dielo súčasného autora sa predávalo za cenu Van Goghovho či Picassa obrazu. To boli jahody...

Koons týmto výsledkom kraľoval na vrchole rebríčka žijúcich umelcov niekoľko rokov. V novembri 2018 ho nakrátko prekonal David Hockney (pozri druhé miesto v našom rebríčku). Ale len o šesť mesiacov neskôr sa všetko vrátilo do normálu: 15. mája 2019 v New Yorku na aukcii povojnového a súčasného umenia Christie's ponúkla na predaj učebnicovú sochu pre Koonsa v roku 1986 - strieborného „králika“ vyrobené z nehrdzavejúcej ocele, imitujúce balón podobného tvaru.

Celkovo Koons vytvoril 3 takéto sochy plus jednu autorskú kópiu. V aukcii bol exemplár „Králika“ číslo 2 – zo zbierky kultového vydavateľstva Cy Newhouse, spolumajiteľa vydavateľstva Conde Nast (časopisy Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ atď.). Strieborný „Králik“ kúpil „otec pôvabu“ Cy Newhouse v roku 1992 za pôsobivú sumu podľa štandardov tých rokov - 1 milión dolárov. Po 27 rokoch v boji 10 záujemcov bola cena kladiva sochy 80-krát vyššia ako predchádzajúca predajná cena. A s províziou Buyer's Premium bol konečný výsledok rekordných 91,075 milióna dolárov pre všetkých žijúcich umelcov.

2. DAVID HOKNEY Portrét umelca. Bazén s dvoma figúrkami. 1972. 90 312 500 dolárov

David Hockney (1937) je jedným z najvýznamnejších britských umelcov 20. storočia. V roku 2011 bol David Hockney zvolený za najvplyvnejšieho britského umelca všetkých čias v prieskume medzi tisíckami profesionálnych britských maliarov a sochárov. Hockney zároveň obišiel takých majstrov ako William Turner a Francis Bacon. Jeho tvorba sa spravidla pripisuje pop-artu, aj keď vo svojich raných dielach viac inklinoval k expresionizmu v duchu Francisa Bacona.

Narodil sa a vyrastal David Hockney v Anglicku, Yorkshire. Matka budúceho umelca udržiavala rodinu v puritánskej prísnosti a jeho otec, jednoduchý účtovník, ktorý kreslil trochu na amatérskej úrovni, povzbudzoval svojho syna, aby maľoval. Vo svojich dvadsiatich rokoch sa David presťahoval do Kalifornie, kde žil celkovo asi tri desaťročia. Stále tam má dve dielne. Hockney urobil z hrdinov svojich diel miestnych boháčov, ich vily, bazény, trávniky zaliate kalifornským slnkom. Jedno z jeho najznámejších diel amerického obdobia - obraz "Splash" - je obrazom zhluku spreja stúpajúceho z bazéna po tom, čo človek skočil do vody. Na znázornenie tohto zväzku, ktorý „nežije“ viac ako dve sekundy, pracoval Hockney dva týždne. Mimochodom, tento obraz sa v roku 2006 predal v Sotheby’s za 5,4 milióna dolárov a nejaký čas bol považovaný za jeho najdrahšie dielo.

Hockney (1937) má už po osemdesiatke, no stále pracuje a dokonca vymýšľa nové výtvarné techniky s využitím technických noviniek. Raz prišiel s nápadom robiť obrovské koláže z polaroidových obrázkov, svoje diela vytlačil na faxoch a dnes umelec nadšene ovláda kreslenie na iPade. Obrazy nakreslené na tablete zaujímajú na jeho výstavách svoje miesto.

V roku 2005 sa Hockney konečne vrátil zo štátov do Anglicka. Teraz maľuje pod holým nebom av ateliéri obrovské (často pozostávajúce z niekoľkých častí) krajiny miestnych lesov a pustatín. Podľa Hockneyho si za 30 rokov v Kalifornii tak nezvykol na jednoduchú zmenu ročných období, že ho to skutočne fascinuje a fascinuje. Celé cykly jeho posledných prác sú venované napríklad tej istej krajine v rôznych obdobiach roka.

V roku 2018 Hockneyho obrazy niekoľkokrát prekonali hranicu 10 miliónov dolárov. A 15. novembra 2018 bol v Christie's zaregistrovaný nový absolútny rekord za prácu žijúceho umelca – 90 312 500 dolárov za obraz „Portrét umelca (Pool with Two Figures)“.

3. GERHARD RICHTER Abstraktná maľba. 1986. 46,3 milióna dolárov

Žijúca klasika Gerhard Richter (1932) je v našom rebríčku na druhom mieste. Nemecký umelec bol lídrom medzi žijúcimi kolegami, kým nezasiahol 58 miliónový rekord Jeffa Koonsa. Je však nepravdepodobné, že by táto okolnosť mohla otriasť Richterovou už aj tak železnou autoritou na trhu s umením. Podľa výsledkov z roku 2012 je ročný aukčný obrat nemeckého umelca na druhom mieste po aukciách Andyho Warhola a Pabla Picassa.

Dlhé roky nič nenaznačovalo úspech, ktorý na Richtera dopadol teraz. Umelec zastával desaťročia na trhu súčasného umenia skromné ​​miesto a vôbec netúžil po sláve. Dá sa povedať, že sláva ho dobehla sama. Za východiskový bod mnohí považujú kúpu Richterovej série z 18. októbra 1977 v roku 1995 newyorským múzeom MoMA. Americké múzeum zaplatilo 3 milióny dolárov za 15 malieb v odtieňoch šedej a čoskoro začalo uvažovať o usporiadaní plnohodnotnej retrospektívy nemeckého umelca. Grandióznu výstavu otvorili o šesť rokov neskôr, v roku 2001, a odvtedy záujem o Richterovu tvorbu vzrástol míľovými krokmi. Od roku 2004 do roku 2008 sa cena jeho obrazov strojnásobila. V roku 2010 už Richterove diela priniesli 76,9 milióna dolárov, v roku 2011 podľa webu Artnet zarobili Richterove diela na aukcii celkovo 200 miliónov dolárov a v roku 2012 (podľa Artprice) - 262,7 milióna dolárov - viac ako dielo ktoréhokoľvek iného iný žijúci umelec.

Kým napríklad u Jaspera Johnsa drvivý úspech na aukciách sprevádza najmä rané diela, takéto ostré delenie nie je pre Richterove diela typické: rovnako stabilný je dopyt po veciach z rôznych tvorivých období, ktorých bolo v Richterovej tvorbe veľmi veľa. kariéra. Za posledných šesťdesiat rokov sa tento umelec vyskúšal takmer vo všetkých tradičných maliarskych žánroch - portrét, krajina, marina, akt, zátišie a, samozrejme, abstrakcia.

História Richterových aukčných rekordov sa začala sériou zátiší „Sviečky“. 27 fotorealistických obrázkov sviečok na začiatku 80. rokov, v čase, keď boli napísané, stálo len 15 000 nemeckých mariek (5 800 dolárov) za dielo. Ale stále nikto nekúpil Candles na ich prvej výstave v galérii Maxa Hetzlera v Stuttgarte. Potom sa téma obrazov nazývala staromódna; Dnes sú „Sviečky“ považované za diela všetkých čias. A stoja milióny dolárov.

Vo februári 2008 "Sviečka", napísaný v roku 1983, bol nečakane kúpený za £ 7,97 milióna (16 miliónov dolárov). Tento osobný rekord trval tri a pol roka. Potom v októbri 2011ďalší "Sviečka" (1982)šiel pod kladivo v Christie's už za £ 10,46 milióna (16,48 milióna dolárov). S touto nahrávkou sa Gerhard Richter po prvý raz zaradil do prvej trojky najúspešnejších žijúcich umelcov a zaujal svoje miesto za Jasperom Johnsom a Jeffom Koonsom.

Potom sa začal víťazný sprievod Richterových „Abstraktných obrazov“. Umelec maľuje takéto diela unikátnou autorskou technikou: zmes jednoduchých farieb nanáša na svetlý podklad a potom ich dlhou škrabkou vo veľkosti nárazníka auta rozmazáva na plátno. Výsledkom sú zložité farebné prechody, škvrny a pruhy. Skúmanie povrchu jeho „Abstraktných obrazov“ je ako vykopávky: cez medzery početných farebných vrstiev na nich hľadia stopy rôznych „postavičiek“.

9. novembra 2011 na aukcii moderného a povojnového umenia Sotheby's vo veľkom "Abstraktná maľba (849-3)" 1997 šiel pod kladivo za 20,8 milióna dolárov (13,2 milióna £). A o šesť mesiacov neskôr, 8. máj 2012 na aukcii povojnového a súčasného umenia Christie's v New Yorku "Abstraktná maľba (798-3)" Rok 1993 bol rekordný 21,8 milióna dolárov(vrátane provízie). O päť mesiacov neskôr - opäť rekord: "Abstraktná maľba (809-4)" zo zbierky rockového hudobníka Erica Claptona 12. októbra 2012 v Sotheby's v Londýne šiel pod kladivo za £ 21,3 milióna (34,2 milióna dolárov). Bariéru 30 miliónov zobral Richter s takou ľahkosťou, akoby nešlo o modernú maľbu, ale o majstrovské diela staré už sto rokov – nie menej. Aj keď v prípade Richtera sa zdá, že zaradenie do panteónu „veľkých“ prebehlo už za života umelca. Nemecké ceny naďalej rastú.

Ďalší Richterov rekord patril fotorealistickému dielu – krajine "Katedrálne námestie, Miláno (Domplatz, Mailand)" 1968. Dielo bolo predané za 37,1 milióna na aukcii Sotheby's 14. mája 2013. Pohľad na najkrajšie námestie namaľoval nemecký umelec v roku 1968 na objednávku Siemens Electro, špeciálne pre milánsku kanceláriu spoločnosti. V čase jeho písania to bolo najväčšie Richterovo figurálne dielo (veľkosť takmer tri krát tri metre).

