Kratka biografija skladatelja Monteverdija. Biografija

Claudio Monteverdi(puno ime Claudio Giovanni Antonio Monteverdi, talijanski. Claudio Giovanni Antonio Monteverdi; 9. svibnja 1567., Cremona (kršten 15. svibnja 1567.) - 29. studenog 1643., Venecija) - talijanski kompozitor, jedna od najvećih u doba prijelaza iz kasne renesanse u rani barok (rađena u renesansnom i baroknom stilu). Monteverdijeva najpoznatija djela su kasni madrigali, Oplakivanje Arijadne, opera Orfej i Večernja (Bogorodičina).

Biografija

Claudio Monteverdi rođen je 1567. u Cremoni, gradu u sjevernoj Italiji, u obitelji Balthasara Monteverdija, liječnika, ljekarnika i kirurga. Bio je najstariji od petero djece. Od djetinjstva je učio kod M. A. Ingenierija, dirigenta katedrala u Cremoni. Monteverdi je naučio glazbenu umjetnost sudjelujući u izvođenju liturgijskih napjeva. Studirao je i na Sveučilištu u Cremoni. Njegove prve objavljene zbirke uključivale su (latinske) motete i duhovne (talijanske) madrigale (Cantiunculae Sacrae, 1582; ​​​​Madrigali Spirituali, 1583). Slijedile su zbirke troglasnih canzonetta (1584.), a kasnije dvije »knjige« (zbirke) peteroglasnih madrigala (1587.; 1590.). Od 1590. (ili 1591.) do 1612. Monteverdi je radio na dvoru vojvode Vincenza I. Gonzage (1562.-1612.) u Mantovi, najprije kao pjevač i kockar, a od 1602. kao kapelnik, organizator cijele glazbeni život na kneževskom dvoru.

Godine 1599. Monteverdi se oženio dvorskom pjevačicom Claudiom Cattaneo, s kojom je živio 8 godina (Claudia je umrla 1607.). Imali su dva dječaka i djevojčicu koji su umrli ubrzo nakon rođenja.

Godine 1613. Monteverdi se preselio u Veneciju, gdje je preuzeo mjesto dirigenta katedrale San Marco. Brzo je povratio ovaj položaj profesionalna razina zborski glazbenici i instrumentalisti (kapela je bila u propadanju zbog lošeg upravljanja sredstvima njezinog prethodnika Giulija Cesarea Martinenga). Upravitelji bazilike bili su oduševljeni što su dobili tako iznimnog glazbenika kao što je Monteverdi, jer je glazbeni aspekt bogoslužja bio u opadanju od smrti Giovannija Crocea 1609. godine.

Oko 1632. Monteverdi je zaređen za svećenika. U posljednjih godinaživota, iz njegova su pera nastala posljednja dva remek-djela: Odisejev povratak (Il ritorno d'Ulisse in patria, 1641.) i povijesna opera Krunidba Poppea (L'incoronazione di Poppea, 1642.), čija je radnja bila na temelju događaja iz života rimskog cara Nerona. Krunidba Poppea smatra se vrhuncem cjelokupnog Monteverdijeva djela. Spaja tragične, romantične i komične scene (novi korak u dramaturgiji opernog žanra), realističnije karakteristike portreta likovi i melodije iznimne topline i senzualnosti. Za nastup opere bio je potreban mali orkestar, a malu je ulogu imao i zbor. Dugo su se Monteverdijeve opere promatrale samo kao povijesne i glazbena činjenica. Od šezdesetih godina 20. stoljeća, Krunidba Poppee ponovno je oživljena na repertoaru najvećih svjetskih opernih pozornica. Monteverdi je pokopan u Veneciji u bazilici Santa Maria Gloriosa dei Frari.

Kreativnost i stil

Monteverdijevo stvaralaštvo zastupljeno je s tri skupine djela: madrigali, opere i sakralna glazba. glavna značajka Monteverdijeva skladateljska tehnika - kombinacija (često u jednom djelu) imitativne polifonije, karakteristične za skladatelje kasne renesanse, i homofonije, postignuće nova era barokni. Monteverdijeva je inovacija izazvala oštre kritike istaknutog glazbenog teoretičara Giovannija Artusija, u polemici s kojim su Monteverdi (i njegov brat Giulio Cesare) ocrtali svoju privrženost tzv. “drugoj praksi” glazbe. Prema izjavi braće Monteverdi, u glazbi vlada druga praksa pjesnički tekst, kojoj se svi elementi pokoravaju glazbeni govor, prije svega, melodija, harmonija i ritam. Tekst je taj koji opravdava sve nepravilnosti u potonjem.

Monteverdi je do 40. godine djelovao prvenstveno u žanru madrigala (ukupno 8 zbirki ["knjiga"]; deveta, neautorska, zbirka objavljena je posthumno). Rad na prvoj knjizi, koja se sastoji od peteroglasnih madrigala (ukupno 21), trajao je oko 4 godine. Prvih osam knjiga madrigala predstavlja veliki skok od polifonije renesanse do homofonije karakteristične za baroknu glazbu.

Claudio Monteverdi rođen je u Cremoni. Točno se zna samo datum njegovog krštenja - 15. svibnja 1567. godine. Cremona je sjevernotalijanski grad koji je od davnina poznat kao sveučilišno i glazbeno središte s izvrsnom crkvenom kapelom i izuzetno visokom instrumentalnom kulturom. U XVI-XVII stoljeća izrađivale su cijele obitelji slavnih kremonskih majstora - Amati, Guarneri, Stradivari gudalački instrumenti, čija je ljepota zvuka bila i nema ravne nigdje.

Skladateljev otac bio je liječnik, on sam možda stekao sveučilišno obrazovanje i u mladosti se razvio ne samo kao glazbenik vješt u pjevanju, sviranju viole, orgulja i skladanju svetih pjesama, madrigala i canzonetta, nego i kao umjetnik vrlo širokih vidika i humanističkih pogleda. Skladanju ga je podučavao tada poznati skladatelj Marc Antonio Ingenier, koji je bio dirigent katedrale u Cremoni.

Osamdesetih godina 15. stoljeća Monteverdi je živio u Milanu, odakle je, na poziv vojvode Vincenza Gonzage, kao dvadesettrogodišnjak otišao na mantuanski dvor kao pjevač i virtuoz na violi. Nakon toga (od 1601) postao je dvorski dirigent u Gonzagi. Dokumentarni materijali, a nadasve prepiska samog skladatelja, govore nam da mu život tamo nije bio nimalo sladak; prisilno postojanje. “Radije bih molio nego ponovno bio izložen takvom poniženju”, kasnije je napisao. Ipak, upravo u tim teškim uvjetima Monteverdi se konačno pojavio kao zreo i izvanredan majstor – tvorac djela koja su ovjekovječila njegovo ime. Usavršavanju svoje umjetnosti pridonio je svakodnevni rad s izvrsnim ansamblima dvorske kapele i crkve sv. Barbare, lutanja Europom u pratnji Gonzaga u Mađarskoj, Flandrija, komunikacija s istaknutim suvremenicima, među kojima su bili i briljantni umjetnici, kao što je Rubens. No posebno važan čimbenik napretka za Monteverdija bila je njegova karakteristična skromnost, neumoran rad i iznimno stroga strogost prema vlastite spise. U 1580-1600-im, prvih pet knjiga prekrasnih peteroglasnih madrigala napisano je u Cremoni, Milanu i Mantovi.

