زیبایی غیر زمینی: زنان در نقاشی در جهات مختلف. شاهکارهای تکان دهنده نقاشی برهنه کلاسیک توسط هنرمندان معاصر

اگر فکر می کنید که همه هنرمندان بزرگ در گذشته هستند، پس نمی دانید چقدر در اشتباه هستید. در این مقاله با مشهورترین و با استعدادترین هنرمندان زمان ما آشنا خواهید شد. و، باور کنید، آثار آنها کمتر از آثار استاد از دوران گذشته در حافظه شما خواهد ماند.

وویچ بابسکی

وویچ بابسکی هنرمند معاصر لهستانی است. او از مؤسسه پلی تکنیک سیلزی فارغ التحصیل شد، اما خود را با. اخیراً بیشتر زنان را نقاشی می کند. بر تجلی احساسات تمرکز می کند، به دنبال به دست آوردن بیشترین تأثیر ممکن با وسایل ساده است.

عاشق رنگ است، اما اغلب از سایه های سیاه و خاکستری برای رسیدن به بهترین تاثیر استفاده می کند. از آزمایش تکنیک های جدید نمی ترسید. اخیراً او در خارج از کشور محبوبیت بیشتری پیدا کرده است، عمدتاً در بریتانیا، جایی که او با موفقیت آثار خود را که در حال حاضر در بسیاری از مجموعه های خصوصی یافت می شود، به فروش می رساند. او علاوه بر هنر به کیهان شناسی و فلسفه نیز علاقه دارد. به موسیقی جاز گوش می دهد. در حال حاضر در کاتوویتس زندگی و کار می کند.

وارن چانگ

وارن چانگ هنرمند معاصر آمریکایی است. او در سال 1957 متولد شد و در مونتری، کالیفرنیا بزرگ شد و در سال 1981 با مدرک لیسانس هنرهای زیبا در هنرهای زیبا از دانشکده طراحی مرکز هنر در پاسادنا فارغ التحصیل شد. برای دو دهه بعد، او قبل از شروع کار خود به عنوان یک هنرمند حرفه ای در سال 2009، به عنوان تصویرگر برای شرکت های مختلف در کالیفرنیا و نیویورک کار کرد.

نقاشی های واقع گرایانه او را می توان به دو دسته اصلی تقسیم کرد: نقاشی های داخلی زندگی نامه ای و نقاشی هایی که افراد کارگر را به تصویر می کشند. علاقه او به این سبک نقاشی ریشه در آثار نقاش قرن شانزدهم یان ورمیر دارد و به اشیاء، پرتره های شخصی، پرتره اعضای خانواده، دوستان، دانش آموزان، استودیو، کلاس درس و فضای داخلی خانه گسترش می یابد. هدف او ایجاد روحیه و احساس در نقاشی های رئالیستی خود از طریق دستکاری نور و استفاده از رنگ های خاموش است.

چانگ پس از گذار به هنرهای تجسمی سنتی به شهرت رسید. در طول 12 سال گذشته، او جوایز و افتخارات متعددی را به دست آورده است، که معتبرترین آنها امضای استاد نقاشان روغن آمریکا، بزرگترین انجمن نقاشی رنگ روغن در ایالات متحده است. از 50 نفر فقط یک نفر مفتخر به دریافت این جایزه می شود. در حال حاضر، وارن در مونتری زندگی می کند و در استودیوی خود کار می کند، او همچنین در آکادمی هنر سانفرانسیسکو تدریس می کند (معروف به عنوان یک معلم با استعداد).

اورلیو برونی

اورلیو برونی هنرمند ایتالیایی است. متولد 15 اکتبر 1955 در بلر. فارغ التحصیل رشته صحنه نگاری از موسسه هنر در اسپولتو. به عنوان یک هنرمند، او خودآموخته است، زیرا او به طور مستقل "خانه دانش" را بر روی پایه ای که در مدرسه گذاشته شده بود، بنا کرد. او نقاشی با رنگ روغن را از 19 سالگی آغاز کرد. در حال حاضر در آمبریا زندگی و کار می کند.

نقاشی اولیه برونی ریشه در سوررئالیسم دارد، اما با گذشت زمان او شروع به تمرکز بر نزدیکی رمانتیسیسم غنایی و نمادگرایی می کند و این ترکیب را با پیچیدگی و خلوص شخصیت هایش تقویت می کند. اشیاء جاندار و بی جان از کرامت یکسانی برخوردارند و تقریباً بیش از حد واقع گرایانه به نظر می رسند، اما در عین حال، آنها پشت پرده پنهان نمی شوند، بلکه به شما اجازه می دهند جوهر روح خود را ببینید. تطبیق پذیری و پیچیدگی، احساسی بودن و تنهایی، اندیشیدن و ثمربخشی روح اورلیو برونی است که از شکوه هنر و هارمونی موسیقی تغذیه می شود.

الکساندر بالوس

آلکاساندر بالوس هنرمند معاصر لهستانی متخصص در نقاشی رنگ روغن است. در سال 1970 در گلیویس لهستان متولد شد، اما از سال 1989 در ایالات متحده آمریکا در شهر شستا در کالیفرنیا زندگی و کار می کند.

او در کودکی زیر نظر پدرش جان، هنرمند و مجسمه ساز خودآموخته هنر آموخت، بنابراین از همان دوران کودکی، فعالیت هنری مورد حمایت کامل پدر و مادر قرار گرفت. در سال 1989، در سن هجده سالگی، بالوس لهستان را به مقصد ایالات متحده ترک کرد، جایی که معلم مدرسه و هنرمند پاره وقت او، کتی گاگلیاردی، آلکاساندر را تشویق کرد تا در مدرسه هنر ثبت نام کند. بالوس سپس یک بورسیه تحصیلی کامل برای دانشگاه میلواکی ویسکانسین دریافت کرد و در آنجا نزد استاد فلسفه هری روزین نقاشی خواند.

پس از اتمام تحصیلات خود در سال 1995 با مدرک لیسانس، بالوس به شیکاگو نقل مکان کرد تا در دانشکده هنرهای زیبا تحصیل کند که روش های آن بر اساس کارهای ژاک لوئیس دیوید است. رئالیسم فیگوراتیو و پرتره بخش عمده ای از آثار بالوس را در دهه 90 و اوایل دهه 2000 تشکیل می دادند. امروزه بالوس بدون ارائه راه حلی از شخصیت انسان برای برجسته کردن ویژگی ها و کاستی های وجودی انسان استفاده می کند.

ترکیبات طرح نقاشی های او قرار است به طور مستقل توسط بیننده تفسیر شود، تنها در این صورت بوم ها معنای زمانی و ذهنی واقعی خود را به دست خواهند آورد. در سال 2005، این هنرمند به شمال کالیفرنیا نقل مکان کرد، از آن زمان دامنه کار او به طور قابل توجهی گسترش یافته است و اکنون شامل روش های آزادتر نقاشی، از جمله انتزاع و سبک های چند رسانه ای مختلف است که به بیان ایده ها و ایده آل های بودن از طریق نقاشی کمک می کند.

آلیسا راهبان

آلیسا مونک یک هنرمند معاصر آمریکایی است. او در سال 1977 در ریج وود، نیوجرسی به دنیا آمد. او از کودکی به نقاشی علاقه مند شد. او در New School در نیویورک و دانشگاه ایالتی مونتکلیر تحصیل کرد و در سال 1999 از کالج بوستون با مدرک لیسانس فارغ التحصیل شد. همزمان در آکادمی لورنزو مدیچی در فلورانس نقاشی خواند.