Rekord Katedrálneho námestia stál takmer dva roky, do r 10. február 2015 neprerušil ho "Abstraktná maľba" ( 1986): cena kladiva dosiahla £ 30,389 milióna (46,3 milióna dolárov). Abstraktný obraz s rozmermi 300,5 × 250,5 cm, vydražený v Sotheby’s, je jedným z prvých Richterových veľkorozmerných diel v jeho osobitej autorskej technike zoškrabovania vrstiev farby. Naposledy v roku 1999 bol tento „Abstraktný obraz“ kúpený v aukcii za 607-tisíc dolárov (od tohto roku až do súčasného predaja bolo dielo vystavené v Ludwigovom múzeu v Kolíne nad Rýnom). Na aukcii 10. februára 2015 dosiahol istý americký klient v aukčných krokoch 2 milióny libier príklepovú cenu 46,3 milióna dolárov, teda od roku 1999 dielo zdraželo viac ako 76-krát!

4. Tsui Zhuzhuo "Veľké zasnežené hory." 2013. 39,577 milióna dolárov

Dlho sme pozorne nesledovali vývoj situácie na čínskom trhu s umením, nechceli sme našich čitateľov zahltiť nadmerným množstvom informácií o „nie našom“ umení. S výnimkou disidenta Aj Wej-weja, ktorý nie je ani taký drahý ako zvučný umelec, sa nám čínski autori zdali príliš početní a vzdialení od nás, aby sme sa pustili do toho, čo sa tam deje na ich trhu. Ale štatistika, ako sa hovorí, je vážna dáma, a ak hovoríme o najúspešnejších žijúcich autoroch na svete, potom sa nezaobídeme bez príbehu o vynikajúcich predstaviteľoch súčasného umenia Nebeskej ríše.

Začnime s čínskym umelcom Cui Ruzhuo. Umelec sa narodil v roku 1944 v Pekingu a v rokoch 1981 až 1996 žil v USA. Po návrate do Číny začal učiť na Národnej akadémii umení. Cui Ruzhuo reinterpretuje tradičný čínsky štýl maľby atramentom a vytvára obrovské zvitkové plátna, ktoré si čínski podnikatelia a úradníci radi navzájom darujú. Na Západe sa o ňom vie len veľmi málo, hoci mnohí si musia pamätať príbeh o zvitku za 3,7 milióna dolárov, ktorý omylom vyhodili upratovači v hongkonskom hoteli a pomýlili si ho s odpadom. Takže to bol zvitok Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo má 70 rokov a trh s jeho tvorbou prekvitá. Viac ako 60 diel tohto umelca prekročilo hranicu 1 milión dolárov, jeho diela však zatiaľ uspeli len na čínskych aukciách. Záznamy Cui Ruzhuo sú skutočne pôsobivé. Najprv to "Krajina v snehu" na Poly Auction v Hong Kongu 7. apríla 2014 dosiahol kladivovú cenu 184 miliónov HK$ ( 23,7 milióna USD).

Presne o rok neskôr 6. apríla 2015 na špeciálnej Poly Auction v Hong Kongu venovanej výhradne dielu Cui Ruzhuo, seriálu "Veľká zasnežená scenéria hornatého Jiangnanu"(Jiangnan je historický región v Číne, ktorý zaberá pravý breh dolného toku Yangtze.) z ôsmich krajiniek s atramentom na papieri dosiahol cenu 236 miliónov HK$ ( 30,444 milióna USD).

O rok neskôr sa história opäť zopakovala: na samostatnej aukcii Cui Ruzhuo, ktorú organizovala Poly Auctions v Hong Kongu 4. apríla 2016 polyptych v šiestich častiach "Veľké zasnežené hory" Kladivová cena v roku 2013 (vrátane provízie aukčného domu) dosiahla 306 miliónov HK$ (39,577 milióna USD). Zatiaľ ide o absolútny rekord medzi ázijskými žijúcimi umelcami.

Podľa obchodníka s umením Johnsona Chana, ktorý pracuje s čínskym súčasným umením už 30 rokov, existuje bezpodmienečná túžba zvýšiť ceny za diela tohto autora, ale to všetko sa deje na cenovej úrovni, ktorú skúsení zberatelia pravdepodobne nebudú chcieť. niečo kúpiť. „Číňania chcú zvýšiť hodnotenie svojich umelcov nafúknutím cien za ich diela na veľkých medzinárodných aukciách, ako je tá, ktorú organizuje Poly v Hong Kongu, ale niet pochýb o tom, že tieto hodnotenia sú úplne vymyslené,“ komentuje Johnson Chang Cui Ruzhuo. najnovší záznam.

Toto je, samozrejme, len názor jedného predajcu a vo všetkých databázach máme zaznamenaný skutočný rekord. Zoberme ho teda do úvahy. Samotný Cui Ruzhuo, súdiac podľa svojich vyjadrení, má ďaleko od skromnosti Gerharda Richtera, pokiaľ ide o jeho aukčný úspech. Zdá sa, že tieto preteky o rekordy ho vážne uchvacujú. „Dúfam, že v najbližších 5-10 rokoch ceny za moje diela prevýšia ceny za diela západných majstrov ako Picasso a Van Gogh. Toto je čínsky sen,“ hovorí Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Vlajka. 1983. 36 miliónov dolárov

Tretie miesto v rebríčku žijúcich umelcov patrí Američanovi Jasperovi Johnsovi (1930). Aktuálna rekordná cena za Jonesovu prácu je $ 36 miliónov. Toľko zaplatil za svoju slávu "vlajka" na aukcii Christie's 12. novembra 2014.

Séria obrazov „vlajok“, ktorú Jones začal realizovať v polovici 50. rokov, bezprostredne po umelcovom návrate z armády, sa stala jednou z ústredných v jeho tvorbe. Už v mladosti sa umelec zaujímal o myšlienku readymade, premeny každodenného predmetu na umelecké dielo. Jonesove vlajky však neboli pravé, boli namaľované olejom na plátne. Umelecké dielo tak nadobudlo vlastnosti veci z bežného života, bolo zároveň obrazom vlajky a vlajky samotnej. Séria diel s vlajkami priniesla Jasperovi Johnsovi celosvetovú slávu. Nemenej populárne sú však jeho abstraktné diela. Na čele zoznamu najdrahších diel zostavených podľa vyššie uvedených pravidiel bol dlhé roky abstrakt "nesprávny štart". Až do roku 2007 bolo toto veľmi svetlé a dekoratívne plátno, ktoré Jones namaľoval v roku 1959, považované za majiteľa prakticky nedostupnej ceny pre žijúceho umelca (hoci celoživotnej klasiky) - $ 17 miliónov. Toľko za to zaplatili v zlate pre trh s umením 1988.

Zaujímavé je, že skúsenosť Jaspera Johnsa ako rekordéra nebola nepretržitá. V roku 1989 ho prerušila práca jeho kolegu Willema de Kooninga: dvojmetrovú abstrakciu „Mixing“ predali v Sotheby's za 20,7 milióna dolárov. Jasper Johns sa musel presťahovať. Ale po 8 rokoch, v roku 1997, de Kooning zomrel , a " Falošný štart "Jones opäť obsadil prvú líniu aukčného hodnotenia žijúcich umelcov na takmer 10 rokov.

V roku 2007 sa však všetko zmenilo. Rekord False Start bol prvýkrát zatienený tvorbou mladého a ambiciózneho Damiena Hirsta a Jeffa Koonsa. Potom došlo k rekordnému predaju obrazu "The Sleeping Benefit Inspector" od Lusien Freud (teraz zosnulej, a preto sa nezúčastňuje na tomto hodnotení) za 33,6 milióna dolárov. Potom začali záznamy Gerharda Richtera. Vo všeobecnosti je zatiaľ s aktuálnym rekordom 36 miliónov Jasper Johns, jeden z majstrov amerického povojnového umenia, pôsobiaci na priesečníku neodadaizmu, abstraktného expresionizmu a pop-artu, na čestnom treťom mieste.

6. ED RUSHAY Smash. 1963. 30,4 milióna dolárov

Náhly úspech obrazu „Smash“ od amerického umelca Edward Ruscha (nar. 1937) na aukcii Christie's 12. novembra 2014 priviedol tohto autora do počtu najdrahších žijúcich umelcov. Doterajšia rekordná cena za dielo Eda Ruschu (meno Ruscha sa v ruštine často vyslovuje ako „Rusha“, ale správna výslovnosť je Ruscha) bola „iba“ 6,98 milióna dolárov: toľko zaplatili za jeho plátno „Burning gas stanica“ v roku 2007. O sedem rokov neskôr jeho Smash s odhadom 15–20 miliónov dolárov dosiahol cenu kladiva 30,4 milióna dolárov. Je zrejmé, že trh s dielami tohto autora sa dostal na novú úroveň – nie nadarmo Barack Obama zdobí Biely dom svojimi dielami a vo svojich galériách ho vystavuje aj samotný Larry Gagosian.

Ed Ruscha nikdy neašpiroval na povojnový New York s jeho šialenstvom po abstraktnom expresionizme. Namiesto toho vyše 40 rokov hľadal inšpiráciu v Kalifornii, kam sa vo veku 18 rokov presťahoval z Nebrasky. Umelec stál pri zrode nového trendu v umení, nazývaného pop art. Edward Ruscha sa spolu s Warholom, Lichtensteinom, Waynom Thiebaudom a ďalšími spevákmi populárnej kultúry zúčastnil v roku 1962 na výstave New Image of Ordinary Things v múzeu Pasadena, ktorá sa stala prvou múzejnou výstavou amerického pop artu. Samotnému Edovi Ruschovi sa však nepáči, keď je jeho tvorba pripisovaná pop-artu, konceptualizmu, či inému smeru v umení.

Jeho jedinečný štýl sa nazýva „text painting“. Od konca 50. rokov začal Ed Ruscha maľovať slová. Tak ako pre Warhola sa plechovka polievky stala umeleckým dielom, pre Eda Ruscha obyčajné slová a frázy, prevzaté buď z billboardu alebo obalu v supermarkete, alebo z titulkov filmu (Hollywood bol vždy po Ruschovej strane a na rozdiel od mnohých svojich kolegov umelcov Rushey rešpektoval „továreň na sny“). Slová na jeho plátnach nadobúdajú vlastnosti trojrozmerných predmetov, sú to skutočné zátišia zo slov. Pri pohľade na jeho plátna nám ako prvé napadne vizuálne a zvukové vnímanie nakresleného slova a až potom - sémantický význam. Ten sa spravidla nedá jednoznačne dešifrovať; slová a frázy, ktoré vybral Ruscha, možno interpretovať rôznymi spôsobmi. Rovnaké žiarivo žlté slovo „Smash“ na tmavomodrom pozadí môže byť vnímané ako agresívna výzva rozbiť niečo alebo niekoho na kúsky; ako osamelé prídavné meno vytrhnuté z kontextu (napríklad časť nejakého novinového titulku) alebo jednoducho ako jediné slovo zachytené v mestskom prúde vizuálnych obrazov. Ed Ruscha sa vyžíva v tejto neistote. "Vždy som mal hlboký rešpekt k zvláštnym, nevysvetliteľným veciam... Vysvetlenia v istom zmysle zabíjajú vec," povedal v rozhovore.

