Mensaje de las orquestas de jazz del mundo. Direcciones en jazz

Qué es el jazz, la historia del jazz

¿Qué es Jazz? Estos ritmos emocionantes, agradable música en vivo, que está en constante evolución y movimiento. Con esta dirección, tal vez, no se pueda comparar con ninguna otra, y es imposible confundirla con cualquier otro género, incluso para un principiante. Además, aquí hay una paradoja, es fácil escucharlo y reconocerlo, pero no es tan fácil describirlo con palabras, porque el jazz está en constante evolución y los conceptos y características que se usan hoy en día se vuelven obsoletos en uno o dos años.

Jazz-que es

El jazz es una dirección en la música que surgió a principios del siglo XX. Entrelaza estrechamente ritmos africanos, cantos rituales, cantos de trabajo y profanos, música americana de siglos pasados. En otras palabras, es un género de semi-improvisación que resultó de la mezcla de música de Europa Occidental y África Occidental.

¿De dónde viene el jazz?

Generalmente se acepta que apareció de África, esto se evidencia por ritmos complejos. Añádele también baile, pisoteos de todo tipo, palmas y aquí está el ragtime. Los ritmos claros de este género, combinados con melodías de blues, dieron origen a una nueva dirección que llamamos jazz. Si te preguntas de dónde vino esta nueva música, cualquier fuente te dará la respuesta de que fue de los cantos de los esclavos negros que fueron traídos a América a principios del siglo XVII. Sólo en la música encontraron consuelo.

Al principio, estos eran motivos puramente africanos, pero después de algunas décadas comenzaron a ser de naturaleza más improvisada y se llenaron de nuevas melodías estadounidenses, en su mayoría melodías religiosas, espirituales. Más tarde, se agregaron canciones de quejas: blues y pequeñas bandas de música. Y así surgió una nueva dirección: el jazz.

¿Cuáles son las características de la música jazz?

La primera y más importante característica es la improvisación. Los músicos deben ser capaces de improvisar tanto en orquesta como en solitario. Otra característica no menos significativa es la polirritmia. La libertad rítmica es quizás la característica más importante de la música jazz. Es esta libertad la que hace que los músicos se sientan ligeros y en constante avance. ¿Recuerdas alguna composición de jazz? Parece que los intérpretes tocan fácilmente una melodía maravillosa y agradable al oído, no hay marcos estrictos, como en la música clásica, solo una ligereza y relajación asombrosas. Por supuesto, las obras de jazz, así como las clásicas, tienen su propio ritmo, compás, etc., pero gracias a un ritmo especial llamado swing (del inglés swing), existe una sensación de libertad. ¿Qué más es importante para esta dirección? Ciertamente un poco o de lo contrario una onda regular.

desarrollo del jazz

Originario de Nueva Orleans, el jazz se está extendiendo rápidamente y se está volviendo cada vez más popular. Los grupos de aficionados, compuestos principalmente por africanos y criollos, comienzan a actuar no solo en restaurantes, sino que también recorren otras ciudades. Entonces, en el norte del país, está surgiendo otro centro de jazz: Chicago, donde las actuaciones nocturnas de grupos musicales tienen una demanda especial. Las composiciones interpretadas se complican con los arreglos. Entre los intérpretes de ese período se destaca Louis Armstrong quien se mudó a Chicago desde la ciudad donde se originó el jazz. Más tarde, los estilos de estas ciudades se combinaron en Dixieland, que se caracterizó por la improvisación colectiva.

La locura masiva del jazz en las décadas de 1930 y 1940 condujo a una demanda de orquestas más grandes que pudieran tocar una variedad de melodías de baile. Gracias a esto apareció el swing, que es una desviación del patrón rítmico. Se convirtió en la corriente principal de esta época y relegó a la improvisación colectiva a un segundo plano. Las bandas de swing se conocieron como big bands.

Por supuesto, tal alejamiento del swing de las características inherentes al jazz primitivo, de las melodías nacionales, causó descontento entre los verdaderos conocedores de la música. Es por eso que las grandes bandas y los intérpretes de swing comienzan a oponerse al juego de pequeños conjuntos, que incluían músicos negros. Así, en la década de 1940, surgió un nuevo estilo bebop que se destacó claramente de otras áreas de la música. Se caracterizó por melodías increíblemente rápidas, largas improvisaciones y los patrones rítmicos más complejos. Entre los intérpretes de esta época destacan figuras charlie parker y Dizzy Gillespie.

Desde 1950, el jazz se ha desarrollado en dos direcciones diferentes. Por un lado, los seguidores de los clásicos volvieron a la música académica, dejando de lado el bebop. El cool jazz resultante se volvió más sobrio y seco. Por otro lado, la segunda línea siguió desarrollando el bebop. En este contexto, surge el hard bop, que recupera las entonaciones folklóricas tradicionales, una clara pauta rítmica y la improvisación. Este estilo se desarrolló junto con áreas como el soul jazz y el jazz funk. Acercaron la música al blues sobre todo.

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En la década de 1960 se llevaron a cabo diversos experimentos y la búsqueda de nuevas formas. Como resultado, aparecen el jazz-rock y el jazz-pop, que combinan dos direcciones diferentes, así como el free jazz, en el que los intérpretes abandonan por completo la regulación del patrón rítmico y el tono. Entre los músicos de esta época, Ornette Coleman, Wayne Shorter, Pat Metheny se hicieron famosos.

Jazz soviético

Inicialmente, las orquestas de jazz soviéticas realizaban principalmente bailes de moda como el foxtrot, Charleston. En la década de 1930, una nueva dirección comienza a ganar cada vez más popularidad. A pesar de que la actitud de las autoridades soviéticas hacia la música jazz era ambigua, no fue prohibida, pero al mismo tiempo fue duramente criticada por pertenecer a la cultura occidental. A finales de los 40, las bandas de jazz estaban completamente perseguidas. En las décadas de 1950 y 1960, se reanudaron las actividades de las orquestas de Oleg Lundstrem y Eddie Rosner, y cada vez más músicos se interesaron por la nueva dirección.

Incluso hoy en día, el jazz se desarrolla constante y dinámicamente, hay muchas direcciones y estilos. Esta música sigue absorbiendo sonidos y melodías de todos los rincones de nuestro planeta, saturándolo cada vez con más colores, ritmos y melodías.

Posteriormente, los ritmos de ragtime combinados con elementos de blues dieron lugar a una nueva dirección musical: el jazz.

Los orígenes del jazz están conectados con el blues. Surgió a finales del siglo XIX como una fusión de ritmos africanos y armonía europea, pero sus orígenes hay que buscarlos desde el momento en que los esclavos fueron traídos de África al territorio del Nuevo Mundo. Los esclavos traídos no procedían del mismo clan y, por lo general, ni siquiera se entendían entre sí. La necesidad de consolidación condujo a la unificación de muchas culturas y, como resultado, a la creación de una sola cultura (incluida la música) de los afroamericanos. Los procesos de mezcla de la cultura musical africana y europea (que también sufrieron cambios importantes en el Nuevo Mundo) se dieron a partir del siglo XVIII, y en el siglo XIX dieron lugar al surgimiento del "proto-jazz", y luego al jazz en general. sentido aceptado.

jazz de nueva orleans

El término jazz de Nueva Orleans, o tradicional, se usa comúnmente para referirse al estilo de los músicos que tocaron jazz en Nueva Orleans entre 1900 y 1917, así como a los músicos de Nueva Orleans que tocaron en Chicago y grabaron discos desde aproximadamente 1917 hasta la década de 1920. . Este período de la historia del jazz también se conoce como la Era del Jazz. Y el término también se usa para describir la música tocada en diferentes períodos históricos por los renovadores de Nueva Orleans que buscaban tocar jazz con el mismo estilo que los músicos de la escuela de Nueva Orleans.

El desarrollo del jazz en Estados Unidos en el primer cuarto del siglo XX

Después del cierre de Storyville, el jazz comenzó a transformarse de un género folclórico regional en una tendencia musical nacional, extendiéndose a las provincias del norte y noreste de los Estados Unidos. Pero su amplia distribución, por supuesto, no podría facilitarse solo con el cierre de un barrio de entretenimiento. Junto con Nueva Orleans, St. Louis, Kansas City y Memphis jugaron un papel importante en el desarrollo del jazz desde el principio. Ragtime nació en Memphis en el siglo XIX, desde donde luego se extendió por todo el continente norteamericano en el período -1903. Por otro lado, las actuaciones de juglares, con su colorido mosaico de folclore afroamericano de todo tipo, desde jig hasta ragtime, se extendieron rápidamente por todas partes y prepararon el escenario para el advenimiento del jazz. Muchas futuras celebridades del jazz comenzaron su viaje en el espectáculo de juglares. Mucho antes de que cerrara Storyville, los músicos de Nueva Orleans estaban de gira con las llamadas compañías de "vodevil". Jelly Roll Morton realizó giras regulares por Alabama, Florida, Texas desde 1904. Desde 1914 tenía un contrato para actuar en Chicago. En 1915 se mudó a Chicago y a la Orquesta White Dixieland de Tom Brown. La famosa Creole Band, dirigida por el cornetista de Nueva Orleans Freddie Keppard, también realizó importantes giras de vodevil en Chicago. Habiéndose separado de la Olympia Band en un momento, los artistas de Freddie Keppard ya en 1914 actuaron con éxito en el mejor teatro de Chicago y recibieron una oferta para hacer una grabación de sonido de sus actuaciones incluso antes de la Original Dixieland Jazz Band, que, sin embargo, Freddie Keppard rechazado miopemente.

