Olga SKURATOV,
profesor en la escuela número 199, Moscú

Boris Mikhailovich Nemensky - artista y guerrero

Boris Mikhailovich Nemensky - Artista del Pueblo de Rusia, participante en la Gran Guerra Patria, miembro correspondiente de la Academia Rusa de las Artes, miembro de pleno derecho de la Academia Rusa de Educación, jefe del departamento de artes plásticas y pedagogía artística, profesor, laureado de Estado Premios y Premios del Presidente de la Federación Rusa, creador de un sistema innovador de educación artística general, Comendador de la Orden "Defensor de la Justicia" por su gran contribución a las actividades educativas, educativas y culturales en beneficio de Rusia, otorgado por el Consejo de las Naciones Unidas sobre Premios Públicos.

Las obras de B. M. Nemensky se encuentran en la Galería Estatal Tretyakov, el Museo Ruso, así como en otros museos rusos y extranjeros, adornan colecciones privadas en Alemania, Inglaterra, Francia, Japón.

Primeros pasos

Boris Mikhailovich Nemensky nació el 24 de diciembre de 1922 en Moscú. Su madre, Vera Semyonovna, era dentista y su padre, Mikhail Ilyich, era un financiero que trabajó durante mucho tiempo en el Consejo de Comisarios del Pueblo después de la revolución. Estas personas destacadas trajeron una fusión asombrosa de dos culturas a la vida de su hijo: el pueblo ruso llegó a través de la madre, la hija de un sacerdote del pueblo, la ciudad raznochinnaya a través del padre, un joven de Presnya. Fue en la familia donde se inició el complejo proceso de formación de la personalidad del artista.

Toda la vida de Boris Nemensky está relacionada con Moscú. En Sretenka, en el corazón de la capital, pasó su infancia. Aquí se dieron los primeros pasos en el mundo del arte en el estudio del Palacio de los Pioneros, dirigidos por un joven artista y maestro talentoso A.M. Mijailov. El entusiasmo de esta persona, su entusiasmo por presentar a los estudiantes del estudio la creatividad fueron geniales: reuniones y conversaciones con artistas famosos, la primera exposición de obras en la Galería Tretyakov y mucho más dejaron una marca indeleble en las almas de los chicos, influyeron en el elección adicional del camino de la vida. Los padres de Boris Mikhailovich con cuidado, aunque con cierta ansiedad, siguieron la pasión de su hijo. Después de algunas dudas sobre la corrección del camino elegido, al reunirse con K. Yuon, el padre aconsejó a su hijo que fuera a la escuela de arte en memoria de 1905. En 1940, Boris Nemensky fue admitido inmediatamente al tercer año.

Frente

Todos los planes para una vida pacífica fueron destruidos por la guerra. El joven artista se vio obligado a graduarse de la Escuela de Arte ya en evacuación en Saratov, en 1942. Pero el joven no aprovechó la dirección para continuar sus estudios en el Instituto Surikov, evacuado a Asia Central, regresó a su ciudad natal. En Moscú, el soldado Nemensky fue designado para servir en el Estudio de Artistas Militares que lleva el nombre de M.B. Grekov. Los artistas de este estudio fueron al frente, hicieron bocetos de la naturaleza en los campos de batalla en medio de la guerra. Ni una sola operación militar significativa estuvo completa sin la participación de artistas de estudio. Sus bocetos, bocetos, pinturas participaron en exposiciones itinerantes dispuestas en las tropas. La mayoría de estas obras no se han conservado, mientras que los sobrevivientes se encuentran en museos rusos y colecciones privadas.

Los primeros meses de servicio en el estudio de Grekov no fueron fáciles para el joven. Después de todo, el arte es su propio juicio sobre la vida, y él aún no conocía esta misma vida. Es difícil comenzar a trabajar, realmente probarse a sí mismo, juzgando el frente solo por las historias y los trabajos de los camaradas principales. El joven artista no tuvo éxito en absoluto, a menudo fue llamado a la "alfombra" por las autoridades, incluso surgió la cuestión de ser expulsado del estudio.

El primer viaje de negocios cayó en la víspera de 1943 al Frente Kalinin en la región de Velikiye Luki. El maximalismo juvenil llamó a la línea del frente, al lugar donde rugían las batallas, donde, al parecer, se estaba haciendo “lo real”. De este viaje, Boris Mikhailovich trajo bocetos y bocetos, pero, según el propio autor, se perdieron entre las obras de los trabajadores de estudio más experimentados. Sin embargo, la abundancia de impresiones, el trabajo constante de la naturaleza, la capacidad de aprender de los camaradas mayores hicieron su trabajo: los estudios y los dibujos se volvieron cada vez más serios, más competentes.

Muchos años después, el artista B.M. Nemensky lamentará que, detrás del "exotismo" militar de los ataques y las batallas, al principio no pudo ver lo principal: un soldado, un hombre simple con un abrigo, que decidió el destino de la victoria, su mundo interior, sentimientos, pensamientos. . Y es precisamente este principal con cada viaje posterior al frente lo que llenará cada vez más profundamente el pensamiento y el corazón del artista, y luego será uno de los temas más importantes de su obra. Es el frente que se convertirá en una "escuela de vida y arte" para el maestro, ayudando a comprender mejor a las personas y a sí mismo, para dar nuevos pasos audaces en la profesión.

De vez en cuando, los artistas regresaban de las unidades regulares al cuartel general de primera línea, la Casa de Oficiales de Moninsky, cerca de Moscú, para entregar obras terminadas e intercambiar experiencias. Durante estas semanas, el joven artista está probando la pintura de caballete, buscando un estilo propio, trabajando en la idea. La idea de la primera imagen (el momento en que los camilleros cargan al piloto herido) y su implementación tomó alrededor de un mes. Ya después de la guerra, Boris Mikhailovich recordará que el deseo de hacer "todo está bien" en la solución compositiva y pictórica, la "verdad del hecho", dictada por los requisitos de la guerra, eclipsó la "capacidad de contenido".

Junto a su amigo Mikhail Gavrilov, Nemensky hace un nuevo intento: nace la idea de pintar un lienzo sobre la deportación del pueblo soviético a Alemania. Pero al final, los coautores abandonaron el trabajo y se dieron cuenta de que la imagen resulta poco interesante e inexpresiva. Nació una trama nueva y más familiar: "Regresar a sus lugares de origen". La alegría de la creatividad y la amargura de la decepción visitarán a Boris Nemensky más de una vez. Durante este período, comienza a darse cuenta de que hay poco conocimiento y comprensión en el arte, se necesita algo más: las propias experiencias, el dolor y la alegría personales.

Muchos años después, esta ley se convertirá en la principal del nuevo sistema de educación estética que B.M. Nemensky. “No se puede tomar prestado ni un gramo de sentimiento: después de todo, cada imagen es una confesión. La autenticidad de los sentimientos debe vivir en él, de lo contrario el frío se asentará, en el mejor de los casos, solo una delicadeza de profesionalismo, fuegos artificiales.