Značenje ovog žanra u formiranju kreativna metoda a cjelokupna umjetnička individualnost majstora bila je golema. Nije stvar samo u tome što u Monteverdijevoj baštini madrigal kvantitativno dominira nad ostalima (samo dvjestotinjak djela koja se temelje na tekstovima Tassa, Marinea, Guarinija, Strigija i drugih pjesnika). Upravo je to žanrovsko područje postalo Monteverdijevim kreativnim laboratorijem u kojemu je u mladosti poduzimao najsmjelije inovativne pothvate. U kromatizaciji modusa bio je znatno ispred madrigalista XVI stoljeće, a da, međutim, ne zapada u subjektivističku sofisticiranost. Monteverdijeva ogromna progresivna akvizicija bila je briljantno izvedena fuzija renesansne polifonije i nove homofone strukture – dramatično individualizirane melodije najrazličitijih tipova s ​​instrumentalnom pratnjom. Ta, kako je sam skladatelj definirao, “druga praksa”, koja je puni i živopisni izražaj dobila u petoj knjizi peteroglasnih madrigala, postala je put prema ostvarenju umjetnikovog najvišeg estetskog cilja, do traženja i otjelovljenja istine i čovječanstvo. Stoga se, za razliku od, recimo, Palestrine, s njegovim religioznim i estetskim idealima, Monteverdi, iako je karijeru započeo kultnom polifonijom, s vremenom etablirao u čisto svjetovnim žanrovima.

Ništa ga nije privlačilo više od razotkrivanja unutarnjeg, duhovnog svijeta čovjeka u njegovim dramatičnim sudarima i sukobima s vanjskim svijetom. Monteverdi je pravi utemeljitelj konfliktne dramaturgije tragične prirode. On je istinski pjevač ljudskih duša. Ustrajno je težio prirodnoj izražajnosti glazbe. “Ljudski govor je gospodarica harmonije, a ne njen sluga.” Monteverdi je odlučan protivnik idilične umjetnosti, koja ne ide dalje od zvučnog slikarstva “kupidona, sljeza i sirena”. A budući da je njegov junak tragični junak, njegove "melopoetske figure" odlikuju se oštro napetom, često disonantnom intonacijskom strukturom. Prirodno je da se taj snažan dramski početak, što je dalje išao, sve više približavao granicama komorni žanr. Postupno je Monteverdi počeo razlikovati "madrigal gesta" i "madrigal bez gesta".

Ali i ranije su ga dramatične potrage vodile na taj put Opera, gdje je odmah nastupio potpuno naoružan svojom “drugom praksom” s prvim mantovskim operama “Orfej” (1607.) i “Arijadna” (1608.), koje su mu donijele veliku slavu.

S njegovim “Orfejem” počinje povijest prave opere. Namijenjen tipičnom dvorskom slavlju, Orfej je pisan na libreto koji jasno asocira na bajkovitu pastoralnost i raskošne dekorativne međuigre – te tipične atribute dvorske estetike. No Monteverdijeva glazba pretvara hedonističku bajkovitu pastoralu u duboku psihološku dramu. Prividnu pastoralu karakterizira tako ekspresivna, individualno jedinstvena glazba, obavijena poetskim ozračjem žalobnog madrigala, da i danas djeluje na nas.

“...Arijadna me dirnula jer je bila žena, Orfej jer je bio jednostavan čovjek... Arijadna je u meni probudila istinsku patnju, zajedno s Orfejem sam molio za sažaljenje...” Monteverdijeva suština je sadržana u ovoj izjavi vlastitu kreativnost, te glavna bit revolucije koju je napravio u umjetnosti. Tijekom Monteverdijeva života, ideja o sposobnosti glazbe da utjelovljuje "bogatstvo unutarnjeg svijeta osobe" ne samo da nije bila otrcana istina, već se doživljavala kao nešto nečuveno novo i revolucionarno. Po prvi put u tisućgodišnjoj eri, zemaljska ljudska iskustva bila su u središtu skladateljsko stvaralaštvo istinski klasična razina.

Glazba opere usmjerena je na otkrivanje unutarnjeg svijeta tragični junak. Njegova uloga neobično je višestruka, spaja različite emotivne i izražajne struje i žanrovske linije. Oduševljeno doziva rodne šume i obale ili oplakuje gubitak svoje Euridike u neumjetnim narodnim pjesmama.

U recitatorskim dijalozima Orfejeve strastvene opaske ispisane su onim uzburkanim, kasnijim Monteverdijevim izrazom, "zbunjenim" stilom, koji je namjerno suprotstavio monotonom recitativu firentinske opere. Slika heroja, njegova nadahnuta umjetnost, sretna ljubav i žalosti, njegov žrtveni podvig i postizanje cilja, tragičan kraj i konačni olimpijski trijumf pjevača - sve je to poetski utjelovljeno na pozadini kontrastnih glazbenih i scenskih prizora.

Kroz cijelu operu, velikodušnom rukom, razasute su milozvučne melodije, uvijek u skladu s pojavom likovi i scenske pozicije. Skladatelj ne zanemaruje polifoniju i s vremena na vrijeme utka svoje melodije u elegantno kontrapunktsko tkivo. Ipak, u “Orfeju” dominira homofono skladište čija partitura doslovce blješti smjelim i dragocjenim nalazima kromatskih harmonija, šarenih i istodobno duboko opravdanih figurativnim i psihološkim sadržajem ove ili one epizode drame.

Orkestar “Orfeja” je za to vrijeme bio golem i čak pretjerano raznolik u sastavu, odražavao je to prijelazno razdoblje kada se još puno ljudi sviralo na starim instrumentima naslijeđenim iz renesanse, pa čak i iz srednjeg vijeka, ali kada su se pojavili novi instrumenti već se pojavljuju koji su odgovarali novom emocionalnom sustavu, kompoziciji, glazbenim temama i izražajnim mogućnostima.

Instrumentacija "Orfeja" uvijek je estetski usklađena s melodijom, harmonijskim koloritom i scenskom situacijom. Instrumenti koji prate pjevačev monolog u podzemno kraljevstvo, podsjećaju na njegovo najvještije sviranje lire. Flaute utkaju jednostavne melodije pastirskih napjeva u pastoralne prizore. Tutnjava trombona zgušnjava atmosferu straha koja obavija neradosni i prijeteći Had. Monteverdi je pravi otac instrumentacije i u tom je smislu Orfej temeljna opera. Što se tiče drugog opernog djela koje je Monteverdi napisao u Mantovi, “Arijadna” (libreto O. Rinuccinija, recitativi J. Perija), ono nije sačuvano. Iznimka je svjetski poznata arija junakinje koju je skladatelj ostavio u dvije verzije za solo pjevanje uz pratnju i u kasnijoj verziji kao peteroglasni madrigal. Ova je arija rijetke ljepote i s pravom se smatra remek-djelom rane talijanske opere.

