Umjetnici Francuske (francuski umjetnici). Najbolji francuski umjetnici Pjevač galantnog doba
To je više od lijepih slika, to je odraz stvarnosti. U djelima velikih umjetnika možete vidjeti kako su se svijet i svijest ljudi promijenili.
Umjetnost je također pokušaj stvaranja alternativne stvarnosti u kojoj se možete sakriti od užasa svog vremena ili želje da promijenite svijet. Umjetnost 20. stoljeća s pravom zauzima posebno mjesto u povijesti. Ljudi koji su živjeli i radili u to doba preživjeli su društvene potrese, ratove i neviđen razvoj znanosti; a sve je to našlo otisak na njihovim platnima. Umjetnici 20. stoljeća sudjelovali su u stvaranju moderne vizije svijeta.
Neka se imena još uvijek izgovaraju s dahom, a neka su nepravedno zaboravljena. Netko je imao toliko kontroverzan stvaralački put da mu još uvijek ne možemo dati jednoznačnu ocjenu. Ovaj pregled fokusira se na 20 najvećih umjetnika 20. stoljeća. Camille Pizarro- francuski slikar. Izuzetan predstavnik impresionizma. Na umjetnikov rad utjecali su John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Rođen 10. srpnja 1830. u Saint Thomasu, umro 13. studenog 1903. u Parizu.
Eremitaž u Pontoiseu, 1868 
Operni prolaz u Parizu, 1898
Zalazak sunca u Varengevilleu, 1899
Edgar Degas - Francuski umjetnik, jedan od najvećih impresionista. Na djelu Degasa vidljiv je utjecaj japanske grafike.Rođen 19. srpnja 1834. u Parizu, umro 27. rujna 1917. u Parizu. 
Apsint, 1876
Zvijezda, 1877
Žena se češlja, 1885
Paul Cezanne - Francuski slikar, jedan od najvećih predstavnika postimpresionizma. U svom radu nastojao je otkriti sklad i ravnotežu prirode. Njegov rad imao je veliki utjecaj na svjetonazor umjetnika XX. stoljeća. Rođen 19. siječnja 1839. u Aix-en-Provenceu, Francuska, umro 22. listopada 1906. u Aix-en-Provenceu.
Kockari, 1893
Moderna Olimpija, 1873
Mrtva priroda s lubanjama, 1900
Claude Monet- izvanredan francuski slikar. Jedan od začetnika impresionizma. Monet je u svojim djelima nastojao prenijeti bogatstvo i bogatstvo svijeta oko sebe. Njegovo kasno razdoblje karakterizira dekorativnizam i Kasno razdoblje Monetovog stvaralaštva karakterizira dekorativnost, sve veće rastakanje objektivnih oblika u sofisticiranim kombinacijama kolorističkih mrlja.
Rođen 14. studenoga 1840. u Parizu, umro 5. prosinca 1926. u Zhvernyju.
Welk Cliff u Pourvilleu, 1882
Poslije ručka 1873.-1876
Etretat, zalazak sunca, 1883
Arkhip Kuindzhi - poznati ruski umjetnik, majstor pejzažnog slikarstva. Rano je ostao bez roditelja. Od malih nogu počela se manifestirati ljubav prema slikanju. Djelo Arkhipa Kuindzhija imalo je veliki utjecaj na Nicholasa Roericha. Rođen 15. siječnja 1841. u Mariupolju, umro 11. srpnja 1910. u Petrogradu.
"Volga", 1890-1895
"Sjever", 1879
"Pogled na Kremlj iz Zamoskvorečja", 1882
Pierre Auguste Renoir - Francuski slikar, grafičar, kipar, jedan od istaknutih predstavnika impresionizma. Bio je poznat i kao majstor svjetovnog portreta. Auguste Rodin postao je prvi impresionist koji je postao popularan među bogatim Parižanima. Rođen 25. veljače 1841. u Limogesu u Francuskoj, umro 2. prosinca 1919. u Parizu.
Pont des Arts u Parizu, 1867
Bal u Moulin de la Galette, 1876
Jeanne Samary, 1877
Rođen 7. lipnja 1848. u Parizu, umro 8. svibnja 1903. na otoku Hiva Oa, Francuska Polinezija.
Bretonski pejzaž, 1894
Bretonsko selo u snijegu, 1888
Jeste li ljubomorni? 1892. godine
Dan svetaca, 1894
Vasilij Kandinski - Ruski i njemački umjetnik, pjesnik, teoretičar umjetnosti. Smatra se jednim od predvodnika avangarde 1. polovice 20. stoljeća. Jedan od utemeljitelja apstraktne umjetnosti.Rođen 22. studenoga 1866. u Moskvi, umro 13. prosinca 1944. u Neuilly-sur-Seineu, Francuska.
Par na konju, 1918
Šareni život, 1907
Moskva 1, 1916
U sivoj boji, 1919
Henri Matisse - jedan od najvećih francuskih slikara i kipara. Jedan od utemeljitelja fovističkog pokreta. U svom radu nastojao je prenijeti emocije bojom. U svom radu bio je pod utjecajem islamske kulture zapadnog Magreba. Rođen 31. prosinca 1869. u gradu Le Cateau, umro 3. studenog 1954. u gradu Cimiezu.
Trg u Saint-Tropezu, 1904
Obris Notre Dame noću, 1902
Žena sa šeširom, 1905
Ples, 1909
talijanski, 1919
Portret Delectorskaya, 1934
Nikole Reriha- ruski umjetnik, pisac, znanstvenik, mistik. Za života je naslikao preko 7000 slika. Jedan od istaknutih kulturnjaka 20. stoljeća, utemeljitelj pokreta "Mir kroz kulturu". Rođen 27. listopada 1874. u St. Petersburgu, umro 13. prosinca 1947. u Kullu, Himachal Pradesh, Indija.
Prekomorski gosti, 1901
Veliki duh Himalaja, 1923
Poruka iz Shambhale, 1933
Kuzma Petrov-Vodkin - Ruski umjetnik, grafičar, teoretičar, pisac, učitelj. Bio je jedan od ideologa reorganizacije umjetničkog obrazovanja u SSSR-u. Rođen 5. studenog 1878. u gradu Khvalynsk, Saratovska gubernija, umro 15. veljače 1939. u Lenjingradu.
"1918. u Petrogradu", 1920
"Dječaci koji se igraju", 1911
Kupanje riđeg konja, 1912
Portret Ane Akhmatove
Kazimir Malevič- ruski umjetnik, utemeljitelj suprematizma - pravca u apstraktnoj umjetnosti, učitelj, teoretičar umjetnosti i filozof Rođen 23. veljače 1879. u Kijevu, umro 15. svibnja 1935. u Moskvi.
Odmor (Društvo u cilindrima), 1908
"Seljačke žene s kantama", 1912.-1913
Crni suprematistički trg, 1915
Suprematističko slikarstvo, 1916
Na bulevaru, 1903
Pablo Picasso- španjolski slikar, kipar, kipar, keramičar dizajner. Jedan od utemeljitelja kubizma. Djelo Pabla Picassa imalo je značajan utjecaj na razvoj slikarstva u 20. stoljeću. Prema anketi čitatelja časopisa Time Rođen 25. listopada 1881. u Malagi, Španjolska, umro 8. travnja 1973. u Mouginsu, Francuska.
Djevojka na lopti, 1905
Portret Ambroisea Vallora, 1910
Tri gracije
Portret Olge
Ples, 1919
Žena s cvijetom, 1930
Amadeo Modigliani- talijanski slikar i kipar. Jedan od najsvjetlijih predstavnika ekspresionizma. Za života je imao samo jednu izložbu u prosincu 1917. u Parizu. Rođen 12. srpnja 1884. u Livornu, Italija, umro 24. siječnja 1920. od tuberkuloze. Dobio svjetsko priznanje posthumno Svjetsko priznanje primljeno posthumno. 
Violončelist, 1909
Supružnici, 1917
Joan Hebuterne, 1918
Mediteranski pejzaž, 1918
Diego Rivera- meksički slikar, muralist, političar. Bio je suprug Fride Kahlo. Lav Trocki je nakratko našao utočište u njihovoj kući. Rođen 8. prosinca 1886. u Guanajuatu, umro 21. prosinca 1957. u Mexico Cityju.
Notre Dame de Paris pod kišom, 1909
Žena na zdencu, 1913
Saveza seljaka i radnika, 1924
Industrija Detroita, 1932
Marc Chagall- ruski i francuski slikar, grafičar, ilustrator, kazališni umjetnik. Jedan od najvećih predstavnika avangarde. Rođen 24. lipnja 1887. u gradu Liozno, pokrajina Mogilev, umro 28. ožujka 1985. u Saint-Paul-de-Provence.
Anyuta (Portret sestre), 1910
Nevjesta s lepezom, 1911
Ja i selo, 1911
Adam i Eva, 1912
Mark Rothko(danas Mark Rotkovič) američki je umjetnik, jedan od utemeljitelja apstraktnog ekspresionizma i utemeljitelj slikarstva polja boja. Prva djela umjetnika stvorena su u realističkom duhu, međutim, sredinom 40-ih Mark Rothko okrenuo se nadrealizmu. Do 1947. godine događa se najvažnija prekretnica u stvaralaštvu Marka Rothka, on stvara vlastiti stil - apstraktni ekspresionizam, u kojem se udaljava od objektivnih elemenata.
Rođen 25. rujna 1903. u gradu Dvinsku (danas Daugavpils), umro 25. veljače 1970. u New Yorku.
Bez naslova
Broj 7 ili 11
narančasta i žuta
Salvador Dali- slikar, grafičar, kipar, pisac, dizajner, redatelj. Možda najpoznatiji predstavnik nadrealizma i jedan od najvećih umjetnika 20. stoljeća. Dizajnirao Chupa-Chups.
Rođen 11. svibnja 1904. u Figueresu, Španjolska, umro 23. siječnja 1989. u Španjolskoj.
Kušnja svetog Antuna, 1946
Posljednja večera, 1955
Žena s glavom od ruža, 1935
Moja žena Gala, gola, gleda svoje tijelo, 1945
Frida Kahlo - Meksički umjetnik i grafičar, jedan od najsjajnijih predstavnika nadrealizma. Frida Kahlo počela je slikati nakon prometne nesreće zbog koje je godinu dana bila prikovana za krevet.
Bila je u braku s poznatim meksičkim komunističkim umjetnikom Diegom Riverom. U njihovoj je kući nakratko utočište našao Lav Trocki.
Rođen 6. srpnja 1907. u Coyoacanu, Meksiko, umro 13. srpnja 1954. u Coyoacanu.
Zagrljaj univerzalne ljubavi, Zemlja, ja, Diego i Coatl, 1949
Mojsije (Creation Core), 1945
Dvije Fride, 1939
Andy Warhole(stvar. Andrey Varhola) - američki umjetnik, dizajner, redatelj, producent, izdavač, pisac, kolekcionar. Utemeljitelj pop arta, jedna je od najkontroverznijih ličnosti u povijesti kulture. Na temelju života umjetnika snimljeno je nekoliko filmova. Rođen 6. kolovoza 1928. u Pittsburghu, Pennsylvania, umro 1963. u New Yorku.
Umjetnost i dizajn
7199
24.09.15 01:41
“Tako mala, očito je bila precijenjena!”, gunđaju neki turisti koji su namjerno došli u Louvre vidjeti tamošnje svetište, Mona Lisu... Louvre Louvre, ali ne zaboravite da su mnogi slavni slikari rođeni u samoj Francuskoj. Napravimo kratki izlet u prošlost ove zemlje i prisjetimo se najboljih francuskih umjetnika.
Najbolji francuski umjetnici
Veliki klasičar
Rođen krajem 16. stoljeća, Nicolas Poussin s entuzijazmom je usvojio tehnike majstora visoke renesanse, uključujući autora La Gioconde da Vinci i Raphaela. Na njegovim slikama često se pojavljuju biblijski likovi, mitološki prizori (čak i ciklus pejzaža posvećenih godišnjim dobima, a i taj je inspiriran Biblijom). Norman Poussin stajao je u podrijetlu klasicizma; njegov doprinos francuskoj umjetnosti ne može se precijeniti. U našem Ermitažu nalazi se njegova slika “Odmor na bijegu u Egipat”.
Pjevačica galantnog doba
Antoine Watteau, koji je rođen gotovo dva desetljeća nakon Poussinove smrti, čvrsto je vladao na "Olimpu" francuskih umjetnika. U njegovo vrijeme u Europi nije bilo nijednog slikara koji bi mu se u vještini mogao mjeriti. Živio je samo 36 godina, ali je uspio ostaviti mnogo remek-djela. Svakodnevni prizori, pejzaži, portreti Watteaua su šarmantni i elegantni, nazivaju ga pretečom rokoko stila. Za upis na Akademiju umjetnosti, mladić je naslikao dvije verzije slike "Hodočašće na otok Cythera" (jedna se čuva u Berlinu, druga je u Louvreu u Parizu). Ermitaž je kupio nekoliko djela francuskog umjetnika, uključujući sliku Glumci francuske komedije.