سپس تحصیلات خود را در مقطع کارشناسی ارشد در آکادمی هنر نیویورک در بخش هنرهای تجسمی ادامه داد و در سال 2001 فارغ التحصیل شد. او در سال 2006 از کالج فولرتون فارغ التحصیل شد. او به طور مختصر در دانشگاه ها و مؤسسات آموزشی سراسر کشور سخنرانی کرد و در آکادمی هنر نیویورک و همچنین دانشگاه ایالتی مونتکلر و کالج هنر آکادمی لایم به تدریس نقاشی پرداخت.

با استفاده از فیلترهایی مانند شیشه، وینیل، آب و بخار، بدن انسان را مخدوش می کنم. این فیلترها به شما این امکان را می دهند که مناطق بزرگی از طراحی انتزاعی را ایجاد کنید، جزایری از رنگ که از آنها - قسمت هایی از بدن انسان - به چشم می خورند.

نقاشی‌های من نگاه مدرن به ژست‌ها و ژست‌های سنتی و سنتی زنان در حال حمام را تغییر می‌دهد. آن‌ها می‌توانستند درباره‌ی چیزهای به ظاهر بدیهی مانند فواید شنا، رقص و غیره، به بیننده‌ای توجه کنند. شخصیت‌های من به شیشه‌ی پنجره کابین دوش فشار می‌آورند و بدن خودشان را مخدوش می‌کنند و متوجه می‌شوند که از این طریق بر نگاه بدنام مرد به یک زن برهنه تأثیر می‌گذارند. لایه های ضخیم رنگ با هم مخلوط می شوند تا شیشه، بخار، آب و گوشت را از دور تقلید کنند. با این حال، از نزدیک، خواص فیزیکی شگفت انگیز رنگ روغن آشکار می شود. با آزمایش لایه‌های رنگ و رنگ، لحظه‌ای را می‌بینم که ضربه‌های انتزاعی به چیز دیگری تبدیل می‌شوند.

هنگامی که برای اولین بار نقاشی بدن انسان را شروع کردم، بلافاصله مجذوب و حتی وسواس آن شدم و احساس کردم که باید نقاشی هایم را تا حد امکان واقعی کنم. من رئالیسم را تا زمانی که شروع به بازگشایی و ساختارشکنی کرد، «اظهار» کردم. اکنون در حال بررسی امکانات و پتانسیل سبکی از نقاشی هستم که در آن نقاشی بازنمایی و انتزاع با هم تلاقی می‌کنند - اگر هر دو سبک بتوانند در یک لحظه در زمان همزیستی داشته باشند، این کار را انجام خواهم داد.

آنتونیو فینیلی

هنرمند ایتالیایی - ناظر زمان– آنتونیو فینیلی در 23 فوریه 1985 به دنیا آمد. در حال حاضر در ایتالیا بین رم و کامپوباسو زندگی و کار می کند. آثار او در چندین گالری در ایتالیا و خارج از کشور به نمایش گذاشته شده است: رم، فلورانس، نوارا، جنوا، پالرمو، استانبول، آنکارا، نیویورک، و همچنین می توان آنها را در مجموعه های خصوصی و عمومی یافت.

نقاشی با مداد " ناظر زمانآنتونیو فینیلی ما را به سفری ابدی در دنیای درونی موقتی انسان و تحلیل دقیق این جهان مرتبط با آن می فرستد که عنصر اصلی آن گذر زمان و ردپایی است که بر روی پوست می گذارد.

فینیلی پرتره هایی از افراد با هر سن، جنسیت و ملیت می کشد که حالات چهره آنها نشان دهنده گذر زمان است و هنرمند همچنین امیدوار است شواهدی از بی رحمی زمان بر روی بدن شخصیت های خود بیابد. آنتونیو آثار خود را با یک عنوان کلی تعریف می کند: "خودنگاری"، زیرا او در طراحی های مداد خود نه تنها یک شخص را به تصویر می کشد، بلکه به بیننده اجازه می دهد تا به نتایج واقعی گذر زمان در درون یک شخص فکر کند.

فلامینیا کارلونی

فلامینیا کارلونی هنرمند 37 ساله ایتالیایی، دختر یک دیپلمات است. او سه فرزند دارد. دوازده سال در رم، سه سال در انگلستان و فرانسه زندگی کرد. مدرک تاریخ هنر را از دانشکده هنر BD دریافت کرد. سپس دیپلم در ترمیم تخصصی آثار هنری دریافت کرد. قبل از اینکه او را بیابد و کاملاً خود را وقف نقاشی کند، به عنوان روزنامه‌نگار، رنگ‌نویس، طراح و بازیگر کار می‌کرد.

اشتیاق فلامینیا به نقاشی در کودکی به وجود آمد. رسانه اصلی او روغن است، زیرا او عاشق "coiffer la pate" است و همچنین با مواد بازی می کند. او تکنیک مشابهی را در آثار هنرمند پاسکال توروآ آموخت. فلامینیا از استادان بزرگ نقاشی مانند بالتوس، هاپر و فرانسوا لگراند و همچنین جنبش های هنری مختلف الهام گرفته شده است: هنر خیابانی، رئالیسم چینی، سوررئالیسم و ​​رئالیسم رنسانس. هنرمند مورد علاقه او کاراواجو است. رویای او کشف قدرت درمانی هنر است.

دنیس چرنوف

دنیس چرنوف یک هنرمند با استعداد اوکراینی است که در سال 1978 در سامبیر، منطقه لویو، اوکراین به دنیا آمد. پس از فارغ التحصیلی از کالج هنر خارکف در سال 1998، در خارکف ماند و در حال حاضر در آنجا زندگی و کار می کند. او همچنین در آکادمی دولتی طراحی و هنر خارکف، گروه گرافیک تحصیل کرد و در سال 2004 فارغ التحصیل شد.

او به طور منظم در نمایشگاه های هنری شرکت می کند، در حال حاضر بیش از شصت مورد از آنها چه در اوکراین و چه در خارج از کشور وجود داشته است. بیشتر آثار دنیس چرنوف در مجموعه های خصوصی در اوکراین، روسیه، ایتالیا، انگلیس، اسپانیا، یونان، فرانسه، ایالات متحده آمریکا، کانادا و ژاپن نگهداری می شود. برخی از آثار در حراج کریستی فروخته شد.

دنیس در طیف گسترده ای از تکنیک های گرافیک و نقاشی کار می کند. طراحی با مداد یکی از روش های نقاشی مورد علاقه اوست، فهرست موضوعات طراحی های مداد او نیز بسیار متنوع است، او مناظر، پرتره، برهنه، ترکیب بندی ژانر، تصویرسازی کتاب، بازسازی های ادبی و تاریخی و فانتزی ها را نقاشی می کند.

در هنر مضامین ابدی وجود دارد. یکی از آنها موضوع یک زن است، موضوع مادری. هر دوره ایده آل خود را از یک زن دارد، کل تاریخ بشریت منعکس شده است که مردم چگونه یک زن را دیدند، چه اسطوره هایی او را احاطه کردند و به او در خلقت کمک کردند. دقیقاً یک چیز - در همه اعصار و زمانها شخصیت زنانه توجه ویژه هنرمندان را به خود جلب کرده، جلب کرده و خواهد کرد.

تصاویر زنان که در هنر پرتره خلق شده اند، آرمان شاعرانه را در وحدت هماهنگ ویژگی های معنوی و ظاهر بیرونی آن حمل می کنند. از روی پرتره ها می توان قضاوت کرد که چگونه ظاهر یک زن، انبار ذهنی او تحت تأثیر رویدادهای اجتماعی، مد، ادبیات، هنر و خود نقاشی است.