Godine 1608. Monteverdi, koji je dugo bio opterećen svojim položajem na kneževskom dvoru, napustio je Mantovu. Nije pokleknuo pred vlastoljubivim pokroviteljima i ostao je ponosan, samostalan umjetnik, visoko držeći stijeg humane umjetnosti. Nakon kraćeg boravka u domovini Cremoni, Rimu, Firenci, Milanu, Monteverdi 1613. prihvaća poziv u Veneciju, gdje ga prokuratori San Marca biraju za dirigenta ove katedrale.

U Veneciji je Monteverdi trebao nastupiti na čelu nove operne škole. U mnogočemu se razlikovala od svojih prethodnica i bila daleko ispred njih. To se objašnjavalo drugačijim lokalnim prilikama, drugačijim povijesnim odnosom društvenih snaga i ideoloških strujanja.

Venecija tog doba je grad republikanskog uređenja, svrgnute aristokracije, s bogatom, politički jakom, kulturnom buržoazijom i odvažnom opozicijom papinskom prijestolju. Mlečani su tijekom renesanse stvarali svoju umjetnost, svjetovniju, vedriju, realističniju nego bilo gdje drugdje na talijanskom tlu. Tu su u glazbi s kraja 16. stoljeća osobito široko i jarko klijale prve značajke i vjesnici baroka. Prva operna kuća, San Cassiano, otvorena je u Veneciji 1637. godine.

Nije to bila “akademija” za uski krug prosvijećenih humanističkih aristokrata, kao u Firenci. Ovdje papa i njegov dvor nisu imali moć nad umjetnošću. Zamijenila ju je moć novca. Mletačka buržoazija izgradila je sebi kazalište na svoju sliku i priliku, postala je trgovačko poduzeće. Izvor prihoda bila je blagajna. Nakon San Cassiana, u Veneciji su izrasla druga kazališta, ukupno više od deset. Među njima je bilo i neizbježno natjecanje, borba za publiku, umjetnike i prihode. Sva ta trgovačko-poduzetnička strana ostavila je traga na opernoj i kazališnoj umjetnosti. I u isto vrijeme, prvi put je postao ovisan o ukusima široke javnosti. To se odrazilo na njezin opseg, repertoar, produkciju, a konačno i na sam stil operne glazbe.

Monteverdijevo djelo postalo je vrhunac i snažan čimbenik napretka talijanskog operna umjetnost. Istina, Venecija mu nije donijela potpuno oslobođenje od ovisnosti. Tamo je stigao kao regent, predvodeći vokalno-instrumentalnu kapelu San Marco. Pisao je kultnu glazbu - mise, večernje, duhovne koncerte, motete, a na njega je neminovno utjecala i crkvena, vjera. Gore je već rečeno da je, budući po prirodi svjetovni umjetnik, prihvatio smrt u kleru.

Niz godina prije procvata venecijanske operne kuće, Monteverdi je i ovdje bio prisiljen služiti pokroviteljima, iako ne tako moćnim i svemoćnim kao u Milanu ili Mantovi. Palače Mocenigo i Grimani, Vendramini i Foscari bile su raskošno ukrašene ne samo slikama, kipovima, tapiserijama, već i glazbom. Kapela Svetog Marka često je ovdje nastupala na balovima i prijemima u vrijeme kada nema crkvenih službi. Uz Platonove dijaloge, Petrarkine kancone i Marine sonete, ljubitelje umjetnosti osvojili su Monteverdijevi madrigali. Taj omiljeni žanr nije napustio ni u venecijanskom razdoblju, i tada je u njemu postigao najveće savršenstvo.

Šesta, sedma i osma knjiga madrigala napisane su u Veneciji - žanr u kojem je Monteverdi eksperimentirao prije nego što je najnovije opere. Ali venecijanski madrigali imali su i ogroman samostalan značaj. Godine 1838. pojavila se zanimljiva zbirka "Vojnih i ljubavnih madrigala". Odražavalo je umjetnikovo duboko psihološko promatranje; glazbeno-poetska dramatizacija madrigala dovedena je ondje do posljednje moguće granice. Ova zbirka uključuje i neka ranija djela “Nezahvalne žene” - interludij mantovskog razdoblja i čuvenu “Borba Tankreda i Clorinde” - veličanstvenu dramatičnu scenu napisanu 1624. na osnovu Tassovog “Oslobođenog Jeruzalema”, namijenjenu izvođenju s kazališne kostime i rekvizite.

Tijekom trideset godina života u Veneciji Monteverdi je većinu svojih glazbeno-dramskih djela stvorio za kazališnu ili komornu scensku izvedbu.

Što se tiče samih opera, Monteverdi ih ima samo osam: Orfej, Arijadna, Andromeda (za Mantovu), Umišljeno ludi Liquori jedna je od prvih komične opere u Italiji "Silovanje Prozerpine", "Vjenčanje Eneje i Lavinije", "Povratak Uliksa u domovinu" i "Krunidba Popeje". Od venecijanskih opera sačuvale su se samo dvije posljednje.

Najviše značajno djelo Monteverdijeva opera iz venecijanskog razdoblja bila je Krunidba Poppee (1642.), dovršena malo prije nego što je umro na vrhuncu svoje slave kao "proročište glazbe", 29. studenoga 1643. Ova opera, koju je skladatelj stvorio kad mu je bilo sedamdeset i pet godina, ne samo da kruniše vlastitu kreativni put, ali se nemjerljivo uzdiže iznad svega što je u opernom žanru stvoreno prije Glucka. Misli koje su joj dale hrabrost i nadahnuće bile su neočekivane u tako poodmakloj dobi. Jaz između Krunidbe Poppee i svih Monteverdijevih prethodnih djela je upečatljiv i neobjašnjiv. To se u manjoj mjeri odnosi na samu glazbu. glazbeni jezik“Poppei” se može pratiti u tragovima čitavog prethodnog, više od pola stoljeća, razdoblja. No opći umjetnički izgled opere, neobičan kako za samo Monteverdijevo djelo tako i za glazbeno kazalište 17. stoljeće općenito bilo je presudno predodređeno originalnošću sižea i dramskog oblikovanja. Po cjelovitosti utjelovljenja životne istine, širini i svestranosti prikaza složenih ljudskih odnosa, autentičnosti psihičkih sukoba, težini produkcije moralni problemi nijedno drugo skladateljevo djelo koje je došlo do nas ne može se usporediti s Krunidbom Poppea.

