Historia. Impresionismo francés: características generales, principales maestros Principios artísticos del impresionismo.

La dirección de I. se desarrolló en Francia en los últimos. tercio del siglo XIX - temprano siglo 20 y pasó por 3 pasos:

1860-70 - principios de I.

1874-80s - maduro I.

años 90 del siglo XIX - tarde yo

El nombre de la dirección I. proviene del nombre de la pintura de C. Monet “Impresión. El sol naciente, escrito en 1872.

Orígenes: el trabajo del "pequeño" holandés (Vermeer), E. Delacroix, G. Courbet, F. Millet, K. Corot, los artistas de la escuela de Barbizon: todos intentaron capturar los estados de ánimo más sutiles de la naturaleza, la atmósfera, realizando pequeños bocetos en la naturaleza.

Grabado japonés, del que se celebró una exposición en París en 1867, donde por primera vez se mostraban series completas de imágenes de un mismo objeto en diferentes épocas del año, del día, etc. (“100 Vistas del Monte Fuji”, Estación Tokaido, etc.)

Principios estéticos Y.:

Rechazo de las convenciones del clasicismo; rechazo de temas históricos, bíblicos, mitológicos, obligatorios para el clasicismo;

Trabajo al aire libre (excepto E. Degas);

Transferencia de una impresión instantánea, que incluye la observación y el estudio de la realidad circundante en diversas manifestaciones;

Pintores impresionistas expresados ​​en pinturas no solo lo que ven(como en el realismo) pero como ven(principio subjetivo);

Los impresionistas, como artistas de la ciudad, intentaron captarla en toda su diversidad, dinámica, velocidad, diversidad de ropajes, anuncios, movimiento (C. Monet “Boulevard des Capucines en París”;

La pintura impresionista se caracteriza por motivos democráticos, que afirman la belleza de la vida cotidiana; parcelas: esta es una ciudad moderna, con su entretenimiento: cafés, teatros, restaurantes, circos (E. Manet, O. Renoir, E. Degas). Es importante señalar el carácter poético de los motivos de la imagen;

Nuevas formas de pintura: encuadre, boceto, estudio, pequeños tamaños de obras para enfatizar la fugacidad de la impresión, violando la integridad de los objetos;

La trama de las pinturas impresionistas no era básica y típica, como en la dirección realista del siglo XIX, sino aleatoria (no una actuación, un ensayo: E. Degas: una serie de ballet);

- "mezcla de géneros": paisaje, género cotidiano, retrato y naturaleza muerta (E. Manet - "Bar en el Folies-Bergere";

Imagen instantánea del mismo objeto en diferentes épocas del año, día (C. Monet - “Pajares”, “Álamos”, una serie de imágenes de la Catedral de Rouen, nenúfares, etc.)

La creación de un nuevo sistema pictórico para preservar la frescura de la impresión instantánea: la descomposición de tonos complejos en colores puros, pinceladas separadas de color puro que se mezclan en el ojo del espectador con una gama cromática brillante. La pintura de los impresionistas es una variedad de trazos de coma, lo que le da a la capa de pintura temblor y relieve;

El papel especial del agua en su imagen: el agua como un espejo, un medio de color vibrante (C. Monet "Rocks in Belle-Ile").

De 1874 a 1886, los impresionistas realizaron 8 exposiciones; después de 1886, el impresionismo comienza a descomponerse como una tendencia holística en neoimpresionismo y postimpresionismo.

Representantes del impresionismo francés: Edouard Manet, Claude Monet, el fundador de I., Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro.

El impresionismo ruso se caracteriza:

Un desarrollo más acelerado del impresionismo en su "forma pura", porque. esta tendencia en la pintura rusa aparece a finales de los años 80 del siglo XIX;

Gran prolongación en el tiempo (I. aparece como coloración estilística en las obras de los principales artistas rusos: V. Serov, K. Korovin)

Gran contemplación y lirismo, "versión rural" (en comparación con el francés "urbano"): I. Grabar - "Azul de febrero", "Nieve de marzo", "Nieve de septiembre";

Representación de temas puramente rusos (V. Serov, I. Grabar);

Mayor interés en una persona (V. Serov "Niña iluminada por el sol" "Niña con melocotones";

Menos dinamización de la percepción;

Coloración romántica.

El impresionismo es uno de los movimientos más famosos de la pintura francesa, si no el más famoso. Y se originó a finales de los años 60 y principios de los 70 del siglo XIX e influyó en gran medida en el desarrollo posterior del arte de esa época.

Impresionismo en la pintura

El nombre en sí impresionismo” fue acuñado por un crítico de arte francés llamado Louis Leroy después de visitar la primera exposición impresionista en 1874, donde criticó la pintura de Claude Monet “Impresión: Sol naciente” (“impresión” en francés suena como “impresión”).

Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, Frederic Bazille son los principales representantes del impresionismo.