تصاویر متنوعی از زنان در نقاشی را در جهات مختلف به شما ارائه می کنیم

واقع گرایی

جوهر جهت، دقیق ترین و عینی ترین تثبیت واقعیت است. تولد رئالیسم در نقاشی اغلب با کار هنرمند فرانسوی گوستاو کوربه مرتبط است که نمایشگاه شخصی خود را با عنوان "پاویون رئالیسم" در سال 1855 در پاریس افتتاح کرد. مخالف رمانتیسم و ​​آکادمیزم است. در دهه 1870، رئالیسم به دو حوزه اصلی تقسیم شد - ناتورالیسم و ​​امپرسیونیسم. طبیعت گرایان هنرمندانی نامیده می شدند که به دنبال این بودند که واقعیت را تا حد امکان دقیق و به صورت عکاسی ثبت کنند.

ایوان کرامسکوی "ناشناس"

سروف "دختری با هلو"

آکادمیزم

آکادمیزم به دنبال اشکال بیرونی هنر کلاسیک رشد کرد. آکادمیزم سنت های هنر باستانی را تجسم می بخشد که در آن تصویر طبیعت ایده آل می شود. آکادمیزم روسی در نیمه اول قرن نوزدهم با مضامین عالی، سبک استعاری بالا، تطبیق پذیری، چند چهره و شکوه مشخص می شود. صحنه های کتاب مقدس، مناظر سالن و پرتره های تشریفاتی محبوب بودند. با وجود محدود بودن موضوع نقاشی ها، آثار آکادمیسین ها به دلیل مهارت فنی بالایشان متمایز بود.

Bouguereau "Pleiades"

Bouguereau "Mood"

کابانل "تولد زهره"

امپرسیونیسم

نمایندگان این سبک به دنبال این بودند که دنیای واقعی را در تحرک و تنوع آن به طبیعی ترین و بی طرفانه ترین شکل به تصویر بکشند تا برداشت های زودگذر خود را منتقل کنند. امپرسیونیسم فرانسوی مسائل فلسفی را مطرح نکرد. در عوض، امپرسیونیسم بر سطحی بودن، سیال بودن لحظه، حالت، نور، یا زاویه دید تمرکز دارد. نقاشی های آنها فقط جنبه های مثبت زندگی را نشان می دهد، مشکلات اجتماعی را نقض نمی کند و مشکلاتی مانند گرسنگی، بیماری، مرگ را دور می زند. توطئه های کتاب مقدس، ادبی، اسطوره ای، تاریخی که در آکادمیک گرایی رسمی ذاتی بود کنار گذاشته شد. آنها موضوعاتی مانند معاشقه، رقص، اقامت در کافه ها و تئاترها، سفرهای قایق، در سواحل و باغ ها را انتخاب کردند. با قضاوت بر اساس نقاشی های امپرسیونیست ها، زندگی مجموعه ای از تعطیلات کوچک، مهمانی ها، سرگرمی های دلپذیر در خارج از شهر یا در یک محیط دوستانه است.

بولدینی "مولن روژ"

رنوار "پرتره ژان سامری"

مانه "صبحانه روی چمن"

مایو "رزا براوا"

لوترک "زنی با چتر"

سمبولیسم

سمبولیست ها نه تنها انواع مختلف هنر، بلکه نگرش خود را نیز به طور اساسی تغییر دادند. ماهیت تجربی آنها، میل به نوآوری، جهان وطن گرایی الگویی برای اکثر جنبش های هنر معاصر شده است. آنها از نمادها، کم بیان، کنایه، رمز و راز، رمز و راز استفاده کردند. خلق و خوی اصلی اغلب بدبینی بود و به نقطه یأس می رسید.بر خلاف سایر گرایش های هنر، نمادگرایی بیانگر ایده های "دست نیافتنی"، گاه عرفانی، تصاویر ابدیت و زیبایی است.

ردون "اوفلیا"

فرانتس فون استاک "سالومه"

واتس "امید"

روزتی "پرسفون"

نوین

آرت نوو تلاش کرد تا کارکردهای هنری و سودمند آثار خلق شده را ترکیب کند تا همه حوزه های فعالیت انسانی را در حوزه زیبایی درگیر کند. در نتیجه، علاقه به هنرهای کاربردی وجود دارد: طراحی داخلی، سرامیک، گرافیک کتاب. هنرمندان هنر نو از هنر مصر باستان و تمدن های باستانی الهام گرفتند. برجسته ترین ویژگی Art Nouveau رد زوایای راست و خطوط به نفع خطوط صاف تر و منحنی بود. اغلب، هنرمندان مدرن، زیور آلات را از دنیای گیاهان به عنوان اساس نقاشی های خود می گرفتند.

کلیمت "پرتره آدل بلوخ-بائر اول"

کلیمت "دانائه"

کلیمت "سه عصر زن"

پرواز "میوه"

اکسپرسیونیسم

اکسپرسیونیسم یکی از تاثیرگذارترین جنبش های هنری قرن بیستم است. اکسپرسیونیسم به عنوان واکنشی به حادترین بحران ربع اول قرن بیستم، جنگ جهانی اول و جنبش های انقلابی متعاقب آن، زشتی تمدن بورژوایی که منجر به میل به غیرعقلانی شد، پدید آمد. از نقوش درد، فریاد استفاده شد، اصل بیان شروع به غلبه بر تصویر کرد.

مودیلیانی او با کمک بدن و چهره زنان سعی می کند در روح شخصیت هایش نفوذ کند. «من به انسان علاقه مندم. صورت بزرگترین آفریده طبیعت است. من به طور خستگی ناپذیر از آن استفاده می کنم، "او تکرار کرد.

مودیلیانی "برهنه خوابیده"

شیله "زنی با جوراب سیاه"

کوبیسم

کوبیسم یک گرایش مدرنیستی در هنرهای تجسمی (عمدتاً در نقاشی) در ربع اول قرن بیستم است که وظیفه رسمی ساخت یک فرم سه بعدی در یک صفحه را برجسته کرد و کارکردهای فیگوراتیو و شناختی هنر را به حداقل رساند. ظهور کوبیسم به طور سنتی به سال های 1906-1907 مربوط می شود و با کارهای پابلو پیکاسو و ژرژ براک مرتبط است. به طور کلی، کوبیسم شکستی با سنت هنر رئالیستی بود که در دوران رنسانس توسعه یافت، از جمله ایجاد یک توهم بصری از جهان در یک هواپیما. کار کوبیست ها چالشی برای زیبایی استاندارد هنر سالن، تمثیل های مبهم نمادگرایی و شکنندگی نقاشی امپرسیونیستی بود. کوبیسم با ورود به دایره جنبش‌های شورشی، آنارشیستی، فردگرایانه، با کشش به سمت زهد رنگ، به سمت فرم‌های ساده، سنگین، ملموس و موتیف‌های ابتدایی در میان آنها برجسته شد.

