Edward Hopper je básnik prázdnych priestorov. Iluminácia výstavy diel amerického umelca Edwarda Hoppera Detstvo a mladosť umelca

10.05.16

Iluminácia výstavy diel amerického umelca Edwarda Hoppera (1882-1967): polovodičové svetelné zdroje 21. storočia v renesančnom paláci (Palazzo Fava, Bologna)

Edward Hopper (autoportrét, 1906)

Edward Hopper (1882-1967) významný hovorca , jeden z najväčších urbanistov 20. storočia. Bol nazývaný „básnikom prázdnych priestorov“. Hlavné oblasti kreativity - "Škola odpadkových košov", "Súčasné umenie", "Nový realizmus".

25. marca 2016 v Bologni v paláci „Palazzo Ghisilardi Fava“ („Palazzo Ghisilardi Fava“ Bologna) otvorili retrospektívnu výstavu umelcových diel, na ktorej je vystavených 160 jeho obrazov (výstava je otvorená do 24. júla).

Návštevníci môžu vidieť aj unikátne fresky zo 16. storočia od maliarov rodu Carracci (Ludovico, Annibale a Agostino). Sú považované za prvé barokové majstrovské diela.

Palazzo Fava postavil v renesančnom štýle architekt Gilio Montanari v rokoch 1483-1491. pre notára a kancelára Bartolomea Gisilardiho.

Veža Consenti („Torre dei Conoscenti“)

Nachádza sa na Via Manzoni v Bologni. Na nádvorí sa nachádza stredoveká veža „Torre dei Conoscenti“ (XIV. storočie), ktorá bola značne poškodená pri zemetrasení v roku 1505. Nádvorie je obklopené portíkmi s loggiami.

Pri obnove v roku 1915 bol palácovému komplexu vrátený pôvodný vzhľad z 15. storočia.

Od roku 2015 je v paláci mestské Múzeum stredoveku, ktorého sály sú určené na dočasné výstavy, ktoré sú dnes napríklad retrospektívou diel amerického umelca. Edward Hopper.

V niekoľkých sálach paláca sú dokonale zachované fresky, ktorých zápletky ilustrujú jeden z mýtov starovekého Grécka - legenda o Médei a Jasonovi.

Medea - v starogréckej mytológii kráľovná Kolchidy, čarodejnica a milenka Argonauta Jasona. Keď sa zamilovala do Jasona, pomohla mu zmocniť sa Zlatého rúna a utiekla s ním z Kolchidy do Grécka. Fresky namaľovali v roku 1594 Ludovico, Annibale a Agostino Carracci.

Výstavné a expozičné osvetlenie

Vo výstavných halách sú použité LED svietidlá ERCO Logotec a ERCO Pollux, ktoré osvetľujú obrazy E. Hoppera dosť intenzívnym smerovým svetlom.

Niektoré z týchto svietidiel sa používajú na menej výrazné (odrazové aj priame) nasvietenie fresiek v hornej zóne stien.

Použila sa aj neobvyklá technika: „žiariace sokle“ odrazeného svetla na styku stien a podlahy. Slúžia na umiestnenie tabúľ s informáciami o obrazoch a zároveň pre orientáciu a bezpečný pohyb návštevníkov vytvárajú nízke horizontálne presvetlenie podlahy (okrem svetla odrazeného od obrazov).

Diela Edwarda Hoppera (obdobie 1914-1942)

"Cesta v Maine" (1914)

"Západ slnka na železnici" (1929)

"Podkrovie" (1923)

"Ranné slnko" (1930)

"Nočné okná" (1928)

"Čínsky guláš" (1929)

"Izba v New Yorku" (1930)

"Automatický" (1927)

Svetlo, tiene...a ľudská osamelosť v obraze Edwarda Hoppera Night Owls (1942, Fine Arts Institute of Chicago)

Od 25. marca do 24. júla 2016 v Palazzo "Ghisilardi Fava"(Bologna) ukazuje retrospektívnu výstavu Edwarda Hoppera (1882-1967) - významného predstaviteľaAmerická žánrová maľba , jeden z najväčších urbanistov 20. storočia. Medzi 160 vystavenými dielami je veľký záujem o jeden z umelcových najznámejších obrazov - "polnočníci".

Nighthawks (Night Owls) - tento anglický názov obrazu je výraznejší ako tradičné možnosti - "Night Owls" alebo "Night Revelers".

Obraz je možno najpresvedčivejším Hopperovým obrazom ľudskej osamelosti v megamestách a jedným z najznámejších diel v histórii amerického maliarstva 20. storočia.

Po dokončení diela v roku 1942 umelec predal obraz za 3000 dolárov Inštitútu umenia v Chicagu, kde zostal dodnes. AIC - Art Institute of Chicago - múzeum umenia a inštitúcia vyššieho vzdelávania, pc. Illinois.

Hopperov životopisec (Gale Levin) sa domnieva, že dej mohol byť inšpirovaný poviedkou E. Hemingwaya „The Assassins“. Je možné, že umelca ovplyvnil akvarel Vincenta van Gogha „Night Cafe in Arles“ („Nočná kaviareň v Arles“, 1888), ktorý bol začiatkom roku 1942 vystavený v New York Gallery of Art.

W. Van Gogh "Nočná kaviareň v Arles" (Nočná kaviareň v Arles, 1888)

Edward Hopper. "Nighthawks" (1942)

Je pravdepodobné, že námet obrazu by mohol byť inšpirovaný aj nočným pohľadom na jedáleň v oblasti Greenwich Village na Manhattane vedľa umelcovho domu.

A tu je to, čo o vzniku nápadu povedal sám autor: „... Zápletku mi podnietil pohľad na reštauráciu na Greenwich Avenue, na križovatke dvoch ulíc... Scénu som výrazne zjednodušil a rozšírili priestor. Pravdepodobne som podvedomým okom videl osamelosť ľudí vo veľkých mestách ... “

Umelec, ktorý zobrazuje situáciu, ktorá pripomína príbehy E. Hemingwaya, sa pri osvetlení a rozdelení priestoru spoliehal na obrazy na obrazovke...

Hopper však nič neprezrádza. Jednoducho zachytáva izolovanú scénu v momentálnom zábere a necháva naratívnu intrigu napospas fantázii diváka.

Pár zákazníkov na druhej strane baru neodmysliteľne vykúzli postavy z vtedajšej americkej kinematografie. Žena skúma svoju manikúru. Muž, hľadiaci do prázdna, prstom po cigarete. Ich ruky sa takmer dotýkajú, ale Hopper neobjasňuje, či je tento kontakt úmyselný alebo náhodný.

Barman je jedinou postavou bez živého princípu, no svojou obvyklou „profesionálnou“, mechanickou pozornosťou umocní dojem absencie skutočne ľudských vzťahov.

Zozadu zobrazená tajomná postava v klobúku pretiahnutom cez tvár, ako by si zamyslene krútila pohárom v ruke, je klasickým typom „cudzinec“ z hollywoodskych filmov...

Podľa vizuálneho pomeru jasu na postave tejto postavy je vidieť, že svetlo na ňu dopadá zhora vpravo. Rezanie rozdiel v jase na obrázku dodáva mu ďalší odtieň nejakej tragickej osamelosti.

Intenzívne žiarenie neviditeľnej (ale zjavne dostatočne výkonnej) lampy akoby oživuje reflexné vlastnosti neživých prvkov obrazu - dve lesklé kovové nádrže, tmavohnedý leštený pult, jasne žltý pruh na stene, hladký kožené čalúnenie kruhových stoličiek pozdĺž baru.