7. KRISTOFICKÁ VLNA Bez názvu (RIOT). 1990. 29,93 milióna dolárov

americký umelec Christopher Wool(1955) prvýkrát prerazil do rebríčka žijúcich umelcov v roku 2013 – po predaji Apocalypse Now za 26,5 milióna dolárov.Tento rekord ho okamžite postavil na úroveň Jaspera Johnsa a Gerharda Richtera. Výška tejto historickej transakcie – viac ako 20 miliónov dolárov – mnohých prekvapila, keďže pred ňou ceny za diela umelca nepresiahli 8 miliónov dolárov. Rýchly rast trhu s dielami Christophera Woola bol však už v tom čase evidentný. : rekord umelca zahŕňal 48 aukčných transakcií v hodnote viac ako 1 milión dolárov a 22 z nich (takmer polovica) sa uskutočnilo v roku 2013. O dva roky neskôr počet diel Chrisa Woola, predaných za viac ako 1 milión dolárov, dosiahol 70 a nový osobný rekord na seba nenechal dlho čakať. Na aukcii Dielo Sotheby's z 12. mája 2015 „Bez názvu (RIOT)“ bol predaný za $ 29,93 milióna vrátane prémie kupujúceho.

Christopher Wool je známy najmä pre svoje veľké čierne písmo na bielych hliníkových plechoch. Sú to tí, ktorí spravidla vytvárajú rekordy na aukciách. To všetko sú veci z konca 80. a začiatku 90. rokov. Ako legenda hovorí, jedného večera sa Wool prechádzal večer po New Yorku a zrazu uvidel graffiti čiernymi písmenami na novom bielom kamióne – slová sex a luv. Tento pohľad na neho zapôsobil natoľko, že sa okamžite vrátil do štúdia a s rovnakými slovami napísal vlastnú verziu. Písal sa rok 1987 a umelcovo ďalšie hľadanie slov a slovných spojení pre svoje „doslovné“ diela odráža rozporuplný duch tejto doby. Toto je volanie „predaj dom, predaj auto, predaj deti“, ktoré prevzal Wool z filmu „Apocalypse Now“ a slovo „FOOL“ („blázen“) napísané veľkými písmenami a slovo „RIOT“ ("rebélia"), často nachádzaný v titulkoch vtedajších novín.

Slová a frázy Vlna aplikovaná na hliníkové plechy pomocou šablón s alkydovými alebo emailovými farbami, zámerne zanechávajúce šmuhy, šablóny a iné dôkazy o tvorivom procese. Umelec rozdelil slová tak, aby divák hneď nepochopil význam. Najprv vidíte len zhluk písmen, to znamená, že slovo vnímate ako vizuálny objekt a až potom čítate a dešifrujete význam frázy alebo slova. Vlna použila font, ktorý používala americká armáda po druhej svetovej vojne, čo umocňuje dojem rozkazu, smernice, sloganu. Tieto „písmenkové“ diela sú vnímané ako súčasť mestskej krajiny, ako nelegálne graffiti, ktoré narušili čistotu povrchu nejakého uličného objektu. Táto séria diel Christophera Woola je uznávaná ako jeden z vrcholov lingvistickej abstrakcie, a preto je vysoko cenená milovníkmi súčasného umenia.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 milióna dolárov

britský Peter Doig(1959), hoci patrí ku generácii postmodernistov Koonsa a Hirsta, zvolil si pre seba úplne tradičný žáner krajiny, ktorý dlho nepraje vyspelým umelcom. Peter Doig svojou tvorbou oživuje ubúdajúci záujem verejnosti o figuratívnu maľbu. Jeho prácu vysoko oceňujú kritici aj laici, čoho dôkazom je rýchly rast cien jeho diel. Ak na začiatku 90. rokov stáli jeho krajiny niekoľko tisíc dolárov, teraz ide účet do miliónov.

Doigova tvorba je často označovaná ako magický realizmus. Na základe reálnych krajín vytvára fantazijné, tajomné a často pochmúrne obrazy. Umelec rád zobrazuje objekty opustené ľuďmi: schátranú budovu postavenú Le Corbusierom uprostred lesa alebo prázdne biele kanoe na hladine lesného jazera. Okrem prírody a fantázie sa Doig inšpiruje hororovými filmami, starými pohľadnicami, fotografiami, amatérskymi videami a pod. Doigove obrazy sú farebné, zložité, dekoratívne a nie provokatívne. Je pekné vlastniť takýto obraz. Nízka produktivita autora podnecuje aj záujem zberateľov: umelec žijúci na Trinidade vytvorí ročne nie viac ako tucet obrazov.

Začiatkom roku 2000 sa jednotlivé krajiny umelca predávali za niekoľko stoviek tisíc dolárov. Zároveň bolo Doigovo dielo zaradené do galérie Saatchi, na bienále vo Whitney Museum a do zbierky MoMA. V roku 2006 bola prekonaná aukčná latka 1 milión dolárov a v nasledujúcom roku nastal neočakávaný prelom: dielo „Biela kanoe“, ponúkané v Sotheby's 7. februára 2007 s odhadom 0,8 – 1,2 milióna dolárov, prekročilo predbežný odhad. päťkrát a bol predaný za 5,7 milióna libier (11,3 milióna dolárov). V tom čase to bola rekordná cena za dielo žijúceho európskeho umelca.

V roku 2008 usporiadal Doig samostatné výstavy v Tate Gallery a Múzeu moderného umenia v Paríži. Viacmiliónové cenovky za Doigovu prácu sa stali normou. Osobný rekord Petra Doiga sa v poslednom čase aktualizuje niekoľkokrát do roka – na zmenu obrazu a miesta tohto umelca v našom rebríčku žijúcich autorov máme len čas.

Doteraz najdrahším dielom Petra Doiga je snehová krajina z Rosedale z roku 1991. Zaujímavé je, že rekord nevznikol v Sotheby's alebo Christie's, ale na aukcii súčasného umenia Phillips. Stalo sa tak 18. mája 2017. Pohľad na zasnežené Rosedale, jednu z torontských štvrtí, bol predaný kupcovi telefónu za 28,81 milióna dolárov, čo je asi o 3 milióny dolárov viac ako predchádzajúci rekord (25,9 milióna dolárov za film "Swallowed in the Mire"). Obraz „Rosedale“ sa zúčastnil na Doigovej kľúčovej výstave vo Whitechapel Gallery v Londýne v roku 1998 a vo všeobecnosti bolo toto dielo čerstvé na trh, a preto je rekordná cena zaslúžená.

9. FRANK STELLA Capské borovice. 1959. 28 miliónov dolárov

Frank Stella je jasným predstaviteľom post-maľby abstrakcie a minimalizmu v umení. V určitom štádiu sa označuje ako štýl maľby s tvrdými okrajmi. Stella spočiatku dával do kontrastu prísnu geometriu, asketickú monochrómnosť a štruktúrovanosť svojich obrazov so spontánnosťou a náhodnosťou plátien abstraktných expresionistov ako Jackson Pollock.

Koncom 50. rokov 20. storočia si umelca všimol slávny galerista Leo Castelli a po prvý raz bol ocenený výstavou. Predstavil na ňom takzvané „Čierne obrazy“ – plátna premaľované paralelnými čiernymi líniami s tenkými medzerami nemaľovaného plátna medzi nimi. Čiary sa formujú do geometrických tvarov, trochu pripomínajúcich optické ilúzie, samotné obrázky, ktoré sa mihajú, pohybujú, krútia, vytvárajú pocit hlbokého priestoru, ak sa na ne dlho pozeráte. Stella pokračoval v téme paralelných línií tenkými deliacimi pásikmi vo svojich prácach na hliníku a medi. Menila sa farebnosť, obrazový základ a dokonca aj tvar malieb (okrem iných vynikajú práce v tvare písmen U, T, L). Ale hlavný princíp jeho maľby stále spočíval v jasnosti obrysu, monumentálnosti, jednoduchej forme, monochróme. V nasledujúcich desaťročiach sa Stella posunula od takejto geometrickej maľby k hladkým, prirodzeným formám a líniám a od monochromatických malieb k jasným a pestrým farebným prechodom. V 70. rokoch Stella uchvátili obrovské vzory, ktorými sa maľovali lode. Umelec ich použil na obrovské obrazy s asamblážovými prvkami – do svojich diel zakomponoval kusy oceľových rúr či drôteného pletiva.

Vo svojich prvých rozhovoroch Frank Stella otvorene hovorí o významoch, ktoré vkladá do jeho práce, alebo skôr o ich absencii: „Čo vidíš, je to, čo vidíš.“ Obraz je objekt sám o sebe, nie reprodukcia ničoho. "Je to rovný povrch s farbou a ničím iným," povedala Stella.

No, podpísaný Frankom Stellom, tento „povrch s farbou“ by dnes mohol mať hodnotu miliónov dolárov. Prvýkrát v rebríčku žijúcich umelcov sa Frank Stella dostal v roku 2015 predajom Delaware Crossing (1961) za 13,69 milióna dolárov vrátane provízie.