El impresionismo en la pintura se caracteriza por trazos rápidos, espontáneos y libres. El principio rector era una imagen realista del entorno de aire ligero.

Los impresionistas buscaron capturar momentos fugaces en el lienzo. Si en ese mismo momento el objeto aparece en un color no natural, debido a un cierto ángulo de incidencia de la luz o su reflejo, entonces el artista lo representa de esa manera: por ejemplo, si el sol pinta de rosa la superficie de un estanque, entonces se escribirá en rosa.

caracteristicas del impresionismo

Hablando de las principales características del impresionismo, es necesario nombrar las siguientes:

• imagen inmediata y ópticamente precisa de un momento fugaz;
• hacer todo el trabajo al aire libre: no más bocetos preparatorios y trabajos de acabado en el estudio;

• el uso de color puro en el lienzo, sin mezcla previa en la paleta;
• el uso de salpicaduras de pintura brillante, trazos de varios tamaños y grados de barrido, que visualmente suman una sola imagen cuando se ven desde la distancia.

impresionismo ruso

El retrato de referencia en este estilo se considera una de las obras maestras de la pintura rusa: "La joven de los melocotones" de Alexander Serov, para quien el impresionismo, sin embargo, se convirtió solo en un período de pasión. El impresionismo ruso también incluye obras escritas a finales del siglo XIX y principios del XX por Konstantin Korovin, Abram Arkhipov, Philip Malyavin, Igor Grabar y otros artistas.

Esta afiliación es bastante condicional, ya que el impresionismo ruso y el francés clásico tienen sus propios detalles. El impresionismo ruso estaba más cerca de la materialidad, la objetividad de las obras, gravitaba hacia el significado artístico, mientras que el impresionismo francés, como se mencionó anteriormente, simplemente buscaba representar momentos de la vida, sin filosofía innecesaria.

De hecho, el impresionismo ruso adoptó del francés solo el lado externo del estilo, los métodos de su pintura, pero no asimiló el pensamiento pictórico mismo incrustado en el impresionismo.

El impresionismo moderno continúa las tradiciones del impresionismo francés clásico. En la pintura moderna del siglo XXI, muchos artistas están trabajando en esta dirección, por ejemplo, Laurent Parcelier, Karen Tarleton, Diana Leonard y otros.

Obras maestras al estilo del impresionismo

"Terraza en Sainte-Adresse" (1867), Claude Monet

Esta pintura se puede llamar la primera obra maestra de Monet. Sigue siendo la pintura impresionista temprana más popular. Aquí también hay un tema favorito del artista: las flores y el mar. El lienzo representa a varias personas relajándose en una terraza en un día soleado. En las sillas, de espaldas al público, están representados los familiares del propio Monet.

Todo el cuadro está inundado de luz solar brillante. Se separan límites claros entre la tierra, el cielo y el mar, ordenando la composición verticalmente con la ayuda de dos astas de bandera, sin embargo, la composición no tiene un centro claro. Los colores de las banderas se combinan con la naturaleza circundante, enfatizando la diversidad y riqueza de colores.

"Baile en el Moulin de la Galette" (1876), Pierre-Auguste Renoir

Esta pintura representa una típica tarde de domingo en el París del siglo XIX en el Moulin de la Galette, un café con pista de baile al aire libre, llamado así por el molino de viento cercano, emblemático de Montmartre. La casa de Renoir estaba ubicada al lado de este café; frecuentaba los bailes de los domingos por la tarde y disfrutaba viendo parejas felices.

Renoir muestra un verdadero talento y combina el arte del retrato de grupo, la naturaleza muerta y la pintura de paisajes en una sola pintura. El uso de la luz en esta composición y la suavidad de los trazos representan mejor el estilo para una amplia audiencia. impresionismo. Esta pintura se ha convertido en una de las pinturas más caras jamás vendidas en una subasta.

Boulevard Montmartre de noche (1897), Camille Pissarro

Si bien Pissarro es famoso por sus pinturas de la vida rural, también pintó una gran cantidad de bellas escenas urbanas del siglo XIX en París. Le gustaba pintar la ciudad por el juego de luces durante el día y la noche, por los caminos iluminados tanto por la luz del sol como por las farolas.

En 1897 alquiló una habitación en el boulevard Montmartre y lo pintó a diferentes horas del día, siendo esta obra la única de la serie capturada después de la caída de la noche. El lienzo está lleno de manchas de luces de la ciudad de color azul intenso y amarillo brillante. En todas las imágenes del ciclo "tabloide", el núcleo principal de la composición es el camino que se adentra en la distancia.

Ahora la pintura está en la National Gallery de Londres, pero durante la vida de Pissarro, ella nunca exhibió en ningún lado.