پیکاسو "زن گریان"

پیکاسو "در حال ماندولین بازی"

پیکاسو "دختران آوینیون"

سورئالیسم

مفهوم اساسی سوررئالیسم، سوررئالیت- ترکیب رویا و واقعیت برای انجام این کار، سوررئالیست ها ترکیبی پوچ و متناقض از تصاویر طبیعت گرایانه را از طریق کولاژ و انتقال شی از فضای غیر هنری به فضای هنری پیشنهاد کردند، که به لطف آن شی از سمتی غیرمنتظره باز می شود، ویژگی هایی که خارج از زمینه هنری مورد توجه قرار نگرفت. در آن ظاهر شود. سوررئالیست ها از ایدئولوژی چپ رادیکال الهام گرفتند، اما پیشنهاد کردند که انقلاب را از آگاهی خود شروع کنند. هنر توسط آنها به عنوان ابزار اصلی رهایی در نظر گرفته شد. این جهت تحت تأثیر فراوان نظریه روانکاوی فروید شکل گرفت. سوررئالیسم ریشه در نمادگرایی داشت و در ابتدا تحت تأثیر هنرمندان نمادگرا مانند گوستاو مورو و اودیلون ردون قرار گرفت. بسیاری از هنرمندان محبوب سوررئالیست بودند، از جمله رنه ماگریت، ماکس ارنست، سالوادور دالی، آلبرتو جاکومتی.

گیل الوگرن (1914-1980) یکی از هنرمندان برجسته قرن بیستم بود. او در طول دوران حرفه‌ای خود، که از اواسط دهه 1930 آغاز شد و بیش از چهل سال به طول انجامید، خود را به عنوان یک محبوب آشکار در میان کلکسیونرها و طرفداران پین آپ در سراسر جهان تثبیت کرد. و اگرچه گیل الوگرن عمدتاً یک هنرمند پین آپ در نظر گرفته می شود، او شایسته عنوان یک تصویرگر کلاسیک آمریکایی است که توانست حوزه های مختلف هنر تجاری را پوشش دهد.

25 سال کار برای تبلیغات کوکاکولا به او کمک کرد تا خود را به عنوان یکی از تصویرگران بزرگ در این زمینه معرفی کند. تبلیغات کوکاکولا شامل تصاویر پین‌آپ از دختران الوگرن بود که اکثر این تصاویر خانواده‌ها، کودکان، نوجوانان معمولی آمریکایی را به تصویر می‌کشیدند - مردم عادی که مشغول انجام کارهای روزمره خود هستند. در طول جنگ جهانی دوم و جنگ کره، الوگرن حتی برای کوکاکولا تصاویری با مضمون نظامی کشید که برخی از آنها در آمریکا به نماد تبدیل شدند.

کار الوگرن برای کوکاکولا رویای آمریکایی یک زندگی امن و راحت را به تصویر می‌کشد و برخی از تصاویر داستانی مجلات امیدها، ترس‌ها و شادی‌های خوانندگانشان را به تصویر می‌کشیدند. این تصاویر در دهه 1940-1950 در تعدادی از مجلات معروف آمریکایی مانند McCall's، Cosmopolitan، Good Housekeeping و Woman's Home Companion منتشر شد. الوگرن همراه با کوکاکولا با قطعات خودرو Orange Crush، Schlitz Beer، Sealy Mattress، General Electric، Sylvania و Napa نیز کار کرده است.

الوگرن نه تنها به خاطر نقاشی‌ها و گرافیک‌های تبلیغاتی‌اش متمایز بود - او همچنین یک عکاس حرفه‌ای بود که دوربین را به همان مهارتی که با قلم مو کار می‌کرد به کار می‌برد. اما انرژی و استعداد او در اینجا متوقف نشد: علاوه بر این، او یک معلم بود که شاگردانش بعداً به هنرمندان مشهور تبدیل شدند.

الوگرن حتی در اوایل کودکی خود از تصاویر تصویرگران معروف الهام می گرفت. او هر هفته ورق ها و جلدهای مجلات را با تصاویری که دوست داشت پاره می کرد و در نتیجه مجموعه عظیمی را جمع آوری کرد که اثر خود را بر روی کار این هنرمند جوان گذاشت.

آثار الوگرن تحت تأثیر بسیاری از هنرمندان، مانند فلیکس اکتاویوس کار دارلی (1822-1888)، اولین هنرمندی بود که توانست برتری مکاتب تصویرسازی انگلیسی و اروپایی را بر هنر تجاری آمریکایی رد کند. نورمن راکول (1877-1978) که الوگرن در سال 1947 با او آشنا شد و این ملاقات آغاز یک دوستی طولانی بود. چارلز دانا گیبسون (چارلز دانا گیبسون) (1867-1944)، که از قلم موی او ایده آل یک دختر بیرون آمد، که ترکیبی از "همسایه" (دختر همسایه) و "دختر رویایی" (دختر رویاهای شما) بود. ، هاوارد چندلر کریستی، جان هنری هینترمایستر (1870-1945) و دیگران.

الوگرن از نزدیک آثار این هنرمندان کلاسیک را مورد مطالعه قرار داد، در نتیجه او مبنایی را ایجاد کرد که بر اساس آن توسعه بیشتر هنر پین آپ استوار شد.

بنابراین، گیل الوگرن در 15 مارس 1914 به دنیا آمد و در سنت پل مینیاپولیس بزرگ شد. والدین او، الکس و گلدی الوگرن، فروشگاهی در مرکز شهر داشتند که کاغذ دیواری و رنگ می فروخت.

گیل پس از فارغ التحصیلی از دبیرستان می خواست معمار شود. والدین او این تمایل را تأیید کردند، زیرا وقتی در سن هشت سالگی پسر را به دلیل نقاشی حاشیه کتاب های درسی از مدرسه حذف کردند، متوجه استعداد او در نقاشی شدند. الوگرن در نهایت در دانشگاه مینه سوتا ثبت نام کرد تا در رشته معماری و طراحی تحصیل کند و در عین حال دوره های هنری را در موسسه هنر مینیاپولیس گذراند. در آنجا بود که متوجه شد طراحی بسیار بیشتر از طراحی ساختمان ها برایش جالب است.

در پاییز همان سال، الوگرن با جانت کامینز ازدواج کرد. و اکنون، برای سال نو، تازه ازدواج کرده به شیکاگو نقل مکان می کنند، جایی که فرصت های زیادی برای هنرمندان وجود داشت. البته، آنها می توانستند نیویورک را انتخاب کنند، اما شیکاگو نزدیک تر و امن تر بود.

پس از ورود به شیکاگو، گیل سعی کرد همه چیز را برای توسعه حرفه خود انجام دهد. او در آکادمی هنرهای معتبر آمریکا در مرکز شهر ثبت نام کرد، جایی که با بیل ماسبی، یک هنرمند و معلم ماهر که همیشه به دیدن رشد گیل تحت هدایت او افتخار می کرد، دوست شد.

وقتی گیل الوگرن به آکادمی آمد، البته، با استعداد بود، اما از بسیاری از دانشجویانی که در آنجا تحصیل می کردند، متمایز نبود. اما فقط یک چیز او را از دیگران متمایز می کرد: او دقیقاً می دانست چه می خواهد. او بیشتر از همه آرزو داشت هنرمند خوبی شود. در دو سال تحصیل، او در دوره ای که برای سه و نیم طراحی شده بود تسلط یافت: او در کلاس های شبانه، در تابستان شرکت می کرد. در اوقات فراغت همیشه نقاشی می کرد.

شاگرد خوبی بود و بیشتر از دیگران کار می کرد. جیل در هر دوره ای شرکت می کرد که می توانست حداقل دانش نقاشی را کسب کند. در دو سال پیشرفت خارق العاده ای کرد و یکی از بهترین فارغ التحصیلان آکادمی شد.

