Escuela de imágenes e ideas con estilo. Cómo vive el antiguo icono Vladimir de la Madre de Dios en el templo Icono de la Madre de Dios de los Siete Tiradores

La exposición “Obras maestras de Bizancio” es un gran y singular evento que no se puede perder. Por primera vez se trajo a Moscú una colección completa de iconos bizantinos. Esto es especialmente valioso porque no es tan fácil obtener una comprensión seria de la pintura de iconos bizantinos a partir de varias obras ubicadas en el Museo Pushkin.

Es bien sabido que toda la pintura de iconos rusa antigua surgió de la tradición bizantina y que muchos artistas bizantinos trabajaron en Rusia. Todavía hay disputas sobre muchos iconos premongoles sobre quién los pintó: los pintores de iconos griegos que trabajaron en Rusia o sus talentosos estudiantes rusos. Mucha gente sabe que, al mismo tiempo que Andrei Rublev, el pintor de iconos bizantino Teófanes el Griego trabajó como su colega principal y probablemente maestro. Y él, aparentemente, no fue el único de los grandes artistas griegos que trabajaron en Rusia a principios de los siglos XIV y XV.

Y por eso, para nosotros, el icono bizantino es prácticamente indistinguible del ruso. Desafortunadamente, la ciencia nunca desarrolló criterios formales precisos para determinar lo "ruso" cuando hablamos de arte hasta mediados del siglo XV. Pero esta diferencia existe, y puedes comprobarlo con tus propios ojos en la exposición de la Galería Tretyakov, porque varias obras maestras reales de la pintura de iconos griegos nos llegaron del “Museo Bizantino y Cristiano” de Atenas y de algunas otras colecciones.

Me gustaría agradecer una vez más a las personas que organizaron esta exposición y, en primer lugar, a la iniciadora y curadora del proyecto, la investigadora de la Galería Tretyakov Elena Mikhailovna Saenkova, la jefa del departamento de arte antiguo ruso Natalya Nikolaevna Sharedega y a la Todo el departamento de arte antiguo ruso, que participó activamente en la preparación de esta exposición única.

Resurrección de Lázaro (siglo XII)

El primer icono en exhibición. De pequeñas dimensiones, situada en el centro del recibidor en una vitrina. El icono es parte de un tyabl (o epistilium), una viga o tabla grande de madera pintada que, en la tradición bizantina, se colocaba en el techo de las barreras de mármol del altar. Estas capillas fueron la base del futuro iconostasio alto, que surgió a finales de los siglos XIV y XV.

En el siglo XII, las 12 grandes fiestas (las llamadas Dodekaorton) generalmente se escribían en el epístilo, y la Deesis a menudo se colocaba en el centro. El icono que vemos en la exposición es un fragmento de dicho epístilo con una escena de "La resurrección de Lázaro". Es valioso que sepamos de dónde viene este epístilo: del Monte Athos. Al parecer, en el siglo XIX fue cortado en pedazos, que acabaron en lugares completamente diferentes. En los últimos años, los investigadores han podido descubrir varias partes del mismo.

La resurrección de Lázaro. Siglo XII. Madera, témpera. Museo Bizantino y Cristiano, Atenas

La Resurrección de Lázaro se encuentra en el Museo Bizantino de Atenas. La otra parte, con la imagen de la Transfiguración del Señor, acabó en Ermita estatal, el tercero, con el escenario de la Última Cena, se encuentra en el monasterio de Vatopedi en Athos.

El icono, al no ser Constantinopla ni una obra metropolitana, demuestra que nivel más alto, que alcanzó la pintura de iconos bizantinos en el siglo XII. A juzgar por el estilo, el icono data de la primera mitad de este siglo y, con probabilidad alta, fue escrito en el propio Monte Athos para necesidades monásticas. En la pintura no vemos oro, que siempre ha sido un material caro.

El tradicional fondo dorado de Bizancio se sustituye aquí por rojo. En una situación en la que el maestro no tenía oro a su disposición, utilizó un sustituto simbólico del oro: el color rojo.

Así que aquí tenemos uno de los primeros ejemplos de iconos bizantinos con fondo rojo: los orígenes de una tradición que se desarrolló en Rusia en los siglos XIII y XIV.

Virgen y Niño (principios del siglo XIII)

Este icono es interesante no sólo por su decisión estilística, que no encaja del todo en la tradición puramente bizantina. Se cree que el icono fue pintado en Chipre, pero quizás participó en su creación. maestro italiano. Estilísticamente, es muy similar a los iconos del sur de Italia, que durante siglos estuvo en la órbita de la influencia política, cultural y religiosa de Bizancio.

Sin embargo, tampoco se puede descartar el origen chipriota, porque a principios del siglo XIII existían en Chipre estilos estilísticos completamente diferentes y los maestros occidentales también trabajaron junto a los griegos. Es muy posible que el estilo especial de este icono sea el resultado de la interacción y una especie de influencia occidental, que se expresa, en primer lugar, en la violación de la plasticidad natural de la figura, que los griegos generalmente no permitían, y la expresión deliberada del diseño, así como los detalles decorativos.

Es curiosa la iconografía de este icono. Se muestra al bebé vistiendo una camisa larga azul y blanca con rayas anchas, que van desde los hombros hasta los bordes, mientras que las piernas del Bebé están desnudas. La camisa larga está cubierta por una extraña capa, más parecida a una cortina. Según el autor del icono, ante nosotros hay una especie de sudario en el que está envuelto el cuerpo del Niño.