Puedes ver un video sobre la historia y las condiciones de la creatividad de los principales representantes del impresionismo aquí:

Impresionismo (Fr. impresionismo, de impresión- impresión) - una tendencia en el arte del último tercio del siglo XIX - principios del siglo XX, que se originó en Francia y luego se extendió por todo el mundo, cuyos representantes buscaron desarrollar métodos y técnicas que permitieran capturar más natural y vívidamente el mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus fugaces impresiones. Por lo general, el término "impresionismo" se refiere a una dirección en la pintura (pero esto es, en primer lugar, un grupo de métodos), aunque sus ideas también se han plasmado en la literatura y la música, donde el impresionismo también apareció en un determinado conjunto de métodos. y técnicas para la creación de obras literarias y musicales, en las que los autores buscaban transmitir la vida de forma sensual, directa, como reflejo de sus impresiones

La tarea del artista en ese momento era la imagen más plausible de la realidad, sin mostrar los sentimientos subjetivos del artista. Si se le ordenó un retrato formal, entonces era necesario mostrar al cliente de manera favorable: sin deformidades, expresiones faciales estúpidas, etc. Si se trataba de una historia religiosa, entonces era necesario evocar un sentimiento de reverencia y asombro. Si el paisaje - entonces muestra la belleza de la naturaleza. Sin embargo, si el artista despreciaba al hombre rico que encargó el retrato, o era un incrédulo, entonces no había elección y todo lo que quedaba era desarrollar su propia técnica única y esperar buena suerte. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XIX, la fotografía comenzó a desarrollarse activamente y la pintura realista comenzó a dejarse de lado gradualmente, ya que ya entonces era extremadamente difícil transmitir la realidad de manera tan creíble como en la fotografía.

En muchos sentidos, con la llegada de los impresionistas, quedó claro que el arte puede ser valioso como representación subjetiva del autor. Después de todo, cada persona percibe la realidad de manera diferente y reacciona a ella a su manera. Es aún más interesante ver cómo la realidad se refleja en los ojos de diferentes personas y qué emociones experimentan al mismo tiempo.

El artista tiene una increíble cantidad de oportunidades para la autoexpresión. Además, la autoexpresión en sí misma se ha vuelto mucho más libre: tome una trama, un tema no estándar, cuente algo que no sea un tema religioso o histórico, use su propia técnica única, etc. Por ejemplo, los impresionistas querían expresar una impresión fugaz, la primera emoción. Por eso su obra es vaga y como inacabada. Esto se hizo para mostrar una impresión instantánea, cuando los objetos aún no habían tomado forma en la mente y solo eran visibles ligeros desbordamientos de luz, medios tonos y contornos borrosos. Las personas miopes me entenderán) imagine que aún no ha visto el objeto completo, lo ve desde lejos o simplemente no mira, pero ya se forma algún tipo de impresión al respecto. Si intenta retratar esto, es probable que termine con algo así como pinturas impresionistas. Algo así como un boceto. Es por eso que resultó que para los impresionistas era más importante no lo que se representa, sino cómo.

Los principales representantes de este género en la pintura fueron: Monet, Manet, Sisley, Degas, Renoir, Cezanne. Por separado, se debe señalar a Umlyam Turner como su predecesor.

Hablando de la trama:

Sus pinturas representaban solo los aspectos positivos de la vida, sin afectar los problemas sociales, incluidos el hambre, la enfermedad y la muerte. Esto más tarde condujo a una división entre los propios impresionistas.

Esquemas de color

Los impresionistas prestaron gran atención al color, rechazando fundamentalmente los tonos sombríos, especialmente el negro. Tal atención al color de su trabajo llevó al color a un lugar muy importante en la imagen e incitó a las futuras generaciones de artistas y diseñadores a prestar atención al color como tal.

Composición

La composición de los impresionistas se asemejaba a la pintura japonesa, utilizaban esquemas compositivos complejos, otros cánones (no la proporción áurea ni el centro). En general, la estructura de la imagen se ha vuelto más asimétrica, más compleja e interesante desde este punto de vista.

La composición de los impresionistas comenzó a tener un significado más independiente, se convirtió en uno de los temas de la pintura, en contraste con la clásica, donde más a menudo (pero no siempre) desempeñó el papel de un esquema según el cual cualquier trabajo fue construido. A fines del siglo XIX, quedó claro que este es un callejón sin salida, y que la composición en sí puede transmitir ciertas emociones y apoyar la trama de la imagen.

precursores

El Greco - porque usó técnicas similares en la aplicación de pintura y el color adquirió un significado simbólico de él. También se distinguió por una forma muy original, la individualidad, a la que también aspiraban los impresionistas.

Grabado japonés: porque ganó gran popularidad en Europa en esos años y demostró que se puede construir una imagen de acuerdo con reglas completamente diferentes a los cánones clásicos del arte europeo. Esto se aplica a la composición, el uso del color, los detalles, etc. Además, en los dibujos y grabados japoneses y, en general, orientales, se representaban con mucha más frecuencia escenas domésticas, lo que estaba casi ausente en el arte europeo.

