Los mejores cuadros impresionistas con títulos y fotos. Pintura en el impresionismo: características, historia.

Hoy en día, el impresionismo se percibe como un clásico, pero en la era de su formación, fue un verdadero avance revolucionario en el arte. La innovación y las ideas de esta corriente cambiaron por completo la percepción artística del arte en los siglos XIX y XX. Y el impresionismo moderno en pintura hereda los principios que ya se han vuelto canónicos y continúa las búsquedas estéticas en la transmisión de sensaciones, emociones y luz.

requisitos previos

Hay varias razones para la aparición del impresionismo, este es todo un complejo de requisitos previos que condujeron a una verdadera revolución en el arte. En el siglo XIX se estaba gestando una crisis en la pintura francesa, se debió a que la crítica "oficial" no quiso darse cuenta y dejó entrar en las galerías diversas formas emergentes. Por tanto, la pintura en el impresionismo se convirtió en una especie de protesta contra la inercia y el conservadurismo de las normas generalmente aceptadas. Asimismo, los orígenes de esta corriente hay que buscarlos en las tendencias inherentes al Renacimiento y asociadas a los intentos de transmitir la realidad viva. Los artistas de la escuela veneciana son considerados los primeros progenitores del impresionismo, luego los españoles tomaron este camino: El Greco, Goya, Velázquez, quienes influyeron directamente en Manet y Renoir. El progreso tecnológico también jugó un papel en la formación de esta escuela. Por lo tanto, el advenimiento de la fotografía dio lugar a una nueva idea en el arte sobre la captura de emociones y sensaciones momentáneas. Es esta impresión instantánea que los artistas de la dirección que estamos considerando se esfuerzan por "agarrar". Además, esta tendencia estuvo influenciada por el desarrollo de la escuela plein-air, que fue fundada por representantes de la escuela Barbizon.

Historia del impresionismo

En la segunda mitad del siglo XIX se desarrolla una situación crítica en el arte francés. Los representantes de la escuela clásica no aceptan las innovaciones de los jóvenes artistas y no les permiten entrar al Salón, la única exposición que abre el camino a los clientes. Un escándalo estalló cuando el joven Édouard Manet presentó su obra Almuerzo sobre la hierba. El cuadro despertó la indignación de la crítica y del público, y se prohibió al artista exhibirlo. Por ello, Manet participa en el llamado “Salón de los Rechazados” junto a otros pintores a los que no se les permitió participar en la exposición. El trabajo recibió una gran respuesta y comenzó a formarse un círculo de jóvenes artistas alrededor de Manet. Se reunían en cafés, discutían los problemas del arte contemporáneo, discutían sobre nuevas formas. Aparece una sociedad de pintores, que serán llamados los impresionistas por una de las obras de Claude Monet. Esta comunidad incluía a Pissarro, Renoir, Cezanne, Monet, Basil, Degas. La primera exposición de artistas de esta corriente tuvo lugar en 1874 en París y acabó, como todas las posteriores, en un fracaso. En realidad, el impresionismo en música y pintura abarca un período de tan solo 12 años, desde la primera exposición hasta la última, celebrada en 1886. Más tarde, la dirección comienza a dividirse en nuevas tendencias, algunos de los artistas mueren. Pero este período hizo una verdadera revolución en la mente de los creadores y el público.

Principios ideológicos

A diferencia de muchas otras áreas, la pintura en el impresionismo no se asoció con puntos de vista filosóficos profundos. La ideología de esta escuela era la experiencia momentánea, la impresión. Los artistas no se propusieron tareas sociales, buscaron transmitir la plenitud y la alegría del ser en la cotidianidad. Por lo tanto, el sistema de géneros del impresionismo era generalmente muy tradicional: paisajes, retratos, naturalezas muertas. Esta dirección no es una asociación de personas basadas en puntos de vista filosóficos, sino una comunidad de personas de ideas afines, cada una de las cuales realiza su propia búsqueda en el estudio de la forma de ser. El impresionismo radica precisamente en la singularidad de la vista de los objetos ordinarios, se centra en la experiencia individual.

Técnica

Es bastante fácil reconocer la pintura en el impresionismo por algunos rasgos característicos. En primer lugar, vale la pena recordar que los artistas de esta dirección eran amantes furiosos del color. Evitan el negro y el marrón casi por completo en favor de una paleta rica y vibrante, a menudo muy resaltada. La técnica impresionista se caracteriza por trazos cortos. Se esfuerzan por la impresión general, en lugar de un dibujo cuidadoso de los detalles. Los lienzos son dinámicos, intermitentes, lo que corresponde a la percepción humana. Los pintores se esfuerzan por disponer los colores en el lienzo de tal manera que obtengan intensidad o afinidad colorística en el cuadro, no mezclan los colores en la paleta. Los artistas trabajaban a menudo al aire libre, y esto se reflejaba en la técnica, en la que no había tiempo para secar las capas anteriores. Las pinturas se aplicaron una al lado de la otra o una encima de la otra, utilizando un material opaco que permitía crear el efecto de un "brillo interior".

Los principales representantes de la pintura francesa

El lugar de nacimiento de esta tendencia es Francia, fue aquí donde apareció por primera vez el impresionismo en la pintura. Los artistas de esta escuela vivieron en París en la segunda mitad del siglo XIX. Presentaron sus obras en 8 exposiciones impresionistas, y estos lienzos se convirtieron en clásicos de la dirección. Son los franceses Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot y otros los progenitores de la tendencia que estamos considerando. El impresionista más famoso, por supuesto, es Claude Monet, cuyo trabajo encarnó completamente todas las características de esta tendencia. Asimismo, la corriente se asocia acertadamente con el nombre de Auguste Renoir, quien consideraba su principal tarea artística la transmisión del juego del sol; además, fue un maestro del retrato sentimental. El impresionismo también incluye artistas tan destacados como Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

Impresionismo en otros países

Poco a poco, la dirección se está extendiendo en muchos países, la experiencia francesa se ha recogido con éxito en otras culturas nacionales, aunque tienen que hablar más sobre trabajos y técnicas individuales que sobre la implementación consistente de ideas. La pintura alemana en el impresionismo está representada principalmente por los nombres de Lesser Uri, Max Liebermann, Lovis Corinth. En los EE. UU., las ideas fueron implementadas por J. Whistler, en España, por J. Sorolla, en Inglaterra, por J. Sargent, en Suecia, por A. Zorn.

Impresionismo en Rusia

El arte ruso del siglo XIX estuvo significativamente influenciado por la cultura francesa, por lo que los artistas rusos tampoco pudieron evitar dejarse llevar por la nueva tendencia. El impresionismo ruso en la pintura está representado de manera más consistente y fructífera en el trabajo de Konstantin Korovin, así como en los trabajos de Igor Grabar, Isaac Levitan, Valentin Serov. Las peculiaridades de la escuela rusa consistían en la naturaleza de estudio de las obras.

¿Qué fue el impresionismo en la pintura? Los artistas fundadores buscaron capturar las impresiones momentáneas del contacto con la naturaleza, y los creadores rusos también intentaron transmitir un significado filosófico más profundo de la obra.

Impresionismo hoy

A pesar de que han pasado casi 150 años desde la aparición de la dirección, el impresionismo moderno en la pintura no ha perdido su relevancia en la actualidad. Debido a la emotividad y la facilidad de percepción, las pinturas de este estilo son muy populares e incluso comercialmente exitosas. Por lo tanto, muchos artistas de todo el mundo están trabajando en esta dirección. Así, el impresionismo ruso en la pintura se presenta en el nuevo museo de Moscú del mismo nombre. Hay exposiciones periódicas de autores contemporáneos, como V. Koshlyakov, N. Bondarenko, B. Gladchenko y otros.

Obras maestras

Los amantes de las bellas artes modernas a menudo llaman al impresionismo en la pintura su dirección favorita. Las pinturas de los artistas de esta escuela se venden en subastas a precios fabulosos, y las colecciones de los museos gozan de una gran atención del público. Se considera que las principales obras maestras del impresionismo son las pinturas de C. Monet "Aguas" y "Sol naciente", O. Renoir "Baile en el Moulin de la Galette", C. Pissarro "Boulevard Montmartre de noche" y "Puente de Bouldieu". en Rouen en un día lluvioso", Degas "Absenta", aunque esta lista puede continuar casi hasta el infinito.

French-impression): movimiento artístico que surge en Francia en los años 60 y 70 del siglo XIX. y recibió la encarnación más vívida en las bellas artes de caballete. Los impresionistas desarrollaron nuevas técnicas de pintura: sombras de colores, mezcla de colores, coloración brillante, así como la descomposición de tonos complejos en tonos puros (su imposición en el lienzo en trazos separados dio lugar a su mezcla óptica a los ojos del espectador). Buscaban transmitir la belleza de los estados fugaces de la naturaleza, la variabilidad y movilidad de la vida circundante. Estas técnicas ayudaron a transmitir la sensación de la luz del sol brillante, las vibraciones de la luz y el aire, crearon la impresión de un ser festivo, la armonía del mundo. Las técnicas impresionistas también se utilizaron en otras formas de arte. En la música, por ejemplo, contribuyeron a la transmisión de los más sutiles movimientos espirituales y estados de ánimo fugaces.