En mi opinión, estas túnicas tienen un significado simbólico y están asociadas con el tema del sacerdocio. El Niño Cristo también es representado como Sumo Sacerdote. A esta idea se asocian las anchas franjas de la clavícula que van desde el hombro hasta el borde inferior, un importante rasgo distintivo sobrepelliz de obispo. La combinación de ropa azul, blanca y dorada aparentemente está relacionada con el tema de las cubiertas del trono del altar.

Como saben, el Trono tanto en la iglesia bizantina como en la rusa tiene dos portadas principales. La prenda inferior es un sudario, una funda de lino, que se coloca sobre el Trono, y encima se coloca indio precioso, a menudo hecho de tela preciosa, decorado con bordados de oro, que simboliza la gloria celestial y la dignidad real. En las interpretaciones litúrgicas bizantinas, en particular interpretaciones famosas Simeón de Tesalónica, a principios del siglo XV, nos encontramos precisamente con esta comprensión de dos velos: la Sábana Santa funeraria y las vestiduras del Señor celestial.

Otro detalle muy característico de esta iconografía es que las piernas del Niño están desnudas hasta las rodillas y la Madre de Dios presiona con su mano su talón derecho. Este énfasis en el talón del Niño está presente en varias iconografías de la Theotokos y está asociado con el tema del Sacrificio y la Eucaristía. Vemos aquí un eco del tema del Salmo 23 y la llamada promesa edénica de que el hijo de la mujer herirá la cabeza del tentador, y el tentador mismo herirá el calcañar de este hijo (ver Génesis 3:15).

Por lo tanto, el talón desnudo es a la vez una alusión al sacrificio de Cristo y a la salvación venidera: la encarnación de la elevada "dialéctica" espiritual del conocido himno pascual "Pisoteando la muerte".

Icono en relieve de San Jorge (mediados del siglo XIII)

Los iconos en relieve, que son inusuales para nosotros, son bien conocidos en Bizancio. Por cierto, San Jorge a menudo se representaba en relieve. Los iconos bizantinos estaban hechos de oro y plata, y había bastantes (lo sabemos por los inventarios de los monasterios bizantinos que nos han llegado). Varios de estos notables iconos han sobrevivido y pueden verse en el tesoro de la Basílica de San Marcos en Venecia, donde fueron llevados como botín de la Cuarta Cruzada.

Los iconos en relieve de madera son un intento de sustituir las joyas por materiales más económicos. Lo que me atrajo de la madera fue la posibilidad de la sensual tangibilidad de una imagen escultórica. Aunque la escultura como técnica iconográfica no estaba muy extendida en Bizancio, debemos recordar que las calles de Constantinopla, antes de su destrucción por los cruzados en el siglo XIII, estaban llenas de estatuas antiguas. Y los bizantinos tenían imágenes escultóricas, como dicen, "en la sangre".

El ícono de cuerpo entero muestra a San Jorge orando, quien se vuelve hacia Cristo, como si volara desde el cielo en la esquina superior derecha del centro de este ícono. En los márgenes hay un ciclo de vida detallado. Sobre la imagen se muestran dos arcángeles que flanquean la imagen no conservada del “Trono Preparado (Etymasia)”. Introduce una dimensión temporal muy importante en el icono, recordando la próxima Segunda Venida.

Es decir, no estamos hablando del tiempo real, ni siquiera de la dimensión histórica de la historia cristiana antigua, sino del llamado tiempo icónico o litúrgico, en el que el pasado, el presente y el futuro se entrelazan en un todo único.

En este icono, como en muchos otros iconos de mediados del siglo XIII, son visibles ciertos rasgos occidentales. En esta época la parte principal imperio Bizantino ocupada por los cruzados. Se puede suponer que la persona que ordenó el icono podría haber estado relacionada con este entorno. Esto se evidencia en el escudo de Jorge, que no es bizantino ni griego, que recuerda mucho a los escudos con los escudos de armas de los caballeros occidentales. Los bordes del escudo están rodeados por un peculiar adorno, en el que es fácil reconocer una imitación de la escritura árabe cúfica, en esta época era especialmente popular y se consideraba un signo de lo sagrado;

En la parte inferior izquierda, a los pies de San Jorge, hay una figura femenina con ricas pero muy estrictas vestimentas, que cae en oración a los pies del santo. Este es el cliente desconocido de este ícono, aparentemente el mismo nombre que una de las dos santas mujeres representadas en la parte posterior del ícono (una está firmada con el nombre "Marina", la segunda mártir con túnicas reales es una imagen de San Pedro). Catalina o Santa Irene).

San Jorge es el santo patrón de los guerreros y, teniendo esto en cuenta, se puede suponer que el icono encargado por una esposa desconocida es una imagen votiva con una oración por su marido, que en estos tiempos tan turbulentos está luchando en algún lugar y necesita la ayuda. patrocinio más directo del guerrero principal del rango de mártires.

Icono de la Madre de Dios y el Niño con la Crucifixión en el reverso (siglo XIV)

El icono artísticamente más notable de esta exposición es el gran icono de la Madre de Dios y el Niño con la Crucifixión en el reverso. Se trata de una obra maestra de la pintura de Constantinopla, probablemente pintada por un destacado, incluso podría decirse, gran artista de la primera mitad del siglo XIV, el apogeo del llamado "Renacimiento paleólogo".

Durante esta época aparecieron los famosos mosaicos y frescos del Monasterio de Chora en Constantinopla, conocido por muchos con el nombre turco de Kahrie-Jami. Desafortunadamente, el ícono sufrió mucho, aparentemente debido a una destrucción deliberada: literalmente han sobrevivido algunos fragmentos de la imagen de la Madre de Dios y el Niño. Desafortunadamente, vemos en su mayoría adiciones tardías. La escena de la crucifixión está mucho mejor conservada. Pero incluso aquí, alguien destruyó las caras a propósito.

