Rafael Santi – artista italiano, maestro de la gráfica y de las soluciones arquitectónicas, representante de la escuela de pintura de Umbría.

Rafael Santi nació a las tres de la mañana en la familia de un artista y decorador el 6 de abril de 1483 en la ciudad italiana (Urbino). Es el centro cultural e histórico de la región (Marcas) en el este de Italia. Cerca de la ciudad natal de Rafael se encuentran las ciudades turísticas de Pesaro y Rimini.

Padres

El padre de la futura celebridad, Giovanni Santi, trabajaba en el castillo del duque de Urbino Federico da Montefeltro, su madre Margie Charla se ocupaba de las tareas del hogar.

El padre notó temprano la habilidad de su hijo para pintar y, a menudo, lo llevaba consigo al palacio, donde el niño se comunicaba con artistas tan famosos como Piero della Francesca, Paolo Uccello y Luca Signorelli.

escuela en perugia

A los 8 años, Rafael perdió a su madre y su padre trajo a la casa una nueva esposa, Bernardina, que no mostró amor por el hijo de otra persona. A la edad de 12 años, el niño quedó huérfano., habiendo perdido a su padre. Los fideicomisarios enviaron al joven talento a estudiar con Pietro Vannucci en Perugia.

Hasta 1504, Rafael fue educado en la escuela de Perugino., estudiando con entusiasmo las habilidades del profesor y tratando de imitarlo en todo. Amable, encantador y carente de arrogancia, el joven hizo amigos en todas partes y rápidamente adoptó la experiencia de sus profesores. Pronto sus obras se volvieron imposibles de distinguir de las obras de Pietro Perugino.

Primero obras maestras famosas Las pinturas de Rafael se convirtieron en:

1. “Los esponsales de la Virgen María” (Lo sposalizio della Vergine), 1504, expuesta en la Galería de Milán (Pinacoteca di Brera);
2. “Madonna Connestabile”, 1504, pertenece al Hermitage (San Petersburgo);
3. “El sueño de un caballero” (Sogno del cavaliere), 1504, la pintura se exhibe en la National Gallery de Londres;
4. “Las Tres Gracias” (Tre Grazie), 1504, se exhibe en el Musée Condé en Château de Chantilly, Francia;

La influencia de Perugino es claramente visible en las obras; Rafael comenzó a crear su propio estilo un poco más tarde.

En Florencia

En 1504, Rafael Santi se trasladó a Florencia, siguiendo a su maestro Perugino. Gracias al maestro, el joven conoció al genio de la arquitectura Baccio d'Agnolo, al destacado escultor Andrea Sansovino, al pintor Bastiano da Sangallo y a su futuro amigo y protector Taddeo Taddei. Un encuentro con Leonardo da Vinci tuvo un impacto significativo en el proceso creativo de Rafael. Una copia del cuadro "Leda y el cisne" de Rafael ha sobrevivido hasta el día de hoy (la única en el sentido de que el original en sí no ha sobrevivido).

Bajo la influencia de nuevos maestros, Rafael Santi, mientras vive en Florencia, crea más de 20 Madonnas, poniendo en ellas su anhelo por el amor y el afecto que no recibió de su madre. Las imágenes respiran amor, son tiernas y sofisticadas.

En 1507, el artista recibió un encargo de Atalanta Baglioni, cuyo único hijo murió. Rafael Santi crea el cuadro "La deposizione", última obra en Florencia.

La vida en Roma

En 1508, el Papa Julio II (Iulius PP. II), en el mundo - Giuliano della Rovere (Giuliano della Rovere) invita a Rafael a Roma para pintar el antiguo Palacio del Vaticano. Desde 1509 hasta el final de sus días, el artista trabajó poniendo en su obra toda su habilidad, todo su talento y todos sus conocimientos.

Cuando murió el arquitecto Donato Bramante, el Papa León X (León PP. X), en el mundo - Giovanni Medici, desde 1514 nombró a Rafael como arquitecto principal de la construcción (Basílica Sancti Petri), en 1515 también se convirtió en custodio de objetos de valor. . El joven se encargó del censo y conservación de los monumentos. Para el templo de San Pedro, Rafael trazó un plan diferente y completó la construcción de un patio con logias.

Otras obras arquitectónicas de Rafael:

• Iglesia de Sant'Eligio degli Orefici, construida en la calle del mismo nombre en , su construcción comenzó en 1509.
• Capilla Chigi (La cappella Chigi) de la iglesia (Basilica di Santa Maria del Popolo), ubicada en la Piazza del Popolo. La construcción comenzó en 1513 y fue terminada (por Giovanni Bernini) en 1656.
• Palazzo Vidoni-Caffarelli en Roma, ubicado en la intersección de Piazza Vidoni y Corso Vittorio Emanuele. La construcción comenzó en 1515.
• El ahora arruinado Palacio Branconio dell'Aquila estaba ubicado frente a la Basílica de San Pedro. La construcción se completó en 1520.
• El Palacio Pandolfini de Florencia en Via San Gallo fue construido por el arquitecto Giuliano da Sangallo según los bocetos de Rafael.

El Papa León X temía que los franceses pudieran atraer al talentoso artista, por lo que trató de darle la mayor cantidad de trabajo posible, sin escatimar en obsequios y elogios. En Roma, Rafael Santi sigue pintando Vírgenes, sin apartarse de su tema favorito: la maternidad.

Vida personal

Las pinturas de Rafael Santi no solo le dieron fama. artista destacado, pero también mucho dinero. Nunca le faltaron tanto la atención de la realeza como los recursos económicos.

Durante el reinado de León X, adquirió una lujosa casa de estilo antiguo, construida según su propio diseño. Sin embargo, los múltiples intentos de sus patrocinadores de casarse con el joven no llevaron a ninguna parte. Rafael era un gran admirador. belleza femenina. Por iniciativa del cardenal Bibbiena, el artista se comprometió con su sobrina Maria Dovizi da Bibbiena, pero la boda no se celebró. el maestro no quiso casarse. El nombre de una famosa amante de Rafael es Beatriz de (Ferrara), pero lo más probable es que fuera una cortesana romana corriente.

La única mujer que logró conquistar el corazón de un mujeriego rico fue Margherita Luti, hija de un panadero, apodada La Fornarina.

El artista conoció a una chica en el jardín de Chigi cuando buscaba una imagen para “Cupido y Psique”. Rafael Santi, de treinta años, pintó (Villa Farnesina) en Roma, que pertenecía a su rico mecenas, y la belleza de una joven de diecisiete años encajaba perfectamente con esta imagen.

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El padre de la niña, por 50 de oro, permitió que su hija posara para el artista, y más tarde, por 3.000 de oro, permitió que Raphael se la llevara con él. Durante seis años, los jóvenes vivieron juntos, Margarita nunca dejó de inspirar a su admirador con nuevas obras maestras, entre ellas:

• « Virgen Sixtina"("Madonna Sistina"), Galería de Antiguos Maestros (Gemäldegalerie Alte Meister), Dresde, Alemania, 1514;.;
• “Donna Velata” (“La Velata”), Galería Palatina (Galerie Palatine), (Palazzo Pitti), Florencia, 1515;
• “Fornarina” (“La Fornarina”), Palacio Barberini, Roma, 1519;

Después de la muerte de Rafael, la joven Margarita recibió manutención y una casa para toda la vida. Pero en 1520 la niña se convirtió en novicia en el monasterio, donde murió más tarde.

Muerte

La muerte de Rafael dejó muchos misterios. Según una versión, el artista, cansado de sus aventuras nocturnas, regresó a casa debilitado. Se suponía que los médicos lo ayudarían, pero le practicaron un derramamiento de sangre que mató al paciente. Según otra versión, Rafael se resfrió durante las excavaciones en las galerías funerarias subterráneas.

El 6 de abril de 1520 falleció el maesto. Fue enterrado en el (Panteón) con los debidos honores. La tumba de Rafael se puede ver durante la visita turística por Roma al amanecer.

Virgen

Imitando a su maestro Pietro Perugino, Rafael pintó una galería de cuarenta y dos cuadros de la Virgen y el Niño. A pesar de la variedad de historias, las obras están unidas por la conmovedora belleza de la maternidad. Defecto amor de madre el artista lo traslada a los lienzos, realzando e idealizando a una mujer que protege ansiosamente a un ángel bebé.

Las primeras Madonnas de Raphael Santi fueron creadas en el estilo Quattrocento, común durante el Renacimiento temprano en el siglo XV. Las imágenes son contraídas, secas, las figuras humanas se presentan estrictamente frontalmente, la mirada está inmóvil, en sus rostros hay calma y abstracción solemne.

El período florentino introduce sentimientos en las imágenes de la Madre de Dios, se manifiesta ansiedad y orgullo por su hijo. Los paisajes del fondo se vuelven más complejos y la interacción de los personajes representados se hace evidente.

En obras romanas posteriores se pueden discernir los orígenes del barroco, los sentimientos se vuelven más complejos, las poses y los gestos se alejan de la armonía renacentista, las proporciones de las figuras se alargan y se observa un predominio de tonos lúgubres.

A continuación se muestran los más Pinturas famosas y sus descripciones:

La Virgen Sixtina (Madonna Sixtina) es la más famosa de todas las imágenes de la Madre de Dios y mide 2 m 65 cm por 1 m 96 cm. La imagen de la Virgen está tomada de Margherita Luti, de 17 años, hija de un. panadero y amante del artista.

María, descendiendo de las nubes, lleva en brazos a un bebé inusualmente serio. Son recibidos por el Papa Sixto II y Santa Bárbara. En la parte inferior de la imagen hay dos ángeles, presumiblemente apoyados en la tapa de un ataúd. El ángel de la izquierda tiene un ala. El nombre Sixto se traduce del latín como “seis”; la composición consta de seis figuras: las tres principales forman un triángulo, el fondo de la composición son rostros de ángeles en forma de nubes; El lienzo fue creado para el altar de la Basílica de San Sixto (Chiesa di San Sisto) en Piacenza en 1513. Desde 1754, la obra se exhibe en la Galería de los Antiguos Maestros.

virgen y el niño

Otro nombre para la pintura, creada en 1498, es “Madonna de la Casa de Santi” (“Madonna di Casa Santi”). Esta fue la primera apelación del artista a la imagen de la Madre de Dios.

El fresco se conserva en la casa natal del artista, en Via Raffaello en Urbino. Hoy el edificio se llama “Casa-Museo de Raphael Santi” (“Casa Natale di Raffaello”). Madonna aparece de perfil, leyendo un libro colocado sobre un soporte. Tiene un bebé dormido en brazos. Las manos de la madre sostienen y acarician suavemente al niño. Las poses de ambas figuras son naturales y relajadas, el ambiente lo marca el contraste de tonos oscuros y blancos.

Madonna del Granduca es la obra más misteriosa de Rafael, terminada en 1505. Su boceto preliminar indica claramente la presencia de un paisaje al fondo. El dibujo se conserva en el Gabinete de Bocetos y Estudios de la (Galleria degli Uffizi), en Florencia (Firenze).

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Una radiografía de la obra terminada confirma que el cuadro originalmente tenía un fondo diferente. El análisis de pintura realizado indica que capa superior aplicado al cuadro 100 años después de su creación. Probablemente esto pudo haberlo hecho el artista Carlo Dolci, propietario de la Granduca Madonna, que prefería el fondo oscuro de las imágenes religiosas. En 1800, Dolci vendió la pintura al duque Francisco III en la forma en que se conserva hasta nuestros días. Madonna recibe el nombre "Granduka" del nombre del mismo propietario (Grand Duca - Gran Duque). La pintura, que mide 84 cm por 56 cm, se exhibe en la Galerie Palatine del Palazzo Pitti, Florencia.

Por primera vez, A. S. Pushkin notó el parecido entre Madonna Bridgewater y su esposa Natalya Nikolaevna en el verano de 1830, después de ver una copia de un cuadro pintado en 1507 en el escaparate de una librería en Nevsky Prospekt. Esta es otra obra misteriosa de Rafael, donde el paisaje del fondo está pintado con pintura negra. Viajó por todo el mundo durante mucho tiempo, tras lo cual el duque de Bridgewater se convirtió en su dueño.

Posteriormente, los herederos conservaron la obra en la finca Bridgewater de Londres durante más de cien años. En el segundo guerra Mundial La Virgen rubia fue transportada a la Galería Nacional de Escocia en Edimburgo, donde se exhibe hoy.

Madonna Connestabile es la obra final del maestro en Umbría, pintada en 1502. Antes de su adquisición por el Conde Conestabile della Staffa, se llamaba Madonna del Libro.

En 1871, Alejandro II se lo compró al conde para regalárselo a su esposa. Hoy esta es la única obra de Rafael que pertenece a Rusia. Se exhibe en el Hermitage de San Petersburgo.

La obra se presenta en un rico marco creado simultáneamente con el lienzo. Al trasladar la pintura de la madera al lienzo en 1881, se descubrió que en lugar de un libro, la Virgen inicialmente llevaba consigo una granada, un signo de la sangre de Cristo. En el momento de crear la Virgen, Rafael aún no dominaba la técnica de suavizar las transiciones de líneas: sfumato, por lo que presentó su talento con la influencia pura de Leonardo da Vinci.

La Virgen de Alba fue creada por Rafael en 1511 a petición del obispo Paolo Giovio. durante el cenit creativo del artista. Durante mucho tiempo, hasta 1931, la pintura perteneció al Hermitage de San Petersburgo; posteriormente fue vendida a Washington, Estados Unidos, y hoy se exhibe en la Galería Nacional de Arte.