Amplió significativamente el territorio cubierto por la influencia del jazz, las orquestas tocaban en los vapores de recreo que navegaban por el Mississippi. Desde finales del siglo XIX, los viajes fluviales desde Nueva Orleans hasta St. Paul se han vuelto populares, primero durante el fin de semana y luego durante toda la semana. Desde 1900, las orquestas de Nueva Orleans se presentan en estos barcos fluviales, cuya música se ha convertido en el entretenimiento más atractivo para los pasajeros durante los recorridos fluviales. En una de estas orquestas comenzó Suger Johnny, la futura esposa de Louis Armstrong, la primera pianista de jazz Lil Hardin.

Muchas futuras estrellas del jazz de Nueva Orleans actuaron en la orquesta fluvial de otro pianista, Faiths Marable. Los barcos de vapor que viajaban a lo largo del río a menudo se detenían en las estaciones de paso, donde las orquestas organizaban conciertos para el público local. Fueron estos conciertos los que se convirtieron en debuts creativos para Bix Beiderbeck, Jess Stacy y muchos otros. Otra ruta famosa discurría a lo largo del Misuri hasta Kansas City. En esta ciudad, donde, gracias a las fuertes raíces del folclore afroamericano, el blues se desarrolló y finalmente tomó forma, la interpretación virtuosa de los jazzmen de Nueva Orleans encontró un ambiente excepcionalmente fértil. Chicago se convirtió en el principal centro de desarrollo de la música jazz a principios de la década de 1990, en la que, gracias al esfuerzo de muchos músicos reunidos de diferentes partes de los Estados Unidos, se creó un estilo que recibió el sobrenombre de Chicago jazz.

Ritmo

El término tiene dos significados. Primero, es un medio expresivo en el jazz. Un tipo característico de pulsación basado en desviaciones constantes del ritmo de las acciones de referencia. Esto crea la impresión de una gran energía interna en un estado de equilibrio inestable. En segundo lugar, el estilo de jazz orquestal que tomó forma a finales de los años 20 y 30 como resultado de la síntesis de las formas estilísticas negras y europeas de la música jazz.

Artistas: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli.

Golpear

Estilo de jazz que se desarrolló a principios - mediados de los años 40 del siglo XX y abrió la era del jazz moderno. Se caracteriza por un tempo rápido e improvisaciones complejas basadas en cambios de armonía más que de melodía. Parker y Gillespie introdujeron el ritmo súper rápido de la actuación para mantener a los no profesionales fuera de sus nuevas improvisaciones. Entre otras cosas, el sello distintivo de todos los bebopers se ha convertido en un comportamiento y una apariencia impactantes: el tubo curvo "Dizzy" Gillespie, el comportamiento de Parker y Gillespie, los sombreros ridículos de Monk, etc. Habiendo surgido como reacción a la ubicuidad del swing. , bebop continuó desarrollando sus principios en el uso de medios expresivos, pero al mismo tiempo encontró una serie de tendencias opuestas.

A diferencia del swing, que es principalmente la música de grandes bandas comerciales de baile, el bebop es una dirección creativa experimental en el jazz, principalmente asociada con la práctica de pequeños conjuntos (combos) y anticomercial en su dirección. La fase bebop fue un cambio significativo en el enfoque del jazz de la música de baile popular a una "música para músicos" más artística e intelectual, pero menos convencional. Los músicos de bop preferían improvisaciones complejas basadas en el rasgueo de acordes en lugar de melodías.

Los principales impulsores del nacimiento fueron: el saxofonista Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, los pianistas Bud Powell y Thelonious Monk, el baterista Max Roach. También escucha a Chick Corea, Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Charles Mingus, Modern Jazz Quartet.

grandes bandas

La forma clásica y establecida de big band se conoce en el jazz desde principios de la década de 1990. Esta forma conservó su relevancia hasta finales de la década de 1990. Los músicos que ingresaban a la mayoría de las grandes bandas, por regla general, casi en la adolescencia, tocaban ciertas partes, ya sea aprendidas en los ensayos o de las notas. Orquestaciones cuidadosas, junto con enormes secciones de instrumentos de viento de madera y metales, produjeron ricas armonías de jazz y produjeron el sonido sensacionalmente fuerte que se conoció como "el sonido de la gran banda".

La big band se convirtió en la música popular de su época, alcanzando su apogeo a mediados del s. Esta música se convirtió en la fuente de la moda del baile swing. Los líderes de las famosas orquestas de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet compusieron o arreglaron y grabaron en discos una genuina serie de melodías que sonaron no solo en la radio, pero también en todas partes en los salones de baile. Muchas big bands mostraron a sus improvisadores solistas, que llevaron a la audiencia a un estado cercano a la histeria durante las "batallas de orquestas" bien publicitadas.

Aunque la popularidad de las grandes bandas disminuyó después de la Segunda Guerra Mundial, las orquestas dirigidas por Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James y muchos otros realizaron giras y grabaciones con frecuencia durante las siguientes décadas. Su música se transformó gradualmente bajo la influencia de las nuevas tendencias. Grupos como los conjuntos dirigidos por Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis exploraron nuevos conceptos en armonía, instrumentación y libertad de improvisación. Hoy en día, las big bands son el estándar en la educación del jazz. Orquestas de repertorio como la Lincoln Center Jazz Orchestra, la Carnegie Hall Jazz Orchestra, la Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra y el Chicago Jazz Ensemble tocan regularmente arreglos originales de composiciones de big band.

En 2008, se publicó en ruso el libro canónico Big Orchestras of the Swing Age de George Simon, que es esencialmente una enciclopedia casi completa de todas las big bands de la edad de oro desde principios de los años 20 hasta los 60 del siglo XX.

Convencional

Pianista Duke Ellington

Después del final de la moda dominante de las grandes bandas en la era de las grandes bandas, cuando la música de las grandes bandas comenzó a ser desplazada en el escenario por pequeños conjuntos de jazz, la música swing continuó sonando. A muchos solistas de swing famosos, después de tocar en los salones de baile, les gustaba tocar por diversión en improvisaciones espontáneas en pequeños clubes de la calle 52 de Nueva York. Y estos no fueron solo los que trabajaron como "acompañantes" en grandes orquestas, como Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton y otros. Los propios líderes de las grandes bandas - Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa, siendo inicialmente solistas y no solo directores, también buscaron oportunidades para tocar por separado de su gran equipo, en un pequeño composición. Al no aceptar las técnicas innovadoras del próximo bebop, estos músicos se adhirieron a la manera tradicional del swing, mientras demostraban una imaginación inagotable al interpretar partes de improvisación. Las principales estrellas del swing tocaban y grababan constantemente en pequeñas composiciones, llamadas "combos", dentro de las cuales había mucho más espacio para la improvisación. El estilo de esta dirección de club jazz de finales de la década de 1920 recibió el nombre de corriente principal, o la corriente principal, con el comienzo del auge del bebop. Se podía escuchar a algunos de los mejores intérpretes de esta época en plena forma en las jams, cuando la improvisación de acordes ya tenía prioridad sobre el colorido melódico de la era del swing. Resurgiendo como un estilo de estilo libre a finales de los años 2000, la corriente principal absorbió elementos del cool jazz, bebop y hard bop. El término "corriente principal contemporánea" o post-bop se usa hoy en día para casi cualquier estilo que no tenga una conexión cercana con los estilos históricos de la música jazz.

Jazz del Noreste. Paso

Louis Armstrong, trompetista y cantante

Aunque la historia del jazz comenzó en Nueva Orleans con la llegada del siglo XX, esta música experimentó un verdadero despegue a principios de la década de 1990, cuando el trompetista Louis Armstrong dejó Nueva Orleans para crear nueva música revolucionaria en Chicago. La migración de los maestros del jazz de Nueva Orleans a Nueva York que comenzó poco después marcó una tendencia de movimiento continuo de músicos de jazz del Sur hacia el Norte. Chicago abrazó la música de Nueva Orleans y la puso de moda, elevando su calor no solo a través de los esfuerzos de los famosos conjuntos Hot Five y Hot Seven de Armstrong, sino también de otros, incluidos maestros como Eddie Condon y Jimmy McPartland, cuyo equipo de Austin High School ayudó a revivir las escuelas de Nueva Orleans. Otros habitantes notables de Chicago que han superado los límites del estilo clásico de jazz de Nueva Orleans son el pianista Art Hodes, el baterista Barrett Deems y el clarinetista Benny Goodman. Armstrong y Goodman, que finalmente se mudaron a Nueva York, crearon allí una especie de masa crítica que ayudó a esta ciudad a convertirse en una verdadera capital mundial del jazz. Y aunque Chicago siguió siendo principalmente el centro de la grabación de sonido en el primer cuarto del siglo XX, Nueva York también surgió como el principal lugar de jazz, albergando clubes legendarios como Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy y Village Vengeward, así como escenarios como el Carnegie Hall.

Estilo de la ciudad de Kansas

Durante la era de la Gran Depresión y la Prohibición, la escena del jazz de Kansas City se convirtió en una especie de meca para los sonidos novedosos de finales de los años 's y 's. El estilo que floreció en Kansas City se caracteriza por piezas conmovedoras teñidas de blues, interpretadas tanto por grandes bandas como por pequeños conjuntos de swing, demostrando solos muy enérgicos, interpretados para clientes de tabernas con licor vendido ilegalmente. Fue en estos pubs donde cristalizó el estilo del gran Count Basie, comenzando en Kansas City con la orquesta de Walter Page y más tarde con Benny Moten. Ambas orquestas eran representantes típicos del estilo de Kansas City, que se basaba en una forma peculiar de blues, llamada "city blues" y formada en la ejecución de las orquestas mencionadas. La escena del jazz de Kansas City también se distinguió por toda una galaxia de destacados maestros del blues vocal, reconocido como el "rey", entre los que se encontraba el solista de la Orquesta Count Basie, el famoso cantante de blues Jimmy Rushing. El famoso saxofonista alto Charlie Parker, nacido en Kansas City, a su llegada a Nueva York, utilizó ampliamente las técnicas características del blues que había aprendido en las orquestas de Kansas City y más tarde constituyó uno de los puntos de partida en los experimentos de los boppers en - mi.