Pero incluso lo que ha sobrevivido habla de la mano de un artista destacado. Y no sólo un gran maestro, sino una persona. talento extraordinario, quien se propuso tareas espirituales especiales.

Elimina todo lo innecesario de la escena de la Crucifixión, concentrando la atención en las tres figuras principales, en las que, por un lado, se puede leer la base antigua que nunca desapareció en el arte bizantino: una plasticidad escultórica sorprendente, que, sin embargo, se transforma por energía espiritual. Por ejemplo, las figuras de la Madre de Dios y Juan Evangelista parecen estar escritas en la frontera entre lo real y lo sobrenatural, pero esta línea no se cruza.

La figura de la Madre de Dios, envuelta en túnicas, estaba pintada con lapislázuli, una pintura muy cara que literalmente valía su peso en oro. A lo largo del borde de la maforia hay un borde dorado con largas borlas. La interpretación bizantina de este detalle no ha sobrevivido. Sin embargo, en una de mis obras sugerí que también está relacionado con la idea del sacerdocio. Porque las mismas borlas a lo largo del borde del manto, también complementadas con campanas doradas, eran una característica importante de las túnicas del sumo sacerdote del Antiguo Testamento en el templo de Jerusalén. El artista recuerda con mucha delicadeza esta conexión interna de la Madre de Dios, que sacrifica a su Hijo, con el tema del sacerdocio.

El monte Gólgota se muestra como una pequeña colina; detrás de él se ve la muralla baja de la ciudad de Jerusalén, que en otros iconos es mucho más impresionante. Pero aquí el artista parece mostrar la escena de la Crucifixión a la altura de los ojos de un pájaro. Y así, el muro de Jerusalén aparece en las profundidades, y toda la atención, por el ángulo elegido, se concentra en la figura principal de Cristo y las figuras enmarcadas de Juan Evangelista y la Madre de Dios, creando la imagen de un sublime. acción espacial.

El componente espacial es de fundamental importancia para comprender el diseño de todo el icono de doble cara, que suele ser una imagen procesional, percibida en el espacio y en movimiento. La combinación de dos imágenes, la Madre de Dios Odigitria en un lado y la Crucifixión, tiene su propia alto prototipo. Estas mismas dos imágenes estaban a ambos lados del paladio bizantino: el icono de Odigitria de Constantinopla.

Lo más probable es que este icono origen desconocido Reprodujo el tema de Odigitria de Constantinopla. Es posible que esto pueda estar relacionado con la principal acción milagrosa que le sucedía a Odigitria de Constantinopla todos los martes, cuando la llevaban a la plaza frente al monasterio de Odigon, y allí se producía un milagro semanal: el icono comenzó a volar. un círculo en el cuadrado y girar alrededor de su eje. Tenemos evidencia de esto de muchas personas, representantes de diferentes naciones: latinos, españoles y rusos, que presenciaron esta increíble acción.

Las dos caras del icono de la exposición de Moscú nos recuerdan que las dos caras del icono de Constantinopla formaban una unidad dual indisoluble de la Encarnación y el Sacrificio Redentor.

Icono de Nuestra Señora Cardiotissa (siglo XV)

El icono fue elegido por los creadores de la exposición como central. Éste es un caso raro en la tradición bizantina en el que conocemos el nombre del artista. Firmó este ícono, en el margen inferior está escrito en griego: "Mano de ángel". Se trata del famoso Angelos Akotantos, un artista de la primera mitad del siglo XV, del que quedan una cantidad bastante grande de iconos. Sabemos más sobre él que sobre otros maestros bizantinos. Preservado toda la linea documentos, incluido su testamento, que redactó en 1436. No necesitó testamento; murió mucho después, pero el documento se conservó.

La inscripción griega en el icono "Madre de Dios Kardiotissa" no es un rasgo del tipo iconográfico, sino más bien un epíteto, una característica de la imagen. Creo que incluso una persona que no esté familiarizada con la iconografía bizantina puede adivinar de qué estamos hablando: todos conocemos la palabra cardiología. Cardiotisa – cardiaca.

Icono de Nuestra Señora Cardiotissa (siglo XV)

Particularmente interesante desde el punto de vista iconográfico es la pose del Niño, que, por un lado, abraza a la Madre de Dios y, por el otro, parece volcarse hacia atrás. Y si la Madre de Dios nos mira, entonces el Bebé mira al Cielo, como si estuviera lejos de Ella. Una pose extraña, que a veces en la tradición rusa se llama Salto. Es decir, en el icono parece haber un Bebé jugando, pero juega de forma bastante extraña y muy diferente a la de un niño. Es en esta postura del cuerpo volcado donde hay una indicación, un indicio transparente del tema del Descendimiento de la Cruz y, en consecuencia, del sufrimiento del Dios-Hombre en el momento de la Crucifixión.

Aquí nos encontramos con el gran drama bizantino, cuando la tragedia y el triunfo se combinan en uno, una fiesta: esto es a la vez el mayor dolor y, al mismo tiempo, una maravillosa victoria, la salvación de la humanidad. El Niño que Juega prevé Su sacrificio venidero. Y la Madre de Dios, sufriendo, acepta el plan Divino.

Este ícono contiene la infinita profundidad de la tradición bizantina, pero si miramos de cerca, veremos cambios que conducirán a una nueva comprensión del ícono muy pronto. El icono fue pintado en Creta, que en ese momento pertenecía a los venecianos. Después de la caída de Constantinopla, se convirtió en el principal centro de pintura de iconos en todo el mundo griego.