O štyri roky neskôr, 15. mája 2019, bol stanovený nový rekord raným dielom (1959) „Cape of Pines“: cena kladiva bola viac ako 28 miliónov dolárov vrátane provízie. Toto je jeden z 29 "čiernych obrazov" - práve tých, s ktorými Stella debutovala na svojej prvej výstave v New Yorku. Absolvent Princetonskej univerzity Frank Stella mal vtedy 23 rokov. Často nemal dosť peňazí na olejové farby pre umelcov. Mladý umelec robil mesiačiky ako opravárenské práce, veľmi sa mu páčili čisté farby farieb a vtedy vznikla myšlienka pracovať s touto farbou na plátne. Čiernou emailovou farbou Stella maľuje rovnobežné pruhy, pričom medzi nimi necháva tenké čiary nenatretého plátna. Navyše píše bez pravítka, od oka, bez predbežného náčrtu. Stella nikdy presne nevedela, koľko čiernych čiar sa objaví na konkrétnom obraze. Napríklad na obraze „Cape of Pines“ je ich 35. Názov diela odkazuje na názov mysu v Massachusetts Bay – Point of pines. Na začiatku 20. storočia mala veľký zábavný park a dnes je jednou zo štvrtí mesta Revere.

10. YOSHITOMO NARA Nôž za chrbtom. 2000. 24,95 milióna dolárov

Yoshitomo Nara (1959) je jednou z kľúčových postáv japonského neo-popu. Japonec - pretože napriek celosvetovej sláve a dlhoročnej práci v zahraničí sa jeho tvorba stále vyznačuje výraznou národnou identitou. Najobľúbenejšími postavami Nary sú dievčatá a psy v štýle japonských komiksov manga a anime. Obrazy, ktoré dlhé roky vymýšľal, „išli k ľuďom“: sú vytlačené na tričkách, vyrábajú sa z nich suveníry a rôzny „merch“. Narodil sa v chudobnej rodine, ďaleko od hlavného mesta, je nielen milovaný pre svoj talent, ale aj oceňovaný ako človek, ktorý sa vypracoval. Umelec pracuje rýchlo a expresívne. Je známe, že niektoré z jeho majstrovských diel boli dokončené doslova cez noc. Obrazy a sochy Yoshitoma Naru sú spravidla veľmi stručné a dokonca striedmy vo výrazových prostriedkoch, ale vždy nesú silný emocionálny náboj. Dospievajúce dievčatá v Nare sa často pozerajú na diváka s nevľúdnym prižmúrením. V ich očiach - drzosť, výzva a agresivita. V rukách - potom nôž, potom cigareta. Existuje názor, že zobrazené zvrátenosti správania sú reakciou na represívnu verejnú morálku, rôzne tabu a princípy výchovy prijaté Japoncami. Takmer stredoveká tvrdosť a hanba zaháňajú problémy dovnútra a vytvárajú pôdu pre oneskorenú emocionálnu explóziu. "Nôž za chrbtom" len priestranne odráža jednu z hlavných myšlienok umelca. V tomto diele je nenávistný pohľad dievčaťa a hrozivo rana ruky za jej chrbtom. Do roku 2019 už obrazy a sochy Yoshitoma Naru viackrát prekročili miliónovú, ba dokonca niekoľkomiliónovú hranicu. Ale dvadsať miliónov - prvýkrát. Nara je jedným z najznámejších svetových umelcov narodených v Japonsku. A teraz to najdrahšie zo živých. 6. októbra 2109 v aukčnej sieni Sotheby's v Hong Kongu prevzal tento titul od Takashi Murakamiho a výrazne prekonal 90-ročnú avantgardnú umelkyňu Yayoi Kusama (maximálne aukčné ceny za jej obrazy sa už blížia k 9 miliónom dolárov).

11. ZENG FANZHI Posledná večera. 2001. 23,3 milióna dolárov

V Sotheby's Hong Kong 5. októbra 2013 plátno v ročnej mierke "Posledná večera" Pekinský umelec Zeng Fanzhi (1964) bol predaný za rekordnú sumu 160 miliónov hongkonských dolárov - 23,3 milióna dolárov USA. Konečné náklady na Fanzhiho dielo, napísané, samozrejme, pod vplyvom Leonarda da Vinciho, sa ukázali ako dvojnásobok predbežného odhadu približne 10 miliónov dolárov. Predchádzajúci cenový rekord Zeng Fanzhi bol $ 9,6 milióna zaplatil na aukcii Christie's v Hong Kongu v máji 2008 za dielo Séria masiek. 1996 č. 6".

„Posledná večera“ je najväčší (2,2 × 4 metre) obraz Fanzhiho zo série „Masky“, ktorý pokrýva obdobie od roku 1994 do roku 2001. Cyklus je venovaný vývoju čínskej spoločnosti pod vplyvom ekonomických reforiem. Zavedenie prvkov trhového hospodárstva vládou ČĽR viedlo k urbanizácii a nejednotnosti Číňanov. Fanzhi zobrazuje obyvateľov moderných čínskych miest, ktorí musia bojovať o miesto na slnku. Známa kompozícia fresky od Leonarda v čítaní Fanzhi dostáva úplne iný význam: scéna je prenesená z Jeruzalema do učebne čínskej školy s typickými hieroglyfickými tabuľami na stenách. „Kristus“ a „apoštoli“ sa zmenili na priekopníkov so šarlátovými kravatami a zlatú kravatu nosí len „Juda“ – to je metafora západného kapitalizmu, prenikajúca a ničiaceho zaužívaný spôsob života v socialistickej krajine.

Diela Zeng Fanzhi sú štýlovo blízke európskemu expresionizmu a sú rovnako dramatické. No zároveň sú plné čínskych symbolov a špecifík. Táto všestrannosť priťahuje k dielu umelca čínskych aj západných zberateľov. Priamym potvrdením je aj proveniencia Poslednej večere: dielo dal do dražby slávny zberateľ čínskej avantgardy 80. a začiatku 90. rokov belgický barón Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Most. 1980. 20,6 milióna dolárov

Na aukcii Christie's 13. mája 2015 abstraktné dielo "Most" 85-ročný americký umelec Robert Ryman(Robert Ryman) bol predaný za 20,6 milióna dolárov berúc do úvahy províziu - dvakrát drahšie ako nižší odhad.

Robert Ryman(1930) si hneď neuvedomil, že sa chce stať umelcom. Vo veku 23 rokov sa presťahoval do New Yorku z Nashvillu v štáte Tennessee, aby sa stal jazzovým saxofonistom. Medzitým sa z neho nestal slávny hudobník, musel si privyrábať ako ochrankár v MoMA, kde sa zoznámil so Saulom LeWittom a Danom Flavinom. Prvý pracoval v múzeu ako nočný tajomník a druhý ako ochrankár a obsluha výťahu. Robert Ryman, inšpirovaný prácami abstraktných expresionistov, ktorých videl v MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock a Newman, začal maľovať v roku 1955.

O Rymanovi sa často hovorí ako o minimalistovi, no radšej sa mu hovorí „realista“, pretože ho nezaujíma vytváranie ilúzií, iba demonštruje kvality materiálov, ktoré používa. Väčšina jeho diel je maľovaná farbami všetkých možných odtieňov bielej (od sivastej alebo žltkastej až po oslnivú bielu) podľa lakonického štvorcového tvaru. Robert Ryman počas svojej kariéry vyskúšal mnoho materiálov a techník: maľoval olejmi, akrylom, kazeínom, emailom, pastelom, gvašom atď. na plátno, oceľ, plexisklo, hliník, papier, vlnitú lepenku, vinyl, tapety atď. priateľ, profesionálny reštaurátor, Orrin Riley, mu poradil žieravosť materiálov, ktoré napadlo použiť. Ako raz povedal jeden umelec: „Nikdy nemám otázku čo napíš, hlavná vec - ako písať“. Je to všetko o textúre, povahe ťahov, hranici medzi farebným povrchom a okrajmi základne, ako aj o vzťahu medzi dielom a stenou. Od roku 1975 sú osobitou črtou jeho tvorby svietidlá, ktoré si Ryman sám navrhuje a zámerne ich necháva viditeľné, čím zdôrazňuje, že jeho dielo je „také skutočné, ako sú skutočné steny, na ktorých visia“. Ryman dáva dielam radšej „mená“ ako „názvy“. Práve „meno“ pomáha rozlíšiť jedno dielo od druhého a Ryman často pomenováva svoje diela podľa značiek farieb, firiem atď., pričom „titul“ si nárokuje akési narážky a hlboko skryté významy, ktorých prítomnosť diela umelec pravidelne popiera. Na ničom okrem materiálu a techniky nezáleží.

13. Damien Hirst Ospalá jar. 2002. 19,2 milióna dolárov

anglický umelec Damienovi Hirstovi (1965) bolo predurčené na prvé miesto v tomto hodnotení v spore so žijúcim klasikom Jasperom Johnsom. Už spomínané dielo „False Start“ by mohlo zostať ešte dlho nepotopiteľným lídrom, keby 21. júna 2007 inštalácie v tom čase 42-ročný Hirst "ospalá jar"(2002) sa v Sotheby's nepredával za £ 9,76 milióna, teda za 19,2 milióna dolárov. Dielo má mimochodom dosť nezvyčajný formát. Na jednej strane ide o výkladnú skriňu s atrapami tabletiek (6 136 tabletiek), vlastne klasickú inštaláciu. A na druhej strane je táto vitrína plochá (10 cm hlboká), vložená do rámu a zavesená na stenu ako plazmový panel, čím plne poskytuje komfort držby, ktorý je obrazom vlastný. V roku 2002 sa sestra inštalácie, Sleepy Winter, predala za 7,4 milióna dolárov, čo je viac ako polovica ceny. Rozdiel v cene niekto "vysvetlil" tým, že tablety sú v zime viac vyblednuté. Je však jasné, že toto vysvetlenie je absolútne neopodstatnené, pretože mechanizmus tvorby cien takýchto vecí už nie je spojený s ich dekoratívnym účinkom.

V roku 2007 mnohí uznali Hirsta za autora najdrahšieho diela medzi žijúcimi umelcami. Otázka je však z kategórie „podľa toho, ako počítať“. Faktom je, že Hurst sa predával za drahé libry a Jones za doláre, ktoré teraz klesli na cenu a dokonca aj pred dvadsiatimi rokmi. Ale aj keby sme počítali v nominálnej hodnote, bez zohľadnenia 20-ročnej inflácie, potom bola Hirstova práca drahšia v dolároch a Jonesova v librách. Situácia bola hraničná a každý sa mohol slobodne rozhodnúť, koho bude považovať za najdrahšieho. Ale Hurst sa udržal na prvom mieste nie tak dlho. V tom istom roku 2007 ho z prvého miesta vytlačil Koons so svojím „Hanging Heart“.