Jazz de la costa oeste

Los artistas capturados por el movimiento cool jazz de los años 50 trabajaron mucho en los estudios de grabación de Los Ángeles. Influenciados en gran parte por Miles Davis, estos artistas de Los Ángeles desarrollaron lo que ahora se conoce como "West Coast Jazz", o jazz de la costa oeste. Como estudios de grabación, clubes como The Lighthouse en Hermosa Beach y The Haig en Los Ángeles a menudo presentaban a sus mejores artistas, incluido el trompetista Shorty Rogers, los saxofonistas Art Pepper y Bud Shenk, el baterista Shelley Mann y el clarinetista Jimmy Giuffrey. .

Genial (jazz genial)

El calor y la presión del bebop comenzaron a decaer con el desarrollo del cool jazz. A finales del siglo XX y principios del XX, los músicos comenzaron a desarrollar un enfoque de la improvisación menos violento y más suave, inspirado en la interpretación ligera y seca del saxofonista tenor Lester Young en su período de swing. El resultado es un sonido separado y uniformemente plano basado en la "frialdad" emocional. El trompetista Miles Davis, uno de los primeros músicos de bebop en calmarlo, se convirtió en el mayor innovador del género. Su noneto, que grabó el álbum "Birth of the Cool" en la década de 1950, fue el epítome del lirismo y la moderación del cool jazz. Otros músicos notables de la escuela cool jazz son el trompetista Chet Baker, los pianistas George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck y Lenny Tristano, el vibrafonista Milt Jackson y los saxofonistas Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims y Paul Desmond. Los arreglistas también hicieron contribuciones significativas al movimiento cool jazz, en particular Thad Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans y el saxofonista barítono Gerry Mulligan. Sus composiciones se centraron en el colorido instrumental y la lentitud del movimiento, en una armonía helada que creaba la ilusión del espacio. La disonancia también jugó un papel en su música, pero con un carácter más suave y apagado. El formato de cool jazz dejó espacio para conjuntos un poco más grandes, como nones y tentets, que se volvieron más comunes durante este período que durante el período inicial del bebop. Algunos arreglistas experimentaron con instrumentación modificada, incluidos instrumentos de metal en forma de cono, como la trompa y la tuba.

jazz progresivo

Paralelamente a la aparición del bebop, se está desarrollando un nuevo género en el entorno del jazz: el jazz progresivo, o simplemente progresivo. La principal diferencia de este género es el deseo de alejarse del cliché congelado de las grandes bandas y las técnicas obsoletas y gastadas de los llamados. symphojazz, introducido en -e por Paul Whiteman. A diferencia de los boppers, los creadores del progresivo no buscaron abandonar radicalmente las tradiciones del jazz que se habían desarrollado en ese momento. Más bien, buscaron actualizar y mejorar los modelos de frases de swing, introduciendo en la práctica de la composición los últimos logros del sinfonismo europeo en el campo de la tonalidad y la armonía.

La mayor contribución al desarrollo de los conceptos de "progresivo" la hizo el pianista y director de orquesta Stan Kenton. El jazz progresivo de principios de la década de 1990 se origina en realidad a partir de sus primeros trabajos. En cuanto al sonido, la música interpretada por su primera orquesta estaba cerca de Rachmaninoff, y las composiciones tenían rasgos del romanticismo tardío. Sin embargo, en términos de género, estaba más cerca del symphojazz. Más tarde, durante los años de la creación de la famosa serie de sus álbumes "Artistry", los elementos del jazz ya no jugaron el papel de crear color, sino que ya estaban entretejidos orgánicamente en el material musical. Junto con Kenton, el mérito de esto fue para su mejor arreglista, Pete Rugolo, alumno de Darius Milhaud. Sonido sinfónico moderno (para aquellos años), técnica de staccato específica para tocar saxofones, armonías audaces, segundos y bloques frecuentes, junto con politonalidad y pulsación rítmica de jazz: estas son las características distintivas de esta música, con la que Stan Kenton entró en la historia del jazz. durante muchos años, como uno de sus innovadores, que encontró una plataforma común para la cultura sinfónica europea y los elementos bebop, especialmente notables en piezas donde los instrumentistas solistas parecían oponerse a los sonidos del resto de la orquesta. También cabe señalar que Kenton prestó gran atención a las partes de improvisación de los solistas en sus composiciones, incluida la mundialmente famosa baterista Shelley Maine, el contrabajista Ed Safransky, la trombonista Kay Winding, June Christie, una de las mejores vocalistas de jazz de esos años. . Stan Kenton ha mantenido su fidelidad al género elegido a lo largo de su carrera.

Además de Stan Kenton, los interesantes arreglistas e instrumentistas Boyd Ryburn y Gil Evans también contribuyeron al desarrollo del género. Una especie de apoteosis del desarrollo progresivo, junto con la serie "Artistry" ya mencionada, también se puede considerar una serie de álbumes grabados por la big band de Gil Evans junto con el conjunto de Miles Davis en los - s, por ejemplo, "Miles Ahead ”, “Porgy and Bess” y “Dibujos españoles”. Poco antes de su muerte, Miles Davis volvió al género, grabando viejos arreglos de Gil Evans con la Quincy Jones Big Band.

bop duro

El hard bop (inglés - hard, hard bop) es una especie de jazz que surgió en los años 50. siglo 20 de bop. Difiere en rítmica expresiva y cruel, confianza en el blues. Se refiere a los estilos del jazz moderno. Casi al mismo tiempo que el cool jazz echaba raíces en la costa oeste, los músicos de jazz de Detroit, Filadelfia y Nueva York comenzaron a desarrollar variaciones más duras y pesadas de la vieja fórmula bebop, denominada Hard bop o hard bebop. Muy parecido al bebop tradicional en su agresividad y demandas técnicas, el hard bop de las décadas de 1950 y 1960 dependía menos de las formas estándar de las canciones y comenzó a poner más énfasis en los elementos del blues y el impulso rítmico. Los solos incendiarios o el dominio de la improvisación, junto con un fuerte sentido de la armonía, fueron propiedades de suma importancia para los instrumentistas de viento, la participación de la batería y el piano se hizo más notoria en la sección rítmica, y el bajo adquirió un sentimiento más fluido y funky.( tomado de la fuente "Literatura musical" Kolomiets Maria)

Jazz modal (modal)

soul-jazz

Ranura

Una rama del soul jazz, el estilo groove dibuja melodías con notas de blues y se distingue por un enfoque rítmico excepcional. A veces también llamado "funk", el ritmo se centra en mantener un patrón rítmico característico continuo, dándole sabor con ligeros adornos instrumentales y, a veces, líricos.

Las piezas interpretadas en estilo groove están llenas de emociones alegres, invitando a los oyentes a bailar, tanto en una versión lenta y bluesera, como a un ritmo acelerado. Las improvisaciones en solitario mantienen una estricta subordinación al ritmo y al sonido colectivo. Los exponentes más famosos de este estilo son los organistas Richard "Groove" Holmes y Shirley Scott, el saxofonista tenor Jean Emmons y el flautista/saxofonista alto Leo Wright.

jazz libre

Saxofonista Ornette Coleman

Quizás el movimiento más controvertido en la historia del jazz surgió con el advenimiento del free jazz, o "New Thing", como se le llamó más tarde. Aunque los elementos del free jazz existían dentro de la estructura musical del jazz mucho antes de que se acuñara el término mismo, la mayoría de ellos originales en los "experimentos" de innovadores como Coleman Hawkins, Pee Wee Russell y Lenny Tristano, pero solo hacia finales de la década de 1990 hasta los esfuerzos de pioneros como el saxofonista Ornette Coleman y el pianista Cecil Taylor, esta dirección tomó forma como un estilo independiente.

Lo que hicieron estos dos músicos, junto con otros como John Coltrane, Albert Ayler y comunidades como Sun Ra Arkestra y el grupo llamado The Revolutionary Ensemble, fue una variedad de cambios estructurales y sentimientos por la música. Entre las novedades que se introdujeron con imaginación y gran musicalidad estuvo el abandono de la progresión de acordes, que permitía que la música se moviera en cualquier dirección. Otro cambio fundamental se encontró en el área del ritmo, donde el "swing" se redefinió o se ignoró por completo. En otras palabras, la pulsación, la métrica y el groove ya no eran un elemento esencial en esta lectura del jazz. Otro componente clave se ha asociado con la atonalidad. Ahora el dicho musical ya no se basaba en el sistema tonal habitual. Notas estridentes, ladrando, convulsivas llenaron por completo este nuevo mundo sonoro.

El free jazz sigue existiendo hoy en día como una forma viable de expresión y, de hecho, ya no es un estilo tan controvertido como lo fue en los albores de su creación.

creativo

La aparición de la dirección "Creativa" estuvo marcada por la penetración de elementos del experimentalismo y la vanguardia en el jazz. El comienzo de este proceso coincidió parcialmente con el auge del free jazz. Los elementos del jazz de vanguardia, entendidos como cambios e innovaciones introducidos en la música, han sido siempre "experimentales". Así que las nuevas formas de experimentalismo que ofreció el jazz en los años 50, 60 y 70 fueron el alejamiento más radical de la tradición, introduciendo nuevos elementos de ritmos, tonalidad y estructura en la práctica. De hecho, la música de vanguardia se convirtió en sinónimo de formas abiertas, más difícil de caracterizar incluso que el free jazz. La estructura de dichos previamente planificada se mezcló con frases solistas más libres, en parte con reminiscencias del free jazz. Los elementos compositivos se fusionaron tanto con la improvisación que ya era difícil determinar dónde terminaba el primero y comenzaba el segundo. De hecho, la estructura musical de las piezas fue diseñada para que el solo fuera el producto del arreglo, trayendo el proceso musical lógicamente a lo que normalmente se vería como una forma de abstracción o incluso caos. el cantante Lenny Tristano, el saxofonista Jimmy Joffrey y el compositor/arreglista/director de orquesta Günter Schuller. Los maestros más recientes incluyen a los pianistas Paul Blay y Andrew Hill, los saxofonistas Anthony Braxton y Sam Rivers, los bateristas Sunny Murray y Andrew Cyrill, y miembros de la comunidad AACM (Asociación para el Avance de los Músicos Creativos) como el Art Ensemble de Chicago.