Skladatelj i njegov talentirani libretist Francesco Busenello okrenuo se zapletu iz starorimske povijesti, koristeći kronike antičkog pisca Tacita, car Neron, zaljubljen u kurtizanu Poppeju Sabinu, uzdiže je na prijestolje, protjerujući bivšu caricu Oktaviju i postavljajući do smrti protivnik ove ideje, njegov mentor, filozof Seneka.

Ova slika je naslikana široko, mnogostrano, dinamično. Na pozornici su carski dvor, njegovi plemići, mudrac-savjetnik, paževi, kurtizane, sluge i pretorijanci. Glazbene karakteristike likova, međusobno suprotstavljene, psihološki su točne i prikladne. U brzoj i višestranoj radnji, u šarenim i neočekivanim kombinacijama, utjelovljuju se razni planovi i polovi života, tragični monolozi - i gotovo banalni prizori iz života; razigranost strasti - i filozofske kontemplacije; aristokratsku sofisticiranost – i bezumnost narodnog života i morala.

Monteverdi nikada nije bio u središtu mode, nikada nije uživao istu široku popularnost kao ona koja je pripala nekim od "umjerenijih" skladatelja madrigala, a kasnije i skladatelja "laganih" kanconeta i arija. Bio je toliko neovisan o pogledima i ukusima svojih suvremenika, toliko širi od njih u svojoj umjetničkoj psihologiji, da je podjednako prihvaćao antičko, višeglasno i novo, monodijsko pismo.

Danas je nedvojbeno da je Monteverdi „utemeljitelj moderna glazba" U djelu Monteverdija formiran je sustav umjetničkog mišljenja koji je karakterističan za naše doba.

Claudio je očito neko vrijeme studirao s M. A. Ingenierijem, regentom katedrale u Cremoni. Prvih pet zbirki djela iz pera mladog skladatelja (Duhovne melodije, Cantiunculae Sacrae, 1582.; ​​Duhovni madrigali, Madrigali Spirituali, 1583.; troglasne canzonete, 1584.; peteroglasni madrigali u dva sveska: Prva zbirka, 1587. i Druga zbirka, 1590.), jasno ukazuju na obuku koju je stekao. Razdoblje naukovanja završilo je oko 1590.: Monteverdi se tada prijavio za mjesto violinista u dvorskom orkestru vojvode Vincenza I. Gonzage u Mantovi i primljen je u službu.

Mantuansko razdoblje.

Služba u Mantovi donijela je glazbeniku mnogo razočaranja. Tek 1594. Monteverdi postaje kantor i tek 6. svibnja 1601., nakon odlaska B. Pallavicina, dobiva mjesto maestra della musica (majstora glazbe) vojvode od Mantove. U tom razdoblju (1595.) oženio se pjevačicom Claudijom Cattaneo, koja mu je rodila dva sina - Francesca i Massimiliana; Claudia je rano umrla (1607.), a Monteverdi je ostao udovac do kraja svojih dana. Tijekom svog prvog desetljeća na mantovskom dvoru, Monteverdi je pratio svog pokrovitelja na njegovim putovanjima u Mađarsku (1595.) i Flandriju (1599.). Ove su godine donijele bogatu žetvu peteroglasnih madrigala (Treća zbirka, 1592.; Četvrta zbirka, 1603.; Peta zbirka, 1605.). Mnogi su madrigali postali poznati mnogo prije nego što su tiskani. Istodobno su ta djela izazvala napad bijesa kod bolonjskog kanonika G. M. Artusija, koji je kritizirao Monteverdijeve kompozicijske tehnike u čitavom nizu otrovnih članaka i knjiga (1602. – 1612.). Skladatelj je na napade odgovorio u predgovoru Pete zbirke madrigala i opširnije kroz usta svoga brata Giulija Cesarea u Dichiarazione (Objašnjenje), ovo je djelo objavljeno kao dodatak zbirci Monteverdijevih skladbi Glazbene šale (Scherzi musicali, 1607). Tijekom skladateljeve polemike s kritičarima uvedeni su pojmovi “prve prakse” i “druge prakse” koji označavaju staru polifoni stil i novi monodijski stilovi.

Monteverdijeva stvaralačka evolucija u opernom žanru počinje kasnije, u veljači 1607., kada je dovršena Priča o Orfeju (La Favola d'Orfeo) na tekst A. Strigia Mlađeg. U ovom djelu skladatelj ostaje vjeran prošlosti i anticipira budućnost: Orfej je polurenesansni interludij, polumonodična opera već je razvijena u firentinskoj Camerati (skupina glazbenika pod vodstvom G. Bardija i G. Corsija, koji su djelovali zajedno u Firenci 1600.); ) Orfej je objavljen dva puta (1609. i 1615.). Sljedeći eseji Monteverdijeva djela u tom žanru bila su Arijadna (L "Arianna, 1608.) i opera-balet Balet nezahvalnika (Il Ballo dell"ingrate, 1608.) - oba djela prema tekstovima O. Rinuccinija. U istom razdoblju Monteverdi se prvi put pojavio na području crkvene glazbe i objavio misu u starom stilu, In illo tempore (na temelju Gombertova moteta); 1610. dodao mu je Večernje psalme. Godine 1612. umire vojvoda Vincenzo, a njegov nasljednik odmah otpušta Monteverdija i Giulija Cesarea (31. srpnja 1612.). Skladatelj se sa sinovima na neko vrijeme vratio u Cremonu, a točno godinu dana kasnije (19. kolovoza 1613.) dobio je mjesto predstojnika kapele (maestro di cappella) u venecijanskoj katedrali sv. Marka.

venecijansko razdoblje.

Taj položaj (najbriljantniji među onima koji su tada bili dostupni u sjevernoj Italiji) odmah je spasio Monteverdija od nepravdi koje je doživio tijekom svog sazrijevanja. Na časnoj i dobro plaćenoj dužnosti katedralnog dirigenta služio je tri desetljeća, au to vrijeme se, sasvim prirodno, prebacio na crkvene žanrove. No nije odustao od svojih opernih projekata: tako je za Mantovu 1627. nastala realistična komična opera Umišljena luđakinja (La finta pazza Licori). Ovo djelo nije sačuvano, kao i većina Monteverdijevih glazbenih i dramskih djela koja datiraju iz posljednjih trideset godina njegova života. Ali do nas je došlo divno djelo, koje je nešto između opere i oratorija: Dvoboj Tancreda i Clorinde (Il combattimento di Tancredi e Clorindo), napisano 1624. u Veneciji (objavljeno u Osmoj zbirci madrigala, 1638. ), temeljen na sceni iz pjesme T. Tassov Oslobođeni Jeruzalem, jednog od skladateljevih omiljenih pjesničkih izvora. U ovom je djelu po prvi put nov dramski stil(genere concitato) s izražajnom uporabom tehnika tremola i pizzicata.