Primavera de la victoria

Toda la situación de primera línea y el estado de ánimo interior de los participantes en los hechos exigían verdad y persuasión, lo que imponía una responsabilidad especial al artista militar, cuya obra era demandada y comprendida en un momento duro, cuando, al parecer, la Las musas deberían haber estado en silencio. "Recuerdo que una vez me senté todo el día en una silla profunda y suave, de pie justo en medio de una de las calles que conducen al centro de Berlín. Hubo una pelea en el cruce de caminos... Ambos lados de la calle, como dos largas fumarolas volcánicas formaban una tienda impenetrable y zumbante sobre el fuego y el humo. Y por la calle caminaban de un lado a otro, corrían soldados con cartuchos, llevándose heridos, moviendo equipos. A medida que avanzábamos y las casas se derrumbaban en llamas, los combatientes arrastraban mi silla más y más lejos. “Aquí, aquí, vamos, soldado, dibuje cómo se está incendiando la guarida de Hitler, ¡así es como lo necesitan!” (1-6)

(1)

(2)

(3)

(4)

(5)

(6)

8 de mayo de 1945: el final de la guerra ... Regocijo, en todas partes, grupos de soldados soviéticos celebrando la tan esperada victoria, fuegos artificiales de ametralladoras ... Y en la Puerta de Brandenburgo, subiendo las escaleras de asalto, un artista en un soldado. El abrigo se sienta y dibuja una ciudad aún humeante en algunos lugares, tratando de atrapar y plasmar en color una sensación asombrosa de alegría dolorosa por la victoria. Desafortunadamente, es este boceto el que no se ha conservado, pero los últimos trabajos de primera línea realizados en abril-mayo de 1945 se almacenan en el taller de Boris Mikhailovich. (7-8) Sienten cierta confusión, como después del final de una gran hazaña, cuando llega el ansiado momento de calma. La severidad de la victoria se mezcla con un sentimiento brillante de expectativa de una nueva vida alegre, “cuando el soplo de la primavera se convirtió no solo en primavera, sino en el soplo de vida pacífica que superó la guerra, cuando parecía inconscientemente que inmediatamente después de la guerra todo en la tierra sería tan bueno como nunca antes”.

(7)

(8)

El victorioso 1945 será también el año de la primera victoria creativa de Boris Nemensky. La pintura "Madre" (9), pintada por un joven de veintidós años, no solo atraerá la atención de inmediato, sino que se convertirá en el comienzo de la formación del método creativo del artista y ocupará un lugar especial en el historia de la pintura rusa.

Madre . (1945 )

(9)

Esta imagen de inmediato no dejó indiferente a nadie, ni a los críticos ni a los espectadores, derrochando nostalgia, callada ternura por la madre y los hijos separados por la guerra. Un motivo común para esa época: soldados durmiendo en el suelo en una choza de campesinos. Pero sonaba de una forma nueva bajo el pincel de un joven artista. El deseo de pintar un cuadro sobre las mujeres rusas ordinarias, que conocieron maternalmente a los soldados en cada pueblo, en cada ciudad, el deseo de escribir sobre su madre, quien también rodeó el cuidado de los artistas griegos en su departamento de Moscú antes o después de los viajes al frente. , resultó en una expresión de gratitud a las mujeres-madres, "gran gratitud a las mujeres rusas comunes que nos calentaron con afecto maternal, mujeres cuyo dolor y cuyos servicios a la Patria no pueden medirse ni recompensarse". No es casualidad que en la imagen de un joven soldado, cuidadosamente cubierto con un cálido pañuelo, se adivinen los rasgos del autor. Exhibida en la Exposición de toda la Unión, la pintura se hizo famosa de inmediato y fue adquirida por la Galería Tretyakov.

Las obras de B. M. Nemensky son pinturas-meditaciones llenas de contenido polifónico. El proceso de su creación siempre es largo, pero esto no significa que el lienzo en sí esté pintado durante mucho tiempo, su artista solo se esfuerza por "escribir rápidamente, de una vez". Es el proceso que es complejo ya veces doloroso - desde el nacimiento de una idea hasta su maduración: numerosos bocetos, bocetos, bocetos, dudas.

Nemensky desarrolla gradualmente su propio estilo de trabajo en el trabajo. Un método creativo especial del artista comienza a tomar forma. En busca de una composición, no corrige lienzos antiguos, sino que escribe nuevos, lo que “acelera el proceso de trabajo, le da una ligereza de inmediatez”. Si al principio el artista destruyó los lienzos viejos, con el tiempo llegó a la conclusión de que son útiles para comparar en el proceso de trabajo.

Instituto Surikov

Después del final de la guerra, ya siendo miembro de la Unión de Artistas de la URSS, Boris Mikhailovich continuó su educación y se convirtió en estudiante en el Instituto de Arte de Moscú que lleva el nombre de V.I. Surikov. Inesperadamente, con el inicio de los estudios, comenzaron las dificultades. En la primera visualización, se le dijo al estudiante Boris Nemensky que su camino estaba equivocado, que era necesario "olvidar todo y aprender de nuevo". Las contradicciones entre las reglas de trabajo propuestas y los sentimientos internos del artista fueron claramente delineadas.

En el tercer año, los bocetos de la nueva composición propuesta por Nemensky una vez más no recibieron aprobación. Pero la posición interna que ya se ha formado, confiar más en uno mismo, en los propios sentimientos y en la experiencia en el trabajo, le da al joven artista la fuerza para comenzar a trabajar pase lo que pase. Y solo seis meses después, el estudiante B. Nemensky recibirá el Premio Estatal por la pintura "Sobre lo lejano y lo cercano".

Acerca de lejos y cerca (1950)

(10)

El material para la imagen fueron las impresiones y experiencias del primer viaje de negocios de un estudiante griego a fines de 1942 a la unidad activa, que ocupó una cabeza de puente que atravesaba profundamente las posiciones enemigas. El correo de campo se entregó rara e irregularmente a este sector del frente. En tales condiciones, las cartas, que los soldados leían en voz alta y muchas veces, adquirían un valor especial. El trabajo en este lienzo reveló el talento de un artista que no solo ama, sino que sabe desentrañar el rostro humano. El conocido crítico de arte N.A. Dmitrieva señala la calidad especial de este trabajo: "la habilidad de una escritura delicada y cuidadosa, la capacidad de esculpir y trabajar rostros en pequeña escala, transmitiendo ... las sombras de un sentimiento oculto".

El boceto propuesto por el artista para su tesis también fue rechazado por la composición "elemental". Esta obra lírica sobre una hermana de la misericordia, llena de poesía, será escrita después de la graduación.

masha (1956)

La imagen de la hermana del hospital de campaña, casi una niña, se ha convertido en la favorita de muchos espectadores. La imagen cautiva con amabilidad, sinceridad y una ligera nota de tristeza, "vive la imagen de un cuento de hadas, contada a su manera, como un soldado, con la verdad, sin arte, con sinceridad" (L.A. Nemenskaya). En la doble iluminación de la ventana de la mañana fría y la lámpara de mesa, la figura de la niña parece muy conmovedora. Su mirada se dirige a algún lugar hacia adentro, enfocada en algunos recuerdos o sueños sutiles y esquivos. El autor supo transmitir un estado asombroso “entre el sueño y la realidad, entre la realidad y el sueño”. La búsqueda creativa fue larga, se escribieron muchas caras. Y como resultado, apareció una imagen tan penetrante que muchos soldados que pasaron por la guerra aseguraron que era la enfermera que los salvó la que estaba representada en la imagen.

Pasado presente Futuro

Todas las primeras pinturas de Boris Mikhailovich Nemensky sobre un tema militar tenían un destinatario específico: personas que pasaron por el crisol de la Gran Guerra Patriótica. Los sentimientos y recuerdos del artista se fusionaron con las impresiones de la vida del público, saliendo sobre el eterno tema del amor del soldado por su patria, se trataba de obras “no sobre cómo luchó, sino sobre por qué luchó, adónde llevó su fuerza espiritual."

Pero pasó el tiempo, la Gran Guerra Patria poco a poco empezó a pasar a la historia, creció un nuevo espectador que ya no la recordaba. Sin embargo, en los años 50. el tema de la guerra se asoció no solo con el pasado, sino también con el futuro, entrelazándose con los problemas políticos de la época. Para el artista, el replanteamiento del papel del tema militar en el arte comenzó con una discusión sobre, al parecer, una de las pinturas más líricas sobre la guerra: "El aliento de la primavera".