La postura y los pliegues del vestido de la Madre de Dios recuerdan a las esculturas de la antigüedad. La obra se caracteriza por estar enmarcada por un círculo de 945 mm de diámetro. El título "Alba" fue dado a la Virgen en el siglo XVII en memoria de los duques de Alba (en un momento la pintura estaba en el palacio de Sevilla, que perteneció a los herederos de Olivares). En 1836, el emperador ruso Nicolás I lo compró por 14.000 libras esterlinas y ordenó que se transfiriera de madera a lienzo. Al mismo tiempo, se perdió parte de la naturaleza de la derecha.

La "Madonna della Seggiola" fue creada en 1514 y se exhibe en la Galería Palatina del Palacio Pitti. La Madre de Dios está vestida con elegantes ropas de mujer de la Italia del siglo XVI.

Madonna abraza y abraza fuertemente a su hijo con ambos brazos, como sintiendo lo que le tocará vivir. A la derecha, Juan Bautista los mira en forma de un niño pequeño. Todas las figuras están dibujadas. de cerca y el fondo de la imagen ya no es necesario. No hay rigor en las formas geométricas y las perspectivas lineales, pero sí un amor maternal ilimitado, expresado mediante el uso de colores cálidos.

El gran lienzo de Rafael (1 m, 22 cm por 80 cm) de “La bella jardinera” (La Belle Jardiniere), pintado en 1507, pertenece a una de las exhibiciones más valiosas del Louvre de París (Musée du Louvre).

Inicialmente, el cuadro se llamaba "La Santísima Virgen vestida de campesino", y recién en 1720 el crítico de arte Pierre Mariette decidió darle otro nombre. María está representada sentada en el jardín con Jesús y Juan Bautista. El hijo se acerca al libro y mira a su madre a los ojos. Juan sostiene un bastón con una cruz y mira a Cristo. Los halos apenas son visibles sobre las cabezas de los personajes. La paz y la tranquilidad las da un cielo turquesa con nubes blancas, un lago, hierbas en flor y niños regordetes cerca de la amable y gentil Virgen.

Madonna con el jilguero

La Virgen con el jilguero (Madonna del Cardellino) es reconocida como una de las mejores creaciones de Rafael, pintada en 1506. Expuesta en la Galería de los Uffizi (Galleria degli Uffizi) en Florencia.

El cliente del cuadro fue el amigo del artista, el comerciante Lorenzo Nazi, quien pidió que la obra estuviera lista para su boda. En 1548, la pintura casi se perdió cuando el monte San Giorgio se derrumbó sobre la casa del comerciante y las casas vecinas. Sin embargo, el hijo de Lorenzo, Batista, recogió todas las partes del cuadro de las ruinas y se las entregó a Ridolfo del Ghirlandaio para que las restaurara. Hizo todo lo posible para darle a la obra maestra su apariencia original, pero los rastros de daño no pudieron ocultarse por completo. La radiografía muestra 17 elementos separados unidos por clavos, pintura nueva y cuatro inserciones en el lado izquierdo.

La Pequeña Virgen de Cowper (Piccola Madonna Cowper) fue creada en 1505 y lleva el nombre de Earl Cowper, en cuya colección estuvo la obra durante muchos años. En 1942, donado a la Galería Nacional de Arte de Washington. La Santísima Virgen, como en muchas otras pinturas de Rafael, está representada con túnicas rojas, que simbolizan la sangre de Cristo. En la parte superior se añade una capa azul como símbolo de inocencia. Aunque nadie en Italia caminaba así, Rafael representó a la Madre de Dios exactamente con esa ropa. plano principal ocupado por María descansando en un banco. Con su mano izquierda abraza al Cristo sonriente. Detrás se puede ver una iglesia que recuerda al Templo de San Bernardino (Chiesa di San Bernardino) en Urbino, la tierra natal del autor de la imagen.

Retratos

No hay muchos retratos en la colección de Rafael; falleció temprano. Entre ellos se pueden destacar obras tempranas realizadas en el período florentino y obras de su edad madura, creadas mientras vivió en Roma de 1508 a 1520. El artista bebe mucho del natural, definiendo siempre claramente el contorno, logrando la correspondencia más precisa del imagen al original. Se cuestiona la autoría de muchas obras; otros posibles autores incluyen: Pietro Perugino, Francesco Francia, Lorenzo di Credi.

Retratos creados antes de mudarse a Florencia.

En la Galería Borghese se exhibe un óleo sobre madera (45 cm por 31 cm), realizado en 1502.

Hasta el siglo XIX La autoría del retrato se atribuyó a Perugino, pero investigaciones recientes indican que la obra maestra fue pintada por el primer Rafael. Quizás se trate de una imagen de uno de los duques, contemporáneo del artista. Los rizos sueltos del cabello y la ausencia de defectos faciales idealizan un poco la imagen. esto no correspondía al realismo de los artistas del norte de Italia de la época.

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En la Galería de los Uffizi se exhibe un retrato de Isabel Gonzaga, creado en 1503, que mide 52 cm por 37 cm.

Isabel era hermana de Francisco II Gonzaga y esposa de Guidobaldo da Montefeltro. La frente de la mujer está decorada con un colgante de escorpión, su peinado y su ropa están representados a la moda de los contemporáneos de la autora.. Según los historiadores del arte, los retratos de Gonzaga y Montefeltro fueron parcialmente realizados por Giovanni Santi. Isabel era querida por Rafael porque participó en su educación cuando quedó huérfano.

Retrato de Pietro Bembo, una de las primeras obras de Rafael de 1504, representa al joven Pietro Bembo, que se convirtió en cardenal, prácticamente el doble del artista.

en la imagen pelo largo Los jóvenes caen suavemente de debajo de la gorra roja. Las manos están cruzadas sobre el parapeto y en la palma derecha se agarra un trozo de papel. Rafael conoció a Bembo por primera vez en el castillo del duque de Urbino. El retrato realizado en óleo sobre madera (54 cm por 39 cm) se exhibe en el Museo de Bellas Artes (Szépművészeti Múzeum) de Budapest, Hungría.

Retratos de la época florentina

El retrato de una mujer embarazada de Donna Gravida (La donna gravida) fue realizado en 1506 en óleo sobre lienzo de 77 cm por 111 cm y se conserva en el Palacio Pitti.

En tiempos de Rafael no era costumbre representar a mujeres embarazadas, pero el retratista pintaba imágenes cercanas a su alma sin tener en cuenta los dogmas. El tema de la maternidad, presente en todas las Madonnas, también se reflejó en las imágenes de los habitantes del mundo. Los historiadores del arte creen que podría tratarse de una mujer de la familia Bufalini, de Città di Castello o de Emilia Pia da Montefeltro. La pertenencia a una clase adinerada se indica mediante un atuendo a la moda, joyas en el cabello, anillos con piedras preciosas en los dedos y una cadena alrededor del cuello.

El retrato de una dama con un unicornio (Dama col liocorno) al óleo sobre madera, de 65 cm por 61 cm, pintado en 1506, se exhibe en la Galería Borghese.

Presumiblemente, Giulia Farnese, el amor secreto del Papa Alejandro VI, posó para la imagen. El trabajo es interesante porque durante numerosas restauraciones la imagen de la dama fue cambiada muchas veces. La imagen de rayos X muestra la silueta de un perro en lugar de un unicornio. Quizás el trabajo del retrato pasó por varias etapas. Rafael pudo haber sido el autor del torso, el paisaje y el cielo de la figura. Giovanni Sogliani podría haber pintado las columnas laterales de la logia, brazos con mangas y un perro. Otra mano de pintura posterior aumenta el volumen del peinado, cambia las mangas y completa el perro. Después de algunas décadas, el perro se convierte en unicornio., las manos se reescriben. En el siglo XVII, la dama se convierte en Santa Catalina con un manto.

Auto retrato

Autorretrato (Autoritratto) de 47,5 cm por 33 cm, realizado en 1506, se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia.

La obra perteneció durante mucho tiempo al cardenal Leopoldo Medices; desde 1682 está incluida en la colección de la Galería de los Uffizi. Rafael pintó una imagen especular del retrato en el fresco "Scuola di Atene" en la sala principal del Palacio del Vaticano (Palacio Apostólico (Palazzo Apostolico)). El artista se representó con una modesta túnica negra, adornada sólo con una pequeña franja de cuello blanco.

Retrato de Agnolo Doni, retrato de Maddalena Doni

El retrato de Agnolo Doni y el retrato de Maddalena Doni (Retrato de Agnolo Doni, Retrato de Maddalena Doni) fueron pintados al óleo sobre madera en 1506 y se complementan perfectamente.

Agnolo Doni era un rico comerciante de lana y encargó un cuadro de él y su joven esposa (de soltera Strozzi) inmediatamente después de su boda. La imagen de la niña está creada a semejanza de la "Mona Lisa" (Leonardo da Vinci): la misma rotación del cuerpo, la misma posición de las manos. Los cuidados detalles de la ropa y las joyas indican la riqueza de la pareja.

Los rubíes simbolizan la prosperidad, los zafiros simbolizan la pureza y el colgante de perlas en el cuello de Maddalena simboliza la virginidad. Anteriormente, ambas obras estaban unidas entre sí mediante bisagras. Desde mediados de los años 20. siglo XIX Los descendientes de la familia Doni transmiten los retratos.

El cuadro La Muta, óleo sobre lienzo de 64 cm por 48 cm, fue realizado en 1507 y expuesto en la Galería Nacional de las Marcas (Galleria nazionale delle Marche) en Urbino.

Se considera que el prototipo de la imagen es Elisabetta Gonzaga, esposa del duque Guidobaldo da Montefeltro. Según otra versión, podría tratarse de la hermana del duque, Giovanna. Hasta 1631 el retrato estuvo en Urbino; ​​posteriormente fue transportado a Florencia. En 1927, la obra fue devuelta nuevamente a la tierra natal del artista. En 1975, el cuadro fue robado de la galería y un año después fue descubierto en Suiza.

Retrato de un joven al óleo sobre madera (35 cm por 47 cm), pintado en 1505, se exhibe en Florencia, en los Uffizi.

Francesco Maria della Rovere, que se muestra aquí, era hijo de Giovanni Della Rovere y Juliana Feltria. Su tío nombró heredero al joven en 1504 e inmediatamente le encargó este retrato. Un joven con una túnica roja se presenta en la modesta naturaleza del norte de Italia.

El retrato de Guidobaldo da Montefeltro (Ritratto di Guidоbaldo da Montefeltro) al óleo sobre madera (69 cm por 52 cm) fue realizado en 1506. La obra se conservó en el castillo de los duques de Urbino (Palazzo Ducale), tras lo cual fue transportado a la ciudad de Pesaro.

En 1631, la pintura entró en la colección de la esposa de Fernando II de Medici, Vittoria della Rovere. Montefeltro, vestido de negro, se sitúa en el centro de la composición, que queda enmarcada por las paredes oscuras de la estancia. A la derecha hay una ventana abierta con la naturaleza afuera. La quietud y el ascetismo de la imagen impidieron durante mucho tiempo que Rafael fuera reconocido como el autor del cuadro.

Estrofas de Rafael en el Vaticano

En 1508, el artista se trasladó a Roma, donde permaneció hasta su muerte. El arquitecto Domato Bramante le ayudó a convertirse en artista en la corte papal. El Papa Julio II entrega a su protegido las salas de estado (estrofas) del antiguo palacio del Vaticano, más tarde llamado (Stanze di Raffaello), para que las pinte. Después de ver la primera obra de Rafael, el Papa ordenó que sus dibujos se aplicaran en todas las superficies, quitando los frescos de los otros autores y dejando intactas sólo las pantallas de las lámparas.

• Debes visitar:

La traducción literal de “Stanza della Segnatura” suena como “sala de firmas”; es la única que no ha sido rebautizada según el tema de los frescos.

Rafael trabajó en su pintura de 1508 a 1511. En la sala, la realeza firmaba documentos importantes y allí mismo había una biblioteca. Esta es la primera estrofa de cuatro en la que trabajó Raphael.

Fresco "Escuela de Atenas"

El segundo título de la “Scuola di Atene”, el mejor de los frescos creados, es “Conversaciones filosóficas” (“Discussioni filosofiche”). tema principal- La disputa entre Aristóteles (Aristóteles) y Platón ((Platón), escrita con Leonardo da Vinci) bajo los arcos de un templo fantástico, pretende reflejar la actividad filosófica. La longitud en la base es de 7 m 70 cm, la composición contiene más de 50 caracteres, entre los que se encuentran Heráclito ((Heraclitus), pintado con), Ptolomeo ((Ptolemaeus), autorretrato de Rafael), Sócrates (Sokrates), Diógenes (Diogen), Pitágoras (Pythagoras), Euclides ((Evklid), escrito con Bramante ), Zoroastro ( Zoroastro) y otros filósofos y pensadores.

Fresco "Disputa" o "Disputa sobre la Sagrada Comunión"

El tamaño de la “Disputa sobre la Sagrada Comunión” (“La disputa del sacramento”), que simboliza la teología, es de 5 m por 7 m 70 cm.

En el fresco, los habitantes celestiales mantienen un debate teológico con los mortales terrenales (Fra Beato Angelico, Augustinus Hipponensis, Dante Alighieri, Savonarola y otros). La clara simetría de la obra no es deprimente; al contrario, gracias al don de organización de Rafael, parece natural y armoniosa. La figura principal de la composición es un semicírculo.

Fresco “Sabiduría. Moderación. Fuerza"

Fresco “Sabiduría. Moderación. Fuerza" (“La saggezza. La moderazione. Forza”) se coloca en la pared atravesada por una ventana. Otro nombre para una obra que glorifica la legislación secular y eclesiástica es “Jurisprudencia” (Giurisprudencia).