Sentido

Los impresionistas dejaron una huella brillante en el arte mundial, desarrollaron técnicas de pintura únicas y tuvieron un gran impacto en todas las generaciones posteriores de artistas con sus obras brillantes y memorables, protestan contra la escuela clásica y un trabajo único con el color. Tras la transferencia del mundo visible, comenzaron a pintar principalmente al aire libre y plantearon la importancia de un estudio de la naturaleza, que casi suplantó el tipo de pintura tradicional, cuidadosa y lentamente creada en el estudio.

Aclarando constantemente su paleta, los impresionistas liberaron la pintura de barnices y pinturas terrosos y marrones. La negrura condicional, de "museo", en sus lienzos da paso a un juego infinitamente diverso de reflejos y sombras coloreadas. Ampliaron enormemente las posibilidades de las bellas artes, revelando no solo el mundo del sol, la luz y el aire, sino también la belleza de las nieblas de Londres, la atmósfera inquieta de la vida de una gran ciudad, la dispersión de sus luces nocturnas y el ritmo de incesante movimiento.

En virtud del propio método de trabajo al aire libre, el paisaje, incluido el paisaje urbano que descubrieron, ocupó un lugar muy importante en el arte de los impresionistas. Sin embargo, no debe suponerse que su pintura se caracterizó solo por una percepción "paisajística" de la realidad, por lo que a menudo se les reprochaba. La gama temática y argumental de su obra fue bastante amplia. El interés por el hombre, y en particular por la vida moderna de Francia, fue inherente a una serie de representantes de esta tendencia en un sentido amplio. Su patetismo básicamente democrático que afirmaba la vida se oponía claramente al orden mundial burgués.

Al mismo tiempo, el impresionismo y, como veremos más adelante, el postimpresionismo son dos caras, o mejor dicho, dos etapas temporales consecutivas de ese cambio fundamental que marcó la frontera entre el arte moderno y el moderno. En este sentido, el impresionismo, por un lado, completa el desarrollo de todo después del arte renacentista, cuyo principio rector fue el reflejo del mundo circundante en formas visualmente confiables de la realidad misma, y ​​por otro lado, es el comienzo de la mayor conmoción en la historia de las bellas artes después del Renacimiento, que sentó las bases para una etapa artística cualitativamente nueva -

arte del siglo XX.

El impresionismo constituyó toda una época en el arte francés de la segunda mitad del siglo XIX. El héroe de las pinturas impresionistas era la luz, y la tarea de los artistas era abrir los ojos de las personas a la belleza del mundo que les rodea. La luz y el color se transmiten mejor con trazos rápidos, pequeños y voluminosos. La visión impresionista fue preparada por toda la evolución de la conciencia artística, cuando el movimiento comenzó a entenderse no sólo como movimiento en el espacio, sino como la variabilidad general de la realidad circundante.

Impresionismo - (impresionismo francés, de impresión - impresión), una tendencia en el arte del último tercio del siglo XIX - principios del XX. Tomó forma en la pintura francesa a finales de la década de 1860 y principios de la de 1870. El nombre “impresionismo” surge a raíz de la exposición de 1874, que exhibió el cuadro de C. Monet “Impresión. Sol naciente". En el momento de la madurez del impresionismo (década de los 70 - primera mitad de los 80), estuvo representado por un grupo de artistas (Monet, O. Renoir, E. Degas, K. Pissarro, A. Sisley, B. Morisot, etc. .), unidos por la lucha por la renovación del arte y la superación del academicismo de salón oficial y organizaron 8 exposiciones con este fin en 1874-86. Uno de los creadores del impresionismo fue E. Manet, quien no formó parte de este grupo, pero allá por los años 60 y principios de los 70. quien actuó con obras de género, en las que replanteó las técnicas compositivas y pictóricas de los maestros de los siglos XVI-XVIII. en relación con la vida moderna, así como escenas de la Guerra Civil de 1861-65 en los EE. UU., la ejecución de los Comuneros parisinos, dándoles un fuerte enfoque político.

Los impresionistas representaron el mundo circundante en movimiento perpetuo, la transición de un estado a otro. Comenzaron a pintar una serie de cuadros, queriendo mostrar cómo un mismo motivo cambia según la hora del día, la iluminación, las condiciones climáticas, etc. (ciclos Boulevard Montmartre de C. Pissarro, 1897; Catedral de Rouen, 1893-95, y "Parlamento de Londres", 1903-04, C. Monet). Los artistas han encontrado formas de reflejar en las pinturas el movimiento de las nubes (A. Sisley. "Louan in Saint-Mamme", 1882), el juego de resplandor de la luz del sol (O. Renoir. "Columpio", 1876), ráfagas de viento (C. Monet. “Terraza en Sainte-Adresse”, 1866), chorros de lluvia (G. Caillebotte. “Jer. Efecto de la lluvia”, 1875), nieve que cae (C. Pissarro. “Pasaje de la ópera. Efecto nieve”, 1898), rápida carrera de caballos (E. Manet "Carreras en Longchamp", 1865).