Toto je jemný, ale veľmi dôležitý dejový detail .... Zamrzli v očakávaní ... iní návštevníci, iné príbehy, iné tajomstvá číhajúce v noci ....

Dá sa povedať, že trpkosť Hopperových mestských hradieb spočíva práve v tomto - v náhodnosti stretnutí, ich krátkosti a osamelosti osudov, odrezaných rámcom anonymného, ​​monotónneho, bezduchého prostredia.

Široká a opustená dlažba vytvára zvláštnu kompozičnú nerovnováhu, kde sú všetky postavy schúlené na pravej strane a nachádzajú dočasné útočisko v nočnej kaviarni (alebo lacnej reštaurácii).

Rozľahlá plocha opustenej ulice vyvoláva náladu osamelosti a nepokoja... Tmavé okná vo vedľajšom dome kontrastujú s jasné elektrické osvetlenie kaviareň, napumpuje pocit nekomunikatívnosti a odcudzenia.

Medzi tmavým oknom domu oproti a pruh svetla, odhodená bezmennou lampou, postava pokladníka je sotva viditeľná - bez slov, ale výrečný obraz nevyhnutnej sily peňazí ...

Tento lampáš si vytvára svoj vlastný hra svetla a tieňa…. Umelec tu využíva typické motívy metafyzická maľba.

Metafyzická maľba (tal. Pittura metafisica) - smer v talianskej maľbe začXX storočia.

Predchodcom tohto trendu jeGiorgio de Chirico (1888-1978), ktorý bol ešte vParížv1913 — 1914vytvoril opustené mestské krajiny, ktoré anticipovali budúcu estetiku metafyziky. V metafyzickej maľbemetaforaasenstať základom pre myslenie, ktoré presahuje bežnú logiku, akontrastmedzi realisticky presne zobrazeným objektom a zvláštnou atmosférou, v ktorej je umiestnený, umocňovali neskutočný efekt.
Obraz Nighthawks "Nočné sovy" alebo "Nočné sovy" bol pravdepodobne Hopperovým najambicióznejším dielom v zobrazení nočného prostredia mesta v kontraste s umelým svetlom.

Existuje taká chytľavá maľba, ktorá diváka okamžite upúta. Neexistuje žiadny zmätok, pohotovosť, všetko sa zdá byť hneď jasné, ako v láske na prvý pohľad. Nie je prekvapujúce, že starostlivé skúmanie, reflexia a empatia môžu takejto láske poškodiť. Dá sa tam za vonkajším leskom nájsť niečo hlboké, pevné? Nie je to skutočnosť.

Vezmite si napríklad to najmódnejšie pre druhých sto rokov impresionizmu. Pravdepodobne pre dnešné masové publikum neexistuje v histórii maľby žiadny populárnejší trend. Ako umelecký smer sa však impresionizmus ukázal ako prekvapivo pominuteľný, keďže vo svojej čistej forme existoval krátkych dvadsať rokov. Jej otcovia zakladatelia nakoniec opustili svoje duchovné dieťa, cítiac vyčerpanie nápadov a metód. Renoir sa vrátil ku klasickým formám Ingres a Monet vykročil vpred k abstrakcionizmu.

Stáva sa aj opak. Maľby sú skromné ​​a nenáročné, motívy obyčajné, techniky tradičné. Tu je dom pri ceste, tu je dievča pri okne, ale vo všeobecnosti banálna čerpacia stanica. Žiadna atmosféra, žiadne svetelné efekty, žiadne romantické vášne. Ak pokrčíte ramenami a pôjdete ďalej, všetko tak zostane. A ak sa zastavíte a pozriete, nájdete priepasť.

Taký je obraz Edwarda Hoppera, jedného z najznámejších amerických umelcov dvadsiateho storočia.

Nevšímajúc si Európu

Hopperova biografia neobsahuje takmer žiadne svetlé udalosti a neočakávané zvraty. Študoval, odišiel do Paríža, pracoval, oženil sa, pokračoval v práci, dostal uznanie... Žiadne vyhadzovanie, škandály, rozvody, alkoholizmus, nehorázne huncútstva – nič „vyprážané“ pre žltú tlač. V tomto je Hopperov životný príbeh podobný jeho obrazom: navonok je všetko jednoduché, až pokojné, no v hĺbke je cítiť dramatické napätie.

Už v detstve objavil schopnosť kresliť, v čom ho rodičia všemožne podporovali. Po škole rok korešpondenčne študoval ilustráciu a potom vstúpil na prestížnu umeleckú školu v New Yorku. Americké zdroje uvádzajú celý zoznam jeho slávnych spolužiakov, no ich mená ruskému publiku takmer nič nehovoria. S výnimkou Rockwella Kenta zostali všetci umelcami národného významu.

V roku 1906 Hopper ukončil štúdium a začal pracovať ako ilustrátor v reklamnej agentúre, no na jeseň odišiel do Európy.

Musím povedať, že cestovanie do Európy bolo pre amerických umelcov takmer povinnou súčasťou profesionálneho vzdelávania. V tom čase hviezda Paríža jasne žiarila a z celého sveta sem ťahali mladých a ambicióznych ľudí, aby sa pripojili k najnovším výdobytkom a trendom vo svetovej maľbe.

Je prekvapujúce, aké odlišné sú dôsledky tohto varenia piva v medzinárodnom kotlíku. Niektorí, ako napríklad Španiel Picasso, sa rýchlo zmenili zo študentov na lídrov a sami sa stali tvorcami trendov v umeleckej móde. Iní vždy zostali imitátormi, akokoľvek talentovanými, ako Mary Cassatt a James Abbot McNeil Whistler. Iní, ako napríklad ruskí umelci, sa vrátili do svojej vlasti, infikovaní a nabití duchom nového umenia, a už doma si vydláždili cestu zo zadných dvorov svetového maliarstva k jeho avantgarde.

Hopper bol zo všetkých najoriginálnejší. Cestoval po Európe, bol v Paríži, Londýne, Amsterdame, vrátil sa do New Yorku, opäť precestoval Paríž a Španielsko, trávil čas v európskych múzeách a stretával sa s európskymi umelcami... Ale okrem krátkodobých vplyvov jeho maľba prezradiť čokoľvek oboznámenie sa s modernými trendmi. Vôbec nič, dokonca aj paletka sa ledva rozžiarila!

Ocenil Rembrandta a Halsa, neskôr El Greca, od časovo blízkych majstrov - Edouarda Maneta a Edgara Degasa, ktorí sa už vtedy stali klasikmi. Pokiaľ ide o Picassa, Hopper celkom vážne tvrdil, že počas pobytu v Paríži nepočul jeho meno.

Je ťažké tomu uveriť, ale faktom zostáva. Postimpresionisti práve pominuli, fauvisti a kubisti už lámali oštepy, na obzore sa črtal futurizmus, maľba sa odtrhla od obrazu viditeľného a zamerala sa na problémy a obmedzenia obrazovej roviny, Picasso a Matisse zažiarili . Ale Hopper, ktorý bol v centre diania, to zrejme nevidel.

A po roku 1910 nikdy neprekročil Atlantik, ani keď jeho obrazy vystavovali v americkom pavilóne prestížneho bienále v Benátkach.

Umelec v práci

V roku 1913 sa Hopper usadil v New Yorku na Washington Square, kde žil a pracoval viac ako päťdesiat rokov – až do konca svojich dní. V tom istom roku predal svoj prvý obraz, vystavený na slávnej Armory Show v New Yorku. Zdalo sa, že kariéra sa začína sľubne a úspech nie je ďaleko.