Debajo de la figura de Jurisprudencia en el techo, en la pared sobre la ventana hay tres figuras: Sabiduría mirándose al espejo, Fuerza en casco y Templanza con riendas en mano. En el lado izquierdo de la ventana están el emperador Justiniano (Iustinianus) y Tribonianus (Tribonianus) arrodillados frente a él. En el lado derecho de la ventana hay una imagen del Papa Gregorio VII (Gregorius PP. VII) presentando los decretos de los papas a un abogado.

Fresco "Parnaso"

El fresco "Parnassus" ("he Parnassus") o "Apolo y las musas" ("Apolo y las musas") se encuentra en la pared opuesta a "Sabiduría". Moderación. Powers" y representa a poetas antiguos y modernos. En el centro de la imagen está el antiguo Apolo griego con una lira hecha a mano, rodeado por nueve musas. A la derecha están: Homero, Dante, Anakreon, Virgilio, a la derecha están Ariosto, Horacio, Terencio, Ovidio.

La intercesión fue elegida como tema del cuadro de la Estrofa de Eliodoro poderes superiores para la Iglesia. La sala, cuyas obras se llevan realizando desde 1511. hasta 1514, debe su nombre a uno de los cuatro frescos pintados por Rafael en la pared. El mejor alumno del máster, Giulio Romano, ayudó al profesor en su trabajo.

Fresco “La expulsión de Eliodor del templo”

El fresco “Cacciata di Eliodoro dal tempio” describe la leyenda según la cual el leal servidor de la dinastía real seléucida, el líder militar Eliodoro, fue enviado a Jerusalén para recoger el tesoro de las viudas y los huérfanos del Templo de Salomón.

Cuando entró al salón del templo, vio un caballo furioso corriendo con un ángel jinete. El caballo empezó a pisotear a Eliodor con sus cascos, y los compañeros del jinete, también ángeles, golpearon al ladrón varias veces con un látigo. El Papa Julio II está representado en el fresco como un observador externo.

Fresco "Misa en Bolsena"

Rafael Santi trabajó solo en el fresco “Misa en Bolsena” sin la participación de asistentes. La trama describe un milagro ocurrido en el Templo de Bolsena. El sacerdote alemán estaba a punto de iniciar el rito de la comunión, sin creer en el fondo de su verdad. Luego, de la hostia (pastel) que tenía en sus manos brotaron 5 chorros de sangre (2 de ellos son un símbolo de las manos traspasadas de Cristo, 2 de sus pies, 1 de ellos es sangre de la herida de su costado traspasado). La composición contiene notas de un enfrentamiento con los herejes alemanes del siglo XVI.

Fresco "Sacar al apóstol Pedro de la cárcel"

El fresco “La liberación del apóstol Pedro de la prisión” (“la Delivrance de Saint Pierre”) también es obra íntegramente de Rafael. La trama está tomada de los “Hechos de los Apóstoles”, la imagen está dividida en 3 partes. En el centro de la composición está el radiante apóstol Pedro, encarcelado en una lúgubre celda. A la derecha, Pedro y el ángel salen del cautiverio mientras los guardias duermen. A la izquierda está la tercera acción, cuando el guardia se despierta, descubre la pérdida y da la alarma.

Fresco “Encuentro de León I el Grande con Atila”

Una parte importante de la obra "El encuentro entre León Magno y Atila", de más de 8 m de ancho, fue realizada por los alumnos de Rafael.

León el Grande tiene la apariencia del Papa León X. Según la leyenda, cuando el líder de los hunos se acercó a las murallas de Roma, León el Grande fue a su encuentro junto con otros miembros de la delegación. Con su elocuencia convenció a los invasores de que abandonaran sus intenciones de atacar la ciudad y se marcharan. Según la leyenda, Atila vio a un clérigo detrás de Leo, amenazándolo con una espada. Podría haber sido el apóstol Pedro (o Pablo).

Stanza dell'Incendio di Borgo es la sala de acabados en la que trabajó Rafael entre 1514 y 1517.

La sala lleva el nombre del principal y mejor fresco de Raphael Santi, “Fuego en el Borgo” del maestro. Sus alumnos trabajaron en el resto de las pinturas según los dibujos dados.

Fresco “Fuego en Borgo”

En el año 847, el barrio romano de Borgo, adyacente al Palacio del Vaticano, quedó envuelto en llamas. Creció hasta que León IV (Leo PP. IV) apareció desde el Palacio del Vaticano y detuvo el desastre con la señal de la cruz. Al fondo se ve la antigua fachada de la Basílica de San Pedro. A la izquierda está el grupo más exitoso: un joven atlético saca a hombros a su anciano padre del fuego. Cerca de allí, otro joven intenta escalar la pared (presumiblemente el artista se pintó él mismo).

Estrofa de Constantino

Rafael Santi recibió el encargo de pintar la “Sala de Constantino” (“Sala di Costantino”) en 1517, pero sólo logró hacer bocetos de los dibujos. La muerte súbita El genio creador le impidió terminar su obra. Todos los frescos fueron realizados por los alumnos de Rafael: Giulio Romano, Gianfrancesco Penni, Raffaellino del Colle, Perino del Vaga.

1. Giovanni Santi insistió en que la madre alimentara ella misma al recién nacido Rafael, sin recurrir a la ayuda de una enfermera.
2. Hasta el día de hoy han sobrevivido unos cuatrocientos dibujos del maestro., entre los que se encuentran bocetos e imágenes de cuadros perdidos.
3. La asombrosa bondad y generosidad espiritual del artista se manifestó no solo en relación con sus seres queridos. Rafael pasó toda su vida cuidando como un hijo a un pobre científico, traductor de Hipócrates al latín, Rabio Calve. El hombre sabio era tan santo como sabio, por eso no acumuló una fortuna y vivió modestamente.
4. En los registros del monasterio, Margarita Luti fue designada como “la viuda de Rafael”. Además, al examinar las capas de pintura del cuadro “Fornarina”, los restauradores descubrieron debajo un anillo de rubí, posiblemente un anillo de bodas. La decoración de perlas en el cabello de “Fornarina” y “Donna Velata” también indica matrimonio.
5. Una dolorosa mancha azulada en el pecho de Fornarina sugiere que la mujer tenía cáncer de mama.
6. 2020 marca el 500 aniversario de su muerte artista genio. En 2016, por primera vez en Rusia, se celebró una exposición de Raphael Santi en Moscú, en el Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin. En la exposición titulada “Rafael. Poesía de la imagen” presentó 8 pinturas y 3 dibujos gráficos recopilados de varios museos de Italia.
7. Los niños conocen a Raphael (también conocido como Raf) como una de las "Tortugas Ninja" de la caricatura del mismo nombre, que empuña un arma punzante: el sai, que parece un tridente.

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Rafael nació en la ciudad de Urbino en 1483 en la familia del artista Giovanni Santi. El ambiente de la ciudad y el trabajo de su padre predeterminaron el destino del niño.

En el siglo XV, Urbino era una de las ciudades más importantes de Italia, una gran Centro Cultural. Gobernantes de Urbino, duques de Montefeltro, - filántropos famosos y coleccionistas, se dieron cuenta de la importancia de la educación y la ilustración, amaban las matemáticas, la cartografía, la filosofía, apreciaban el arte y patrocinaban a los artistas.

Giovanni Santi fue un pintor y poeta de la corte. En el taller de su padre, el joven Rafael aprendió los conceptos básicos de la pintura y, como señala Giorgio Vasari en sus “Biografías…”, “ayudó a su padre a pintar los cuadros que Giovanni creó mientras vivía en Urbino”.

El niño no tenía ni diez años cuando perdió a sus padres y fue enviado (a petición de su padre) a Perugia como aprendiz en el taller de Pietro Perugino.

Raphael aprende rápido, apenas tenía 17 años cuando ya era mencionado como artista independiente, creando obras para sus primeros clientes. De esta época se remonta el dibujo de autorretrato del artista. Pasará muy poco tiempo y Rafael se convertirá en un retratista insuperable, capaz de transmitir no sólo similitudes sorprendentes, sino también la individualidad de sus modelos con la ayuda del color, la luz y los detalles. Pero por ahora Rafael es un modesto estudiante en el estudio de un gran artista.

2. Esponsales de la Virgen María, 1504
Pinacoteca Brera, Milán

Pietro Perugino, que se convirtió en maestro de Rafael, es la estrella de la escuela de pintura de Umbría, uno de los artistas más solicitados de su tiempo. Su estilo es melódico y poético, agradable a la vista e imbuido de un tono lírico especial. Las imágenes de Perugino son hermosas y dulces. Se caracteriza por la decoración y el equilibrio. En una atmósfera de armonía y serenidad, todo Perugino.

Rafael, sutil y perspicaz, fue capaz de captar con tanta precisión la esencia misma del arte de su maestro que sus primeras obras podrían confundirse con las obras maestras del maestro Perugino.

En 1504, Rafael creó Los esponsales de la Virgen María; un poco antes, Perugino pintó un cuadro con la misma trama (la boda de María y José).

Ante nosotros hay una ceremonia nupcial: José, en presencia de un sacerdote, le entrega a María un anillo de bodas.

Rafael, siguiendo al maestro, sitúa a los personajes en un espacio ideal creado según las leyes de la perspectiva lineal. Detrás se alza un majestuoso templo también “ideal”. Sin embargo, con “Betrothal”, el estudiante de 21 años supera a su maestro en el arte de representar personas. Mire la solemne estática de los personajes de Perugino y la variedad de personajes y movimientos de Rafael. De acuerdo, los héroes de Rafael se parecen más a personas reales.

También es extremadamente importante que los predecesores de Rafael, que dominaban las técnicas de construcción de la perspectiva, alinearan a los personajes como en una línea, tanto en primer plano como en segundo plano. Rafael describe a los presentes en la celebración de la boda de manera más realista, como una multitud caótica.

Fue "Los esponsales de la Virgen María" lo que se convirtió en el resultado de la formación en el taller de Pietro Perugino. El impetuoso joven ya se sentía atraído por la floreciente Florencia...

3. Autorretrato, 1506
Galería de los Uffizi, Florencia

En Italia circulan rumores de que algo extraordinario está sucediendo en Florencia. En la sala principal del edificio del ayuntamiento, Miguel Ángel y Leonardo compiten en el arte de los frescos. Rafael decide estar en el lugar de los hechos.

En 1504, Rafael llegó a Florencia con una carta de recomendación de su patrona, Giovanna Feltria della Rovere, al gobernante de la República Florentina, Pier Soderini. Imagínese cómo Rafael llega al Palazzo Vecchio y se detiene, asombrado, en la Piazza della Signoria. Enfrente de él mejor trabajo arte - David, una escultura de una belleza y habilidad sin precedentes. Rafael está asombrado y no puede esperar a conocer a Miguel Ángel.

Vivirá en Florencia durante los próximos cuatro años. Esta etapa será para él un tiempo de arduo trabajo, disciplina y estudio detenido del arte de Miguel Ángel y Leonardo. Nació su estilo único. Sin duda, Rafael no se habría convertido en Rafael sin estos difíciles años de arduo trabajo.

Vasari escribiría más tarde: “Las técnicas que vio en las obras de Leonardo y Miguel Ángel lo obligaron a trabajar aún más duro para extraer de ellas beneficios sin precedentes para su arte y su manera de ser”.

El artista de 23 años pinta su autorretrato, todavía imbuido de los rasgos líricos de la pintura de Umbría. Esta imagen sobrevivirá siglos. Precisamente así, gentil, impetuoso y eternamente joven, Rafael permanecerá para siempre para la posteridad.

4. Retratos de Agnolo Doni y Maddalena Strozzi, 1506
Palacio Pitti, Florencia

Una disposición amable, modales impecables y una asombrosa facilidad de comunicación le permitieron a Rafael ganarse el favor de mecenas influyentes y clientes adinerados, amistad con una variedad de personas y popularidad entre las mujeres. Logró conquistar incluso a Miguel Ángel y Leonardo, a cada uno de los cuales la naturaleza dotó de un gran don y de un carácter tan difícil que muchos prefirieron mantenerse alejados de ellos.

Uno de los clientes importantes de Rafael durante su período florentino fue Agnolo Doni, un rico comerciante textil, filántropo y coleccionista de arte. En honor de su boda con Maddalena Strozzi, ordena retrato de compañero. Sólo unos pocos podían permitirse semejante lujo.

Para Rafael, el retratista, era importante no sólo la capacidad de transmitir el parecido externo, sino también el carácter. Basta con echar un vistazo al retrato de Agnolo Doni y queda claro que ante nosotros hay un hombre fuerte e influyente, como lo demuestra tanto su pose imperiosa como su mirada inteligente y tranquila. Viste bien y con modestia, y no busca lujos ostentosos. Lo más probable es que sus intereses sean variados: le atrae el comercio, la política, el arte, la literatura, la ciencia. él es el epítome persona ideal El Renacimiento, pero al mismo tiempo no es una imagen colectiva generalizada, sino un florentino vivo, reconocible por sus contemporáneos.

Rafael logra el mismo efecto en su representación de Maddalena Strozzi. Por un lado, ante nosotros hay un habitante rico de la ciudad, orgulloso y arrogante, por el otro, una mujer joven, una novia. El elegante árbol está diseñado para enfatizar el carácter gentil del recién casado. El colgante en el cuello de Maddalena, quizás un regalo de bodas de Agnolo, también tiene un significado especial: las piedras preciosas indican vitalidad, una perla grande indica la pureza y la pureza de la novia.