Ahora que el acalorado debate sobre el significado y el papel del impresionismo es cosa del pasado, casi nadie se atreverá a discutir que el movimiento impresionista fue un paso más en el desarrollo de la pintura realista europea. “El impresionismo es, ante todo, el arte de observar la realidad, que ha alcanzado un refinamiento sin precedentes”.

Buscando la máxima inmediatez y precisión en la transmisión del mundo circundante, comenzaron a pintar principalmente al aire libre y plantearon la importancia de un estudio de la naturaleza, que casi suplantó el tipo de pintura tradicional, cuidadosa y lentamente creada en el estudio.

Los impresionistas mostraron la belleza del mundo real, en el que cada momento es único. Aclarando constantemente su paleta, los impresionistas liberaron la pintura de barnices y pinturas terrosos y marrones. La negrura condicional, de "museo", en sus lienzos da paso a un juego infinitamente diverso de reflejos y sombras coloreadas. Ampliaron enormemente las posibilidades de las bellas artes, revelando no solo el mundo del sol, la luz y el aire, sino también la belleza de las nieblas de Londres, la atmósfera inquieta de la vida de una gran ciudad, la dispersión de sus luces nocturnas y el ritmo de incesante movimiento.

En virtud del propio método de trabajo al aire libre, el paisaje, incluido el paisaje urbano que descubrieron, ocupó un lugar muy importante en el arte de los impresionistas.

Sin embargo, no debe suponerse que la pintura de los impresionistas se caracterizó solo por una percepción "paisajística" de la realidad, que los críticos a menudo les reprochaban. La gama temática y argumental de su obra fue bastante amplia. El interés por el hombre, y en particular por la vida moderna de Francia, en un sentido amplio, era inherente a varios representantes de esta dirección del arte. Su patetismo básicamente democrático que afirmaba la vida se oponía claramente al orden mundial burgués. En esto no se puede dejar de ver la continuidad del impresionismo en relación con la línea principal de desarrollo del arte realista francés del siglo XIX.

Al representar paisajes y formas con puntos de colores, los impresionistas cuestionaron la solidez y la materialidad de las cosas circundantes. Pero el artista no puede contentarse con una impresión, necesita un dibujo que organice un cuadro completo. A partir de mediados de la década de 1880, una nueva generación de artistas impresionistas asociados con este movimiento artístico realizó cada vez más experimentos nuevos en su pintura, como resultado de lo cual un número cada vez mayor de movimientos impresionistas (variedades), grupos de arte y lugares para exposiciones de su trabajo.

Los artistas de la nueva dirección no mezclaron diferentes colores en la paleta, sino que pintaron con colores puros. Al colocar un toque de una pintura junto a otra, a menudo dejaban la superficie de las pinturas áspera. Se ha observado que muchos colores se vuelven más brillantes uno al lado del otro. Esta técnica se llama efecto de contraste de color complementario.

Los artistas impresionistas eran sensibles a los más mínimos cambios en el estado del tiempo, ya que trabajaban sobre la naturaleza y querían crear una imagen de paisaje donde el motivo, los colores, la iluminación se fusionaran en una sola imagen poética de un área urbana o rural. Los impresionistas enfatizaron el color y la luz a expensas del patrón y el volumen. Desaparecieron los contornos claros de los objetos, los contrastes y los claroscuros quedaron en el olvido. Intentaron hacer que la imagen pareciera una ventana abierta a través de la cual se ve el mundo real. Este nuevo estilo influenció a muchos artistas de la época.

Cabe señalar que, como cualquier dirección en el arte, el impresionismo tiene sus ventajas y desventajas.

Desventajas del impresionismo:

El impresionismo francés no planteó problemas filosóficos y ni siquiera intentó penetrar la superficie coloreada de la vida cotidiana. En cambio, el impresionismo se enfoca en la superficialidad, la fluidez del momento, el estado de ánimo, la iluminación o el ángulo de visión.

Al igual que el arte del Renacimiento (Renacimiento), el impresionismo se basa en las características y habilidades de percepción de la perspectiva. Al mismo tiempo, la visión renacentista explota con la probada subjetividad y relatividad de la percepción humana, que hace del color y de la forma componentes autónomos de la imagen. Para el impresionismo no es tan importante lo que se muestra en la figura, sino cómo se muestra.

Sus pinturas representaban solo los aspectos positivos de la vida, no violaban los problemas sociales y evitaban problemas como el hambre, la enfermedad y la muerte. Esto más tarde condujo a una división entre los propios impresionistas.

Ventajas del impresionismo:

Las ventajas del impresionismo como tendencia incluyen la democracia. Por inercia, el arte en el siglo XIX era considerado un monopolio de los aristócratas, las capas altas de la población. Fueron ellos quienes actuaron como los principales clientes de murales, monumentos, fueron ellos quienes fueron los principales compradores de pinturas y esculturas. Parcelas con el trabajo duro de los campesinos, las páginas trágicas de nuestro tiempo, los aspectos vergonzosos de las guerras, la pobreza, la agitación social fueron condenados, no aprobados, no comprados. La crítica de la moralidad blasfema de la sociedad en las pinturas de Theodore Gericault, Francois Millet encontró una respuesta solo de los partidarios de los artistas y algunos expertos.