Gran definición

Definición incompleta ↓

Impresionismo

de los franceses impresión - impresión) Una tendencia en el arte que surgió en Francia en el último tercio del siglo XIX. Los principales representantes de I.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, así como Edouard Manet, Edgar Degas y algunos otros artistas cercanos a ellos. El desarrollo de un nuevo estilo de I. tuvo lugar en los años 60-70, y por primera vez como una nueva dirección que se oponía al Salón académico, los impresionistas se declararon en su primera exposición en 1874. En particular, C. El cuadro de Monet “Impresión . Soleil levant" (1872). La crítica de arte oficial reaccionó negativamente a la nueva dirección y burlonamente "bautizó" a sus representantes como "impresionistas", recordando la pintura de Monet, que los irritó particularmente. Sin embargo, el nombre reflejaba la esencia de la dirección y sus representantes lo adoptaron como la designación oficial de su método. El impresionismo no duró mucho como tendencia integral: de 1874 a 1886, cuando los impresionistas organizaron 8 exposiciones conjuntas. El reconocimiento oficial por parte de los conocedores del arte y la crítica de arte llegó mucho más tarde, solo a mediados de los 90. I. tuvo, lo que se hizo evidente ya en el siglo siguiente, un gran impacto en todo el desarrollo posterior de las bellas artes (y la cultura artística en su conjunto). De hecho, con él comenzó una etapa fundamentalmente nueva de la cultura artística, que condujo al medio. siglo XX a la POST-cultura (ver: POST-), es decir, a la transición de la Cultura hacia alguna cualidad fundamentalmente diferente. O. Spengler, quien extendió el concepto de I. a la cultura, lo consideró uno de los signos típicos de la "decadencia de Europa", es decir, la destrucción de la integridad de la cosmovisión, la destrucción de la cultura europea tradicionalmente establecida. Por el contrario, los vanguardistas (ver: Vanguardia) de principios del siglo XX. vio en I. a su precursor, que abrió nuevos horizontes al arte, lo liberó de tareas no artísticas, de los dogmas del positivismo, del academicismo, del realismo, etc., con los que no se puede dejar de estar de acuerdo. Los propios impresionistas, como pintores puros, no pensaron en un significado tan global de su experimento. Ni siquiera lucharon por una revolución especial en el arte. Simplemente vieron el mundo que los rodeaba de una manera ligeramente diferente a como lo vieron los representantes oficiales del Salón, y trataron de consolidar esta visión con medios puramente pictóricos. Al mismo tiempo, se basaron en los descubrimientos artísticos de sus predecesores, principalmente pintores franceses del siglo XIX. Delacroix, Corot, Courbet, "Barbizon". en k Monet, que visitó Londres en 1871, quedó muy impresionado por la obra de W. Turner. Además, los propios impresionistas nombran entre sus predecesores a los clasicistas franceses Poussin, Lorrain, Chardin y el grabado en color japonés del siglo XVIII, y los historiadores del arte ven rasgos de proximidad a los impresionistas en los artistas ingleses T. Gainsborough y J. Constable, por no hablar de U .Turner. Los impresionistas absolutizaron una serie de técnicas de pintura de estos artistas muy diferentes y crearon un sistema de estilo integral sobre esta base. A diferencia de los "académicos", los impresionistas abandonaron las temáticas predeterminadas (filosóficas, morales, religiosas, sociopolíticas, etc.) del arte, a partir de composiciones argumentales reflexivas, premeditadas y claramente trazadas, es decir, comenzaron a luchar contra la predominio de lo "literario" en la pintura, centrándose en medios específicamente pictóricos, en el color y la luz; salían de los talleres al aire libre, donde intentaban empezar y terminar el trabajo de una obra concreta en una sola sesión; abandonaron los colores oscuros y los tonos complejos (colores tierra, "asfalto") característicos del arte de la Nueva Era, cambiando a colores puros y brillantes (su paleta estaba limitada a 7-8 colores), a menudo colocados sobre lienzo en trazos separados, conscientemente apoyándose en su mezcla óptica ya está en la psique del espectador, lo que logra el efecto de especial frescura e inmediatez; siguiendo a Delacroix, dominaron y absolutizaron la sombra de color, el juego de reflejos de color en varias superficies; desmaterializaron el objeto del mundo visible, disolviéndolo en el ambiente aire-luz, que era el principal tema de su atención como pintores puros; en realidad, abandonaron el enfoque de género en las artes visuales, centrando toda su atención en la transmisión pictórica de su impresión subjetiva de un fragmento de realidad visto al azar, más a menudo un paisaje (como en Monet, Sisley, Pissarro), menos a menudo escenas argumentales ( como en Renoir, Degas). Al mismo tiempo, a menudo trataban de transmitir la impresión con una precisión casi ilusionista de hacer coincidir la atmósfera de color, luz y aire del fragmento representado y el momento de la realidad visible. La aleatoriedad del ángulo de visión sobre un fragmento de naturaleza iluminado por la visión artística, la atención al entorno pictórico, y no al sujeto, les llevó a menudo a decisiones compositivas audaces, ángulos de visión agudos e inesperados, cortes que activan la percepción del espectadores, etc. efectos, muchos de los cuales fueron utilizados posteriormente por representantes de varios movimientos de vanguardia. I. se convirtió en una de las direcciones del "arte puro" a fines del siglo XIX, cuyos representantes consideraban que el principio artístico y estético era lo principal en el arte. Los impresionistas sintieron la belleza inexpresable del entorno de luz, color y aire del mundo material y trataron de capturarlo en sus lienzos con una precisión casi documental (por esto a veces se les acusa de naturalismo, que en general apenas está justificado). En pintura, son una especie de panteístas optimistas, los últimos cantores de la alegría despreocupada de la existencia terrenal, adoradores del sol. Como escribió con admiración el neoimpresionista P. Signac, “la luz del sol llena todo el cuadro; el aire en él se balancea, la luz envuelve, acaricia, dispersa formas, penetra por todas partes, incluso en la región de la sombra. Las características estilísticas de I. en la pintura, especialmente el deseo de una representación artística refinada de las impresiones fugaces, el boceto fundamental, la frescura de la percepción directa, etc., resultaron estar cerca de los representantes de otros tipos de arte de esa época. lo que propició la difusión de este concepto a la literatura, la poesía, la música. Sin embargo, en este tipo de arte no hubo una dirección especial de I., aunque muchas de sus características se encuentran en las obras de varios escritores y compositores del último tercio del siglo XIX y principios del XIX. siglo 20 Elementos de la estética impresionista como la vaguedad de la forma, la fijación de la atención en detalles fugaces, brillantes pero aleatorios, insinuaciones, insinuaciones vagas, etc., son inherentes al trabajo de G. de Maupassant, A.P. Chekhov, los primeros T. Mann, R.- M. Rilke, pero especialmente - a los hermanos J. y E. Goncourt, representantes del llamado "yo psicológico", parcialmente - a K. Hamsun. M. Proust y los escritores de la "corriente de la conciencia" se basaron en técnicas impresionistas, desarrollándolas significativamente. En música, los compositores franceses C. Debussy, M. Ravel, P. Duc y algunos otros, que utilizaron el estilo y la estética de I. en su trabajo, se consideran impresionistas. Su música está llena de experiencias directas de la belleza y el lirismo del paisaje, casi imitación del juego de las olas del mar o el susurro de las hojas, el encanto bucólico de las tramas mitológicas antiguas, la alegría de la vida momentánea, el júbilo de la existencia terrenal, el disfrute del juego interminable de la materia sonora. Al igual que los pintores, desdibujan muchos géneros musicales tradicionales, llenándolos de un contenido diferente, aumentando la atención a los efectos puramente estéticos del lenguaje musical, enriqueciendo significativamente la paleta de medios expresivos y visuales de la música. “Esto se aplica ante todo”, escribe el musicólogo I. V. Nestiev, - a la esfera de la armonía con su técnica de paralelismo y encadenamiento caprichoso de manchas de armonías coloridas no resueltas. Los impresionistas ampliaron significativamente el sistema tonal moderno, allanando el camino para muchas innovaciones armónicas del siglo XX. (aunque debilitaron notablemente la claridad de las relaciones funcionales). La complicación y la ampliación de los complejos de acordes (no acordes, acordes undecimacos, cuartas armonías alternativas) se combinan con la simplificación, la arcaización del pensamiento modal (modos naturales, pentatónicos, complejos de tonos completos). La orquestación de los compositores impresionistas está dominada por colores puros, reflejos caprichosos; A menudo se utilizan solos de viento de madera, pasajes de arpa, divisiones de cuerdas complejas y efectos con sordino. Fondos de ostinato típicos y puramente decorativos, que fluyen uniformemente. El ritmo es a veces inestable y esquivo. La melodía se caracteriza no por construcciones redondeadas, sino por breves frases-símbolos expresivos, estratificaciones de motivos. Al mismo tiempo, en la música de los impresionistas, se realzó extraordinariamente el significado de cada sonido, timbre y acorde, y se revelaron posibilidades ilimitadas para expandir el modo. Una frescura especial a la música de los impresionistas estuvo dada por la frecuente apelación a los géneros de la canción y la danza, la sutil implementación de elementos modales y rítmicos tomados del folclore de los pueblos de Oriente, España, en las primeras formas del jazz negro. (Enciclopedia Musical. Vol. 2, M., 1974. St. 507). Poniendo la atención de la artista en los medios figurativos y expresivos del arte y centrándose en la función hedonista y estética del arte, I. abrió nuevas perspectivas y oportunidades para la cultura artística, que aprovechó al máximo (e incluso a veces en exceso) en el siglo XX. siglo. Lit.: Venturi L. De Manet a Lautrec. M., 1938; Rewald J. Historia del impresionismo. L.-M., 1959; Impresionismo. Cartas de artistas. L., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionnisme. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. leipzig. 1957. L. B.

Impresionismo- una tendencia en el arte del último tercio del siglo XIX - principios del siglo XX, que se originó en Francia y luego se extendió por todo el mundo, cuyos representantes buscaron capturar con la mayor naturalidad e imparcialidad el mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus fugaces impresiones Por lo general, el término "impresionismo" significa una dirección en la pintura, aunque sus ideas también han encontrado su encarnación en la literatura y la música.

Cuadro.

El impresionismo se originó en Francia en la segunda mitad del siglo XIX. Los artistas jóvenes querían ir más allá de la pintura clásica. Lo que no fue tan fácil: ni la crítica ni el público quisieron aceptar pinturas tan diferentes a la habitual pintura académica en estilo “antiguo”.

Las pinturas de los artistas de la nueva dirección ni siquiera se consideraban pinturas, parecían bocetos rápidos.

Pero esta era la esencia de la nueva dirección: captar el momento, mostrar la vida tal como es. Los impresionistas no inventan tramas, las toman de la vida cotidiana: esto es todo lo que cualquiera puede ver, con solo salir a la calle.

Los artistas comenzaron a utilizar una técnica de dibujo completamente nueva. Las pinturas del caballete no se mezclaron, sino que se superpusieron al lienzo en trazos separados. Por lo tanto, para obtener una visión holística de la imagen, deben verse desde una distancia corta y no de cerca. Con tal percepción, los trazos claros y separados pasan suavemente entre sí y se forma una idea de la imagen.

A diferencia de los maestros de años pasados, los impresionistas no trabajaron en talleres, terminando y refinando sus bocetos allí. Es entre ellos que la técnica plein air se vuelve popular, es decir, trabajar al aire libre. Los artistas viajaban a los suburbios (el bosque de Fontainebleau era especialmente popular), donde dibujaban picnics o representaban escenas de la vida parisina: Monet y Renoir a menudo representaban escenas a orillas del Sena, y una serie de pinturas de Renoir del Moulin de la Gallette también es conocida.

Pero los impresionistas no siempre estuvieron interesados ​​en las personas o la naturaleza. Era mucho más interesante transmitir, por ejemplo, el movimiento del aire o la caída de la luz del sol. Por ejemplo, en la pintura de Monet "Gare Saint-Lazare", el tema principal de la imagen ni siquiera es la estación o el tren en sí, sino el humo que se eleva en los clubes de una chimenea humeante.

La nueva tendencia difería de la pintura académica, tanto técnica como ideológicamente. En primer lugar, los impresionistas abandonaron el contorno, reemplazándolo con pequeños trazos separados y contrastantes. El rayo de sol se divide en sus componentes: violeta, azul, azul, verde, amarillo, naranja, rojo, pero como el azul es una variedad del azul, su número se reduce a seis. Dos colores colocados uno al lado del otro se refuerzan y, a la inversa, cuando se mezclan pierden su intensidad. Además, todos los colores se dividen en primarios o primarios y duales o derivados, siendo cada pintura dual adicional a la primera:

Azul - Naranja

rojo verde

Amarillo - Púrpura

En general, muchos maestros trabajaron en el estilo del impresionismo, pero Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Degas fueron la base del movimiento. Sin embargo, Manet siempre se llamó a sí mismo un "artista independiente" y nunca participó en exposiciones, y aunque Degas participó, nunca pintó sus obras al aire libre.

pintores (Mucho, pero lo suficientemente breve como para conocer su trabajo)

La fusión orgánica de la tradición y la innovación en el arte de los impresionistas se evidencia, en primer lugar, en la obra del destacado pintor del siglo XIX. Eduardo Manet. Mientras tanto, en estas obras, así como en su trabajo posterior, el artista se basa en la experiencia del arte clásico. En un esfuerzo por comprender estéticamente la vida contemporánea, Manet utiliza los majestuosos esquemas compositivos de los pintores del Renacimiento, desde Giorgione y Tiziano hasta Velásquez y Goya. Sus pinturas, algunos retratos y otras obras de la década de 1860 están escritas en un estilo pictórico tradicional que aún no ha sido superado por completo, aunque aquí también se puede sentir el deseo por el color abierto y la luz natural. Más tarde, la paleta de Manet se vuelve notablemente más clara. Fue uno de los primeros en pintar sobre fondo blanco puro, a veces “cargándolo” con ricos trazos de colores brillantes y soleados, a veces cubriéndolo con los más finos matices de nobles tonos rosados ​​y gris grisáceos. Tenía el don de transmitir la infinita riqueza de colores y el vivo estremecimiento del mundo objetivo, que se manifestaba especialmente claramente en la naturaleza muerta: "ninguno de los contemporáneos de Manet podía pintar una naturaleza muerta mejor que él". supo dar una mirada fresca e imparcial a la realidad que la rodeaba y ampliar la gama de fenómenos a los que se dirigían las bellas artes. No tuvo miedo de hacer un objeto de arte verdaderamente alto y de encarnar en formas pictóricas perfectas aspectos de la vida y las relaciones humanas, de los cuales los artistas anteriores a él se apartaron o no los notaron.