Práve v predvečer globálneho poklesu cien súčasného umenia podnikol Hirst pre mladého umelca nevídaný záväzok – samostatnú aukciu jeho diel, ktorá sa konala 15. septembra 2008 v Londýne. Predvčerom oznámená správa o bankrote Lehman Brothers nepokazila chuť milovníkom súčasného umenia: z 223 diel ponúkaných Sotheby's len päť nenašlo nových majiteľov (mimochodom jedným z kupcov bol Viktor Pinchuk ). Práca "Zlatý Býk"- obrovská podobizeň býka vo formaldehyde, korunovaná zlatým kotúčom, - priniesol 10,3 milióna £ (18,6 milióna dolárov). Toto je Hurstov najlepší výsledok, ak sa meria v librách (v mene, v ktorej sa obchod uskutočnil). V dolároch sme však v rebríčku, a tak (nech nám Zlaté teľa odpustí) za Hirstov najlepší predaj budeme považovať Ospalú jar.

Od roku 2008 Hirst nepredával Ospalú jar a Zlaté teľa. Čerstvé nahrávky z 10. rokov – za tvorbu Richtera, Jonesa, Fanzhiho, Woola a Koonsa – posunuli Damiena na šiesty riadok nášho hodnotenia. Nerobme však kategorický súd o úpadku Hirstovej éry. Podľa analytikov sa Hurst ako „superstar“ už zapísal do histórie, čo znamená, že ho budú kupovať na veľmi dlhú dobu; najväčšiu hodnotu v budúcnosti však predpovedajú dielam, ktoré vznikli v najinovatívnejšom období jeho kariéry, teda v 90. rokoch.

14. Maurizio Cattelan Jemu. 2001. 17,19 milióna dolárov

Talian Maurizio Cattelan (1960) sa k umeniu dostal po tom, čo pracoval ako ochrankár, kuchár, záhradník a dizajnér nábytku. Autor samouk sa svetovo preslávil svojimi ironickými sochami a inštaláciami. Zhodil meteorit na pápeža, premenil manželku zákazníka na loveckú trofej, vytrhol dieru na podlahe múzea starých majstrov, zdvihol obrovský prostredník na burzu v Miláne, priniesol živého somára na veľtrh Frieze . V blízkej budúcnosti Cattelan sľubuje inštaláciu zlatého záchodu v Guggenheimovom múzeu. V konečnom dôsledku boli huncútstva Maurizia Cattelana vo svete umenia všeobecne uznávané: je pozvaný na Benátske bienále (inštalácia „Ostatní“ v roku 2011 – kŕdeľ dvoch tisícok holubov, ktoré hrozivo hľadia zo všetkých rúr a trámov na davy návštevníkov prechádzajúc nižšie), zariadil, aby mal retrospektívu v Guggenheimovom múzeu v New Yorku (november 2011) a napokon sa za jeho sochy platia veľké peniaze.

Od roku 2010 je najdrahším dielom Maurizia Cattelana vosková socha muža vykúkajúceho z diery v podlahe, ktorá je navonok podobná samotnému umelcovi („Bez názvu“, 2001). Táto socha-inštalácia, ktorá existuje v počte troch kópií plus autorská kópia, bola prvýkrát vystavená v múzeu Boijmans van Beuningen v Rotterdame. Potom táto šibalská postavička vyzrela z diery v podlahe sály s obrazmi holandských maliarov 18. a 19. storočia. Maurizio Cattellan sa v tomto diele spája s odvážnym zločincom vtrhujúcim do posvätného priestoru sály múzea s obrazmi veľkých majstrov. Chce tak umeniu zbaviť svätožiaru, ktorú mu dávajú steny múzeí. Dielo, kvôli vystavovaniu, ktoré zakaždým musíte urobiť diery v podlahe, bolo predané za 7,922 milióna dolárov v Sotheby's.

Rekord platil až do 8. mája 2016, kedy sa Cattelanovo ešte provokatívnejšie dielo Him, zobrazujúce kľačiaceho Hitlera, dostalo pod kladivo za 17,189 milióna dolárov. Meno je zvláštne. Výber postavy je riskantný. Ako všetko ostatné s Cattelanom. Čo má na mysli? „Jeho“ alebo „Jeho pekelné veličenstvo“? Je jasné, že rozhodne nehovoríme o spievaní obrazu Fuhrera. Hitler v tomto diele vystupuje skôr v bezmocnej, žalostnej podobe. A absurdne – inkarnácia Satana je vyrobená vo veľkosti dieťaťa, oblečená v kostýme školáka a kľačiaca s pokorným výrazom na tvári. Pre Cattelana je tento obrázok pozvaním na zamyslenie sa nad povahou absolútneho zla a spôsobom, ako sa zbaviť strachu. Mimochodom, socha „Him“ je dobre známa západnému publiku. Jej bratia v sérii boli vystavení viac ako 10-krát v popredných múzeách po celom svete, vrátane Pompidou Center a Solomon Guggenheim Museum.

15. MARC GROTJAN Bez názvu (S III prepustený do France Face 43.14). 2011. 16,8 milióna dolárov

17. mája 2017 sa na večernej aukcii Christie's v New Yorku objavil jeden z najmocnejších obrazov Marca Grotjana, aký bol kedy daný do aukcie. Obraz “Bez názvu (S III Released to France Face 43.14)” vystavil parížsky zberateľ Patrick Seguin s odhadom 13 – 16 miliónov dolárov a keďže predaj losu garantovala tretia strana, nikoho to zvlášť neprekvapilo. založením nového osobného aukčného rekordu 49-ročného umelca . Cena kladiva 14,75 milióna dolárov (16,8 milióna dolárov s Buyer's Premium) prekonala Grotjanov predchádzajúci aukčný rekord o viac ako 10 miliónov dolárov, čím sa zaradil do klubu žijúcich umelcov, ktorých dielo sa predáva za osemciferné ceny. Sedemmiestne rovnaké výsledky (tržby viac ako 1 milión dolárov, ale nie viac ako 10 miliónov dolárov) v aukčnom prasiatku Mark Grotyan za približne tridsať.

Mark Grotjan (1968), v ktorého tvorbe odborníci vidia vplyv modernizmu, abstraktného minimalizmu, popu a op artu, prišiel k svojej korporátnej identite v polovici 90. rokov po tom, čo sa presťahoval s priateľom Brentom Petersonom do Los Angeles a otvoril si tam galériu. "Izba 702". Ako spomína sám umelec, v tom čase začal premýšľať o tom, čo je preňho v umení na prvom mieste. Hľadal motív, s ktorým by mohol experimentovať. A uvedomil som si, že ho vždy zaujímala línia a farba. Experimenty v duchu rayonizmu a minimalizmu s lineárnou perspektívou, početnými úbežníkmi a viacfarebnými abstraktnými trojuholníkovými tvarmi nakoniec priniesli Grotjanovi celosvetovú slávu.

Od abstraktných, farebných krajiniek s viacerými horizontmi a miznúcimi bodmi sa dostal k trojuholníkovým tvarom pripomínajúcim motýlie krídla. Obrazy Grotjana 2001–2007 Hovoria tomu "Motýliky". Dnes sa pohyb úbežníka alebo použitie niekoľkých miznúcich bodov naraz, rozmiestnených v priestore, považuje za jednu z umelcových najsilnejších techník.

Ďalšia veľká séria diel sa volala „Tváre“; v abstraktných líniách tejto série možno uhádnuť črty ľudskej tváre, zjednodušenej do stavu masky v duchu Matissa, Jawlenského či Brancusiho. Keď už hovoríme o maximálnom zjednodušení a štylizácii foriem, o kompozičnom riešení malieb, keď sa na nás z húštiny dívajú rozhádzané kontúry očí a úst, bádatelia si všímajú spojenie Grotjanových tvárí s umením primitívnych kmene Afriky a Oceánie, pričom samotný umelec jednoducho „má rád obrazové oči pozerajúce sa z džungle. Občas som si predstavoval tváre paviánov alebo opíc. Nemôžem povedať, že by ma vedome alebo podvedome ovplyvnilo primitívne africké umenie, skôr ma ovplyvnili umelci, ktorí ním boli ovplyvnení. Picasso je najzrejmejším príkladom."

Diela série "Faces" sa nazývajú brutálne a elegantné, príjemné pre oči a príjemné pre myseľ. Postupom času sa mení aj textúra týchto diel: na vytvorenie efektu vnútorného priestoru používa umelec široké ťahy hustej farby, dokonca aj rozstrek v štýle Pollocka, ale povrch maľby je vyrovnaný, takže pri bližšom skúmaní zdá sa to byť úplne ploché. Obraz Bez názvu (S III Released to France Face 43.14), ktorý udáva aukčný rekord, patrí do tejto slávnej série Marka Grotjana.

16. TAKASHI MURAKAMI Môj osamelý kovboj. 15,16 milióna dolárov

japončina Takashi Murakami (1962) vstúpil do nášho hodnotenia so sochou "Môj osamelý kovboj", predaný v Sotheby's v máji 2008 za $ 15,16 milióna. S týmto predajom bol Takashi Murakami dlho považovaný za najúspešnejšieho žijúceho ázijského umelca – až kým ho nezatienil predaj Poslednej večere od Zeng Fanzhiho.

Takashi Murakami pôsobí ako výtvarník, sochár, módny návrhár a animátor. Murakami chcel za základ svojej práce vziať niečo skutočne japonské, bez západných alebo akýchkoľvek iných výpožičiek. V študentských rokoch ho fascinovalo tradičné japonské umenie nihonga, neskôr ho vystriedalo populárne umenie anime a manga. Tak sa zrodil psychedelický pán DOB, vzory usmievavých kvetov a žiarivé lesklé plastiky zo sklenených vlákien, akoby práve vyšli zo stránok japonských komiksov. Niektorí považujú Murakamiho umenie za rýchle občerstvenie a stelesnenie vulgárnosti, iní označujú umelca za Japonca Andyho Warhola – a v radoch toho druhého, ako vidíme, je veľa veľmi bohatých ľudí.