Aliento de primavera.

Como todas las obras del maestro, la trama de la imagen es autobiográfica. De un diario fechado el 15 de mayo de 1944 del Frente Ucraniano:

"¡Los jardines están floreciendo! Y en el bosque donde paramos, un alboroto increíble de pájaros, especialmente al amanecer... Y flores, una especie de flores de color azul pálido sobre un suelo gris, todavía cubierto con el follaje del año pasado. A los chicos nos encantaba levantarnos antes que los demás y escuchar y ver esta música. Aún así, es extraño: ¿es realmente necesario convertirse en soldado para ver y comprender toda esta belleza nativa? »

¿Quién podría haber sabido que este tema no solo cautivaría al artista, sino que, habiéndose convertido en angustia y alegría espirituales, sería el tema de la imagen después de la guerra?

El frágil mundo de la naturaleza primaveral que despierta se abre a un joven luchador que escucha con sensibilidad el silencio de la mañana, en el momento del respiro entre peleas: abedules que fluyen en la niebla, gotas de sauce, pelusas de aliso dorado... La alegría de tal descubrimiento se mezcla con la ansiedad. Según las memorias de B. Nemensky, fue en esos momentos en el frente cuando los niños soldados adquirieron un nuevo sentido de patria y la responsabilidad personal por su destino se hizo más fuerte.

Pero fue precisamente esta profundidad y humanidad de la imagen lo que provocó serios ataques por parte de los críticos, el artista fue acusado de falta de patriotismo y debilidad del concepto ideológico, de "entusiasmo excesivo" por las experiencias internas de sus personajes. El público se puso en pie para defender al artista, tocado hasta la médula por una imagen que salía del corazón. Llenaron libros de visitas, participaron en debates durante exposiciones y escribieron cartas a los periódicos. “Revela el alma de un soldado”, decían algunos. "Muchas pinturas representan lo que está en la superficie, pero es necesario representar lo que está dentro ... Nemensky creó una imagen profunda de una persona soviética, una imagen tomada de la vida ..." - recogieron otros. (once)

(11)

La tierra está quemada. (1957)

Este cuadro es el comienzo de una nueva etapa en la obra del artista (12). No solo lleva al espectador de vuelta a los eventos de la guerra pasada, sino que te hace pensar si esto volverá a suceder. El artista comienza a pensar en imágenes generalizadas a gran escala, lo que lleva a sus espectadores a problemas universales atemporales.

(12)

Picada por explosiones, tallada por orugas, la tierra incinerada es un héroe de pleno derecho de esta imagen. El color del grito enfatiza todo el dramatismo de los acontecimientos, no es tanto el color de la tierra como el color de la trágica experiencia. “Este lienzo, muy probablemente, trata sobre una tierra creada para la tierra cultivable, la alegría y el trabajo, sobre una guerra que la convierte en una semejanza infernal de un planeta extraño, muerto e inhabitable, en una zona desértica”, escribe el autor. Las personas ni siquiera se notan de inmediato en la ruptura de la trinchera. El artista busca transmitir al público el sentimiento de fatiga de estos soldados y mostrar su resiliencia pase lo que pase. En el corazón de este soldado vive un anhelo incontrolable por el mundo, por el trabajo, por la patria, vive todo lo que da fuerzas para soportar y aguantar. La imagen de un guerrero campesino sosteniendo en la palma de su mano algunos granos sobrevivientes en el fondo de la trinchera, según N.A. Dmitrieva, "uno de los mayores logros de Nemensky y quizás una de las imágenes humanas más poderosas de la pintura soviética".

"Padres soldados"

Uno de los temas principales a los que B.M. Nemensky, - el tema de la paternidad: "La inseguridad, la credulidad, la apertura de la infancia - y la fuerza, el derecho y el deber más difícil del padre para decidir y responder". El recuerdo de los sentimientos vuelve a los primeros días de la guerra, cuando en la ciudad congelada prácticamente borrada de la faz de la tierra por los fascistas en retirada, los combatientes encontraron a una niña que sobrevivió milagrosamente. Estaba toda arrugada, como una anciana, y no podía ni llorar. “Recuerdo cuánto cuidado y dolor hubo en todas las acciones de los soldados en relación a la niña. Cuánta ternura torpe... y odio apenas contenido: los perpetradores del desastre estaban a la vuelta de la esquina”, escribe el artista en sus memorias.

En la imagen, la historia real adquiere un sonido simbólico: el soldado es el salvador de la vida, los sentimientos del soldado, como los sentimientos del padre, son el deseo de proteger. En el contexto de estufas destruidas y cráteres de proyectiles, una niña pequeña, rodeada de soldados, es como una chispa de una vida salvada en un denso anillo protector. La luz proviene de una pequeña figura, iluminando los rostros de los soldados, es él quien "calienta sus corazones, les da fuerza para continuar su misión" (13).

(13)

símbolo del dolor

Temas relacionados con la guerra en la obra de B.M. Las obras de Nemensky se convierten en un llamado no solo al pasado, sino también al presente y al futuro, entrelazados con los inquietantes problemas del mundo. El artista plantea los problemas de actitud ante la guerra, ante la vida, ante el hombre: “Vi tierra cultivable convertida en desierto, quemando ciudades y pueblos en suelo ruso, ucraniano, polaco, alemán. Ni siquiera con la conciencia: odio la guerra con cada célula de mi cuerpo. Odio lo que trae y lo que conduce a él: ¡el odio estúpido del hombre por el hombre, de la gente por la gente, alimentado por el fascismo, todavía siendo alimentado!”

altura sin nombre. (¡Somos nosotros, Señor!) 1960–1995.

Esta obra es la creación favorita del artista. En la primera versión, que apareció en la exposición, el cuadro se llamaba "La altura sin nombre" (Fig. 22), y en la última, "Esto somos nosotros, Señor" (Fig. 23). El autor ha vuelto repetidamente a este tema. “Todo el proceso de trabajo resultó ser, por así decirlo, una disputa interna, exprimiendo de uno mismo el odio y la desconfianza acumulados durante los años de la guerra, el proceso de desmembrar, por así decirlo, una sola idea: el alemán es un fascista.” En total, hay cinco versiones terminadas de esta obra, en cada una de las cuales el artista revela el tema de una manera nueva.

La trama de la imagen se origina en el episodio de primera línea del primer viaje al área de combate en Velikiye Luki. “Caminé a pie, con el equipo completo de un soldado-artista. Caminó durante mucho tiempo, cansado. Y se sentó en una piedra que sobresalía de debajo de la nieve, o en un tocón, para masticar una galleta y dar descanso a sus piernas. De repente me di cuenta de que la nieve estaba balanceando la hierba justo debajo de mí. Pero la hierba en invierno no es suave, no puede moverse con un viento ligero. Miré hacia arriba y me puse de pie. Resultó que estaba sentado sobre un soldado alemán muerto, casi completamente cubierto. El cabello rojizo se balanceaba ... Y yo estaba asombrado: un niño, un joven de mi edad e incluso algo como yo ... "

La trama de la imagen es de dos jóvenes soldados que murieron en la batalla, un ruso y un alemán. “La guerra acortó sus vidas, esparciendo sus cuerpos sobre la tierra primaveral. Uno: con una túnica ligera y descolorida, mirando al cielo, extendido en un crucifijo invertido. El otro, metiendo su brazo debajo de él, enterró su nariz. Son auténticos como soldados, pero se nota cómo a la vez parecen niños dormidos” (L.A. Nemenskaya).