Nadareni slikar pejzaža
Prvoklasni slikar marina i pejzaža Claude Joseph Vernet dugo je radio u Italiji. Napuljska obala i moćni Tiber ostavili su traga na njegovom djelu. U zbirci Louvrea nalaze se “Pogled na most i dvorac svetog anđela” i “Pogled na Napulj s Vezuvom”, a u Ermitažu “Stijene blizu mora”, “Jutro u Castellammareu” i još neka remek-djela majstora.
Romantični kolege
Eugene Delacroix, predstavnik romantičnog pokreta u umjetnosti, rođen je na prijelazu iz 18. u 19. stoljeće i stekao je dobro obrazovanje. Volio je kopirati remek-djela starih majstora - na njima je brusio svoju umjetnost. Eugene je bio prijatelj s Alexandreom Dumasom i divio se radu Géricaulta. Neke od najpoznatijih Delacroixovih slika (često je birao povijesne teme) su “Sloboda na barikadama” i “Sardanapalova smrt”.
Još jedan romantičar, Theodore Gericault, bio je tek nekoliko godina stariji od Delacroixa, ali je svom kolegi bio veliki autoritet. Nažalost, sudbina mu je odmjerila vrlo kratko vrijeme - u 32. godini života slikar je pao s konja i srušio se. Theodor je preferirao scene bitaka velikih razmjera, kopirao je Rubensa, budući da je bio strastveni obožavatelj Flamanca. Čak i ako niste čuli ime ovog francuskog umjetnika, vjerojatno ste naišli na reprodukcije Gericaultova remek-djela "Splav Meduze" (ovo je djelo ponos Louvrea).
Vječni lutalica
Poznatiji nam je Eugene Henri Paul Gauguin. Postimpresionist je uhvatio početak dvadesetog stoljeća, ali ga je rano napustio: umro je u dobi od 54 godine 1903. u Francuskoj Polineziji. Kažu da su genija ubile bolesti (najgora od njih je neizlječiva guba). U mladosti je puno putovao: Paul je služio kao običan mornar na ratnom brodu, bio je ložač na brodovima trgovačke flote. Ti su se dojmovi, naravno, odrazili na djela slikara. Skoro da je život posvetio brokerstvu, ali je na vrijeme stao i posvetio se kreativnosti. Čak su i neupućeni ljudi upoznati sa živopisnim slikama koje je stvorio Gauguin, na primjer, "Žena koja drži voće".
leteće siluete
Svatko od vas je čuo izraz "Degas balerine". Ovaj francuski umjetnik inspiraciju je doista crpio iz baletnih škola i proba. Njegovi lagani pastelni potezi uspjeli su uhvatiti graciozne lagane nagibe glave, piruete, naklone, skokove - to vidimo na impresionističkim platnima "Lekcija plesa" ili "Plave plesačice". Nadaleko su poznate njegove svakodnevne scene: "Apsint", "Peglači".
Otac impresionizma
Drugi klasik europskog slikarstva - Edouard Manet (jedan od "očeva" impresionizma) - poput Degasa, volio je prikazivati život građana: njihove šetnje u vrtu ili piknike u prirodi. Njegovi portreti odlikuju se jednostavnošću i likovnošću, a potkraj života naglo se zainteresirao za mrtvu prirodu. Olympia, The Railroad, Breakfast on the Grass smatraju se svjetski poznatim remek-djelima.
Sentimentalno i biserno
Omiljeni žanr Pierre-Augustea Renoira bio je portret. Svjetovna pohlepa, mlade nevine djevojke, zaljubljeni parovi oživljavaju pod sigurnim potezima majstorovog kista. Počevši kao impresionist, Pierre se postupno u njega razočarao i pridružio se klasicistima. Njegova umjetnost je sentimentalna i sedefasta. Pogledajte "Djevojke za klavirom" ili "Proljetni buket", čini se da platna svijetle iznutra.
Bio seljak, ili mislilac...
Paul Cezanne, sa svojim siluetama isklesanim iz kamena na portretima i blago "razmazanim" pejzažima, svijetli je predstavnik postimpresionizma. I u stvaralaštvu i u životu bio je škrt na emocijama, lakonski i ne baš emotivan - nešto je u njemu bilo od seljaka, nešto od znanstvenika-mislioca. Zanimljivo je da je to njegovo remek-djelo "Card Players" - jedna od najskupljih slika na svijetu (2012. godine otkupljena je za kolekciju katarskog emira za 250 milijuna dolara).
Zla stijena aristokrata
Posljednji na našem popisu najboljih francuskih umjetnika je jadni kolega Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Zašto jadničak? Da, pripadao je drevnoj županijskoj obitelji, ali u dobi od 13 i 14 godina mladić je uspio prvo slomiti bedro jedne noge, a zatim drugu, zbog čega su prestali rasti. Henri je ostao polupatuljak s invaliditetom. Nemogućnost ostvarivanja vojne karijere šokirala je cijelu obitelj, a i sam je Henri bio potaknut da se počne baviti slikanjem. Učio je kod majstora (jako je volio djela Degasa i Cezannea), a kada je stigao u Pariz, posjećivao je kabaree i pubove, opijao se, dobio sifilis i umro u 37. godini. Njegovi grafički radovi i slike prepoznati su nakon njegove smrti. Portreti umjetnika Moulin Rougea i prostitutki, čijim je uslugama Toulouse Lautrec bio prisiljen pribjeći, danas se smatraju remek-djelima.
M. Prokofieva, Yu. Kolpinsky
1880-ih godina u likovnoj umjetnosti Francuske, osobito u slikarstvu, počinje otklon od impresionizma. Kao što je ranije spomenuto (vidi V. svezak), već u stvaralaštvu niza impresionista postoje tendencije napuštanja realističkog plenerizma 1870-ih, te se javlja više dekorativni način izvedbe. Taj se proces osobito snažno osjetio 1890-ih. u djelu tako tipičnog majstora impresionizma kakav je bio C. Monet.
No, nisu bile važnije promjene u kasnijem stvaralaštvu samih impresionista, nego promicanje skupine novih imena na čelo umjetničkog života. Majstori te nove umjetničke generacije nipošto nisu jedinstveni, oni svoj umjetnički zadatak prihvaćaju na različite načine i rješavaju ga na različite načine. U nekim su slučajevima umjetnici nastojali dodatno modificirati impresionizam, u drugima su mu se, nastojeći prevladati ograničene strane impresionizma ili ono što im se činilo ograničenim stranama, suprotstavljali svojim shvaćanjem prirode slikarstva i uloge umjetnosti. .
Dakle, djelo utemeljitelja divizionizma Seurata i Signaca, dekorativno i simboličko slikarstvo Gauguina, intenzivno stvaralaštvo Cezannea, suvremenika impresionizma, usko povezano, međutim, s novim problemima 1880-ih i 1890-ih, strastvena traganja Van Gogha, nervozno oštra umjetnost Toulousea - Lautreca samo se uvjetno može objediniti konceptom "postimpresionizma" koji se ukorijenio u književnosti (od latinskog post - poslije).
Naravno, sam razvoj društvene stvarnosti Francuske postavljao je pred umjetnost niz zajedničkih zadataka, ali su ih ti umjetnici ostvarivali i rješavali na različite načine. U osnovi, francuska umjetnost tih godina suočila se sa zadatkom pronalaženja novih oblika realizma sposobnih da estetski ovladaju i umjetnički istinito izraze nove aspekte života kapitalističkog društva, one promjene u javnoj svijesti, u rasporedu klasnih snaga koje su bile povezane s početak njezina prijelaza na kvalitativno novi, imperijalistički stupanj razvoja.
Potreba za odrazom, s jedne strane, oštrih disonanca života velikoga grada, rastuće dehumanizacije uvjeta čovjekova društvenog i osobnog života, a s druge strane, oživljavanja političke aktivnosti radnička klasa Francuske nakon poraza Pariške komune postajala je sve hitnija.
Istodobno, jačanje reakcionarnosti vladajuće buržoaske ideologije i apsolutizacija formalno-profesionalne strane svake vrste društvene djelatnosti, karakteristične za buržoasko društvo, pa tako i umjetničkog stvaralaštva, nisu mogli ne izvršiti svoj ograničavajući utjecaj. o potrazi za umjetnicima 1880-1890-ih. Otuda složena nedosljednost i podvojenost rezultata intenzivnih inovativnih traženja, tako karakterističnih za francusku umjetnost od kraja 19. stoljeća.
Pojačani interes za čisto optičke dojmove, težnja prema dekorativnim rješenjima koja karakteriziraju kasno razdoblje stvaralaštva najdosljednijeg predstavnika impresionizma - Claudea Moneta - nastavljaju se razvijati i iscrpljivati u drugoj polovici 1880-ih. u umjetnosti Georgesa Seurata (1859-1891) i Paula Signaca (1863-1935). Umjetnost ovih majstora umnogome je bliska impresionizmu: karakterizira ih i strast prema pejzažnom žanru i prizorima suvremenog života, sklonost razvoju vlastitih slikovnih problema. Potonji se, međutim, za razliku od izravne svježine vizualne percepcije u najboljim djelima impresionista, svjesno i metodički temeljio na formalnoj i racionalnoj primjeni na umjetnost suvremenih znanstvenih otkrića na polju optike (djela E- Chevreil, G. Helmholtz, D. Maxwell, O.N. Ore).
Prema Seuratu, umjetnik se mora voditi zakonom spektralne analize, pomoću kojeg se može razložiti boja i njezine komponente te utvrditi točne granice međudjelovanja tonova. Otuda je jedan od naziva ovog trenda divizionizam (od francuskog division - podjela). Miješanje boja na paleti koje su u praksi dopuštali impresionisti bilo je kategorički isključeno, ustupajući samo optički učinak čistih boja na mrežnici oka. Željeni učinak mogao se postići samo slikarskim potezom određene forme. Ovakav uniformni ((točkasti) način dao je ime novoj školi - pointilizam (od francuskog point - točka).
Takva stroga regulacija, dakako, trebala je donekle nivelirati rad brojnih umjetnika okupljenih oko Seurata i Signaca (Albert Dubois-Pillet, Theo van Reiselberge, Henri ~)dmond Cross i dr.). Međutim, najveći među njima - kao što su Seurat, Signac, Camille Pissarro (koji se neko vrijeme pridružio ovom smjeru) - imali su dovoljno karakterističnih i markantnih crta svog stvaralačkog načina i svog talenta da doslovno slijede vlastitu doktrinu.
Jedno od najtipičnijih djela za Seurata je „Nedjeljna šetnja otokom Grand Jatte" (1884-1886; Chicago, Institute of Art). Prikazujući skupine ljudi na pozadini zelene obale rijeke, majstor je prije svega tražio riješiti problem interakcije ljudskih figura u svjetlozračnom okruženju. Slika je podijeljena u dvije jasne zone: osvijetljenu, gdje umjetnik, slijedeći svoju teoriju, radi toplom čistom bojom, i osjenčanu, gdje prevladavaju hladni čisti tonovi. Unatoč suptilnosti šarenih kombinacija i uspješnom prijenosu sunčeve svjetlosti, točkice poteza, koje podsjećaju na perle mozaika razbacane po platnu, ostavljaju dojam neke suhoće i neprirodnosti. Sklonost oštrom lokalnom dekorativnizmu postaje još očitija u Seuratovim djelima kasnih 1880-ih i ranih 1890-ih kao što su "Parada" (New York, zbirka Clark), "Modeli", ((Nedjelja u Port-en-Bessenu "(Otterlo) , Muzej Kroller-Mullsr)," Cirkus "(Louvre). Istodobno, u ovim djelima, posebno u Cirkusu, Seurat pokušava oživjeti principe cjelovite dekorativne i monumentalne kompozicije, pokušavajući prevladati određenu fragmentaciju, kao ako trenutna slučajna kompozicija impresionista. Ta je tendencija bila karakteristična ne samo za Seurata, već i za niz umjetnika generacije koja je slijedila nakon impresionista. No, opća formalno-dekorativna priroda Seuratovih traženja, u biti, nije pridonijela doista plodonosno rješenje ovog važnog problema.
Umjetnost Paula Signaca donekle se razlikovala od hladnog intelektualizma Seurata, koji je u svojim pejzažnim djelima postigao relativno veliku emotivnost u prijenosu šarenih kombinacija (primjerice, "Pješčana obala", 1890; Moskva, Puškinov muzej), "Papinski dvorac u Avignon" (1900; Pariz, Muzej suvremene umjetnosti). Povećano zanimanje za ekspresivnost zvuka boja slike tjera Signaca da da niz morskih pejzaža 1880-ih. nazivi glazbenih tempa - "Larghetto", "Adagio", "Scherzo" itd.