En el centro del arte Edgar Degas un hombre siempre estaba de pie, mientras que el paisaje, casi el género principal de los impresionistas, no jugó un papel significativo en su obra. Gran admirador de Ingres, concedió una importancia excepcional al dibujo. En Italia, admiró a Mantegna, de los artistas franceses se interesó por Poussin y copió sus pinturas. Degas se mueve bajo la influencia de Manet para representar escenas de la vida moderna. Sus temas principales son el mundo del ballet y las carreras de caballos, solo en contados casos los va más allá, refiriéndose a la vida de la bohemia parisina, representando sombrereras, planchadoras y lavanderas. La innovación de Degas a la hora de transmitir el movimiento está indisolublemente unida a su maestría compositiva. En él, incluso más que en Manet, se siente la no intencionalidad, el azar, el arrebato de un episodio separado al fluir de la vida. Lo logra mediante una asimetría inesperada y puntos de vista inusuales (a menudo desde arriba o desde un lado, en ángulo), mediante la "rugosidad" del espacio, como si se mirara en un espejo, mediante un encuadre expresivo y cortes audaces del marco. Este sentimiento de naturalidad y libertad total se ganó con trabajo duro, cálculo preciso y alineación de la construcción compositiva.

Es difícil imaginar una mayor antítesis del arte de Degas que la pintura. augusto renoir uno de los artistas más alegres y que afirman la vida de Francia, a quien A.V. Lunacharsky llamó "el pintor de la felicidad". Los logros más altos de Renoir están asociados con la imagen de mujeres y niños. Su tipo favorito son las mujeres curvilíneas con labios carnosos, narices chatas y ojos encantadores e irreflexivos. Los pinta vestidos y desnudos, al aire libre bajo la lluvia, en un columpio en el jardín, nadando o desayunando con bronceados barqueros. Sus modelos son chicas del pueblo y burguesas pobres, sanas y frescas, que no conocen el corsé y no se avergüenzan de su desnudez.

En el último tercio del siglo XIX. El arte francés sigue desempeñando un papel importante en la vida artística de los países de Europa occidental. En este momento, aparecieron muchas tendencias nuevas en la pintura, cuyos representantes buscaban sus propias formas y formas de expresión creativa.

El fenómeno más llamativo y significativo del arte francés de este período fue el impresionismo.

Los impresionistas se dieron a conocer el 15 de abril de 1874 en la exposición de París, celebrada al aire libre en el Boulevard des Capucines. Aquí, 30 jóvenes artistas cuya obra fue rechazada por el Salón exhibieron sus pinturas. El lugar central de la exposición lo ocupó el cuadro de Claude Monet “Impresión. Amanecer". Esta composición es interesante porque por primera vez en la historia de la pintura, el artista trató de transmitir su impresión en el lienzo, y no el objeto de la realidad.

La exposición fue visitada por el representante de la edición Sharivari, el reportero Louis Leroy. Fue él quien primero llamó a Monet y sus asociados "impresionistas" (de la impresión francesa - impresión), expresando así su evaluación negativa de su pintura. Pronto este nombre irónico perdió su significado negativo original y entró para siempre en la historia del arte.

La exposición del Boulevard des Capucines se convirtió en una especie de manifiesto que proclamaba el surgimiento de una nueva corriente en la pintura. Asistieron O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, así como maestros de la generación anterior: E. Boudin, C. Daubigny, I Jonkind.

Lo más importante para los impresionistas era transmitir la impresión de lo que veían, plasmar en el lienzo un breve momento de la vida. De esta manera, los impresionistas se parecían a los fotógrafos. La trama realmente no les importaba. Los artistas tomaron los temas de sus pinturas de la vida cotidiana que los rodeaba. Pintaron calles tranquilas, cafés nocturnos, paisajes rurales, edificios de la ciudad, artesanos en el trabajo. El juego de luces y sombras jugó un papel importante en sus pinturas, los rayos del sol saltaban sobre los objetos y les daban un aspecto ligeramente inusual y sorprendentemente vivo. Para ver los objetos con luz natural, para transmitir los cambios que se producen en la naturaleza en los diferentes momentos del día, los artistas impresionistas salían de sus talleres y salían al aire libre (plein air).

Los impresionistas utilizaron una nueva técnica de pintura: no mezclaron pinturas en un caballete, sino que las aplicaron inmediatamente al lienzo en trazos separados. Esta técnica permitió transmitir una sensación de dinámica, ligeras fluctuaciones en el aire, el movimiento de las hojas en los árboles y el agua en el río.

Por lo general, las pinturas de los representantes de esta dirección no tenían una composición clara. El artista transfirió al lienzo un momento arrebatado a la vida, por lo que su obra se asemejaba a un marco fotográfico tomado por accidente. Los impresionistas no se adhirieron a los límites claros del género, por ejemplo, el retrato a menudo parecía una escena doméstica.

De 1874 a 1886, los impresionistas organizaron 8 exposiciones, tras lo cual el grupo se disolvió. En cuanto al público, este, como la mayoría de los críticos, percibía el nuevo arte con hostilidad (por ejemplo, la pintura de C. Monet se llamaba “borracho”), por lo que muchos artistas que representaban esta tendencia vivían en la pobreza extrema, a veces sin los medios para terminar lo que comenzaron la imagen. Y solo a fines del siglo XIX, principios del siglo XX. la situación ha cambiado radicalmente.

En su trabajo, los impresionistas utilizaron la experiencia de sus predecesores: artistas románticos (E. Delacroix, T. Gericault), realistas (C. Corot, G. Courbet). Los paisajes de J. Constable tuvieron una gran influencia en ellos.

E. Manet jugó un papel importante en el surgimiento de una nueva tendencia.

Eduardo Manet

Edouard Manet, nacido en 1832 en París, es una de las figuras más significativas de la historia de la pintura mundial, que sentó las bases del impresionismo.

La formación de su cosmovisión artística estuvo influenciada en gran medida por la derrota de la revolución burguesa francesa de 1848. Este evento entusiasmó tanto al joven parisino que decidió dar un paso desesperado y huyó de casa, convirtiéndose en marinero en un velero. Sin embargo, en el futuro, no viajó mucho, dando toda su fuerza mental y física para trabajar.

Los padres de Manet, gente culta y adinerada, soñaban con una carrera administrativa para su hijo, pero sus esperanzas no estaban destinadas a hacerse realidad. La pintura - eso fue lo que interesó al joven, y en 1850 ingresó a la Escuela de Bellas Artes, en el taller de Couture, donde recibió una buena formación profesional. Fue aquí donde el artista novato sintió disgusto por los sellos académicos y de salón en el arte, que no pueden reflejar completamente lo que está sujeto solo a un verdadero maestro con su estilo individual de escritura.

Por ello, tras estudiar durante algún tiempo en el taller de Alta Costura y adquirir experiencia, Manet lo abandona en 1856 y vuelve a los lienzos de sus grandes predecesores expuestos en el Louvre, copiándolos y estudiándolos detenidamente. Las obras de maestros como Tiziano, D. Velázquez, F. Goya y E. Delacroix tuvieron una gran influencia en sus puntos de vista creativos; el joven artista se inclinó ante este último. En 1857, Manet visitó al gran maestro y le pidió permiso para hacer varias copias de su "Barca de Dante", que se conservan hasta el día de hoy en el Museo Metropolitano de Arte de Lyon.

segunda mitad de la década de 1860. el artista se dedicó al estudio de los museos de España, Inglaterra, Italia y Holanda, donde copió pinturas de Rembrandt, Tiziano, entre otros.En 1861, sus obras “Retrato de padres” y “Guitarrista” recibieron elogios de la crítica y fueron premiados una “Mención de Honor”.

El estudio de la obra de los maestros antiguos (principalmente venecianos, españoles del siglo XVII y posteriormente F. Goya) y su replanteamiento lleva a que hacia la década de 1860. hay una contradicción en el arte de Manet, manifestada en la imposición de una impronta de museo en algunas de sus primeras pinturas, que incluyen: El cantor español (1860), en parte El niño con el perro (1860), El viejo músico (1862).

En cuanto a los héroes, el artista, como los realistas de mediados del siglo XIX, los encuentra entre la bulliciosa multitud parisina, entre los que pasean por el jardín de las Tullerías y los asiduos visitantes de los cafés. Básicamente, este es un mundo brillante y colorido de bohemia: poetas, actores, artistas, modelos, participantes en la corrida de toros española: "Música en las Tullerías" (1860), "Cantante de la calle" (1862), "Lola de Valencia" ( 1862), "Desayuno en la hierba" (1863), "Flautista" (1866), "Retrato de E. Zsl" (1868).

Entre los primeros lienzos, un lugar especial lo ocupa el "Retrato de los padres" (1861), que es un boceto realista muy preciso de la apariencia y el carácter de la pareja de ancianos. El significado estético de la imagen radica no solo en una penetración detallada en el mundo espiritual de los personajes, sino también en la precisión con la que se transmite la combinación de observación y riqueza del desarrollo pictórico, lo que indica el conocimiento de las tradiciones artísticas de E. Delacroix.

Otro lienzo, que es obra programa del pintor y, todo hay que decirlo, muy típico de sus primeros trabajos, es "Desayuno sobre la hierba" (1863). En esta imagen, Manet tomó una cierta composición de la trama, completamente desprovista de significado.

El cuadro bien puede considerarse como una imagen del desayuno de dos artistas en el seno de la naturaleza, rodeados de modelos femeninas (de hecho, el hermano del artista, Eugene Manet, F. Lenkof, y una modelo, Quiz Meran, posaron para la cuadro, a cuyos servicios recurrió Manet con bastante frecuencia). Uno de ellos entró en el arroyo, y el otro, desnudo, se sienta en compañía de dos hombres vestidos a la moda artística. Como saben, el motivo de comparar el cuerpo de un hombre vestido con el de una mujer desnuda es tradicional y se remonta al cuadro de Giorgione "Concierto campestre", que se encuentra en el Louvre.

La disposición compositiva de las figuras reproduce parcialmente el famoso grabado renacentista de Marcantonio Raimondi a partir de un cuadro de Rafael. Este lienzo, por así decirlo, afirma polémicamente dos posiciones interrelacionadas. Una es la necesidad de superar los clichés del arte de salón, que ha perdido su verdadera conexión con una gran tradición artística, y volver directamente al realismo del Renacimiento y del siglo XVII, es decir, los verdaderos orígenes del arte realista de el tiempo nuevo Otra disposición confirma el derecho y el deber del artista de retratar los personajes de la vida cotidiana que le rodean. En ese momento, esta combinación conllevaba una cierta contradicción. La mayoría creía que no se podía lograr una nueva etapa en el desarrollo del realismo llenando viejos esquemas compositivos con nuevos tipos y personajes. Pero Edouard Manet logró superar la dualidad de los principios de la pintura en su primer período de creatividad.

Sin embargo, a pesar de la naturaleza tradicional de la trama y la composición, así como de la presencia de pinturas de maestros de salón que representan bellezas míticas desnudas en poses francamente seductoras, la pintura de Manet causó un gran escándalo entre la burguesía moderna. El público quedó impactado por la yuxtaposición de un cuerpo femenino desnudo con un atuendo masculino moderno, prosaicamente cotidiano.