Al aparecer en la Exposición de toda la Unión, la imagen causó mucha controversia, las discusiones tuvieron lugar en la Unión de Artistas, en la Unión de Escritores, en las páginas de la revista "Artista", la imagen se mostró en exposiciones en siete ciudades. del país, donde los asistentes dejaron sus comentarios. Una de las principales acusaciones de la crítica oficial es el "pacifismo" y el "humanismo abstracto". Pero el espectador no estuvo de acuerdo con los críticos. El famoso escritor Konstantin Simonov también apoyó al artista en tiempos difíciles. En el prefacio de uno de los álbumes del maestro escribió: “¿Qué nos quería contar el artista con este cuadro suyo? ¿Sobre la hazaña de un joven que defendió y defendió su tierra soviética en esta guerra inhumana? Sí, sobre eso. Pero no solo de esto. Y, en mi opinión, también que, sin cuestionar la belleza de la hazaña humana en la guerra, no debemos olvidar que la guerra en sí está lejos de ser la mejor manera de resolver las disputas entre las personas... Entonces, miro la imagen... y pensemos que fue la experiencia personal de la guerra la que exigió a Nemensky la creación de este cuadro, alejado del pacifismo, pero recordándonos imperiosamente que no debe haber una nueva guerra, no tiene derecho a serla. Comparto este sentimiento, amo esta imagen, que corresponde no solo a mis recuerdos, sino también a mis pensamientos sobre el futuro.

En 1986, la pintura se exhibió en la exposición personal del artista en Moscú. LA. Nemenskaya recuerda que la atención del autor fue atraída por un espectador que no abandonó la sala vacía y sombreada durante mucho tiempo. Resultó que este era un hombre que luchó como parte de un contingente de tropas soviéticas en Afganistán. La imagen también reflejaba su trágica experiencia personal. Y diez años después, cuando se exhibió una nueva versión de la pintura en el Museo de la Guerra Patriótica en la colina Poklonnaya, se llevará a cabo una reunión similar con los veteranos de la guerra de Chechenia.

La pintura "Altura sin nombre" durante mucho tiempo "registrada" en el estudio del artista, no había lugar para ella en ninguna exposición permanente del museo. En 1985, casi muere debido a que el agua caliente salió a borbotones de una tubería rota. Y luego Nemensky accedió a trasladar el lienzo a Alemania, al Museo de Arte Moderno de la ciudad de Aquisgrán. El famoso coleccionista alemán P. Ludwig, sinceramente apasionado por el arte ruso, convenció a la artista de que muchos más espectadores la verían allí. Sin embargo, un mes después, Boris Mikhailovich decide recrear el lienzo, llamándolo "Esto somos nosotros, Señor". En esta última versión, el autor minimiza los signos de una guerra específica, lo que hace sonar con renovado vigor el problema planteado, fuera del tiempo y del espacio. (catorce)

(14)

El tema de los destinos de las mujeres, paralizados por la guerra, sonaba especialmente trágico unas pocas décadas después del final de la guerra. “Me preocupaba especialmente el tema de la soledad femenina generada por la guerra, el tema de las novias y esposas de los soldados muertos. Bendijeron a sus maridos por la hazaña, ayudaron en los momentos difíciles y siguen haciendo la hazaña, lo harán hasta la muerte. (15-16)

(15)

(16)

Pérdidas (1963-1969)

El cuadro forma parte de un cuadríptico dedicado a los trágicos destinos de la mujer. Este es un símbolo de tristeza y soledad, luto por la felicidad que se ha ido para siempre, ya sea en un pequeño túmulo o en una "altura sin nombre". Según las memorias del autor, "no solo los rusos, sino también las mujeres alemanas y japonesas lloraron con las imágenes (una, la versión roja, permaneció en Tokio después de la exposición)".

Apelar a los sentimientos de la audiencia, el impulso de reflexionar sobre la vida son típicos no solo de las obras de caballete, sino también de las naturalezas muertas de Boris Nemensky. Estas obras son siempre filosóficas, muy concisas, no hay objetos aleatorios en ellas, todo aquí lleva una cierta carga semántica.

La memoria de la tierra de Smolensk. (1993)

Durante muchos años, Boris Mikhailovich no recurrió al género de la naturaleza muerta, aunque el mundo de los objetos habitaba en muchas de sus pinturas. Pero los ex alumnos de alguna manera trajeron al artista de cerca de Smolensk un casco de soldado perforado y un puñado de cartuchos gastados. Estos objetos, ecos de hechos pasados ​​enterrados durante décadas, dieron origen a una cadena de asociaciones. El artista recordó una estufa de hierro agrietada, que vio en la estufa sobreviviente de una aldea rusa quemada hasta los cimientos, y dos objetos metálicos redondeados similares aparecieron en la imagen: uno como un eco de la vida pacífica, el otro de las llamas de la guerra. . Se congelaron, como en un pedestal, en un tablero de mesa, un monumento de naturaleza muerta de la tragedia pasada. El artista no agregó nada a la composición, las mangas solo se necesitaron para el diseño del marco (17).

(17)

Todas las impresiones de la vida encuentran una viva respuesta inmediata en la obra del artista. (Ill. 28-32) “Periódicamente, en el alma, cansada de pensamientos y traumas, hay una urgente necesidad de tocar la luz, la alegría. Luego, en primer lugar, intenta sumergirse con un pincel, un sentimiento, no en la falta de armonía de los problemas complejos de nuestro tiempo, sino en la armonía del amor, la familia y la infancia. Boris Mikhailovich crea obras brillantes, frágiles y poéticas. Así nacen las escenas de género y los retratos, paisajes del norte y centro de Rusia, cercanos al corazón. “La poesía impregna todos los poros de nuestra vida. Uno puede no notarlo, no entenderlo, pero sin el poético "virus" casi nada de lo que haríamos con placer tendría lugar, ya sea cultivar papas, flores o un niño. De hecho, esta es la base de los sentimientos humanos precisamente, humanizados por siglos, la base de lo normal, enfatizo, no especiales, sino normales, nuestras relaciones. A la familia, a la naturaleza, al trabajo oa la sociedad.

Artista-maestro

Las actividades del artista B. Nemensky durante cincuenta años están indisolublemente unidas a las actividades del maestro B. Nemensky. En 1957, comenzó su carrera docente en el Instituto Pedagógico Estatal de Moscú. Y EN. Lenin, y desde 1966 ha estado enseñando en el departamento de arte de VGIK. A lo largo de los años B. M. Nemensky trajo a colación toda una galaxia de interesantes artistas originales. Entre ellos se encuentran A. Akilov, M. Abakumov, V. Balabanov, A. Bedina, V. Braginsky, G. Guseinov, V. Chumakov, A. Petrov y otros. Boris Mikhailovich es el director creativo del departamento de arte de la Universidad. de la Academia Rusa de Educación, director del Centro de educación artística continua en Moscú.

Hace más de treinta años, apareció el programa "Bellas artes y trabajo artístico" de B. Nemensky en una escuela integral. El artista está convencido de que la alfabetización ordinaria en cualquier campo, incluso artístico, es solo evidencia de dominar un cierto nivel de oficio que, como muestra la práctica, no garantiza en absoluto el desarrollo espiritual y la riqueza espiritual de una persona. El nuevo programa por primera vez consideró el arte como una verdadera forma de educar al individuo. B. M. Nemensky proclamó por primera vez la importancia de la educación artística en el sistema de educación escolar general de los sentimientos del niño; antes de eso, la esfera emocional-sensual seguía siendo la gran cantidad de actividades extracurriculares de los escolares. La comunicación con el arte fuera de las emociones es imposible (esto se aplica tanto al artista como al espectador), por lo que el arte forma la actitud personal de una persona hacia el mundo. “Las emociones humanas son el suelo en el que las creencias y los hábitos están más firmemente arraigados, y especialmente fuertes, de por vida, se adquieren en la infancia, la adolescencia, la juventud, porque es en este momento cuando la visión del mundo de una persona es más emocional”. Dado que la memoria emocional es mucho más fuerte que la memoria racional, es a través del arte que un niño puede dominar con mayor éxito la experiencia social, cuyo contenido influye activamente en la formación de la visión del mundo de una persona.