Problem oživljavanja plastične materijalnosti slike, povratak na novoj osnovi stabilnoj kompozicijskoj konstrukciji slike postavio je veliki predstavnik francuskog slikarstva kasnog 19. stoljeća. Paul Cezanne (1839. - 1906.). Istog doba kao Monet, Renoir i Sisley, Cezanne radi kronološki paralelno s tim majstorima. Ali njegova se umjetnost u svojoj izvornosti oblikuje upravo 1880-ih. a pripada postimpresionizmu.
Cezanneova rana djela, napisana 1860-ih. u Parizu, obilježen utjecajem Daumiera i Courbeta ("Portret redovnika", 1865.-1867., New York, zbirka Frick; "Pastorala", 1870., Pariz, zbirka Pellerin; "Ubojstvo", 1867.-1870., New York , galerija Wildenstein ).
U Daumiera je rani Cezanne uzeo one romantične trenutke, onu naglašenu ekspresivnost oblika i dinamiku građenja kompozicije, koji su ipak nešto drugačiji u nekim njegovim slikama posljednjih godina. Istodobno, Cezanne je težio maksimalnoj materijalnosti u prikazivanju predmeta. Nije slučajno da je on, poput Courbeta, često preferirao kistove s lopaticom. No, za razliku od Courbeta, opipljivu gustoću slike Cezanne postiže ne toliko chiaroscuro modeliranjem koliko kontrastima boja. Ova težnja da se čisto slikovnim sredstvima prenese materijalnost svijeta uskoro će postati vodeća u umjetničinu stvaralaštvu.
Savjeti Pissarra, kojega je Cezanne upoznao na Akademiji u Suisseu, pomogli su umjetniku da prevlada namjernu težinu njegova načina: potezi postaju lakši, transparentniji; paleta je istaknuta (npr. "Kuća obješenog čovjeka, Auvers-sur-Oise", 1873; Louvre).
Međutim, blisko upoznavanje s metodom impresionista ubrzo izaziva kreativni protest majstora. Ne niječući kolorističke dosege škole C. Moneta, Cezanne se protivi samoj želji da se svijet fiksira u njegovoj beskrajnoj promjenjivosti. Nasuprot tome, on iznosi neke opće, nepromjenjive ideje o stvarnosti, koje se, prema umjetniku, temelje na otkrivanju unutarnje geometrijske strukture prirodnih oblika.
Kontemplacija je svojstvena Cezanneovoj umjetnosti. Iz toga proizlazi onaj osjećaj epskog mira, unutarnje usredotočenosti, intelektualnog promišljanja svemira, koji karakterizira djela slikara zrelog razdoblja. Otuda stalno nezadovoljstvo stvorenim, želja za ponovnim ponavljanjem naslikane slike, izuzetna umjetnikova ustrajnost. Ne bez razloga, Cezanneov prijatelj i biograf Ambroise Vollard nazvao je proces njegova rada "razmišljanjem s kistom u ruci". Slikar je sanjao o "povratku klasicizmu kroz prirodu". Cezanne pomno i pozorno proučava prirodu, “Pisati ne znači ropski kopirati predmet”, rekao je umjetnik, “to znači uhvatiti sklad među brojnim odnosima, to znači pretočiti ih u vlastiti raspon...”.
Da bi prenio objektivni svijet, u kojem su najvrjednije kvalitete za Cezanne bile plastičnost, struktura, koristio se metodom koja se temelji na čisto slikovnim sredstvima. Volumetrijsko modeliranje i prostor štafelajne slike izgradio je ne uz pomoć chiaroscura i linijskih grafičkih sredstava, već bojom. No, za razliku od impresionista, boja za Cezannea nije bila element ovisan o rasvjeti. Slikar je koristio omjere boja kako bi u njima rastočio valove i bez modeliranja isklesao volumene "modulacije") same boje. “Nema linija, nema chiaroscura, postoje samo kontrasti boja. Modeliranje predmeta proizlazi iz pravilnog omjera tonova”, rekla je umjetnica.
Takvi bi se principi mogli utjeloviti s najvećim učinkom tamo gdje bi prevladavali neživi, nepomični objekti. Stoga je Cezanne radije radio uglavnom u žanru krajolika i mrtve prirode, što mu je omogućilo da koncentrira svoju pozornost na prijenos plastično vidljivih oblika. S druge strane, takva formalno kontemplativna metoda u svojoj pravoj biti odmah je ograničila njegove kreativne mogućnosti. Osebujna tragedija Cezanneova djela leži u tome što je, boreći se za rehabilitaciju cjelovito-sintetizirajućeg pogleda na svijet koji su impresionisti izgubili, iz vida isključio svu onu stvarnu nedosljednost stvarnosti, svo to bogatstvo ljudskih postupaka, emocija i iskustva, koja čine pravi sadržaj života.
Čak je i beskonačnu raznolikost životnih oblika majstor često preispitivao u smislu reduciranja na neke jasno organizirane konstruktivne sheme. To, naravno, ne znači da je umjetnik jednom zauvijek nastojao svesti sve prirodne oblike na određeni broj najjednostavnijih stereometrijskih elemenata. Ali takva tendencija ponekad je sputavala kreativnu maštu umjetnika, i što je najvažnije, kao rezultat toga pojavila se ona statičnost Cezanneove umjetnosti, koja se može pratiti u slici gotovo svakog motiva. To posebno dolazi do izražaja kada se slikar referira na sliku osobe. No, u najboljim slikama posvećenim slici čovjeka, gdje Cezanne ne nastoji pretjerano jasno primijeniti svoju umjetničku doktrinu, postiže veliku likovnu uvjerljivost. Poetičan i vrlo životan portret umjetnikove žene iz kolekcije Kressler u New Yorku (1372.-1877.). U Pušaču (između 1895. i 1900.; Ermitaž) prenosi osjećaj smirene suzdržane zamišljenosti i unutarnje usredotočenosti. No, Cezanne stvara i niz hladnijih djela, u kojima se počinje osjećati osebujan kontemplativno-otuđeni, da tako kažemo, "mrtva priroda" pristup čovjeku.
Nije slučajno da su upravo na području krajolika i posebice mrtve prirode Cezanneova ostvarenja ako ne najznačajnija, onda, u svakom slučaju, najbezuvjetnija. Kao tipičan primjer zrelog Cezanneovog krajolika može poslužiti "Pejzaž parka" (1888-1890; München, zbirka Reber). Jasna horizontala mosta, koju uokviruju okomite gomile drveća nagnutih nad vodu, promišljena paralelnost tlocrta bliski su ravnoteži klasične scenske kompozicije. Mirna površina rijeke odražava obrise gustog lišća, kuće na obali, neba s rijetkim oblacima obasjanim suncem. Nasuprot koloritu i atmosferskom titraju impresionističkog pejzaža, Cezanne zgušnjava kolorit, pokušavajući dočarati materijalnost zemlje i vode. Na platno su naneseni gusti potezi plavim, smaragdnim i žutim bojama, koje se percipiraju kao vrlo složene prijelaze i gradacije, ali kolorističke mase svedene na jedan ton. Teške grane i vodeno ogledalo tretiraju se volumetrijski i generalizirano.
Pejzaži Cezannea kasnih 1870-ih-1890-ih. uvijek monumentalan: svaki od njih prožet je epskom veličinom, osjećajem stabilnosti, svrsishodne sređenosti, vječnošću prirode ("Obale Marne", 1888., Puškinov muzej; "Zaokret puta", 1879.-1882., Boston , Muzej lijepih umjetnosti; "Mali most", 1879., Louvre; "Pogled na zaljev Marseille iz Estaca", 1883.-1885., New York, Metropolitan Museum of Art).
Ekspresivnost plastičnosti predmeta Cezanne prenosi u svojim brojnim mrtvim prirodama zrelog doba (“Mrtva priroda s košarom voća”, 1888.-1890., Louvre; “Plava vaza”, 1885.-1887., Louvre; “Lonac s geranijama). and Fruit”, 1890-1894, New York, Metropolitan Museum of Art). Ovdje se teži kontrastnom sučeljavanju oblika i kombinacija boja, što općenito stvara dojam promišljenog sklada kompozicije.
Na slici “Breskve i kruške” (1888.-1890.; Puškinov muzej) izbor predmeta je strogo promišljen: horizontala stola naglašava naboranost stolnjaka, na koji se stavlja svijetlo voće, a fasetirani uzorak vrč i okrugla posuda za šećer dižu se u blizini. Tamnocrvene breskve, ružičasto-zlatno-zelenkaste kruške u kontrastu su s hladnom gamom, u kojoj je ispisan bijeli stolnjak s plavo-plavim prijelazima. Crveni obrub, razbijen naborima materije i okružen svojim hladnim refleksima, odjekuje muklim odjekom boja zasićenosti toplih tonova.
Kako bi istaknuo volumen predmeta, umjetnik pojednostavljuje njihovu strukturu, otkriva glavne aspekte. Tako uobičajeno svakodnevni oblici postaju monumentalni: okrugle breskve teško leže na tanjuru, uštirkani nabori materije postaju skulpturalni, volumeni krušaka doimaju se zbijenima. Svjesno monumentalizirajući prirodu, umjetnik želi u većoj mjeri dočarati njezinu težinu i plastičnost nego karakteristična, jedinstvena svojstva ovog predmeta. Težnju ka pojednostavljenju oblika, ugrađenu u Cezanneovu umjetnost, dalje će razviti njegovi sljedbenici, tzv. život.
Portretne radove umjetnika ujedinjuje opće raspoloženje suzdržane zamišljenosti i unutarnje koncentracije: oni, u pravilu, nisu karakterizirani naglašenom psihološkom oštrinom stanja. Epski mir koji privlači Cezannea u prirodi karakterizira i sliku čovjeka koji je na svojim platnima uvijek pun veličanstvenog dostojanstva. U takvim portretima kao što su "Portret Choquet" (1876-1877; Cambridge, zbirka V. Rothschilda), "Mme Cezanne u žutoj stolici" (1890-1894; Saint-Germain-sur-Oise, privatna zbirka), "Dječak u crvenom prsluku” (1890.-1895., varijante u različitim zbirkama), slikar postiže ne samo bogatstvo i cjelovitost slike, nego i veću suptilnost psiholoških karakteristika slika u odnosu na svoja druga djela.
Skulpturalna jasnoća oblika, plastična ekspresivnost obilježila je umjetnikove višefiguralne kompozicije. U brojnim verzijama Kartaša Cezanne slaže grupe od dva, četiri ili pet likova. Najizrazitije djelo nalazi se u Louvreu (1890.-1892.), gdje uzbuđenje impulzivnog stanja jednog od onih koji sjede za stolom naglašava ležernu refleksiju njegova metodičnog partnera.
Slika "Pierrot i Harlekin" (1888., Puškinov muzej; drugi naziv slike je "Mardi-grass", odnosno "Posljednji dan karnevala") može poslužiti kao primjer slikarske vještine umjetnika.
Odjeven u nezgrapan ogrtač, pogrbljeni Pierrot, vrećasto se krećući sporim korakom, jasno se uklapa u zatvorenu piramidalnu kompoziciju. Ova gotovo smrznuta inertna masa doživljava se još kontrastnije u usporedbi sa harmonijom hodajućeg Harlekina. Jasno uočljiva težina volumena i ritmički odnosi među njima naglašeni su uzorkom i formom draperije; komad zastora s desne strane po svojoj je težini sličan liku Pierrota, čija se gesta desne ruke ritmički ponavlja u zakrivljenoj liniji tkanine; materija koja pada slijeva u velikim naborima, takoreći, odjekuje kretanjem Harlekina. Zakošena linija poda, paralelna s obrisom draperije u gornjem desnom kutu, naglašava sporost koraka prikazanih likova. Ukupna struktura boja slike također se temelji na izmjeni kontrastnih kombinacija. Crno-crveni triko, pripijenog Harlekina, iznenada je prerezan bijelim štapom, koji služi kao prirodni prijelaz na Pierrotovu slobodno padajuću odjeću ispisanu bijelim s olovno-plavim sjenama. Neka sumornost cjelokupnog zvuka boje slike stvara se zbog tuposti plavkaste pozadine i zeleno-žutih zavjesa.
U ovom djelu Cezanne doseže nevjerojatnu slikovnu cjelovitost. Ali cjelovitost percepcije živih ljudskih likova, njihovih odnosa zamjenjuje majstorstvo konstrukcije slike. Fiksirani pogled Harlekina i nevidljive Pierrotove oči gotovo pretvaraju lica ovih ljudi u smrznute maske.
Među posljednjim Cezanneovim djelima, niz pejzaža koji prikazuju brdo sv. Victoria, na kojoj je radio dugi niz godina (opcije u Puškinovom muzeju, Ermitažu i drugim zbirkama).