En este momento, Rafael se busca a sí mismo y su estilo; está fascinado por la Mona Lisa, que Leonardo había terminado recientemente. Le da a su Maddalena una pose similar y busca con entusiasmo sus propias formas de llenar el retrato de magnetismo. Rafael se convertiría en un maestro del retrato psicológico, pero más tarde, durante su apogeo en Roma.

5. Mudo (La Muta), 1507
Galería Nacional de Las Marcas, Urbino

Este retrato íntimo es realmente inusual. El artista no da ninguna pista obvia, y el hecho de que se trate de una mujer privada de la capacidad de hablar se desprende sólo del título. Lo más llamativo de este retrato es el sentimiento que desprende. El silencio de la heroína se siente en la expresión de su rostro, en su mirada, en sus labios inactivos y fuertemente comprimidos. Éste es el talento excepcional de Rafael: no sólo está familiarizado con los rasgos y matices más pequeños de la naturaleza humana, sino que también es capaz de transmitir con precisión sus conocimientos y observaciones en el lenguaje de la pintura.

6. Virgen con el jilguero, 1507

Rafael perdió a su madre en la primera infancia. Sutil y vulnerable, toda su vida sintió una necesidad urgente de amor y ternura maternal. Y por supuesto, esto se reflejó en su arte. La Virgen y el Niño es uno de los temas más importantes para Rafael. Explorará constantemente la relación entre madre e hijo. En Florencia, durante 4 años, pintaría más de 20 cuadros sobre el tema “La Virgen y el Niño”. De lo estático, imbuido del humor de Perugino (como su Madonna Granduca, que se puede ver en la exposición de Museo Pushkin), para madurar, lleno de sentimientos y vitalidad.

Una de estas pinturas es "Madonna con el jilguero". Ante nosotros están la Virgen María, el Niño Jesús y Juan Bautista, entregándole un jilguero, símbolo de las terribles pruebas del Salvador.

Una curiosa historia está relacionada con la “Madonna del Jilguero”, contada por Giorgio Vasari: “La mayor amistad unía a Rafael y Lorenzo Nasi, para quien, recién casados ​​estos días, pintó un cuadro que representa al niño Cristo de pie junto a las rodillas de la Madre de Dios, y el joven San Juan, ofreciéndole alegremente el pájaro, para mayor alegría y mayor placer de ambos. Ambos forman un grupo lleno de una especie de sencillez infantil y al mismo tiempo de profundo sentimiento, sin mencionar que están tan bien logrados en color y tan cuidadosamente dibujados que parecen hechos de carne viva, y no hecho con pinturas y dibujo. Lo mismo se aplica a la Madre de Dios con su expresión dichosa y verdaderamente divina en su rostro y, en general, el prado, el robledal y todo lo demás en esta obra es extremadamente hermoso. Este cuadro fue conservado por Lorenzo Nasi durante su vida con la mayor reverencia, tanto en memoria de Rafael, que era su amigo más cercano, como por la dignidad y perfección de la obra en sí, que, sin embargo, casi muere el 17 de noviembre. , 1548, cuando por el derrumbe de la propia casa del Monte San Giorgio Lorenzo se derrumbó junto con las casas vecinas. El hijo del dicho Lorenzo y el mayor conocedor del arte, habiendo descubierto partes del cuadro entre los escombros de las ruinas, ordenó que se reunieran lo mejor posible.

7. Escuela de Atenas, 1509-1510
Palacio Apostólico, Vaticano

En 1508, Rafael llega a Roma por invitación del Papa Julio II y se encuentra nuevamente en el centro de acontecimientos increíbles: el gran Miguel Ángel pinta el techo de la Capilla Sixtina, Bramante, el principal arquitecto papal, reconstruye la Catedral de San Pedro y En las Estancias (las habitaciones del Papa) trabajan destacados artistas de su época: Lorenzo Lotto, Peruzzi, Sodoma, Bramantino, así como el antiguo maestro de Rafael, Pietro Perugino.

Los rumores sobre el talento divino del joven artista también llegaron a Julio II, quien se propuso a toda costa decorar su reinado con destacadas obras de arte. Queriendo poner a prueba a Rafael, el Papa le encargó que cuidara la habitación destinada a su biblioteca personal. Al comenzar a trabajar, Rafael impresionó tanto a Julio II que ordenó expulsar a todos los artistas que trabajaban en otras salas, destruir los frescos que habían creado y confiar todo el proyecto únicamente a Rafael, de 25 años. Así comenzó la historia de las estrofas de Rafael.

Mayoría fresco famoso Se considera con razón la “Escuela de Atenas”, que ocupa el muro de la Stanza della Segnatura, reservada a la colección de libros de filosofía.

“La Escuela de Atenas” es un escenario de masas, una reunión de filósofos, sabios y eruditos de todos los tiempos en el Templo Ideal de la Sabiduría (el espacio arquitectónico en el que se reúnen los personajes hace eco del proyecto de la Catedral de San Pedro, que en esta vez se está construyendo según el diseño de Bramante). En el centro del fresco están Platón y Arquímedes. El primero apunta al cielo, expresando con un solo gesto la esencia de su filosofía idealista, el segundo apunta a la tierra, enfatizando la importancia de las ciencias y el conocimiento naturales.

Además, la “Escuela de Atenas” es el lugar de reunión de Diógenes, Sócrates, Pitágoras, Heráclito, Euclides, Epicuro, Zoroastro y otras figuras destacadas.

Es interesante también que en la reunión de la “Escuela de Atenas” también estén representados los tres creadores más importantes del Alto Renacimiento. Si miras de cerca, en Platón reconocerás a Leonardo da Vinci, en el poderoso Titán Heráclito, sentado en los escalones, apoyado en un bloque de mármol, Miguel Ángel, busca al propio Rafael, el segundo desde la derecha en la primera fila.

A lo largo de los años de trabajo en las Estrofas, Rafael se convierte en una celebridad, la estrella más brillante de Roma. Después de la muerte de Bramante, Rafael fue nombrado arquitecto jefe de la Basílica de San Pedro y custodio principal de las antigüedades romanas. Está rodeado de clientes, clientes, estudiantes, amigos y mujeres hermosas.

8. Retrato de Baldassare Castiglione, 1514-1515
Louvre, París

En Roma, Rafael pinta un retrato de su amigo y filántropo Baldassare Castiglione. Mire este rostro extraordinario e imagine cuán lejos está el estilo actual del artista del dulce estilo de Perugino, ¡con qué habilidad el artista logró fusionar las técnicas de Leonardo y Miguel Ángel, creando su propio estilo único!

Conde Baldassare Castiglione: filósofo, poeta, diplomático, una de las personas más educadas de su tiempo. Además, era conocido por su gentileza, mansedumbre y equilibrio de carácter. Fueron estas cualidades, en opinión del propio Rafael, las que distinguieron al hombre ideal del Renacimiento.

Un hombre maduro, amable y algo pensativo, nos mira desde la imagen. Viste modestamente, pero con mucho gusto. Su rostro es tranquilo y armonioso, su mirada penetrante y abierta. A pesar de toda su sencillez exterior, este retrato está dotado de un magnetismo especial y una profundidad psicológica, comparable al efecto que produce la imagen de la Mona Lisa en los espectadores.

9. Fornarina, 1518-1519 (izquierda)
Palacio Barberini, Roma

Hubo todo tipo de rumores sobre la vida personal de Raphael. Según algunos, el artista era un libertino y murió a los 37 años de sífilis, según otros, menos escandalosos, de fiebre. En cualquier caso, Rafael estuvo constantemente en el centro de la atención femenina, y uno sólo puede adivinar qué tipo de mujeres de origen y ocupación posaban para las imágenes de sus tiernas madonas y ninfas.

Durante mucho tiempo se desconoció la identidad de la belleza de ojos negros del retrato de Fornarina. Vasari sugiere que se trata de un retrato de "... una mujer a la que amó mucho hasta su muerte, y con quien pintó un retrato tan hermoso que parecía estar viva".

Unos años antes, Fornarina posó para Rafael en otra obra maestra, La dama velada. Si miras de cerca, los tocados tanto de la Fornarina como de la Dama Velada están unidos por la misma horquilla, quizás un regalo de Rafael.

Según la leyenda, Rafael conoció a Fornarina, la hija de un panadero (fornarina, del italiano "panadería"), mientras trabajaba en los frescos de Villa Farnesina. Entonces la bella pareció casarse, pero Rafael se la compró a su padre y la instaló en la casa, donde la conoció hasta que la muerte los separó. Hubo rumores de que fue Fornarina quien mató a Rafael. También dijeron que después de su muerte ella fue a un monasterio por pena, o que llevó un estilo de vida tan depravado que fue tonsurada a la fuerza como monja.

10. Virgen Sixtina, 1513-1514
Galería de viejos maestros, Dresde

« Quería ser siempre espectador de un cuadro…” escribió A. S. Pushkin sobre la Virgen más famosa de Rafael.

Fue en La Virgen Sixtina donde Rafael logró alcanzar la cima de su maestría. Esta imagen es asombrosa. El telón abierto nos revela una visión celestial: rodeada de un resplandor divino, la Virgen María desciende hacia la gente. Tiene al niño Jesús en brazos, su rostro muestra ternura y preocupación. Parece que todo en esta imagen: cientos de rostros angelicales, el gesto respetuoso de San Sixto, la humilde figura de Santa Bárbara y el pesado telón, fueron creados para que no pudiéramos apartar la vista del rostro de la Virgen. por un segundo.

Y, por supuesto, Rafael no sería Rafael si los rasgos de su Fornarina no se notaran en la bella imagen de María.

Rafael murió en Roma el 6 de abril (su cumpleaños) de 1520 a la edad de 37 años en el cenit de su fama.

Muchos siglos después, mientras estudiaba el arte de Rafael, Pablo Picasso diría: “¡Si Leonardo nos prometió el paraíso, entonces Rafael nos lo dio!”

Rafael (en realidad Raffaello Santi o Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio) (26 o 28 de marzo de 1483, Urbino - 6 de abril de 1520, Roma), pintor y arquitecto italiano.

Rafael, hijo del pintor Giovanni Santi, pasó sus primeros años en Urbino. En 1500-1504, Rafael, según Vasari, estudió con el artista Perugino en Perugia.

Desde 1504, Rafael trabajó en Florencia, donde conoció las obras de Leonardo da Vinci y Fra Bartolommeo, y estudió anatomía y perspectiva científica.
Mudarse a Florencia jugó un papel muy importante en el desarrollo creativo de Rafael. De primordial importancia para el artista fue el conocimiento del método del gran Leonardo da Vinci.

Siguiendo a Leonardo, Rafael comienza a trabajar mucho de la vida, estudiando anatomía, mecánica de movimientos, posturas y ángulos complejos, buscando fórmulas compositivas compactas y rítmicamente equilibradas.
Las numerosas imágenes de Madonnas que creó en Florencia le dieron al joven artista fama italiana.
Rafael recibió una invitación del Papa Julio II para ir a Roma, donde pudo familiarizarse con los monumentos antiguos y participó en excavaciones arqueológicas. Tras mudarse a Roma, el maestro de 26 años recibió el puesto de “artista de la Sede Apostólica” y el encargo de pintar las salas estatales del Palacio del Vaticano, desde 1514 dirigió la construcción de la Catedral de San Pedro, trabajó en En el campo de la arquitectura de iglesias y palacios, en 1515 fue nombrado Comisionado de Antigüedades, responsable del estudio y protección de los monumentos antiguos y las excavaciones arqueológicas. Cumpliendo la orden del Papa, Rafael creó murales en los pasillos del Vaticano, glorificando los ideales de libertad y felicidad terrenal del hombre, la ilimitación de sus capacidades físicas y espirituales.

El cuadro “Madonna Conestabile” de Rafael Santi fue creado por el artista cuando tenía veinte años.

En esta pintura, el joven artista Rafael creó su primera encarnación notable de la imagen de la Virgen, que ocupó un lugar extremadamente importante en su arte. La imagen de una madre joven y hermosa, generalmente tan popular en el arte renacentista, es especialmente cercana a Rafael, cuyo talento tenía mucha suavidad y lirismo.

A diferencia de los maestros del siglo XV, en las pinturas del joven artista Rafael Santi surgieron nuevas cualidades, cuando una estructura compositiva armoniosa no limita las imágenes, sino que, por el contrario, se percibe como una condición necesaria para la sensación de naturalidad y libertad que generan.

Sagrada Familia 1507-1508. Antigua Pinacoteca de Múnich.

Cuadro del artista Raphael Santi “La Sagrada Familia” de Canigiani.

El cliente de la obra es Domenico Canigianini de Florencia. En el cuadro "La Sagrada Familia", el gran pintor renacentista Rafael Santi representó a la Sagrada Familia en el estilo clásico de la historia bíblica: la Virgen María, José, el niño Jesucristo junto con Santa Isabel y el niño Juan Bautista.

Sin embargo, sólo en Roma Rafael superó la sequedad y cierta rigidez de sus primeros retratos. Fue en Roma donde alcanzó su madurez el brillante talento de Rafael como retratista.

En las “Madonnas” de Rafael del período romano, el estado de ánimo idílico de sus primeras obras es reemplazado por la recreación de sentimientos humanos y maternales más profundos, ya que María, llena de dignidad y pureza espiritual, aparece como la intercesora de la humanidad en la obra más famosa de Rafael. - “La Virgen Sixtina”.

La pintura “La Virgen Sixtina” de Rafael Santi fue creada originalmente por el gran pintor como imagen del altar de la iglesia de San Sixto en Piacenza.