Pad Mantove 1630. prouzročio je gubitak mnogih autograma Monteverdijevih djela. Politički preokret izazvan borbom za vojvodstvo nakon smrti posljednjeg iz dinastije Gonzaga (Vincenzo II. umro je bez djece) također je ostavio tragove u životu skladatelja (osobito, njegov sin Massimiliano bio je uhićen od strane inkvizicije zbog čitanja ilegalnih knjiga knjige). Završetak epidemije kuge u Veneciji proslavljen je u katedrali sv. Marka 28. studenog 1631. svečana misa s Monteverdijevom glazbom (izgubljeno). Ubrzo nakon toga Monteverdi je izgleda postao svećenik, kako sam kaže Naslovnica izdanja njegovih Glazbenih šala (Scherzi musicali cio Arie e Madrigali in stile recitativo, 1632). Knjiga, posvećena problemima glazbene teorije (melodije), napisana je početkom 1630-ih, ali malo je sačuvano od nje, kao i od opera tog razdoblja.

Godine 1637. u Veneciji je otvorena prva javna operna kuća pod vodstvom Monteverdijevih prijatelja i učenika B. Ferrarija i F. Manellija. Ovaj događaj označio je početak procvata venecijanske opere u 17. stoljeću. Za prve četiri venecijanske operne kuće Monteverdi, koji je tada već bio u svojim osamdesetim godinama, napisao je četiri opere (1639–1642), od kojih su dvije sačuvane: Povratak Odiseja u domovinu (Il ritorno d "Ulisse in patria, 1640. , s libretom G. Badoara) i Krunidba Poppea (L"Incoronazione di Poppea, 1642., libreto G. Busenella). Neposredno prije toga skladatelj je svoje madrigale, komorne duete i kantate, kao i ono najbolje što je stvorio u crkvenim žanrovima, uspio objaviti u dvije ogromne zbirke – Madrigali o ratu i ljubavi (Madrigali guerrieri ed amorosi, Osma zbirka madrigala, 1638) i Selva morale e spirituale (Duhovna i moralna lutanja, 1640). Ubrzo nakon objavljivanja ovih zbirki, 29. studenoga 1643., skladatelj je umro u Veneciji, još uspjevši obaviti svoje posljednje putovanje u mjesta u kojima je proveo mladost, tj. u Cremonu i Mantovu. Njegov sprovod bio je svečano u obje glavne mletačke crkve – sv. Marka i Santa Maria dei Frari. Skladateljevi ostaci pokopani su u drugoj od tih crkava (u kapeli sv. Ambrozija). Otprilike jedno desetljeće Monteverdijeva je glazba nastavila uzbuđivati ​​njegove suvremenike i ostala relevantna. Godine 1651. objavljeno je posmrtno izdanje njegovih madrigala i canzonetta (Deveta zbirka) te značajna zbirka crkvene glazbe pod nazivom Četveroglasna misa i psalmi (Messa a quattro e salmi), objavljeni su pod uredništvom Monteverdijeva izdavača A .Vincenti. Iste godine prikazan je u Napulju nova proizvodnja Krunidba Poppea, koja se bitno razlikovala od produkcije iz 1642. Nakon 1651. veliki Cremonese i njegova glazba bili su zaboravljeni. Monteverdijeva pojava uhvaćena je u dva prekrasna portreta: prvi je reproduciran u službenom nekrologu u knjizi Pjesničko cvijeće (Fiori poetici, 1644.) - lice starca, s izrazom tuge i razočaranja; još jedan portret otkriven je u tirolskom muzeju Ferdinandeum u Innsbrucku, koji prikazuje Monteverdija u zrele godine kada su stvoreni Orfej i Arijadna.

Najbolje od dana

Kritička procjena.

Značaj Monteverdijeva djela određuju tri čimbenika: on je posljednji madrigalistički skladatelj renesanse; prvi je autor izvedene opere vrsta žanra karakteristična za rani barok; Naposljetku, jedan je od najznačajnijih autora crkvene glazbe, budući da se u njegovom stvaralaštvu stile antico (stari stil) Palestrine spaja sa stile nuovo (novi stil) Gabrielija, tj. stil više nije višeglasan, već monodičan, zahtijevajući potporu orkestra.

Madrigalist.

Palestrina je počeo pisati madrigale 1580-ih, u doba procvata žanra, i dovršio je Šestu zbirku madrigala (1614.), koja sadrži peteroglasne madrigale s obveznim basso continuom, tj. kvaliteta koja definira novi koncept madrigalskog stila. Mnogi tekstovi Monteverdijevih madrigala preuzeti su iz pastoralnih komedija poput Tassove Aminte ili Guarinijeva Dobrog pastira i predstavljaju prizore idilične ljubavi ili bukoličkih strasti, anticipirajući operne scene u najranijim primjerima ovog novog žanra: eksperimenti Perija i Caccinija pojavili su se u Firenci c. 1600.

Operni skladatelj.

Početak operno stvaralaštvo Monteverdi, kao skriven u sjeni firentinskih eksperimenata, svojim ranim operama nastavlja tradiciju renesansnog interludija s velikim orkestrom i zborovima u madrigalskom stilu ili s polifono animiranim kretanjem glasova. No, već u Baletu Ingratesovih uočljiva je prevlast solističke monodije i baletnih brojeva u smislu francuskog ballet de cour (dvorski balet 17. stoljeća). U dramatičnoj sceni Tassovog dvoboja, prateći orkestar ovdje je sveden na gudački kvintet, slikovitim tehnikama tremola i pizzicata dočarano je zvonjenje oružja u rukama borbenih Tancreda i Clorinde. Skladateljeve najnovije opere svode orkestralnu pratnju na minimum i koncentriraju se na izražajnost virtuoznog pjevanja. Predstoji pojava vokalne kolorature i arije da capo, a dramatično se mijenja i obogaćuje psalmodizirajući recitativ firentinske Camerate, anticipirajući dostignuća Glucka i Wagnera na tom području.

Crkvena glazba.

Monteverdijevu crkvenu glazbu oduvijek je karakterizirala dvojnost: polifoni pasticcios ovdje supostoje s teatralno živopisnim interpretacijama psalama; osjeća se da su mnoge stranice ispisane rukom opernog skladatelja.

Obnova Monteverdijeva djela.

Skladateljeva glazba ostala je u zaboravu sve do 19. st., kada ju je ponovno otkrio K. von Winterfeld (1834.). Počevši oko 1880-ih, njemački i talijanski znanstvenici natjecali su se u oživljavanju i ponovnoj procjeni Monteverdijeve osobnosti i djela; ovaj pokret je dosegao najviša točka kada je prvi objavljen puni sastanak sačuvana Monteverdijeva djela koja je uredio J. F. Malipiero (1926. – 1942.), knjiga H. F. Redlicha O povijesti madrigala (1932.) i njegovo vlastito izdanje s komentarom za izvođače Večernje 1610. (1949.).