En cuanto a las normas pictóricas, Luncheon on the Grass fue escrito en un compromiso, característico de la década de 1860. manera, caracterizada por una tendencia a los colores oscuros, sombras negras, así como un atractivo no siempre consistente para la iluminación al aire libre y el color abierto. Si nos dirigimos a un boceto preliminar hecho en acuarela, entonces (más que en la imagen en sí) se nota cuán grande es el interés del maestro por los nuevos problemas pictóricos.

La pintura "Olympia" (1863), en la que se da el contorno de una mujer desnuda reclinada, parece referirse a tradiciones compositivas generalmente aceptadas; una imagen similar se encuentra en Giorgione, Tiziano, Rembrandt y D. Velázquez. Sin embargo, en su creación, Manet sigue un camino diferente, siguiendo a F. Goya (“Maha desnuda”) y rechazando la motivación mitológica de la trama, la interpretación de la imagen introducida por los venecianos y conservada parcialmente por D. Velásquez (“Venus con un espejo”).

"Olympia" no es en absoluto una imagen poéticamente repensada de la belleza femenina, sino un retrato expresivo, magistralmente ejecutado, que transmite con precisión y, hasta se podría decir, algo fríamente, el parecido con Quiz Meran, modelo constante de Manet. El pintor muestra fielmente la palidez natural del cuerpo de una mujer moderna que teme a los rayos del sol. Mientras los viejos maestros enfatizaban la belleza poética del cuerpo desnudo, la musicalidad y la armonía de sus ritmos, Manet se enfoca en transmitir los motivos de la especificidad de la vida, alejándose por completo de la idealización poética inherente a sus predecesores. Así, por ejemplo, el gesto de la Venus de Jorge con la mano izquierda en Olimpia adquiere una connotación casi vulgar en su indiferencia. Extremadamente característica es la mirada indiferente, pero al mismo tiempo atentamente fija del espectador de la modelo, en contraposición al ensimismamiento de Venus Giorgione y la ensoñación sensible de la Venus de Urbino de Tiziano.

En esta imagen, hay signos de una transición a la siguiente etapa en el desarrollo de la forma creativa del pintor. Se replantea el esquema compositivo habitual, que consiste en la observación prosaica y la visión pictórica y artística del mundo. La yuxtaposición de agudos contrastes capturados instantáneamente contribuye a la destrucción de la armonía compositiva equilibrada de los viejos maestros. Así, la estática de una modelo que posa y la dinámica en las imágenes de una mujer negra y un gato negro que dobla la espalda chocan. Los cambios también afectan a la técnica de la pintura, lo que da una nueva comprensión de las tareas figurativas del lenguaje artístico. Edouard Manet, como muchos otros impresionistas, en particular Claude Monet y Camille Pissarro, abandona el anticuado sistema de pintura que se desarrolló en el siglo XVII. (pintura de base, escritura, veladura). A partir de ese momento se empezaron a pintar lienzos con una técnica denominada “a la prima”, que se caracterizó por una mayor inmediatez, emotividad, cercana a los estudios y bocetos.

El período de transición de la creatividad temprana a la madura, que ocupa casi toda la segunda mitad de la década de 1860 para Manet, está representado por pinturas como Flautista (1866), Balcón (c. 1868-1869) y otras.

En el primer lienzo, sobre un fondo gris oliva neutro, se representa a un niño músico que se lleva una flauta a los labios. La expresividad de un movimiento apenas perceptible, el eco rítmico de los botones de oro iridiscente sobre el uniforme azul con el ligero y rápido deslizamiento de los dedos por los agujeros de las flautas hablan de la maestría innata y sutiles poderes de observación del maestro. A pesar de que el estilo de pintura aquí es bastante denso, el color es pesado y el artista aún no se ha volcado al aire libre, este lienzo, en mayor medida que todos los demás, anticipa el período de madurez de la obra de Manet. En cuanto al Balcón, está más cerca del Olimpia que de las obras de la década de 1870.

En 1870-1880. Manet se convierte en el pintor más destacado de su tiempo. Y aunque los impresionistas lo consideraron su líder ideológico e inspirador, y él mismo siempre estuvo de acuerdo con ellos al interpretar los puntos de vista fundamentales sobre el arte, su trabajo es mucho más amplio y no encaja en el marco de ninguna dirección. El llamado impresionismo de Manet, de hecho, está más cerca del arte de los maestros japoneses. Simplifica los motivos, equilibrando lo decorativo y lo real, crea una idea generalizada de lo que vio: una impresión pura, desprovista de detalles que distraigan, una expresión de la alegría de la sensación ("A la orilla del mar", 1873).

Además, como género dominante, busca preservar un cuadro compositivamente completo, donde el lugar principal lo ocupa la imagen de una persona. El arte de Manet es la etapa final en el desarrollo de una tradición centenaria de pintura narrativa realista, que se originó en el Renacimiento.

En las obras posteriores de Manet, hay una tendencia a alejarse de una interpretación detallada de los detalles del entorno que rodea al héroe retratado. Así, en el retrato de Mallarmé, lleno de dinámicas nerviosas, el artista se fija en el gesto del poeta, como asomado por casualidad, que, de manera soñadora, apoya la mano con un cigarro humeante sobre la mesa. Con todo el esbozo, lo principal en el carácter y almacén mental de Mallarmé se captura con sorprendente precisión, con gran persuasión. La profunda caracterización del mundo interior del individuo, característica de los retratos de J. L. David y J. O. D. Ingres, se sustituye aquí por una caracterización más aguda y directa. Tal es el retrato suavemente poético de Berthe Morisot con un abanico (1872) y la elegante imagen al pastel de George Moore (1879).

En la obra del pintor hay obras relacionadas con temas históricos y grandes acontecimientos de la vida pública. Sin embargo, cabe señalar que estos lienzos tienen menos éxito, porque los problemas de este tipo eran ajenos a su talento artístico, el círculo de ideas y las ideas sobre la vida.

Entonces, por ejemplo, una apelación a los eventos de la Guerra Civil entre el Norte y el Sur en los Estados Unidos resultó en la imagen del hundimiento del barco corsario de los sureños por parte de los norteños ("Batalla de Kirsezh" con el " Alabama”, 1864), y el episodio se puede atribuir más al paisaje, donde los barcos militares actúan como dotación. El Fusilamiento de Maximiliano (1867), en esencia, tiene el carácter de un sketch de género, desprovisto no sólo de interés por el conflicto de los mexicanos en lucha, sino también del dramatismo mismo del hecho.

El tema de la historia moderna fue tocado por Manet durante los días de la Comuna de París (La ejecución de los comuneros, 1871). La actitud de simpatía hacia los Comuneros le da crédito al autor de la imagen, quien nunca antes se había interesado por tales eventos. Sin embargo, su valor artístico es inferior al de otros lienzos, ya que de hecho aquí se repite el esquema compositivo de “La ejecución de Maximiliano”, y el autor se limita a un esbozo que no refleja en absoluto el significado del cruel choque. de dos mundos opuestos.

En el tiempo posterior, Manet ya no recurre a un género histórico ajeno a él, prefiriendo revelar el comienzo artístico y expresivo en episodios, encontrándolos en el fluir de la vida cotidiana. Al mismo tiempo, seleccionó cuidadosamente los momentos especialmente característicos, buscó el punto de vista más expresivo y luego los reprodujo con gran habilidad en sus pinturas.

El encanto de la mayoría de las creaciones de este período no se debe tanto a la trascendencia del acontecimiento representado como al dinamismo y la ingeniosa observación del autor.

Un ejemplo notable de una composición grupal al aire libre es la pintura "En un bote" (1874), donde la combinación del contorno de la popa de un velero, la energía contenida de los movimientos del timonel, la gracia soñadora de una dama sentada , la transparencia del aire, la sensación de frescura de la brisa y el movimiento deslizante de la embarcación crean una estampa indescriptible, llena de luz, alegría y frescura. .

Un nicho especial en la obra de Manet lo ocupan los bodegones, característicos de diferentes períodos de su obra. Por lo tanto, la naturaleza muerta temprana "Peonías" (1864-1865) representa capullos rojos y blanco-rosados ​​en flor, así como flores que ya han florecido y comienzan a marchitarse, dejando caer pétalos sobre un mantel que cubre la mesa. Los trabajos posteriores se destacan por su esbozo sin esfuerzo. En ellas, el pintor intenta transmitir el resplandor de las flores, envueltas en una atmósfera impregnada de luz. Tal es la pintura "Rosas en un vaso de cristal" (1882-1883).

Al final de su vida, Manet, aparentemente, estaba insatisfecho con lo que había logrado y trató de volver a escribir grandes composiciones de tramas completas con un nivel diferente de habilidad. En este momento comienza a trabajar en uno de los lienzos más significativos - "El bar del Folies Bergère" (1881-1882), en el que aborda un nuevo nivel, una nueva etapa en el desarrollo de su arte, interrumpido por muerte (como se sabe, durante Manet estuvo gravemente enfermo mientras trabajaba). En el centro de la composición se encuentra la figura de una joven vendedora, de frente al espectador. Una rubia atractiva y un poco cansada, vestida con un vestido oscuro con un resplandor profundo, está de pie contra el fondo de un enorme espejo que ocupa toda la pared, que refleja el brillo de la luz parpadeante y los contornos vagos y borrosos de la audiencia sentada en el mesas de la cafetería. La mujer se vuelve hacia la sala, en la que, por así decirlo, se encuentra el propio espectador. Esta peculiar técnica le da a la imagen tradicional, a primera vista, cierta inestabilidad, sugiriendo una yuxtaposición del mundo real y el reflejado. Al mismo tiempo, el eje central de la imagen se desplaza hacia la esquina derecha, en la que, según lo típico de la década de 1870. recepción, el marco del cuadro tapa ligeramente la figura de un hombre con sombrero de copa, reflejado en el espejo, hablando con una joven vendedora.

Por lo tanto, en este trabajo, el principio clásico de simetría y estabilidad se combina con un cambio dinámico hacia un lado, así como con la fragmentación, cuando un cierto momento (fragmento) es arrebatado de una sola corriente de vida.

Sería erróneo pensar que el argumento de El bar del Folies Bergère carece de contenido esencial y es una especie de monumentalización de lo insignificante. La figura de una joven, pero ya internamente cansada e indiferente a la mascarada circundante de una mujer, su mirada errante se volvió hacia ninguna parte, la alienación del brillo ilusorio de la vida detrás de ella, aporta un matiz semántico significativo a la obra, sorprendiendo al espectador con su inesperado.

El espectador admira la frescura única de dos rosas de pie sobre la barra en una copa de cristal con bordes brillantes; y luego, involuntariamente, se comparan estas lujosas flores con una rosa medio marchita en la cercanía del salón, prendida al escote del vestido de la vendedora. Mirando la imagen, se puede ver el contraste único entre la frescura de su pecho entreabierto y la mirada indiferente que deambula entre la multitud. Este trabajo se considera un programa en el trabajo del artista, ya que contiene elementos de todos sus temas y géneros favoritos: retrato, naturaleza muerta, varios efectos de iluminación, movimiento de multitudes.

En general, el legado dejado por Manet está representado por dos aspectos, que se acentúan especialmente en su última obra. En primer lugar, con su obra completa y agota el desarrollo de las tradiciones realistas clásicas del arte francés del siglo XIX, y en segundo lugar, deposita en el arte los primeros brotes de aquellas tendencias que serán recogidas y desarrolladas por los buscadores del nuevo realismo. en el siglo 20.