“Podemos y debemos medir nuestro camino... por el futuro. Debemos comparar nuestras acciones no con lo que fue, sino con lo que debería ser. Al fin y al cabo, el futuro necesita no solo de la mayoría, sino de todo el pueblo, de una sola persona, de introducirse en la cultura, en la riqueza espiritual y en la sabiduría acumulada a lo largo de los siglos en el arte”, así lo expresa la artista, maestra, filósofa. Boris Mikhailovich Nemensky ve el objetivo del arte.

El material propuesto fue utilizado con éxito en el trabajo con estudiantes del 5º grado en las lecciones de bellas artes, dedicadas a la divulgación del tema de la Gran Guerra Patria en pintura de caballete. Conocimiento de los niños con el trabajo de B.M. Nemensky como artista de primera línea y como autor del programa, según el cual han estado estudiando durante cinco años, tiene un fuerte impacto emocional.

Literatura

Dmitrieva N. A. Boris Mijailovich Nemensky. - M., 1971.
Nemenskaya LA Boris Nemenski. - M.: Ciudad Blanca, 2005.
Nemensky B. M. Confianza. - M.: Guardia Joven, 1984.
Nemensky BM. La sabiduría de la belleza. - M.: Ilustración, 1987.
Nemensky BM. Conocimiento del arte. - M.:. Editorial de URAO, 2000.
Nemensky BM. Abrir la ventana. - M.: Guardia Joven, 1974.

Se ha escrito una gran cantidad de libros, obras musicales sobre el tema de la Gran Guerra Patria, se han filmado muchas películas.
Este tema es verdaderamente inagotable, porque ha cambiado la vida de varias decenas de millones de personas, divididas en "antes" y "después".

Desafortunadamente, no todas las madres, esposas e hijas esperaron a sus hijos, esposos, padres desde el frente, desde los campos de batalla.
Creo que solo una pequeña parte del dolor y el sufrimiento que la gente tuvo que soportar en esos años puede transmitirse en pinturas o con la ayuda de otros medios artísticos.

Uno de estos destinos formó la base de la pintura de V. Igoshev "Ella todavía está esperando a su hijo".
Muestra a una anciana parada en la puerta abierta de su antigua casa.
Sus ojos están llenos de añoranza, tristeza, expectativa, sufrimiento.
Creo que ha estado en esa posición durante mucho tiempo.
Todos los días una mujer acude a este lugar con la esperanza de que su amado hijo regrese, vivo e ileso.
Ella invariablemente mira a lo lejos, pero, desafortunadamente, el milagro no sucede.
Tal vez ella misma comprenda que no tiene sentido sufrir y esperar, pero no puede evitarlo.
Todo el significado de su vida de posguerra se reduce a esto.

Detrás de la abuela hay una casa con una ventana limpia y abierta.
Hay flores en el alféizar de la ventana y los arquitrabes están pintados de azul.
Una mujer hace todo lo posible para mantenerlo en buenas condiciones, pero cada año se le hace más y más difícil hacerlo.
Junto a la ventana, el autor pintó delgados abedules blancos, como recordándonos que necesitamos seguir viviendo, pase lo que pase.

A pesar de la tragedia de la imagen, la mujer se muestra con una blusa y una bufanda blancas y una falda negra.
Debajo de la bufanda vemos el cabello gris de la heroína.
Su cara está arrugada y sus ojos están entrecerrados.
Solo podemos adivinar qué pensamientos visitan su cabeza canosa en este momento.
Tal vez ella recuerda cómo su hijo fue al frente, cómo creció ... En cualquier caso, sus pensamientos son solo sobre una cosa: sobre su propio hijo único, a quien nunca volverá a ver.

En diferentes partes de la antigua Unión Soviética, se han erigido algunos monumentos a las madres que no esperaron a sus hijos desde el frente.

El 7 de mayo de 1995, en vísperas del 50 aniversario de la Victoria en la Gran Guerra Patria, en el pueblo de Alekseevka, distrito de Kinelsky, región de Samara, tuvo lugar una gran inauguración. memorial de la familia Volodichkin. La madre de los guerreros, Praskovya Eremeevna Volodichkina, está rodeada de nueve grullas, como símbolo de expectativa y fe. Nueve grullas: nueve hijos que dieron su vida en nombre de la Victoria. Praskovya Eremeevna Volodichkina acompañó a nueve de sus hijos al frente. La mujer se quedó sola: su esposo murió en 1935. Con el más joven, Nikolai, la madre ni siquiera tuvo tiempo de despedirse antes de la guerra. Habiendo terminado su servicio en Transbaikalia, se suponía que regresaría a casa, pero pasó por sus lugares de origen y solo arrojó una nota doblada en un tubo por la ventana del automóvil: “Mamá, querida madre. No te aflijas, no te aflijas. No te preocupes. Vamos al frente. Derrotaremos a los nazis y todos volveremos a ti. Esperar. Tu Kolka. Nunca regresó. Así como cinco de sus hermanos. Después del sexto funeral en enero de 1945, el corazón de la madre no pudo soportar la pérdida. Tres de sus hijos regresaron del frente gravemente heridos. De una familia numerosa, en la que, si no fuera por la guerra, había muchos hijos, nietos, bisnietos, no quedaba nadie.

Anastasia Akatievna Larionova, residente del pueblo de Mikhailovka, distrito de Sargatsky, región de Omsk, despidió a sus siete hijos al frente: Grigory, Panteley, Procopius, Peter, Fedor, Mikhail, Nikolai. Todos ellos murieron en los frentes de la Gran Guerra Patria. Por su hazaña maternal, el 22 de junio de 2002, en el centro regional de Sargatskoye, se le entregó un monumento de hormigón, dedicado a todas las madres rusas que perdieron a sus hijos durante los años de guerra. El monumento es una figura de una mujer que se representa parada en la puerta con ropa simple y estricta. Un rostro lúgubre está enmarcado por un pañuelo, la pena está impresa en las arrugas de la frente. Los ojos se dirigen a la distancia con la esperanza de ver las siluetas nativas de los niños. La mano izquierda se presiona fuertemente contra el corazón para contener su dolor. El 9 de mayo de 2010, día del 65 aniversario de la Victoria, el monumento de hormigón fue sustituido por su copia exacta, pero realizada en bronce.

En noviembre de 2010, por iniciativa de los empleados de la biblioteca rural del asentamiento rural Sokolovsky del distrito Gulkevichsky del territorio de Krasnodar, se erigió un monumento a una madre de muchos niños en el lugar del entierro. Efrosinya Babenko, cuyos cuatro hijos murieron en los campos de batalla durante la Gran Guerra Patria. La mujer misma murió 15 años después del final de la guerra, no le quedaban familiares ni amigos.

En 1975, en Zhodino (República de Bielorrusia), cerca de la carretera Brest-Moscú, se inauguró un monumento a la Madre Patriota, cuyo prototipo fue Anastasia Fominichna Kursevich (Kupriyanova) quien perdió cinco hijos durante la Gran Guerra Patria. La composición escultórica representa el momento de despedida de una madre con sus hijos, quienes parten por un camino simbólico para proteger su patria, liberar su hogar del enemigo, devolver la paz y la felicidad a todas las madres de la Tierra. El hijo menor, Petya, el favorito de su madre, miró en su dirección por última vez...