Fusión

Partiendo no sólo de la fusión del jazz con el pop y el rock, sino también de música proveniente de áreas como el soul, el funk y el rythm and blues, la fusión (o literalmente fusión), como género musical, apareció al final - x, originalmente llamado jazz-rock. Individuos y bandas como Eleventh House del guitarrista Larry Coryell, Lifetime del baterista Tony Williams y Miles Davis han seguido al frente de esta tendencia, introduciendo elementos como electrónica, ritmos de rock y pistas extendidas, anulando mucho de lo que el jazz ha representado desde entonces. sus inicios, a saber, el swing beat, y se basaba principalmente en la música blues, cuyo repertorio incluía tanto material de blues como estándares populares. El término fusión comenzó a usarse poco después de que surgieran varias orquestas, como la Mahavishnu Orchestra, Weather Report y el Return To Forever Ensemble de Chick Corea. A lo largo de la música de estos conjuntos hubo un énfasis constante en la improvisación y la melodía, lo que vinculó firmemente su práctica con la historia del jazz, a pesar de los detractores que afirmaban que se "vendieron" a los comerciantes de música. De hecho, cuando uno escucha hoy estos primeros experimentos, apenas parecen comerciales, ofreciendo al oyente participar en lo que era música con una naturaleza conversacional muy desarrollada. Durante la mitad de la década, la fusión evolucionó hacia una variante de música easy listening y/o rhythm and blues. Compositivamente o desde el punto de vista de la interpretación, ha perdido una parte importante de su nitidez, si no del todo. En -e, los músicos de jazz convirtieron la forma musical de fusión en un medio verdaderamente expresivo. Artistas como el baterista Ronald Shannon Jackson, los guitarristas Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie y James "Blood" Ulmer, así como el veterano saxofonista/trompetista Ornette Coleman, dominaron creativamente esta música en diferentes dimensiones.

Postbop

El baterista Art Blakey

El período post-bop abarca la música interpretada por músicos de jazz que continuaron trabajando en el campo del bebop, evitando los experimentos de free jazz que se desarrollaron durante el mismo período de la década de 1960. También como el hard bop antes mencionado, esta forma se basó en los ritmos, la estructura de conjunto y la energía del bebop, en las mismas combinaciones de metales y en el mismo repertorio musical, incluido el uso de elementos latinos. Lo que distinguió a la música post-bop fue el uso de elementos de funk, groove o soul, remodelados en el espíritu de la nueva era, marcada por el predominio de la música pop. A menudo, esta subespecie experimenta con el blues rock. Maestros como el saxofonista Hank Mobley, el pianista Horace Silver, el baterista Art Blakey y el trompetista Lee Morgan comenzaron esta música a mediados del siglo XX y presagiaron lo que ahora se ha convertido en la forma predominante de jazz. Junto con melodías más simples y ritmos más sentidos, el oyente también podía escuchar rastros de gospel y rhythm and blues mezclados. Este estilo, que sufrió algunos cambios durante la década de 1990, se utilizó en cierta medida para crear nuevas estructuras como elemento compositivo. El saxofonista Joe Henderson, el pianista McCoy Tyner e incluso un bopper tan prominente como Dizzy Gillespie, crearon música en este género que era tanto humana como armónicamente interesante. Uno de los compositores más importantes que surgieron durante este período fue el saxofonista Wayne Shorter. Shorter, habiendo ido a la escuela en el Art Blakey Ensemble, grabó varios álbumes fuertes bajo su propio nombre. Junto con el teclista Herbie Hancock, Shorter ayudó a Miles Davis a formar un quinteto (el grupo post-bop más experimental e influyente fue el Davis Quintet con John Coltrane) que se convirtió en uno de los grupos más importantes en la historia del jazz.

Jazz ácido

manush jazz

La difusión del jazz

El jazz siempre ha despertado interés entre músicos y oyentes de todo el mundo, independientemente de su nacionalidad. Basta rastrear los primeros trabajos del trompetista Dizzy Gillespie y su síntesis de las tradiciones del jazz con la música de los negros cubanos en o posterior combinación del jazz con la música japonesa, euroasiática y del Medio Oriente, conocida en la obra del pianista Dave Brubeck, así como en el brillante compositor y líder de la orquesta de jazz Duke Ellington, que combinó la herencia musical de África, América Latina y el Lejano Oriente. El jazz absorbió constantemente y no solo las tradiciones musicales occidentales. Por ejemplo, cuando distintos artistas empezaron a intentar trabajar con los elementos musicales de la India. Un ejemplo de este esfuerzo se puede escuchar en las grabaciones del flautista Paul Horn en el Taj Mahal, o en la corriente de "world music" representada, por ejemplo, por la banda de Oregon o el proyecto Shakti de John McLaughlin. La música de McLaughlin, anteriormente basada en gran medida en el jazz, comenzó a utilizar nuevos instrumentos de origen indio, como el khatam o la tabla, durante su trabajo con Shakti, sonaron ritmos intrincados y la forma del raga indio fue ampliamente utilizada. El Art Ensemble de Chicago fue uno de los primeros pioneros en la fusión de formas africanas y de jazz. Más tarde, el mundo conoció al saxofonista/compositor John Zorn y su exploración de la cultura musical judía, tanto dentro como fuera de la Orquesta de Masada. Estas obras han inspirado a grupos enteros de otros músicos de jazz, como el teclista John Medeski, que ha grabado con el músico africano Salif Keita, el guitarrista Marc Ribot y el bajista Anthony Coleman. El trompetista Dave Douglas aporta inspiración de los Balcanes a su música, mientras que la Asian-American Jazz Orchestra se ha convertido en una de las principales defensoras de la convergencia del jazz y las formas musicales asiáticas. A medida que continúa la globalización del mundo, el jazz está constantemente influenciado por otras tradiciones musicales, lo que proporciona un alimento maduro para futuras investigaciones y demuestra que el jazz es verdaderamente música del mundo.

Jazz en la URSS y Rusia

Primero en la RSFSR
orquesta excéntrica
banda de jazz Valentina Parnakh

En la conciencia de las masas, el jazz comenzó a ganar gran popularidad en los años 30, en gran parte debido al conjunto de Leningrado dirigido por el actor y cantante Leonid Utyosov y el trompetista Ya. B. Skomorovsky. La comedia cinematográfica popular con su participación "Merry Fellows" (1934, originalmente titulada "Jazz Comedy") estaba dedicada a la historia de un músico de jazz y tenía una banda sonora apropiada (escrita por Isaak Dunaevsky). Utyosov y Skomorovsky formaron el estilo original de "tea-jazz" (jazz teatral), basado en una mezcla de música con teatro, opereta, números vocales y un elemento de actuación que jugó un papel importante en él.

Eddie Rosner, compositor, músico y director de orquesta, hizo una contribución notable al desarrollo del jazz soviético. Habiendo comenzado su carrera en Alemania, Polonia y otros países europeos, Rozner se mudó a la URSS y se convirtió en uno de los pioneros del swing en la URSS y en el iniciador del jazz bielorruso. Las bandas de Moscú de los años 30 y 40, dirigidas por Alexander Tsfasman y Alexander Varlamov, también desempeñaron un papel importante en la popularización y el desarrollo del estilo swing. La Orquesta de Jazz de All-Union Radio dirigida por A. Varlamov participó en el primer programa de televisión soviético. La única composición que ha sobrevivido de esa época resultó ser la orquesta de Oleg Lundstrem. Esta big band ahora ampliamente conocida perteneció a los pocos y mejores conjuntos de jazz de la diáspora rusa, actuando en 1935-1947. en China.

La actitud de las autoridades soviéticas hacia el jazz era ambigua: los intérpretes de jazz domésticos, por regla general, no estaban prohibidos, pero las duras críticas al jazz como tal estaban muy extendidas en el contexto de contrarrestar la cultura occidental en general. A fines de la década de 1940, durante la lucha contra el cosmopolitismo, el jazz en la URSS experimentó un período particularmente difícil, cuando los grupos que interpretaban música "occidental" fueron perseguidos. Con el inicio del "deshielo", se detuvo la persecución de los músicos, pero las críticas continuaron.

Según una investigación de la profesora de historia y cultura estadounidense Penny Van Eschen, el Departamento de Estado de Estados Unidos intentó utilizar el jazz como arma ideológica contra la URSS y contra la expansión de la influencia soviética en el Tercer Mundo.