El pintor recibió un reconocimiento completo y oficial en los últimos años de su vida, concretamente en 1882, cuando recibió la Orden de la Legión de Honor (el principal premio de Francia). Manet murió en 1883 en París.

Claude Monet

Claude Monet, artista francés, uno de los fundadores del impresionismo, nació en 1840 en París.

Como hijo de un modesto tendero que se mudó de París a Rouen, el joven Monet dibujó divertidas caricaturas al comienzo de su carrera, luego estudió con el paisajista de Rouen Eugene Boudin, uno de los creadores del paisaje realista al aire libre. Boudin no solo convenció al futuro pintor de la necesidad de trabajar al aire libre, sino que consiguió inculcarle el amor por la naturaleza, la observación atenta y la transmisión veraz de lo que veía.

En 1859, Monet parte hacia París con el objetivo de convertirse en un verdadero artista. Sus padres soñaron que ingresaría a la Escuela de Bellas Artes, pero el joven no justifica sus esperanzas y se lanza de cabeza a la vida bohemia, adquiere numerosas amistades en el medio artístico. Totalmente privado del apoyo material de sus padres y, por lo tanto, sin medios de subsistencia, Monet se vio obligado a alistarse en el ejército. Sin embargo, incluso después de regresar de Argelia, donde tuvo que realizar un servicio difícil, continúa llevando la misma forma de vida. Un poco más tarde, conoció a I. Ionkind, quien lo fascinó con el trabajo sobre estudios naturales. Y luego visita el estudio de Suisse, durante algún tiempo estudia en el estudio del entonces famoso pintor de la dirección académica: M. Gleyre, y también se acerca a un grupo de jóvenes artistas (J.F. Basil, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley y otros), quienes, como el propio Monet, buscaban nuevas vías de desarrollo en el arte.

La mayor influencia en el pintor novato no fue la escuela de M. Gleyre, sino la amistad con personas de ideas afines, críticos ardientes del academicismo de salón. Fue gracias a esta amistad, apoyo mutuo, la oportunidad de intercambiar experiencias y compartir logros que nació un nuevo sistema pictórico, que más tarde recibió el nombre de "impresionismo".

La base de la reforma fue que la obra se desarrollara en la naturaleza, a cielo abierto. Al mismo tiempo, los artistas pintaron al aire libre no solo bocetos, sino todo el cuadro. En contacto directo con la naturaleza, se convencieron cada vez más de que el color de los objetos cambia constantemente según el cambio de iluminación, el estado de la atmósfera, la proximidad de otros objetos que emiten reflejos de color y muchos otros factores. Fueron estos cambios los que buscaron transmitir a través de sus obras.

En 1865, Monet decidió pintar un gran lienzo "al estilo de Manet, pero al aire libre". Fue Almuerzo sobre la hierba (1866), su primera obra más significativa, que representa a parisinos elegantemente vestidos saliendo de la ciudad y sentados a la sombra de un árbol alrededor de un mantel extendido en el suelo. La obra se caracteriza por el carácter tradicional de su composición cerrada y equilibrada. Sin embargo, la atención del artista se dirige no tanto a la oportunidad de mostrar personajes humanos o crear una composición argumental expresiva, sino a encajar figuras humanas en el paisaje circundante y transmitir la atmósfera de tranquilidad y relajación que prevalece entre ellas. Para crear este efecto, el artista presta gran atención a la transferencia de los rayos del sol que atraviesan el follaje, jugando con el mantel y el vestido de la joven sentada en el centro. Monet captura y transmite con precisión el juego de reflejos de color en los manteles y la translucidez de un vestido ligero de mujer. Con estos descubrimientos se inicia la ruptura del antiguo sistema de pintura, que enfatiza las sombras oscuras y una densa forma matérica de ejecución.

Desde entonces, la aproximación al mundo de Monet se ha convertido en paisaje. El carácter humano, la relación de las personas le interesan menos. Eventos 1870-1871 obligó a Monet a emigrar a Londres, desde donde viaja a Holanda. A su regreso, pinta varios cuadros que se han vuelto programáticos en su obra. Estos incluyen "Impresión. Amanecer" (1872), "Lilas al sol" (1873), "Boulevard des Capucines" (1873), "Campo de amapolas en Argenteuil" (1873), etc.

En 1874, algunos de ellos fueron expuestos en la famosa exposición organizada por la "Sociedad Anónima de Pintores, Artistas y Grabadores", dirigida por el propio Monet. Después de la exposición, Monet y un grupo de sus personas de ideas afines comenzaron a llamarse impresionistas (del francés impresión - impresión). En ese momento, los principios artísticos de Monet, característicos de la primera etapa de su trabajo, finalmente se formaron en un cierto sistema.

En el paisaje al aire libre Lilacs in the Sun (1873), que representa a dos mujeres sentadas a la sombra de grandes arbustos de lilas en flor, sus figuras son tratadas de la misma manera y con la misma atención que los propios arbustos y la hierba en la que se encuentran. ellos se sientan. Las figuras de las personas son solo una parte del paisaje general, mientras que la sensación de la suave calidez del comienzo del verano, la frescura del follaje joven, la neblina de un día soleado se transmiten con extraordinaria vivacidad y persuasión directa, que no es característica de esa época.

Otra imagen, "Boulevard des Capucines", refleja todas las principales contradicciones, ventajas y desventajas del método impresionista. Aquí se transmite con mucha precisión un momento arrebatado al fluir de la vida de una gran ciudad: la sensación de un ruido sordo y monótono del tráfico, la transparencia húmeda del aire, los rayos del sol de febrero deslizándose por las ramas desnudas de los árboles, una película de nubes grisáceas cubriendo el azul del cielo... La imagen es fugaz, pero sin embargo menos vigilante y percibiendo la mirada del artista, y el artista es sensible, respondiendo a todos los fenómenos de la vida. El hecho de que la mirada se lanza realmente por casualidad es enfatizado por la reflexiva composición
recepción: el marco de la imagen de la derecha, por así decirlo, corta las figuras de hombres de pie en el balcón.

Los lienzos de este período hacen sentir al espectador que él mismo es el protagonista de esta celebración de la vida, llena de luz solar y el bullicio incesante de una multitud elegante.

Instalado en Argenteuil, Monet escribe con gran interés sobre el Sena, los puentes, los veleros ligeros deslizándose sobre la superficie del agua...

El paisaje lo cautiva tanto que, sucumbiendo a una atracción irresistible, construye él mismo un pequeño bote y llega en él a su Rouen natal, y allí, asombrado por la imagen que ve, salpica sus sentimientos en bocetos, que representan el entorno. de la ciudad y grandes aguas marinas que entran en la desembocadura del río barcos ("Argenteuil", 1872; "Velero en Argenteuil", 1873-1874).

1877 está marcado por la creación de una serie de pinturas que representan la estación de tren de Saint-Lazare. Esbozaron una nueva etapa en la obra de Monet.

Desde entonces, los bocetos, que se distinguen por su exhaustividad, han dado paso a obras en las que lo principal es una aproximación analítica a lo representado (“Gare Saint-Lazare”, 1877). El cambio en el estilo de pintura está asociado con cambios en la vida personal del artista: su esposa Camilla cae gravemente enferma, la pobreza cae sobre la familia, causada por el nacimiento de un segundo hijo.

Después de la muerte de su esposa, Alice Goshede se hizo cargo del cuidado de los niños, cuya familia alquiló la misma casa en Vetheuil que Monet. Esta mujer más tarde se convirtió en su segunda esposa. Después de un tiempo, la situación financiera de Monet mejoró tanto que pudo comprar su propia casa en Giverny, donde trabajó el resto del tiempo.

El pintor siente sutilmente las nuevas tendencias, lo que le permite anticipar mucho con una perspicacia sorprendente.
de lo que lograrán los artistas de finales del siglo XIX y principios del XX. Cambia la actitud de color y tramas.
pinturas Ahora su atención se centra en la expresividad del esquema cromático de la pincelada aislada de su correlación temática, potenciando el efecto decorativo. En última instancia, crea pinturas sobre paneles. Parcelas simples 1860-1870 dan paso a complejos, saturados de varios motivos asociativos: imágenes épicas de rocas, filas elegíacas de álamos ("Rocas en Belle-Ile", 1866; "Álamos", 1891).

Este período está marcado por numerosos trabajos en serie: las composiciones de "Hacks" ("Pajar en la nieve. Día sombrío", 1891; "Hacks. Fin del día. Otoño", 1891), imágenes de la Catedral de Rouen ("Catedral de Rouen al mediodía", 1894, etc.), Vistas de Londres ("Niebla en Londres", 1903, etc.). Aún trabajando de manera impresionista y usando una variedad de tonalidades de su paleta, el maestro pretende transmitir con la mayor precisión y confiabilidad cómo la iluminación de los mismos objetos puede cambiar en diferentes climas durante el día.

Si observa más de cerca una serie de pinturas sobre la Catedral de Rouen, queda claro que la catedral aquí no es la encarnación del complejo mundo de pensamientos, sentimientos e ideales de la gente de la Francia medieval, y ni siquiera un monumento de arte. y la arquitectura, sino una especie de fondo, a partir del cual el autor transmite el estado de vida, la luz y la atmósfera. El espectador siente el frescor de la brisa matutina, el calor del mediodía, las suaves sombras del atardecer inminente, que son los verdaderos héroes de esta serie.

Sin embargo, además de esto, tales pinturas son composiciones decorativas inusuales que, gracias a las conexiones asociativas que surgen involuntariamente, dan al espectador la impresión de la dinámica del tiempo y el espacio.

Habiéndose mudado con su familia a Giverny, Monet pasó mucho tiempo en el jardín, organizando su pintura. Esta ocupación influyó tanto en la visión del artista que, en lugar del mundo ordinario habitado por personas, comenzó a representar en sus lienzos el misterioso mundo decorativo del agua y las plantas ("Iris at Giverny", 1923; "Weeping Willows", 1923). ). De ahí las vistas de estanques con nenúfares flotando en ellos, que se muestran en la serie más famosa de sus últimos paneles (“Nenúfares blancos. Armonía del azul”, 1918-1921).

Giverny se convirtió en el último refugio del artista, donde murió en 1926.

Cabe señalar que la manera de escribir de los impresionistas era muy diferente a la de los académicos. Los impresionistas, en particular Monet y su gente de ideas afines, estaban interesados ​​​​en la expresividad del esquema de color de la pincelada aisladamente de su correlación temática. Es decir, escribieron en trazos separados, usando solo pinturas puras que no se mezclaron en la paleta, mientras que el tono deseado ya estaba formado en la percepción del espectador. Entonces, para el follaje de los árboles y la hierba, junto con el verde, se usaron el azul y el amarillo, dando el tono correcto de verde a distancia. Este método le dio a las obras de los maestros impresionistas una pureza y frescura especiales, inherentes solo a ellos. Los trazos colocados por separado crearon la impresión de un relieve y, por así decirlo, una superficie vibrante.

Pedro Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir, pintor, grafista y escultor francés, uno de los líderes del grupo impresionista, nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges, en el seno de una familia pobre de un sastre de provincias, que se trasladó a París en 1845. El talento del joven Renoir fue advertido por sus padres bastante pronto, y en 1854 lo destinaron a un taller de pintura de porcelana. Mientras visitaba el taller, Renoir estudió simultáneamente en la escuela de dibujo y artes aplicadas, y en 1862, después de haber ahorrado dinero (ganando dinero pintando escudos de armas, cortinas y abanicos), el joven artista ingresó en la Escuela de Bellas Artes. Un poco más tarde, comenzó a visitar el taller de C. Gleyre, donde se hizo muy amigo de A. Sisley, F. Basil y C. Monet. A menudo visitaba el Louvre, estudiando las obras de maestros como A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.