Názov pre svoju sochu si Murakami požičal od Andyho Warhola The Lonely Cowboys (1968), ktorý Japonci, ako sám priznal, nikdy nepozerali, no spojenie slov sa mu veľmi páčilo. Murakami jednou sochou potešil fanúšikov erotických japonských komiksov a rozosmial ich. Zväčšený a okrem toho aj trojrozmerný hrdina anime sa mení na fetiš masovej kultúry. Táto umelecká výpoveď je celkom v duchu klasického západného pop artu (spomeňte si na nábytkovú súpravu Allena Jonesa alebo Koonsovho Ružového pantera), no s národným nádychom.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14 784 505 USD

KAWS je pseudonym amerického umelca Briana Donellyho z New Jersey. Je najmladším účastníkom nášho hodnotenia, narodený v roku 1974. Donelly začínal ako animátor v Disney (kreslil pozadie pre kreslený film „101 dalmatíncov“ a iné). O graffiti som sa zaujímal už od mladosti. Spočiatku jeho charakteristickým dizajnom bola lebka s „X“ namiesto očných jamiek. Tvorbu mladého spisovateľa si obľúbili ľudia zo šoubiznisu a ľudia z módneho priemyslu: vytvoril obal na album Kanye West, vydal spolupráce pre Nike, Comme des Garçons a Uniqlo. Postupom času sa KAWS stala známou osobnosťou súčasného umeleckého sveta. Jeho charakteristická figúrka Mickey Mouse si našla cestu do múzeí, verejných priestorov a súkromných zbierok. Raz KAWS vydal limitovanú edíciu vinylovej hračky so značkou My Plastic Heart a zrazu sa stali predmetom veľkého zberateľského záujmu. Jedným z vášnivých zberateľov týchto „hračiek“ je zakladateľ Black Star, rapper Timati: takmer kompletne zhromaždil celú sériu „Cavs Companions“.

Dielo KAWS vytvorilo rekord v umeleckom diele – 14,7 milióna dolárov – na aukcii Sotheby's v Hong Kongu 1. apríla 2019. Kedysi bol v kolekcii japonského módneho návrhára Niga. Meter canvas Album KAWS je poctou obalu slávneho albumu The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" z roku 1967. Len namiesto ľudí má Kimpsonovcov – štylizované postavičky z kresleného seriálu Simpsonovci s „X“ namiesto očí.

18. JIN SHAN Tadžická nevesta. 1983. 13,89 milióna dolárov

Medzi relatívne mladými a súčasnými čínskymi umelcami, ktorí všetci patria do takzvanej „novej vlny“ konca 80. rokov v čínskom umení, sa v našom hodnotení celkom nečakane objavil aj predstaviteľ úplne inej generácie a inej školy. Dnes už vyše 80-ročný Jin Shan (Jin Shangyi) patrí k jasným predstaviteľom prvej generácie umelcov v komunistickej Číne. Názory tejto skupiny umelcov sa formovali do značnej miery pod vplyvom najbližšieho komunistického spojenca – ZSSR.

Oficiálne sovietske umenie, socialistický realizmus, olejomaľba, ktorá bola v 50. rokoch pre Čínu (na rozdiel od tradičnej čínskej maľby tušom) ešte nezvyčajná, boli na vrchole popularity a sovietsky umelec Konstantin prišiel na tri roky na Pekinskú umeleckú univerzitu ( v rokoch 1954 až 1957) učiť Metodieviča Maksimova. Do jeho triedy sa dostal Jin Shani, ktorý bol v tom čase najmladší v skupine. Umelec si vždy s veľkou vrúcnosťou pamätal svojho učiteľa a povedal, že to bol Maksimov, ktorý ho naučil správne pochopiť a zobraziť model. K. M. Maksimov vychoval celú plejádu čínskych realistov, dnes už klasikov.

V diele Jin Shana cítiť vplyv sovietskeho „tvrdého štýlu“ aj európskej maliarskej školy. Umelec venoval veľa času štúdiu dedičstva renesancie a klasicizmu, pričom považoval za potrebné zachovať vo svojich dielach čínskeho ducha. Obraz „Tadžická nevesta“, namaľovaný v roku 1983, je považovaný za všeobecne uznávané majstrovské dielo, nový míľnik v tvorbe Jin Shana. Bola to ona, ktorá bola vystavená na aukcii China Guardian v novembri 2013 a predala sa niekoľkonásobne drahšie, ako sa odhadovalo - za 13,89 milióna dolárov vrátane provízie.

19. BANKSY Rozpadnutý parlament. 2008. 12,14 milióna dolárov

Nástenné maľby so značkou Banksy sa začali objavovať na stenách miest (najskôr v Spojenom kráľovstve a potom po celom svete) koncom 90. rokov 20. storočia. Jeho filozofické a zároveň ostré graffiti boli venované problémom útoku štátu na slobody občanov, zločinom proti životnému prostrediu, nezodpovednému konzumu, neľudskosti systému nelegálnej migrácie. Banksyho nástenné „výčitky“ si postupom času získali nebývalú mediálnu obľubu. V skutočnosti sa stal jedným z hlavných hovorcov verejnej mienky odsudzujúcej pokrytectvo štátov a korporácií, čo spôsobuje rastúcu nespravodlivosť v kapitalistickom systéme.

Význam Banksyho, zmysel pre „nerv času“ a presnosť jeho metafor ocenili nielen diváci, ale aj zberatelia. V roku 2010 sa za jeho diela dali státisíce alebo dokonca viac ako milión dolárov. Dospelo to do bodu, že Banksyho graffiti bolo rozbité a ukradnuté spolu s kúskami stien.

V ére pokročilého digitálneho sledovania sa Banksymu stále darí zostať v anonymite. Existuje verzia, že to už nie je jedna osoba, ale skupina niekoľkých umelcov, na čele ktorej stojí talentovaná žena. To by mnohé vysvetľovalo. A vonkajšia nepodobnosť spisovateľov zachytených v objektívoch kamier svedkov a neosobná šablónová metóda aplikácie (poskytuje vysokú rýchlosť a nevyžaduje priamu účasť autora) a dojemný romantizmus námetov obrazov. (gule, snehové vločky atď.). Nech je to akokoľvek, ľudia z projektu Banksy vrátane jeho asistentov vedia držať jazyk za zubami.

V roku 2019 sa najdrahším dielom Banksyho nečakane stalo štvormetrové plátno Devolved Parliament (“degradovaný”, “rozpadnutý” alebo “delegovaný” parlament). Zdá sa, že šimpanzy, ktoré sa hádajú v Dolnej snemovni, v roku škandalózneho Brexitu zosmiešňujú publikum. Je prekvapujúce, že obraz bol namaľovaný 10 rokov pred týmto historickým zlomom, a preto ho niekto považuje za prorocký. Na aukcii Sotheby's 3. októbra 2019 neznámy kupec kúpil ropu za 12 143 000 dolárov v zúrivej ponuke - šesťnásobok ceny predbežného odhadu.

20. JOHN CURREN "Sladké a jednoduché." 1999. 12,007 milióna dolárov

americký umelec John Curran (1962) známy svojimi satirickými figuratívnymi maľbami na provokatívne sexuálne a sociálne témy. Currenovej tvorbe sa darí spájať maliarske techniky starých majstrov (najmä Lucasa Cranacha staršieho a manierov) a módnu fotografiu z nablýskaných časopisov. Karren, ktorá dosahuje grotesknosť, často deformuje proporcie ľudského tela, zväčšuje alebo zmenšuje jeho jednotlivé časti, zobrazuje hrdinov v zlomených, vychýrených pózach.

Curren začal v roku 1989 portrétmi dievčat prekreslenými zo školského albumu; pokračovanie začiatkom 90. rokov s obrázkami prsnatých krások inšpirovaných fotkami z Cosmopolitanu a Playboya; v roku 1992 sa objavili portréty bohatých starších dám; a v roku 1994 sa Curren oženil so sochárkou Rachel Feinsteinovou, ktorá sa na dlhé roky stala jeho hlavnou múzou a modelkou. Koncom 90. rokov 20. storočia mu Currinova technická zdatnosť v kombinácii s gýčom a grotesknosťou jeho obrazov priniesla popularitu. V roku 2003 sa propagácie umelca ujal Larry Gagosian a ak sa taký díler ako Gagosian ujme autora, úspech je zaručený. V roku 2004 sa vo Whitney Museum konala retrospektíva Johna Currana.

Približne v tomto čase sa jeho dielo začalo predávať za šesťmiestne. Aktuálny rekord obrazu od Johna Currana patrí filmu Sweet and Simple, ktorý sa 15. novembra 2016 predal v aukčnej sieni Christie's za 12 miliónov dolárov, teraz nad 50 rokov, je to určite prielom v kariére. Jeho predchádzajúci rekord v roku 2008 bol 5,5 milióna dolárov (mimochodom zaplatené za rovnakú prácu „Cute and Simple“).

21. BRICE MARDEN Zúčastnené. 1996–1999 10,917 milióna dolárov

Ďalším žijúcim americkým abstraktným umelcom v našom rebríčku je Bryce Marden (1938). Mardenove diela v štýle minimalizmu a od konca 80. rokov - gestická maľba sa vyznačujú jedinečnou autorskou, mierne tlmenou paletou. Farebné kombinácie v Mardenových dielach sú inšpirované jeho cestami po svete – Grécko, India, Thajsko, Srí Lanka. Medzi autorov, ktorí ovplyvnili vznik Mardena patria Jackson Pollock (začiatkom 60. rokov Marden pracoval ako ochrankár v Židovskom múzeu, kde osobne pozoroval Pollockove „kvapkanie“), Alberto Giacometti (zoznámil sa s jeho tvorbou v Paríži) a Robert Rauschenberg (niektorí, kým Marden pracoval ako jeho asistent). Prvá etapa Mardenovej tvorby je venovaná klasickým minimalistickým plátnam, ktoré pozostávajú z farebných pravouhlých blokov (horizontálnych alebo vertikálnych). Na rozdiel od mnohých iných minimalistov, ktorí sa snažili o ideálnu kvalitu diel, ako keby boli vytlačené strojom, a nie nakreslené človekom, Marden si zachoval stopy umelcovej práce kombinovaním rôznych materiálov (vosk a olejové farby). Od polovice 80. rokov 20. storočia pod vplyvom orientálnej kaligrafie nahradili geometrickú abstrakciu meandrovité línie, na pozadí ktorých boli rovnaké monochromatické farebné polia. Jedno z týchto „meandrových“ diel – „The Attended“ – bolo predané v Sotheby's v novembri 2013 za 10,917 milióna dolárov vrátane provízie.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. december 1959. 10,6 milióna dolárov

23. ZHANG XIAOGANG Večná láska. 10,2 milióna dolárov

Ďalším predstaviteľom súčasného čínskeho umenia je symbolista a surrealista Zhang Xiaogang (1958). V Sotheby's Hong Kong 3. apríla 2011, kde sa predávala čínska avantgarda zo zbierky belgického baróna Guya Ullensa, triptych Zhang Xiaoganga. "Večná láska" bol predaný za $ 10,2 milióna. V tom čase to bol rekord nielen pre umelca, ale pre celé čínske súčasné umenie. Hovorí sa, že Xiaogangovo dielo kúpila miliardárova manželka Wang Wei, ktorá sa chystá otvoriť vlastné múzeum.