U istom razdoblju umjetnik se ponovno okreće temi "Kupačice" i "Kupačice" koju je razvio na samom početku svoje karijere. Ravnoteža oblika u prostoru, sklad i ritam kako kompozicijske tako i vrlo lijepo pronađene kolorističke konstrukcije Velikih kupača (1898.-1905.; Philadelphia, Muzej umjetnosti) svjedoče o zanimljivim Cezanneovim traženjima na području monumentalnog slikarstva. No, Cezanneovo zanimanje za monumentalno slikarstvo nije moglo naći svoju primjenu u tadašnjim uvjetima.
Određeni utjecaj impresionista doživio je Paul Gauguin (1848.-1903.), koji je ubrzo prema njima zauzeo oštro negativan stav. Umjetnik se buni protiv pasivne odanosti vizualnim iluzionističkim dojmovima karakterističnim za impresionizam. Umjesto toga, on postavlja zahtjev da se slijede "tajanstvene dubine misli", u vezi s tim programom simbolističkih pisaca. No, za razliku od Njemačke i Engleske, trend simbolizma nije stekao dominantnu poziciju u Gauguinovoj domovini, te se sam sadržaj Gauguinova djela ne može svesti na simbolizam ili modernitet.
Čovjek burne i složene biografije, bivši pomorac i burzovni mešetar, Gauguin je u zreloj dobi postao umjetnik. S trideset i osam godina odlazi u Bretanju, slikovito selo Pont-Aven, u koje se zaljubilo nekoliko pejzažista. Neki od tih umjetnika, idući putem postimpresionizma, uključujući Gauguina, ujedinili su se u školu Pont-Aven. Oštri protivnik "baračke europske civilizacije", sanja o tome da izvor nadahnuća pronađe u spomenicima nacionalnog srednjeg vijeka.
Radnja platna "Žuti Krist. Pont Aven Le Pouldu” (1889.; Buffalo, Galerija Albright) sugerira stari drveni kip koji je umjetnik vidio u jednoj od lokalnih kapelica. Ogromno romaničko raspelo i seljanke koje sjede pokraj njega u pobožno koncentriranim pozama rekreiraju atmosferu poslušnog praznovjerja bretonskih stanovnika, koja je toliko očarala majstora u to vrijeme.
Pejzaž, koji služi kao pozadina, umjetnik je odlučio naglašeno dekorativno: po zlatnožutim poljima razasuto je drveće obasjano purpurom, iza brežuljaka plavi se pojas daleke šume. Dekorativnost pojačavaju uštirkani bijeli šalovi, tamnoplave i crne haljine žena prikazanih u prvom planu te žarko narančasta pregača jedne od njih. Intenzitet boje naglašen je tamnim obrisom koji uokviruje šarene mrlje. Ovo podsjeća na tehniku cloisonne emajla, samo ulogu metalnih pregrada ovdje igraju linije crteža, između kojih su raspoređene mrlje čiste boje. Pojam "cloisonism" (od francuskog cloison - pregrada) često se koristi za karakterizaciju Gauguinova djela ovog razdoblja. Potraga za linearnom ekspresivnošću također zauzima važno mjesto u umjetničinu stvaralaštvu. A to ga "u pravilu dovodi do namjerne plošnosti slike. Artificijelnost sadržaja slike "Žuti Krist", koja svjedoči o religioznim i mističnim raspoloženjima Gauguina, kombinirana je s pomalo modernističkim manirizmom njezina likovnog rješenja.
Potraga za linearnom ekspresivnošću, svjesno pojednostavljenje oblika i uzoraka, kontrasti mrlja u boji karakteriziraju i platna “Borba Jakova s anđelom” (1888.; Edinburgh, Nacionalna galerija), “Lijepa Angela” (1889.; Louvre). ), “Bretonsko raspeće” (1889.; Bruxelles, Muzej), itd.
Već u tom razdoblju Gauguinova želja za prevladavanjem sitnog anegdotizma salonskog slikarstva, osebujne mješavine plošnog naturalizma i vulgarne ljepotice u njemu, provodi se putem svjesne arhaizacije i uvjetne stilizacije oblika. To određuje i snagu njegove dekorativne i uvjetne vještine i osebujna ograničenja kreativnosti. Gauguinov odmak od prozaizma vladajućeg načina života u "prosperitetnoj" građanskoj Francuskoj nije ga doveo do želje da otkrije istinski dramatične, estetski značajne strane i probleme suvremenog društva. Zato je njegovo živopisno i apstraktno-kontemplativno djelo, daleko od izravnog odraza društvenog života i složenog i bogatog duhovnog svijeta suvremenih ljudi, po inerciji otpora prevladavajućih ukusa društva, prihvaćeno i, tzv. , estetski ovladana od strane takozvane "prosvijećene" elite istog buržoaskog društva, čije je estetsko odbacivanje poslužilo kao jedan od početnih impulsa koji je predodredio smjer Gauguinove kreativne potrage.
Godine 1891. Gauguin odlučuje rastati se od prozaičnog, merkantilnog, licemjerno lažljivog buržoaskog društva, koje je, kako je Gauguin bio duboko uvjeren, neprijateljsko prema prirodi istinskog stvaralaštva. Umjetnik odlazi na otok Tahiti. Daleko od svoje domovine, nada se pronaći iskonski mir i spokojnu egzistenciju svojstvenu "zlatnom dobu" djetinjstva čovječanstva, koje je, kako je mislio, sačuvano među domorocima dalekih otoka. Gauguin je do posljednjeg dana svog života u svojoj umjetnosti čuvao naivne iluzije tog sna, iako mu je istinska kolonijalna stvarnost grubo proturječila.
Godine 1893. Gauguin slika sliku "Žena koja drži voće" (Ermitaž). Forme ljudskih figura su veličanstvene i statične, baš poput lijeno nepomičnog tropskog pejzaža naspram kojeg su prikazane. Umjetnik doživljava ljude u neraskidivoj povezanosti sa svijetom koji ih okružuje. Čovjek je za njega savršena kreacija prirode, poput cvijeća, voća ili drveća. Radeći na štafelajnoj slici, Gauguin ju je uvijek nastojao riješiti dekorativno: glatke konture, uzorci tkanine, bizaran uzorak grana i biljaka stvaraju osjećaj svečanog ukrasa. Prava priroda Tahitija pretvorena je u svijetli šareni uzorak.
Gauguin shvaća boju na općenito dekorativan način: videći tople sjene na pjeskovitom tlu, on ga boji ružičasto; povećavajući intenzitet odraza, pretvara ih u lokalne sjene. Ne koristi se modeliranjem svjetla i sjene, već ih prekrivanjem boje ravnomjernim svijetlim plohama suprotstavlja, čime pojačava snagu zvuka boje slike (“Buket cvijeća. Cvijeće Francuske”, 1891.; “Jeste li vi ljubomoran?”, 1892., ilustr. 17; oba - Puškinov muzej). Nešto mat blijeđenja boje Gauguinovih djela posljedica je nedostataka temeljnog premaza, koji je kasnije imao štetan učinak na njih.
Ljudi koji nastanjuju ovu nevjerojatnu zemlju Gauguinu se čine egzotičnima poput prirode Tahitija. Njihov život, prekriven sjećanjima na drevne legende i predaje, čini mu se punim posebnog značenja. Strast prema slikama folklora, misteriozni misterij drevnih bogova nalazi svojevrsni prelom u nizu kasnijih djela majstora ("Njeno ime je Vairaumati", 1892; Puškinov muzej; "Kraljeva žena", 1896, Puškinov muzej , ilustr. 16; “Odakle smo došli? Tko smo? Kamo idemo?", 1897., Boston, Muzej itd.)" Posljednjih se godina teško bolesni umjetnik borio za očuvanje domaće kulture, pokušavao zaštititi lokalno stanovništvo od ugnjetavanja francuske uprave.nazvana „Kuća radosti“.
Stvaralačka potraga Vincenta van Gogha (1853.-1890.) razvijala se u bitno drugačijem smjeru od Cezanneove i Gauguinove. Ako je Cezanne nastojao razotkriti najopćenitije obrasce materijalnog svijeta, ako je Gauguina karakterizirala, bez obzira na njegova osobna raspoloženja, apstrakcija od specifičnih proturječja života njegove suvremene Francuske, onda Van Goghovu umjetnost karakterizira želja za utjelovljenjem složenu nedosljednost i zbrku duhovnog svijeta njegova suvremenog čovjeka.
Van Goghova umjetnost je oštro psihološka i duboka, ponekad mahnito dramatična. Prevladavanje ograničenja impresionizma zamislio je kao povratak umjetnosti akutnim problemima moralnog i duhovnog života čovjeka. U umjetnosti Van Gogha svoj prvi otvoreni izraz našla je kriza humanizma s kraja 19. stoljeća, bolna i beznadna potraga za pravim putem njegovih najpoštenijih predstavnika. To je odredilo i duboku ljudskost, iskrenost Van Goghova djela i, u isto vrijeme, značajke bolne nervoze, subjektivne ekspresije, često manifestirane u njegovoj umjetnosti.
Ako je jednostrano tumačenje, a u biti falsificiranje Cezanneove ostavštine, postalo temeljem stvaranja hladno-racionalističkih, apstraktno-formalnih struja u građanskoj umjetnosti 20. stoljeća, onda je jednostrano iskrivljeno tumačenje nekih struja u Van Goghovu djelu karakterističan je za ekspresionistička i općenito subjektivno-pesimistička strujanja.Zapadnoeuropska građanska umjetnost 20. stoljeća. Za nas su značajne značajke u Van Goghovom djelu koje nije pokupio formalizam, ali sva njegova umjetnost je umjetnost poštenog i iskrenog umjetnika koji je utjelovio tragediju humanizma u doba početka krize buržoaske kulture. .
Van Gogh je rođen u Nizozemskoj u siromašnoj obitelji provincijskog pastora. Vrlo rano nastao je jaz između mladog Vincenta, koji je bolno tražio smisao života, i malograđanske samozadovoljne atmosfere njegove obiteljske sredine.
Van Gogh odlazi u Belgiju, tražeći rješenja za svoje brige u misionarskom radu. Godine 1878.-1879. propovijeda evanđelje u rudnicima ugljena Borinage. Međutim, uskoro crkvene vlasti odbijaju usluge osobe koja je lišena potrebnih govorničkih kvaliteta i, štoviše, previše je strastveno zabrinuta za "svjetovne" nevolje svog jadnog stada.
Potisnut neuspjehom, Van Gogh se u svojoj dvadesetsedmoj godini prvi put okreće jeziku umjetnosti, vjerujući u njegovu veliku djelotvornu snagu. Stoga se nada da će biti koristan ljudima. Od jeseni 1880. do proljeća 1881. budući slikar pohađa briselsku Umjetničku akademiju. Ubrzo prekida likovno školovanje i vraća se u domovinu. U budućnosti, Van Gogh juri između kuće svog očuha, Haaga i drugih gradova Nizozemske i Belgije. Hvata se, podjednako neuspješno, raznoraznih stvari, a pritom vrijedno radi kao umjetnik.
Prvih pet godina Van Goghove kreativne aktivnosti (1880.-1885.) obično se definira kao nizozemsko razdoblje, iako bi bilo točnije nazvati ga nizozemsko-belgijskim.siromaštvo i naporan rad rudara, obrtnika, seljaka. Duboko je vrijedno pažnje da se umjetnik početnik okreće primjeru Milleta, kopirajući njegov "Angelus", a 1881. godine svog "Sijača" (van Gogh će se vratiti ovoj slici u budućnosti).
Nije manje prirodno da se Van Gogh, koji je više od godinu dana živio u zemlji rudnika, uza svu svoju duboku i iskrenu demokratičnost, pokazao stranim kreativnom iskustvu Meuniera, umjetnika koji nije toliko suosjećajan s siromašan, ali potvrđuje surovu ljepotu i veličinu čovjeka industrijskog rada. Slavni "Jedači krumpira" (1885.; Laren, zbirka Van Gogh) naslikani su tmurnim tamnim bojama i prožeti duhom sumorne depresije, gotovo životinjske pokornosti sudbini. Istodobno, u djelima ranog razdoblja postupno se otkriva umjetnikova sposobnost da s osobitim intenzitetom i uvjerljivošću prenese kako emocionalni intenzitet svog svjetonazora, tako i zbrku unutarnjeg svijeta ljudi koje prikazuje.
Van Gogh počinje prevladavati profesionalne nedostatke (grubost u prijenosu kutova i proporcija, slabo poznavanje anatomije itd.), koji se pojavljuju u crtežima kao što je Čistač ulica (1880.-1881.; Otterlo, Muzej Kroller-Muller). Sve više ovladava vještinom prenošenja karakterističnog i ekspresivno-ekspresivnog. Tako u litografiji “Očaj” (1882.) nemilosrdnom istinitošću prenosi ružnoću tijela usahle žene, a istovremeno s dubokim suosjećanjem otkriva duboko i gorko beznađe koje ta ružna, jadna, patnička osoba je zarobljena.