Los impresionistas en este asunto ocuparon posiciones intermedias bastante comprometidas. Se descartaron tramas bíblicas, literarias, mitológicas, históricas inherentes al academicismo oficial. Por otro lado, deseaban ardientemente el reconocimiento, el respeto, incluso los premios. Ilustrativa es la actividad de Edouard Manet, quien durante años buscó reconocimientos y premios del Salón oficial y de su administración.

En cambio, apareció una visión de la vida cotidiana y la modernidad. Los artistas a menudo pintaban personas en movimiento, durante la diversión o la relajación, imaginaban una vista de un lugar determinado con una luz determinada, la naturaleza también era el motivo de su trabajo. Tomaron temas de coqueteo, baile, hospedaje en cafés y teatros, paseos en bote, en playas y en jardines. A juzgar por las pinturas de los impresionistas, la vida es una serie de pequeñas vacaciones, fiestas, pasatiempos agradables fuera de la ciudad o en un ambiente agradable (una serie de pinturas de Renoir, Manet y Claude Monet). Los impresionistas fueron de los primeros en pintar en el aire, sin finalizar su trabajo en el estudio.

impresionismo manet pintura

El impresionismo es una dirección de la pintura que se originó en Francia en la década de 1860 y determinó en gran medida el desarrollo del arte en el siglo XIX. Los maestros registraron sus impresiones fugaces, buscaron capturar el mundo real en su movilidad y variabilidad de la manera más natural e imparcial. Las figuras centrales de esta corriente fueron Cézanne, Degas, Manet, Pizarro, Renoir y Siley, y la contribución de cada uno de ellos a su desarrollo es única. Los impresionistas se opusieron a las convenciones del clasicismo, el romanticismo y el academicismo, afirmaron la belleza de la realidad cotidiana, los motivos simples y democráticos, lograron una viva autenticidad de la imagen, trataron de captar la "impresión" de lo que el ojo ve en un momento particular. El tema más típico de los impresionistas es el paisaje, pero también tocaron muchos otros temas en su trabajo. Degas, por ejemplo, representó carreras, bailarinas, lavanderas, y Renoir representó mujeres y niños encantadores. En los paisajes impresionistas creados al aire libre, un motivo simple y cotidiano a menudo se transforma con una luz en movimiento que lo impregna todo, lo que aporta una sensación de fiesta a la imagen. En algunos métodos de construcción impresionista de la composición y el espacio, se nota la influencia del grabado japonés y en parte de la fotografía. Los impresionistas fueron los primeros en crear una imagen multifacética de la vida cotidiana de una ciudad moderna, capturando la originalidad de su paisaje y la apariencia de las personas que la habitan, su forma de vida, trabajo y entretenimiento.

Monet Claude Óscar Uno de los fundadores del impresionismo, en sus pinturas, el artista Monet, de la segunda mitad de la década de 1860, buscaba transmitir la variabilidad de la luz y el aire del entorno, la riqueza cromática del mundo, manteniendo la frescura de la primera visual. impresión de la naturaleza. Del nombre del paisaje de Monet “Impresión. Rising Sun” (“Impresión. Soleil levant”; 1872, Musée Marmottan, París) fue el nombre del impresionismo. En sus composiciones paisajísticas (“Boulevard de los capuchinos en París”, 1873, “Rocas en Etretat”, 1886, ambas en el Museo Pushkin, Moscú; “Campo de amapolas”, década de 1880, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), Monet recrea la vibración de luz y aire con la ayuda de pequeños trazos separados de color puro y tonos adicionales del espectro principal, contando con su alineación óptica en el proceso de percepción visual. En un esfuerzo por capturar los diversos estados de transición de la naturaleza en diferentes momentos del día y en diferentes climas, Monet creó en la década de 1890 una serie de pinturas-variaciones sobre un motivo de trama (la serie de lienzos de las Catedrales de Rouen, el Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes, Moscú, y otras colecciones). El período tardío de la obra de Monet se caracteriza por el decorativismo, la creciente disolución de formas objetivas en sofisticadas combinaciones de manchas de color.