Nedopadlo to až tak ružovo. Armory Show bola koncipovaná ako prvá výstava súčasného umenia v Spojených štátoch a ako taká mala obrovský úspech. Oči amatérov, kritikov a umelcov odvrátila od realizmu a obrátila ich k avantgarde, hoci sprevádzanej výsmechom a škandálmi. Na pozadí Duchampa, Picassa, Picabia, Brancusiho, Braquea vyzeral Hopperov realizmus provinčný a zastaraný. Amerika usúdila, že treba dobehnúť Európu, bohatí zberatelia sa začali zaujímať o zámorské umenie a jednorazový predaj domácich diel nerobil rozdiel.

Hopper dlhé roky pracoval ako komerčný ilustrátor. Opustil dokonca aj maľbu a venoval sa leptu, technike v tom čase vhodnejšej na tlač. Nebol v službe, pracoval na čiastočný úväzok s objednávkami časopisov a prežíval všetky útrapy tejto pozície, niekedy dokonca upadal do depresie.

Vo vtedajšom New Yorku však bola patrónka umenia, ktorá sa rozhodla špeciálne zbierať diela amerických umelcov – Gertrude Whitney, dcéra milionára Vanderbilta; mimochodom, ten, s ktorým neúspešne súperil kanibal Ellochka, ktorý vymieňal čajové sitko od Ostapa Bendera za jednu z dvanástich stoličiek.

Nočné tiene.

Následne sa Whitney pokúsila darovať svoju zbierku súčasných amerických umelcov Metropolitnému múzeu umenia, no jeho vedenie tento dar nepovažovalo za hodné. Odmietnutá zberateľka si na odvetu neďaleko založila vlastné múzeum, ktoré je dodnes považované za najlepšie múzeum amerického umenia.

Večerný vietor. Múzeum amerického umenia z roku 1921, New York

Ale to je v budúcnosti. Kým Hopper navštívil Whitney Studio, kde mal v roku 1920 svoju prvú samostatnú výstavu – 16 obrazov. Niektoré jeho lepty zaujali aj verejnosť, najmä „Nočné tiene“ a „Večer večer“. Ale ešte sa nemohol stať umelcom na voľnej nohe a naďalej si zarábal ilustráciou.

Rodina a uznanie

V roku 1923 sa Hopper stretol so svojou budúcou manželkou Josephine. Ich rodina sa ukázala ako silná, ale rodinný život nebol jednoduchý. Jo manželovi zakázala maľovať akty a v prípade potreby si zapózovala. Edward na ňu žiarlil aj kvôli mačke. Všetko zhoršovala jeho málomluvnosť a zachmúrený charakter. „Niekedy bolo rozprávať sa s Eddiem ako hodiť kameň do studne. S jednou výnimkou: nebolo počuť zvuk pádu do vody, “pripustila.

Edward a Joe Hopperovi. 1933

Napriek tomu to bol práve Jo, kto Hopperovi pripomenul možnosti akvarelu a k tejto technike sa vrátil. Čoskoro vystavil šesť diel v Brooklynskom múzeu a jedno z nich múzeum kúpilo za 100 dolárov. Kritici reagovali na výstavu vľúdne a zaznamenali vitalitu a expresívnosť Hopperových akvarelov aj pri tých najskromnejších témach. Táto kombinácia vonkajšej zdržanlivosti a výraznej hĺbky by sa na zvyšok rokov stala známou značkou Hopper.

V roku 1927 Hopper predal obraz „Two in the Auditorium“ za 1 500 dolárov a za tieto peniaze manželia dostali svoje prvé auto. Umelec dostal príležitosť robiť náčrty a vidiecka provinčná Amerika sa na dlhú dobu stala jedným z hlavných motívov jeho maľby.

Dvaja v hľadisku. 1927. Múzeum umenia, Toledo

V roku 1930 sa v živote umelca odohrala ďalšia dôležitá udalosť. Filantrop Stephen Clark daroval svoj obraz „Railway House“ Múzeu moderného umenia v New Yorku a odvtedy tam visí na popredných miestach.

Hopper teda krátko pred päťdesiatkou vstúpil do času uznania. V roku 1931 predal 30 diel, z toho 13 akvarelov. V roku 1932 sa zúčastnil prvej pravidelnej výstavy Whitney Museum a na ďalšej nechýbal až do svojej smrti. V roku 1933 na počesť umelcovho výročia predstavilo Múzeum moderného umenia retrospektívu jeho tvorby.

Ďalších tridsať rokov svojho života Hopper plodne pracoval, napriek zdravotným problémom, ktoré sa objavili v starobe. Jo ho prežila o desať mesiacov a celú rodinnú zbierku odkázala Whitney Museum.

Polnoci. 1942. Inštitút umenia, Chicago

V rokoch zrelosti umelec vytvoril mnoho uznávaných majstrovských diel, ako napríklad „Early Sunday Morning“, „Night Owls“, „Office in New York“, „People in the Sun“. Za tento čas získal množstvo ocenení, precestoval Kanadu a Mexiko, prezentoval sa na viacerých retrospektívnych a samostatných výstavách.

Ochrana dohľadu

Nedá sa povedať, že celé tie roky sa jeho maľba nevyvíjala. Napriek tomu si Hopper našiel svoje obľúbené námety a obrazy skoro, a ak sa niečo zmenilo, tak je to dôveryhodnosť ich stelesnenia.

Ak by niekto mal nájsť krátky vzorec pre Hopperovu prácu, bolo by to „odcudzenie a izolácia“. Kam smerujú jeho postavy? Prečo sú zamrznuté uprostred dňa? Čo im bráni začať dialóg, osloviť jeden druhého, zavolať a odpovedať? Neexistuje žiadna odpoveď a úprimne povedané, neexistujú takmer žiadne otázky, aspoň pre nich. Takí sú, taký je život, toto je svet, ktorý oddeľuje ľudí neviditeľnými bariérami.

Táto neviditeľnosť bariér Hoppera vážne znepokojovala, a preto je na jeho obrazoch toľko okien. Sklo je vizuálne spojenie, ale fyzická bariéra. Jeho hrdinovia a hrdinky, videní z ulice, sa zdajú byť otvorení svetu, no v skutočnosti sú uzavretí, ponorení do seba – pozrite sa na Night Owls alebo The Office v New Yorku. Takáto dualita vedie k dojímavej kombinácii krehkej zraniteľnosti a tvrdohlavej neprístupnosti, ba dokonca nedobytnosti.

Ak sa, naopak, spolu s postavami pozeráme von cez sklo, tak okno opäť klame, len dráždi s možnosťou niečo vidieť. Vonkajší svet je v najlepšom prípade naznačený iba radom stromov alebo budov a v okne často nie je nič viditeľné, ako napríklad vo „Večernom vetre“ alebo v obraze „Automat“.

automat. 1927. Centrum umenia, Des Moines. USA

Vo všeobecnosti sa Hopperove okná a dvere vyznačujú rovnakou kombináciou otvorenosti a uzavretosti ako pre animované postavičky. Mierne pootvorené krídla, kývajúce sa závesy, zatiahnuté žalúzie, pootvorené dvere sa prevaľujú od obrazu k obrazu.

Transparentné je nepreniknuteľné a čo by malo spájať, to rozdeľuje. Preto ten neustály pocit tajomna, podceňovania, neúspešného kontaktu.

