Mrtva priroda je žanr koji je postao istaknut u zapadnoj umjetnosti krajem 16. stoljeća i od tada je ostao važan žanr.

Slike mrtve prirode klasificiraju se prema prikazu običnih predmeta, koji mogu biti prirodni, poput cvijeća, voća itd., ili umjetni, poput naočala, glazbenih instrumenata itd. Dolje je popis 10 najpoznatijih mrtvih priroda slike poznatih umjetnika uključujući Chardina, Paula Cezannea, Van Gogha i Giorgija Morandija.

Br. 10 Serija mrtve prirode, umjetnik Tom Wesselman

Godina: 1962

Pop art pokret nastao je 1950-ih i koristi se prepoznatljivim slikama iz popularne kulture. Među najpopularnijim djelima pop-arta je niz mrtvih priroda Toma Wesselmanna. Njegove slike mrtve prirode prikazuju elemente modernog svijeta, a ne voće i povrće prethodne generacije umjetnika ovog žanra. Ovo djelo (Mrtva priroda #30) kombinacija je slike, skulpture i kolaža zaštitnih znakova koje je Tom vidio na ulici.

br. 9 Vanitas s violinom i staklenom kuglom

Ilustrator: Peter Klas

Prijeđimo na završnu fazu ove serije postova o žanru mrtve prirode. Bit će posvećen djelima ruskih umjetnika.

Počnimo s Fjodorom Petrovičem Tolstojem (1783.-1873.). Grafike mrtve prirode F.P. Tolstoj, poznati ruski kipar, medaljer, crtač i slikar, vjerojatno je najistaknutiji i najvrjedniji dio njegove stvaralačke baštine, iako je sam umjetnik rekao da je ta djela stvarao “u slobodno vrijeme od ozbiljnih studija”.

Glavno svojstvo Tolstojevih crteža mrtve prirode je njihova iluzornost. Umjetnik je pažljivo kopirao prirodu. Pokušao je, prema vlastitim riječima, "sa strogom jasnoćom prenijeti iz života na papir kopirani cvijet kakav jest, sa svim najsitnijim detaljima koji pripadaju ovom cvijetu." Kako bi doveo gledatelja u zabludu, Tolstoj je koristio iluzionističke tehnike poput slike kapljica rose ili prozirnog papira koji je prekrivao crtež i pomagao zavarati oko.

Ilya Efimofich Repin (1844-1930) također se više puta okrenuo takvom motivu mrtve prirode kao što je cvijeće. Ova djela uključuju sliku "Jesenski buket" (1892., Tretjakovska galerija, Moskva), gdje umjetnik s jednakom pozornošću prikazuje jesenski krajolik, mladu ženu koja stoji na pozadini zlatnih stabala i skromni buket žutog i bijelog cvijeća u njene ruke.

I. Repin. Jesenski buket. Portret Vere Repine. 1892., Tretjakovska galerija

Povijest slike "Jabuke i lišće" pomalo je neobična. Mrtva priroda, koja kombinira voće i lišće, postavljena je za Repinovog učenika V.A. Serov. Učitelju se toliko svidjela predmetna kompozicija da je odlučio sam napisati takvu mrtvu prirodu. Cvijeće i plodovi privlačili su mnoge umjetnike, kojima je to bilo draže, između ostaloga, kako bi najpoetičnije i najljepše prikazali svijet prirode. Čak i u. Kramskoj, koji je odbacivao ovaj žanr, također je odao počast mrtvoj prirodi, stvarajući spektakularnu sliku „Buket cvijeća. Phloxes” (1884, Tretjakovska galerija, Moskva).

Valentin Aleksandrovič Serov (1865.-1911.) većini nas je poznat kao umjetnik koji je u svom radu posvetio pažnju pejzažu, portretu i povijesnom slikarstvu. Ipak, treba napomenuti da je tema u njegovom stvaralaštvu uvijek imala važnu ulogu i često je zauzimala ravnopravan položaj kao i ostali elementi kompozicije. Malo gore, već sam spomenuo njegov studentski rad "Jabuke na lišću", 1879., napravljen pod vodstvom Repina. Ako usporedimo ovo djelo s djelom koje je Rjepin napisao na istu temu, možemo vidjeti da je Serovljeva mrtva priroda više etida nego platno njegovog učitelja. Umjetnik početnik koristio je nisku točku gledišta, pa su prvi i drugi snimak spojeni, a pozadina je smanjena.