جیل هنرمند شگفت انگیزی است که کمتر کسی می تواند با او برابری کند. از نظر هیکل قوی، شبیه یک بازیکن فوتبال است. دست های بزرگ او به هیچ وجه شبیه دست های یک هنرمند نیست: مداد به معنای واقعی کلمه در آنها "نقوه" می کند، اما دقت و پرزحمت حرکات او را فقط می توان با مهارت یک جراح مقایسه کرد.

گیل در طول مدت حضورش در این موسسه هرگز دست از کار نکشید. تصاویر او قبلاً بروشورها و مجلات آکادمی را که در آن تحصیل می کرد تزئین می کرد.

در آنجا گیل با هنرمندان زیادی آشنا شد که دوستان مادام العمر او شدند، مانند: هارولد اندرسون (هارولد اندرسون)، جویس بالاترین (جویس بالانتاین).

در سال 1936، جیل و همسرش به زادگاه خود بازگشتند و در آنجا استودیوی خود را افتتاح کردند. اندکی قبل از آن، او اولین کار سفارشی خود را انجام می‌دهد: روی جلد یک مجله مد که نشان می‌دهد مردی خوش‌تیپ با یک ژاکت دوبل و شلوار تابستانی رنگ روشن. بلافاصله پس از اینکه الوگرن کار خود را برای مشتری فرستاد، مدیر شرکت با او تماس گرفت تا به او تبریک بگوید و نیم دوجین جلد دیگر را سفارش دهد.

سپس یک کمیسیون جالب دیگر آمد، که قرار بود پنج دوقلو دیون (Dionne Quintuplets) را بکشند، که تولد آن برای رسانه ها هیجان انگیز شد. مشتری براون و بیگلو، بزرگترین ناشر تقویم بود. این اثر در تقویم های 1937-1938 چاپ شد که در میلیون ها نسخه فروخته شد. از آن زمان ، الوگرن شروع به کشیدن مشهورترین دختران در آمریکا کرد که موفقیت زیادی برای او به ارمغان آورد. شرکت های دیگر شروع به دعوت از Elvgren برای همکاری کردند، به عنوان مثال، براون و رقیب Biglow، Louis F. Dow Calendar Company. چاپ آثار این هنرمند روی کتابچه ها، کارت های بازی و حتی جعبه های کبریت آغاز شد. سپس بسیاری از نقاشی های او در اندازه واقعی که برای رویال کراون سودا ساخته شده بود در خواربارفروشی ها ظاهر شدند. همان سال برای الوگرن اهمیت ویژه ای پیدا می کند، زیرا او و همسرش اولین فرزندشان، کارن را به دنیا آوردند.

الوگرن به گرفتن دستور ادامه می دهد و تصمیم می گیرد با خانواده اش به شیکاگو بازگردد. او به زودی با هادون اچ. ساندبلوم (1899-1976) که بت او بود آشنا شد. سندبلوم تأثیر زیادی بر کار الوگرن دارد.

به لطف ساندبلوم، الوگرن هنرمند تبلیغاتی کوکاکولا شد. این آثار تاکنون نمادهایی در تاریخ تصویرسازی آمریکا هستند.

بلافاصله پس از بمباران پرل هاربر، از الوگرن خواسته شد تا برای کارزار نظامی نقاشی بکشد. اولین نقاشی او برای این مجموعه در سال 1942 در مجله Good Housekeeping با عنوان "او می داند که "آزادی" واقعا چیست" منتشر شد و دختری را در لباس افسر صلیب سرخ به تصویر کشید.

در سال 1942، جیل جونیور به دنیا آمد و در سال 1943 همسرش در انتظار فرزند سوم بود. با این حال، خانواده الوگرن و تجارت او رشد کردند. جیل به پروژه های تبلیغاتی مشغول است و کارهای قدیمی خود را نیز می فروشد. او از زندگی لذت می برد، زیرا او قبلاً یک هنرمند محترم و یک مرد خانواده شاد بود. وقتی فرزند سوم در خانواده اش به دنیا آمد، الوگرن از قبل حدود 1000 دلار برای هر نقاشی دریافت می کرد، یعنی. حدود 24000 دلار در سال که در آن زمان مبلغ بسیار زیادی بود. این بدان معناست که گیل می تواند به پردرآمدترین تصویرگر در ایالات متحده تبدیل شود و البته جایگاه ویژه ای در براون و بیگلو داشته باشد.

قبل از کار انحصاری برای براون و بیگلو، او اولین (و تنها) کمیسیون خود را از شرکت فیلادلفیا جوزف هوور گرفت. او برای اینکه با براون و بیگلو مشکلی نداشته باشد، این پیشنهاد را به شرط عدم امضای نقاشی پذیرفت. برای این کار که "دختر رویایی" نام دارد، 2500 دلار دریافت کرد، زیرا. این بزرگترین نقاشی بود که او تا به حال نقاشی کرده بود (101.6cm x 76.2cm).

همکاری با براون و بیگلو به الوگرن اجازه داد تا به نقاشی برای کوکاکولا ادامه دهد، اگرچه او می‌توانست برای هر شرکت دیگری که با براون و بیگلو درگیری نداشت کار کند. بنابراین همکاری بین الوگرن و براون و بیگلو در سال 1945 آغاز شد که بیش از سی سال به طول انجامید.

کارگردان براون و بیگلو، چارلز وارد، نام الوگرن را به رسمیت شناخت. او همچنین به گیل پیشنهاد داد که یک پین آپ برهنه بسازد که این هنرمند با اشتیاق فراوان موافقت کرد. این نقاشی از یک پوره بور برهنه در ساحل، زیر نور مهتاب آبی بنفش یاسی بود. این تصویر همراه با کار هنرمند دیگری - ZoÎ Mozert در یک دسته کارت منتشر شد. سال بعد، وارد پین آپ برهنه دیگری را از الوگرن برای نقشه های بیشتر سفارش داد، اما این بار الوگرن این کار را کاملاً به تنهایی انجام داد. این پروژه رکوردهای فروش براون و بیگلو را شکست و "Mais Oui by Gil Elvgren" نام گرفت.

اولین سه پروژه پین ​​آپ برای براون و بیگلو تنها پس از چند هفته به پرفروش ترین های شرکت تبدیل شدند. این تصاویر خیلی زود برای ورق بازی مورد استفاده قرار گرفتند.

در پایان این دهه، الوگرن به موفق ترین هنرمند براون و بیگلو تبدیل شد، به لطف رسانه ها، کارهای او به طور گسترده ای در بین مردم شناخته شد، حتی مجلات مقالاتی درباره او منتشر کردند. شرکت هایی که او با آنها کار می کرد شامل کوکاکولا، Orange Crush، Schlitz، Red Top Beer، Ovaltine، Royal Crown Soda، Campana Balm، General Tire، Sealy Mattress، Serta Perfect Sleep، Napa Auto Parts، Detzler Automotive Finishes، Frankfort Distilleries، Four Roses بودند. ویسکی مخلوط، جنرال الکتریک لوازم خانگی و شکلات های پانگبرن.

الوگرن در مواجهه با چنین تقاضایی برای کار خود، به فکر افتتاح استودیوی خود افتاد، زیرا هنرمندان زیادی بودند که کار او و به اصطلاح "نقاشی مایونز" را تحسین می کردند (به اصطلاح سبک سندبلوم و الوگرن به دلیل رنگ ها). روی آثار "کرم" و صاف مانند ابریشم به نظر می رسید). اما پس از سنجیدن همه جوانب مثبت و منفی، این ایده را کنار گذاشت.