Dramatično uzbuđenje, bolnu, gotovo bolnu osjetljivost na patnju, Van Gogh prenosi i u djelima posvećenim prirodnom svijetu, neživim predmetima (crtež "Drvo", 1882., Otterlo, Muzej Kroller-Müller, i "Zimski vrt", 1884., Laren, zbirka Van Gogh). U njima je Van Gogh uspio ostvariti svoju želju „da u krajolik unese isti osjećaj kao u ljudsku figuru ... To je posebna sposobnost biljke da se grčevito i strastveno priljubi uz tlo; a ipak se ispostavlja da ga je iz nje istrgnula oluja ”(iz pisma bratu). Takva "humanizacija", britka dramatizacija svijeta stvari i prirode jedno je od najkarakterističnijih obilježja Van Goghova djela.
Do 1886. u potpunosti se otkriva opći smjer Van Goghovih kreativnih pretraga. Umjetnikov odlazak u Francusku konačno određuje njegov umjetnički razvoj. Poznanstvo s impresionistima, sjaj svjetlosti sunčanog juga (Van Gogh se 1888. preselio iz Pariza u Arles) pomaže mu da se riješi ostataka crnila boje i otkrije onaj istančani osjećaj za kontraste boja, tu emocionalnu gipkost. izražajnost poteza kista, koji su već formirani u Vanovoj stvaralačkoj maniri -Goga.
Tijekom posljednje četiri godine svog života, opsesivno radni Van Gogh stvorio je ogroman niz slika koje su odredile njegovo mjesto u povijesti moderne europske umjetnosti. Istina, napadi duševne bolesti, ponekad grozničava žurba na poslu utječu na nejednaku vrijednost njegovih djela. Ali najznačajniji od njih, uz Cezanneovo slikarstvo, imao je golem utjecaj na cjelokupni daljnji razvoj zapadnoeuropskog slikarstva.
Francusko razdoblje u umjetnikovom radu karakterizira bezuvjetno korištenje iskustva impresionista, bitno drugačije razumijevanje zadataka umjetnosti u usporedbi s njima. Dakle, na njegovoj slici "Put u Auvers nakon kiše" (1890.; Puškinov muzej) zadivljuje se ne samo suptilnim, točnim prijenosom prirode oprane svježinom, obasjane suncem i još uvijek svjetlucave od vlage od kiše, koji je upravo prošao, ali i izoštrenim osjećajem za njegov ritmički život: redovi teku vrtnim grebenima, kovrčavo drveće, vijugaju se oblaci dima jurećeg vlaka, bljesak sunca sija i igra se na mokroj travi - sve to stapa u holističku sliku radosnog ljetnog svijeta punog života.
Traganje za novom realističkom izražajnošću jasno se očituje u njegovim »Čamcima u Sainte-Marie« (1888., privatna zbirka). Zvučna žestina kolorita estetski naglašena i lakonski generalizirana dočarava karakter prirode i osvijetljenosti mediteranskog juga. Oštar ritam jarbola i dvorišta koji se križaju, brzo zakrivljene siluete čamaca izvučenih na obalu kao da zadržavaju osjećaj svjetla koje trči po valovima.
Istodobno, Van Gogh stvara i djela u kojima početak subjektivnog izraza, princip samoizražavanja vlastitog stanja, ima prednost nad zadatkom promišljanja i vrednovanja svijeta. Takvo se povlačenje u određenoj mjeri osjeća u njegovim Crvenim vinogradima u Arlesu (1888.; Puškinov muzej). Slika, izrazito lijepa u koloritu, sadrži proturječnost između idiličnog motiva (zalazak sunca na nebu bez oblaka, ležerna i mirna berba u vinogradu već prekrivenom venulom) i dramatičnog raspoloženja slike. Tako nemirni potezi pretvaraju vinograd u mutnu goruću struju plamena, plave grane drveća probijaju nemirni poriv, akord bolnih narančastih tonova neba i teški, plavkasto-bijeli disk sunca stvaraju osjećaj nejasne tjeskobe i zbunjenosti.
Vizionarski karakter također je svojstven pejzažima poput Zvjezdane noći. Saint-Remy" (1889; New York, Muzej moderne umjetnosti). Crno-plavi plamen vrha čempresa u prvom planu u kontrastu je s tornjem dalekog zvonika, koji vreba u plavoj izmaglici sela. Čas zlatne, čas srebrnoplave svjetlucave spirale svjetlosti kovitlaju se nebom. Sve to sliku mirne ljetne noći pretvara u gotovo apokaliptičnu viziju.
Nedvojbeno, osjećaj strahovite neprijateljstva svijeta otuđenog od čovjeka, njegove sumorne opasne ljepote estetski je izrazio položaj u kojem se nalazi usamljeni, patnički “mali čovjek”, nepovezan s klasom koja je upoznala zakone razvoja povijesti. Stoga su takva Van Goghova djela duboko iskrena, a njihova je pojava bila povijesno neizbježna. No, oni su istodobno bili i umjetnički izraz duhovnog svijeta onih društvenih slojeva koji, pateći od deformiteta svoje suvremene stvarnosti, nisu vidjeli prave načine prevladavanja tih deformiteta te su apsolutizirali svoje subjektivno stanje, svoj osjećaj tragičnog očaja. . Upravo će tu stranu u djelu Van Gogha prihvatiti ekspresionizam i slični umjetnički pravci u umjetnosti 20. stoljeća.
Bilo bi, međutim, pogrešno vidjeti samo ovu stranu u djelu Van Gogha, velikog i poštenog umjetnika. Njegov "Put u Auvers nakon kiše", upečatljiv svojom psihološkom portretnom istinitošću "Umjetnikova spavaća soba u Arlesu" (1888.; Laren, zbirka Van Gogh), "Stolac i lula" (1888.-1889.; London, Galerija Tate) i mnogi druga djela pobuđuju realistična snaga slike, istinitost osjećaja. U nekim djelima te vrste upada u oči ne samo istinitost njegova tako emocionalno izražajnog umjetničkog jezika, nego i osjećaj pomalo uzbuđene vedrine, velika percepcija života prirode, što pokazuje da je Van Gogh bio osjetljiv na ljepotu i sklad života. Dramatičan, živčani slom tako karakterističan za mnoga Van Goghova djela nije rezultat njegove bolno predrasude žudnje za ružnim i odvratnim, za njihovim perverznim uživanjem (kao što je to bilo karakteristično za neke dekadentne kulturne gospodare tog vremena), već plod njegova pojačana osjetljivost za one ružnoće i disonance koje je u sebi nosila društvena stvarnost (»Šet zatvorenika«, 1890; Puškinov muzej).
Osjetljivost prema neprijateljskom ljudskom principu, uvijek vrebajućem u životu društva u kojem je Van Gogh živio, a skrivena pod ljuskom svakodnevice, došla je do izražaja u njegovom Noćnom kafiću u Arlesu (1888.; New York, zbirka Clark). Melankolija i beznađe usamljenosti ljudske duše zahvaćene bolnim očajem prenose se u slabo blještavo, smrtonosno osvjetljenje polupraznog kafića; prenose se u tupim likovima rijetkih posjetitelja, kao omamljenih vinom i svojom otuđenošću od svijeta. Ovo stanje duha također se izražava u oštrim disonancama boja - zelenom platnu biljara, ružičasto-žutom podu, crvenim zidovima, žutim krugovima svjetla oko gorućih svjetiljki - a posebno u samotnom, bespomoćno turobnom, podsjeća na lik fantoša, konobar stoji smrznut spuštenih ruku.
"Pokušao sam.. . u ovoj atmosferi paklene peći i blijedog gorućeg sumpora utjeloviti svu snagu tame i atmosferu ratova. A ipak sam sve to želio otkriti pod krinkom japanske lakoće i Tartarinove samodopadnosti" (iz pisma bratu).
Ista golema unutarnja napetost doživljaja otkriva se u njegovim portretima i autoportretima. Tako je njegov “Autoportret posvećen Paulu Gauguinu” (1888.; Cambridge, Muzeji umjetnosti Sveučilišta Harvard) karakteriziran onim osjećajem teške i pomalo žalosne koncentracije i skrivene opsesije, što nam omogućuje da u ovom portretu prepoznamo umjetnika Vana Gogh svojom jedinstvenom umjetničkom vizijom.mir. Takav je i njegov, pun nervozne energije i oprezne napetosti, Autoportret sa zavezanim uhom (1889.; Chicago, zbirka Block).
Na slici “Žena u tamburaškoj kavani” (1887.; Laren, zbirka Van Gogh), u turobno umornom licu žene koja sjedi za stolom u praznoj kavani, u nervozno nemirnoj teksturi poteza, ta tema razorene melankolije i usamljenost, koja je prvi put tako jasno i jasno zazvučala u Degasovom Absintu. Ali ovdje je taj motiv izražen manje suzdržano nego kod Degasa, s više strastvene gorčine.
Posljednjih godina Van Gogh je bio podložan napadima teške mentalne bolesti. Neki su znanstvenici bili u iskušenju pripisati karakter Van Goghove umjetnosti njegovoj mentalnoj bolesti. Ali nije. Ako je umjetnost Van Gogha bila simptom bolesti, onda smrtonosne bolesti samog društva - neizlječive krize buržoaskog humanizma koja je započela.
Suvremenik Cezannea, Van Gogha i Gauguina bio je Henri de Toulouse-Lautrec (1864.-1901.). Njegov rad također se svrstava u postimpresionizam.
Djelo Toulouse-Lautreca u cjelini karakterizira osebujan razvoj i modifikacija umjetničkih tradicija Degasa i djelomično E. Maneta u smjeru sve većeg isticanja izražajnih trenutaka slike, dosežući gotovo do grotesknosti. živčana dinamika forme. U umjetnikovim plahtama, u šarolikom nizu, pred gledateljem brzo prolaze opskurne midijete i poznate pjevačice noćnih kavana; briljantni predstavnici umjetničke i književne boemije Pariza i potišteni habitusi bordela; prolaze čas obuzeti grozničavo grčevitim veseljem, čas obuzeti melankolijom samoće.
Neobični, ponekad tragični događaji biografije, originalnost okruženja u kojem je prošao umjetnikov život, odigrali su određenu ulogu u formiranju Toulouse-Lautrecovih kreativnih sklonosti. Bio je jedan od onih umjetnika Francuske s kraja 19. stoljeća u čijem je stvaralaštvu tema socijalne i duševne poremećenosti, iako u vrlo tradicionalnoj i uskoj tematskoj sferi, našla izravan izraz.
Toulouse-Lautrec potjecao je iz drevne nasljedne obitelji vikonta južne Francuske. Kao dijete slomio je obje noge i zauvijek ostao bogalj. Njegova fizička ružnoća učinila ga je parijom u očima ugledne aristokracije.
Modeli za prve slike umjetnika najčešće su njegovi rođaci i rodbina. Portreti "Grofica Toulouse-Lautrec na doručku u Malromeu" (1883.), "Grofica Adele de Toulouse-Lautrec" (1887.; oba - Albi, Muzej Toulouse-Lautrec) obilježeni su utjecajem impresionističke tehnike, ali željom za maksimalnim individualizacija osobina, posebna, katkad nemilosrdna, katkad intimno otužna budnost promatranja govori o bitno drugačijem poimanju slike osobe. To su “Mlada žena koja sjedi za stolom” (1889.; Laren, zbirka Van Gogh), “Pralja” (1889.; Pariz, zbirka Dortyu) i druga djela.
Daljnji razvoj umjetnosti Toulouse-Lautreca obilježen je nastavkom potrage za psihološkom izražajnošću, razvijajući se paralelno s interesom za prenošenje specifičnog, jedinstvenog izgleda prikazanih likova. Platno "U kafiću" (1891; Boston, Muzej likovnih umjetnosti) sadržajno je blisko poznatom, već spomenutom djelu Degasa "Absint". Ali u interpretaciji Toulouse-Lautreca, slika dvojice klonutih pijanica, glupo smrznutih za prljavim stolom, dobiva još dramatičniju boju.
Stav Toulouse-Lautreca je ironičan stav satiričara koji se neprestano služi metodom grotesknog pretjerivanja. Slična značajka jasno se očitovala u slikama kao što su "La Goulue ulazi u Moulin Rouge" (1892; Pariz, zbirka Bernheim de Ville), "Ples u Moulin Rougeu" (1890; Philadelphia, privatna zbirka). Želja za prenošenjem svijetle originalnosti pokreta, gesta, poza posebno se jasno vidi na slici nare koja pleše u dubini dvorane. Groteskna silueta čovjeka koji savitljivim nogama pravi neobičnu entrešu i oštri pokreti njegove crvenokose partnerice u crvenim čarapama stvaraju oštru i lakoničnu sliku koja ima značajke koje je približavaju ekspresivnosti plakata.
Uloga crteža u umjetnosti majstora je izuzetno velika. Oštrina, ekspresivnost, bogatstvo i raznolikost Toulouse-Lautrecovog grafičkog stila čine ga izvanrednim crtačem 19. stoljeća. Grafika je značajan dio njegove stvaralačke baštine (brojne grafike, pasteli, litografije, crteži). Posebno mjesto zauzimaju poznati plakati. Upravo se u tim godinama formira specifičnost plakata kao posebnog oblika umjetnosti. Plakat u modernom smislu riječi nastao je u umjetnosti Toulouse-Lautreca i dijelom Steinlena.