En este icono del destacado maestro Angelos vemos cómo está a punto de convertir una imagen única en una especie de cliché para reproducciones estándar. Las imágenes de espacios de luz ya se están volviendo algo mecanicistas; parecen una rejilla rígida colocada sobre una base plástica viva, algo que los artistas de épocas anteriores nunca permitieron.

Icono de Nuestra Señora Cardiotissa (siglo XV), fragmento

Ante nosotros hay una imagen excepcional, pero en cierto sentido ya límite, situada en la frontera entre Bizancio y post-Bizancio, cuando las imágenes vivas se convierten gradualmente en réplicas frías y algo desalmadas. Sabemos lo que pasó en Creta menos de 50 años después de que se pintara este icono. Nos han llegado los contratos entre los venecianos y los principales pintores de iconos de la isla. Según uno de esos contratos del año 1499, tres talleres de pintura de iconos debían producir 700 iconos de la Madre de Dios en 40 días. En general, está claro que se está iniciando una especie de industria artística, el servicio espiritual a través de la creación de imágenes sagradas se está convirtiendo en una artesanía para el mercado, para la que se pintan miles de iconos.

El hermoso icono de Angelos Akotanthos representa un hito sorprendente en el proceso de siglos de devaluación de los valores bizantinos, de los que todos somos herederos. Cuanto más precioso e importante se vuelve el conocimiento de la verdadera Bizancio, la oportunidad de verlo con nuestros propios ojos, que nos brindó la única "exposición de obras maestras" en la Galería Tretyakov.

Desde el comienzo de su actividad coleccionista, el fundador del museo, P.M. Tretyakov, planeó crear un "museo de arte (popular) de acceso público", cuya colección reflejaría el "avance del arte ruso" en el país. palabras del propio Pavel Mikhailovich. Dedicó toda su vida a hacer realidad este sueño.

Pavel Mikhailovich adquirió sus primeros iconos en 1890. Su colección constaba de sólo sesenta y dos monumentos, pero según el científico e historiador ruso Nikolai Petrovich Likhachev (1862-1936), la colección de P. M. Tretyakov se consideraba “preciosa e instructiva”.

En ese momento, se conocían coleccionistas privados y coleccionistas de iconos en Moscú y San Petersburgo: I.L. Silin, N.M. Postnikov, E.E. Egorov, S.A. Egorov y otros. Tretyakov adquirió iconos de algunos de ellos. es justo decir Artista famoso y científico del arte, director de la Galería Tretyakov Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960), Tretyakov se diferenciaba de otros coleccionistas en que “fue el primero entre los coleccionistas en seleccionar iconos no según sus temas, sino según sus valor artístico y fue el primero en reconocerlos abiertamente como arte genuino y grandioso, legando para agregar su colección de íconos a la Galería”.

Salvador está en el poder

El testamento se cumplió en 1904: los iconos adquiridos por P.M. Tretyakov, fue incluido por primera vez en la exposición de la galería. Fue organizado por Ilya Semenovich Ostroukhov (1858-1929), un artista, miembro del Consejo de la Galería y un famoso coleccionista de iconos y pinturas (después de su muerte, en 1929, la colección entró en la colección de la Galería). Para crear una nueva sala de iconos invitó a los científicos Nikodim Pavlovich Kondakov (1844-1925) y Nikolai Petrovich Likhachev, quienes desarrollaron el concepto, pudieron por primera vez sistematizar y agrupar científicamente monumentos y publicar un catálogo.

Pintor de iconos desconocido, finales del siglo XIV. Rito Deesis ("Vysotsky")
1387-1395
madera, témpera
148 x 93

El diseñador de esta exposición fue el famoso artista ruso Viktor Mikhailovich Vasnetsov (1848-1926). A partir de sus bocetos, los talleres de Abramtsevo fabricaron vitrinas que imitaban vitrinas de iconos; en ellas se presentaban todos los iconos recopilados por Tretyakov. Tal exhibición de íconos no existía en ese momento en ningún museo de arte ruso. (Cabe señalar que algunos iconos se exhibieron allá por 1862 en el Museo de Moscú Museo Rumiántsev y en 1890 en el Museo Histórico, pero los iconos se exhibieron entonces como objetos de la antigüedad de la iglesia y no como obras de arte. No fueron restauradas, estaban oscuras, sucias, con pérdida de la capa de pintura).

Andrei Rublev
Salvador está en el poder
1408

Es de destacar que la inauguración de la sala de pintura de iconos rusos antiguos en la galería tuvo lugar en los primeros años del siglo XX, el período del surgimiento de los trabajos de restauración en Rusia, cuando comenzó el estudio científico profesional del arte ruso antiguo.

En 1918, a pesar de los trágicos acontecimientos posrevolucionarios, se organizó la “Comisión para la Preservación y Divulgación de Monumentos de Pintura Antigua en Rusia”. Esta comisión estuvo a cargo del entonces director de la Galería Tretyakov, I.E. La comisión comenzó a identificar sistemáticamente monumentos antiguos, actividades expedicionarias y de exhibición.
En los años 1929-30, después de las exposiciones de restauración, por decisión del entonces gobierno se decidió convertir la Galería Tretyakov, el mayor museo de arte ruso, en un centro para el estudio del patrimonio cultural. periodo antiguo nuestra historia. En aquellos años, nuestro museo recibió muchos monumentos del arte antiguo ruso de diversas procedencias, incluidos museos reformados y colecciones privadas. Estos recibos formaron básicamente la colección actual de arte ruso antiguo de la Galería.