گیل الوگرن سفرهای زیادی کرد، با افراد با نفوذ زیادی آشنا شد. دستمزد او در براون و بیگلو از 1000 دلار برای هر بوم به 2500 دلار تغییر کرد و سالانه 24 نقاشی می کشید، به علاوه او درصدی از مجلاتی را که تصاویرش را چاپ می کردند دریافت می کرد. او با خانواده اش به خانه جدیدی در حومه وینتکا نقل مکان کرد، جایی که شروع به ساخت استودیوی خود در اتاق زیر شیروانی کرد، که به او اجازه داد حتی بیشتر کار کند.

گیل طعم عالی داشت و همچنین شوخ بود. آثار او همیشه در ترکیب بندی، طرح های رنگی جالب هستند و ژست ها و ژست های دقیق فکر شده آنها را زنده و هیجان انگیز می کند. نقاشی های او صادقانه است. گیل تکامل زیبایی زنانه را احساس کرد که بسیار مهم بود. بنابراین، Elvgren همیشه مورد تقاضای مشتریان بود.

در سال 1956، گیل با خانواده اش به فلوریدا نقل مکان کرد. از محل سکونت جدید کاملا راضی بود. در آنجا او یک استودیوی عالی افتتاح کرد، جایی که بابی تومبز را مطالعه کرد، که به حق به یک هنرمند شناخته شده تبدیل شد. او گفت که الوگرن یک معلم عالی بود که به او آموخت تا از تمام مهارت های خود با تفکر استفاده کند.

در فلوریدا، گیل تعداد زیادی پرتره کشید، از جمله مدل های او میرن لوی، آرلین دال، دونا رید، باربارا هیل، کیم نواک بودند. در دهه‌های 1950 و 1960، هر مدل یا بازیگر مشتاقی دوست داشت الوگرن دختری را به شکل او بکشد، که سپس روی تقویم‌ها و پوسترها چاپ شود.

الوگرن همیشه به دنبال ایده های جدید برای نقاشی هایش بود. اگرچه بسیاری از دوستان هنرمندش در این امر به او کمک کردند، اما او بیش از همه به خانواده خود متکی بود: او ایده های خود را با همسر و فرزندانش در میان می گذاشت.

الوگرن در حلقه‌ای از هنرمندانی کار می‌کرد که به آنها آموزش می‌داد یا برعکس، از آنها تحصیل می‌کرد. دوستانی که با آنها اشتراکات زیادی داشت. از جمله هری اندرسون، جویس بالانتاین، آل بوئل، مت کلارک، ارل گراس، اد هنری، چارلز کینگهام و دیگران بودند.

گیل الوگرن به بهترین شکل زندگی کرد. به عنوان یک کوهنورد مشتاق، عاشق ماهیگیری و شکار بود. او می‌توانست ساعت‌ها را در استخر بگذراند، به ماشین‌های مسابقه‌ای علاقه‌مند بود و همچنین اشتیاق فرزندانش به جمع‌آوری سلاح‌های عتیقه را داشت.

در طول سال‌ها، الوگرن دستیاران زیادی در استودیو داشت که بیشتر آنها به هنرمندان موفقی تبدیل شدند. وقتی الوگرن مجبور شد شرکت‌ها را به دلیل حجم زیاد کار رد کند، مدیران هنری موافقت کردند که یک سال یا بیشتر صبر کنند تا جیل برای آنها کار کند.

اما تمام این موفقیت گیل در سال 1966 تحت الشعاع فاجعه وحشتناکی قرار گرفت که خانواده او را فرا گرفت: همسر گیل، جانت، بر اثر سرطان درگذشت. پس از آن، او بیشتر وارد کار شد. محبوبیت او بدون تغییر باقی می ماند، او نیازی به نگرانی در مورد چیزی جز نتیجه کار خود ندارد. این بهترین دوره زندگی حرفه ای الوگرن بود، اگر نه برای مرگ همسرش.

توانایی الوگرن در انتقال زیبایی زنانه بی نظیر بود. هنگام نقاشی معمولاً روی ویلچر می نشست تا بتواند به راحتی در اطراف حرکت کند و از زوایای مختلف به نقاشی نگاه کند و آینه بزرگی که پشت سر او قرار داشت به او اجازه می داد دید کلی از کل تصویر داشته باشد. دختران چیز اصلی در کار او بودند: او مدل های 15-20 ساله را ترجیح می داد که تازه کار خود را شروع می کردند، زیرا آنها بی واسطه ای داشتند که با تجربه از بین می رود. وقتی در مورد تکنیکش پرسیده شد، گفت که لمس هایش را اضافه می کند: پاها را بلند می کند، سینه را بزرگ می کند، کمر را باریک می کند، لب ها را حجیم تر می کند، چشم ها را گویاتر می کند، بینی را دراز می کند و در نتیجه به مدل جذابیت بیشتری می بخشد. الوگرن همیشه با دقت ایده های خود را از ابتدا تا انتها کار می کرد: او مدل، وسایل، نورپردازی، ترکیب بندی، حتی موها را انتخاب می کرد. بالاخره او از صحنه عکس گرفت و شروع به نقاشی کرد.

ویژگی بارز کار گیل این بود که با نگاه کردن به نقاشی‌ها، به نظر می‌رسید که دخترانی که در آن‌ها هستند، زنده می‌شوند، سلام می‌کنند یا پیشنهاد نوشیدن یک فنجان قهوه را می‌دهند. آنها زیبا و پر از اشتیاق به نظر می رسیدند. همیشه جذاب، مسلح به لبخندی دوستانه، حتی در طول جنگ به سربازان نیرو و امید برای بازگشت به خانه دخترانشان می دادند.

بسیاری از هنرمندان رویای نقاشی به روش الوگرن را در سر داشتند و همه استعداد و موفقیت او را تحسین می کردند.

هر سال او با سهولت و حرفه ای بیشتر نقاشی می کشید، نقاشی های اولیه او نسبت به نقاشی های بعدی "سخت تر" به نظر می رسید. او در رشته خود به اوج برتری رسیده است.

در 29 فوریه 1980، گیل الوگرن، مردی که خود را وقف شاد کردن مردم با هنر خود کرده بود، در سن 65 سالگی بر اثر سرطان درگذشت. پسرش دریک در استودیوی پدرش آخرین نقاشی ناتمام، اما با این حال باشکوه برای براون و بیگلو را پیدا کرد. سه دهه از مرگ الوگرن می گذرد، اما هنر او همچنان پابرجاست. بدون شک، الوگرن به عنوان هنرمندی که سهم بزرگی در هنر قرن بیستم آمریکا داشته در تاریخ خواهد ماند.

ژانرهای نقاشی ظاهر شدند ، محبوبیت یافتند ، محو شدند ، موارد جدید پدید آمدند ، زیرگونه ها در زیرگونه های موجود متمایز شدند. تا زمانی که یک فرد وجود دارد و سعی می کند دنیای اطراف خود را، چه طبیعت، چه ساختمان ها یا افراد دیگر، به تصویر بکشد، این روند متوقف نخواهد شد.

پیش از این (قبل از قرن 19)، ژانرهای نقاشی به ژانرهای به اصطلاح "بالا" (ژانر بزرگ فرانسوی) و ژانرهای "کم" (ژانر کوچک فرانسوی) تقسیم می شد. چنین تقسیم بندی در قرن هفدهم به وجود آمد. و بر اساس چه موضوع و طرحی به تصویر کشیده شده است. در این راستا ژانرهای عالی شامل: رزمی، تمثیلی، مذهبی و اساطیری و ژانرهای پست شامل پرتره، منظره، طبیعت بی جان، حیوان گرایی بود.