El primer libro sobre jazz en la URSS fue publicado por la editorial Academia de Leningrado en 1926. Fue compilado por el musicólogo Semyon Ginzburg a partir de traducciones de artículos de compositores y críticos musicales occidentales, así como de sus propios materiales, y se llamó " Banda de jazz y música contemporánea» .
El siguiente libro sobre jazz se publicó en la URSS solo a principios de la década de 1960. Fue escrito por Valery Mysovsky y Vladimir Feyertag, llamado " Jazz” y era esencialmente una compilación de información que se podía obtener de varias fuentes en ese momento. Desde ese momento, se comenzó a trabajar en la primera enciclopedia de jazz en ruso, que fue publicada solo en 2001 por la editorial "Skifia" de San Petersburgo. Enciclopedia " Jazz. siglo XX. Referencia enciclopédica fue preparado por uno de los críticos de jazz más autorizados, Vladimir Feiertag, contó con más de mil nombres de personalidades del jazz y fue reconocido unánimemente como el principal libro sobre jazz en idioma ruso. En 2008, la segunda edición de la enciclopedia " Jazz. Referencia enciclopédica”, donde se ha llevado a cabo la historia del jazz hasta el siglo XXI, se han añadido cientos de las fotografías más raras, y la lista de nombres del jazz se ha incrementado en casi una cuarta parte.

jazz latinoamericano

La combinación de elementos rítmicos latinos ha estado presente en el jazz casi desde el comienzo de la fusión cultural que se originó en Nueva Orleans. Jelly Roll Morton habló de "matices españoles" en sus grabaciones de mediados a finales de la década de 1990. Duke Ellington y otros directores de orquesta de jazz también utilizaron formas latinas. El principal (aunque no ampliamente reconocido) progenitor del jazz latino, el trompetista y arreglista Mario Bausa trajo una inclinación cubana de su Habana natal a la orquesta de Chick Webb en la década de 1990, y una década más tarde la incorporó al sonido de Don Redman, Fletcher Orquestas de Henderson y Cab Calloway. Trabajando con el trompetista Dizzy Gillespie en la Orquesta Calloway desde finales del siglo XX, Bausa introdujo una dirección desde la que ya existía un vínculo directo con las big bands de Gillespie de mediados del siglo XX. Esta "historia de amor" de Gillespie con las formas musicales latinas continuó durante el resto de su larga carrera. En th Bausa continuó su carrera, convirtiéndose en el director musical de la Orquesta Afrocubana Machito, encabezada por su cuñado, el percusionista Frank Grillo, apodado Machito. Las décadas de 1950 y 1960 estuvieron marcadas por un largo flirteo del jazz con los ritmos latinos, principalmente en la dirección de la bossa nova, enriqueciendo esta síntesis con elementos brasileños de la samba. Combinando el estilo de cool jazz desarrollado por músicos de la Costa Oeste, proporciones clásicas europeas y seductores ritmos brasileños, la bossa nova, o más correctamente "jazz brasileño", ganó gran popularidad en los Estados Unidos alrededor de . Sutiles pero hipnóticos ritmos de guitarra acústica puntuaron melodías simples cantadas tanto en portugués como en inglés. Introducido por los brasileños Joao Gilberto y Antonio Carlos Jobin, el estilo se convirtió en una alternativa bailable al hard bop y al free jazz en la década de 1950, expandiendo enormemente su popularidad a través de grabaciones e interpretaciones de músicos de la costa oeste, en particular el guitarrista Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz. . La mezcla musical de influencias latinas se extendió en el jazz y más allá, en los 's y 's, incluyendo no solo orquestas y grupos con improvisadores latinoamericanos de primer nivel, sino también combinando intérpretes locales y latinos, creando ejemplos de la música escénica más emocionante. . Este nuevo renacimiento del jazz latino fue impulsado por una afluencia constante de artistas extranjeros de entre los desertores cubanos, como el trompetista Arturo Sandoval, el saxofonista y clarinetista Paquito D'Rivera, y otros. que huyeron del régimen de Fidel Castro en busca de mayores oportunidades, que esperaban encontrar en Nueva York y Florida. También existe la opinión de que las cualidades más intensas y bailables de la música polirrítmica del jazz latino ampliaron enormemente la audiencia de jazz. Cierto, conservando sólo un mínimo de intuición, para la percepción intelectual.

Jazz en el mundo moderno

El jazz es una dirección musical que comenzó a finales del siglo XIX y principios del XX en los Estados Unidos. Su surgimiento es el resultado del entrecruzamiento de dos culturas: africana y europea. Esta tendencia combinará los espirituales (cánticos de la iglesia) de los negros estadounidenses, los ritmos populares africanos y la melodía armoniosa europea. Sus rasgos característicos son: ritmo flexible basado en el principio de la síncopa, uso de instrumentos de percusión, improvisación, forma expresiva de ejecución, distinguida por la tensión sonora y dinámica, llegando a veces al éxtasis. Inicialmente, el jazz era una combinación de ragtime con elementos del blues. De hecho, resultó de estas dos direcciones. Una característica del estilo de jazz es, ante todo, el juego individual y único del virtuoso del jazz, y la improvisación dota a este movimiento de una relevancia constante.

Después de que se formó el jazz, comenzó un proceso continuo de su desarrollo y modificación, que condujo al surgimiento de varias direcciones. Actualmente hay una treintena de ellos.

Jazz de Nueva Orleans (tradicional).

Este estilo suele significar exactamente el jazz que se interpretó entre 1900 y 1917. Se puede decir que su origen coincidió con la apertura de Storyville (barrio rojo de Nueva Orleans), que ganó su popularidad a través de bares y establecimientos similares, donde los músicos que tocaban música sincopada siempre encontraban trabajo. Las bandas callejeras que habían sido comunes antes comenzaron a ser suplantadas por los llamados "conjuntos de storyville", cuya interpretación se volvió cada vez más individual en comparación con sus predecesores. Estos conjuntos se convirtieron más tarde en los fundadores del jazz clásico de Nueva Orleans. Ejemplos vívidos de artistas de este estilo son: Jelly Roll Morton ("His Red Hot Peppers"), Buddy Bolden ("Funky Butt"), Kid Ory. Fueron ellos quienes hicieron la transición de la música folclórica africana a las primeras formas de jazz.

Jazz de Chicago.

En 1917 comienza la siguiente etapa importante en el desarrollo de la música jazz, marcada por la aparición en Chicago de inmigrantes de Nueva Orleans. Hay una formación de nuevas orquestas de jazz, cuyo juego introduce nuevos elementos en el primer jazz tradicional. Así aparece un estilo independiente de la escuela de interpretación de Chicago, que se divide en dos direcciones: el hot jazz de los músicos negros y el dixieland de los blancos. Las características principales de este estilo son: partes solistas individualizadas, cambio en la inspiración caliente (la interpretación extática libre original se volvió más nerviosa, llena de tensión), sintetizador (la música incluía no solo elementos tradicionales, sino también ragtime, así como éxitos estadounidenses famosos). ) y cambios en el juego instrumental (el papel de los instrumentos y las técnicas interpretativas ha cambiado). Las figuras fundamentales de esta dirección ("What Wonderful World", "Moon Rivers") y ("Someday Sweetheart", "Ded Man Blues").

El swing es un estilo orquestal de jazz de las décadas de 1920 y 1930 que surgió directamente de la escuela de Chicago y fue interpretado por big bands (The Original Dixieland Jazz Band). Se caracteriza por el predominio de la música occidental. En las orquestas aparecieron secciones separadas de saxofones, trompetas y trombones; el banjo es reemplazado por una guitarra, una tuba y un sazofón - contrabajo. La música se aleja de la improvisación colectiva, los músicos tocan siguiendo estrictamente partituras preprogramadas. Una técnica característica fue la interacción de la sección rítmica con instrumentos melódicos. Representantes de esta dirección:, (“Creole Love Call”, “The Mooche”), Fletcher Henderson (“When Buddha Smiles”), Benny Goodman And His Orchestra,.

Bebop es un jazz moderno que comenzó en los años 40 y fue una dirección experimental y anticomercial. A diferencia del swing, es un estilo más intelectual, con un fuerte énfasis en la improvisación compleja y un énfasis en la armonía más que en la melodía. La música de este estilo también se distingue por un ritmo muy rápido. Los representantes más brillantes son: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker (“Night In Tunisia”, “Manteca”) y Bud Powell.

Convencional. Incluye tres corrientes: Stride (Northeast Jazz), Kansas City Style y West Coast Jazz. El paso rápido reinó en Chicago, dirigido por maestros como Louis Armstrong, Andy Condon, Jimmy Mac Partland. Kansas City se caracteriza por piezas líricas de estilo blues. El jazz de la costa oeste se desarrolló en Los Ángeles bajo la dirección de y posteriormente resultó en cool jazz.

Cool Jazz (cool jazz) se originó en Los Ángeles en los años 50 como contraste con el dinámico e impulsivo swing y bebop. Se considera que el fundador de este estilo es Lester Young. Fue él quien introdujo una forma de producción de sonido inusual para el jazz. Este estilo se caracteriza por el uso de instrumentos sinfónicos y la contención emocional. En este sentido, maestros como Miles Davis ("Blue In Green"), Gerry Mulligan ("Walking Shoes"), Dave Brubeck ("Pick Up Sticks"), Paul Desmond dejaron su huella.

Avante-Garde comenzó a desarrollarse en los años 60. Este estilo vanguardista se basa en la ruptura con los elementos tradicionales originales y se caracteriza por el uso de nuevas técnicas y medios expresivos. Para los músicos de esta corriente, la autoexpresión, que realizaban a través de la música, estaba en primer lugar. Los artistas de esta tendencia incluyen: Sun Ra ("Kosmos in Blue", "Moon Dance"), Alice Coltrane ("Ptah The El Daoud"), Archie Shepp.

El jazz progresivo surgió en paralelo con el bebop en los años 40, pero se distinguió por su técnica de saxofón staccato, el complejo entretejido de politonalidad con pulsación rítmica y elementos de symphojazz. Stan Kenton puede ser llamado el fundador de esta tendencia. Representantes destacados: Gil Evans y Boyd Ryburn.

El hard bop es un tipo de jazz que tiene sus raíces en el bebop. Detroit, Nueva York, Filadelfia: en estas ciudades nació este estilo. En cuanto a su agresividad, recuerda mucho al bebop, pero aún prevalecen en él elementos de blues. Los artistas de personajes incluyen a Zachary Breaux ("Uptown Groove"), Art Blakey y The Jass Messengers.

Jazz del alma. Este término se usa para referirse a toda la música negra. Se basa en el blues tradicional y el folclore afroamericano. Esta música se caracteriza por figuras de bajo ostinato y muestras rítmicamente repetidas, por lo que ha ganado gran popularidad entre diferentes masas de la población. Entre los éxitos de esta dirección se encuentran las composiciones de Ramsey Lewis "The In Crowd" y Harris-McCain "Compared To What".