La comunicación con un grupo de impresionistas lleva a Renoir a desarrollar su propio estilo de visión. Así, por ejemplo, a diferencia de ellos, a lo largo de toda su obra recurrió a la imagen de una persona como motivo principal de sus pinturas. Además, su obra, aunque fue al aire libre, nunca se disolvió
peso plástico del mundo material en el medio trémulo de la luz.

El uso del claroscuro por parte del pintor, que da a la imagen una forma casi escultórica, hace que sus primeras obras se parezcan a las de algunos artistas realistas, en particular G. Courbet. Sin embargo, un esquema de color cada vez más claro, inherente solo a Renoir, distingue a este maestro de sus predecesores ("La taberna de la madre Antonio", 1866). En muchas de las obras del artista se nota un intento de transmitir la plasticidad natural del movimiento de las figuras humanas al aire libre. En "Retrato de Alfred Sisley con su esposa" (1868), Renoir intenta mostrar el sentimiento que une a la pareja que camina del brazo: Sisley se detuvo un momento y se inclinó suavemente hacia su esposa. En este cuadro, con una composición que recuerda a un marco fotográfico, el motivo del movimiento sigue siendo accidental y prácticamente inconsciente. Sin embargo, en comparación con la "Taberna", las figuras del "Retrato de Alfred Sisley con su esposa" parecen más tranquilas y vivas. Otro punto importante es significativo: los cónyuges están representados en la naturaleza (en el jardín), pero Renoir aún no tiene experiencia en representar figuras humanas al aire libre.

"Retrato de Alfred Sisley con su esposa": el primer paso del artista en el camino hacia el nuevo arte. La siguiente etapa en el trabajo del artista fue la pintura Bañarse en el Sena (c. 1869), donde las figuras de personas que caminan por la orilla, bañistas, así como botes y grupos de árboles se unen por la atmósfera de aire ligero de un hermoso día de verano. El pintor ya utiliza libremente sombras de colores y reflejos de colores claros. Su frotis se vuelve vivo y enérgico.

Al igual que C. Monet, a Renoir le gusta el problema de incluir la figura humana en el mundo del medio ambiente. El artista resuelve este problema en la pintura "Columpio" (1876), pero de una manera ligeramente diferente a la de C. Monet, en la que las figuras de personas parecen disolverse en el paisaje. Renoir introduce varias figuras clave en su composición. La forma pintoresca en la que está hecho este lienzo transmite con mucha naturalidad la atmósfera de un caluroso día de verano suavizado por la sombra. La imagen está impregnada de un sentimiento de felicidad y alegría.

A mediados de la década de 1870. Renoir pinta obras como el paisaje bañado por el sol "Path in the Meadows" (1875), lleno de movimiento vivo y elusivo juego de reflejos de luz brillante "Moulin de la Galette" (1876), así como "Paraguas" ( 1883), "Lodge" (1874) y The End of Breakfast (1879). Estos hermosos lienzos fueron creados a pesar de que el artista tuvo que trabajar en un entorno difícil, ya que tras la escandalosa exposición de los impresionistas (1874), la obra de Renoir (así como la de sus afines) fue objeto de fuertes críticas. ataques de los llamados conocedores del arte. Sin embargo, durante este momento difícil, Renoir sintió el apoyo de dos personas cercanas a él: el hermano Edmond (editor de la revista La Vie Moderne) y Georges Charpentier (propietario del semanario). Ayudaron al artista a conseguir una pequeña cantidad de dinero y alquilar un taller.

Cabe señalar que, en términos de composición, el paisaje "Path in the Meadows" está muy cerca de "Poppies" (1873) de C. Monet, sin embargo, la textura pintoresca de los lienzos de Renoir es más densa y matérica. Otra diferencia en cuanto a la solución compositiva es el cielo. En Renoir, para quien lo importante era la materialidad del mundo natural, el cielo ocupa solo una pequeña parte de la imagen, mientras que en Monet, que representó el cielo con nubes gris plateadas o blancas como la nieve que lo cruzan, es se eleva sobre una ladera salpicada de amapolas en flor, lo que realza la sensación de un día de verano bañado por el sol.

En las composiciones "Moulin de la Galette" (con ella un verdadero éxito para el artista), "Paraguas", "Lodge" y "The End of Breakfast" muestran claramente (como en Manet y Degas) interés en un aparentemente accidental situación de vida asomada; también es característica la apelación al método de cortar el marco del espacio compositivo, que también es característico de E. Degas y en parte de E. Manet. Pero, a diferencia de las obras de este último, las pinturas de Renoir se distinguen por una gran calma y contemplación.

El lienzo “La Logia”, en el que, como si mirara a través de binoculares filas de sillas, el autor se encuentra sin darse cuenta con una caja en la que se encuentra una belleza con una mirada indiferente. Su compañera, por el contrario, mira al público con gran interés. Parte de su figura está recortada por el marco del cuadro.

La obra "El final del desayuno" presenta un episodio rudimentario: dos damas vestidas de blanco y negro, así como su caballero, completan el desayuno en un rincón sombreado del jardín. La mesa ya está puesta para el café, que se sirve en tazas de fina porcelana azul pálido. Las mujeres esperan la continuación de la historia, que el hombre interrumpe para encender un cigarro. Esta imagen no es un psicologismo dramático o profundo, atrae la atención del espectador con una transferencia sutil de los tonos más pequeños del estado de ánimo.

Un sentimiento similar de alegría tranquila impregna el "Desayuno de los remeros" (1881), lleno de luz y movimiento vivo. El entusiasmo y el encanto emanan de la figura de una bella joven sentada con un perro en brazos. El artista representó a su futura esposa en la imagen. El lienzo "Desnudo" (1876) está lleno del mismo estado de ánimo alegre, solo que en una refracción ligeramente diferente. La frescura y calidez del cuerpo de una mujer joven contrasta con el tejido frío azulado de las sábanas y linos, que forman una especie de fondo.

Un rasgo característico del trabajo de Renoir es que una persona está privada de su compleja plenitud psicológica y moral, que es característica de la pintura de casi todos los artistas realistas. Esta característica es inherente no solo a obras como "Desnudo" (donde la naturaleza del motivo de la trama permite la ausencia de tales cualidades), sino también a los retratos de Renoir. Sin embargo, esto no priva a su lienzo de encanto, que radica en la alegría de los personajes.

En la mayor medida, estas cualidades se sienten en el famoso retrato de Renoir "Muchacha con abanico" (c. 1881). El lienzo es el nexo de unión entre la obra temprana de Renoir y la posterior, caracterizada por una cromática más fría y refinada. Durante este período, el artista, en mayor medida que antes, tiene interés en las líneas claras, en un dibujo claro, así como en la localidad del color. El artista asigna un papel importante a las repeticiones rítmicas (el semicírculo de un abanico, el respaldo semicircular de una silla roja, los hombros inclinados de una niña).

Sin embargo, todas estas tendencias en la pintura de Renoir se manifestaron con mayor plenitud en la segunda mitad de la década de 1880, cuando se asentó la decepción en su obra y el impresionismo en general. Habiendo destruido algunas de sus obras, que el artista consideró "secas", comienza a estudiar el trabajo de N. Poussin, recurre al dibujo de J. O. D. Ingres. Como resultado, su paleta adquiere una luminosidad especial. La llamada. "Período de la perla", conocido por obras como "Girls at the Piano" (1892), "The Sleeping Bather" (1897), así como retratos de hijos - Pierre, Jean y Claude - "Gabriel and Jean" ( 1895), "Coco" (1901).

Además, de 1884 a 1887, Renoir trabaja en una serie de variantes del gran cuadro "Bañistas". En ellos consigue una clara completitud compositiva. Sin embargo, todos los intentos de revivir y repensar las tradiciones de los grandes predecesores, mientras se alejaba de la trama de los grandes problemas de nuestro tiempo, terminaron en fracaso. "Bañistas" solo alienó al artista de su anterior percepción directa y fresca de la vida. Todo esto explica en gran medida el hecho de que desde la década de 1890. El trabajo de Renoir se vuelve más débil: los tonos rojo anaranjado comienzan a predominar en el color de sus obras, y el fondo, sin profundidad aérea, se vuelve decorativo y plano.

A partir de 1903, Renoir se instaló en su propia casa de Cagnes-sur-Mer, donde continuó trabajando paisajes, composiciones con figuras humanas y bodegones, en los que predominan los tonos rojizos ya mencionados anteriormente. Al estar gravemente enfermo, el artista ya no puede sostener los pinceles por sí mismo y se los ata a las manos. Sin embargo, después de un tiempo, la pintura debe abandonarse por completo. Entonces el maestro se vuelve hacia la escultura. Junto con el asistente de Guino, crea varias esculturas sorprendentes, que se distinguen por la belleza y la armonía de las siluetas, la alegría y el poder de afirmación de la vida (Venus, 1913; The Great Laundress, 1917; Motherhood, 1916). Renoir murió en 1919 en su finca de los Alpes Marítimos.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, pintor, grafista y escultor francés, el mayor representante del impresionismo, nació en 1834 en París en la familia de un rico banquero. Siendo acomodado, recibió una excelente educación en el prestigioso Liceo que lleva el nombre de Luis el Grande (1845-1852). Durante algún tiempo fue alumno de la Facultad de Derecho de la Universidad de París (1853), pero, sintiendo ansia por el arte, abandonó la universidad y comenzó a frecuentar el estudio del artista L. Lamotte (alumno y seguidor de Ingres) y al mismo tiempo (desde 1855) la Escuela
Bellas Artes. Sin embargo, en 1856, inesperadamente para todos, Degas abandonó París y se fue a Italia durante dos años, donde estudió con gran interés y, como muchos pintores, copió las obras de los grandes maestros del Renacimiento. Su mayor atención se presta a las obras de A. Mantegna y P. Veronese, cuya pintura inspirada y colorida el joven artista apreciaba mucho.

Las primeras obras de Degas (principalmente retratos) se caracterizan por un dibujo claro y preciso y una sutil observación, combinados con una escritura exquisitamente sobria (bocetos de su hermano, 1856-1857; dibujo de la cabeza de la baronesa Belleli, 1859) o con sorprendentes veracidad de la ejecución (retrato de un mendigo italiano, 1857).

De regreso a su tierra natal, Degas recurrió al tema histórico, pero le dio una interpretación poco característica de la época. Así, en la composición "Spartan Girls Challenge Young Men to a Competition" (1860), el maestro, ignorando la idealización condicional de la trama antigua, busca encarnarla como podría ser en la realidad. La antigüedad aquí, como en sus otros lienzos de tema histórico, es como si pasara por el prisma de la modernidad: las imágenes de niñas y jóvenes de la antigua Esparta con formas angulosas, cuerpos delgados y movimientos bruscos, representadas en el contexto de una vida cotidiana. paisaje prosaico, están lejos de las ideas clásicas y se asemejan más a los adolescentes ordinarios de los suburbios parisinos que a los espartanos idealizados.

Durante la década de 1860, hubo una formación gradual del método creativo del pintor novato. En esta década, junto a lienzos históricos menos significativos (“Semiramide contemplando la construcción de Babilonia”, 1861), el artista crea varias obras de retratos, en las que se perfeccionan las dotes de observación y realismo. En este sentido, el más indicativo es el cuadro “Cabeza de mujer joven”, creado por
en 1867

En 1861, Degas conoció a E. Manet y pronto se convirtió en un asiduo del café Gerbois, donde se reúnen los jóvenes innovadores de la época: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley y otros, pero si les interesa principalmente el paisaje y el trabajo al aire libre, luego Degas se centra más en el tema de la ciudad, tipos parisinos. Se siente atraído por todo lo que está en movimiento; la estática lo deja indiferente.