تقسیم به ژانرها نسبتاً دلخواه است، زیرا. عناصر دو یا چند ژانر می توانند به طور همزمان در تصویر حضور داشته باشند.

انیمالیسم یا ژانر حیوانی

Animalism یا ژانر حیوانی (از lat. animal - animal) - ژانری که در آن انگیزه اصلی تصویر یک حیوان است. می توان گفت که این یکی از قدیمی ترین ژانرها است، زیرا. نقاشی ها و پیکره های پرندگان و حیوانات قبلاً در زندگی افراد بدوی وجود داشت. به عنوان مثال، در نقاشی معروف I.I. "صبح در یک جنگل کاج" شیشکین، طبیعت توسط خود هنرمند به تصویر کشیده شده است و خرس ها کاملاً متفاوت هستند و فقط در به تصویر کشیدن حیوانات تخصص دارند.

I.I. شیشکین "صبح در یک جنگل کاج"

چگونه می توان یک زیرگونه را تشخیص داد ژانر ایپی(از اسب آبی یونانی - اسب) - ژانری که در آن تصویر اسب به عنوان مرکز تصویر عمل می کند.

نه. Sverchkov "اسب در اصطبل"

پرتره

پرتره (از کلمه فرانسوی پرتره) تصویری است که در آن تصویر یک شخص یا گروهی از افراد در مرکز قرار دارد. پرتره نه تنها یک شباهت بیرونی را منتقل می کند، بلکه دنیای درون را نیز منعکس می کند و احساسات هنرمند را نسبت به شخصی که پرتره او را می کشد، منتقل می کند.

I.E. رپین پرتره نیکلاس دوم

ژانر پرتره به زیر تقسیم می شود شخصی(تصویر یک نفر) گروه(تصویر چند نفر)، با توجه به ماهیت تصویر - به جلوزمانی که شخصی در رشد کامل در برابر پس زمینه برجسته معماری یا منظر به تصویر کشیده می شود و محفظه - اتاقزمانی که فردی تا عمق سینه یا تا کمر در پس زمینه ای خنثی به تصویر کشیده می شود. گروهی از پرتره ها که بر اساس برخی ویژگی ها متحد شده اند، یک گروه یا یک گالری پرتره را تشکیل می دهند. نمونه آن پرتره هایی از اعضای خانواده سلطنتی است.

به طور جداگانه اختصاص داده شده است سلف پرترهکه هنرمند خود را بر روی آن به تصویر می کشد.

خود پرتره K. Bryullov

پرتره یکی از قدیمی ترین ژانرها است - اولین پرتره ها (مجسمه ای) قبلاً در مصر باستان وجود داشته است. چنین پرتره ای به عنوان بخشی از یک فرقه در مورد زندگی پس از مرگ عمل می کرد و "دوگانه" یک شخص بود.

چشم انداز

منظره (از فرانسوی paysage - کشور، منطقه) ژانری است که در آن تصویر طبیعت مرکزی است - رودخانه ها، جنگل ها، مزارع، دریا، کوه ها. در یک منظره، نکته اصلی، البته، طرح است، اما به همان اندازه مهم است که حرکت، زندگی طبیعت اطراف را منتقل کنید. از یک طرف، طبیعت زیبا، تحسین برانگیز است، و از طرف دیگر، انعکاس آن در تصویر نسبتاً دشوار است.

سی مونه "مزرعه خشخاش در آرژانتوی"

زیرگونه منظر است منظره دریا یا مارینا(از فرانسوی دریایی، ایتالیایی marina، از لاتین marinus - دریا) - تصویری از یک نبرد دریایی، دریا یا رویدادهای دیگری که در دریا در حال رخ دادن است. نماینده برجسته نقاشان دریایی - ک.ا. آیوازوفسکی. قابل ذکر است که این هنرمند جزئیات زیادی از این تصویر را از حفظ نوشته است.

I.I. آیوازوفسکی "موج نهم"

با این حال، اغلب هنرمندان نیز تلاش می کنند تا دریا را از طبیعت بکشند، به عنوان مثال، دبلیو ترنر نقاشی "طوفان برفی". کشتی بخار در ورودی بندر یک سیگنال پریشانی می دهد و به آب کم عمق برخورد می کند، "4 ساعت را روی پل ناخدای کشتی در حال حرکت در طوفان گذراند.

دبلیو ترنر «طوفان برفی. کشتی بخار در ورودی بندر یک سیگنال پریشانی می دهد و به آب کم عمق برخورد می کند.

عنصر آب نیز در منظر رودخانه به تصویر کشیده شده است.

به طور جداگانه اختصاص دهید منظره شهری، که در آن خیابان ها و ساختمان های شهر موضوع اصلی تصویر هستند. منظر شهری است ودوتا- تصویر چشم انداز شهری به شکل پانوراما، که در آن مقیاس و تناسب مطمئناً حفظ می شود.

A. Canaletto "Piazza San Marco"

انواع دیگری از منظره وجود دارد - روستایی، صنعتی و معماری. در نقاشی معماری، موضوع اصلی تصویر منظر معماری است، یعنی. ساختمان ها، سازه ها؛ شامل تصاویری از فضای داخلی (دکوراسیون داخلی). گاهی داخلی(از فرانسوی intérieur - داخلی) به عنوان یک ژانر جداگانه متمایز می شود. در نقاشی معماری ژانر دیگری متمایز می شود - کاپریچیو(از ایتالیایی capriccio، caprice، هوس) - یک منظره فانتزی معماری.

طبیعت بی جان

زندگی بی جان (از طبیعت فرانسوی morte - طبیعت مرده) ژانری است که مختص به تصویر کشیدن اجسام بی جان است که در یک محیط مشترک قرار می گیرند و یک گروه را تشکیل می دهند. طبیعت بی جان در قرن 15-16 ظاهر شد، اما به عنوان یک ژانر جداگانه در قرن 17 شکل گرفت.

علیرغم این واقعیت که کلمه "طبیعت بی جان" به عنوان طبیعت مرده ترجمه شده است ، در تصاویر دسته های گل ، میوه ، ماهی ، بازی ، ظروف وجود دارد - همه چیز "شبیه یک موجود زنده" به نظر می رسد ، یعنی. مثل واقعی طبیعت بی جان از زمان پیدایش تا به امروز یکی از ژانرهای مهم در نقاشی بوده است.

سی مونه "گلدان با گل"

چگونه می توان یک زیرگونه جداگانه را تشخیص داد وانیتاس(از لاتین Vanitas - غرور، غرور) - یک ژانر نقاشی که در آن مکان مرکزی در تصویر توسط جمجمه انسان اشغال شده است که تصویر آن برای یادآوری غرور و ضعف زندگی انسان است.

نقاشی F. de Champagne سه نماد از ضعف وجود را ارائه می دهد - زندگی، مرگ، زمان از طریق تصاویر یک لاله، جمجمه، ساعت شنی.

ژانر تاریخی

ژانر تاریخی - ژانری که در آن نقاشی ها وقایع مهم و پدیده های اجتماعی مهم گذشته یا حال را به تصویر می کشند. قابل توجه است که تصویر را می توان نه تنها به وقایع واقعی، بلکه به وقایع اساطیری اختصاص داد یا مثلاً در کتاب مقدس شرح داده شده است. این ژانر برای تاریخ، هم برای تاریخ تک تک مردم و دولت ها و هم برای کل بشریت بسیار مهم است. در نقاشی ها، ژانر تاریخی از انواع دیگر ژانرها - پرتره، منظره، ژانر نبرد جدایی ناپذیر است.