A mediados de la década de 1930, se creó en la galería un departamento científico de arte antiguo ruso y un taller de restauración. Se inauguró una nueva exposición, en la que se observaron los principios de la exposición histórica y artística de los monumentos, se presentaron los principales centros, etapas y direcciones de la pintura de iconos de los siglos XII al XVII.
Varios iconos valiosos, a veces muy antiguos, llegaron a la Galería como resultado de las expediciones al norte y centro de Rusia realizadas por empleados de la Galería en los años 1960 y 1970.

Ahora la colección consta de más de seis mil unidades de almacenamiento. Se trata de iconos, fragmentos de frescos y mosaicos, esculturas, pequeñas artes plásticas, objetos de artes aplicadas, copias de frescos.

En la Rus prepetrina, casi toda la pintura era de naturaleza exclusivamente religiosa. Y con razón podemos llamar iconografía a toda la pintura. Todo el deseo de belleza, el anhelo de belleza, el impulso y la aspiración a las alturas, al reino del espíritu hacia Dios, encontraron su resolución en los iconos de la iglesia. En la maestría en la creación de estas imágenes sagradas, los representantes más talentosos del talentoso pueblo ruso han alcanzado verdaderas alturas de fama mundial.

Pintor de iconos desconocido, mediados del siglo XVI.
"Bendito el ejército del rey celestial..." (Church Militant)
Mediados del siglo XVI
madera, témpera
143,5 x 395,5

El apogeo de la pintura de iconos rusa como tal se produjo precisamente en la época prepetrina. Experimentado en el proceso.
En su desarrollo, varias mejoras brillantes y sorprendentes en la forma y la encarnación magistral de las tareas religiosas y teológicas que enfrentaban, la pintura de iconos rusa después de la era de Pedro el Grande cayó en declive, se degradó continuamente y finalmente se convirtió en obras de artesanía de artesanos. A principios del siglo XX, los talentosos artistas Nesterov, Vasnetsov y otros intentaron sacar la pintura de iconos rusa del estancamiento en el que se encontraba, pero una serie de razones objetivas y subjetivas no permitieron un verdadero resurgimiento de este arte sagrado. ocurrió y no creó nada que pudiera estar en un solo lugar al lado de las creaciones inmortales de la pintura espiritual de la Rus prepetrina.

En sus tareas mismas, en su propósito, la pintura de iconos es fundamentalmente diferente del retrato mundano aparentemente cercano y similar. Si un retrato presupone necesariamente la existencia de una determinada naturaleza, que el artista reproduce con precisión, tratando de no rehuir el parecido con el retrato, entonces el pintor de iconos, cuya tarea es reproducir una imagen sagrada o algún pensamiento teológico específico, vestido con la ropa más encarnación inteligible para los orantes, puede, según su talento y comprensión, hasta cierto punto evadir los “originales iconográficos” aprobados por la práctica de la iglesia y dar su propia solución a la tarea que se le plantea.

Pintor de iconos desconocido, principios del siglo XIII. Deesis: Salvador, Madre de Dios, Juan Bautista.
Primer tercio del siglo XIII. Madera, temple 61 x 146.

A partir de aquí queda clara la importancia que la antigua reglas de la iglesia la personalidad misma y el comportamiento del pintor de iconos mientras trabajaba en el icono. Así, en la famosa colección de Resoluciones del Concilio de 1551, conocida como “Stoglav”, se exige que el pintor de iconos sea “humilde, manso, reverente; Vivía en ayuno y oración, manteniendo la pureza espiritual y física con todo temor”. En el mismo "Stoglava" encontraremos una cierta exigencia de la indispensable adhesión a los antiguos "originales iconográficos", para que las imágenes sagradas creadas nuevamente no rompan con las tradiciones establecidas desde la antigüedad y sean inmediatamente familiares y comprensibles para cada devoto. .

El principio fundamental que reside en la obra del pintor de iconos es la sincera inspiración religiosa; el artista sabe que se enfrenta a la tarea de crear para las masas de creyentes una imagen, un icono destinado a la oración.

La pintura de iconos rusa desarrolló su estilo específico y firmemente definido en el siglo XIV. Esta será la llamada escuela de Novgorod. Los investigadores ven aquí una correspondencia directa con el amanecer artístico de Bizancio durante la era paleóloga, cuyos maestros trabajaron en Rusia; uno de ellos es el famoso Teófanes el Griego, que pintó entre 1378 y 1405. algunas catedrales de Novgorod y Moscú, fue maestro del brillante maestro ruso de los siglos XIV-XV. Andréi Rublev.

Andrey Rublev.

Rublev y sus seguidores pertenecen a la escuela de Moscú. Su obra es el siguiente paso en comparación con Teófanes el Griego, cuyas obras son típicas de la escuela de Nóvgorod y su variedad, la más arcaica escuela de Pskov.

La escuela de Nóvgorod se caracteriza por figuras de santos grandes y macizas, junto con el gran tamaño de los propios iconos. Estaban destinados a templos vastos y majestuosos, generosamente erigidos por la población rica y piadosa del "señor del gran Novgorod". El tono de los iconos es rojizo, marrón oscuro, azulado. El paisaje (montañas escalonadas y la arquitectura de los edificios (pórticos y columnas) se acercan en gran medida a la verdadera naturaleza del territorio de Alejandría y áreas adyacentes, donde tuvieron lugar los acontecimientos de la vida de los santos y mártires representados en los iconos).