Monumento a la Madre Tatyana Nikolaevna Nikolaeva quien perdió a seis de sus ocho hijos en la guerra. Pueblo de Izederkino, distrito de Morgaushsky, Chuvashia. Tatyana Nikolaevna dio a luz y crió a 8 hijos. Grigory, Alexander, Rodion, Frol, Mikhail, Yegor, Ivan, Pavel participaron en la Gran Guerra Patria. Grigory, Yegor, Ivan, Pavel murieron en la batalla. Frol y Rodion murieron poco después de la guerra a causa de sus heridas. En su pueblo natal, en mayo de 1984, se inauguró un monumento a la gloriosa madre de Chuvash T. N. Nikolaeva. Fue incluida en el Libro Honorario de Gloria Laboral y Heroísmo de Chuvash ASSR en 1978.

Monumento Kalista Pavlovna Soboleva en el lejano pueblo de Arkhangelsk de Shakhanovka, distrito de Shenkur. En 2004, se publicó un artículo en el periódico Pravda Severa: “En nuestra región, en el distrito de Shenkur, en el pueblo de Shakhanovka, vivía una mujer cuyo nombre también debe ser bien conocido. Esta es Kalista Pavlovna Soboleva, cuyos hijos no regresaron de los campos de batalla de la Gran Guerra Patriótica. Kalista Pavlovna no esperó una sola sangre, desde 1905 hasta 1925 años de nacimiento. Habiendo aprendido sobre la Victoria, puso siete fotografías sobre la mesa, llenó siete montones de amargo, invitó a sus vecinos del pueblo a recordar a sus hijos: Kuzma, Ivan, Andrey, Nikita, Pavel, Stepan, Joseph ... Kalista Pavlovna vivía pobremente, caminaba con zapatos de bast. Trabajó en una granja colectiva, recibió la medalla "Por trabajo valiente en la Gran Guerra Patria de 1941 - 1945". Como todos los granjeros colectivos, no recibió una pensión durante mucho tiempo, solo en la época de Jruschov comenzaron a pagarle seis rublos al mes, luego 12 y luego 18. Los compatriotas simpatizaron con ella, la ayudaron a plantar y cavar papas. . Murió a mediados de los sesenta. "

En 2004, se erigió un monumento en la plaza central de la región de Omsk en el pueblo de Krutinki. Akulina Semenovna Shmarina, madres de cinco hijos que murieron en los frentes de la Gran Guerra Patria.

En la ciudad de Zadonsk - un monumento a la madre María Matveevna Frolova. En diagonal al monasterio, en una plaza, cerca del hotel del monasterio, hay un grupo escultórico - la Madre Dolorosa y varios obeliscos con los nombres de sus hijos. Mikhail, Dmitry, Konstantin, Tikhon, Vasily, Leonid, Nikolai, Peter... Esta madre rusa, que crió y crió a 12 hijos, tuvo ocho hijos arrebatados por la guerra.

Se erigió un monumento en el pueblo de Bub, territorio de Perm Yakovleva Matryona Ivánovna. Durante la guerra, vendió todo lo que tenía: una casa, ganado, cosas. Llegó al consejo de la aldea con una bolsa de dinero (100 mil rublos) con las palabras: "Compre un avión con este dinero. Mis hijos están en guerra, necesitamos ayudar". El avión fue comprado. Ninguno de los hijos regresó de la guerra. Y por el resto de su vida, Matryona Ivanovna vivió en las casas de los vecinos del pueblo, fue un honor para todos que ella viviera en su casa. El monumento a Matryona Ivanovna fue erigido por vecinos del pueblo.

La campesina de Kuban se convirtió en la personificación de todas las madres-heroínas. Epistinia Stepánova, quien puso en el altar de la Victoria lo más preciado que tenía: la vida de sus nueve hijos: Alexander, Nikolai, Vasily, Philip, Fedor, Ivan, Ilya, Pavel y Alexander.

El Mariscal de la Unión Soviética A. A. Grechko y el General del Ejército A. A. Epishev le escribieron en 1966:

“Nueve hijos fueron criados y criados por ti, nueve personas queridas por ti fueron bendecidas por hazañas de armas en nombre de la Patria soviética. Con sus hazañas militares, acercaron el día de nuestra Gran Victoria sobre los enemigos, glorificaron sus nombres. ... Usted, la madre de un soldado, es llamada por los soldados su madre. Te envían el calor filial de sus corazones, ante ti, una simple mujer rusa, se arrodillan".

En Kuban, en el pueblo de Dneprovskaya, se ha abierto un museo. Lleva el nombre de los hermanos Stepanov. La gente también lo llama el Museo de la Madre Rusa. Después de la guerra, la madre de todos sus hijos se reunió aquí. Las cosas que se almacenan en él difícilmente pueden llamarse "exhibiciones" de la palabra del museo. Cada elemento habla de amor maternal y ternura filial. Aquí se recopila todo lo que la madre cuidó: el violín de Vasily, un cuaderno con los poemas de Ivan, un puñado de tierra de la tumba de Sasha ... Los llamamientos a la madre están llenos de amor y cuidado filial: "Pienso mucho en ti, Vivo mentalmente contigo, querida madre. A menudo recuerdo mi hogar, mi familia”.

En los últimos años, Epistinia Fedorovna, una pensionista personal de importancia federal, vivía en Rostov-on-Don, en la familia de su única hija, la maestra Valentina Mikhailovna Korzhova. Murió allí el 7 de febrero de 1969. La madre del soldado fue enterrada en el pueblo de Dneprovskaya en la región de Timashevsk del Territorio de Krasnodar con todos los honores militares, donde sus hijos fueron "colocados" en una fosa común simbólica. Pronto hubo un monumento completo dedicado a los Stepanov. Habiendo equiparado su hazaña materna con una militar, la Patria otorgó a Epistinia Feodorovna Stepanova la Orden de la Guerra Patria, 1er grado.

En los grandes brazos de una madre cansada
Su último hijo se estaba muriendo.
Los vientos de campo acariciaron suavemente
El lino plateado de sus canas.
Gimnasia con cuello abierto
Manchas opacas en él.
De heridas graves
En el arado mojado
Su sangre cayó como fuego.
- No te amaba, hijo,
¿No te cuidé, querida?..
ojos claros,
esos rizos son blancos
Ella le dio su fuerza heroica.
Pensé que las vacaciones se juntarían en la vida...
¡Fuiste mi última alegría!
Ahora tus ojos están cerrados
Luz blanca en las pestañas
no fue agradable -
Al ver su lágrima triste,
Rodeado a la madre entre los campos
Nueve problemas que rompieron el corazón ruso,
Nueve hijos que cayeron en batalla.
Los tanques estaban fríos, fueron destrozados por un trueno,
Los caballos de la ocasión intervinieron.
... La madre se puso de pie en el pueblo en la plaza principal.
Y petrificado para siempre.
(Iván Varava)

Los temas religiosos son bastante populares entre los contemporáneos de Rafael. Sin embargo, la principal diferencia entre esta imagen y otras similares es su plenitud de emociones vivas, combinadas con una trama bastante simple.

Composición

En el centro de atención se encuentra la figura femenina de la Virgen, que sostiene en brazos a su pequeño hijo. El rostro de la doncella está lleno de tristeza, como si supiera de antemano lo que le espera a su hijo en el futuro, pero el bebé, por el contrario, muestra emociones brillantes y positivas.