Zhang Xiaogang, ktorý má rád mystiku a východnú filozofiu, napísal príbeh „večnej lásky“ v troch častiach – život, smrť a znovuzrodenie. Tento triptych bol prezentovaný na ikonickej výstave Čína/avantgarda v roku 1989 v Národnom múzeu umenia. Aj v roku 1989 boli študentské demonštrácie na Námestí nebeského pokoja brutálne potlačené armádou. Po tejto tragickej udalosti sa začali uťahovať skrutky – výstava v Národnom múzeu bola rozprášená, veľa umelcov emigrovalo. V reakcii na socialistický realizmus vnucovaný zhora vznikol smer cynického realizmu, ktorého jedným z hlavných predstaviteľov bol Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezmocný Henry Moore. 1967. 9,9 milióna dolárov

americký Bruce Nauman (1941), víťaz hlavnej ceny 48. bienále v Benátkach (1999), už dávno prekonal svoj rekord. Nauman začal svoju kariéru v šesťdesiatych rokoch. Znalci ho označujú spolu s Andym Warholom a Josephom Beuysom za jednu z najvplyvnejších osobností umenia druhej polovice dvadsiateho storočia. Bohatá intelektuálnosť a absolútna nedekoratívnosť niektorých jeho diel však evidentne bránila rýchlemu uznaniu a úspechu u širokej verejnosti. Nauman často experimentuje s jazykom a objavuje neočakávané významy známych fráz. Slová sa stávajú ústrednými postavami mnohých jeho diel, vrátane neónových pseudonápisov a panelov. Nauman sám seba nazýva sochárom, hoci za posledných štyridsať rokov sa vyskúšal v úplne iných žánroch - sochárstvo, fotografia, videoart, performance, grafika. Začiatkom 90. rokov Larry Gagosian vyslovil prorocké slová: „Skutočná hodnota Naumannovej práce sa ešte len musí realizovať.“ A tak sa aj stalo: 17. mája 2001 v Christie's od Naumanna v roku 1967 "Bezmocný Henry Moore (pohľad zozadu)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) vytvoril nový rekord v segmente povojnového umenia. Odliatok Naumannových rúk zviazaných za chrbtom vyrobený zo sadry a vosku išiel pod kladivo za $ 9,9 milióna v zbierke francúzskeho magnáta Francoisa Pinaulta (podľa iných zdrojov Američanka Phyllis Wattis). Odhad práce bol len 2-3 milióny dolárov, takže výsledok bol pre všetkých skutočným prekvapením.

Pred týmto legendárnym predajom len dve Naumannove diela prekročili hranicu milióna dolárov. A za celú jeho doterajšiu aukčnú kariéru len šesť diel, okrem „Henryho Moorea ...“ išlo na sedemciferné číslo, no ich výsledky sa stále nedajú porovnať s deviatimi miliónmi.

„Helpless Henry Moore“ je jednou z Naumannových sérií polemických prác o postave Henryho Moora (1898–1986), britského umelca, ktorý bol v šesťdesiatych rokoch považovaný za jedného z najväčších sochárov 20. storočia. Mladí autori, ktorí sa ocitli v tieni uznávaného majstra, naňho potom zaútočili ostrou kritikou. Naumannova tvorba je odpoveďou na túto kritiku a zároveň zamyslením sa nad témou kreativity. Názov diela sa stáva slovnou hračkou, keďže spája dva významy anglického slova bound – zviazaný (v doslovnom zmysle) a odsúdený na určitý osud.

Pozor! Všetky materiály stránky a databáza výsledkov aukcií stránky, vrátane ilustrovaných referenčných informácií o dielach predaných na aukciách, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo v rozpore s pravidlami ustanovenými Občianskym zákonníkom Ruskej federácie nie je povolené. stránka nezodpovedá za obsah materiálov odovzdaných tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích osôb si správa stránky vyhradzuje právo na ich odstránenie zo stránky a z databázy na základe žiadosti oprávneného orgánu.

Od 8. júna do 31. júla sa v Moskve koná VI. medzinárodné bienále mladého umenia. Svoje diela predstavilo viac ako 50 umelcov z celého sveta do 35 rokov. Súčasní umelci však nie sú len vystavovaní v galériách či múzeách – ich diela sa často dajú kúpiť. Nemusí to byť drahé: popularizácia súčasného umenia spustila proces demokratizácie cien, ktorý viedol niektorých obyvateľov miest k rozpočtu na náklady na maľby na renováciu. Ani aukčné domy a umelecké veľtrhy nemohli ignorovať záujem o umenie strednej vrstvy, v ktorej sa začali objavovať diela mladých umelcov. The Village požiadala novinárku a spolumajiteľku galérie Oily Oil Ekaterinu Polozhentsevu, aby vybrala diela súčasných ruských umelcov, ktoré sú dostupné z hľadiska prístupu aj ceny.

Jekaterina Polozhentseva

Timofey Radya

Jekaterinburská umelkyňa Tima Radya vo svojich dielach spája filozofiu a pouličné umenie. Tima, vzdelaním filozofka a svojou povahou skutočná umelkyňa, už dlho živí myšlienku budúceho diela a následne ho realizuje v mestskom priestore s pomocou svojej malej armády kolegov. Frázy, ktoré sa stali memami: „Objal by som ťa, ale som len text“, „Čím viac svetla, tým menej vidíš“ alebo „Kto sme, odkiaľ sme, kam ideme?“ sa dočasne stanú súčasťou mestského prostredia, no na Radiho fotografiách zostanú navždy. Predáva ich v galériách.

Timofey Radya. Dole so smrťou. 2013. Tlač fotografií na matný papier. 60 x 80. Náklad 15/24. Cena - 44 000 rubľov. Kúpiť - Galéria Artwin

Alexej Dubinský

Dubinsky sa narodil v Groznom v roku 1985 a klasické vzdelanie získal na Ruskej akadémii maľby, sochárstva a architektúry Iľju Glazunova. Alexej pracuje na spôsob abstraktného expresionizmu, ktorý vždy skrýva obraz nejakého hrdinu – samotného Alexeja, jeho priateľov alebo „úplne šťastnej rodiny“. Na jar 2018 Dubinsky usporiadal veľkú samostatnú výstavu kurátorky Sofyy Simakovej v Galérii Triumph, po ktorej je výskyt Alexeja v tomto zozname veľkým úspechom: veľké (meter na meter) Dubinského diela už dávno vypadli z kategórie ceny, ktoré sa slušne nahlas volajú. Grafiku z minulých rokov je však stále možné zakúpiť bez toho, aby došlo k zlyhaniu osobného alebo rodinného rozpočtu.

Kirill Kto

Ak vidíte na uliciach Moskvy oči vytesané do transparentov, vedzte, že ich vytvoril jeden človek, ktorý veľmi rád chodí – Kirill Lebedev. Druhým znakom značky Who sú frázy písané paličkovým písmom. Často sa stáva, že každé písmeno je nakreslené vlastnou farbou. Koho je ťažké s niekým zameniť. Pred niekoľkými rokmi majitelia galérií Elvira Tarnogradskaya a Nadezhda Stepanova požiadali Kirilla, aby preniesol niekoľko diel na plátna: úspech nápadu bol zrejmý. Komu ceny rastú rýchlejšie, ako sa nové oči mesta objavia. Ale je tu aj možnosť pre tých, ktorí počítajú svoje peniaze - sieťotlač, podpísaná autorom a vyrobená v limitovanej edícii.

Júlia Iosilzonová

Iosilzon sa narodil v Moskve v roku 1992. Yulia teraz žije v Londýne, kde pokračuje v bakalárskom štúdiu na Slade School of Art na Fakulte výtvarných umení. Nepretržitý pobyt v študentskej umeleckej dielni jej nezabránil usporiadať samostatnú výstavu v Galérii Triumph v Moskve. Expresívne diela robí väčšinou na hodvábe napnutom na nosidlách. Medzi hrdinami diel sú rozpoznateľní vlk a zajac zo sovietskeho „No, počkajte!“. Iosilzon bude musieť na maľovanie vyčleniť niekoľko platov, no grafika sa stále dá kúpiť za málo peňazí.

Anton Totibadze

Anton Totibadze je synom umelca Konstantina Totibadzeho a synovcom umelca Georgyho Totibadzeho. Anton pokračuje v nevyslovenej rodinnej tradícii maľovania zátiší a každodennej krajiny, často inšpirovanej varením ražniči na jeho vlastnom dvore. Petrohradské ruské múzeum už jedno z týchto diel Antona Totibadzeho zaradilo do svojej zbierky. Na 25-ročného umelca to nie je zlé.

Anton Totibadze. Dočasné nepohodlie. 2017. Tempera na plátne. 15 x 19. Cena - 25 000 rubľov. Kúpiť - OilyOil.com

Aleš Nomád

Anna Asyamova sa narodila v Kazachstane a vyštudovala Kemerovskú univerzitu umenia. Jej rané diela sú asketickými portrétmi, v ktorých nemiešala farby. Neskôr sa Ales začal zaujímať o maľovanie a začal maľovať portréty v štýle starých majstrov a pretvárať ich na batohy alebo plyšové hračky pomocou zipsov, aby bola práca multifunkčná. V tejto fáze si ju všimol Vladimír Dubossarsky a ponúkol jej spoločnú výstavu. Jeden z najdrahších žijúcich ruských umelcov samozrejme ovplyvnil náklady na nové diela Aleša. Ale čoskoro funguje a dnes si môžete kúpiť za cenu až 22 tisíc rubľov.