Jednim od najboljih plakata u povijesti smatra se njegova litografija u boji "Divan japonais" (1892.), koja reklamira malu kavanu-koncert. Oštra silueta dame u modernoj uskoj haljini i otmjenom šeširu, neočekivano stavljena u prvi plan, te nervozno vijugava linija koja ocrtava konturu muškarca koji sjedi iza, čine kompozicijsku jezgru lista. Figura glavne junakinje koja pjeva na sceni namjerno je postavljena u dubinu tako da se vide samo njezina haljina i ruke prekrivene dugim tamnim rukavicama, a glava joj je odsječena okvirom plahte. Kao rezultat toga, gledajući plakat, kao da se i sam nalazi u atmosferi gledališta, na čijoj pozornici nastupa pjevačica Yvette Gilber.
Slika Yvette Guilbert Lautrec obrađena mnogo puta. Godine 1894. napravio je cijeli album litografija, gdje je uhvatio karakteristične pokrete i najsuptilnije nijanse raspoloženja, izraze lica zvijezde Montmartrea. Jedna od pripremnih verzija portreta Yvette Gilbert, napravljena iste godine s višebojnom uljanom esencijom, pohranjena je u Puškinovom muzeju likovnih umjetnosti.
Na nekim portretima 1890-ih. uz sklonost oštro grotesknom, ponekad karikaturalnom prikazivanju slike osobe, mogu se pratiti i drugi trendovi. Na portretu dr. Gabriela Tapiera de Saleirana (1894.; Albi, Muzej Toulouse-Lautrec) lik elegantnog čovjeka koji polako korača, iza kojeg se roje čudni ljudi s licima nalik maskama iz noćne more, postaje gotovo simbolom beznadnog očaja. i usamljenost. Ista se tema može pratiti u slici Jeanne Avril napušta Moulin Rouge (1892.; Hertford, Wadsworth Athenaeum). Nota tužnog lirizma zvuči u usamljenoj umornoj figuri žene, u njenom ugaslom tužnom licu.
Djelo Toulouse-Lautreca odigralo je veliku ulogu u razvoju francuske grafike krajem prošlog stoljeća. Felix Vallotton (1865.-1925.) nastavlja daljnja traganja za ekspresivnošću grafičke tehnike, shvaćene nešto formalnije. Rođeni Švicarac, Vallotton je veći dio života proveo u Parizu, a obično ga se smatra predstavnikom francuske škole. Vallotton je dosta radio i kao slikar. Zanimanje za apstraktno-hladni volumen u interpretaciji ljudskih figura čini ga jednim od prvih predstavnika neoklasične inačice secesije u slikarstvu. Ipak, Vallottonova grafika bila je najznačajniji doprinos povijesti umjetnosti. Upravo je ovaj umjetnik imao prioritet u razvijanju novih, u to vrijeme malo prakticiranih mogućnosti drvoreza.
Ilustrirajući Knjigu maski (1895.) Remyja de Gourmonta, Vallotton stvara seriju portreta slavnih pisaca tog vremena. Ne napuštajući individualizaciju portretnih slika, postiže značajnu generalizaciju u karakterizaciji svojih modela. Posebno je zanimljiv portret F. M. Dostojevskog (drvorez), čiju je tragičnu složenost prirode autor naslutio. Bijela mrlja lica s napeto radoznalim pogledom pažljivih očiju jasno se ističe na glatkoj crnoj pozadini. Oštro ugrebane linije jednostavno predstavljaju oblik nosa, obrva, obrise kose i bore.
Drvorez "Demonstracija" (1893.) zanimljiv je svojom dinamikom. Vallotton prikazuje scenu raspršivanja demonstracija u oštrom rakursu odozgo prema dolje, kao da se vidi s prozora gornjeg kata. Nemirno treperenje crnih likova majstor percipira kao iz pozicije umjetnički preciznog promatrača izvana.
Posebno mjesto u razvoju francuske grafike s kraja 19. - početka 20. stoljeća. zauzima rad Theophilea Steinlena (1859-1923). Steinlen u novim uvjetima nastavlja tradiciju demokratske borbene časopisne grafike u Francuskoj. Umjetniku nisu strana otkrića majstora 1860-1870-ih kao što su E. Manet, E. Degas, koji su stvorili jezik pun ekspresivne dinamike, oštro i precizno prenoseći karakteristične trenutke u neprestanom životu velikog grada. . No, Steinlena ne odlikuje toliko briljantnost likovnosti u rješenju ovog ili onog motiva, koliko društvena i etička usmjerenost figurativnog rješenja.
Kao točan i britak promatrač pariškog društvenog života, on je bliži Degasovoj tradiciji od E. Maneta ili C. Moneta, ali ne doseže likovnu konveksnost i lakonsku točnost svog starijeg suvremenika. Jaka strana Steinlenova rada je želja za društvenom djelotvornošću umjetnosti, izravnom demokracijom, povezanošću sa životom jedne ne općenito “pariške ulice”. već sa svijetom osjećaja, misli, težnji radnih ljudi velikoga grada. U tom smislu on je prije nasljednik Charleta i Daumiera, predstavnik demokratske, socijalno usmjerene linije u francuskoj realističkoj kulturi.
Okrećući se ne samo slici radnog naroda, radničke klase, nego nastojeći izraziti njezine osjećaje i ideale, Steinlen je blizak prijelazu iz buržoasko-demokratskog realizma u realizam povezan s idealima socijalističke demokracije. Istina, ti se ideali za Steinlena još uvijek pojavljuju u nejasno neodređenom obliku, iu tom pogledu umjetnik dijeli snagu i slabost spontano socijalističke orijentacije pogleda i osjećaja radničkih masa Francuske tih godina.
Mnogi, osobito Steinlenovi rani radovi (1880.-1890.), ilustracije su za popularne pjesme pariških predgrađa, objavljene u zasebnim zbirkama ili na stranicama demokratskih časopisa. Puni su to pokreti, ponekad lukavi, ponekad tužni, a ponekad sentimentalni i osjetljivi u duhu “okrutne romantike”, kao da su provireni prizori na ulici: “Zima” (1890-e; crtež za pjesmu R. Ponchona za časopis “Ilustracija Gilles Bdaz”), “Mladi radnici” - gorljive ptice rugalice koje idu na spoj nakon posla; "Stari skitnica" je pomalo sentimentalna kompozicija koja prikazuje usamljenog starca koji svoj oskudni obrok dijeli sa svojim jedinim prijateljem, čupavim mršavim psom.
Posebno mjesto u majstorovom opusu zauzimaju njegove ilustracije, pune humanizma i tužnog humora, nastale 1901. godine za Crainquebil A. Fransa, koje je autor pripovijesti visoko cijenio.
Socijalna, antiimperijalistička orijentacija posebno je jasna u Steinlenovoj ilustraciji uz pjesmu, koja govori o teškoj sudbini vojnika poslanog na službu u kolonijalne trupe. Antimilitarizam i antikolonijalizam karakteristično je obilježje djela Steinlena, novinara, redovitog suradnika ljevičarskih novina kao što su Assiet o Ber, Shambar Socialist i dr. Takvi su, primjerice, crteži koji kude "civilizacijske" aktivnosti francuskih i belgijskih kolonijalista u Kongu.
Od velike su važnosti Steinlenove litografije posvećene borbi francuske radničke klase.Njegov "Štrajk" (1898.), bez vanjske patetike, izražajno dočarava prijeteću mirnoću štrajkaša okupljenih na vratima tvornice koju čuvaju vojnici. Britko i šturo ocrtana je galerija likova ovih radnika, visokih stanovnika sjeverne Francuske, lica punih stroge pameti i tvrdoglave narodne energije. Upravo su u suprotnosti s takvom tipičnom pojavom zdepastih “crnoputih” seljačkih dječaka odjevenih u vojničke odore, protjeranih iz ruralnog juga Francuske ovamo, u stranu zemlju rudnika i tvornica s nepoznatim i nerazumljivim ljudima.
Njegova litografija u boji Zločin u Pas de Calaisu (1893.) svojom lakonskom društvenom snagom i dramatičnošću nagovještava buduće revolucionarne plakate 20. stoljeća. Patos "Zločina u Pas de Calaisu" je patos gorčine i bijesa. Ova časopisna ilustracija-poster posvećena je stvarnoj činjenici: osam stotina obitelji rudara štrajkača žandari su istjerali na hladnoću iz baraka poduzeća. Slika tugaljivog gnjevnog moćnog rudara s djetetom na ramenu, koji korača na čelu ožalošćene obitelji i prijeteći steže rudarsku pijuk, prerasta u simbol nepokolebljive volje, nepomirljivog revolucionarnog bijesa radničke klase Francuska.
Steinlenova se umjetnost razvijala tijekom druge polovice 1880-ih i 1890-ih. i usko je povezan s buđenjem radničke klase i demokratskih snaga u Francuskoj općenito nakon razdoblja dominacije reakcije koje je uslijedilo nakon gušenja Pariške komune 1871. I premda je na zbivanja Prvog svjetskog rata odgovorio zanimljivom serijom Izbjeglice (1916.), koja se svojim humanizmom suprotstavlja tadašnjoj šovinističkoj propagandi, u povijesti francuske kulture ostaje upisan kao majstor vezan ponajprije za demokratske i socijalistički trendovi u francuskoj umjetnosti 1880-ih - ranih 1900-ih
Općenito, tijekom tih godina u Francuskoj, u djelima njezinih najvećih majstora, postavljaju se problemi prijelaza na nove oblike realizma, na prevladavanje difuzne forme i nedokučive trenutne percepcije impresionista. Međutim, u uvjetima sve jačih prvih znakova opće krize kulture kapitalizma, koji je ušao u završnu fazu svog razvoja, nije bilo moguće riješiti problem prijelaza umjetnosti na višu razinu, a da se ostane u okvirima svjetonazorske i estetske ideje starog društva. Otuda dualnost i nedosljednost potraga velikih majstora kao što su Cezanne i Van Gogh. Ta nedosljednost omogućila je jednostrano tumačenje njihove baštine od strane formalističke umjetnosti 20. stoljeća.
“Novi svijet je rođen kada su ga impresionisti naslikali”
Henri Kahnweiler
XIX stoljeće. Francuska. U slikarstvu se dogodilo nezamislivo. Skupina mladih umjetnika odlučila je prodrmati 500 godina staru tradiciju. Umjesto jasnog crteža, upotrijebili su široki "neuredan" potez.
I potpuno su napustili uobičajene slike, prikazujući sve redom. I dame lake vrline, i gospoda sumnjiva ugleda.
Publika nije bila spremna za impresionističko slikarstvo. Ismijavali su ih i grdili. I što je najvažnije, od njih nisu ništa kupili.
Ali otpor je slomljen. A neki su impresionisti doživjeli svoj trijumf. Istina, već su imali preko 40. Kao Claude Monet ili Auguste Renoir. Drugi su čekali priznanje tek na kraju života, poput Camillea Pissarra. Netko tome nije dorastao, poput Alfreda Sisleya.
Što je revolucionar učinio svaki od njih? Zašto ih javnost tako dugo nije prihvaćala? Evo 7 najpoznatijih svjetskih francuskih impresionista.
1. Edouard Manet (1832.-1883.)
Edward Mane. Autoportret s paletom. 1878 Privatna zbirkaManet je bio stariji od većine impresionista. On im je bio glavna inspiracija.
Sam Manet nije tvrdio da je vođa revolucionara. Bio je svjetski čovjek. Sanjao službene nagrade.
No na priznanje je čekao jako dugo. Javnost je htjela vidjeti grčke božice ili u najgorem slučaju mrtve prirode, tako da su izgledale lijepo u blagovaonici. Manet je želio slikati moderan život. Na primjer, kurtizane.
Rezultat je bio “Doručak na travi”. Dva kicoša opuštaju se u društvu dama lake naravi. Jedan od njih, kao da se ništa nije dogodilo, sjedi pored odjevenih muškaraca.
Edward Mane. Doručak na travi. 1863., Pariz Usporedite njegov "Doručak na travi" s "Rimljani u zalasku" Thomasa Couturea. Coutureova slika izazvala je senzaciju. Umjetnik je odmah postao poznat.
“Doručak na travi” je optužen za vulgarnost. Trudnicama se apsolutno nije preporučalo da je gledaju.
Thomas Couture. Rimljani u opadanju. 1847. Musée d'Orsay, Pariz. artchive.ru U Coutureovom slikarstvu vidimo sve atribute akademizma (tradicionalno slikarstvo 16.-19. st.). Stupovi i kipovi. apolonski narod. Tradicionalne prigušene boje. Manirizam držanja i gesta. Radnja iz dalekog života jednog sasvim drugog naroda.