Svima poznata od djetinjstva, slika "Djevojka s breskvama" nadilazi okvire portretnog žanra i nije slučajno što se zove "Djevojka s breskvama", a ne "Portret Vere Mamontove". Vidimo da se ovdje spajaju značajke portreta, interijera i mrtve prirode. Umjetnik podjednaku pažnju posvećuje liku djevojke u ružičastoj bluzi i nekoliko, ali vješto grupiranih predmeta. Blijedožute breskve, javorovo lišće i sjajni nož leže na bijelom stolnjaku. Ostale stvari u pozadini također su s ljubavlju nacrtane: stolci, veliki porculanski tanjur koji ukrašava zid, figurica igračaka vojnika, svijećnjak na prozorskoj dasci. Sunčeva svjetlost koja izlazi iz prozora i pada na predmete sa svijetlim odsjajima daje slici poetičan šarm.

Mihail Aleksandrovič Vrubel (1856-1910) je napisao: “I opet me pogađa, ne, ne pogađa me, ali čujem tu intimnu nacionalnu notu koju toliko želim uhvatiti na platnu i u ornamentu. Ovo je glazba cijele osobe, a ne secirana smetnjama uređenog, diferenciranog i blijedog Zapada.”

Na Umjetničkoj akademiji Vrubelov omiljeni učitelj bio je Pavel Čistjakov, koji je mladog slikara učio "crtati formom" i tvrdio da trodimenzionalne forme ne treba stvarati u prostoru sjenčanjem i konturama, već ih treba graditi linijama. Zahvaljujući njemu, Vrubel je naučio ne samo prikazati prirodu, već kao da vodi iskren, gotovo ljubavni razgovor s njom. U tom duhu nastala je prekrasna mrtva priroda majstora “Divlja ruža” (1884.).

Na pozadinu izuzetne draperije s floralnim motivima, umjetnica je postavila elegantnu zaobljenu vazu oslikanu istočnjačkim uzorcima. Jasno se ističe nježan bijeli cvijet šipka, obojen plavo-zelenom tkaninom, a listovi biljke gotovo se stapaju s prigušeno svjetlucavim crnim vratom vaze. Ova kompozicija puna je neizrecivog šarma i svježine, kojoj gledatelj jednostavno ne može a da ne podlegne.

G.N. Teplov i T. Uljanov. Najčešće su prikazivali zid od dasaka, na kojem su nacrtani čvorovi i vene stabla. Razni predmeti obješeni su na zidove ili pričvršćeni iza prikovanih vrpci: škare, češljevi, slova, knjige, notne bilježnice. Na uskim policama smješteni su satovi, tintarnice, boce, svijećnjaci, posuđe i druge sitnice. Čini se da je takav skup predmeta potpuno slučajan, ali zapravo je to daleko od slučaja. Gledajući takve mrtve prirode, može se nagađati o interesima umjetnika koji su se bavili muziciranjem, čitanjem, a koji su bili ljubitelji umjetnosti. Majstori su s ljubavlju i marljivo prikazivali njima drage stvari. Ove slike dotiču svojom iskrenošću i neposrednošću percepcije prirode.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) također je posvetio mnogo svog rada žanru mrtve prirode. Na njegovim veselim platnima mogu se vidjeti svijetle satenske tkanine, svjetlucavi bakreni samovari, sjaj fajanse i porculana, crvene kriške lubenice, grozdovi grožđa, jabuke, ukusni kolačići. Jedna od njegovih izuzetnih slika je "Trgovac čajem", 1918. Nemoguće je ne diviti se svijetlom sjaju predmeta prikazanih na platnu. Pjenušavi samovar, jarko crvena pulpa lubenice, sjajne jabuke i prozirno grožđe, staklena vaza s pekmezom, pozlaćena posuda za šećer i šalica koja stoji ispred trgovčeve žene - sve te stvari donose svečano raspoloženje slici.