En el cuadro, el artista representa a la Virgen María con el Niño Jesús, el Papa Sixto II y Santa Bárbara. La pintura "La Virgen Sixtina" es una de las obras de arte más famosas del mundo.

¿Cómo se creó la imagen de la Virgen? ¿Estaba allí para él? prototipo real? En este sentido, a la pintura de Dresde se le atribuyen varias leyendas antiguas. Los investigadores encuentran similitudes en los rasgos faciales de la Virgen con el modelo de uno de los retratos femeninos de Rafael: la llamada "Dama del Velo". Pero para resolver esta cuestión, en primer lugar, hay que tener en cuenta la famosa afirmación del propio Rafael en una carta a su amigo Baldassare Castiglione de que al crear la imagen de la perfecta belleza femenina se guía por una determinada idea que surge en el base de muchas impresiones de las bellezas que el artista vio en vida. En otras palabras, básicamente método creativo El pintor Raphael Santi resulta ser una selección y síntesis de observaciones de la realidad.

En los últimos años de su vida, Rafael estuvo tan sobrecargado de órdenes que confió la ejecución de muchas de ellas a sus alumnos y asistentes (Giulio Romano, Giovanni da Udine, Perino del Vaga, Francesco Penni y otros), limitándose habitualmente a supervisión general de las obras.

Rafael tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior de la pintura italiana y europea, convirtiéndose, junto con los maestros de la antigüedad, en el máximo ejemplo de perfección artística. El arte de Rafael, que tuvo una tremenda influencia en la pintura europea de los siglos XVI al XIX y, en parte, del XX, conservó durante siglos el significado de autoridad artística indiscutible y modelo para artistas y espectadores.

En los últimos años de su creatividad, a partir de los dibujos del artista, sus alumnos crearon enormes cartones sobre temas bíblicos con episodios de la vida de los apóstoles. A partir de estos cartones, los maestros bruselenses debían crear tapices monumentales destinados a decorar la Capilla Sixtina durante las vacaciones.

Pinturas de Rafael Santi

El cuadro "Ángel" de Raphael Santi fue creado por el artista cuando tenía 17-18 años, a principios del siglo XVI.

Esta magnífica obra temprana del joven artista es parte o fragmento del retablo de Baroncha, dañado por el terremoto de 1789. El retablo “Coronación del Beato Nicolás de Tolentino, vencedor de Satán” fue encargado por Andrea Baronci para la capilla de su casa en la iglesia de San Agostinho en Città de Castello. Además del fragmento del cuadro “Ángel”, se conservan tres partes más del altar: “El Altísimo Creador” y “La Santísima Virgen María” en el Museo Capodimonte (Nápoles) y otro fragmento “Ángel” en el Louvre (París).

El cuadro “Madonna Granduca” fue pintado por el artista Rafael Santi después de mudarse a Florencia.

Las numerosas imágenes de Madonnas creadas por el joven artista en Florencia (“Madonna de Granduca”, “Madonna del Jilguero”, “Madonna de los Verdes”, “Madonna con el Niño Cristo y Juan Bautista” o “El Hermoso Jardinero” y otros) le dieron a Raphael Santi fama totalmente italiana.

El cuadro “El sueño de un caballero” fue pintado por el artista Rafael Santi en los primeros años de su obra.

La pintura pertenece al legado de Borghese, probablemente junto con otra obra del artista, “Las Tres Gracias”. Estas pinturas, "El sueño de un caballero" y "Las tres gracias", tienen una composición de tamaño casi en miniatura.

El tema de “El sueño del caballero” es una refracción única del antiguo mito de Hércules en el cruce entre las encarnaciones alegóricas del Valor y el Placer. Cerca del joven caballero, representado durmiendo con el telón de fondo de un hermoso paisaje, se encuentran dos mujeres jóvenes. Uno de ellos, vestido de etiqueta, le ofrece una espada y un libro, el otro una rama con flores.

En el cuadro “Las Tres Gracias” el motivo compositivo de tres desnudos figuras femeninas aparentemente tomado de un camafeo antiguo. Y aunque todavía hay mucha incertidumbre en estas obras del artista (“Las Tres Gracias” y “El sueño de un caballero”), atraen con su encanto ingenuo y su pureza poética. Ya aquí se revelaron algunas características inherentes al talento de Rafael: la poesía de las imágenes, el sentido del ritmo y la suave melodía de las líneas.

Batalla de San Jorge con el Dragón 1504-1505. Museo del Louvre, París.

El cuadro “La batalla de San Jorge con el Dragón” de Raphael Santi fue pintado por el artista en Florencia, después de abandonar Perugia.

“La batalla de San Jorge con el Dragón” se basa en una historia bíblica popular en la Edad Media y el Renacimiento.

El retablo “Madonna de Ansidei” de Raphael Santi fue pintado por el artista en Florencia; el joven pintor aún no tenía 25 años.

Unicornio, animal mítico con cuerpo de toro, caballo o cabra y un cuerno largo y recto en la frente.

El unicornio es un símbolo de pureza y virginidad. Según la leyenda, sólo una niña inocente puede domar al feroz unicornio. El cuadro “La dama del unicornio” fue pintado por Rafael Santi basándose en una trama mitológica popular durante el Renacimiento y el manierismo, que muchos artistas utilizaron en sus pinturas.

El cuadro “La dama del unicornio” sufrió graves daños en el pasado, pero ahora ha sido parcialmente restaurado.

Cuadro de Raphael Santi “Madonna in Greenery” o “María con el Niño y Juan Bautista”.

En Florencia, Rafael creó el ciclo Madonna, lo que indica el inicio de una nueva etapa en su obra. Entre las más famosas, la "Madonna de los Verdes" (Viena, Museo), la "Madonna del Jilguero" (Uffizi) y la "Madonna del Jardinero" (Louvre) representan una especie de variantes de un motivo común: el imagen de una joven y hermosa madre con el niño Cristo y el pequeño Juan Bautista en el contexto de un paisaje. También son variaciones de un tema: el tema del amor maternal, brillante y sereno.

Cuadro retablo "Madonna di Foligno" de Raphael Santi.

En la década de 1510, Rafael trabajó mucho en el campo de la composición de altares. Varias de sus obras de este tipo, incluida la Madonna di Foligno, nos llevan a la mayor creación de su pintura de caballete: la Virgen Sixtina. Esta pintura fue creada en 1515-1519 para la Iglesia de San Sixto en Piacenza y ahora se encuentra en la Galería de Arte de Dresde.

El cuadro "Madonna di Foligno" a su manera construcción compositiva similar a la famosa “Madonna Sixtina”, con la única diferencia de que en el cuadro “Madonna di Foligno” hay más caracteres y la imagen de la Virgen se distingue por un peculiar aislamiento interno: su mirada está ocupada por su hijo, el niño Cristo.

La pintura "Madonna del Impannata" de Rafael Santi fue creada por el gran pintor casi al mismo tiempo que la famosa "Madonna Sixtina".

En el cuadro, el artista representa a la Virgen María con los niños Cristo y Juan Bautista, Santa Isabel y Santa Catalina. La pintura "Madonna del Impannata" da testimonio de una mayor mejora del estilo del artista, de la complicación de las imágenes en comparación con las suaves imágenes líricas de sus Madonnas florentinas.

La mitad de la década de 1510 fue la época de los mejores retratos de Rafael.

Castiglione, Conde Baldassare (Castiglione; 1478-1526) - diplomático y escritor italiano. Nacido cerca de Mantua, sirvió en varias cortes italianas, fue embajador del duque de Urbino en el siglo XVI para Enrique VII de Inglaterra y desde 1507 en Francia para el rey Luis XII. En 1525, ya en una edad bastante avanzada, fue enviado por el nuncio papal a España.

En este retrato, Rafael demostró ser un colorista excepcional, capaz de percibir el color en sus complejos matices y transiciones tonales. El retrato de la Dama del Velo se diferencia del retrato de Baldassare Castiglione por sus notables cualidades colorísticas.

Investigadores del artista Raphael Santi e historiadores de la pintura renacentista encuentran modelos de ello en los rasgos retrato de una mujer El parecido de Rafael con el rostro de la Virgen María en su famoso cuadro "La Virgen Sixtina".

Juana de Aragón 1518 Museo del Louvre, París.

El cliente del cuadro fue el cardenal Bibbiena, escritor y secretario del Papa León X; la pintura estaba destinada a ser un regalo al rey francés Francisco I. El retrato recién lo comenzó el artista y no se sabe con certeza cuál de sus alumnos (Giulio Romano, Francesco Penni o Perino del Vaga) lo completó.

Juana de Aragón (? -1577) - hija del rey napolitano Federigo (más tarde depuesto), esposa de Ascanio, el príncipe Taliacosso, famosa por su belleza.

La extraordinaria belleza de Juana de Aragón fue glorificada por los poetas contemporáneos en una serie de dedicatorias poéticas, cuya colección comprendía un volumen completo, publicado en Venecia.

La pintura del artista representa una versión clásica del capítulo bíblico del Apocalipsis de Juan el Teólogo o del Apocalipsis.
“Y hubo guerra en el cielo: Miguel y sus ángeles pelearon contra el dragón, y el dragón y sus ángeles pelearon contra ellos, pero no resistieron, y ya no había lugar para ellos en el cielo. Y fue arrojado fuera el gran dragón, la serpiente antigua, que se llama diablo y Satanás, el cual engaña al mundo entero, fue arrojado a la tierra, y sus ángeles fueron arrojados con él…”

Frescos de Rafael

El fresco del artista Raphael Santi "Adán y Eva" también tiene otro nombre: "La Caída".

El tamaño del fresco es de 120 x 105 cm. Rafael pintó el fresco "Adán y Eva" en el techo de la cámara del pontífice.

El fresco del artista Raphael Santi "La Escuela de Atenas" también tiene otro nombre: "Conversaciones filosóficas". El tamaño del fresco, la longitud de la base es de 770 cm. Después de mudarse a Roma en 1508, a Rafael se le encomendó pintar los apartamentos del Papa, las llamadas estrofas (es decir, habitaciones), que incluyen tres habitaciones en la segunda. piso del Palacio Vaticano y la sala adyacente. Se suponía que el programa ideológico general de los ciclos de frescos en las estrofas, tal como lo concibieron los clientes, serviría para glorificar la autoridad de la Iglesia católica y su líder, el sumo sacerdote romano.

Junto con imágenes alegóricas y bíblicas, los frescos individuales representan episodios de la historia del papado; algunas composiciones incluyen retratos de Julio II y su sucesor León X;

El cliente del cuadro “El triunfo de Galatea” es Agostino Chigi, un banquero de Siena; El fresco fue pintado por el artista en el salón de banquetes de la villa.

El fresco de Rafael Santi "El triunfo de Galatea" representa hermosa galatea desplazándose velozmente entre las olas sobre un caparazón tirado por delfines, rodeado de tritones y náyades.

En uno de los primeros frescos de Rafael, la "Disputa", que representa una conversación sobre el sacramento de la comunión, los motivos de culto eran los más destacados. El símbolo de la comunión en sí, la hostia (oblea), está instalado en el altar en el centro de la composición. La acción se desarrolla en dos planos: en la tierra y en el cielo. Abajo, sobre un estrado escalonado, a ambos lados del altar se ubicaban los padres de la iglesia, papas, prelados, clérigos, ancianos y jóvenes.

Entre otros participantes se encuentran Dante, Savonarola y el piadoso monje pintor Fra Beato Angelico. Sobre toda la masa de figuras en la parte inferior del fresco, como una visión celestial, aparece la personificación de la Trinidad: Dios Padre, debajo de él, en un halo de rayos dorados, está Cristo con la Madre de Dios y Juan el Bautista, aún más abajo, como marcando el centro geométrico del fresco, hay una paloma en esfera, símbolo del espíritu santo, y a los lados los apóstoles están sentados sobre nubes flotantes. Y toda esta enorme cantidad de figuras, con un diseño compositivo tan complejo, está distribuida con tal habilidad que el fresco deja una impresión de asombrosa claridad y belleza.

Profeta Isaías 1511-1512. San Agostinho, Roma.

El fresco de Rafael representa al gran profeta bíblico del Antiguo Testamento en el momento de la revelación de la venida del Mesías. Isaías (siglo IX a. C.), profeta hebreo, celoso defensor de la religión de Yahvé y denunciante de la idolatría. El Libro bíblico del profeta Isaías lleva su nombre.

Uno de los cuatro grandes profetas del Antiguo Testamento. Para los cristianos, la profecía de Isaías sobre el Mesías (Emanuel; cap. 7, 9 - “...he aquí, la Virgen concebirá y dará a luz un hijo, y le pondrán por nombre Emanuel”) es de particular importancia. La memoria del profeta es venerada en Iglesia Ortodoxa 9 (22 de mayo), en católico - 6 de julio.

Frescos y últimas pinturas de Rafael

El fresco “La liberación del apóstol Pedro de la prisión”, que representa la milagrosa liberación del apóstol Pedro de la prisión por un ángel (una alusión a la liberación del Papa León X del cautiverio francés cuando era legado papal), constituye un cuadro muy fuerte impresión.

En las lámparas del techo de los apartamentos papales, Stanza della Segnatura, Rafael pintó los frescos "La caída", "La victoria de Apolo sobre Marsias", "Astronomía" y un fresco sobre la famosa historia del Antiguo Testamento "El juicio de Salomón".
Es difícil encontrar otro conjunto artístico, lo que daría la impresión de tanta riqueza figurativa en términos de diseño ideológico y visual-decorativo como las estrofas vaticanas de Rafael. Paredes cubiertas con frescos de varias figuras, techos abovedados con una rica decoración dorada, con inserciones de frescos y mosaicos, un piso bellamente decorado: todo esto podría crear la impresión de sobrecarga, si no fuera por el alto orden inherente al diseño general de Raphael Santi. lo que aporta a este complejo artístico la necesaria claridad y visibilidad.