Osamelosť medzi ľuďmi, vo veľkom meste, pred všetkými, sa stala prierezovou témou umenia 20. storočia, len tu s Hopperom nie je osamelosť, odkiaľ utekajú, ale kde sú spasení. Blízkosť jeho postáv je pociťovaná ako prirodzená forma sebaobrany, a nie ako rozmar alebo charakterová črta. Svetlo, ktoré sa na nich valí, je bolestne nemilosrdné a sú príliš otvorene vystavené verejnosti a vo svete okolo nich číha nejaký druh ľahostajnej hrozby. Preto je potrebné namiesto vonkajších bariér budovať vnútorné.

Samozrejme, ak sa zničia steny v kancelárii, potom sa zvýši efektivita práce, pretože jeden pred druhým a ešte viac pred šéfom sa ľudia menej rozptyľujú a chatujú. Ale keď sú všetci pod dohľadom, komunikácia sa zastaví a ticho sa stáva jedinou formou obrany. Hrdinovia sú zdržanliví, inštinkty potlačené, vášne zahnané hlboko - civilizovaní, kultivovaní ľudia v ochrannom pancieri vonkajšej slušnosti.

Pozornosť ďalej

Hopperove obrazy veľmi často pôsobia dojmom zastaveného momentu. A to aj napriek tomu, že na samotnom obrázku pohyb nie je vôbec naznačený. Ale je vnímaný ako filmový rám, ktorý práve nahradil predchádzajúci a je pripravený ustúpiť tomu ďalšiemu. Nie je náhoda, že Hoppera tak ocenili americkí filmári, najmä Hitchcock, a hollywoodske štandardy na zarámovanie rámu sa do značnej miery vytvorili s prihliadnutím na jeho vplyv.

Pre umelca bolo prirodzené upriamiť pozornosť diváka ani nie tak na zobrazovaný moment, ako skôr na imaginárne udalosti, ktoré mu predchádzali alebo nasledovali. Táto zručnosť, vzácna v dejinách maliarstva, paradoxne spájala výdobytky impresionizmu so zvýšenou pozornosťou momentu a postimpresionizmu, ktorý chcel plynutie času skomprimovať do momentálneho umeleckého obrazu.

Hopperovi sa naozaj podarilo pevne pripnúť na plátno neuchopiteľný moment bytia a zároveň naznačiť neutíchajúci tok času, ktorý ho vyniesol na povrch a okamžite unášal do temných hlbín minulosti. Ak sa futurizmus pokúsil zobraziť pohyb priamo na malebnej rovine, tak ho Hopper vytrháva z hraníc maľby, no necháva ho v medziach nášho vnímania. Nevidíme to, ale cítime to.

Rovnako tak sa umelcovi darí presmerovať našu pozornosť za obraz, a to nielen v čase, ale aj v priestore. Postavy sa pozerajú niekam von, diaľnica prelietajúca okolo čerpacej stanice tam ťahá oko diváka a na železnici sa oku podarí zachytiť len posledný vagón vlaku. A častejšie tam už nie je, pribehol vlak a my sa za ním nedobrovoľne a neúspešne vyšmykneme očami po koľajniciach.

Toto je Amerika taká, aká je – žiadna túžba po stratených, žiadna oslava pokroku. Ale keby to bola len Amerika, potom by Hopper neprepadol svetovej sláve, rovnako ako ju nezískali mnohí jeho súčasníci s o nič horšou zručnosťou. V skutočnosti sa Hopperovi podarilo dotknúť sa univerzálnych pocitov pomocou národného materiálu. Vydláždil cestu k medzinárodnému uznaniu americkej maľby, hoci ju do vedúcich úloh svetového umenia priviedli povojnoví umelci, ktorých sám Hopper neuznával.

Jeho cesta je jedinečná. V turbulentnom svete pulzujúcich umeleckých hnutí sa mu podarilo nepodľahnúť nikomu vplyvu a kráčať po úzkej ceste medzi romantizmom a sociálnou kritikou, medzi avantgardnou posadnutosťou konceptmi a zámerným naturalizmom precíznosti a hyperrealizmu, pričom zostal verný sám do konca.

Historici umenia Edward Hopper (Edward Hopper) dávajú rôzne mená. „Umelec prázdnych priestorov“, „básnik doby“, „pochmúrny socialistický realista“. Akékoľvek meno si však vyberiete, nemení to podstatu: Hopper je jedným z najjasnejších predstaviteľov americkej maľby, ktorého tvorba nemôže nikoho nechať ľahostajným.

Čerpacia stanica, 1940

Americká kreatívna metóda sa formovala počas Veľkej hospodárskej krízy v Spojených štátoch. Rôzni výskumníci Hopperovho diela majú tendenciu nájsť v jeho dielach ozveny so spisovateľmi Tennessee Williamsom, Theodorom Dreiserom, Robertom Frostom, Jerome Salingerom, s umelcami DeKirkom a Delvauxom, neskôr začínajú vidieť odraz jeho práce vo filmových dielach Davida. Lynch...

Nie je isté, či má niektoré z týchto prirovnaní reálny základ, no jedno je jasné: Edwardovi Hopperovi sa veľmi rafinovane podarilo vykresliť ducha doby, preniesť ho do póz hrdinov, do prázdnych priestorov svojich plátien. , v jedinečnej farebnej schéme.

Toto je označované ako predstavitelia magického realizmu. Vskutku, jeho postavy, prostredie, do ktorého ich umiestňuje, je z každodenného hľadiska úplne jednoduché. Napriek tomu jeho plátna vždy odrážajú nejaký druh podhodnotenia, vždy odrážajú skrytý konflikt, vedú k rôznym interpretáciám. Niekedy to siaha až do absurdity. Napríklad jeho obraz „Nočná konferencia“ vrátil zberateľ predajcovi, pretože v ňom videl skryté komunistické sprisahanie.

Večerné stretnutie, 1949

Hopperov najznámejší obraz je Nočné sovy. Kedysi jeho reprodukcia visela v izbe takmer každého amerického tínedžera. Dej obrázka je mimoriadne jednoduchý: vo výklade nočnej kaviarne sedia traja návštevníci pri barovom pulte, obsluhuje ich barman. Zdalo by sa, že to nie je nič pozoruhodné, ale každý, kto sa pozrie na obraz amerického umelca, takmer fyzicky cíti transcendentný, bolestivý pocit osamelosti človeka vo veľkom meste.

Polnoci, 1942

Hopperov magický realizmus vtedy jeho súčasníci neprijímali. So všeobecným trendom k „zaujímavejším“ metódam - kubizmus, surrealizmus, abstrakcionizmus - sa jeho obrazy zdali nudné a nevýrazné.
"Nikdy nepochopia Hopper povedal, že originalita umelca nie je módna metóda. Toto je podstata jeho osobnosti."

Dnes je jeho tvorba považovaná nielen za míľnik v americkom výtvarnom umení, ale za kolektívny obraz, ducha svojej doby. Jeden z jeho životopiscov raz napísal: "Potomkovia sa o tej dobe dozvedia viac z obrazov Edwarda Hoppera než z akejkoľvek učebnice." A možno má v istom zmysle pravdu.

Existuje taká chytľavá maľba, ktorá diváka okamžite upúta. Neexistuje žiadny zmätok, pohotovosť, všetko sa zdá byť hneď jasné, ako v láske na prvý pohľad. Nie je prekvapujúce, že starostlivé skúmanie, reflexia a empatia môžu takejto láske poškodiť. Dá sa tam za vonkajším leskom nájsť niečo hlboké, pevné? Nie je to skutočnosť.