Groove (también conocido como funk) es una rama del soul, solo lo distingue su enfoque rítmico. Básicamente, la música de esta dirección tiene un color principal y, en términos de estructura, está claramente definida por las partes de cada instrumento. Las actuaciones en solitario encajan armoniosamente en el sonido general y no son demasiado individualizadas. Los intérpretes de este estilo son Shirley Scott, Richard "Groove" Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.

Free Jazz comenzó a finales de los años 50 gracias a los esfuerzos de maestros tan innovadores como Ornette Coleman y Cecil Taylor. Sus rasgos característicos son la atonalidad, una violación de la secuencia de acordes. Este estilo suele denominarse "free jazz", y sus derivados son el loft jazz, el modern creative y el free funk. Los músicos de este estilo incluyen: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier ("Varech"), AMM ("Sedimantari").

La creatividad apareció debido a la vanguardia y el experimentalismo generalizados de las formas del jazz. Es difícil caracterizar esa música en ciertos términos, ya que es demasiado multifacética y combina muchos elementos de movimientos anteriores. Los primeros en adoptar este estilo incluyen a Lenny Tristano ("Line Up"), Gunther Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cyril ("The Big Time Stuff").

Fusión combinó elementos de casi todos los movimientos musicales existentes en ese momento. Su desarrollo más activo comenzó en la década de 1970. Fusion es un estilo instrumental sistematizado caracterizado por firmas de tiempo complejas, ritmo, composiciones alargadas y falta de voces. Este estilo está diseñado para masas menos amplias que el soul y es todo lo contrario. Larry Corell y Eleventh, Tony Williams y Lifetime ("Bobby Truck Tricks") están a la cabeza de este movimiento.

El acid jazz (groove jazz o club jazz) se originó en el Reino Unido a finales de los 80 (apogeo 1990 - 1995) y combinó el funk de los 70, el hip-hop y la música dance de los 90. La aparición de este estilo fue dictada por el uso generalizado de muestras de jazz-funk. El fundador es DJ Giles Peterson. Entre los artistas de esta dirección se encuentran Melvin Sparks ("Dig Dis"), RAD, Smoke City ("Flying Away"), Incognito y Brand New Heavies.

El post bop comenzó a desarrollarse en los años 50 y 60 y tiene una estructura similar al hard bop. Se distingue por la presencia de elementos de soul, funk y groove. A menudo, al caracterizar esta dirección, dibujan un paralelo con el blues-rock. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey ("Like Someone In Love") y Lee Morgan ("Yesterday"), Wayne Shorter trabajaron en este estilo.

El jazz suave es un estilo de jazz moderno que se originó a partir del movimiento de fusión, pero se diferencia de él en su sonido deliberadamente pulido. Una característica de esta dirección es el uso generalizado de herramientas eléctricas. Artistas notables: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater ("All Of Me", "God Bless The Child"), Larry Carlton ("Dont Give It Up").

Jazz manush (jazz gitano) es una dirección de jazz especializada en interpretación de guitarra. Combina la técnica guitarrística de las tribus gitanas del grupo manush y el swing. Los fundadores de esta dirección son los hermanos Ferre y. Los artistas más famosos: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen ("Stella By Starlight", "Fiso Place", "Autumn Leaves").

Jazz - una forma de arte musical que surgió a fines del siglo XIX - principios del siglo XX en los EE. UU., en Nueva Orleans, como resultado de la síntesis de las culturas africana y europea y posteriormente se generalizó. Los orígenes del jazz fueron el blues y otras músicas folclóricas afroamericanas. Los rasgos característicos del lenguaje musical del jazz se convirtieron inicialmente en improvisación, polirritmia basada en ritmos sincopados y un conjunto único de técnicas para realizar la textura rítmica: el swing. Se produjo un mayor desarrollo del jazz debido al desarrollo de nuevos modelos rítmicos y armónicos por parte de músicos y compositores de jazz. Los sub-jazzes de jazz son: jazz vanguardista, bebop, jazz clásico, cool, jazz modal, swing, jazz suave, soul jazz, free jazz, fusión, hard bop y muchos otros.

Historia del desarrollo del jazz.

Banda de jazz de Wilex College, Texas

El jazz surgió como una combinación de varias culturas musicales y tradiciones nacionales. Procedía originalmente de África. Cualquier música africana se caracteriza por un ritmo muy complejo, la música siempre va acompañada de bailes, que son rápidos pisotones y palmas. Sobre esta base, a fines del siglo XIX, surgió otro género musical: el ragtime. Posteriormente, los ritmos del ragtime, combinados con elementos del blues, dieron lugar a una nueva dirección musical: el jazz.

El blues se originó a finales del siglo XIX como una fusión de ritmos africanos y armonía europea, pero sus orígenes hay que buscarlos desde el momento en que los esclavos fueron traídos de África al Nuevo Mundo. Los esclavos traídos no procedían del mismo clan y, por lo general, ni siquiera se entendían entre sí. La necesidad de consolidación condujo a la unificación de muchas culturas y, como resultado, a la creación de una sola cultura (incluida la música) de los afroamericanos. Los procesos de mestizaje de la cultura musical africana y europea (que también sufrieron cambios serios en el Nuevo Mundo) se dieron a partir del siglo XVIII y en el siglo XIX llevaron al surgimiento del "proto-jazz", y luego al jazz en general. sentido aceptado. La cuna del jazz fue el sur de Estados Unidos, y especialmente Nueva Orleans.
Juramento de la eterna juventud del jazz - improvisación
La peculiaridad del estilo es la interpretación individual única del virtuoso del jazz. La clave de la eterna juventud del jazz es la improvisación. Después de la aparición de un brillante intérprete que vivió toda su vida al ritmo del jazz y sigue siendo una leyenda: Louis Armstrong, el arte de la interpretación del jazz vio nuevos horizontes inusuales para sí mismo: la interpretación solista vocal o instrumental se convierte en el centro de toda la interpretación. , cambiando por completo la idea del jazz. El jazz no es solo un cierto tipo de interpretación musical, sino también una época alegre única.

jazz de nueva orleans

El término Nueva Orleans se usa comúnmente para describir el estilo de los músicos que tocaron jazz en Nueva Orleans entre 1900 y 1917, así como los músicos de Nueva Orleans que tocaron en Chicago y grabaron discos desde aproximadamente 1917 hasta la década de 1920. Este período de la historia del jazz también se conoce como la Era del Jazz. Y el término también se usa para describir la música tocada en diferentes períodos históricos por los renovadores de Nueva Orleans que buscaban tocar jazz con el mismo estilo que los músicos de la escuela de Nueva Orleans.

El folklore afroamericano y el jazz se han separado desde la apertura de Storyville, el barrio rojo de Nueva Orleans, famoso por sus lugares de entretenimiento. Aquellos que querían divertirse y divertirse aquí esperaban muchas oportunidades seductoras que ofrecían pistas de baile, cabaret, espectáculos de variedades, circo, bares y restaurantes. Y en todas partes en estas instituciones sonaba música y los músicos que dominaban la nueva música sincopada podían encontrar trabajo. Gradualmente, con el crecimiento del número de músicos que trabajan profesionalmente en los establecimientos de entretenimiento de Storyville, el número de bandas de música callejeras y de marcha disminuyó, y en su lugar, surgieron los llamados conjuntos de Storyville, cuya manifestación musical se vuelve más individual. , en comparación con la ejecución de bandas de música. Estas composiciones, a menudo llamadas "orquestas combinadas", se convirtieron en las fundadoras del estilo del jazz clásico de Nueva Orleans. Entre 1910 y 1917, los clubes nocturnos de Storyville se convirtieron en el escenario ideal para el jazz.
Entre 1910 y 1917, los clubes nocturnos de Storyville se convirtieron en el escenario ideal para el jazz.
El desarrollo del jazz en Estados Unidos en el primer cuarto del siglo XX

Después del cierre de Storyville, el jazz comenzó a pasar de ser un género folclórico regional a una dirección musical nacional, extendiéndose a las provincias del norte y noreste de los Estados Unidos. Pero, por supuesto, solo el cierre de un barrio de entretenimiento no pudo contribuir a su amplia distribución. Junto con Nueva Orleans, St. Louis, Kansas City y Memphis jugaron un papel importante en el desarrollo del jazz desde el principio. Ragtime nació en Memphis en el siglo XIX, desde donde luego se extendió por todo el continente norteamericano en el período 1890-1903.

Por otro lado, las actuaciones de juglares, con su abigarrado mosaico de folclore afroamericano de todo tipo, desde jig hasta ragtime, se extendieron rápidamente por todas partes y prepararon el escenario para el advenimiento del jazz. Muchas futuras celebridades del jazz comenzaron su viaje en el espectáculo de juglares. Mucho antes de que cerrara Storyville, los músicos de Nueva Orleans estaban de gira con las llamadas compañías de "vodevil". Jelly Roll Morton de 1904 realizó giras regulares en Alabama, Florida, Texas. Desde 1914 tenía un contrato para actuar en Chicago. En 1915 se mudó a Chicago y a la Orquesta White Dixieland de Tom Brown. La famosa Creole Band, dirigida por el cornetista de Nueva Orleans Freddie Keppard, también realizó importantes giras de vodevil en Chicago. Habiéndose separado de la Olympia Band en un momento, los artistas de Freddie Keppard ya en 1914 actuaron con éxito en el mejor teatro de Chicago y recibieron una oferta para hacer una grabación de sonido de sus actuaciones incluso antes de la Original Dixieland Jazz Band, que, sin embargo, Freddie Keppard rechazado miopemente. Amplió significativamente el territorio cubierto por la influencia del jazz, las orquestas tocaban en los vapores de recreo que navegaban por el Mississippi.