Pintor de iconos desconocido, escuela de Novgorod.
Patria con santos seleccionados.
Principios del siglo XV
madera, témpera
113x88

Pintor de iconos desconocido, siglo XIV - principios del XV
Nikola con su vida.
Finales del siglo XIV - principios del XV
madera, témpera
151 x 106

El tipo de rostro de los santos y de la Madre de Dios tampoco es ruso: oblongo, "bizantizado". Este detalle característico más tarde, en la escuela de Moscú, adquirió cada vez más una connotación eslava, convirtiéndose finalmente en rostros redondos típicamente rusos en las obras del brillante "isógrafo real" del siglo XVII Simon Ushakov y su escuela.

La exuberante y brillante Bizancio, cuya capital, Constantinopla, según todos los historiadores y autores de memorias, era la ciudad más rica del mundo, y sus emperadores se consideraban representantes terrenales de Dios Todopoderoso, exigiendo un culto casi divino. Naturalmente, con la ayuda de iconos buscaron fortalecer su autoridad y poder. Los santos de la escuela bizantina, en su mayor parte, son exactamente como sus reflejos, que luego se trasladaron a las paredes de las catedrales y monasterios de Novgorod: severos, punitivamente estrictos, majestuosos. En este sentido, serán característicos los asombrosos frescos de Teófanes el Griego, que (dejando de lado todas las diferencias de épocas y técnicas) se asemejan involuntariamente a las figuras severamente inquietas de los frescos romanos de Miguel Ángel.

A mediados del siglo XVII, el famoso "isógrafo real" Simón Ushakov se hizo famoso en Rusia, personificando la nueva escuela de Moscú, reflejando la pompa y la riqueza de la vida de la corte real de Moscú y la nobleza boyarda, que se había estabilizado después de la época. de disturbios e intervención extranjera.

Las obras de este maestro se distinguen por sus líneas especialmente suaves y redondeadas. El maestro se esfuerza por expresar no tanto y no sólo la belleza espiritual interior, sino belleza externa e incluso diríamos, la “belleza” de sus imágenes.

Los investigadores, no sin razón, ven en el trabajo de esta escuela influencia occidental y, en primer lugar, "maestros italianizantes holandeses de la segunda mitad del siglo XVI".

Puertas Reales
Mediados del siglo XV

Si las obras de Ushakov y sus camaradas estaban destinadas principalmente a iglesias, entonces la necesidad gente adinerada en un hermoso ícono "medido" para la oración en el hogar, la escuela Stroganov satisfizo a la mayoría maestros famosos de los cuales: La familia Borozdin, Istoma Savin, Pervusha, Prokopiy Chirin, plenamente representados en la galería, están bastante cerca en su credo artístico de la escuela Ushakov. No es de extrañar que la mayoría de ellos gran éxito Trabajó en Moscú.

Pintor de iconos desconocido del siglo XII. El Salvador no hecho por manos (derecha).
Segunda mitad del siglo XII.Madera, témpera.77 x 71

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La Galería Tretyakov es uno de los museos más famosos de Rusia y del mundo. La extensa exposición cubre el período desde el siglo XI hasta nuestros días. Es difícil imaginar que la Galería Tretyakov, cuyas salas se han convertido en un reflejo del arte ruso desde la antigüedad hasta el presente, comenzó con una colección privada.

Colección de hogar

Los Tretyakov compraron la casa en Lavrushinsky Lane en 1851. El cabeza de familia, Pavel Mikhailovich, era un exitoso hombre de negocios, pero al mismo tiempo era un conocido filántropo que invertía en muchos programas caritativos. Era un coleccionista apasionado que coleccionaba pinturas, esculturas, iconos y otras obras de arte.

Tenía un objetivo global: crear una galería nacional, y no sólo un museo. La colección comenzó con diez cuadros pintados por maestros holandeses. Inicialmente, la Galería Tretyakov, cuyas salas estaban abiertas solo para familiares e invitados, estaba en la casa donde vivían los Tretyakov. Pero la colección creció muy rápidamente y no había suficiente espacio para exhibirla. Durante la vida del propietario se llevaron a cabo numerosas reconstrucciones. E incluso bajo Pavel Mikhailovich, la gente del pueblo tuvo la oportunidad de visitar una institución cultural como la Galería Tretyakov. Las salas se ampliaron y la exposición creció constantemente. La popularidad del museo se evidencia en el hecho de que en los primeros cuatro años sus visitantes superaron las 30 mil personas.

40 años después del inicio de la colección, la donó a Moscú. La colección se complementó con obras de arte conservadas por el segundo hermano, Sergei. Así apareció en Moscú la “Galería Paul y Sergei Tretyakov”. Otro filántropo famoso Morozov entregó obras maestras de Renoir, Van Gogh y Monet. A pesar del traslado a la ciudad, ambos mecenas continuaron engrosando la colección. Después de la muerte de los Tretyakov, toda la casa de Lavrushinsky Lane quedó bajo la jurisdicción de la ciudad.

Nueva vida para la colección.

En 1913, I. E. Grabar fue nombrado administrador y director de la galería. Él no era sólo Artista talentoso, arquitecto e historiador del arte, pero también organizador. Fue él quien llevó a cabo el colosal trabajo de sistematización de la colección. Distribuyó los lienzos según periodos historicos para que los visitantes tengan la oportunidad de seguir el camino del desarrollo del arte ruso. Bajo su mando también se fundó un taller de restauración. A finales de año las obras expuestas en la sala de la Galería Tretyakov estuvieron a disposición del público en general.

Después de la revolución, toda la colección fue nacionalizada y trasladada a la joven república. Se creó la Galería Estatal Tretyakov, cuyas salas se hicieron accesibles a todos los segmentos de la población. La colección se ha ampliado significativamente mediante fusiones con otros museos y la transferencia de colecciones privadas que fueron nacionalizadas durante los años del poder soviético.