Vezmite si napríklad to najmódnejšie pre druhých sto rokov impresionizmu. Pravdepodobne pre dnešné masové publikum neexistuje v histórii maľby žiadny populárnejší trend. Ako umelecký smer sa však impresionizmus ukázal ako prekvapivo pominuteľný, keďže vo svojej čistej forme existoval krátkych dvadsať rokov. Jej otcovia zakladatelia nakoniec opustili svoje duchovné dieťa, cítiac vyčerpanie nápadov a metód. Renoir sa vrátil ku klasickým formám Ingres a Monet vykročil vpred k abstrakcionizmu.

Stáva sa aj opak. Maľby sú skromné ​​a nenáročné, motívy obyčajné, techniky tradičné. Tu je dom pri ceste, tu je dievča pri okne, ale vo všeobecnosti banálna čerpacia stanica. Žiadna atmosféra, žiadne svetelné efekty, žiadne romantické vášne. Ak pokrčíte ramenami a pôjdete ďalej, všetko tak zostane. A ak sa zastavíte a pozriete, nájdete priepasť.

Taký je obraz Edwarda Hoppera, jedného z najznámejších amerických umelcov dvadsiateho storočia.

Nevšímajúc si Európu

Hopperova biografia neobsahuje takmer žiadne svetlé udalosti a neočakávané zvraty. Študoval, odišiel do Paríža, pracoval, oženil sa, pokračoval v práci, dostal uznanie... Žiadne vyhadzovanie, škandály, rozvody, alkoholizmus, nehorázne huncútstva – nič „vyprážané“ pre žltú tlač. V tomto je Hopperov životný príbeh podobný jeho obrazom: navonok je všetko jednoduché, až pokojné, no v hĺbke je cítiť dramatické napätie.

Už v detstve objavil schopnosť kresliť, v čom ho rodičia všemožne podporovali. Po škole rok korešpondenčne študoval ilustráciu a potom vstúpil na prestížnu umeleckú školu v New Yorku. Americké zdroje uvádzajú celý zoznam jeho slávnych spolužiakov, no ich mená ruskému publiku takmer nič nehovoria. S výnimkou Rockwella Kenta zostali všetci umelcami národného významu.

V roku 1906 Hopper ukončil štúdium a začal pracovať ako ilustrátor v reklamnej agentúre, no na jeseň odišiel do Európy.

Musím povedať, že cestovanie do Európy bolo pre amerických umelcov takmer povinnou súčasťou profesionálneho vzdelávania. V tom čase hviezda Paríža jasne žiarila a z celého sveta sem ťahali mladých a ambicióznych ľudí, aby sa pripojili k najnovším výdobytkom a trendom vo svetovej maľbe.

Je prekvapujúce, aké odlišné sú dôsledky tohto varenia piva v medzinárodnom kotlíku. Niektorí, ako napríklad Španiel Picasso, sa rýchlo zmenili zo študentov na lídrov a sami sa stali tvorcami trendov v umeleckej móde. Iní vždy zostali imitátormi, akokoľvek talentovanými, ako Mary Cassatt a James Abbot McNeil Whistler. Iní, ako napríklad ruskí umelci, sa vrátili do svojej vlasti, infikovaní a nabití duchom nového umenia, a už doma si vydláždili cestu zo zadných dvorov svetového maliarstva k jeho avantgarde.

Hopper bol zo všetkých najoriginálnejší. Cestoval po Európe, bol v Paríži, Londýne, Amsterdame, vrátil sa do New Yorku, opäť precestoval Paríž a Španielsko, trávil čas v európskych múzeách a stretával sa s európskymi umelcami... Ale okrem krátkodobých vplyvov jeho maľba prezradiť čokoľvek oboznámenie sa s modernými trendmi. Vôbec nič, dokonca aj paletka sa ledva rozžiarila!

Ocenil Rembrandta a Halsa, neskôr El Greca, od časovo blízkych majstrov - Edouarda Maneta a Edgara Degasa, ktorí sa už vtedy stali klasikmi. Pokiaľ ide o Picassa, Hopper celkom vážne tvrdil, že počas pobytu v Paríži nepočul jeho meno.

Je ťažké tomu uveriť, ale faktom zostáva. Postimpresionisti práve pominuli, fauvisti a kubisti už lámali oštepy, na obzore sa črtal futurizmus, maľba sa odtrhla od obrazu viditeľného a zamerala sa na problémy a obmedzenia obrazovej roviny, Picasso a Matisse zažiarili . Ale Hopper, ktorý bol v centre diania, to zrejme nevidel.

A po roku 1910 nikdy neprekročil Atlantik, ani keď jeho obrazy vystavovali v americkom pavilóne prestížneho bienále v Benátkach.

Umelec v práci

V roku 1913 sa Hopper usadil v New Yorku na Washington Square, kde žil a pracoval viac ako päťdesiat rokov – až do konca svojich dní. V tom istom roku predal svoj prvý obraz, vystavený na slávnej Armory Show v New Yorku. Zdalo sa, že kariéra sa začína sľubne a úspech nie je ďaleko.

Nedopadlo to až tak ružovo. Armory Show bola koncipovaná ako prvá výstava súčasného umenia v Spojených štátoch a ako taká mala obrovský úspech. Oči amatérov, kritikov a umelcov odvrátila od realizmu a obrátila ich k avantgarde, hoci sprevádzanej výsmechom a škandálmi. Na pozadí Duchampa, Picassa, Picabia, Brancusiho, Braquea vyzeral Hopperov realizmus provinčný a zastaraný. Amerika usúdila, že treba dobehnúť Európu, bohatí zberatelia sa začali zaujímať o zámorské umenie a jednorazový predaj domácich diel nerobil rozdiel.

Hopper dlhé roky pracoval ako komerčný ilustrátor. Opustil dokonca aj maľbu a venoval sa leptu, technike v tom čase vhodnejšej na tlač. Nebol v službe, pracoval na čiastočný úväzok s objednávkami časopisov a prežíval všetky útrapy tejto pozície, niekedy dokonca upadal do depresie.

Vo vtedajšom New Yorku však bola patrónka umenia, ktorá sa rozhodla špeciálne zbierať diela amerických umelcov – Gertrude Whitney, dcéra milionára Vanderbilta; mimochodom, ten, s ktorým neúspešne súperil kanibal Ellochka, ktorý vymieňal čajové sitko od Ostapa Bendera za jednu z dvanástich stoličiek.

Nočné tiene.

Následne sa Whitney pokúsila darovať svoju zbierku súčasných amerických umelcov Metropolitnému múzeu umenia, no jeho vedenie tento dar nepovažovalo za hodné. Odmietnutá zberateľka si na odvetu neďaleko založila vlastné múzeum, ktoré je dodnes považované za najlepšie múzeum amerického umenia.

Večerný vietor. Múzeum amerického umenia z roku 1921, New York

Ale to je v budúcnosti. Kým Hopper navštívil Whitney Studio, kde mal v roku 1920 svoju prvú samostatnú výstavu – 16 obrazov. Niektoré jeho lepty zaujali aj verejnosť, najmä „Nočné tiene“ a „Večer večer“. Ale ešte sa nemohol stať umelcom na voľnej nohe a naďalej si zarábal ilustráciou.

Rodina a uznanie

V roku 1923 sa Hopper stretol so svojou budúcou manželkou Josephine. Ich rodina sa ukázala ako silná, ale rodinný život nebol jednoduchý. Jo manželovi zakázala maľovať akty a v prípade potreby si zapózovala. Edward na ňu žiarlil aj kvôli mačke. Všetko zhoršovala jeho málomluvnosť a zachmúrený charakter. „Niekedy bolo rozprávať sa s Eddiem ako hodiť kameň do studne. S jednou výnimkou: nebolo počuť zvuk pádu do vody, “pripustila.