Hasta los últimos años de su vida, Rafael prestó gran atención a la pintura monumental. Una de las obras más importantes del artista fue la pintura de la Villa Farnesina, que perteneció al banquero romano más rico, Chigi.

A principios de la década de 1910, Rafael pintó el fresco “El triunfo de Galatea” en el salón principal de esta villa, que es una de sus mejores obras.

Los mitos sobre la princesa Psyche hablan del deseo del alma humana de fusionarse con el amor. Por su indescriptible belleza, la gente veneraba a Psique más que a Afrodita. Según una versión, una diosa celosa envió a su hijo, la deidad del amor Cupido, para despertar en la niña la pasión por la persona más fea, sin embargo, al ver la belleza, el joven perdió la cabeza y se olvidó de su madre. orden. Habiéndose convertido en el marido de Psyche, no le permitió que ella lo mirara. Ella, ardiendo de curiosidad, encendió una lámpara por la noche y miró a su marido, sin notar una gota de aceite caliente cayendo sobre su piel, y Cupido desapareció. Al final, por voluntad de Zeus, los amantes se unieron. Apuleyo en Metamorfosis vuelve a contar el mito de la historia romántica de Cupido y Psique; los vagabundeos del alma humana, ansiosa por encontrar su amor.

El cuadro representa a Fornarina, la amante de Rafael Santi, cuyo verdadero nombre es Margherita Luti. El verdadero nombre de Fornarina fue establecido por el investigador Antonio Valeri, quien lo descubrió en un manuscrito de una biblioteca florentina y en una lista de monjas de un monasterio, donde la novicia fue identificada como la viuda del artista Rafael.

Fornarina es la legendaria amante y modelo de Raphael, cuyo verdadero nombre es Margherita Luti. Según muchos críticos de arte del Renacimiento e historiadores de la obra del artista, Fornarina está representada en dos pinturas famosas de Rafael Santi: "Fornarina" y "La dama velada". También se cree que Fornarina, con toda probabilidad, sirvió de modelo para crear la imagen de la Virgen María en el cuadro "La Virgen Sixtina", así como algunos otros. Imágenes de mujer Rafael.

Transfiguración de Cristo 1519-1520. Pinacoteca del Vaticano, Roma.

La pintura fue creada originalmente como retablo de la Catedral de Narbona, por encargo del cardenal Giulio Medici, obispo de Narbona. Las contradicciones de los últimos años de la obra de Rafael se reflejaron sobre todo en la enorme composición del altar "La Transfiguración de Cristo", que fue completada después de la muerte de Rafael por Giulio Romano.

Esta imagen se divide en dos partes. La parte superior muestra la transformación real; esta parte más armoniosa de la imagen fue realizada por el propio Rafael. A continuación se muestran los apóstoles tratando de sanar a un niño poseído.

Fue el cuadro del altar de Raphael Santi “La Transfiguración de Cristo” el que se convirtió durante siglos en un modelo indiscutible para los pintores académicos.
Rafael murió en 1520. Su muerte prematura fue inesperada y causó una profunda impresión en sus contemporáneos.

Rafael Santi se encuentra merecidamente entre los más grandes maestros del Alto Renacimiento.

Rafael Santi es un hombre con un destino increíble, el pintor más secreto y bello del Renacimiento. Los gobernantes de Italia envidiaban el talento y la inteligencia del brillante pintor, el sexo más justo lo adoraba por su carácter alegre y su atractivo angelical, y por su amabilidad y generosidad sus amigos apodaron al artista el mensajero del cielo. Sin embargo, los contemporáneos no sospechaban que el magnánimo Rafael hasta el final de sus días temía que su mente cayera en el abismo de la locura.

La historia siempre tiene su comienzo y su continuación. Así, el 6 de abril de 1483, en la pequeña ciudad del Reino de Italia de Urbino, en la casa del pintor de la corte de los duques de Urbino y poeta Giovanni Santi, el gran rafael santi.

Giovanni Santi dirigió el taller de arte más famoso de Urbino. La tragedia en la que perdió a su amada esposa y madre ocurrió una noche en su casa. Mientras el artista se encontraba en Roma, donde pintaba un retrato del Papa Juan II, su hermano Niccolò, en un ataque de locura, mató a su anciana madre e hirió gravemente a Maggia, la esposa del artista, que estaba embarazada. Los guardias que llegaron al lugar del crimen detuvieron al delincuente, pero éste logró escapar. Presa de un miedo loco, Niccolò se arrojó desde el puente al río helado. Los soldados se quedaron en la orilla e intentaron pescar el cuerpo cuando Majia santi Ya había dado a luz a un bebé y murió a causa de sus heridas. Giovanni se enteró del problema gracias a los comerciantes ambulantes. Habiendo abandonado todo, se apresuró a regresar a casa. Pero amigos y vecinos ya han bautizado al niño. Rafael, enterró a su esposa y a su madre.

La infancia del gran artista fue muy feliz y sin preocupaciones. Giovanni Santi, habiendo sobrevivido a una terrible tragedia, puso todas sus fuerzas en Rafael, protegiéndolo de las preocupaciones y problemas del mundo real, advirtiéndole. posibles errores y corrigió los ya cometidos. Desde pequeño Rafael estudió solo con los mejores profesores, su padre le confió grandes esperanzas, inculcando el gusto por la pintura. los primeros juguetes Rafael había pinturas y pinceles del taller de mi padre. Y ya a los siete años, rafael santi expresó sus dotadas fantasías mágicas en el taller de un pintor de la corte, en el taller de su padre. Pronto Giovanni se volvió a casar con Bernardina Parte, hija de un orfebre. De su segundo matrimonio nació una hija, Elisabette.

Cada día el niño traía más y más alegría. Giovanni observó cómo pensaba y actuaba su hijo en su mundo ficticio, y cómo esas manos débiles y aún torpes expresaban todo en el lienzo. Entendió que el talento y las habilidades sobrenaturales Rafael mucho más digno que el suyo, por lo que envió al niño a estudiar con su amigo, el artista Timoteo Viti.

Durante el período de formación, un niño de diez años Rafael por primera vez se apartó de los cánones del retrato clásico italiano del Renacimiento y dominó ese juego único de colores y pinturas, que hoy es un misterio para artistas y críticos de arte de todo el mundo.

En 1494, el padre del pequeño genio murió de un infarto y, por decisión del magistrado de la ciudad, el niño quedó al cuidado de la familia del comerciante de telas Bartolomé. Era el hermano menor del artista Giovanni y, a diferencia del loco Niccolo, era sociable, tenía un carácter cariñoso, alegre y amable, no permanecía indiferente y siempre estaba dispuesto a ayudar a quienes lo necesitaban. Este bondadoso comerciante adoraba a su sobrino huérfano y no escatimó en gastos en su educación pictórica.

Ya a la edad de diecisiete años, creó fácilmente obras brillantes y talentosas que aún deleitan a sus contemporáneos. En noviembre de 1500, un joven de diecisiete años abandonó su pequeña ciudad provincial de Urbino y se trasladó a la bulliciosa ciudad portuaria de Perugio. Allí entró al taller. pintor famoso Pietro Vannucci, conocido como Perugino. Después de mirar los primeros exámenes de su nuevo alumno, el maestro canoso exclamó: “¡Hoy es un día feliz para mí, porque he descubierto un genio para el mundo!”

Durante el Renacimiento, el taller de Perugino fue un laboratorio creativo en el que se formaron personas brillantes. El profundo lirismo de Perugino, su ternura, tranquilidad y dulzura encontraron eco en el alma. Rafael. Rafael es autoritario. Aprende rápidamente el estilo pictórico de su maestro, estudia bajo su dirección la pintura al fresco y se familiariza con la técnica y el sistema figurativo de la pintura monumental.

Durante algún tiempo, Rafael todavía estuvo bajo la poderosa influencia de Perugino. Sólo tímidamente, como un chapoteo momentáneo, aparece de repente una solución compositiva inesperada, inusual para Perugino. De repente los colores de los lienzos empiezan a sonar únicos. Y, a pesar de que sus obras maestras de este período son imitativas, uno no puede quedarse al margen y no darse cuenta de lo que hizo su inmortal maestro. En primer lugar, es "", "", "". Todo esto se completa con el lienzo monumental creado “” en la ciudad de Civita - Castellan.

Esta es como su última reverencia al maestro. Rafael entra en la gran vida.

En 1504 llegó a Florencia, donde se concentraba el centro del arte italiano, donde nació y floreció el Alto Renacimiento.

Lo primero que vio el joven Rafael Al pisar suelo de Florencia, en la Piazza della Signoria se encontraba una majestuosa estatua del héroe bíblico David. Esta escultura de Miguel Ángel no pudo evitar aturdir a Rafael, no pudo evitar dejar una huella en su impresionable imaginación.

En esta época, el gran Leonardo también trabajaba en Florencia. En ese momento, toda Florencia observó con gran expectación el duelo de titanes: Leonardo y Miguel Ángel. Trabajaron en composiciones de batalla para la Sala del Consejo del Palacio de la Signoria. Se suponía que el cuadro de Leonardo representaba la batalla de los florentinos contra los milaneses en Anghiari en 1440. Y Miguel Ángel escribió la batalla de los florentinos con los pisanos en 1364.

Ya en 1505, los florentinos tuvieron la oportunidad de evaluar ambos cartones expuestos juntos.

Leonardo poético, majestuoso y rebelde, con una pasión deslumbrante por pintar ¡Miguel Ángel! Una auténtica batalla titánica de los elementos. Joven rafael necesitas salir ileso del fuego de esta batalla, permaneciendo tú mismo.

En Florencia, Raphael domina todos los conocimientos que un artista necesita para alcanzar el nivel de estos titanes.

Estudia anatomía, perspectiva, matemáticas, geometría. Su búsqueda de la belleza en el Hombre, su culto al Hombre emerge cada vez más claramente, desarrolla el estilo de un monumentalista, su habilidad se vuelve virtuosa.

En cuatro años, pasó de ser un tímido pintor provincial a un verdadero maestro, dominando con confianza todos los secretos escolares que necesitaba para su trabajo.

En 1508, un joven de veinticinco años santi Llega por invitación del Papa Julio II a Roma. Se le confía la pintura en el Vaticano. En primer lugar, fue necesario pintar frescos en la Sala de la Firma, que Julio II asignó como biblioteca y oficina. Se suponía que las pinturas reflejaban varios aspectos de la actividad espiritual humana: en ciencia, filosofía, teología y arte.

Aquí tenemos ante nosotros no sólo a un pintor, sino también a un artista, un filósofo que se atrevió a hacer enormes generalizaciones.

La Sala de la Firma, Stanza della Segnatura, reunió las ideas de la época sobre el poder de la mente humana, el poder de la poesía, el estado de derecho y la humanidad. El artista reunió ideas filosóficas en escenas en vivo.

En grupos históricos y alegóricos. santi revive las imágenes de Platón, Aristóteles, Diógenes, Sócrates, Euclides, Ptolomeo. Las obras monumentales requerían que el maestro conociera las técnicas pictóricas más complejas: frescos, cálculos matemáticos y mano de acero. ¡Fue verdaderamente un trabajo titánico!

En sus estrofas (habitaciones) rafael logró encontrar una síntesis sin precedentes entre pintura y arquitectura. El hecho es que los interiores del Vaticano tenían un diseño muy complejo. El artista se enfrentó a problemas compositivos casi imposibles. Pero Santi salió victorioso de esta prueba.

Las estrofas son obras maestras no sólo por el diseño plástico de las figuras, las características de las imágenes y el color. En estos frescos, el espectador queda asombrado por la grandeza de los conjuntos arquitectónicos creados por el pincel del pintor, creados por su sueño de belleza.

En uno de los frescos de la Sala de las Firmas, entre filósofos y educadores, como si fuera un participante en este alto debate, se encuentra él mismo. rafael santi. Un joven pensativo nos mira. Ojos grandes y hermosos, mirada profunda. Vio todo: alegría y tristeza, y mejor que otros sintió la Belleza que dejó a la gente.

Rafael Fue el retratista más magnífico de todos los tiempos. Imágenes de sus contemporáneos Papa Julio II, Baltasar Castiglione, retratos de cardenales Nos pintan como personas del Renacimiento orgullosas, sabias y de voluntad fuerte. La plasticidad, el color y la nitidez de las características de las imágenes de estos lienzos son asombrosas.

En general, durante su corta vida de treinta y siete años, el maestro creó muchas pinturas únicas e insuperables. Pero aún así, lo más importante siguen siendo las Madonnas inspiradas, que se distinguen por su especial y misteriosa belleza. En ellos se entrelazan la belleza, la bondad y la verdad.

Cuadro " Sagrada Familia. Madonna con José imberbe“o”, escrito a los veintitrés años, representa una especie de “ejercicio” creativo del artista, que resolvió el problema de construir una composición perfectamente coordinada en todas sus partes.

Su centro está marcado por la figura del Niño. Destacada por un haz de luz dirigido directamente a ella, ella, el punto más brillante de la imagen, atrae inmediatamente la atención del espectador. Lo verdaderamente destacable es la persistencia y determinación con la que santi logra constantemente la impresión de una relación interna entre los personajes y su entorno espacial. El bebé se sienta en el regazo de María, pero su mirada se vuelve hacia José, como es habitual en Rafael una técnica compositiva con la que es posible fortalecer la conexión entre figuras adyacentes no solo visualmente, sino también emocionalmente. Las técnicas puramente pictóricas sirven al mismo propósito. Así, las suaves líneas parabólicas trazadas en los contornos de la manga de la Virgen María encuentran eco tanto en el contorno de la figura del Niño como en el movimiento de los pliegues del manto de José.