“Doručak na travi” od Maneta drugačiji je format. Prije njega nitko nije tako lako portretirao kurtizane. Blizina uglednih građana. Iako su mnogi ljudi tog vremena svoje slobodno vrijeme provodili na ovaj način. Bio je to stvarni život stvarnih ljudi.
Jednom je portretirao uglednu damu. Ružan. Nije joj mogao laskati četkom. Gospođa je bila razočarana. Ostavila ga je u suzama.
Edward Mane. Angelina. 1860. Musée d'Orsay, Pariz. wikimedia.commons.org Stoga je nastavio eksperimentirati. Na primjer, s bojom. Nije pokušao prikazati takozvanu prirodnu boju. Ako je vidio sivo-smeđu vodu kao jarko plavu, onda ju je prikazao kao jarko plavu.
To je, naravno, iznerviralo javnost. "Uostalom, čak se ni Sredozemno more ne može pohvaliti tako plavetnilom kao što je voda u Manetu", šalili su se.
Edward Mane. Argenteuil. 1874. Muzej lijepih umjetnosti, Tournai, Belgija. wikipedia.org Ali činjenica ostaje. Manet je iz temelja promijenio svrhu slikarstva. Slika je postala utjelovljenje individualnosti umjetnika, koji piše kako želi. Zaboravite na obrasce i tradiciju.
Inovacije mu dugo nisu opraštale. Priznanje je čekalo tek na kraju života. Ali više mu nije trebao. Mučno je umirao od neizlječive bolesti.
2. Claude Monet (1840.-1926.)
Claude Monet. Autoportret u beretki. 1886. Privatna zbirka Claudea Moneta možemo nazvati impresionistom iz udžbenika. Budući da je tom pravcu bio vjeran cijeli svoj dugi život.
Nije slikao predmete i ljude, već jednobojnu konstrukciju odsjaja i mrlja. Odvojeni udarci. Drhtanje zraka.
Claude Monet. Bazen za djecu. 1869 Metropolitan Museum of Art, New York. Metmuseum.org Monet nije slikao samo prirodu. Također je bio dobar u urbanim pejzažima. Jedan od najpoznatijih - .
Na ovoj slici ima puno fotografije. Na primjer, kretanje se prenosi pomoću zamućene slike.
Obratite pažnju: udaljeno drveće i figure kao da su u izmaglici.
Claude Monet. Boulevard des Capucines u Parizu. 1873. (Galerija europske i američke umjetnosti 19.-20. stoljeća), Moskva Pred nama je zaustavljeni trenutak užurbanog života Pariza. Bez inscenacije. Nitko ne pozira. Ljudi su prikazani kao skup poteza. Takva besprizornost i efekt "zamrznutog okvira" glavno je obilježje impresionizma.
Do sredine 1980-ih umjetnici su se razočarali u impresionizam. Estetika je, naravno, dobra. Ali bespredmetnost je mnoge potlačila.
Samo je Monet nastavio ustrajati, pretjerujući u impresionizmu. To se razvilo u niz slika.
Desetke je puta prikazivao isti krajolik. U različito doba dana. U različita doba godine. Pokazati koliko temperatura i svjetlost mogu promijeniti isti pogled do neprepoznatljivosti.
Tako je bilo bezbrojnih stogova sijena.
Slike Claudea Moneta u Muzeju lijepih umjetnosti u Bostonu. Lijevo: Stogovi sijena na zalasku sunca u Givernyju, 1891. Desno: Stog sijena (efekt snijega), 1891.
Imajte na umu da su sjene na ovim slikama obojene. A ne sivo ili crno, kao što je bilo uobičajeno prije impresionista. Ovo je još jedan od njihovih izuma.
Monet je uspio uživati u uspjehu i materijalnom blagostanju. Nakon 40, već je zaboravio na siromaštvo. Dobio sam kuću i prekrasan vrt. I radio je to za svoje zadovoljstvo dugi niz godina.
O najpoznatijoj slici majstora pročitajte u članku
3. Auguste Renoir (1841.-1919.)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, SAD. Pinterest Impresionizam je najpozitivnije slikarstvo. A najpozitivniji među impresionistima bio je Renoir.
Na njegovim slikama nećete pronaći dramu. Nije upotrijebio ni crnu boju. Samo radost postojanja. Čak i najbanalniji Renoir izgleda lijepo.
Za razliku od Moneta, Renoir je češće slikao ljude. Pejzaži su za njega bili manje značajni. Na slikama se njegovi prijatelji i poznanici odmaraju i uživaju u životu.
Pierre-Auguste Renoir. Veslački doručak. 1880-1881 Zbirka Phillips, Washington, SAD. wikimedia.commons.org Nećete naći u Renoiru i promišljenosti. Bio je vrlo sretan što se pridružio impresionistima koji su potpuno odbijali teme.
Kako je sam rekao, konačno ima priliku slikati cvijeće i zvati ga jednostavno “Cvijeće”. I nemoj izmišljati priče o njima.
Pierre-Auguste Renoir. Žena s kišobranom u vrtu. 1875. Muzej Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com Renoir se najbolje osjećao u ženskom društvu. Zamolio je svoje sluškinje da pjevaju i šale se. Što je pjesma bila gluplja i naivnija, to bolje za njega. Muško brbljanje ga je umorilo. Nije iznenađujuće da je Renoir poznat po slikama akta.
Model na slici "Akt na suncu" izgleda kao da se pojavljuje na šarenoj apstraktnoj pozadini. Jer za Renoira ne postoji ništa sporedno. Oko modela ili područje pozadine su ekvivalentni.
Pierre-Auguste Renoir. Nag na suncu. 1876. Musée d'Orsay, Pariz. wikimedia.commons.org Renoir je živio dug život. I nikad ne odlažite kist i paletu. Čak i kad su mu ruke bile potpuno okovane reumom, konopom je vezao kist za ruku. I slikao je.
Kao i Monet, čekao je priznanje nakon 40 godina. I svoje sam slike vidio u Louvreu, pored djela poznatih majstora.
O jednom od najšarmantnijih Renoirovih portreta pročitajte u članku
4. Edgar Degas (1834.-1917.)
Edgar Degas. Autoportret. 1863. Muzej Calouste Gulbenkian, Lisabon, Portugal. kulturan.com Degas nije bio klasični impresionist. Nije volio raditi na otvorenom (na otvorenom). Kod njega nećete pronaći namjerno posvijetljenu paletu.
Naprotiv, volio je jasnu liniju. Ima dosta crnog. A radio je isključivo u studiju.
Ali ipak ga se uvijek stavlja u ravan s drugim velikim impresionistima. Zato što je bio impresionist geste.
Neočekivani kutovi. Asimetrija u rasporedu objekata. Likovi uhvaćeni nespremni. Evo glavnih atributa njegovih slika.
Zaustavio je trenutke života, ne dopuštajući likovima da dođu k sebi. Pogledajte barem njegov “Operni orkestar”.
Edgar Degas. Orkestar opere. 1870. Musée d'Orsay, Pariz. commons.wikimedia.org U prvom planu je naslon stolice. Glazbenik nam je okrenut leđima. A u pozadini, balerine na pozornici nisu stale u “okvir”. Glave su im nemilosrdno “odsječene” rubom slike.
Dakle, njegove omiljene plesačice nisu uvijek prikazane u lijepim pozama. Ponekad se samo rastegnu.
Ali takva je improvizacija imaginarna. Naravno, Degas je pažljivo osmislio kompoziciju. Ovo je samo efekt zamrznutog okvira, a ne pravi zamrznuti okvir.
Edgar Degas. Dva baletana. 1879 Shelbourne Museum, Wermouth, SAD Edgar Degas volio je slikati žene. Ali bolest ili karakteristike tijela nisu mu dopuštale fizički kontakt s njima. Nikad se nije ženio. Nitko ga nikad nije vidio s damom.
Odsustvo stvarnih zapleta u njegovom osobnom životu dodalo je suptilnu i intenzivnu erotiku njegovim slikama.
Edgar Degas. Baletna zvijezda. 1876-1878 Musee d'Orsay, Pariz. wikimedia.comons.org Imajte na umu da je na slici "Baletna zvijezda" nacrtana samo sama balerina. Njezine kolege iz backstagea jedva se razlikuju. Samo nekoliko nogu.
To ne znači da Degas nije završio sliku. Takav je prijem. Držite samo najvažnije stvari u fokusu. Neka ostatak nestane, nečitko.
O drugim slikama majstora pročitajte u članku.
5. Berthe Morisot (1841.-1895.)
Edward Mane. Portret Berthe Morisot. 1873. Muzej Marmottan Monet, Pariz. Bertha Morisot rijetko se stavlja u prvi red velikih impresionista. Siguran sam da je nezasluženo. Upravo u njoj pronaći ćete sve glavne značajke i tehnike impresionizma. A ako vam se sviđa ovaj stil, voljet ćete njezin rad svim srcem.
Morisot je radila brzo i poletno, prenoseći svoj dojam na platno. Čini se da će se figure rastopiti u prostoru.
Berthe Morisot. Ljeto. 1880. Muzej Fabre, Montpellier, Francuska. Kao i Degas, često je neke detalje ostavljala nedovršenim. Pa čak i dijelovi tijela modela. Ne možemo razlikovati ruke djevojke na slici "Ljeto".
Morisotov put do samoizražavanja bio je težak. Ne samo da se bavila "traljavim" slikanjem. Još uvijek je bila žena. U ono doba, dama je trebala sanjati o udaji. Nakon toga, svaki hobi je zaboravljen.
Stoga je Bertha dugo odbijala brak. Sve dok nije pronašla muškarca koji se s poštovanjem odnosio prema njezinom zanimanju. Eugene Manet bio je brat slikara Edouarda Maneta. Poslušno je nosio štafelaj i slike za svoju ženu.
Berthe Morisot. Eugene Manet s kćeri u Bougivalu. 1881. Muzej Marmottan Monet, Pariz. Ali bilo je to još u 19. stoljeću. Ne, Morisot nije nosio hlače. Ali nije si mogla priuštiti potpunu slobodu kretanja.
Nije mogla ići u park na posao sama, bez pratnje nekog od svojih bližnjih. Nisam mogao sjediti sam u kafiću. Stoga su njezine slike ljudi iz obiteljskog kruga. Muž, kćer, rodbina, dadilje.
Berthe Morisot. Žena s djetetom u vrtu u Bougivalu. 1881. Nacionalni muzej Walesa, Cardiff. Morisot nije čekao priznanje. Umrla je u 54. godini od upale pluća, a za života nije prodala gotovo ništa od svojih radova. Na njezinoj smrtovnici u rubrici "zanimanje" bila je crtica. Bilo je nezamislivo da se žena naziva umjetnicom. Čak i da je doista bila.
Pročitajte o slikama majstora u članku
6. Camille Pissarro (1830. - 1903.)
Camille Pissarro. Autoportret. 1873. Musée d'Orsay, Pariz. wikipedia.org Camille Pissarro. Nekonfliktan, razuman. Mnogi su ga smatrali učiteljem. Ni najtemperamentniji kolege nisu loše govorili o Pissarru.
Bio je vjerni sljedbenik impresionizma. U krajnjoj potrebi, sa ženom i petero djece, i dalje je marljivo radio u svom omiljenom stilu. I nikada se nije prebacio na salonsko slikanje kako bi postao popularniji. Ne zna se odakle mu snaga da potpuno vjeruje u sebe.
Kako uopće ne bi umro od gladi, Pissarro je naslikao lepeze koje su se nestrpljivo rasprodavale. A pravo priznanje stiglo mu je nakon 60 godina! Tada je napokon mogao zaboraviti na potrebu.
Camille Pissarro. Diližansa u Louveciennesu. 1869. Musée d'Orsay, Pariz Zrak na Pissarrovim slikama je gust i gust. Neobičan spoj boje i volumena.
Umjetnik se nije bojao slikati najpromjenjivije pojave prirode, koje se na trenutak pojave i nestanu. Prvi snijeg, hladno sunce, duge sjene.
Camille Pissarro. Mraz. 1873. Musée d'Orsay, Pariz Njegova najpoznatija djela su vedute Pariza. Sa širokim bulevarima, uzaludnom šarolikom gomilom. Noću, danju, po različitom vremenu. Na neki način, one odjekuju nizom slika Claudea Moneta.
Francuska umjetnička škola na prijelazu iz 17. u 18. stoljeće može se nazvati vodećom europskom školom, u Francuskoj su u to vrijeme rođeni umjetnički stilovi poput rokokoa, romantizma, klasicizma, realizma, impresionizma i postimpresionizma.
Rokoko (franc. rokoko, od rocaille - ukrasni motiv u obliku školjke) - stil u europskoj umjetnosti 1. polovice 18. stoljeća. Rokoko karakterizira hedonizam, povlačenje u svijet idilične kazališne igre, strast prema pastoralnim i senzualno-erotskim temama. Priroda rokoko dekora dobila je naglašeno elegantne, sofisticirane i sofisticirane oblike.Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard radili su u stilu rokokoa.