Edward a Joe Hopperovi. 1933

Napriek tomu to bol práve Jo, kto Hopperovi pripomenul možnosti akvarelu a k tejto technike sa vrátil. Čoskoro vystavil šesť diel v Brooklynskom múzeu a jedno z nich múzeum kúpilo za 100 dolárov. Kritici reagovali na výstavu vľúdne a zaznamenali vitalitu a expresívnosť Hopperových akvarelov aj pri tých najskromnejších témach. Táto kombinácia vonkajšej zdržanlivosti a výraznej hĺbky by sa na zvyšok rokov stala známou značkou Hopper.

V roku 1927 Hopper predal obraz „Two in the Auditorium“ za 1 500 dolárov a za tieto peniaze manželia dostali svoje prvé auto. Umelec dostal príležitosť robiť náčrty a vidiecka provinčná Amerika sa na dlhú dobu stala jedným z hlavných motívov jeho maľby.

Dvaja v hľadisku. 1927. Múzeum umenia, Toledo

V roku 1930 sa v živote umelca odohrala ďalšia dôležitá udalosť. Filantrop Stephen Clark daroval svoj obraz „Railway House“ Múzeu moderného umenia v New Yorku a odvtedy tam visí na popredných miestach.

Hopper teda krátko pred päťdesiatkou vstúpil do času uznania. V roku 1931 predal 30 diel, z toho 13 akvarelov. V roku 1932 sa zúčastnil prvej pravidelnej výstavy Whitney Museum a na ďalšej nechýbal až do svojej smrti. V roku 1933 na počesť umelcovho výročia predstavilo Múzeum moderného umenia retrospektívu jeho tvorby.

Ďalších tridsať rokov svojho života Hopper plodne pracoval, napriek zdravotným problémom, ktoré sa objavili v starobe. Jo ho prežila o desať mesiacov a celú rodinnú zbierku odkázala Whitney Museum.

Polnoci. 1942. Inštitút umenia, Chicago

V rokoch zrelosti umelec vytvoril mnoho uznávaných majstrovských diel, ako napríklad „Early Sunday Morning“, „Night Owls“, „Office in New York“, „People in the Sun“. Za tento čas získal množstvo ocenení, precestoval Kanadu a Mexiko, prezentoval sa na viacerých retrospektívnych a samostatných výstavách.

Ochrana dohľadu

Nedá sa povedať, že celé tie roky sa jeho maľba nevyvíjala. Napriek tomu si Hopper našiel svoje obľúbené námety a obrazy skoro, a ak sa niečo zmenilo, tak je to dôveryhodnosť ich stelesnenia.

Ak by niekto mal nájsť krátky vzorec pre Hopperovu prácu, bolo by to „odcudzenie a izolácia“. Kam smerujú jeho postavy? Prečo sú zamrznuté uprostred dňa? Čo im bráni začať dialóg, osloviť jeden druhého, zavolať a odpovedať? Neexistuje žiadna odpoveď a úprimne povedané, neexistujú takmer žiadne otázky, aspoň pre nich. Takí sú, taký je život, toto je svet, ktorý oddeľuje ľudí neviditeľnými bariérami.

Táto neviditeľnosť bariér Hoppera vážne znepokojovala, a preto je na jeho obrazoch toľko okien. Sklo je vizuálne spojenie, ale fyzická bariéra. Jeho hrdinovia a hrdinky, videní z ulice, sa zdajú byť otvorení svetu, no v skutočnosti sú uzavretí, ponorení do seba – pozrite sa na Night Owls alebo The Office v New Yorku. Takáto dualita vedie k dojímavej kombinácii krehkej zraniteľnosti a tvrdohlavej neprístupnosti, ba dokonca nedobytnosti.

Ak sa, naopak, spolu s postavami pozeráme von cez sklo, tak okno opäť klame, len dráždi s možnosťou niečo vidieť. Vonkajší svet je v najlepšom prípade naznačený iba radom stromov alebo budov a v okne často nie je nič viditeľné, ako napríklad vo „Večernom vetre“ alebo v obraze „Automat“.

automat. 1927. Centrum umenia, Des Moines. USA

Vo všeobecnosti sa Hopperove okná a dvere vyznačujú rovnakou kombináciou otvorenosti a uzavretosti ako pre animované postavičky. Mierne pootvorené krídla, kývajúce sa závesy, zatiahnuté žalúzie, pootvorené dvere sa prevaľujú od obrazu k obrazu.

Transparentné je nepreniknuteľné a čo by malo spájať, to rozdeľuje. Preto ten neustály pocit tajomna, podceňovania, neúspešného kontaktu.

Osamelosť medzi ľuďmi, vo veľkom meste, pred všetkými, sa stala prierezovou témou umenia 20. storočia, len tu s Hopperom nie je osamelosť, odkiaľ utekajú, ale kde sú spasení. Blízkosť jeho postáv je pociťovaná ako prirodzená forma sebaobrany, a nie ako rozmar alebo charakterová črta. Svetlo, ktoré sa na nich valí, je bolestne nemilosrdné a sú príliš otvorene vystavené verejnosti a vo svete okolo nich číha nejaký druh ľahostajnej hrozby. Preto je potrebné namiesto vonkajších bariér budovať vnútorné.

Samozrejme, ak sa zničia steny v kancelárii, potom sa zvýši efektivita práce, pretože jeden pred druhým a ešte viac pred šéfom sa ľudia menej rozptyľujú a chatujú. Ale keď sú všetci pod dohľadom, komunikácia sa zastaví a ticho sa stáva jedinou formou obrany. Hrdinovia sú zdržanliví, inštinkty potlačené, vášne zahnané hlboko - civilizovaní, kultivovaní ľudia v ochrannom pancieri vonkajšej slušnosti.

Pozornosť ďalej

Hopperove obrazy veľmi často pôsobia dojmom zastaveného momentu. A to aj napriek tomu, že na samotnom obrázku pohyb nie je vôbec naznačený. Ale je vnímaný ako filmový rám, ktorý práve nahradil predchádzajúci a je pripravený ustúpiť tomu ďalšiemu. Nie je náhoda, že Hoppera tak ocenili americkí filmári, najmä Hitchcock, a hollywoodske štandardy na zarámovanie rámu sa do značnej miery vytvorili s prihliadnutím na jeho vplyv.

Pre umelca bolo prirodzené upriamiť pozornosť diváka ani nie tak na zobrazovaný moment, ako skôr na imaginárne udalosti, ktoré mu predchádzali alebo nasledovali. Táto zručnosť, vzácna v dejinách maliarstva, paradoxne spájala výdobytky impresionizmu so zvýšenou pozornosťou momentu a postimpresionizmu, ktorý chcel plynutie času skomprimovať do momentálneho umeleckého obrazu.

Hopperovi sa naozaj podarilo pevne pripnúť na plátno neuchopiteľný moment bytia a zároveň naznačiť neutíchajúci tok času, ktorý ho vyniesol na povrch a okamžite unášal do temných hlbín minulosti. Ak sa futurizmus pokúsil zobraziť pohyb priamo na malebnej rovine, tak ho Hopper vytrháva z hraníc maľby, no necháva ho v medziach nášho vnímania. Nevidíme to, ale cítime to.