I.E. رپین "قزاق ها نامه ای به سلطان ترکیه می نویسند" K. Bryulov "آخرین روز پمپئی"

ژانر نبرد

ژانر نبرد (از فرانسوی bataille - نبرد) ژانری است که در آن نقاشی های اوج نبرد، عملیات نظامی، لحظه پیروزی، صحنه هایی از زندگی نظامی را به تصویر می کشد. نقاشی نبرد با تصویر در تصویر تعداد زیادی از مردم مشخص می شود.

A.A. Deineka "دفاع از سواستوپل"

ژانر مذهبی

ژانر مذهبی ژانری است که در آن خط داستانی اصلی در نقاشی ها کتاب مقدس است (صحنه ای از کتاب مقدس و انجیل). با توجه به موضوع، شمایل نگاری نیز متعلق به مذهبی است، تفاوت آنها در این است که نقاشی هایی با محتوای مذهبی در خدمات برگزار شده شرکت نمی کنند و برای شمایل این هدف اصلی است. شمایل نگاریترجمه از یونانی به معنای "تصویر دعا" است. این ژانر با محدودیت ها و قوانین سخت نقاشی محدود شده بود، زیرا. طراحی شده نه برای انعکاس واقعیت، بلکه برای انتقال ایده آغاز خدا، که در آن هنرمندان به دنبال ایده آل هستند. در روسیه، نقاشی شمایل در قرون 12-16 به اوج خود رسید. معروف ترین نام های نقاشان آیکون عبارتند از: تئوفان یونانی (نقاشی های دیواری)، آندری روبلف، دیونیسیوس.

آ. روبلف "ترینیتی"

چگونه مرحله انتقالی از نقاشی نماد به پرتره برجسته می شود پارسونا(تحریف شده از lat. persona - شخصیت، شخص).

پارسونای ایوان مخوف. نویسنده ناشناس

ژانر خانگی

نقاشی ها صحنه هایی از زندگی روزمره را به تصویر می کشند. غالباً هنرمند در مورد آن لحظات زندگی می نویسد که معاصر آنهاست. از ویژگی های بارز این ژانر می توان به واقع گرایی نقاشی ها و سادگی طرح اشاره کرد. تصویر می تواند آداب و رسوم، سنت ها، ساختار زندگی روزمره یک مردم خاص را منعکس کند.

نقاشی های خانگی شامل نقاشی های معروفی مانند "بارج هاولارها در ولگا" اثر I. Repin، "Troika" اثر V. Perov، "ازدواج نابرابر" اثر V. Pukirev است.

I. رپین "کشنده‌های بارج در ولگا"

ژانر حماسی - اساطیری

ژانر حماسی - اساطیری. کلمه اسطوره از یونانی گرفته شده است. "mythos" که به معنای سنت است. این نقاشی ها وقایع افسانه ها، حماسه ها، افسانه ها، اسطوره های یونان باستان، افسانه های باستانی، توطئه های فولکلور را به تصویر می کشد.

P. Veronese "Apollo and Marsyas"

ژانر تمثیلی

ژانر تمثیلی (از یونانی allegoria - تمثیل). تصاویر به گونه ای نوشته شده اند که معنایی پنهان دارند. ایده ها و مفاهیم ناملموس، نامرئی با چشم (قدرت، خیر، شر، عشق)، از طریق تصاویر حیوانات، انسان ها، سایر موجودات زنده با چنین ویژگی های ذاتی که نمادهایی از قبل در ذهن مردم تثبیت شده است، منتقل می شود و به آنها کمک می کند. معنای کلی کار را درک کنید.

L. Giordano "عشق و رذایل عدالت را خلع سلاح می کند"

پاستورال (از فرانسوی پاستورال - چوپان، روستایی)

ژانری از نقاشی که زندگی ساده و آرام روستایی را تجلیل و شاعرانه می کند.

F. Boucher "Autumn Pastoral"

کاریکاتور (از ایتالیایی caricare - به اغراق)

ژانری که در آن هنگام ایجاد یک تصویر، از یک افکت کمیک عمداً با اغراق و تیز کردن ویژگی ها، رفتار، لباس و غیره استفاده می شود. که هدف آن صرفاً شوخی کردن است. مفاهیمی مانند آتل، گروتسک نزدیک به اصطلاح "کاریکاتور" هستند.

برهنه (از فرانسوی nu - برهنه، برهنه)

ژانری که در نقاشی های آن یک بدن انسان برهنه به تصویر کشیده شده است که اغلب یک زن است.

تیتیان وچلیو "زهره اوربینو"

فریب، یا ترومپلی (از fr. trompe-l'œil -خطای دید)

ژانری که ویژگی های مشخصه آن تکنیک های خاصی است که یک توهم نوری ایجاد می کند و به شما امکان می دهد مرز بین واقعیت و تصویر را محو کنید. این تصور فریبنده که جسم سه بعدی است، در حالی که دو بعدی است. گاهی اسناگ به عنوان زیرگونه طبیعت بی جان متمایز می شود، اما گاهی افراد نیز در این ژانر به تصویر کشیده می شوند.

پر بورل دل کاسو "فرار از انتقاد"

برای کامل شدن درک ترفندها، مطلوب است که آنها را در اصل در نظر بگیرید، زیرا. یک بازتولید قادر به انتقال کامل اثری است که هنرمند به تصویر می کشد.

جاکوپو د باربری "کبک و دستکش آهنی"

تصویر طرح موضوعی

ترکیبی از ژانرهای سنتی نقاشی (روزمرگی، تاریخی، نبرد، منظره و غیره). به عبارت دیگر، این ژانر ترکیب فیگوراتیو نامیده می شود، ویژگی های بارز آن عبارتند از: نقش اصلی توسط یک شخص، حضور یک عمل و یک ایده مهم اجتماعی، روابط (تضاد منافع / شخصیت ها) و لهجه های روانی لزوما نشان داده شده است.

وی. سوریکوف "بویار موروزوا"

.
این هنرمند که در سال 1994 در رشته طراحی گرافیک از کالج هنر Tver فارغ التحصیل شد، با سبک خارق العاده و ترکیب بندی های زیبای خود تخیل را به خود جلب می کند.

او خالق تصاویر واقعا منحصر به فرد با لمس یکپارچهسازی با سیستمعامل است. والدمار کازاک هنرمندی با شوخ طبعی است، او بینش خاصی از زندگی روزمره دارد، می داند چگونه به زندگی روزمره بخندد، اغلب معنای افسانه های کودکان، سیاستمداران و جوانان مدرن را مسخره می کند.

تصویرگر مدرن در ژانر زندگی روزمره با تاکید بر کاریکاتور کار می کند. متوجه نشدن و به یاد نیاوردن شخصیت های آثار قزاق دشوار است. همه آنها بسیار رنگارنگ، رسا و روشن هستند.

ساخته های نفس گیر او مملو از سبک زیبایی شناسی پس از جنگ است که در دهه 50 قرن بیستم به وجود آمد.

در اینجا چیزی است که خود والدمار کازاک در مورد سبک خود می گوید:

مانند هر شخص (یا هنرمند)، من دستخط خودم را دارم. اما من آن را پرورش نمی‌دهم، زیرا می‌ترسم وارد رفتارهای اخلاقی شوم. علاوه بر این، یک نامه فردی روشن مورد تقاضای بازار است. بله، این دقیقا همان چیزی است که همه می دانند.

نقاشی های هنری بسیار درخشان، هیجان انگیز و چشم نواز به سبک رترو Waldemar Kazak هیچ کس را بی تفاوت نمی کند!