U žanru mrtve prirode velika se pažnja pridavala takozvanim "dummy mrtvim prirodama". Mnoge mrtve prirode "obmane", unatoč činjenici da im je glavni zadatak bio dovesti gledatelja u zabludu, imaju nedvojbene umjetničke vrijednosti, posebno uočljive u muzejima, gdje, obješene na zidove, takve kompozicije, naravno, ne mogu prevariti javnost. Ali postoje i iznimke. Na primjer, "Mrtva priroda s knjigama", koju je napravio P.G. Bogomolov, umetnut je u iluzornu "policu", a posjetitelji ne shvaćaju odmah da je to samo slika.

Vrlo dobro “Mrtva priroda s papigom” (1737.) G.N. Teplov. Uz pomoć jasnih, preciznih linija, koje prelaze u meke, glatke konture, laganih, prozirnih sjena, suptilnih nijansi boja, umjetnica prikazuje različite predmete obješene na zid od dasaka. Majstorski obrađeno drvo, plavkaste, ružičaste, žućkaste nijanse koje pomažu stvoriti gotovo pravi osjećaj svježeg mirisa svježe blanjanog drva.

Ruske mrtve prirode-"trikovi" 18. stoljeća svjedoče o tome da umjetnici još uvijek nisu vješto prenijeli prostor i volumene. Za njih je važnije prikazati teksturu predmeta, kao da je prebačena na platno iz stvarnosti. Za razliku od nizozemskih mrtvih priroda, gdje su stvari koje je apsorbirala svjetlosna okolina prikazane u jedinstvu s njom, na slikama ruskih majstora, predmeti naslikani vrlo pažljivo, čak i sitni, kao da žive sami za sebe, bez obzira na okolni prostor.

Početkom 19. stoljeća škola A.G. Venetsianov, koji se protivio strogom razgraničenju žanrova i nastojao svoje učenike naučiti cjelovitoj viziji prirode.

A.G. Venetsianov. Barnyard, 1821-23

Venecijanska škola otvorila je novi žanr za rusku umjetnost - interijer. Umjetnici su prikazali različite prostorije plemićke kuće: dnevne sobe, spavaće sobe, radne sobe, kuhinje, učionice, sobe za osobe itd. U tim je djelima važno mjesto dano prikazivanju raznih predmeta, iako je sama mrtva priroda malo zanimala predstavnike venecijanovskog kruga (u svakom slučaju, sačuvano je vrlo malo mrtvih priroda učenika slavnog slikara). Ipak, Venetsianov je poticao svoje učenike da pažljivo proučavaju ne samo lica i likove ljudi, već i stvari oko njih.

Predmet u Venetsianovljevoj slici nije dodatak, on je neraskidivo povezan s ostalim detaljima slike i često je ključ za razumijevanje slike. Na primjer, srpovi na slici "Žeteoci" (druga polovica 1820-ih, Ruski muzej, St. Petersburg) imaju sličnu funkciju. Stvari u venecijanskoj umjetnosti kao da su uključene u neužurban i spokojan život likova.

Iako Venetsianov, po svoj prilici, zapravo nije slikao mrtve prirode, on je taj žanr uvrstio u svoj nastavni sustav. Umjetnik je napisao: Nežive stvari ne podliježu onim raznim promjenama koje su svojstvene živim predmetima, one stoje, drže se mirno, nepomično pred neiskusnim umjetnikom i daju mu vremena da točnije i razboritije pronikne, da zaviri u odnos jednog dijela prema drugom, kako u linijama, tako iu svjetlu i sjeni samom bojom. , koja ovisi o mjestu koje objekti zauzimaju”.

Naravno, mrtva priroda je također igrala veliku ulogu u pedagoškom sustavu Umjetničke akademije u 18.-19. stoljeću (u učionicama su studenti izrađivali kopije mrtvih priroda nizozemskih majstora), ali Venetsianov je bio taj koji je poticao mlade umjetnika okrenuti prirodi, koji je u svoj program prve godine studija uveo mrtvu prirodu sačinjenu od gipsanih figura, posuđa, svijećnjaka, šarenih vrpci, voća i cvijeća. Venetsianov je odabrao teme za obrazovne mrtve prirode tako da su bile zanimljive slikarima početnicima, razumljive forme, lijepe boje.