La Virgen y el Niño: uno de los leitmotiv del arte Rafael: en sólo cuatro años de su estancia en Florencia, pintó al menos una docena y media de cuadros variando esta trama. La Madre de Dios a veces se sienta con el Bebé en brazos, a veces juega con él o simplemente piensa en algo, mirando a su hijo. A veces se les añade un poco de Juan Bautista.

Así, "", escrito por él en 1512 - 1513, recibió el más alto reconocimiento. La madre sostiene al niño en sus brazos y lo lleva hacia nosotros, a nuestro mundo. Santísimo Sacramento Sucedió: nació un hombre. Ahora la vida está ante él. La trama evangélica es sólo un pretexto para resolver una idea eterna a través de una alegoría compleja. La vida para el ser humano que entra en ella no es sólo alegría, sino también búsquedas, caídas, altibajos y sufrimiento.

Una mujer lleva a su hijo a un mundo frío y aterrador, lleno de logros y alegría. Ella es madre, anticipa el destino de su hijo, todo lo que le espera. Ella ve su futuro, por lo que en sus ojos hay horror, horror de lo inevitable, dolor y miedo por su bebé.

Y, sin embargo, no se detiene en el umbral terrenal, sino que lo cruza.

La cara del Bebé es la más llamativa. Al mirar a los ojos del Bebé, inusualmente brillantes, brillantes, casi aterradores para el espectador, la impresión no es sólo una mirada amenazadora, sino también algo salvaje y "obsesionado" con una mirada significativa. Éste es Dios y, como Dios, también conoce el secreto de su futuro, también sabe lo que le espera en este mundo en el que se ha abierto el telón. Se aferra a su madre, pero no busca su protección, sino que, por así decirlo, se despide de ella tan pronto como llega a este mundo y acepta todo el peso de las pruebas.

El vuelo ingrávido de la Virgen. Pero un momento más y ella pisará el suelo. Le entrega a la gente lo más preciado: su hijo, una persona nueva. Aceptadlo, pueblo, él está dispuesto a aceptar por vosotros un tormento mortal. Ésta es la idea principal que el artista expresó en la pintura.

Es esta idea la que despierta buenos sentimientos en el espectador, conecta santi con grandes nombres, lo eleva como artista a alturas inalcanzables.

A mediados del siglo XVIII, los benedictinos vendieron " Virgen Sixtina"al elector Federico Augusto II, en 1754 pasó a formar parte de la colección de la Galería Nacional de Dresde. " Virgen Sixtina"se convirtió en objeto de culto para toda la humanidad. Comenzaron a llamarla la imagen más grande e inmortal del mundo.

La imagen de pura belleza se puede ver en el retrato "". "" fue pintado por el artista durante su estancia en Florencia. La imagen de una joven hermosa que creó está llena de encanto y pureza virginal. Esta impresión también está asociada con el misterioso animal que yace pacíficamente en su regazo: el unicornio, símbolo de pureza, pureza femenina y castidad.

Por mucho tiempo " dama con un unicornio"se atribuyó a Perugino o a Tiziano. No fue hasta la década de 1930 que se descubrió y confirmó la autoría de Rafael. Resultó que el artista inicialmente representó a una dama con un perro, luego apareció en su regazo una criatura mítica, un unicornio.

La bella desconocida representada Rafael, parece ser una “deidad”, un “santuario”. Está en armonía ilimitada con el mundo que la rodea.

Este trabajo Rafael como una especie de diálogo entre el genio del Renacimiento y leonardo da vinci, que acaba de crear su famoso “ Mona Lisa", que logró causar una profunda impresión en el joven artista.

Utilizando las lecciones de Leonardo, el Maestro de las Madonnas sigue al maestro. Coloca su modelo en el espacio del balcón y contra el fondo del paisaje, dividiendo el plano en diferentes zonas. El retrato del modelo representado dialoga con el espectador, creando nuevas imágenes y revelando su mundo interior diferente y poco común.

La combinación de colores en un retrato también juega un papel muy importante. Una paleta colorida y brillante, construida sobre una gradación de colores claros y puros, le da al paisaje una transparencia clara, imperceptiblemente envuelta en una ligera neblina. Todo esto enfatiza aún más la integridad y pureza del paisaje en el contexto de la imagen de la dama.

Fresco con témperas sobre madera " Transfiguración", que Rafael comenzó a escribir en 1518 por orden del cardenal Giulio de' Medici para la catedral de Narbona, puede percibirse como un mandamiento artístico del artista.

El lienzo se divide en dos partes. La trama de la Transfiguración se presenta en la parte superior. El Salvador, con las manos levantadas, vestido con vestiduras justas ondeando, flota sobre el fondo de una neblina iluminada por el brillo de su propio resplandor. A ambos lados de Él, también flotando en el aire, están Moisés y Elías, los ancianos; el primero, como ya se ha señalado, con pastillas en las manos. En la cima de la montaña en diferentes poses Los Apóstoles ciegos mienten: se cubren el rostro con las manos, incapaces de soportar la luz que emana de Cristo. A la izquierda de la montaña hay dos testigos exteriores del milagro de la Transfiguración, uno de ellos tiene un rosario. Su presencia no encuentra justificación en la historia del evangelio y aparentemente fue dictada por algunas consideraciones del artista que ahora desconocemos.

No hay sensación de milagro y gracia de la luz favoriana en la imagen. Pero existe un sentimiento de sobresaturación emocional en las personas, que se superpone al fenómeno milagroso en sí.

En la mitad inferior de la imagen al pie de la montaña. santi Se representan dos grupos animados de personas: a la izquierda están los otros nueve Apóstoles, a la derecha, una multitud de judíos, en la que en primer plano se puede ver a una mujer arrodillada y a un judío que sostiene a un niño poseído, cuyos fuertes ojos nublados se retuercen. y la boca abierta revelan su severo sufrimiento físico y mental. La multitud ruega a los Apóstoles que curen al endemoniado. Los apóstoles lo miran asombrados, incapaces de aliviar su suerte; algunos de ellos señalan a Cristo.

Si miras de cerca el rostro de Cristo, que Rafael escribió en vísperas de su muerte, y al compararlo con el “” artista, se pueden encontrar algunas similitudes.

rafael santi - Gran artista De carácter alegre y bondadoso, murió inesperadamente una tarde de primavera, a la edad de treinta y siete años. Dejó este mundo lleno de belleza divina tras una breve enfermedad el 6 de abril de 1520 en su taller. Parecía que el arte había muerto junto con el gran y venerado artista. Según el testamento de Rafael Santi, fue enterrado entre los grandes pueblos de Italia en el Panteón.

Rafael (en realidad Raffaello Santi o Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio) (26 o 28 de marzo de 1483, Urbino - 6 de abril de 1520, Roma), pintor y arquitecto italiano.

Rafael, hijo del pintor Giovanni Santi, pasó sus primeros años en Urbino. En 1500-1504, Rafael, según Vasari, estudió con el artista Perugino en Perugia.

Desde 1504, Rafael trabajó en Florencia, donde conoció las obras de Leonardo da Vinci y Fra Bartolommeo, y estudió anatomía y perspectiva científica.
Mudarse a Florencia jugó un papel muy importante en el desarrollo creativo de Rafael. De primordial importancia para el artista fue el conocimiento del método del gran Leonardo da Vinci.
Siguiendo a Leonardo, Rafael comienza a trabajar mucho de la vida, estudiando anatomía, mecánica de movimientos, posturas y ángulos complejos, buscando fórmulas compositivas compactas y rítmicamente equilibradas.
Las numerosas imágenes de Madonnas que creó en Florencia le dieron al joven artista fama italiana.
Rafael recibió una invitación del Papa Julio II para ir a Roma, donde pudo familiarizarse con los monumentos antiguos y participó en excavaciones arqueológicas. Tras mudarse a Roma, el maestro de 26 años recibió el puesto de “artista de la Sede Apostólica” y el encargo de pintar las salas estatales del Palacio del Vaticano, desde 1514 dirigió la construcción de la Catedral de San Pedro, trabajó en En el campo de la arquitectura de iglesias y palacios, en 1515 fue nombrado Comisionado de Antigüedades, responsable del estudio y protección de los monumentos antiguos y las excavaciones arqueológicas. Cumpliendo la orden del Papa, Rafael creó murales en los pasillos del Vaticano, glorificando los ideales de libertad y felicidad terrenal del hombre, la ilimitación de sus capacidades físicas y espirituales.

El cuadro “Madonna Conestabile” de Rafael Santi fue creado por el artista cuando tenía veinte años.

En esta pintura, el joven artista Rafael creó su primera encarnación notable de la imagen de la Virgen, que ocupó un lugar extremadamente importante en su arte. La imagen de una madre joven y hermosa, generalmente tan popular en el arte renacentista, es especialmente cercana a Rafael, cuyo talento tenía mucha suavidad y lirismo.

A diferencia de los maestros del siglo XV, en las pinturas del joven artista Rafael Santi surgieron nuevas cualidades, cuando una estructura compositiva armoniosa no limita las imágenes, sino que, por el contrario, se percibe como una condición necesaria para la sensación de naturalidad y libertad que generan.

Sagrada Familia 1507-1508. Antigua Pinacoteca de Múnich.

Cuadro del artista Raphael Santi “La Sagrada Familia” de Canigiani.

El cliente de la obra es Domenico Canigianini de Florencia. En el cuadro "La Sagrada Familia", el gran pintor renacentista Rafael Santi representó a la Sagrada Familia en el estilo clásico de la historia bíblica: la Virgen María, José, el niño Jesucristo junto con Santa Isabel y el niño Juan Bautista.

Sin embargo, sólo en Roma Rafael superó la sequedad y cierta rigidez de sus primeros retratos. Fue en Roma donde alcanzó su madurez el brillante talento de Rafael como retratista.

En las “Madonnas” de Rafael del período romano, el estado de ánimo idílico de sus primeras obras es reemplazado por la recreación de sentimientos humanos y maternales más profundos, ya que María, llena de dignidad y pureza espiritual, aparece como la intercesora de la humanidad en la obra más famosa de Rafael. - “La Virgen Sixtina”.

La pintura “La Virgen Sixtina” de Rafael Santi fue creada originalmente por el gran pintor como imagen del altar de la iglesia de San Sixto en Piacenza.

En el cuadro, el artista representa a la Virgen María con el Niño Jesús, el Papa Sixto II y Santa Bárbara. La pintura "La Virgen Sixtina" es una de las obras de arte más famosas del mundo.

¿Cómo se creó la imagen de la Virgen? ¿Había un prototipo real para ello? En este sentido, a la pintura de Dresde se le atribuyen varias leyendas antiguas. Los investigadores encuentran similitudes en los rasgos faciales de la Virgen con el modelo de uno de los retratos femeninos de Rafael: la llamada "Dama del Velo". Pero para resolver esta cuestión, en primer lugar, hay que tener en cuenta la famosa afirmación del propio Rafael en una carta a su amigo Baldassare Castiglione de que al crear la imagen de la perfecta belleza femenina se guía por una determinada idea que surge en el base de muchas impresiones de las bellezas que el artista vio en vida. Es decir, la base del método creativo del pintor Raphael Santi es la selección y síntesis de observaciones de la realidad.

En los últimos años de su vida, Rafael estuvo tan sobrecargado de órdenes que confió la ejecución de muchas de ellas a sus alumnos y asistentes (Giulio Romano, Giovanni da Udine, Perino del Vaga, Francesco Penni y otros), limitándose habitualmente a supervisión general de las obras.

Rafael tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior de la pintura italiana y europea, convirtiéndose, junto con los maestros de la antigüedad, en el máximo ejemplo de perfección artística. El arte de Rafael, que tuvo una tremenda influencia en la pintura europea de los siglos XVI al XIX y, en parte, del XX, conservó durante siglos el significado de autoridad artística indiscutible y modelo para artistas y espectadores.

En los últimos años de su labor creativa, a partir de los dibujos del artista, sus alumnos crearon enormes cartulinas de temas bíblicos con episodios de la vida de los apóstoles. A partir de estos cartones, los maestros bruselenses debían crear tapices monumentales destinados a decorar la Capilla Sixtina durante las vacaciones.

Pinturas de Rafael Santi

El cuadro "Ángel" de Raphael Santi fue creado por el artista cuando tenía 17-18 años, a principios del siglo XVI.

Esta magnífica obra temprana del joven artista es parte o fragmento del retablo de Baroncha, dañado por el terremoto de 1789. El retablo “Coronación del Beato Nicolás de Tolentino, vencedor de Satán” fue encargado por Andrea Baronci para la capilla de su casa en la iglesia de San Agostinho en Città de Castello. Además del fragmento del cuadro “Ángel”, se conservan tres partes más del altar: “El Altísimo Creador” y “La Santísima Virgen María” en el Museo Capodimonte (Nápoles) y otro fragmento “Ángel” en el Louvre (París).

El cuadro “Madonna Granduca” fue pintado por el artista Rafael Santi después de mudarse a Florencia.

Las numerosas imágenes de Madonnas creadas por el joven artista en Florencia (“Madonna de Granduca”, “Madonna del Jilguero”, “Madonna de los Verdes”, “Madonna con el Niño Cristo y Juan Bautista” o “El Hermoso Jardinero” y otros) le dieron a Raphael Santi fama totalmente italiana.