Claudio Monteverdi rođen je u Cremoni. Točno se zna samo datum njegovog krštenja - 15. svibnja 1567. godine. Cremona je sjevernotalijanski grad koji je od davnina poznat kao sveučilišno i glazbeno središte s izvrsnom crkvenom kapelom i izuzetno visokom instrumentalnom kulturom. U 16.-17. stoljeću cijele obitelji slavnih kremonskih majstora - Amati, Guarneri, Stradivari - izrađivale su gudala čija je ljepota zvuka bila i nema jednake nigdje drugdje.

Skladateljev otac bio je liječnik, on sam možda stekao sveučilišno obrazovanje i u mladosti se razvio ne samo kao glazbenik vješt u pjevanju, sviranju viole, orgulja i skladanju svetih pjesama, madrigala i canzonetta, nego i kao umjetnik vrlo širokih vidika i humanističkih pogleda. Skladanju ga je podučavao tada poznati skladatelj Marc Antonio Ingenier, koji je bio dirigent katedrale u Cremoni.

Osamdesetih godina 15. stoljeća Monteverdi je živio u Milanu, odakle je, na poziv vojvode Vincenza Gonzage, kao dvadesettrogodišnjak otišao na mantuanski dvor kao pjevač i virtuoz na violi. Nakon toga (od 1601) postao je dvorski dirigent u Gonzagi. Dokumentarni materijali, a nadasve prepiska samog skladatelja, govore nam da mu život tamo nije bio nimalo sladak; prisilno postojanje. “Radije bih molio nego ponovno bio izložen takvom poniženju”, kasnije je napisao. Ipak, upravo u tim teškim uvjetima Monteverdi se konačno pojavio kao zreo i izvanredan majstor – tvorac djela koja su ovjekovječila njegovo ime. Usavršavanju njegove umjetnosti pridonio je svakodnevni rad s izvrsnim ansamblima dvorske kapele i crkve sv. Barbare, lutanje Europom u pratnji Gonzaga u Mađarskoj, Flandrija, komunikacija s istaknutim suvremenicima, među kojima su bili tako briljantni umjetnici kao , na primjer, Rubens. No posebno važan čimbenik napretka za Monteverdija bila je njegova karakteristična skromnost, neumoran rad i iznimno stroga strogost prema vlastitim djelima. U 1580-1600-im, prvih pet knjiga prekrasnih peteroglasnih madrigala napisano je u Cremoni, Milanu i Mantovi.

Značaj ovog žanra u formiranju kreativne metode i cjelokupne umjetničke individualnosti majstora bio je ogroman. Nije stvar samo u tome što u Monteverdijevoj baštini madrigal kvantitativno dominira nad ostalima (samo dvjestotinjak djela koja se temelje na tekstovima Tassa, Marinea, Guarinija, Strigija i drugih pjesnika). Upravo je to žanrovsko područje postalo Monteverdijevim kreativnim laboratorijem u kojemu je u mladosti poduzimao najsmjelije inovativne pothvate. U kromatizaciji modusa znatno je prednjačio pred madrigalistima 16. stoljeća, ali nije zapao u subjektivističku profinjenost. Monteverdijeva ogromna progresivna akvizicija bila je briljantno izvedena fuzija renesansne polifonije i nove homofone strukture – dramatično individualizirane melodije najrazličitijih tipova s ​​instrumentalnom pratnjom. Ta, kako je sam skladatelj definirao, “druga praksa”, koja je puni i živopisni izražaj dobila u petoj knjizi peteroglasnih madrigala, postala je put prema ostvarenju umjetnikovog najvišeg estetskog cilja, do traženja i otjelovljenja istine i čovječanstvo. Stoga se, za razliku od, recimo, Palestrine, s njegovim religioznim i estetskim idealima, Monteverdi, iako je karijeru započeo kultnom polifonijom, s vremenom etablirao u čisto svjetovnim žanrovima.

Ništa ga nije privlačilo više od razotkrivanja unutarnjeg, duhovnog svijeta čovjeka u njegovim dramatičnim sudarima i sukobima s vanjskim svijetom. Monteverdi je pravi utemeljitelj konfliktne dramaturgije tragične prirode. On je istinski pjevač ljudskih duša. Ustrajno je težio prirodnoj izražajnosti glazbe. “Ljudski govor je gospodarica harmonije, a ne njen sluga.” Monteverdi je odlučan protivnik idilične umjetnosti, koja ne ide dalje od zvučnog slikarstva “kupidona, sljeza i sirena”. A budući da je njegov junak tragični junak, njegove "melopoetske figure" odlikuju se oštro napetom, često disonantnom intonacijskom strukturom. Prirodno je da se taj snažan dramski početak, što je više odmicao, sve više približavao granicama komornog žanra. Postupno je Monteverdi počeo razlikovati "madrigal gesta" i "madrigal bez gesta".

Ali još ranije njegova su ga dramska traženja odvela na put opernog kazališta, gdje je odmah nastupio potpuno naoružan “drugom praksom” s prvim mantovskim operama “Orfej” (1607.) i “Arijadna” (1608.), koje su donijele njega veliku slavu.

S njegovim “Orfejem” počinje povijest prave opere. Namijenjen tipičnom dvorskom slavlju, Orfej je pisan na libreto koji jasno asocira na bajkovitu pastoralnost i raskošne dekorativne međuigre – te tipične atribute dvorske estetike. No Monteverdijeva glazba pretvara hedonističku bajkovitu pastoralu u duboku psihološku dramu. Prividnu pastoralu karakterizira tako ekspresivna, individualno jedinstvena glazba, obavijena poetskim ozračjem žalobnog madrigala, da i danas djeluje na nas.

“...Arijadna me dirnula jer je bila žena, Orfej jer je bio jednostavan čovjek... Arijadna je u meni probudila istinsku patnju, zajedno s Orfejem sam molio za sažaljenje...” Monteverdijeva bit sadržana je u ovoj njegovoj vlastitoj izjavi stvaralaštvo, te glavna bit revolucije koju je napravio u umjetnosti. Tijekom Monteverdijeva života, ideja o sposobnosti glazbe da utjelovljuje "bogatstvo unutarnjeg svijeta osobe" ne samo da nije bila otrcana istina, već se doživljavala kao nešto nečuveno novo i revolucionarno. Po prvi put u tisućljetnoj eri, zemaljska ljudska iskustva bila su u središtu stvaralaštva skladatelja na istinski klasičnoj razini.

Glazba opere usmjerena je na otkrivanje unutarnjeg svijeta tragičnog junaka. Njegova uloga neobično je višestruka, spaja različite emotivne i izražajne struje i žanrovske linije. Oduševljeno doziva rodne šume i obale ili oplakuje gubitak svoje Euridike u neumjetnim narodnim pjesmama.

U recitatorskim dijalozima Orfejeve strastvene opaske ispisane su onim uzburkanim, kasnijim Monteverdijevim izrazom, "zbunjenim" stilom, koji je namjerno suprotstavio monotonom recitativu firentinske opere. Slika heroja, njegova nadahnuta umjetnost, sretna ljubav i žalost, njegov požrtvovni podvig i postizanje cilja, tragični rasplet i konačni olimpijski trijumf pjevača - sve je to poetski utjelovljeno na pozadini kontrastnih glazbenih i scenskih scena. .