Na slikama koje su stvorili talentirani učenici Venetsianova, stvari su prenesene istinito i svježe. To su mrtve prirode K. Zelentsova, P.E. Kornilov. U djelima Venecijanaca postoje i djela koja u biti nisu mrtva priroda, ali je ipak uloga stvari u njima ogromna. Možete nazvati, na primjer, platna "Studija u Ostrovki" i "Odraz u zrcalu" G.V. Svrake se čuvaju u zbirci Ruskog muzeja u Sankt Peterburgu.

G.V. Svraka. "Ured u Ostrovki". Fragment, 1844., Ruski muzej, Sankt Peterburg

Mrtve prirode u ovim djelima ne djeluju samostalno, već kao dijelovi interijera koje je majstor na svojstven način uredio, u skladu s općom kompozicijskom i emocionalnom strukturom slike. Glavni spojni element ovdje je svjetlost, koja lagano prelazi s jednog predmeta na drugi. Gledajući platna, shvaćate koliko je svijet oko njega zanimljiv umjetniku, koji je s ljubavlju prikazao svaki predmet, svaku najmanju sitnicu.

Mrtva priroda predstavljena u “Studiju u Ostrovkima”, iako zauzima malo mjesto u ukupnoj kompoziciji, djeluje neobično značajno, istaknuto činjenicom da ju je autor visokim naslonom ogradio od ostatka prostora. sofa, te ga s lijeve i desne strane odsječe okvirom. Čini se da je Magpie bio toliko ponesen predmetima koji su ležali na stolu da je gotovo zaboravio na ostale detalje slike. Majstor je pažljivo ispisivao sve: pero, olovku, šestar, kutomjer, perorez, abakus, listove papira, svijeću u svijećnjaku. Točka gledišta odozgo omogućuje vam da vidite sve stvari, nijedna od njih ne zaklanja drugu. Atributi kao što su lubanja, sat, kao i simboli "zemaljske taštine" (figurica, papiri, abakus) omogućuju nekim istraživačima da klasificiraju mrtvu prirodu kao vanitas, iako je ova podudarnost čisto slučajna, najvjerojatnije, kmet umjetnik je koristio ono što je bilo na stolu njegovog gospodara.

Poznati majstor tematskih kompozicija u prvoj polovici 19. stoljeća bio je umjetnik I.F. Khrutsky, koji je naslikao mnogo lijepih slika u duhu nizozemske mrtve prirode 17. stoljeća. Među njegovim najboljim djelima su “Cvijeće i voće” (1836., Tretjakovska galerija, Moskva), “Portret žene s cvijećem i voćem” (1838., Muzej umjetnosti Bjelorusije, Minsk), “Mrtva priroda” (1839., Muzej Akademija umjetnosti, St. Petersburg).

U prvoj polovici 19. stoljeća u Rusiji je bila vrlo popularna "botanička mrtva priroda", koja nam je stigla iz zapadne Europe. U Francuskoj su u to vrijeme objavljivana djela botaničara s prekrasnim ilustracijama. Veliku slavu u mnogim europskim zemljama primio je umjetnik P.Zh. Redoubta, koji se smatrao "najslavnijim slikarom cvijeća svoga vremena". "Botanički crtež" bio je značajan fenomen ne samo za znanost, već i za umjetnost i kulturu. Takvi su crteži poklanjani, ukrašeni albumi, čime su se izjednačavali s ostalim slikarskim i grafičkim djelima.

U drugoj polovici 19. stoljeća P.A. Fedotov. Iako zapravo nije slikao mrtve prirode, svijet stvari koji je stvorio oduševljava svojom ljepotom i istinitošću.

Predmeti u Fedotovljevim djelima neodvojivi su od života ljudi, izravno su uključeni u dramatične događaje koje umjetnik prikazuje.

Gledajući sliku "Svježi kavalir" ("Jutro nakon gozbe", 1846.), čovjek je zadivljen obiljem predmeta koje je majstor pažljivo slikao. Prava mrtva priroda, iznenađujuća svojim lakonizmom, prikazana je na poznatoj slici Fedotova "Udvaranje majora" (1848). Čaša je opipljivo stvarna: vinske čaše na visokim nogama, boca, dekanter. Najtanji i prozirni, čini se da emitira nježan kristalni zvon.