Durante la guerra, los fondos del museo fueron llevados a Novosibirsk. Los nazis bombardearon la capital sin piedad. En 1941, dos bombas de alto explosivo cayeron directamente sobre la Galería Tretyakov y causaron daños importantes. Pero al año siguiente comenzó la restauración del museo y, en 1944, las puertas de la galería, querida por los habitantes de la capital, se abrieron nuevamente al público.

Salas de la Galería Tretyakov

Desde la fundación de la galería, el edificio ha sido reconstruido muchas veces. Se crearon nuevos pasillos y salas adicionales para que la colección pudiera presentarse en todo su esplendor. Hoy la exposición se encuentra en 106 salas. La mayoría están ubicados en un edificio en Lavrushinsky Lane, hay 62. El complejo también incluye el templo-museo de San Nicolás el Taumaturgo, el taller-museo Golubkina, la casa-museo Vasnetsov y la casa-museo Korin. Cada habitación de la Galería Tretyakov es una oportunidad para tocar el arte y ver brillantes obras maestras. La colección contiene más de 150 mil piezas, la mayoría de las cuales son familiares para todos desde la infancia. Se incluyeron reproducciones de muchas pinturas en los libros de texto escolares de todo el país. Puedes conocer Rusia a través de estas pinturas. Después de todo, nuestro mar es como los bosques: como el de Shishkin, la naturaleza es como la de Levitan. Aquí se exhibe incluso el mejor retrato de Pushkin, conocido por todos los escolares.

Salón de Pintura de Iconos

En cada rincón de la Galería Tretyakov hay lienzos que te dejarán sin aliento. Pero quizás una de las salas más misteriosas sea la sala de pintura de iconos. Al entregar la colección, Pavel Mikhailovich, junto con las pinturas, también entregó 62 iconos de su colección. Ahora hay varios cientos de ellos en el museo. Cada uno de ellos refleja el camino de la ortodoxia en suelo ruso. Entre ellos se encuentran obras de Rublev, Teófanes el Griego y otros pintores de iconos famosos. Y en la iglesia en casa de Tretyakov se exhibe una de las imágenes más veneradas y antiguas: la Madre de Dios Vladimir. Ya tiene más de 900 años.

Exposición en Lavrushinsky Lane

El edificio de Lavrushinsky Lane, con la famosa fachada Vasnetsovsky, alberga la mayor parte de la colección. En 62 salas, divididas en 7 zonas, orden cronológico obras expuestas los mejores maestros Rusia y no sólo. Qué grande y diversa es la Galería Tretyakov. Una descripción de las salas ocuparía varios volúmenes de la publicación impresa. Al realizar una excursión, es mejor elegir un artista o cuadro específico al que dedicar la mayor parte de su tiempo. De lo contrario, su conocimiento de las galerías será muy superficial e incompleto. Los nombres de las salas de la Galería Tretyakov corresponden a las colecciones expuestas en ellas.

Así, el arte ruso antiguo está representado por la iconografía.

Y en las salas de los siglos XVIII y XIX se exhiben pinturas de los grandes maestros Levitsky, Rokotov, Ivanov y Bryullov. Se construyó una sala especial para exhibir el cuadro de Ivanov “La aparición de Cristo al pueblo”. Y Rokotov se hizo famoso por la mayor cantidad de retratos de personas desconocidas. Para él era importante capturar y transmitir en el lienzo los rasgos y el carácter de una persona, pero al mismo tiempo no necesariamente tenía que ser famoso. Entre las obras de Bryullov, se puede destacar la obra magistralmente ejecutada "La amazona", donde una joven con una gracia asombrosa está sentada a horcajadas sobre un magnífico semental.

También es fascinante la sala donde se presentan obras de artistas de la segunda mitad del siglo XIX. Aquí podrás sumergirte en el mágico mundo del arte realista, donde cada detalle está realizado con asombroso cuidado. En las pinturas de Repin se puede sentir físicamente cómo el sol se quema sobre el césped, cómo cada hoja se mece con el viento. Y los “Tres Héroes” de Vasnetsov parecen seguir protegiendo las fronteras del país de invasores no invitados. Por cierto, aquí también puedes ver las obras de Vasnetsov Jr.

Las pinturas de Surikov "Boyaryna Morozova" o "La mañana de la ejecución de Streltsy" transmiten la intensidad emocional de cada participante en esos eventos. Aquí no hay una sola cara indiferente ni un personaje aleatorio. Todo está descrito con una autenticidad que aturde la imaginación.

En la sección que refleja la pintura. cambio de siglo XIX-XX siglos, se presentan obras de genios como Serov, Vrubel, así como representantes de la Unión de Artistas Rusos.

Tesoros del arte ruso

La Galería Tretyakov es grande y diversa. Las salas, pinturas, esculturas, gráficas no dejarán indiferente a nadie. Una parte separada de la exposición es el "Tesoro", donde se exhiben objetos hechos de metales preciosos y gemas. El fino trabajo de los joyeros es fascinante.

Artes graficas

Se dedica una sala separada. arte Grafico. Todas las obras presentadas en esta técnica tienen mucho miedo a la luz; son creaciones frágiles. Por ello, se instaló una iluminación especial, ligeramente atenuada, para demostrarlos. Aquí se exhibe la mayor colección de gráficos rusos. Y también una pequeña, pero no menos valiosa, colección de miniaturas de porter.

Arte Moderno

El edificio de la Galería Tretyakov exhibe arte desde el período soviético hasta la actualidad. Los visitantes observan con interés cómo la ideología influye en el artista.

Salones de Maestros

La colección incluye obras individuales, pero también colecciones completas de pinturas de un mismo maestro. Sala, dedicado al artista en la Galería Tretyakov, contiene sólo sus obras diferentes periodos. Esta es la exposición de las obras de Shishkin. Pero otros maestros del pincel recibieron un honor similar.