Aleš Nomád. Svadba. 2013. Kartón, akryl, fixky. 70 x 100. Cena - 22 000 RUBĽOV. Kúpiť - OilyOil.com

Valery Chtak

Valery Chtak je umelec so skvelou históriou výstav a rozpoznateľným štýlom. Jeho tvorba je vždy monochromatická čierno-bielo-sivá paleta s textom. V jeho obrazoch je málo maľby a veľa jednoduchých obrazov, akoby zo steny neďalekej podzemnej chodby. Vzdelaním knihovník Chtak veľa pracuje so slovom: „Všetci mŕtvi sú rovnako mŕtvi“, „Milujem zábavu, nenávidím a pomstím sa“ alebo „Keď je polnoc v Moskve, je aj polnoc v Murmansku“ - texty umelca, ktoré sa dnes tiež oplatí kúpiť.

Dmitrij Aske

Dmitrij Aske je ďalší umelec, ktorý sa presťahoval z ulice do umeleckého štúdia. Veľkú časť Askeho práce dnes tvoria ručne rezané a ručne maľované drevené obklady, ktoré umelec skladá do panelov. Z Dimových rozpočtových prác dnes stojí za pozornosť jeho sieťotlač s ručne maľovanými akrylovými farbami. Asukeho výtlačky sú podpísané a očíslované.

Dmitrij Aske. Budha. Sieťotlač, akryl, bavlnený papier. 50 x 50. Cena - 16 000 RUBĽOV. Kúpiť - format1.net

foto: obálka, 15–21 – Olejový olej, 1 – Artwin, 2 – Timofei Radya, 3–7, 12–14 – Ukážka, 8, 25, 26 – Problémy s bielou stenou online galéria, 9–11, 22–24 – Trojuholník galérie , 27 - "Formát 1"

Koľko stojí súčasné umenie? Ktorý zo žijúcich umelcov sa teší najväčšiemu uznaniu, ktorého meradlom sú bankovky? Artnet na túto otázku odpovedal analýzou výsledkov aukcií od roku 2011 do roku 2015 a ich uvedením najpredávanejších súčasných umelcov. Bohužiaľ, na zozname neboli žiadni tvorcovia z Ruska.

10. Ed Ruscha

V 60. rokoch minulého storočia sa Ed spolu s dnes už známymi umelcami ako Andy Warhol a Jim Dine zúčastnil historickej udalosti „Re-imaging obyčajných predmetov“. Bola to jedna z prvých výstav vo vznikajúcom štýle pop art v Amerike. Neosvietenému vzhľadu Rusheiho maľby najviac pripomínajú šablónovitý nápis na pozadí krajiny alebo veselý splash kvetov. Viac ako 4 roky jeho výtvorov sa však predali za celkovú sumu 129 030 255 USD.

9. Richard Prince

Richard si urobil meno tým, že prefotografoval obrázky z tlačených reklám, usporiadal ich v náhodnom poradí a vyšperkoval ich štipľavými sloganmi. Jeho rukami trpeli kovboji z Marlboro, celebrity, pornohviezdy, zdravotné sestry a motorkárky. Maľuje aj kapoty áut. Verejnosť ocenila jeho prácu v r 146 056 862 USD- za túto sumu sa predalo niekoľko diel umelca.

8. Yayoi Kusama

Duševne chorý umelec veľmi rád pokrýva povrchy bodkami farby – hovorí sa tomu „infinity net“. Podarilo sa jej označiť túto bodku aj vlastnú chorobu a teraz je najpredávanejšou súčasnou umelkyňou na svete ( 152 768 689 dolárov).

7. Peter Doig

Jeden z predstaviteľov tradičnej krajinomaľby. Jeho tvorba je vždy obľúbená u diváka, ktorý je unavený z hyperironickej postmoderny, pretože po nápisoch, kolážach z fotografií a bodkovaných stoličkách je tak pekné zastaviť oči na tropickej nočnej krajine. Už 4 roky sa obrazy predávajú za 155 229 785 dolárov.

6. Fan Zeng

Dobre sa predávajú aj kaligrafické nápisy, priehľadné akvarelové krajiny a portréty v tradičnom čínskom štýle - 176 718 242 dolárov od roku 2011 do roku 2015.

5. Cui Ruzhou

Tento súčasný čínsky umelec je známy svojimi atramentovými maľbami kvetov, vtákov a krajiny. Obyčajní ľudia však nedokážu pochopiť mocnú silu umenia – a v roku 2012 upratovač hotela Grand Hayatt omylom vyhodil do koša jedno zo svojich diel v hodnote 3,7 milióna dolárov. Práca Cui Ruzhou za posledné 4 roky bola predaná 223 551 382 USD.

4. Zeng Fanji

Dobre sa predávali aj komplexné pestrofarebné diela iného čínskeho umelca, kde sú živé bytosti a predmety buď zapletené do siete, alebo stratené v zimnom lese, ako aj zlovestní pionieri s krvavými rukami z rokov 2011 až 2015 - za 267 949 220 dolárov.

3. Christopher Wool

Christopherovou značkou sú obrovské biele plátna s čiernym písmom. Štyri z týchto písmen, ktoré tvoria slovo Riot („vzbura“), sa predali v aukčnej sieni Sotheby's za 29,9 milióna dolárov. A len za 4 roky sa diela umelca predali v množstve 323 997 854 dolárov.

2. Jeff Koons

Bývalý manžel pornohviezdy Ciccioliny uprednostňuje prácu v žánri neo-pop. Preslávili ho najmä oceľové sochy napodobňujúce podlhovasté balónové hračky. Za jedno z diel (oceľový oranžový pes) bolo na aukcii Christie's zaplatených 58,4 milióna dolárov. Jeff tiež plánuje nainštalovať žeriav pred losangeleským múzeom umenia, na ktorý zavesí parnú lokomotívu tak, aby nadúvala a vypúšťala oblaky dymu. Od roku 2011 do roku 2015 predal Koons diela v celkovej hodnote 379 778 439 dolárov.

1. Gerard Richter

Na prvom mieste v rebríčku umelcov s najpredávanejšími obrazmi je majster, ktorý sa za takého ani nepovažuje. Podľa Gerarda dlho tvoril niečo, čo nesúviselo s umením, kompozíciou, farbou, tvorivosťou atď. Plátna totiž pokrýval škvrnami od farieb pomocou škrabiek a špachtlí. Jeden z týchto obrazov s názvom „Abstraktný obraz“, ktorý najviac pripomína vodný melón, ktorý zomrel v agónii, bol ocenený v Sotheby's za 43,6 milióna dolárov, a diela umelca za štyri roky sa predávali za skromné ​​množstvo 1 165 527 419 USD.

Majestátna a rôznorodá ruská maľba vždy poteší publikum svojou nestálosťou a dokonalosťou umeleckých foriem. To je zvláštnosť diel slávnych majstrov umenia. Vždy prekvapili nezvyčajným prístupom k práci, úctivým prístupom k pocitom a pocitom každého človeka. Možno preto ruskí umelci tak často zobrazovali portrétne kompozície, ktoré živo kombinovali emocionálne obrazy a epicky pokojné motívy. Niet divu, že Maxim Gorkij raz povedal, že umelec je srdcom jeho krajiny, hlasom celej éry. Majestátne a elegantné obrazy ruských umelcov skutočne živo vyjadrujú inšpiráciu svojej doby. Rovnako ako túžby slávneho autora Antona Čechova, mnohí sa snažili vniesť do ruských obrazov jedinečnú chuť svojich ľudí, ako aj neutíchajúci sen o kráse. Je ťažké podceniť neobyčajné plátna týchto majstrov majestátneho umenia, pretože pod ich štetcom sa rodili skutočne mimoriadne diela rôznych žánrov. Akademická maľba, portrét, historická maľba, krajina, diela romantizmu, moderny či symbolizmu – to všetko svojim divákom stále prináša radosť a inšpiráciu. Každý v nich nájde niečo viac ako pestré farby, ladné línie a nenapodobiteľné žánre svetového umenia. Možno taká hojnosť foriem a obrazov, ktorými ruská maľba prekvapuje, súvisí s obrovským potenciálom okolitého sveta umelcov. Levitan tiež povedal, že v každej poznámke sviežej prírody je majestátna a nezvyčajná paleta farieb. S takýmto začiatkom sa pre štetec umelca objaví veľkolepý priestor. Preto sa všetky ruské obrazy vyznačujú vynikajúcou prísnosťou a atraktívnou krásou, od ktorej je také ťažké sa odtrhnúť.

Ruská maľba sa právom odlišuje od svetového umenia. Faktom je, že až do sedemnásteho storočia bola domáca maľba spojená výlučne s náboženskou tematikou. Situácia sa zmenila s nástupom cára-reformátora - Petra Veľkého. Vďaka jeho reformám sa ruskí majstri začali venovať svetskej maľbe a maľba ikon sa oddelila ako samostatný smer. Sedemnáste storočie je časom takých umelcov ako Simon Ushakov a Iosif Vladimirov. Potom sa v ruskom umeleckom svete zrodil portrét a rýchlo sa stal populárnym. V osemnástom storočí sa objavili prví umelci, ktorí prešli od portrétovania ku krajinomaľbe. Viditeľné sú výrazné sympatie majstrov k zimným panorámam. Osemnáste storočie sa pamätalo aj na zrod každodennej maľby. V devätnástom storočí si v Rusku získali popularitu tri smery: romantizmus, realizmus a klasicizmus. Rovnako ako predtým sa ruskí umelci naďalej obracali k žánru portrétu. Vtedy sa objavili svetoznáme portréty a autoportréty O. Kiprenského a V. Tropinina. V druhej polovici devätnásteho storočia umelci čoraz častejšie zobrazujú jednoduchý ruský ľud v jeho utláčanom štáte. Realizmus sa stáva ústredným trendom maľby tohto obdobia. Práve vtedy sa objavili Wanderers, ktorí zobrazovali len skutočný, skutočný život. Nuž, dvadsiate storočie je, samozrejme, avantgarda. Vtedajší umelci výrazne ovplyvnili tak svojich nasledovníkov v Rusku, ako aj vo svete. Ich obrazy sa stali predchodcami abstrakcionizmu. Ruská maľba je obrovský úžasný svet talentovaných umelcov, ktorí svojimi výtvormi preslávili Rusko