La virgen con el Salvador recién nacido en brazos no camina sobre el suelo, sino sobre las nubes, lo que simboliza su ascensión. ¡Después de todo, fue ella quien trajo la Bendición a la tierra de los pecadores! El rostro de una madre con un niño en brazos es brillante y está pensado hasta el más mínimo detalle, y si miras de cerca el rostro del bebé, puedes notar una expresión adulta, a pesar de su corta edad.

Representando al niño divino ya su madre de la manera más humana y sencilla posible, pero al mismo tiempo caminando sobre las nubes, el autor enfatizó el hecho de que, independientemente de si es un hijo divino o humano, todos nacemos iguales. De esta manera, el artista transmitió la idea de que solo con pensamientos y metas rectas es posible encontrar un lugar adecuado para uno mismo en el Cielo.

Técnica, interpretación, técnicas.

Una obra maestra de clase mundial, esta imagen contiene cosas completamente incompatibles, como el cuerpo humano mortal y la sacralidad del espíritu. El contraste se complementa con colores brillantes y líneas claras de detalle. No hay elementos superfluos, el fondo es pálido y contiene imágenes de otros espíritus de luz o ángeles cantores detrás de la Virgen.

Junto a la mujer y el bebé se representan santos que se inclinan ante el Salvador y su madre, el sumo sacerdote y Santa Bárbara. Pero parecen enfatizar la igualdad de todos los personajes de la imagen, a pesar de la postura arrodillada.

A continuación se muestran dos ángeles divertidos, que se han convertido en un verdadero símbolo no solo de esta imagen, sino de toda la obra del autor. Son pequeños y con rostros pensativos desde el fondo de la imagen están viendo lo que está sucediendo en la vida de la Virgen, su extraordinario hijo y su gente.

La imagen todavía causa mucha controversia entre los expertos. Por ejemplo, se considera muy interesante el hecho de que no haya consenso sobre cuántos dedos tiene la mano del pontífice. Algunos ven en la imagen no cinco, sino seis dedos. También es interesante que, según la leyenda, el artista pintó a la Virgen de su amante Margherita Luti. Pero se desconoce con quién se dibujó el bebé, pero existe la posibilidad de que el autor pintara la cara del niño de un adulto.

¿Los hijos e hijas están obligados a cuidar de sus padres? ¿O le dan esta deuda a sus hijos? Lyudmila Kulikova respondió a estas preguntas en su breve obra. “¿Viste”, cuyo resumen se presenta en este artículo, es una conmovedora historia sobre el destino de una madre que vivió una experiencia tan insoportable que le resultó más fácil creer en la muerte de su hijo que en su traición. .

Hijos de la ingratitud

Un tema extremadamente complejo fue revelado en una obra de prosa breve de la escritora Lyudmila Kulikova. "Svides" es un breve resumen de un tema profundo dedicado a la ingratitud de los niños, que fue tocado por Pushkin en su historia "El jefe de estación" y Dostoievski en la novela "Los humillados e insultados". Los jóvenes a menudo, al salir volando de su nido de padres, vuelan rápidamente a una nueva vida. Los impulsa un deseo irresistible de no repetir el destino de madres y padres desafortunados, una imagen aburrida y sombría de la casa de su padre y el egoísmo humano común. . Delante hay otra existencia. Tiene sus alegrías y sus dificultades. Y detrás, una casa repugnante, en la que todo está diseñado en tonos grises, y el tiempo parece haberse detenido. No hay futuro para sus habitantes. Entonces, ¿por qué mezclar el pasado con el presente, si simplemente puedes olvidar, borrar de tu memoria la imagen de una persona que está en algún lugar lejano, tal vez languideciendo y sufriendo en agonizante espera? Y es aún más fácil convencerse de que nadie está esperando y todo está olvidado.

La imagen de los padres abandonados en la literatura rusa.

En términos de volumen, el trabajo creado por L. Kulikova es bastante pequeño. "Did Met", cuyo resumen se expone a continuación, es, sin embargo, la historia de toda una vida. Comparando la historia de un autor moderno con las obras de representantes de la literatura clásica rusa, uno puede encontrar que poco ha cambiado en los últimos doscientos años. Todavía hay niños desagradecidos. Y también sufren los ancianos, para quienes la vida después de la pérdida de un hijo o una hija queridos no puede continuar.

La historia discutida en este artículo está incluida en el currículo escolar de hoy. Esto permite a los adolescentes modernos comprender profundamente el contexto de las realidades actuales. La apariencia de una persona y lo que la rodea cambia con el tiempo. Los sentimientos humanos y los vicios permanecen inalterables. Por lo tanto, podemos decir con seguridad que el problema de la ingratitud de los niños se revela mejor en las siguientes obras:

• A. S. Pushkin "El jefe de estación".
• F. M. Dostoievski "Humillado e insultado".
• L. N. Kulikova "Nos vemos".

El personaje principal de la historia es Tolik. Apellido - Titov. El autor no lo dota de un nombre más completo, quizás porque esta persona no tiene una cosmovisión madura propia de su época. O tal vez el hecho es que fue y sigue siendo Tolik, que está en algún lugar lejano esperando una madre amorosa.

Las acciones de la historia comienzan a desarrollarse en el nuevo y acogedor apartamento del protagonista. Tolik se convirtió en propietario de una vivienda separada, lo que significa que su sueño se hizo realidad. Después de todo, aspiró a esto toda su vida consciente. Y ahora, con motivo de una fiesta de inauguración de la casa, la esposa horneó un pastel y toda la familia se reunió en la mesa festiva.

Cabe decir que el héroe de Kulikova es un personaje con valiosas cualidades positivas. Es un hombre de familia ideal, un hombre que vive para su esposa e hijos. Durante veinticuatro años ha estado trabajando incansablemente. Un apartamento nuevo y espacioso es el resultado de muchos años de arduo trabajo. La historia "Meet" es un breve fragmento de la vida de un hombre trabajador, padre de familia. Pero este héroe es una personalidad controvertida. ¿Cómo pudo no recordar durante tanto tiempo a la mujer que le dio la vida? Pero solo durante una cena familiar en un apartamento nuevo y espacioso, de repente recuerda a su madre. que reina en la casa de los Titov, se ve eclipsada inesperadamente por la comparación: "Como en la infancia con mi madre". Pero es este pensamiento el que impulsa al héroe, muchos años después, a visitar finalmente su hogar.

Recuerdos

De repente, Tolik comienza a recordar las cartas de su madre, que recibió en el ejército e inmediatamente rompió en pedazos pequeños. Piensa en el hecho de que no la ha visto en casi un cuarto de siglo y no ha escrito en más de diez años. Tolik va a su pueblo natal para ver a la mujer que lo dio a luz. Pero cuando se encuentran, él no se atreve a llamarla madre y ella se niega a creer que él es su hijo. Madre había vivido demasiado tiempo esperando. Con el paso de los años, se cansó de llorar y se resignó al hecho de que su hijo ya no existía. Resultó que la traición de un hijo es insoportable para el corazón de una madre.

Tolik no entendió nada. Habiendo visitado a su madre, abandonó su hogar para siempre, "cortando una rebanada ancha del pan de la vida y tirándola al camino". Kulikova describe estos eventos en su historia "Se conocieron". El análisis de la obra, sin embargo, sugiere que esta historia está inconclusa. Los verdaderos tormentos de conciencia de Tolik aún están por llegar. Es posible revelar el mundo espiritual del protagonista y la razón de su actitud tan despiadada hacia su madre al considerar las técnicas artísticas que usa Kulikova en la historia "Met Met".