edgar degas Comenzando con pinturas y retratos históricos estrictos (La familia Bellelli, alrededor de 1858), en la década de 1870 Degas se acercó a los representantes del impresionismo y se dedicó a representar la vida urbana moderna: calles, cafés, representaciones teatrales (Concorde Square, alrededor de 1875; "Absinthe" , 1876). En muchas obras, Degas muestra el comportamiento y la apariencia característicos de las personas, generados por las peculiaridades de su vida, revela el mecanismo de un gesto profesional, la postura, el movimiento de una persona, su belleza plástica ("Ironers", 1884). En la afirmación del significado estético de la vida de las personas, de sus actividades cotidianas, se refleja el peculiar humanismo de la obra de Degas. El arte de Degas es inherente a la combinación de lo bello, a veces fantástico, y lo prosaico: transmitir el espíritu festivo del teatro en muchas escenas de ballet (“Estrella”, pastel, 1878). El artista, como observador sobrio y sutil, capta a la vez el tedioso trabajo cotidiano que se esconde tras el elegante espectáculo (“Examen de danza”, pastel, 1880). Las obras de Degas, con su composición estrictamente ajustada y al mismo tiempo dinámica, a menudo asimétrica, dibujo preciso y flexible, ángulos inesperados, interacción activa de figura y espacio, combinan la aparente imparcialidad y aleatoriedad del motivo y la arquitectura de la imagen con una cuidadosa consideración y cálculo. Las obras tardías de Degas destacan por su intensidad y riqueza cromática, que se complementan con los efectos de la iluminación artificial, las formas ampliadas, casi planas, y la constricción del espacio, que les confiere un carácter tenso y dramático (“Blue Dancers”, pastel). Desde finales de la década de 1880, Degas ha estado esculpiendo mucho, logrando expresividad en la transferencia del movimiento instantáneo ("Bailarín", bronce).

Renoir Pierre Auguste En 1862-1864, Renoir estudió en París en la Ecole des Beaux-Arts, donde se acercó a sus futuros colegas del impresionismo, Claude Monet y Alfred Sisley. Renoir trabajó en París, visitó Argelia, Italia, España, Holanda, Gran Bretaña, Alemania. En las primeras obras de Renoir se deja sentir la influencia de Gustave Courbet y las obras del joven Édouard Manet (“La taberna de la madre Antonio”, 1866). A finales de las décadas de 1860 y 1870, Renoir pasó a pintar al aire libre, incluyendo orgánicamente figuras humanas en un ambiente cambiante de luz y aire ("Bañarse en el Sena", 1869). La paleta de Renoir se ilumina, un trazo ligero y dinámico se vuelve transparente y vibrante, la coloración se satura con reflejos de perlas plateadas ("Lodge", 1874). Representando episodios arrebatados de la corriente de la vida, situaciones aleatorias de la vida, Renoir prefirió escenas festivas de la vida de la ciudad: bailes, bailes, paseos, como si tratara de encarnar en ellos la plenitud sensual y la alegría de ser (Moulin de la Galette, 1876). Un lugar especial en la obra de Renoir lo ocupan las imágenes femeninas poéticas y encantadoras: internamente diferentes, pero externamente ligeramente similares entre sí, parecen estar marcadas por un sello común de la época ("Después de la cena", 1879, "Paraguas ”, 1876; retrato de la actriz Jeanne Samary, 1878). En la representación del desnudo, Renoir logra una rara sofisticación de los claveles, basada en una combinación de cálidos tonos de piel con ligeros reflejos verdosos y gris azulados que se deslizan, dando una superficie suave y sin brillo al lienzo ("Mujer desnuda sentada en un sofá ”, 1876). Un notable colorista, Renoir a menudo logra la impresión de pintura monocromática con la ayuda de las mejores combinaciones de tonos cercanos en color ("Chicas de negro", 1883). A partir de la década de 1880, Renoir gravitó cada vez más hacia la claridad clásica y la generalización de las formas; en su pintura van creciendo rasgos de decoratividad e idílica serena (“Grandes bañistas”, 1884-1887). Numerosos dibujos y grabados ("Bañistas", 1895) de Renoir se distinguen por el laconismo, la ligereza y la ligereza del trazo.