Desde finales del siglo XIX, los viajes fluviales desde Nueva Orleans hasta St. Paul se han vuelto populares, primero durante el fin de semana y luego durante toda la semana. Desde 1900, las orquestas de Nueva Orleans se presentan en estos barcos fluviales, cuya música se ha convertido en el entretenimiento más atractivo para los pasajeros durante los recorridos fluviales. En una de estas orquestas comenzó Suger Johnny, la futura esposa de Louis Armstrong, la primera pianista de jazz Lil Hardin. La banda fluvial de otro pianista, Faiths Marable, contó con muchas futuras estrellas del jazz de Nueva Orleans.

Los barcos de vapor que viajaban a lo largo del río a menudo se detenían en las estaciones de paso, donde las orquestas organizaban conciertos para el público local. Fueron estos conciertos los que se convirtieron en debuts creativos para Bix Beiderbeck, Jess Stacy y muchos otros. Otra ruta famosa discurría a lo largo del Misuri hasta Kansas City. En esta ciudad, donde, gracias a las fuertes raíces del folclore afroamericano, el blues se desarrolló y finalmente tomó forma, la interpretación virtuosa de los jazzmen de Nueva Orleans encontró un ambiente excepcionalmente fértil. A principios de la década de 1920, Chicago se convirtió en el principal centro de desarrollo de la música jazz, en la que, gracias al esfuerzo de muchos músicos que se reunieron de diferentes partes de los Estados Unidos, se creó un estilo que recibió el apodo de Jazz de Chicago.

grandes bandas

La forma clásica y establecida de big band se conoce en el jazz desde principios de la década de 1920. Esta forma conservó su relevancia hasta finales de la década de 1940. Los músicos que ingresaban a la mayoría de las big bands, por regla general, casi en la adolescencia, tocaban partes bastante definidas, ya sea aprendidas en los ensayos o de las notas. Orquestaciones cuidadosas, junto con enormes secciones de instrumentos de viento de madera y metales, produjeron ricas armonías de jazz y produjeron el sonido sensacionalmente fuerte que se conoció como "el sonido de la gran banda".

La big band se convirtió en la música popular de su época, alcanzando su apogeo a mediados de la década de 1930. Esta música se convirtió en la fuente de la moda del baile swing. Los líderes de las famosas bandas de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet compusieron o arreglaron y grabaron en discos una genuina lista de éxitos que sonaron no solo en la radio, pero también en todas partes en los salones de baile. Muchas big bands mostraron a sus improvisadores solistas, que llevaron a la audiencia a un estado cercano a la histeria durante las "batallas de orquestas" bien publicitadas.
Muchas big bands demostraron sus improvisadores solistas, que llevaron a la audiencia a un estado cercano a la histeria.
Aunque la popularidad de las grandes bandas disminuyó después de la Segunda Guerra Mundial, las orquestas dirigidas por Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James y muchos otros realizaron giras y grabaciones con frecuencia durante las siguientes décadas. Su música se transformó gradualmente bajo la influencia de las nuevas tendencias. Grupos como los conjuntos dirigidos por Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis exploraron nuevos conceptos en armonía, instrumentación y libertad de improvisación. Hoy en día, las big bands son el estándar en la educación del jazz. Orquestas de repertorio como la Lincoln Center Jazz Orchestra, la Carnegie Hall Jazz Orchestra, la Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra y el Chicago Jazz Ensemble tocan regularmente arreglos originales de composiciones de big band.

jazz del noreste

Aunque la historia del jazz comenzó en Nueva Orleans con la llegada del siglo XX, esta música experimentó un verdadero auge a principios de la década de 1920, cuando el trompetista Louis Armstrong abandonó Nueva Orleans para crear nueva música revolucionaria en Chicago. La migración de los maestros del jazz de Nueva Orleans a Nueva York que comenzó poco después marcó una tendencia de movimiento continuo de músicos de jazz del Sur hacia el Norte.

Louis Armstrong

Chicago abrazó la música de Nueva Orleans y la puso de moda, subiéndola no solo con los famosos conjuntos Hot Five y Hot Seven de Armstrong, sino también con otros, incluidos Eddie Condon y Jimmy McPartland, cuyo equipo de Austin High School ayudó a revivir la Nueva Orleans. escuelas. Otros habitantes notables de Chicago que han superado los límites del jazz clásico de Nueva Orleans son el pianista Art Hodes, el baterista Barrett Deems y el clarinetista Benny Goodman. Armstrong y Goodman, que finalmente se mudaron a Nueva York, crearon allí una especie de masa crítica que ayudó a esta ciudad a convertirse en una verdadera capital mundial del jazz. Y aunque Chicago siguió siendo principalmente el centro de la grabación de sonido en el primer cuarto del siglo XX, Nueva York también surgió como el principal lugar de jazz, albergando clubes legendarios como Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy y Village Vengeward, así como escenarios como el Carnegie Hall.

Estilo de la ciudad de Kansas

Durante la era de la Gran Depresión y la Prohibición, la escena del jazz de Kansas City se convirtió en la meca de los sonidos novedosos de finales de los años veinte y treinta. El estilo que floreció en Kansas City se caracteriza por piezas conmovedoras con un toque de blues, interpretadas tanto por grandes bandas como por pequeños conjuntos de swing, demostrando solos muy enérgicos, interpretados para clientes de tabernas con licor vendido ilegalmente. Fue en estos pubs donde cristalizó el estilo del gran Count Basie, comenzando en Kansas City con la orquesta de Walter Page y más tarde con Benny Moten. Ambas orquestas eran representantes típicos del estilo de Kansas City, que se basaba en una forma peculiar de blues, llamada "blues urbano" y formada en la interpretación de las orquestas mencionadas. La escena del jazz de Kansas City también se distinguió por toda una galaxia de destacados maestros del blues vocal, entre los que se encontraba el reconocido "rey" del solista de la Orquesta Count Basie, el famoso cantante de blues Jimmy Rushing. El célebre saxofonista alto Charlie Parker, nacido en Kansas City, a su llegada a Nueva York hizo un amplio uso de los "chips" característicos del blues que había aprendido en las orquestas de Kansas City y posteriormente constituyó uno de los puntos de partida en los experimentos de los boppers. en la década de 1940.

Jazz de la costa oeste

Los artistas capturados por el movimiento cool jazz en la década de 1950 trabajaron mucho en los estudios de grabación de Los Ángeles. Influenciados en gran parte por Miles Davis, estos artistas de Los Ángeles desarrollaron lo que ahora se conoce como West Coast Jazz. El jazz de la costa oeste era mucho más suave que el furioso bebop que lo había precedido. La mayor parte del jazz de la costa oeste se ha escrito con gran detalle. Las líneas de contrapunto utilizadas a menudo en estas composiciones parecían ser parte de la influencia europea que había penetrado en el jazz. Sin embargo, esta música dejó mucho espacio para largas improvisaciones lineales en solitario. Aunque West Coast Jazz se interpretó principalmente en estudios de grabación, clubes como Lighthouse en Hermosa Beach y Haig en Los Ángeles a menudo presentaban a sus maestros, que incluían al trompetista Shorty Rogers, los saxofonistas Art Pepper y Bud Shenk, el baterista Shelley Mann y el clarinetista Jimmy Giuffrey. .

La difusión del jazz

El jazz siempre ha despertado interés entre músicos y oyentes de todo el mundo, independientemente de su nacionalidad. Basta rastrear los primeros trabajos del trompetista Dizzy Gillespie y su fusión de las tradiciones del jazz con la música de los negros cubanos en la década de 1940 o posterior, la combinación del jazz con la música japonesa, euroasiática y del Medio Oriente, conocida en la obra del pianista Dave Brubeck. , así como en el brillante compositor y líder del jazz, la Orquesta de Duke Ellington, que combinó la herencia musical de África, América Latina y el Lejano Oriente.

Dave Brubeck

El jazz absorbió constantemente y no solo las tradiciones musicales occidentales. Por ejemplo, cuando distintos artistas empezaron a intentar trabajar con los elementos musicales de la India. Un ejemplo de este esfuerzo se puede escuchar en las grabaciones del flautista Paul Horn en el Taj Mahal, o en la corriente de "world music" representada, por ejemplo, por la banda de Oregon o el proyecto Shakti de John McLaughlin. La música de McLaughlin, anteriormente basada en gran medida en el jazz, comenzó a utilizar nuevos instrumentos de origen indio, como el khatam o la tabla, durante su trabajo con Shakti, sonaron ritmos intrincados y la forma del raga indio fue ampliamente utilizada.
A medida que continúa la globalización del mundo, el jazz está constantemente influenciado por otras tradiciones musicales.
El Art Ensemble de Chicago fue uno de los primeros pioneros en la fusión de formas africanas y de jazz. Más tarde, el mundo conoció al saxofonista/compositor John Zorn y su exploración de la cultura musical judía, tanto dentro como fuera de la Orquesta de Masada. Estas obras han inspirado a grupos enteros de otros músicos de jazz, como el teclista John Medeski, que ha grabado con el músico africano Salif Keita, el guitarrista Marc Ribot y el bajista Anthony Coleman. El trompetista Dave Douglas aporta inspiración de los Balcanes a su música, mientras que la Asian-American Jazz Orchestra se ha convertido en una de las principales defensoras de la convergencia del jazz y las formas musicales asiáticas. A medida que continúa la globalización del mundo, el jazz está constantemente influenciado por otras tradiciones musicales, lo que proporciona un alimento maduro para futuras investigaciones y demuestra que el jazz es verdaderamente música del mundo.

Jazz en la URSS y Rusia

El primero en la banda de jazz RSFSR de Valentin Parnakh

La escena del jazz se originó en la URSS en la década de 1920, simultáneamente con su apogeo en los Estados Unidos. La primera orquesta de jazz en la Rusia soviética fue creada en Moscú en 1922 por el poeta, traductor, bailarín y figura teatral Valentin Parnakh y se denominó "Primera orquesta de banda de jazz excéntrica de Valentin Parnakh en la RSFSR". El nacimiento del jazz ruso se considera tradicionalmente el 1 de octubre de 1922, cuando tuvo lugar el primer concierto de este grupo. La orquesta del pianista y compositor Alexander Tsfasman (Moscú) está considerada como el primer conjunto profesional de jazz en actuar al aire y grabar un disco.