Klasicizam - stil u europskoj umjetnosti 17. - ranog 19. stoljeća, čija je značajka bila privlačnost oblicima antičke umjetnosti, kao idealnog estetskog i etičkog standarda.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David radili su u stilu klasicizma.
Romantizam - stil europske umjetnosti 18-19 stoljeća, čije su karakteristične značajke bile tvrdnja inherentne vrijednosti duhovnog i kreativnog života pojedinca, slika snažnih i često buntovnih strasti i karaktera.U stilu romantizma radili su Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake.
|
Edouarda Maneta. Doručak u radionici. 1868 |
Rađanje realizma u slikarstvu najčešće se povezuje s radom francuskog umjetnika Gustavea Courbeta, koji je 1855. u Parizu otvorio svoju osobnu izložbu "Paviljon realizma", iako su i prije njega umjetnici barbizonske škole Theodore Rousseau, Jean- Francois Millet, Jules Breton radili su na realističan način. 1870-ih godina realizam se dijelio na dva glavna područja – naturalizam i impresionizam.
Realistično slikarstvo postalo je rašireno u cijelom svijetu. U stilu realizma oštre socijalne orijentacije u Rusiji 19. stoljeća djelovali su lutalice.
Impresionizam (od francuskog dojma - dojam) - stil u umjetnosti posljednje trećine 19. - početka 20. stoljeća, čija je značajka bila želja da se najprirodnije uhvati stvarni svijet u njegovoj mobilnosti i varijabilnosti, da se prenesu njihovi prolazni dojmovi . Impresionizam nije postavljao filozofska pitanja, već se usredotočio na fluidnost trenutka, raspoloženje i rasvjetu. Sam život postaje tema impresionista, kao niz malih praznika, zabava, ugodnih piknika u prirodi u prijateljskom okruženju. Impresionisti su bili među prvima koji su slikali na plenu, bez dovršavanja rada u ateljeu.U stilu impresionizma radili su Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley i drugi.
postimpresionizam - stil umjetnosti koji je nastao krajem 19. stoljeća. Postimpresionisti su nastojali slobodno i općenito prenijeti materijalnost svijeta, pribjegavajući dekorativnoj stilizaciji.Postimpresionizam je iznjedrio takva područja umjetnosti kao što su ekspresionizam, simbolizam i modernizam.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec radili su u stilu postimpresionizma.
Razmotrimo detaljnije impresionizam i postimpresionizam na primjeru rada pojedinih majstora Francuske 19. stoljeća.
|
Edgar Degas. Autoportret. 1854-1855 |
Počevši od strogih povijesnih slika i portreta, 1870-ih Degas se zbližava s predstavnicima impresionizma i okreće se slici suvremenog urbanog života - ulica, kavana, kazališnih predstava.
U Degasovim slikama pomno je promišljena i provjerena dinamična, često asimetrična kompozicija, točan fleksibilan crtež, neočekivani kutovi, aktivna interakcija figure i prostora.
|
E. Degas. Kupaonica. 1885. godine |
Omiljena tehnika pastela omogućila je Edgaru Degasu da u potpunosti pokaže svoj talent crtača. Zasićeni tonovi i "svjetlucavi" dodiri pastela pomogli su umjetniku da stvori onu posebnu šarenu atmosferu, onu preljevnu prozračnost koja toliko odlikuje sva njegova djela.
U zrelim godinama Degas se često okreće temi baleta. Krhke i bestežinske figure balerina pojavljuju se pred gledateljem bilo u sumraku satova plesa, bilo u svjetlu reflektora na pozornici, bilo u kratkim trenucima odmora. Naizgled nasumičnost kompozicije i nepristrana pozicija autora odaju dojam provirenog tuđeg života, umjetnica nam prikazuje svijet miline i ljepote, ne padajući u pretjeranu sentimentalnost.Edgar Degas se može nazvati suptilnim koloristom, njegovi pasteli su iznenađujuće skladni, ponekad nježni i lagani, ponekad izgrađeni na oštrim kontrastima boja. Degasov način je bio izvanredan po svojoj nevjerojatnoj slobodi, on je nanosio pastele smjelim, izlomljenim potezima, ponekad ostavljajući ton papira da se pojavljuje kroz pastel ili dodajući poteze u ulju ili akvarelu. Boja na Degasovim slikama proizlazi iz prelijevog sjaja, iz tekućeg toka preljevnih linija koje daju formu.
Kasna Degasova djela odlikuju se intenzitetom i bogatstvom kolorita koji se nadopunjuju efektima umjetne rasvjete, uvećanim, gotovo plošnim formama, te ograničenošću prostora, što im daje napet i dramatičan karakter. U tome
razdoblju Degas je napisao jedno od svojih najboljih djela - "Plave plesačice". Umjetnik ovdje radi u velikim mrljama boje, pridajući iznimnu važnost dekorativnoj organizaciji površine slike. Po ljepoti sklada boja i kompozicijskog rješenja, slika „Plave plesačice“ može se smatrati najboljim utjelovljenjem Degasove baletne teme, koji je na ovoj slici postigao krajnje bogatstvo teksture i kombinacije boja.|
P. O. Renoir. Autoportret. 1875. godine |
|
P. O. Renoir. Bazen za djecu. 1869. godine |
|
P. O. Renoir. Portret glumice Jeanne Samary. 1877. godine |
Valja napomenuti da je korištenje zelenih, žutih, oker, ružičastih i crvenih tonova za prikaz kože šokiralo javnost tog vremena, nespremnu na percepciju činjenice da sjene trebaju biti obojene, ispunjene svjetlom.
U 1880-ima u Renoirovu stvaralaštvu počinje takozvano "Ingresovo razdoblje". Najpoznatije djelo ovog razdoblja su Veliki kupači. Renoir je prvi put počeo koristiti skice i skice za izgradnju kompozicije, linije crteža postale su jasne i definirane, boje su izgubile svoju bivšu svjetlinu i zasićenost, slika u cjelini počela je izgledati suzdržanije i hladnije.
Početkom 1890-ih dolazi do novih promjena u Renoirovoj umjetnosti. U slikarskoj maniri javlja se prelivanje boja, zbog čega se ovo razdoblje ponekad naziva i "bisernim", zatim ovo razdoblje ustupa mjesto "crvenom", nazvanom tako zbog sklonosti nijansama crvenkastog i ružičastog cvijeća.
Eugene Henri Paul Gauguin (godine života 1848-1903) - francuski slikar, kipar i grafičar. Uz Cezannea i Van Gogha bio je najveći predstavnik postimpresionizma. Počeo je slikati u odrasloj dobi, rano razdoblje stvaralaštva povezano je s impresionizmom. Najbolja Gauguinova djela nastala su na otocima Tahiti i Hiva-Oa u Oceaniji, gdje je Gauguin napustio "perverznu civilizaciju". Karakteristične značajke Gauguinova stila uključuju stvaranje statičnih i kontrastnih kompozicija na velikim ravnim platnima, duboko emocionalnim i istodobno dekorativnim.U Žutom Kristu Gauguin je prikazao raspelo na pozadini tipičnog francuskog ruralnog krajolika, Isusa koji pati okružuju tri bretonske seljanke. Mir u zraku, smirene pokorne poze žena, krajolik zasićen sunčanom žutom bojom s drvećem u crvenom jesenskom lišću, seljak zauzet u daljini svojim poslovima, ne mogu a da ne budu u sukobu s onim što se događa na križu. Okolina je u oštrom kontrastu s Isusom na čijem se licu ocrtava ta faza patnje koja graniči s apatijom, ravnodušnošću prema svemu što ga okružuje. Proturječje bezgraničnih muka koje je Krist prihvatio i "nevidljivost" ove žrtve od strane ljudi - to je glavna tema ovog Gauguinova djela.
|
P. Gauguin. Jeste li ljubomorni? 1892. godine |
na obali, dvije sestre - upravo su plivale, a sada su im tijela raširena na pijesku u ležernim sladostrasnim pozama - razgovaraju o ljubavi, jedno sjećanje izaziva svađu: “Kako? Jeste li ljubomorni!".
Slikajući sočnu punokrvnu ljepotu tropske prirode, prirodne ljude neiskvarene civilizacijom, Gauguin je prikazao utopijski san o zemaljskom raju, o ljudskom životu u skladu s prirodom. Gauguinova polinezijska platna nalikuju pločama u smislu dekorativne boje, plošnosti i monumentalnosti kompozicije, generalizacije stiliziranog uzorka.
P. Gauguin. Odakle smo došli? Tko smo mi? Gdje idemo? 1897-1898
Slika „Odakle smo došli? Tko smo mi? Gdje idemo?" Gauguin je smatrao uzvišenim vrhuncem svojih razmišljanja. Prema umjetnikovoj namjeri, sliku treba čitati s desna na lijevo: tri glavne skupine figura ilustriraju pitanja postavljena u naslovu. Skupina žena s djetetom na desnoj strani slike predstavlja početak života; srednja skupina simbolizira svakodnevno postojanje zrelosti; u krajnjoj lijevoj skupini Gauguin je prikazao ljudsku starost, približavanje smrti; plavi idol u pozadini simbolizira drugi svijet. Ova je slika vrhunac Gauguinova inovativnog postimpresionističkog stila; njegov stil spaja jasnu upotrebu boja, dekorativnost boja i kompozicijska rješenja, plošnost i monumentalnost slike s emocionalnom ekspresivnošću.
Gauguinovo djelo anticipiralo je mnoge značajke stila Art Nouveau koji se razvio u tom razdoblju i utjecao na formiranje majstora grupe Nabis i drugih slikara s početka 20. stoljeća.
|
W. Van Gogh. Autoportret. 1889. godine |
Godine 1888. Van Gogh se preselio u Arles, gdje je konačno utvrđena originalnost njegovog kreativnog načina. Vatreni umjetnički temperament, mučan poriv prema harmoniji, ljepoti i sreći, a istodobno i strah od čovjeku neprijateljskih sila, utjelovljeni su ili u pejzažima obasjanim sunčanim bojama juga (“Žuta kuća”, “Žetva”). La Crot Valley”), ili u zlokobnim slikama koje podsjećaju na noćnu moru („Terasa noćnog kafića”); dinamika boje i poteza
|
W. Van Gogh. Terasa noćnog kafića. 1888 |
Van Goghov intenzivan rad posljednjih godina bio je popraćen napadima duševnih bolesti, koje su ga odvele u bolnicu za duševne bolesnike u Arlesu, zatim u Saint-Remy (1889.-1890.) i u Auvers-sur-Oise (1890.), gdje je počinio je samoubojstvo. Djelo posljednje dvije godine umjetnikova života obilježeno je ekstatičnom opsjednutošću, izrazito pojačanom ekspresijom kombinacija boja, naglim promjenama raspoloženja – od mahnitog očaja i sumornog vizionarstva (“Cesta s čempresima i zvijezdama”) do drhtavog osjećaja prosvjetljenja i mir (“Pejzaž u Auversu poslije kiše”) .
|
W. Van Gogh. Perunike. 1889. godine |
W. Van Gogh. Pšenično polje s vranama. 1890. godine
“Pšenično polje s vranama” je Van Goghova slika koju je umjetnik naslikao u srpnju 1890. i jedno je od njegovih najpoznatijih djela. Slika je navodno dovršena 10. srpnja 1890., 19 dana prije njegove smrti u Auvers-sur-Oiseu. Postoji verzija da je Van Gogh počinio samoubojstvo u procesu pisanja ove slike (izlazeći na otvorenom s priborom za crtanje, pucao je iz pištolja kupljenog za plašenje ptičjih jata u predjelu srca, a zatim samostalno stigao u bolnicu, gdje je umro od gubitka krvi).
- Za što čovjek može biti sposoban?
- Razlozi za početak i poraz rusko-japanskog rata: ukratko
- Partizanski pokret - "batina narodnog rata" Smolenski partizani u ratu 1812.
- Što je pitanje novca?
- Sažetak: Petar Veliki, je li doista velik
- Koliko dugo kuhati pileću juhu?
- Zelene rajčice punjene za zimu - ukusan zalogaj
- Rajčice za zimu punjene češnjakom i začinskim biljem
- Grissini - provjereni talijanski recepti za grisine
- Raf kava: povijest stvaranja i mogućnosti pripreme napitka od kave
- Brzi zalogaji
- Korisni kulinarski trikovi za domaćice
- Vegetarijanska majoneza kod kuće
- Pita od jabuka – brzi recept
- Tajne kuhanja tatarskih slatkiša chak-chak
- Unapređenje asortimana i povećanje prehrambene vrijednosti kruha i pekarskih proizvoda
- Značajke i recepti za pripremu i džem od luka
- Kakvu ribu možete soliti kod kuće: izbor i savjeti za kuhanje Solite bijelu ribu
- Što je jantra, vrste značenja jantre
- tehnologija izgaranja drva