Kroz cijelu operu velikodušnom se rukom razasu milozvučne melodije, uvijek usklađene s izgledom likova i scenskim situacijama. Skladatelj ne zanemaruje polifoniju i s vremena na vrijeme utka svoje melodije u elegantno kontrapunktsko tkivo. Ipak, u “Orfeju” dominira homofono skladište čija partitura doslovce blješti smjelim i dragocjenim nalazima kromatskih harmonija, šarenih i istodobno duboko opravdanih figurativnim i psihološkim sadržajem ove ili one epizode drame.

Orkestar “Orfeja” je za to vrijeme bio golem i čak pretjerano raznolik u sastavu, odražavao je to prijelazno razdoblje kada se još puno ljudi sviralo na starim instrumentima naslijeđenim iz renesanse, pa čak i iz srednjeg vijeka, ali kada su se pojavili novi instrumenti već se pojavljuju koji su odgovarali novom emocionalnom sustavu, kompoziciji, glazbenim temama i izražajnim mogućnostima.

Instrumentacija "Orfeja" uvijek je estetski usklađena s melodijom, harmonijskim koloritom i scenskom situacijom. Na njegovo vješto sviranje lire podsjećaju instrumenti koji prate pjevačev monolog u podzemlju. Flaute utkaju jednostavne melodije pastirskih napjeva u pastoralne prizore. Tutnjava trombona zgušnjava atmosferu straha koja obavija neradosni i prijeteći Had. Monteverdi je pravi otac instrumentacije i u tom je smislu Orfej temeljna opera. Što se tiče drugog opernog djela koje je Monteverdi napisao u Mantovi, “Arijadna” (libreto O. Rinuccinija, recitativi J. Perija), ono nije sačuvano. Iznimka je svjetski poznata arija junakinje koju je skladatelj ostavio u dvije verzije za solo pjevanje uz pratnju i u kasnijoj verziji kao peteroglasni madrigal. Ova je arija rijetke ljepote i s pravom se smatra remek-djelom rane talijanske opere.

Godine 1608. Monteverdi, koji je dugo bio opterećen svojim položajem na kneževskom dvoru, napustio je Mantovu. Nije pokleknuo pred vlastoljubivim pokroviteljima i ostao je ponosan, samostalan umjetnik, visoko držeći stijeg humane umjetnosti. Nakon kraćeg boravka u domovini Cremoni, Rimu, Firenci, Milanu, Monteverdi 1613. prihvaća poziv u Veneciju, gdje ga prokuratori San Marca biraju za dirigenta ove katedrale.

U Veneciji je Monteverdi trebao nastupiti na čelu nove operne škole. U mnogočemu se razlikovala od svojih prethodnica i bila daleko ispred njih. To se objašnjavalo drugačijim lokalnim prilikama, drugačijim povijesnim odnosom društvenih snaga i ideoloških strujanja.

Venecija tog doba je grad republikanskog uređenja, svrgnute aristokracije, s bogatom, politički jakom, kulturnom buržoazijom i odvažnom opozicijom papinskom prijestolju. Mlečani su tijekom renesanse stvarali svoju umjetnost, svjetovniju, vedriju, realističniju nego bilo gdje drugdje na talijanskom tlu. Tu su u glazbi s kraja 16. stoljeća osobito široko i jarko klijale prve značajke i vjesnici baroka. Prva operna kuća, San Cassiano, otvorena je u Veneciji 1637. godine.

Nije to bila “akademija” za uski krug prosvijećenih humanističkih aristokrata, kao u Firenci. Ovdje papa i njegov dvor nisu imali moć nad umjetnošću. Zamijenila ju je moć novca. Mletačka buržoazija izgradila je kazalište na svoju sliku i priliku; Izvor prihoda bila je blagajna. Nakon San Cassiana, u Veneciji su izrasla druga kazališta, ukupno više od deset. Među njima je bilo i neizbježno natjecanje, borba za publiku, umjetnike i prihode. Sva ta trgovačko-poduzetnička strana ostavila je traga na opernoj i kazališnoj umjetnosti. I u isto vrijeme, prvi put je postao ovisan o ukusima široke javnosti. To se odrazilo na njezin opseg, repertoar, produkciju, a konačno i na sam stil operne glazbe.

Monteverdijevo djelo postalo je vrhunac i snažan čimbenik napretka talijanske opere. Istina, Venecija mu nije donijela potpuno oslobođenje od ovisnosti. Tamo je stigao kao regent, predvodeći vokalno-instrumentalnu kapelu San Marco. Pisao je kultnu glazbu - mise, večernje, duhovne koncerte, motete, a na njega je neminovno utjecala i crkvena, vjera. Gore je već rečeno da je, budući po prirodi svjetovni umjetnik, prihvatio smrt u kleru.

Niz godina prije procvata venecijanske operne kuće, Monteverdi je i ovdje bio prisiljen služiti pokroviteljima, iako ne tako moćnim i svemoćnim kao u Milanu ili Mantovi. Palače Mocenigo i Grimani, Vendramini i Foscari bile su raskošno ukrašene ne samo slikama, kipovima, tapiserijama, već i glazbom. Kapela Svetog Marka često je ovdje nastupala na balovima i prijemima u vrijeme kada nema crkvenih službi. Uz Platonove dijaloge, Petrarkine kancone i Marine sonete, ljubitelje umjetnosti osvojili su Monteverdijevi madrigali. Taj omiljeni žanr nije napustio ni u venecijanskom razdoblju, i tada je u njemu postigao najveće savršenstvo.

U Veneciji su napisane šesta, sedma i osma knjiga madrigala – žanr u kojem je Monteverdi eksperimentirao prije nego što su nastale njegove posljednje opere. Ali venecijanski madrigali imali su i ogroman samostalan značaj. Godine 1838. pojavila se zanimljiva zbirka "Vojnih i ljubavnih madrigala". Odražavalo je umjetnikovo duboko psihološko promatranje; glazbeno-poetska dramatizacija madrigala dovedena je ondje do posljednje moguće granice. Ova zbirka uključuje i neka ranija djela “Nezahvalne žene” - interludij mantovskog razdoblja i čuvenu “Borba Tankreda i Clorinde” - veličanstvenu dramatičnu scenu napisanu 1624. na osnovu Tassovog “Oslobođenog Jeruzalema”, namijenjenu izvođenju s kazališnim kostimima i rekvizitima.

Tijekom trideset godina života u Veneciji Monteverdi je većinu svojih glazbeno-dramskih djela stvorio za kazališnu ili komornu scensku izvedbu.