Rovnako tak sa umelcovi darí presmerovať našu pozornosť za obraz, a to nielen v čase, ale aj v priestore. Postavy sa pozerajú niekam von, diaľnica prelietajúca okolo čerpacej stanice tam ťahá oko diváka a na železnici sa oku podarí zachytiť len posledný vagón vlaku. A častejšie tam už nie je, pribehol vlak a my sa za ním nedobrovoľne a neúspešne vyšmykneme očami po koľajniciach.

Toto je Amerika taká, aká je – žiadna túžba po stratených, žiadna oslava pokroku. Ale keby to bola len Amerika, potom by Hopper neprepadol svetovej sláve, rovnako ako ju nezískali mnohí jeho súčasníci s o nič horšou zručnosťou. V skutočnosti sa Hopperovi podarilo dotknúť sa univerzálnych pocitov pomocou národného materiálu. Vydláždil cestu k medzinárodnému uznaniu americkej maľby, hoci ju do vedúcich úloh svetového umenia priviedli povojnoví umelci, ktorých sám Hopper neuznával.

Jeho cesta je jedinečná. V turbulentnom svete pulzujúcich umeleckých hnutí sa mu podarilo nepodľahnúť nikomu vplyvu a kráčať po úzkej ceste medzi romantizmom a sociálnou kritikou, medzi avantgardnou posadnutosťou konceptmi a zámerným naturalizmom precíznosti a hyperrealizmu, pričom zostal verný sám do konca.

Hopper, Edward (1882 - 1967)

Hopper, Edward

Edward Hopper sa narodil 22. júla 1882. Bol druhým dieťaťom Garreta Henryho Hoppera a Elizabeth Griffith Smithovej. Po sobáši sa mladý pár usadí v Nyacku, malom, no prosperujúcom prístave neďaleko New Yorku, neďaleko Alžbetinej ovdovenej matky. Tam bude baptistický pár Hoppers vychovávať svoje deti: Marion, narodenú v roku 1880, a Edwarda. Buď kvôli prirodzenému sklonu charakteru, alebo kvôli prísnej výchove vyrastie Edward tichý a uzavretý. Vždy, keď to bude možné, uprednostní odchod do dôchodku.

Detstvo umelca

Rodičia a najmä matka sa snažili poskytnúť svojim deťom dobré vzdelanie. Elizabeth sa snaží rozvíjať tvorivé schopnosti svojich detí a ponorí ich do sveta kníh, divadla a umenia. S jeho pomocou sa organizovali divadelné predstavenia a kultúrne besedy. Brat a sestra trávili veľa času čítaním v otcovej knižnici. Edward sa zoznamuje s dielami amerických klasikov, číta v prekladoch ruských a francúzskych spisovateľov.

Mladý Hopper sa veľmi skoro začal zaujímať o maľovanie a kreslenie. Vzdelával sa kopírovaním ilustrácií Phila Maya a francúzskeho kresliara Gustava Dorého (1832-1883). Edward bude autorom prvých samostatných diel vo veku desiatich rokov.

Z okien svojho rodného domu, ktorý sa nachádza na kopci, chlapec obdivuje lode a plachetnice plávajúce v Hudsonovom zálive. Prímorská krajina mu zostane zdrojom inšpirácie do konca života – umelec nikdy nezabudne na pohľad na východné pobrežie USA, často sa k nemu vo svojich dielach vracia. V pätnástich si vlastnými rukami zostrojí plachetnicu zo súčiastok, ktoré mu poskytol otec.

Po štúdiu na súkromnej škole Edward vstúpil na strednú školu Nyack, ktorú ukončil v roku 1899. Hopper má sedemnásť rokov a má jednu horúcu túžbu - stať sa umelcom. Jeho rozhodnutie dokonca teší aj rodičov, ktorí vždy podporovali tvorivé úsilie svojho syna. Odporúčajú začať s grafikou, alebo ešte lepšie s kresbou. Podľa ich rady sa Hopper najprv zapísal na korešpondenčnú školu ilustrácií v New Yorku, aby sa vyučil za ilustrátora. Potom v roku 1900 vstúpil na New York School of Art, ktorá sa ľudovo nazývala Chase School, kde študoval až do roku 1906. Jeho učiteľom tam bude profesor Robert Henry (1865-1929), maliar, v ktorého tvorbe dominovali portréty. Edward bol usilovný študent. Vďaka svojmu talentu získal množstvo štipendií a ocenení. V roku 1904 kniha The Sketch publikovala článok o činnosti Chase School. Text bol ilustrovaný Hopperovou prácou zobrazujúcou modelku. Umelec si však bude musieť ešte veľa rokov počkať, kým okúsi úspech a slávu.

Neodolateľné čaro Paríža

V roku 1906, po ukončení školy, Hopper dostal prácu v reklamnej agentúre C.C. Philips and Company. Táto lukratívna pozícia neuspokojuje jeho tvorivé ambície, ale umožňuje mu živiť sa. V októbri toho istého roku sa umelec na radu svojho učiteľa rozhodne navštíviť Paríž. Robert Henri, veľký obdivovateľ Degasa, Maneta, Rembrandta a Goyu, posiela Hoppera do Európy, aby obohatil svoju zásobu dojmov a podrobne sa zoznámil s európskym umením.

Hopper zostal v Paríži do augusta 1907. Okamžite prepožičiava kúzlu francúzskej metropoly. Umelec neskôr napísal: "Paríž je krásne, elegantné mesto a v porovnaní s hrozne hlučným New Yorkom až príliš slušné a pokojné." Edward Hopper má dvadsať rokov a vo vzdelávaní pokračuje na európskom kontinente navštevovaním múzeí, galérií a umeleckých salónov. Pred návratom do New Yorku 21. augusta 1907 podnikne niekoľko plavieb po Európe. Najprv umelec prichádza do Londýna, ktorý si pamätá ako mesto „smutné a smutné“; tam sa zoznamuje s dielami Turnera v Národnej galérii. Potom Hopper odchádza do Amsterdamu a Harlemu, kde so vzrušením objavuje Vermeera, Halsa a Rembrandta. Na záver navštívi Berlín a Brusel.

Po návrate do rodného mesta Hopper opäť pracuje ako ilustrátor a o rok neskôr odchádza do Paríža. Tentoraz mu prináša nekonečné potešenie z práce pod holým nebom. Po stopách impresionistov maľuje brehy Seiny v Charentone a Saint-Cloud. Zlé počasie zakorenené vo Francúzsku prinúti Hoppera ukončiť svoju cestu. Vrátil sa do New Yorku, kde v auguste 1909 prvýkrát vystavoval svoje obrazy v rámci výstavy nezávislých umelcov organizovanej za asistencie Johna Sloana (1871-1951) a Roberta Henryho. Hopper, inšpirovaný svojimi tvorivými úspechmi, navštívil Európu naposledy v roku 1910. Umelec strávi niekoľko májových týždňov v Paríži, potom odíde do Madridu. Tam naňho zapôsobí viac korida ako španielski umelci, o ktorých sa neskôr nezmieni ani slovo. Pred návratom do New Yorku zostáva Hopper v Tolede, ktoré opisuje ako „nádherné staré mesto“. Umelec už nikdy nepríde do Európy, no tieto cesty naňho ešte dlho zapôsobia a neskôr priznáva: „Po tomto návrate sa mi všetko zdalo príliš obyčajné a hrozné.“

Ťažký štart

Návrat do americkej reality je ťažký. Hopperovi zúfalo chýbajú financie. Potláčajúc svoju nechuť k práci ilustrátora, núteného zarábať si na živobytie, umelec sa k nej opäť vracia. Pracuje v reklame a pre periodiká ako Sandy Megezine, Metropolitan Megezine a System: Megezine of Business. Hopper však venuje maľovaniu každú voľnú minútu. „Nikdy som nechcel pracovať viac ako tri dni v týždni,“ povedal neskôr. "Ušetril som čas na svoju kreativitu, ilustrovanie ma deprimovalo."