Desde su inauguración, la Galería Tretyakov se ha convertido en la colección más rica de pinturas y objetos de arte. Incluso el Museo Ruso, creado a nivel estatal, fue inferior en popularidad a esta colección privada.

Mañana se inaugurará en Lavrushinsky Lane una exposición de piezas únicas de las colecciones de los museos griegos.

Galería estatal Tretiakov
7 de febrero - 9 de abril de 2017
Moscú, calle Lavrushinsky, 10, habitación 38

La exposición se organizó en el marco del año cruzado de la cultura entre Rusia y Grecia. En 2016, se mostró en Atenas el icono de la Ascensión de Andrei Rublev y una exposición completa de iconos y esculturas rusas de los siglos XV al XIX de la colección de la Galería Estatal Tretyakov. La exposición de regreso en Moscú presentará 18 objetos (12 iconos, 2 manuscritos ilustrados, objetos litúrgicos - cruz procesional, aire, 2 katsei) de las colecciones del Museo Bizantino y Cristiano de Atenas, el Museo Benaki, la colección de E. Velimesis - H. Margaritis.

Las exhibiciones datan de finales del siglo X. principios del XVI siglos y dar una idea de los diferentes períodos del arte bizantino y diferentes centros de arte. La exposición permite apreciar la perfección de la obra de los maestros, así como comprender las formas de entender el mundo espiritual en la Edad Media, revelando matices en el exquisito colorido de los iconos, en lujosas miniaturas de manuscritos, en cuyas páginas Los artistas bizantinos buscaron recrear la belleza del mundo celestial.

En la exposición, cada una de las obras - monumento unico de su época. Las exhibiciones brindan la oportunidad de presentar la historia de la cultura bizantina y rastrear la influencia mutua de las tradiciones del arte cristiano oriental y occidental. El monumento más antiguo de la exposición es una cruz procesional de plata de finales del siglo X con imágenes de Cristo, la Madre de Dios y santos grabadas en ella.

El arte del siglo XII está representado por el icono "La resurrección de Lázaro", que encarna el estilo sofisticado y refinado de la pintura de esa época. La colección de la Galería Tretyakov contiene el icono “Nuestra Señora de Vladimir” de la misma época, creado en Constantinopla en el primer tercio del siglo XII y luego llevado a Rusia.

Una de las piezas más llamativas de la exposición es un relieve que representa al gran mártir Jorge con escenas de su vida. Sirve como ejemplo de la interacción entre los maestros bizantinos y de Europa occidental, que sentó las bases para el fenómeno de los talleres cruzados, una página muy interesante en la historia del siglo XIII. La técnica de tallado en madera utilizada para crear la figura de San Jorge no es típica de arte bizantino y obviamente fue tomado de la tradición occidental, mientras que el magnífico marco de marcas fue creado de acuerdo con los cánones de la pintura bizantina.

El icono de la Virgen y el Niño, pintado a principios del siglo XIII, presumiblemente por un maestro chipriota, demuestra otra forma de influencia mutua entre el arte medieval de Oriente y Occidente. En la cultura artística de este período, asociado con el renacimiento del imperio y la dinastía Paleólogo, el movimiento hacia las tradiciones antiguas se percibía como una búsqueda de lo propio. identidad cultural.

El estilo artístico maduro de la era paleóloga pertenece a la imagen de doble cara “Nuestra Señora Odigitria, con las Doce Fiestas”. El trono preparado" de finales del siglo XIV. Este icono es contemporáneo de las obras de Teófanes el Griego. Ambos maestros utilizan las mismas técnicas artísticas, en particular, las finas líneas que atraviesan los rostros de la Madre de Dios y del Niño, que simbolizan las energías de la luz divina. Esta imagen es obviamente una copia del milagroso icono de Odigitria en Constantinopla.

Varios objetos hablan de la riqueza del arte decorativo y aplicado de Bizancio, incluido un katsea (incensario) con la imagen de los grandes mártires Teodoro y Demetrio y un aire (cubierta) bordado para los Santos Dones.

La técnica de los artistas fue particularmente virtuosa, decorando manuscritos con ornamentos complejos y exquisitos en tocados, iniciales y miniaturas con imágenes de evangelistas. El nivel de su habilidad lo demuestran dos códigos evangélicos: el siglo XIII y principios del XIV.

El período posbizantino está representado por tres iconos de maestros griegos que partieron hacia Creta tras la caída de Constantinopla en 1453. Estas obras nos permiten rastrear la síntesis de los hallazgos creativos del arte europeo y el canon tradicional bizantino.

La tradición artística bizantina estuvo en el origen de la formación del arte de muchos pueblos. Desde el comienzo de la expansión del cristianismo en la Rus de Kiev, los artistas y arquitectos griegos transmitieron a los artesanos rusos las habilidades de construcción de templos, pintura al fresco, pintura de iconos, diseño de libros y arte de joyería. Esta interacción cultural continuó durante muchos siglos. Del siglo X al XV, el arte ruso pasó del aprendizaje a la gran maestría, preservando la memoria de Bizancio como fuente fértil que alimentó espiritualmente la cultura rusa durante muchos años.

La exposición "Obras maestras de Bizancio" se encuentra al lado de las salas. exhibición permanente Arte ruso antiguo de los siglos XI-XVII, que permite al espectador trazar paralelos y ver las características de las obras de artistas rusos y griegos.

Comisaria del proyecto E. M. Saenkova.

Fuente: comunicado de prensa de la Galería Estatal Tretyakov