Eduardo Manet Una influencia significativa en la formación de Manet como artista fue ejercida por el trabajo de Giorgione, Tiziano, Hals, Velásquez, Goya, Delacroix. En las obras de finales de la década de 1850 y principios de la de 1860, que formaban una galería de tipos y personajes humanos nítidamente transmitidos, Manet combinó la autenticidad viva de la imagen con la romantización de la apariencia externa de la modelo ("Lola de Valencia", 1862) . Usando y repensando las tramas y motivos de las pinturas de los viejos maestros, Manet buscó llenarlos de contenido relevante, a veces introduciendo de manera sorprendente la imagen de una persona moderna en composiciones clásicas famosas ("Desayuno en la hierba", "Olimpia" - ambos 1863). En la década de 1860, Edouard Manet recurrió a los temas de la historia moderna ("La ejecución del emperador Maximiliano", 1867), pero la penetrante atención de Manet a la modernidad se manifestó principalmente en escenas que parecían arrebatadas del flujo cotidiano de la vida, llenas de espiritualidad lírica y significado interior (" Desayuno en el taller ", "Balcón" - ambos 1868), así como en retratos cercanos a ellos en términos de instalación artística (retrato de Emile Zola, 1868, retrato de Berthe Morisot, 1872) . Con su obra, Edouard Manet anticipó el surgimiento y luego se convirtió en uno de los fundadores del impresionismo. A finales de la década de 1860, Manet se acerca a Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, pasa de los tonos apagados y densos, el color intenso con predominio de los colores oscuros a la pintura clara y libre al aire libre (“En un barco”, 1874 , Museo Metropolitano de Arte; “En la taberna de papa Latuille, 1879). Muchas de las obras de Manet se caracterizan por la libertad pictórica impresionista y la composición fragmentaria, la escala vibrante de colores saturados de luz ("Argenteuil"). Al mismo tiempo, Manet conserva la claridad del dibujo, los tonos grises y negros en color, prefiere no el paisaje, sino la trama cotidiana con un pronunciado apuntalamiento socio-psicológico (la colisión de los sueños y la realidad, la naturaleza ilusoria de la felicidad en un mundo chispeante y festivo - en una de las últimas pinturas de Manet "Bar en el Folies Bergère", 1881-1882). En las décadas de 1870-1880, Manet trabajó mucho en el campo del retrato, ampliando las posibilidades de este género y convirtiéndolo en una suerte de estudio del mundo interior de un contemporáneo (retrato de S. Mallarmé, 1876), pintaba paisajes y bodegones (“Ramo de lilas”, 1883), actuó como dibujante, maestro del grabado y la litografía.

pissarro camille fue influenciado por John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet. Uno de los principales maestros del impresionismo, Pissarro, en numerosos paisajes rurales, reveló la poesía y el encanto de la naturaleza de Francia, con la ayuda de una suave gama pictórica, una sutil transferencia del estado del ambiente del aire ligero, dio el encanto de frescura a los motivos más sin pretensiones ("Tierra arada", 1874; "Carretilla", 1879,) . Posteriormente, Pissarro recurrió a menudo al paisaje urbano ("Montmartre Boulevard", 1897; "Opera Passage in Paris", 1898). En la segunda mitad de la década de 1880, Pissarro utilizó en ocasiones la técnica pictórica del neoimpresionismo. Pissarro desempeñó uno de los papeles principales en la organización de exposiciones de los impresionistas. En sus obras, Camille Pissarro logró evitar la manifestación extrema del aire libre, cuando los objetos materiales parecen disolverse en el parpadeo de la luz y el espacio aéreo ("Nieve en Louveciennes"; "Calle en Louveciennes", 1873). Muchas de sus obras se distinguen por el interés por la expresividad característica, incluso retratística, inherente al paisaje urbano (“Vista de Rouen”, 1898)

sisley alfredo Fue influenciado por Camille Corot. Uno de los principales maestros del impresionismo, Sisley pintó paisajes sin pretensiones de los alrededores de París, marcados por un sutil lirismo y sostenidos en una gama lumínica fresca y sobria. Los paisajes de Sisley, que transmiten la verdadera atmósfera de Ile-de-France, conservan la transparencia y la suavidad especiales de los fenómenos naturales de todas las estaciones ("Pequeña plaza en Argenteuil", 1872, "Inundación en Marly", 1876; "Escarcha en Louveciennes", 1873, "El borde del bosque en Fontainebleau", 1885).

Las encantadoras imágenes de la naturaleza del artista Alfred Sisley con un ligero matiz de tristeza cautivan con una asombrosa transferencia de humor en un momento dado ("Orilla del Sena en Bougival", 1876). Desde mediados de la década de 1880, las características del colorido decorativo han ido creciendo en el trabajo de Sisley.

Conclusión: los maestros del impresionismo registraron sus impresiones fugaces, se esforzaron por capturar el mundo real en su movilidad y variabilidad de la manera más natural e imparcial. E. Manet (que no pertenecía formalmente al grupo impresionista), O. Renoir, E. Degas aportaron frescura e inmediatez a la percepción de la vida en el arte, convertida en la imagen de situaciones instantáneas arrebatadas al torrente de la realidad, la vida espiritual de una persona, la imagen de fuertes pasiones, la espiritualización de la naturaleza, el interés

al pasado nacional, el deseo de formas sintéticas de arte se combinan con los motivos del dolor mundial, el deseo de explorar y recrear el lado "sombra", "noche" del alma humana, con la famosa "ironía romántica", que permitió a los románticos comparar e igualar audazmente lo alto y lo bajo, lo trágico y lo cómico, lo real y lo fantástico. uso fragmentario, situaciones de la realidad, uso fragmentario, a primera vista, construcciones compositivas desequilibradas, ángulos inesperados, puntos de vista, cortes de figuras. En las décadas de 1870 y 1880, se estaba formando el paisaje del impresionismo francés: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley desarrollaron un sistema consistente al aire libre, crearon en sus pinturas una sensación de luz solar brillante, riqueza de colores de la naturaleza, disolución. de las formas en la vibración de la luz y el aire.