Hopper zotrváva v maľovaní, ktoré je stále jeho skutočnou vášňou. Úspech však nikdy nepríde. V roku 1912 umelec prezentuje svoje parížske maľby na kolektívnej výstave v McDowell Clube v New Yorku (odteraz tu bude vystavovať pravidelne, až do roku 1918). Hopper trávi prázdniny v Gloucesteri, malom mestečku na pobreží Massachusetts. V spoločnosti svojho priateľa Leona Krolla sa vracia do spomienok z detstva, kreslí more a lode, ktoré ho vždy očaria.

V roku 1913 začína umelcovo úsilie konečne prinášať ovocie. Hopper, ktorý ho pozvala Národná volebná komisia, aby sa zúčastnil februárovej výstavy New York Armory Show, predáva svoj prvý obraz. Eufória z úspechu rýchlo vyprchá, keďže tento predaj nebudú nasledovať ďalšie. V decembri sa umelec usadí na 3 Washington Square North v New Yorku, kde bude žiť viac ako pol storočia až do svojej smrti.

Nasledujúce roky boli pre umelca veľmi ťažké. Z príjmov z predaja obrazov sa mu nedarí vyžiť. Preto Hopper pokračoval v praktizovaní ilustrácie, často za mizerný plat. V roku 1915 Hopper vystavil dve zo svojich plátien, vrátane Modrého večera, v klube McDowell a kritici si ho konečne všimli. Na svoju osobnú výstavu, ktorá sa bude konať v klube Whitney Studio, si však počká do februára 1920. V tom čase mal Hopper tridsaťsedem rokov.

Povzbudený úspechom v oblasti maľby, umelec experimentuje s inými technikami. Jeden z jeho leptov dostane v roku 1923 mnoho rôznych cien. Hopper si vyskúša aj akvarel.

Umelec trávi leto v Gloucestri, kde neprestáva maľovať krajinu a architektúru. Pracuje na veľkom vzostupe, poháňa ho láska. Josephine Versteel Nivison, s ktorou sa umelec prvýkrát stretol na Akadémii výtvarných umení v New Yorku, trávi prázdniny v rovnakom regióne a získava si srdce umelca.

Konečne uznanie!

Josephine, ktorá pochybuje o Hopperovom veľkom talente, ho inšpiruje k účasti na výstave v Brooklynskom múzeu. Akvarely, ktoré tam umelec zobrazuje, mu prinášajú značný úspech a Hopper sa teší z rastúceho uznania. Ich románik s Joeom sa vyvíja, objavujú čoraz viac spoločných vecí. Obaja milujú divadlo, poéziu, cestovanie a Európu. Hopper sa v tomto období vyznačuje jednoducho neukojiteľnou zvedavosťou. Miluje americkú a zahraničnú literatúru a Goetheho básne vie dokonca recitovať naspamäť v pôvodnom jazyku. Niekedy píše svoje listy svojej milovanej Jo vo francúzštine. Hopper je veľkým znalcom kinematografie, najmä čiernej a bielej americkej kinematografie, ktorej vplyv je na jeho tvorbe zreteľne vidieť. Fascinovaná týmto tichým a pokojným mužom s pekným vzhľadom a inteligentnými očami, energický a plný života Jo sa 9. júla 1924 vydáva za Edwarda Hoppera. Svadba sa konala v evanjelickom kostole v Greenwich Village.

Rok 1924 je pre umelca rokom úspechu. Po svadbe šťastný Hopper vystavuje akvarely vo Frank Ren Gallery. Všetky diela boli vypredané hneď od výstavy. Hopper, ktorý čakal na uznanie, je konečne schopný opustiť prácu ilustrátora, ktorá mu zaťala zuby, a venovať sa svojej obľúbenej práci.

Hopper sa rýchlo stáva „módnym“ umelcom. Teraz môže „platiť účty“. Zvolen za člena Národnej akadémie dizajnu odmieta tento titul prijať, keďže v minulosti akadémia jeho prácu neakceptovala. Umelec nezabúda na tých, ktorí ho urazili, rovnako ako s vďakou spomína na tých, ktorí mu pomáhali a dôverovali mu. Hopper bude celý život „verný“ Frankovi Renovi Gelerymu a Whitney Museum, ktorému odkáže svoje diela.

Roky uznania a slávy

Po roku 1925 sa Hopperov život stabilizoval. Umelec žije v New Yorku a každé leto trávi na pobreží Nového Anglicka. Začiatkom novembra 1933 usporiadalo Múzeum moderného umenia v New Yorku prvú retrospektívnu výstavu jeho diel. Nasledujúci rok si Hopperovci postavia dielňu v Truro Sauce, kde budú tráviť prázdniny. Umelec žartom nazýva dom „kurník“.

Pripútanosť manželov k tomuto domu im však nebráni v cestovaní. Keď Hopperovi chýba kreatívna inšpirácia, dvojica sa vydáva do sveta. V rokoch 1943-1955 teda päťkrát navštívia Mexiko a dlhý čas strávia aj cestovaním po Spojených štátoch. V roku 1941 prešli cez polovicu Ameriky, navštívili Colorado, Utah, Nevadskú púšť, Kaliforniu a Wyoming.

Edward a Joe žijú príkladne a v dokonalej harmónii medzi sebou, no akási rivalita vrhá tieň na ich zväzok. Jo, ktorá bola tiež umelkyňou, ticho trpí v tieni slávy svojho manžela. Od začiatku tridsiatych rokov sa Edward stal svetoznámym umelcom; počet jeho výstav rastie a neobchádzajú ho ani početné ocenenia a ceny. Hopper bol zvolený do Národného inštitútu umenia a literatúry v roku 1945. Táto inštitúcia mu v roku 1955 udeľuje zlatú medailu za zásluhy v oblasti maliarstva. Druhá retrospektíva Hopperových obrazov sa koná vo Whitney Museum of American Art v roku 1950 (toto múzeum bude umelca hostiť ešte dvakrát: v rokoch 1964 a 1970). V roku 1952 bol Hopper a traja ďalší umelci vybraní, aby reprezentovali Spojené štáty na bienále v Benátkach. V roku 1953 sa Hopper spolu s ďalšími umelcami - predstaviteľmi figuratívnej maľby podieľa na úprave recenzie "Reality". Pri tejto príležitosti protestuje proti dominancii abstraktných umelcov v stenách Whitney Museum.

V roku 1964 Hopper začína ochorieť. Umelec má osemdesiatdva rokov. Napriek ťažkostiam, s ktorými sa mu maľba dostáva, v roku 1965 vytvára dve, ktoré sa stali poslednými, dielami. Tieto obrázky boli namaľované na pamiatku sestry, ktorá tento rok zomrela. Edward Hopper umiera 15. mája 1967 vo veku osemdesiatpäť rokov vo svojom ateliéri na Washington Square. Krátko predtým získal medzinárodné uznanie ako predstaviteľ americkej maľby na Bienále v Sao Paule. Prenos celého tvorivého dedičstva Edwarda Hoppera do Whitney Museum, kde dnes môžete vidieť väčšinu jeho diel, urobí umelcova manželka Jo, ktorá opustí tento svet rok po ňom.