Degas fue un observador muy atento, capturando sutilmente todo lo que es característicamente expresivo en el cambio sin fin de los fenómenos de la vida. Así, transmitiendo el ritmo alocado de la gran ciudad, llega a la creación de una de las variantes del género cotidiano dedicada a la ciudad capitalista.

En la obra de este período destacan los retratos, entre los que hay muchos que se catalogan como las perlas de la pintura mundial. Entre ellos se encuentran un retrato de la familia Belleli (c. 1860-1862), un retrato de mujer (1867), un retrato del padre del artista escuchando al guitarrista Pagan (c. 1872).

Algunas pinturas del período de la década de 1870 se caracterizan por una impasibilidad fotográfica en la representación de los personajes. Un ejemplo es un lienzo llamado "Lección de baile" (c. 1874), realizado en fríos tonos azulados. Con asombrosa precisión, el autor capta los movimientos de las bailarinas que toman lecciones de un antiguo maestro de danza. Sin embargo, hay pinturas de diferente naturaleza, como, por ejemplo, un retrato del vizconde Lepic con sus hijas en la plaza de la Concordia, que data de 1873. Aquí, la sobria fijación prosaica es superada por la pronunciada dinámica de la composición y la extraordinaria nitidez del traslado del personaje de Lepic; en una palabra, esto sucede debido a la revelación artísticamente aguda y aguda del comienzo de la vida característicamente expresivo.

Cabe señalar que las obras de este período reflejan la visión del artista sobre el evento representado por él. Sus pinturas destruyen los cánones académicos habituales. El cuadro de Degas Los músicos de la orquesta (1872) se basa en el marcado contraste que se crea al comparar las cabezas de los músicos (pintadas en primer plano) y la pequeña figura de un bailarín inclinándose ante el público. El interés por el movimiento expresivo y su copia exacta en el lienzo se observa también en numerosos bocetos de figurillas de bailarines (no olvidemos que Degas también era escultor), creados por el maestro para captar la esencia del movimiento, su lógica con la mayor precisión. como sea posible.

El artista se interesó por la especificidad profesional de los movimientos, las posturas y los gestos, desprovistos de toda poetización. Esto es especialmente notorio en las obras dedicadas a las carreras de caballos ("Jockey Joven", 1866-1868; "Carreras de Caballos en la Provincia. Tripulación en las Carreras", ca. 1872; "Jinetes frente a las gradas", ca. 1879, etc.). En The Ride of Racehorses (1870), el análisis del aspecto profesional del asunto se presenta casi con la precisión de un reportero. Si comparamos este lienzo con el cuadro de T. Géricault "Las carreras de Epsom", inmediatamente queda claro que, debido a su evidente analiticidad, la obra de Degas pierde mucho frente a la composición emocional de T. Géricault. Las mismas cualidades son inherentes al pastel "Bailarina en el escenario" de Degas (1876-1878), que no pertenece al número de sus obras maestras.

Sin embargo, a pesar de tal unilateralidad, y quizás incluso gracias a ella, el arte de Degas se distingue por la persuasión y el contenido. En sus obras programáticas revela con gran precisión y destreza la profundidad y complejidad del estado interior del retratado, así como el ambiente de alienación y soledad en el que vive la sociedad contemporánea, incluido el propio autor.

Por primera vez, estos estados de ánimo quedaron registrados en un pequeño lienzo “Bailarina frente a un fotógrafo” (década de 1870), en el que el artista pintó la figura solitaria de una bailarina, congelada en una atmósfera lúgubre y sombría en una pose aprendida frente a de un voluminoso aparato fotográfico. En el futuro, un sentimiento de amargura y soledad penetra en lienzos como "Absinthe" (1876), "Singer from the Cafe" (1878), "Ironers" (1884) y muchos otros. Degas mostró dos figuras de un hombre y una mujer, solitaria e indiferente entre sí y con el mundo entero. El tenue parpadeo verdoso de un vaso lleno de absenta enfatiza la tristeza y la desesperanza que se ven en los ojos de la mujer y en su postura. Un hombre de barba pálida con la cara hinchada es sombrío y pensativo.

Creatividad Degas inherente interés genuino en los personajes de las personas, a las características peculiares de su comportamiento, así como una composición dinámica bien construida que reemplazó a la tradicional. Su principio fundamental es encontrar los ángulos más expresivos en la realidad misma. Esto distingue la obra de Degas del arte de otros impresionistas (en particular, C. Monet, A. Sisley y, en parte, O. Renoir) con su enfoque contemplativo del mundo que los rodea. El artista ya utilizó este principio en su obra temprana The Cotton Receiving Office in New Orleans (1873), que despertó la admiración de E. Goncourt por su sinceridad y realismo. Tales son sus obras posteriores "Miss Lala en el Fernando Circus" (1879) y "Bailarinas en el Foyer" (1879), donde dentro de un mismo motivo se da un sutil análisis del cambio de diversos movimientos.

A veces, esta técnica es utilizada por algunos investigadores para indicar la proximidad de Degas con A. Watteau. Aunque ambos artistas son efectivamente similares en algunos puntos (A. Watteau también se centra en los diversos matices de un mismo movimiento), basta comparar el dibujo de A. Watteau con la imagen de los movimientos del violinista de la citada composición de Degas. , ya que inmediatamente se siente lo contrario de sus técnicas artísticas.

Si A. Watteau intenta transmitir las esquivas transiciones de un movimiento a otro, por así decirlo, semitonos, entonces para Degas, por el contrario, es característico un cambio enérgico y contrastante en los motivos del movimiento. Se esfuerza más por su comparación y colisión brusca, a menudo haciendo que la figura sea angular. De esta forma, el artista trata de captar la dinámica del desarrollo de la vida contemporánea.

A fines de la década de 1880 - principios de la de 1890. en la obra de Degas hay un predominio de los motivos decorativos, lo que probablemente se deba a cierto entorpecimiento de la vigilancia de su percepción artística. Si en los lienzos de principios de la década de 1880 dedicados al desnudo (“Mujer saliendo del baño”, 1883) hay un mayor interés por la viva expresividad del movimiento, a finales de la década el interés del artista se desvía notablemente hacia la representación de la belleza femenina. Esto es especialmente notable en la pintura "Bañándose" (1886), donde el pintor transmite con gran habilidad el encanto del cuerpo flexible y elegante de una mujer joven inclinada sobre su pelvis.

Los artistas han pintado pinturas similares antes, pero Degas toma un camino ligeramente diferente. Si las heroínas de otros maestros siempre sintieron la presencia del espectador, aquí el pintor representa a una mujer, como si no se preocupara por cómo se ve desde el exterior. Y aunque tales situaciones parecen hermosas y bastante naturales, las imágenes en tales obras a menudo se acercan a lo grotesco. Después de todo, cualquier pose y gesto, incluso los más íntimos, son bastante apropiados aquí, están completamente justificados por una necesidad funcional: al lavarse, extienda la mano hacia el lugar correcto, desabroche el broche en la parte posterior, deslícese, agárrese de algo.

En los últimos años de su vida, Degas estuvo más involucrado en la escultura que en la pintura. Esto se debe en parte a enfermedades oculares y discapacidad visual. Crea las mismas imágenes que están presentes en sus pinturas: esculpe figuras de bailarinas, bailarines, caballos. Al mismo tiempo, el artista intenta transmitir la dinámica de los movimientos con la mayor precisión posible. Degas no abandona la pintura que, aunque pasa a un segundo plano, no desaparece por completo de su obra.

Debido a la construcción formalmente expresiva y rítmica de las composiciones, el deseo de una interpretación decorativo-planar de las imágenes de las pinturas de Degas, realizado a fines de la década de 1880 y durante la década de 1890. resultan desprovistos de credibilidad realista y se vuelven como paneles decorativos.

Degas pasó el resto de su vida en su París natal, donde murió en 1917.

camille pissarro

Camille Pissarro, pintora y artista gráfica francesa, nació en 1830 aproximadamente. Santo Tomás (Antillas) en la familia de un comerciante. Fue educado en París, donde estudió desde 1842 hasta 1847. Después de completar sus estudios, Pissarro regresó a St. Thomas y comenzó a ayudar a su padre en la tienda. Sin embargo, esto no era en absoluto lo que soñaba el joven. Su interés iba mucho más allá del mostrador. La pintura era lo más importante para él, pero su padre no apoyó el interés de su hijo y se opuso a que dejara el negocio familiar. El completo malentendido y la falta de voluntad de la familia para reunirse a mitad de camino llevó al hecho de que el joven completamente desesperado huyó a Venezuela (1853). Este acto todavía influyó en el padre inflexible, y permitió que su hijo fuera a París a estudiar pintura.

En París, Pissarro entró en el estudio de Suisse, donde estudió durante seis años (de 1855 a 1861). En la Exposición Mundial de Pintura de 1855, el futuro artista descubrió a J. O. D. Ingres, G. Courbet, pero las obras de C. Corot le causaron la mayor impresión. Por consejo de este último, al continuar visitando el estudio de Suisse, el joven pintor ingresó en la Escuela de Bellas Artes de A. Melby. En esta época conoce a C. Monet, con quien pinta paisajes de las afueras de París.

En 1859, Pissarro expuso sus pinturas por primera vez en el Salón. Sus primeras obras fueron escritas bajo la influencia de C. Corot y G. Courbet, pero poco a poco Pissarro llega a desarrollar su propio estilo. Un pintor novato dedica mucho tiempo a trabajar al aire libre. Él, como otros impresionistas, está interesado en la vida de la naturaleza en movimiento. Pissarro presta gran atención al color, que puede transmitir no solo la forma, sino también la esencia material del objeto. Para revelar el encanto y la belleza únicos de la naturaleza, utiliza ligeros trazos de colores puros que, interactuando entre sí, crean una gama tonal vibrante. Dibujadas en forma de cruz, líneas paralelas y diagonales, dan a toda la imagen una increíble sensación de profundidad y sonido rítmico ("El Sena en Marly", 1871).

La pintura no le da mucho dinero a Pissarro, y apenas llega a fin de mes. En momentos de desesperación, el artista intenta romper para siempre con el arte, pero pronto vuelve a la creatividad.

Durante la guerra franco-prusiana, Pissarro vive en Londres. Junto a C. Monet, pinta paisajes londinenses del natural. La casa del artista en Louveciennes en ese momento fue saqueada por los invasores prusianos. La mayoría de las pinturas que quedaron en la casa fueron destruidas. Los soldados extendieron las lonas en el patio bajo sus pies durante la lluvia.

Al regresar a París, Pissarro todavía atraviesa dificultades financieras. República que vino a reemplazar
imperio, no cambió casi nada en Francia. La burguesía, empobrecida tras los acontecimientos relacionados con la Comuna, no puede comprar cuadros. En este momento, Pissarro toma bajo su patrocinio al joven artista P. Cezanne. Juntos trabajan en Pontoise, donde Pissarro crea lienzos que representan los alrededores de Pontoise, donde el artista vivió hasta 1884 (“Oise in Pontoise”, 1873); pueblos tranquilos, caminos que se pierden en la distancia ("Camino de Gisors a Pontoise bajo la nieve", 1873; "Tejados rojos", 1877; "Paisaje en Pontoise", 1877).

Pissarro participó activamente en las ocho exposiciones de los impresionistas, organizadas entre 1874 y 1886. Poseedor de un talento pedagógico, el pintor pudo encontrar un lenguaje común con casi todos los artistas novatos y los ayudó con consejos. Los contemporáneos dijeron sobre él que "incluso puede enseñar a dibujar piedras". El talento del maestro era tan grande que podía distinguir hasta los más sutiles matices de colores donde otros solo veían grises, marrones y verdes.