Što se tiče samih opera, Monteverdi ih ima samo osam: “Orfej”, “Arijadna”, “Andromeda” (za Mantovu), “Uobraženi ludi likvor” - jedna od prvih komičnih opera u Italiji, “Silovanje Prozerpine”. ”, “Vjenčanje Eneje i Lavinije”, “Povratak Uliksa u domovinu” i “Krunidba Popeje”. Od venecijanskih opera sačuvale su se samo dvije posljednje.

Monteverdijevo najznačajnije djelo venecijanskog razdoblja bila je opera Krunidba Poppee (1642.), dovršena malo prije nego što je umro na vrhuncu svoje slave kao "proročanstvo glazbe", 29. studenog 1643. godine. Ova opera, koju je skladatelj stvorio kao sedamdesetpetogodišnjak, ne samo da okrunjuje vlastiti stvaralački put, već se nemjerljivo uzdiže iznad svega što je u opernom žanru nastalo prije Glucka. Misli koje su joj dale hrabrost i nadahnuće bile su neočekivane u tako poodmakloj dobi. Jaz između Krunidbe Poppee i svih Monteverdijevih prethodnih djela je upečatljiv i neobjašnjiv. To se u manjoj mjeri odnosi na samu glazbu; porijeklo glazbenog jezika “Poppea” može se pratiti u traganjima cijelog prethodnog, više od pola stoljeća, razdoblja. No opći umjetnički izgled opere, neobičan kako za samo Monteverdijevo stvaralaštvo tako i za glazbeno kazalište 17. stoljeća uopće, presudno je predodređen originalnošću sižea i dramskog koncepta. Po cjelovitosti utjelovljenja životne istine, širini i svestranosti prikaza složenih ljudskih odnosa, autentičnosti psihičkih sukoba, težini formulacije moralnih problema, nijedno drugo skladateljevo djelo koje se svelo na nas se može usporediti s Krunidbom Poppea.

Skladatelj i njegov talentirani libretist Francesco Busenello okrenuo se zapletu iz starorimske povijesti, koristeći kronike antičkog pisca Tacita, car Neron, zaljubljen u kurtizanu Poppeju Sabinu, uzdiže je na prijestolje, protjerujući bivšu caricu Oktaviju i postavljajući do smrti protivnik ove ideje, njegov mentor, filozof Seneka.

Ova slika je naslikana široko, mnogostrano, dinamično. Na pozornici su carski dvor, njegovi plemići, mudrac-savjetnik, paževi, kurtizane, sluge i pretorijanci. Glazbene karakteristike likova, međusobno suprotstavljene, psihološki su točne i prikladne. U brzoj i višestranoj radnji, u šarenim i neočekivanim kombinacijama, utjelovljuju se razni planovi i polovi života, tragični monolozi - i gotovo banalni prizori iz života; razigranost strasti - i filozofske kontemplacije; aristokratsku sofisticiranost – i bezumnost narodnog života i morala.

Događaji, sola, nastupi.

Albumi, glazba i pjesme online.

Video isječci umjetnika online

Claudio Monteverdi(Monteverdi) (kršten 15.5.1567., Cremona - 29.11.1643., Venecija) - talijanski skladatelj. Od djetinjstva je služio kao zborovođa u katedrali u Cremoni; ovdje je učio kod orguljaša M. A. Ingenierija, od kojega je preuzeo tehniku ​​polifonog pisma (prvenstveno u žanru duhovnih madrigala). Godine 1590. preselio se u Mantovu i tamo 12 godina služio kao pjevač i violist, a kasnije i kao pomoćni dirigent. Godine 1599. putuje u Flandriju, gdje ima priliku upoznati flamansku i francusku glazbu.

Monteverdi je isprva stekao slavu kao autor canzonetta i osobito madrigala – svjetovnih i svetih. Monteverdijeve prve tri zbirke madrigala za mlade objavljene su 1582.-1584. Već u tim ranim Monteverdijevim djelima vidljiva je visoka polifona tehnika. Za Monteverdijeva života objavljeno je oko 10 zbirki 4- i 5-glasnih madrigala; najznačajniji su od njih peteroglasni madrigali, objavljeni u 7 zbirki 1587.-1619. Zasebna zbirka posvećena je madrigalima “Ljubavni i ratoborni” (1638). U madrigalima Monteverdi unosi mnoge inovacije na području harmonije i polifonije: skokove u septimu i nonu, septakorde, kromatizme, paralelne kvinte. Uz polifoniju u Monteverdijevim madrigalima javljaju se značajke akordsko-harmonijske strukture. Monteverdi je često vokalnim dionicama dodavao instrumentalnu pratnju (čembalo, lutnja).

Pojavilo se skladanje madrigala i kanconeta važna faza u Monteverdijevoj pripremi za operni rad. Značajnu ulogu imalo je i Monteverdijevo upoznavanje s radom firentinskih skladatelja, autora prvih opera - Peri, Caccini i drugi 1607. godine Monteverdi je dobio narudžbu da napiše glazbu za kazališna predstava u vojvodstvu Mantova. Bila je to prva Monteverdijeva opera "Orfej", koja je zadivila slušatelje neobičnom tragičnom interpretacijom mitološki zaplet. Nakon "Orfeja" pojavile su se brojne druge Monteverdijeve opere koje su učvrstile njegovu slavu opernog skladatelja (objavljene u Veneciji): "Arijadna" (1608.), od koje je sačuvana jedina poznata arija "Arijadnina tužaljka", "Prozerpina" " (1630.), "Povratak" Uliksa" (1641.), "Krunidba Poppea" (1642.). Monteverdijevo najinovativnije djelo je Krunidba Poppee, prvi put u povijesti opere napisano na istinitom povijesnom zapletu (događaji vremena Nero).

Od 1613. do kraja života Monteverdi je bio upravitelj kapele svetog Marka u Veneciji. Tijekom 30 godina napisao je mnogo crkvene glazbe; Monteverdijeva inovativnost proširila se i na ovo područje kreativnosti.

Godine 1637. u Veneciji, uz izravno sudjelovanje Monteverdija, otvorena je prva operna kuća u kojoj su postavljene njegove opere (osobito "Ariadna" - 1639.).

Monteverdi je ušao u povijest glazbe kao jedan od izuzetnih opernih skladatelja svoga vremena, najveći predstavnik kasne renesanse u Italiji. Važna Monteverdijeva zasluga je uvođenje arioza i dramskih zborova u operu, uz recitative koji karakteriziraju operni stil njegovih prethodnika. Monteverdi je nastojao glazbu podrediti sadržaju teksta, stvarati individual glazbene karakteristike glumci. U tome su veliku ulogu odigrala harmonička i orkestralna sredstva. Monteverdi je prvi u operu uveo uvertiru, kao i nove tehnike u orkestru - tremolo i pizzicato gudačkih instrumenata. Orkestar u Monteverdijevim operama doseže značajne veličine (Orfej - oko 40 instrumenata). Uz gudačka i puhačka glazbala koja su kasnije postala dio klasičnog orkestra, Monteverdi je koristio violu, lutnju, čembalo i orgulje.