Análisis de la imagen de la casa de los Titov

Todo en el nuevo apartamento de Tolik es un placer. Y el olor es agradable, y hay cierta confianza en el futuro en el aire. Estaba tan cansado de deambular por los apartamentos alquilados que incluso muchos días de tediosa preparación para la mudanza no pudieron eclipsar la felicidad de adquirir su propia vivienda. Y ahora siente una confianza tan fuerte en el futuro que le parece que es casi inmortal. No es de extrañar que haya trabajado tan duro todos estos años. Todavía se las arregló para "replantear un lugar en el mundo".

La imagen de una persona alegre y bondadosa fue creada en este trabajo por Lyudmila Kulikova. “¿Se vieron?” es una historia que comienza con la descripción de una imagen de la felicidad familiar ideal. Pero solo a primera vista, los recuerdos de la madre pueden parecer aleatorios. Tolik, quizás todos estos años, escondió sus pensamientos sobre ella muy lejos, en el fondo de su alma. Tenía demasiadas preocupaciones y otras preocupaciones en su vida. Tuvo que construir su propio nido, asegurar el futuro de sus hijos, cuidar de su amada esposa. Pero solo se logró el objetivo y, como un gusano en una manzana perfecta, se despertaron pensamientos sobre la madre. Los eventos que cubren solo unos pocos días se reflejan en este trabajo de Lyudmila Kulikova. “Svidessya” es un pequeño trozo de historia que dura toda la vida. Una triste historia sobre la expectativa de una madre que fue olvidada por su hijo por problemas domésticos, el deseo de "apartar un centavo extra". Un marcado contraste con la nueva casa crea una imagen de una cabaña abandonada, que dibuja Kulikova.

“Date”: el tema de la casa

El pueblo en el que vive la madre está representado en colores grises y sombríos. Las casas estaban en ruinas y enraizadas en el suelo. La desesperación y la desolación reinan alrededor. La cabaña en sí no está iluminada, la situación en ella es bastante desagradable. La historia “Se conocieron” se construye sobre la antítesis. Por un lado, hay una imagen que afirma la vida de la vida familiar de los Titov. Por otro lado, la atmósfera sin vida que reinaba en la choza. Esta oposición es la base de la idea que Lyudmila Kulikova puso en el trabajo. "Sviditsya", cuyos personajes se describen con extrema moderación, es en el que las casas y la situación en ellas "hablan". Es la imagen de la choza la que revela el mundo interior de su dueña.

La imagen de Olga Gerasimovna

La madre no lo reconoció. Pero en la última frase, que concluye la historia "Se conocieron" de Kulikova, queda claro que la heroína de este trabajo no olvidó nada. Largos años de espera la mataron. Ya no esperaba a su hijo, y verlo vivo e ileso significaba estar convencida de su traición. Aunque "ver" es una palabra que no se aplica a ella, ya que perdió la vista.

La imagen de su madre le parecía completamente ajena a Tolik: una anciana bajita con ojos ciegos y dedos quemados. ¿Es esta realmente la mujer de la que tan a menudo recibía cartas en el ejército y cuyos mensajes siempre terminaban con un simple dicho "Para el hijo de Tolya de la madre de Olya"?

cartas de madre

Lo molestaron mucho. Las cartas largas de una madre amorosa no le interesaban y las rompía inmediatamente después de leerlas. Era mucho más agradable leer mensajes de chicas jóvenes. El tema, que es relevante en todo momento, se planteó en la historia "Conoce" a Kulikova. La obra radica en la compleja relación entre padres e hijos. Sin embargo, las dificultades pueden ser de otra naturaleza. A menudo hay desacuerdos entre madre e hijo con respecto a tal o cual tema. Los niños a menudo están cansados ​​​​del cuidado excesivo, que uno de los autores rusos modernos llamó una vez el "terror del amor". Pero el héroe Kulikova no experimentó una tutela excesiva y no sufrió la opinión impuesta por su madre. Simplemente estaba avergonzado de ella. La razón de este sentimiento de desánimo puede revelarse mediante un análisis más profundo de la obra.

falta de paternidad

En una de las cartas, la madre le cuenta a Tolik sobre la muerte de su padre. No recuerda a este hombre en absoluto. Tolik creció sin padre. Cuando, después de visitar a su madre, trata de convencerla de que él es su amado hijo Tolya, recuerda a uno de sus amigos, que supuestamente también era hijo de una madre soltera. La mención de un amigo de la infancia que tampoco tuvo padre es una de las pocas que me viene a la mente para el hijo pródigo. Y esto no es casualidad.

Crecer sin un padre no es fácil. Y es especialmente difícil cuando la vida transcurre en un pequeño pueblo, donde todos saben todo sobre los demás. La ausencia de un padre para el niño no pasa sin dejar rastro. Algunos adolescentes maduran antes que sus compañeros, cuidando a su madre. Otros, por el contrario, buscan olvidar a toda costa la ofensiva palabra "huérfano", huir de él, esconderse. Para crear una familia correcta de pleno derecho en algún lugar lejano. Ese era Tolik. Deseaba tanto tener una casa propia y conocer el verdadero gozo de la felicidad familiar que, sin dudarlo, borró de su memoria todo lo relacionado con la infancia, y sobre todo, con su madre.

Ceguera

¿Cuál es el significado del título de la historia de Kulikova? Nos vemos ... La heroína de este trabajo pronuncia esta palabra más de una vez. Habla de su deseo de "ver" a su hijo en una carta que le envió. Y ella dice la frase "Aquí nos encontramos" después de que él la deja por última vez.

Ella quería ver hijo. Pero como este deseo estaba fuera de su alcance, perdió la vista. La ceguera de la madre en la historia tiene un significado simbólico. Tan pronto como la esperanza de Olga Gerasimovna de "ver" a su hijo se desvaneció, también perdió la necesidad de ver. Su vista se había ido.

arrepentimiento fallido

La noche que Tolik pasó en casa de su madre, no cerró los ojos. Recordó los últimos años. Sobre lo difícil que era ganar dinero para un abrigo de pieles para su esposa, viajes al mar, un apartamento nuevo. Tolik quería contarle a Olga Gerasimovna sobre esto, para justificarse ante sus ojos. Pero no pudo. Ella se negó obstinadamente a reconocerlo como hijo. Pero incluso si le hubiera contado las dificultades que había superado todos estos años, difícilmente lo habría entendido. No hay excusa para un hombre que, durante la mayor parte de su vida, no se ha tomado el tiempo de ver a su madre.

Otros héroes

Un poco el autor contó sobre otros personajes. Son la esposa y los cuatro hijos de Tolik. Sí, no hay nada que decir sobre ellos, ya que son parte de un cuadro alegre y soleado de felicidad familiar. El héroe de la historia ha vivido y trabajado exclusivamente para ellos durante los últimos veinticuatro años, de lo que estaba sinceramente convencido. En realidad, traicionó a su madre por su propio egoísmo y debilidad.

De vuelta a una nueva vida

Tolik volvió a dejar a su madre. Su rostro en el último momento le pareció triste. El personaje principal de esta historia se va, dejando de lado todo lo que lo conecta con su hogar. Nunca volverá a ver a su madre, pero la recordará más de una vez. Con los años, la vanidad de la vida se volverá cada vez más insignificante. Y el dolor en el corazón por la madre olvidada, mientras tanto, se irá calentando. Sin embargo, por desgracia, ya no tendrá a nadie que lo “vea”.

Al estilo de la prosa psicológica, creó la historia "Conocieron" a Kulikova. Este género implica el estudio y análisis del alma humana en el ejemplo de uno o dos héroes. En esta obra se puede leer el destino de todas las madres abandonadas y la angustia mental de los hijos que las traicionaron.