Un lugar especial en la obra de Pissarro lo ocupan los lienzos dedicados a la ciudad, que se muestra como un organismo vivo, en constante cambio según la luz y la estación. El artista tenía una habilidad asombrosa para ver mucho y captar lo que otros no notaron. Entonces, por ejemplo, mirando por la misma ventana, escribió 30 obras que representan Montmartre ("Montmartre Boulevard in Paris", 1897). El maestro amaba apasionadamente París, por lo que le dedicó la mayoría de las pinturas. El artista logró transmitir en sus obras la magia única que hizo de París una de las ciudades más grandes del mundo. Para el trabajo, el pintor alquilaba habitaciones en la calle Saint-Lazare, Grands Boulevards, etc. Todo lo que veía lo trasladaba a sus lienzos (“Boulevard italiano por la mañana, iluminado por el sol”, 1897; “Lugar del Teatro Francés de París , primavera”, 1898; “Pasaje de ópera en París).

Entre sus paisajes urbanos se encuentran obras que retratan otras ciudades. Entonces, en la década de 1890. el maestro vivió durante mucho tiempo en Dieppe, luego en Rouen. En pinturas dedicadas a varias partes de Francia, reveló la belleza de las plazas antiguas, la poesía de las callejuelas y los edificios antiguos, de los que se respira el espíritu de épocas pasadas ("El gran puente de Rouen", 1896; "El puente de Boildieu en Rouen at Sunset”, 1896; “Vista de Rouen”, 1898; “La iglesia de Saint-Jacques en Dieppe”, 1901).

Aunque los paisajes de Pissarro no son de colores vivos, su textura pictórica es inusualmente rica en varios matices: por ejemplo, el tono gris de un pavimento de adoquines está formado por trazos de rosa puro, azul, azul, ocre dorado, rojo inglés, etc. Como resultado, el gris parece madreperla, brilla y resplandece, haciendo que las pinturas parezcan gemas.

Pissarro creó no solo paisajes. En su obra también hay pinturas de género, que encarnaron el interés por el hombre.

Entre las más significativas, cabe destacar "Café con leche" (1881), "Niña con una rama" (1881), "Mujer con un niño en el pozo" (1882), "Mercado: un comerciante de carne" (1883). ). Trabajando en estas obras, el pintor buscó agilizar el trazo e introducir elementos de monumentalidad en las composiciones.

A mediados de la década de 1880, ya un artista maduro, Pissarro, bajo la influencia de Seurat y Signac, se interesó por el divisionismo y comenzó a pintar con pequeños puntos de colores. Así, una obra suya como “Lacroix Island, Rouen. Niebla" (1888). Sin embargo, la afición no duró mucho y pronto (1890) el maestro volvió a su estilo anterior.

Además de la pintura, Pissarro trabajó en acuarela, creó grabados, litografías y dibujos.
El artista murió en París en 1903.

Impresionismo (del francés " impresión"- impresión) es una tendencia en el arte (literatura, pintura, arquitectura), apareció a fines del siglo XIX y principios del XX en Francia y rápidamente se generalizó en otros países del mundo. Los seguidores de la nueva dirección, que creían que las técnicas tradicionales académicas, por ejemplo, en pintura o arquitectura, no pueden transmitir completamente la plenitud y los detalles más pequeños del mundo que los rodea, cambiaron a utilizar técnicas y métodos completamente nuevos, en primer lugar en pintura, luego en literatura y música. Hicieron posible representar de la manera más vívida y natural toda la movilidad y variabilidad del mundo real al transmitir no su apariencia fotográfica, sino a través del prisma de las impresiones y emociones de los autores sobre lo que vieron.

Se considera que el autor del término "impresionismo" es el crítico y periodista francés Louis Leroy, quien, bajo la impresión de visitar la exposición de un grupo de jóvenes artistas "Salón de los marginados" en 1874 en París, los llama impresionistas en su feuilleton, una especie de "impresionistas", y esta afirmación tiene un carácter un tanto despectivo e irónico. La base para el nombre de este término fue la pintura de Claude Monet vista por el crítico “Impresión. Sol naciente". Y aunque al principio muchas de las pinturas de esta exposición fueron duramente criticadas y rechazadas, más tarde esta dirección recibió un mayor reconocimiento del público y se hizo popular en todo el mundo.

Impresionismo en la pintura

(Claude Monet "Barcos en la playa")

El nuevo estilo, forma y técnica de representación no fueron inventados desde cero por los artistas impresionistas franceses, sino que se basaron en la experiencia y los logros de los pintores más talentosos del Renacimiento: Rubens, Velásquez, El Greco, Goya. De ellos, los impresionistas tomaron tales métodos de una transmisión más vívida y viva del mundo que les rodea o de la expresividad de las condiciones climáticas, como el uso de tonos intermedios, el uso de la técnica brillante o viceversa de trazos apagados, grandes o pequeños. , caracterizado por la abstracción. Los seguidores de la nueva dirección en la pintura abandonaron por completo la forma académica tradicional de dibujar o rehicieron por completo los métodos y métodos de representación a su manera, introduciendo innovaciones tales como:

• Los objetos, objetos o figuras se representaron sin contorno, se reemplazaron por trazos pequeños y contrastantes;
• No se utilizó una paleta para mezclar colores, se seleccionaron colores que se complementaran entre sí y no requirieran fusionarse. A veces, la pintura se exprimía sobre el lienzo directamente desde un tubo de metal, formando un color puro y brillante con un efecto de pincelada;
• La práctica ausencia de negro;
• Los lienzos fueron pintados en su mayoría al aire libre, del natural, para transmitir de manera más vívida y expresiva sus emociones e impresiones de lo que vieron;
• El uso de pinturas con alto poder cubriente;
• Aplicar nuevos trazos directamente sobre la superficie aún húmeda del lienzo;
• Creación de ciclos de pinturas para estudiar los cambios de luces y sombras ('Pajares de paja' de Claude Monet);
• Falta de descripción de problemas sociales, filosóficos o religiosos agudos, eventos históricos o significativos. Las obras de los impresionistas están llenas de emociones positivas, no hay lugar para la tristeza y los pensamientos pesados, solo hay ligereza, alegría y belleza en cada momento, sinceridad de sentimientos y franqueza de emociones.

(Edouard Manet "Leyendo")

Y aunque no todos los artistas de esta dirección se adhirieron a una precisión particular al realizar todas las características exactas del estilo impresionista (Edouard Manet se posicionó como un artista separado y nunca participó en exposiciones conjuntas (hubo 8 en total desde 1874 hasta 1886). Edgar Degas trabajaba solo en su propio taller), esto no les impidió crear obras maestras de bellas artes, que aún se conservan en los mejores museos y colecciones privadas de todo el mundo.

pintores impresionistas rusos

Impresionados por las ideas creativas de los impresionistas franceses, los artistas rusos de finales del siglo XIX y principios del XX crearon sus obras maestras originales de bellas artes, más tarde conocidas bajo el nombre general de "impresionismo ruso".

(V. A. Serov "Chica con melocotones")

Sus representantes más destacados son Konstantin Korovin ("Retrato de una corista", 1883, "Idilio del norte", 1886), Valentin Serov ("Ventana abierta. Lila", 1886, "Niña con melocotones", 1887), Arkhip Kuindzhi ( "Norte", 1879, "Dnepr en la mañana" 1881), Abram Arkhipov ("Mar del Norte", "Paisaje. Estudio con una casa de troncos"), impresionista "tardío" Igor Grabar ("Birch Alley", 1940, "Invierno Paisaje", 1954).

(Borisov-Musatov "Canción de otoño")

Los métodos y la forma de representación inherentes al impresionismo tuvieron lugar en el trabajo de artistas rusos tan destacados como Borisov-Musatov, Bogdanov Belsky, Nilus. Los cánones clásicos del impresionismo francés en las pinturas de artistas rusos han sufrido algunos cambios, como resultado de lo cual esta dirección ha adquirido una especificidad nacional original.

Impresionistas extranjeros

Una de las primeras obras realizadas en el estilo del impresionismo es el cuadro de Edouard Manet "Desayuno sobre la hierba", expuesto al público en 1860 en el Salón de los Rechazados de París, donde se encuentran lienzos que no pasaron la selección del Salón de París. de las Artes podría ser desmantelado. El cuadro, pintado en un estilo radicalmente diferente de la forma tradicional de representación, provocó muchas críticas y reunió a los seguidores de la nueva dirección artística en torno al artista.

(Edouard Manet "En la taberna de Papa Lathuille")

Los artistas impresionistas más famosos incluyen a Edouard Manet ("Bar en el Folies Bergère", "Música en las Tullerías", "Desayuno sobre la hierba", "Papa Lathuille's", "Argenteuil"), Claude Monet ("Campo de amapolas en Argenteuil ", "Camina hacia el acantilado en Pourville", "Mujeres en el jardín", "Dama con paraguas", "Boulevard des Capucines", una serie de obras "Nenúfares", "Impresión. Sol naciente"), Alfred Sisley ("Country Avenue", "Escarcha en Louveciennes", "Puente en Argenteuil", "Nieve temprana en Louveciennes", "Césped en primavera"), Pierre-Auguste Renoir ("Desayuno de los remeros", "Baile en el Moulin de la Galette", "Baile en el pueblo", "Paraguas", "Baile en Bougival", "Chicas al piano"), Camille Pizarro ("Montmartre Boulevard at Night", "Cosecha en Eragny", "Segadores descansando", "Jardín en Pontoise", "Entrada al pueblo de Voisin"), Edgar Degas ("Clase de baile", "Ensayo", "Concierto en el Ambassador Café", "Orquesta de ópera", "Bailarines de azul", "Bebedores de absenta ”), Georges Seurat (“Domingo”, “Can-Can”, “Las modelos”) y otros.

(Paul Cézanne "Pierrot y Arlequín"")

Cuatro artistas en los años 90 del siglo XIX crean una nueva dirección en el arte basada en el impresionismo y se autodenominan postimpresionistas (Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Su trabajo se caracteriza por la transferencia no de sensaciones e impresiones fugaces del mundo circundante, sino por el conocimiento de la verdadera esencia de las cosas, que se oculta bajo su capa exterior. Sus obras más famosas son: Paul Gauguin ("Una broma traviesa", "La Orana María", "La lucha de Jacob con un ángel", "Cristo amarillo"), Paul Cezanne ("Pierrot y Arlequín", "Grandes bañistas", " Lady in Blue ”), Vincent Van Gogh (Noche estrellada”, “Girasoles”, “Iris”), Henri de Toulouse-Lautrec (“Lavandera”, “Baño”, “Enseñanza de danza en el Moulin Rouge”).

Impresionismo en la escultura

(Auguste Rodin "El Pensador")

Como una tendencia separada en la arquitectura, el impresionismo no se desarrolló; puedes encontrar sus características y signos individuales en algunas composiciones escultóricas y monumentos. Escultura este estilo da una plasticidad libre de formas suaves, crean un asombroso juego de luces en la superficie de las figuras y dan una cierta sensación de incompletitud, los personajes escultóricos a menudo se representan en el momento del movimiento. Los trabajos en esta dirección incluyen las esculturas del famoso escultor francés Auguste Rodin ("El beso", "El pensador", "El poeta y la musa", "Romeo y Julieta", "Eterna primavera"), el artista italiano y el escultor Medardo Rosso (figuras de arcilla y yeso rellenas de cera para lograr un efecto de luz único: “El guardián y la proxeneta”, “Edad de oro”, “Maternidad”), la pepita brillante rusa Pavel Trubetskoy (un busto de bronce de Leo Tolstoi, un monumento a Alejandro III en San Petersburgo).