Las primeras bandas de jazz soviéticas se especializaron en realizar bailes de moda (foxtrot, Charleston). En la conciencia de las masas, el jazz comenzó a ganar gran popularidad en los años 30, en gran parte debido al conjunto de Leningrado dirigido por el actor y cantante Leonid Utesov y el trompetista Ya. B. Skomorovsky. La comedia cinematográfica popular con su participación "Merry Fellows" (1934) estaba dedicada a la historia de un músico de jazz y tenía una banda sonora correspondiente (escrita por Isaac Dunayevsky). Utyosov y Skomorovsky formaron el estilo original de "tea-jazz" (jazz teatral), basado en una mezcla de música con teatro, opereta, números vocales y un elemento de actuación que jugó un papel importante en él. Eddie Rosner, compositor, músico y director de orquesta, hizo una contribución notable al desarrollo del jazz soviético. Habiendo comenzado su carrera en Alemania, Polonia y otros países europeos, Rozner se mudó a la URSS y se convirtió en uno de los pioneros del swing en la URSS y en el iniciador del jazz bielorruso.
En la conciencia de las masas, el jazz comenzó a ganar gran popularidad en la URSS en la década de 1930.
La actitud de las autoridades soviéticas hacia el jazz era ambigua: los intérpretes de jazz domésticos, por regla general, no estaban prohibidos, pero las duras críticas al jazz como tal estaban muy extendidas, en el contexto de la crítica de la cultura occidental en general. A fines de la década de 1940, durante la lucha contra el cosmopolitismo, el jazz en la URSS experimentó un período particularmente difícil, cuando los grupos que interpretaban música "occidental" fueron perseguidos. Con el inicio del "deshielo", cesaron las represiones contra los músicos, pero continuaron las críticas. Según la investigación de la profesora de historia y cultura estadounidense Penny Van Eschen, el Departamento de Estado de los Estados Unidos intentó utilizar el jazz como arma ideológica contra la URSS y contra la expansión de la influencia soviética en los países del tercer mundo. En los años 50 y 60. en Moscú, las orquestas de Eddie Rozner y Oleg Lundstrem reanudaron sus actividades, aparecieron nuevas composiciones, entre las que se destacaron las orquestas de Iosif Weinstein (Leningrado) y Vadim Ludvikovsky (Moscú), así como la Orquesta de Variedades de Riga (REO).

Las grandes bandas crearon toda una galaxia de arreglistas talentosos e improvisadores solistas, cuyo trabajo llevó el jazz soviético a un nivel cualitativamente nuevo y lo acercó a los estándares mundiales. Entre ellos se encuentran Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Comienza el desarrollo del jazz de cámara y club en toda su diversidad de estilos (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.)

Club de Jazz "Pájaro Azul"

Muchos de los maestros del jazz soviético mencionados anteriormente comenzaron su carrera creativa en el escenario del legendario club de jazz de Moscú "Blue Bird", que existió desde 1964 hasta 2009, descubriendo nuevos nombres de representantes de la generación moderna de estrellas del jazz ruso (los hermanos Alexander y Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko y otros). En los años 70, el trío de jazz "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) formado por el pianista Vyacheslav Ganelin, el baterista Vladimir Tarasov y el saxofonista Vladimir Chekasin, que existió hasta 1986, ganó gran popularidad. En los años 70-80, también eran conocidos el cuarteto de jazz de Azerbaiyán "Gaya", los conjuntos vocales e instrumentales de Georgia "Orera" y "Jazz-Khoral".

Después del declive del interés por el jazz en los años 90, comenzó a ganar popularidad nuevamente en la cultura juvenil. Los festivales de música jazz se llevan a cabo anualmente en Moscú, como Usadba Jazz y Jazz in the Hermitage Garden. El club de jazz más popular de Moscú es el club de jazz Union of Composers, que invita a artistas de jazz y blues de fama mundial.

Jazz en el mundo moderno

El mundo moderno de la música es tan diverso como el clima y la geografía que aprendemos a través de los viajes. Y, sin embargo, hoy asistimos a una mezcla de un número cada vez mayor de culturas del mundo, acercándonos cada vez más a lo que, en esencia, ya se está convirtiendo en “world music” (músicas del mundo). El jazz de hoy no puede dejar de estar influenciado por sonidos que penetran en él desde casi todos los rincones del mundo. El experimentalismo europeo con tintes clásicos sigue influyendo en la música de jóvenes pioneros como Ken Vandermark, un frígido saxofonista vanguardista conocido por su trabajo con renombrados contemporáneos como los saxofonistas Mats Gustafsson, Evan Parker y Peter Brotzmann. Otros músicos jóvenes más tradicionales que continúan buscando sus propias identidades incluyen a los pianistas Jackie Terrasson, Benny Green y Braid Meldoa, los saxofonistas Joshua Redman y David Sanchez, y los bateristas Jeff Watts y Billy Stewart.

La vieja tradición de sonar está siendo rápidamente mantenida por artistas como el trompetista Wynton Marsalis, quien trabaja con un equipo de asistentes tanto en sus propias bandas pequeñas como en la Lincoln Center Jazz Band, que él dirige. Bajo su patrocinio, los pianistas Marcus Roberts y Eric Reed, el saxofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, el trompetista Markus Printup y el vibrafonista Stefan Harris se convirtieron en grandes músicos. El bajista Dave Holland es también un gran descubridor de jóvenes talentos. Entre sus muchos descubrimientos se encuentran artistas como el saxofonista/bajista Steve Coleman, el saxofonista Steve Wilson, el vibrafonista Steve Nelson y el baterista Billy Kilson. Otros grandes mentores de jóvenes talentos incluyen al pianista Chick Corea y al difunto baterista Elvin Jones y la cantante Betty Carter. El potencial para un mayor desarrollo del jazz es actualmente bastante grande, ya que las formas de desarrollar el talento y los medios de su expresión son impredecibles, multiplicándose por los esfuerzos combinados de varios géneros de jazz fomentados hoy.

Una nueva dirección musical, llamada jazz, nació a finales de los siglos XIX y XX como resultado de la fusión de la cultura musical europea con la africana. Se caracteriza por la improvisación, la expresividad y un tipo especial de ritmo.

A principios del siglo XX, comenzaron a crearse nuevos conjuntos musicales, llamados. Incluían instrumentos de viento (trompeta, clarinete, trombón), contrabajo, piano e instrumentos de percusión.

Famosos músicos de jazz, gracias a su talento para la improvisación y la capacidad de sentir la música sutilmente, impulsaron la formación de muchas direcciones musicales. El jazz se ha convertido en el origen de muchos géneros modernos.

Entonces, ¿de quién es la interpretación de composiciones de jazz que hace que el corazón del oyente dé un vuelco de éxtasis?

Louis Armstrong

Para muchos conocedores de la música, es su nombre el que se asocia con el jazz. El deslumbrante talento del músico fascinó desde los primeros minutos de la actuación. Fusionándose con un instrumento musical, una trompeta, sumergió a sus oyentes en la euforia. Louis Armstrong ha recorrido un largo camino desde un niño ágil de una familia pobre hasta el famoso Rey del Jazz.

duque ellington

Personalidad creativa imparable. Un compositor cuya música jugó con muchos estilos y experimentos. El talentoso pianista, arreglista, compositor y director de orquesta nunca se cansó de sorprender con su innovación y originalidad.

Sus obras únicas fueron probadas con gran entusiasmo por las orquestas más famosas de la época. Fue a Duke a quien se le ocurrió la idea de utilizar la voz humana como instrumento. ¡Más de mil de sus obras, llamadas por los conocedores del "fondo dorado del jazz", fueron grabadas en 620 discos!

Ella Fitzgerald

La "Primera Dama del Jazz" tenía una voz única, el rango más amplio de tres octavas. Los premios honorarios de un estadounidense talentoso son difíciles de contar. Los 90 álbumes de Ella se han esparcido por todo el mundo en cantidades increíbles. ¡Es difícil de imaginar! Durante 50 años de creatividad, se han vendido alrededor de 40 millones de álbumes en su actuación. Dominando magistralmente el talento de la improvisación, trabajó fácilmente a dúo con otros artistas de jazz famosos.

Ray Charles

Uno de los músicos más famosos, llamado "un verdadero genio del jazz". 70 álbumes de música se han distribuido por todo el mundo en numerosas ediciones. Tiene 13 premios Grammy en su haber. Sus composiciones han sido registradas en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. La popular revista Rolling Stone clasificó a Ray Charles en el puesto número 10 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos en la "Lista de inmortales".

Miles Davis

Un trompetista estadounidense que ha sido comparado con el pintor Picasso. Su música tuvo una gran influencia en la configuración de la música del siglo XX. Davis es la versatilidad de estilos en el jazz, la amplitud de intereses y la accesibilidad para un público de diferentes edades.

Frank Sinatra

El famoso jazzista proviene de una familia pobre, de baja estatura y no se diferenciaba en nada. Pero cautivó al público con su voz aterciopelada de barítono. El talentoso vocalista protagonizó musicales y películas dramáticas. Recibió numerosos premios y premios especiales. Ganó un Oscar por La casa en la que vivo

vacaciones billie

Toda una época en el desarrollo del jazz. Las canciones interpretadas por la cantante estadounidense adquirieron individualidad y luminosidad, interpretadas con desbordes de frescura y novedad. La vida y obra de "Lady Day" fue corta, pero brillante y única.

Famosos músicos de jazz han enriquecido el arte de la música con ritmos sensuales y conmovedores, expresividad y libertad de improvisación.