El cuadro “El sueño de un caballero” fue pintado por el artista Rafael Santi en los primeros años de su obra.

La pintura pertenece al legado de Borghese, probablemente junto con otra obra del artista, “Las Tres Gracias”. Estas pinturas, "El sueño de un caballero" y "Las tres gracias", tienen una composición de tamaño casi en miniatura.

El tema de “El sueño del caballero” es una refracción única del antiguo mito de Hércules en el cruce entre las encarnaciones alegóricas del Valor y el Placer. Cerca del joven caballero, representado durmiendo con el telón de fondo de un hermoso paisaje, se encuentran dos mujeres jóvenes. Uno de ellos, vestido de etiqueta, le ofrece una espada y un libro, el otro una rama con flores.

En el cuadro “Las Tres Gracias”, el motivo compositivo de tres figuras femeninas desnudas aparentemente está tomado de un camafeo antiguo. Y aunque todavía hay mucha incertidumbre en estas obras del artista (“Las Tres Gracias” y “El sueño de un caballero”), atraen con su encanto ingenuo y su pureza poética. Ya aquí se revelaron algunas características inherentes al talento de Rafael: la poesía de las imágenes, el sentido del ritmo y la suave melodía de las líneas.

El retablo “Madonna de Ansidei” de Raphael Santi fue pintado por el artista en Florencia; el joven pintor aún no tenía 25 años.

Unicornio, animal mítico con cuerpo de toro, caballo o cabra y un cuerno largo y recto en la frente.

El unicornio es un símbolo de pureza y virginidad. Según la leyenda, sólo una niña inocente puede domar al feroz unicornio. El cuadro “La dama del unicornio” fue pintado por Rafael Santi basándose en una trama mitológica popular durante el Renacimiento y el manierismo, que muchos artistas utilizaron en sus pinturas.

El cuadro “La dama del unicornio” sufrió graves daños en el pasado, pero ahora ha sido parcialmente restaurado.

Cuadro de Raphael Santi “Madonna in Greenery” o “María con el Niño y Juan Bautista”.

En Florencia, Rafael creó el ciclo Madonna, lo que indica el inicio de una nueva etapa en su obra. Entre las más famosas, la "Madonna de los Verdes" (Viena, Museo), la "Madonna del Jilguero" (Uffizi) y la "Madonna del Jardinero" (Louvre) representan una especie de variantes de un motivo común: el imagen de una joven y hermosa madre con el niño Cristo y el pequeño Juan Bautista en el contexto de un paisaje. También son variaciones de un tema: el tema del amor maternal, brillante y sereno.

Cuadro retablo "Madonna di Foligno" de Raphael Santi.

En la década de 1510, Rafael trabajó mucho en el campo de la composición de altares. Varias de sus obras de este tipo, incluida la Madonna di Foligno, nos llevan a la mayor creación de su pintura de caballete: la Virgen Sixtina. Esta pintura fue creada en 1515-1519 para la Iglesia de San Sixto en Piacenza y ahora se encuentra en la Galería de Arte de Dresde.

El cuadro "Madonna di Foligno" en su estructura compositiva es similar a la famosa "Madonna Sixtina", con la única diferencia de que en el cuadro "Madonna di Foligno" hay más personajes y la imagen de la Virgen se distingue por una especie de aislamiento interno - su mirada está ocupada con su hijo - el Niño Jesús.

La pintura "Madonna del Impannata" de Rafael Santi fue creada por el gran pintor casi al mismo tiempo que la famosa "Madonna Sixtina".

En el cuadro, el artista representa a la Virgen María con los niños Cristo y Juan Bautista, Santa Isabel y Santa Catalina. La pintura "Madonna del Impannata" da testimonio de una mayor mejora del estilo del artista, de la complicación de las imágenes en comparación con las suaves imágenes líricas de sus Madonnas florentinas.

La mitad de la década de 1510 fue la época de los mejores retratos de Rafael.

Castiglione, Conde Baldassare (Castiglione; 1478-1526) - diplomático y escritor italiano. Nacido cerca de Mantua, sirvió en varias cortes italianas, fue embajador del duque de Urbino en el siglo XVI para Enrique VII de Inglaterra y desde 1507 en Francia para el rey Luis XII. En 1525, ya en una edad bastante avanzada, fue enviado por el nuncio papal a España.

En este retrato, Rafael demostró ser un colorista excepcional, capaz de percibir el color en sus complejos matices y transiciones tonales. El retrato de la Dama del Velo se diferencia del retrato de Baldassare Castiglione por sus notables cualidades colorísticas.

Los investigadores de la obra del artista Rafael Santi y los historiadores de la pintura renacentista encuentran en los rasgos del modelo de este retrato femenino de Rafael una semejanza con el rostro de la Virgen María en su famoso cuadro "La Virgen Sixtina".

Juana de Aragón 1518 Museo del Louvre, París.

El cliente del cuadro fue el cardenal Bibbiena, escritor y secretario del Papa León X; la pintura estaba destinada a ser un regalo al rey francés Francisco I. El retrato recién lo comenzó el artista y no se sabe con certeza cuál de sus alumnos (Giulio Romano, Francesco Penni o Perino del Vaga) lo completó.

Juana de Aragón (? -1577) - hija del rey napolitano Federigo (más tarde depuesto), esposa de Ascanio, el príncipe Taliacosso, famosa por su belleza.

La extraordinaria belleza de Juana de Aragón fue glorificada por los poetas contemporáneos en una serie de dedicatorias poéticas, cuya colección comprendía un volumen completo, publicado en Venecia.

La pintura del artista representa una versión clásica del capítulo bíblico del Apocalipsis de Juan el Teólogo o del Apocalipsis.
“Y hubo guerra en el cielo: Miguel y sus ángeles pelearon contra el dragón, y el dragón y sus ángeles pelearon contra ellos, pero no resistieron, y ya no había lugar para ellos en el cielo. Y fue arrojado fuera el gran dragón, la serpiente antigua, que se llama diablo y Satanás, el cual engaña al mundo entero, fue arrojado a la tierra, y sus ángeles fueron arrojados con él…”

Frescos de Rafael

El fresco del artista Raphael Santi "Adán y Eva" también tiene otro nombre: "La Caída".

El tamaño del fresco es de 120 x 105 cm. Rafael pintó el fresco "Adán y Eva" en el techo de la cámara del pontífice.

El fresco del artista Raphael Santi "La Escuela de Atenas" también tiene otro nombre: "Conversaciones filosóficas". El tamaño del fresco, la longitud de la base es de 770 cm. Después de mudarse a Roma en 1508, a Rafael se le encomendó pintar los apartamentos del Papa, las llamadas estrofas (es decir, habitaciones), que incluyen tres habitaciones en la segunda. piso del Palacio Vaticano y la sala adyacente. Se suponía que el programa ideológico general de los ciclos de frescos en las estrofas, tal como lo concibieron los clientes, serviría para glorificar la autoridad de la Iglesia católica y su líder, el sumo sacerdote romano.

Junto con imágenes alegóricas y bíblicas, los frescos individuales representan episodios de la historia del papado; algunas composiciones incluyen retratos de Julio II y su sucesor León X;

El cliente del cuadro “El triunfo de Galatea” es Agostino Chigi, un banquero de Siena; El fresco fue pintado por el artista en el salón de banquetes de la villa.

El fresco de Raphael Santi "El triunfo de Galatea" representa a la bella Galatea moviéndose rápidamente entre las olas sobre un caparazón dibujado por delfines, rodeada de tritones y náyades.

En uno de los primeros frescos de Rafael, la "Disputa", que representa una conversación sobre el sacramento de la comunión, los motivos de culto eran los más destacados. El símbolo de la comunión en sí, la hostia (oblea), está instalado en el altar en el centro de la composición. La acción se desarrolla en dos planos: en la tierra y en el cielo. Abajo, sobre un estrado escalonado, a ambos lados del altar se ubicaban los padres de la iglesia, papas, prelados, clérigos, ancianos y jóvenes.

Entre otros participantes se encuentran Dante, Savonarola y el piadoso monje pintor Fra Beato Angelico. Sobre toda la masa de figuras en la parte inferior del fresco, como una visión celestial, aparece la personificación de la Trinidad: Dios Padre, debajo de él, en un halo de rayos dorados, está Cristo con la Madre de Dios y Juan el Bautista, aún más abajo, como marcando el centro geométrico del fresco, hay una paloma en esfera, símbolo del espíritu santo, y a los lados los apóstoles están sentados sobre nubes flotantes. Y toda esta enorme cantidad de figuras, con un diseño compositivo tan complejo, está distribuida con tal habilidad que el fresco deja una impresión de asombrosa claridad y belleza.

Profeta Isaías 1511-1512. San Agostinho, Roma.

El fresco de Rafael representa al gran profeta bíblico del Antiguo Testamento en el momento de la revelación de la venida del Mesías. Isaías (siglo IX a. C.), profeta hebreo, celoso defensor de la religión de Yahvé y denunciante de la idolatría. El Libro bíblico del profeta Isaías lleva su nombre.

Uno de los cuatro grandes profetas del Antiguo Testamento. Para los cristianos, la profecía de Isaías sobre el Mesías (Emanuel; cap. 7, 9 - “...he aquí, la Virgen concebirá y dará a luz un hijo, y le pondrán por nombre Emanuel”) es de particular importancia. La memoria del profeta es venerada en la Iglesia Ortodoxa el 9 de mayo (22 de mayo), en la Iglesia Católica el 6 de julio.

Frescos y últimas pinturas de Rafael

El fresco “La liberación del apóstol Pedro de la prisión”, que representa la milagrosa liberación del apóstol Pedro de la prisión por un ángel (una alusión a la liberación del Papa León X del cautiverio francés cuando era legado papal), constituye un cuadro muy fuerte impresión.

En las lámparas del techo de los apartamentos papales, Stanza della Segnatura, Rafael pintó los frescos "La caída", "La victoria de Apolo sobre Marsias", "Astronomía" y un fresco sobre la famosa historia del Antiguo Testamento "El juicio de Salomón".
Es difícil encontrar en la historia del arte cualquier otro conjunto artístico que dé la impresión de tanta riqueza figurativa en términos de diseño ideológico y visual-decorativo como las estrofas vaticanas de Rafael. Paredes cubiertas con frescos de varias figuras, techos abovedados con una rica decoración dorada, con inserciones de frescos y mosaicos, un piso bellamente decorado: todo esto podría crear la impresión de sobrecarga, si no fuera por el alto orden inherente al diseño general de Raphael Santi. lo que aporta a este complejo artístico la necesaria claridad y visibilidad.

Hasta los últimos años de su vida, Rafael prestó gran atención a la pintura monumental. Una de las obras más importantes del artista fue la pintura de la Villa Farnesina, que perteneció al banquero romano más rico, Chigi.

A principios de la década de 1910, Rafael pintó el fresco “El triunfo de Galatea” en el salón principal de esta villa, que es una de sus mejores obras.

Los mitos sobre la princesa Psyche hablan del deseo del alma humana de fusionarse con el amor. Por su indescriptible belleza, la gente veneraba a Psique más que a Afrodita. Según una versión, una diosa celosa envió a su hijo, la deidad del amor Cupido, para despertar en la niña la pasión por la persona más fea, sin embargo, al ver la belleza, el joven perdió la cabeza y se olvidó de su madre. orden. Habiéndose convertido en el marido de Psyche, no le permitió que ella lo mirara. Ella, ardiendo de curiosidad, encendió una lámpara por la noche y miró a su marido, sin notar una gota de aceite caliente cayendo sobre su piel, y Cupido desapareció. Al final, por voluntad de Zeus, los amantes se unieron. Apuleyo en Metamorfosis vuelve a contar el mito de la historia romántica de Cupido y Psique; los vagabundeos del alma humana, ansiosa por encontrar su amor.

El cuadro representa a Fornarina, la amante de Rafael Santi, cuyo verdadero nombre es Margherita Luti. El verdadero nombre de Fornarina fue establecido por el investigador Antonio Valeri, quien lo descubrió en un manuscrito de una biblioteca florentina y en una lista de monjas de un monasterio, donde la novicia fue identificada como la viuda del artista Rafael.

Fornarina es la legendaria amante y modelo de Raphael, cuyo verdadero nombre es Margherita Luti. Según muchos críticos de arte del Renacimiento e historiadores de la obra del artista, Fornarina está representada en dos pinturas famosas de Rafael Santi: "Fornarina" y "La dama velada". También se cree que Fornarina, con toda probabilidad, sirvió de modelo para la creación de la imagen de la Virgen María en el cuadro "La Virgen Sixtina", así como algunas otras imágenes femeninas de Rafael.

Transfiguración de Cristo 1519-1520. Pinacoteca del Vaticano, Roma.

La pintura fue creada originalmente como retablo de la Catedral de Narbona, por encargo del cardenal Giulio Medici, obispo de Narbona. Las contradicciones de los últimos años de la obra de Rafael se reflejaron sobre todo en la enorme composición del altar "La Transfiguración de Cristo", que fue completada después de la muerte de Rafael por Giulio Romano.

Esta imagen se divide en dos partes. La parte superior muestra la transformación real; esta parte más armoniosa de la imagen fue realizada por el propio Rafael. A continuación se muestran los apóstoles tratando de sanar a un niño poseído.

Fue el cuadro del altar de Raphael Santi “La Transfiguración de Cristo” el que se convirtió durante siglos en un modelo indiscutible para los pintores académicos.
Rafael murió en 1520. Su muerte prematura fue inesperada y causó una profunda impresión en sus contemporáneos.

Rafael Santi se encuentra merecidamente entre los más grandes maestros del Alto Renacimiento.