Fedotov P.A. Majorov brak. 1848-1849 (prikaz, stručni). GTG

Fedotov ne odvaja predmete od interijera, pa su stvari prikazane ne samo pouzdano, nego i slikovito suptilno. Svaki najobičniji ili ne baš atraktivan predmet koji zauzme svoje mjesto u zajedničkom prostoru djeluje nevjerojatno i lijepo.

Iako Fedotov nije slikao mrtve prirode, pokazao je nedvojbeno zanimanje za ovaj žanr. Intuicija ga je poticala kako urediti ovaj ili onaj predmet, s koje točke gledišta ga predstaviti, što će sljedeće stvari izgledati ne samo logički opravdano, već i izražajno.

Svijet stvari, koji pomaže prikazati život osobe u svim njegovim manifestacijama, daje Fedotovljevim djelima posebnu muzikalnost. Takve su slike “Sidro, još sidro” (1851-1852), “Udovica” (1852) i mnoge druge.

U drugoj polovici 19. stoljeća žanr mrtve prirode praktički je prestao zanimati umjetnike, iako su mnogi žanrovski slikari rado uključivali elemente mrtve prirode u svoje skladbe. Stvari na slikama V.G. Perov ("Pijanje čaja u Mytishchiju", 1862., Tretjakovska galerija, Moskva), L.I. Solomatkin (“Slavilshchiki-gorodovye”, 1846, Državni povijesni muzej, Moskva).

Mrtve prirode prikazane su u žanr-scenama A.L. Yushanova ("Ispraćaj poglavice", 1864), M.K. Klodt ("Bolesni glazbenik", 1855.), V.I. Jacobi ("Pedlar", 1858), A.I. Korzuhin ("Prije ispovijedi", 1877; "U samostanskom hotelu", 1882), K.E. Makovski ("Alekseich", 1882). Sva ta platna danas se čuvaju u zbirci Tretjakovske galerije.

K.E. Makovski. “Alekseich”, 1882, Tretjakovska galerija, Moskva

U 1870-im i 1880-ima svakodnevnica je ostala vodeći žanr u ruskom slikarstvu, iako su pejzaž i portret također zauzeli važno mjesto. Ogromnu ulogu u daljnjem razvoju ruske umjetnosti odigrali su lutalice, koje su u svojim djelima nastojale prikazati istinu života. Umjetnici su počeli pridavati veliku važnost radu iz prirode te su se stoga sve više okretali pejzažu i mrtvoj prirodi, iako su potonju mnogi od njih smatrali gubitkom vremena, besmislenom strašću za formom, lišenom unutarnjeg sadržaja. Dakle, I.N. Kramskoj je slavnog francuskog slikara, koji nije zanemarivao mrtve prirode, spomenuo u pismu V.M. Vasnetsov: "Talentirana osoba neće gubiti vrijeme na sliku, na primjer, bazene, ribe itd. Dobro je to učiniti za ljude koji već imaju sve, ali imamo puno posla."

Ipak, mnogi ruski umjetnici koji nisu slikali mrtve prirode divili su im se, gledajući platna zapadnih majstora. Na primjer, V.D. Polenov, koji je bio u Francuskoj, pisao je I.N. Kramskoj: “Gledajte kako stvari ovdje idu, kao po loju, svatko radi na svoj način, u raznim smjerovima, kako tko voli, a sve se to cijeni i plaća. Kod nas je najvažnije što se radi, a kod nas kako se radi. Na primjer, za bakreni lavor s dvije ribe plaćaju dvadeset tisuća franaka, a uz to smatraju ovog majstora bakra prvim slikarom, i to možda ne bez razloga.

Posjetio 1883. na izložbi u Parizu V.I. Surikov se divio krajolicima, mrtvim prirodama i slikama koje prikazuju cvijeće. Napisao je: “Gibertove ribe su dobre. Riblja sluz je prenesena maestralno, šareno, umiješeno ton u ton.” Postoji u njegovom pismu P.M. Tretyakov i takve riječi: “I Gilbertove ribe su čudo. Pa, možete ga potpuno uzeti u svoje ruke, napisano je na prijevaru.

I Polenov i Surikov mogli su postati vrsni majstori mrtve prirode, o čemu svjedoče majstorski oslikani predmeti u njihovim kompozicijama (“Bolesnik” Polenova, “Menšikov u Berezovu” Surikov).