Saopćenje za javnost

V Dalekoistočni zimski festival posvećen

55. godišnjica Dalekoistočnog državnog instituta umjetnosti

Godine 2017. Dalekoistočni državni institut slavi 55. godišnjicu postojanja.

Prvi univerzitet u Rusiji koji je kombinovao tri vrste umetnosti - muziku, pozorište, slikarstvo - osnovan je kao Dalekoistočni pedagoški institut umetnosti. U godini svoje 30. godišnjice (1992.) preimenovan je u Dalekoistočni državni institut za umjetnost, 2000. institut je postao akademija, 2015. ponovo je preimenovan u Dalekoistočni državni institut umjetnosti.

U zajedničkom usavršavanju muzičara, umjetnika, dramskih umjetnika i reditelja trebalo je pronaći mnoge dodirne točke: zajedničke ili srodne discipline, široke mogućnosti koje se otvaraju u oblasti sintetičkih umjetnosti, na primjer, opera, gdje je muzika, slikarstvo i pozorište su kombinovani, kreativna komunikacija koja se međusobno obogaćuje.

Ministarstvo kulture je ozbiljno shvatilo stvaranje novog univerziteta. Izdate su odgovarajuće naredbe: o dodjeli patronata nad Fakultetom muzičke umetnosti - Moskovskim državnim konzervatorijumom. Čajkovski; preko pozorišnog fakulteta - Državnom institutu za pozorišnu umjetnost. Lunacharsky; preko umjetničkog fakulteta – Instituta za slikarstvo, vajarstvo i arhitekturu. Repin. Osim toga, ovim obrazovnim ustanovama naređeno je da iz svojih sredstava poklone štafelaje, knjige o umjetnosti, naučna djela, odljevke antičkih glava za crtanje, muzičke instrumente, note, knjige za biblioteku. Srednje obrazovne ustanove - osigurati dovoljan broj kandidata za Dalekoistočni pedagoški institut umjetnosti.

Stvaranje Instituta umjetnosti postalo je događaj u kulturnom životu Primorskog kraja i cijelog Dalekog istoka. Postojala je prilika za obuku visokokvalifikovanih kadrova za pozorišta, orkestre, nastavnike za škole i fakultete, te umjetnike.

Osnove visokog obrazovanja u oblasti umetnosti na Dalekom istoku postavili su odlični nastavnici, diplomci centralnih univerziteta: Moskovski konzervatorijum: V.A. Guterman, M.R. Dreyer, V.M. Kasatkin, E.A. Kalganov, A.V. Mitin; diplomci Lenjingradskog konzervatorijuma: A.S. Vvedensky, E.G. Urinson; Uralski konzervatorijum - A.I. Zhilin, Konzervatorijum u Odesi - S.L. Yaroshevich, GITIS - O.I. Starostin i B.G. Kulnev, diplomac Lenjingradskog umjetničkog instituta. Repin V.A. Gončarenko i drugi. Muzički odsjek počeo je da uči po uobičajenom planu konzervatorijuma, umjetnički - prema planu Zavoda. Surikov, pozorišni - prema planu škole. Shchepkin.

Od samog početka do danas, Dalekoistočni državni institut umetnosti bio je centar profesionalnog muzičkog, pozorišnog i umetničkog obrazovanja na Dalekom istoku. Zavod je kreirao trostepeni sistem likovnog obrazovanja (dječija umjetnička škola - koledž - kreativni univerzitet):

dječji estetski centar "Svijet umjetnosti", dječja umjetnička škola;

muzički fakultet;

univerzitetski: specijalistički, diplomski, magistarski, postdiplomski i programi asistentske prakse; dodatni programi za usavršavanje i stručnu prekvalifikaciju.

Institut u svom sastavu ima tri fakulteta: muzički (konzervatorij), pozorišni i likovni, formiran je inostrani odsjek (od 1998. godine).

Dalekoistočni državni institut umetnosti - član Zajedničkog saveta za disertaciju D 999.025.04 na Dalekoistočnom federalnom univerzitetu (specijalnosti 17.00.02 - Muzička umetnost (istorija umetnosti) i 24.00.01 - Teorija i istorija kulture (istorija umetnosti i kultura) studije).

Naučna i kreativna djelatnost Instituta je obimna i raznolika. Evo samo nekoliko najznačajnijih projekata:

"Kultura Dalekog istoka Rusije i zemalja Azijsko-pacifičkog regiona: Istok - Zapad" - godišnja naučna konferencija

I i II Sverusko muzičko takmičenje (regionalne etape).

Međunarodno takmičenje mladih muzičara-izvođača "Muzički Vladivostok"

"Art Vladivostok" - Međunarodna izložba-takmičenje kreativnih radova studenata i mladih umjetnika Dalekog istoka, Rusije i zemalja APEC-a.

Sveruska olimpijada iz muzičko-teorijskih predmeta "Remek-djela svjetske muzičke kulture" za učenike stručnih obrazovnih ustanova i dječijih umjetničkih škola.

Regionalna kreativna škola "Teatralni surf"

"Debi mladih muzičara-izvođača, laureata međunarodnih takmičenja - stanovnika gradova i mjesta Dalekog istoka".

Profesionalni razvoj nastavnika obrazovne ustanove grane kulture i umjetnosti kulture i opšteobrazovne škole "Akademije umjetnosti".

I Dalekoistočno takmičenje-festival zabavne muzike.

Regionalni festival dječijeg stvaralaštva.

Dalekoistočni zimski festival umjetnosti

Dalekoistočno takmičenje scenskih umetnosti „Zlatni ključ“ za nastavnike dečijih muzičkih škola i dečijih umetničkih škola po imenu. G.Ya.Nizovsky.

I Međunarodni rusko-kineski festival dečije umetnosti "Istočni kaleidoskop".

Dalekoistočno takmičenje čitalaca "Moja ljubav je moja Rusija"

Regionalno takmičenje izvođača savremene muzike.

Konkurs za najbolje izvođenje dela kompozitora druge polovine 20. veka

"Tkačevska čitanja" - takmičenje čitalaca. Narodni umjetnik Ruske Federacije L.A. Tkachev, "Pozorišna nada"

"Plein Air"

Daljinski majstorski tečajevi koristeći Disklavier. Vladivostok - Moskva.

« Iz istorije kreativnih škola Instituta umetnosti: poreklo, tradicija, vrsni učitelji…”.

TRENUTNI KREATIVNI TIM:

simfonijski orkestar - laureat Gran prija VII Dalekoistočnog takmičenja instrumentalne muzike "Metronom".

Orkestar narodnih instrumenata- Laureat prvih nagrada IV i V Međunarodnog takmičenja za mlade muzičare-izvođače "Muzički Vladivostok" 2005–2007, dobitnik Gran prija V Sveruskog takmičenja. N.N. Kalinina (Sankt Peterburg, 2009.)

Akademski hor - Laureat regionalnog takmičenja "Okean koji pjeva", dobitnik Gran prija VI međunarodnog takmičenja "Muzički Vladivostok".

Ansambl kamerne muzike "Koncertone" - Laureat međunarodnog takmičenja Šenderev (1997, III nagrada), II međunarodno takmičenje u Pekingu (1999, II nagrada).

Ruski instrumentalni trio "Vladivostok" u istom sastavu od osnivanja 1990. godine: zaslužni umetnici Ruske Federacije Nikolaj Ljahov (balalajka), Aleksandar Kapitan (harmonika), Sergej Arbuz (kontrabas balalajka).

Laureati: Međunarodno takmičenje im. G.Shendereva (Rusija, 1997. - Srebrna diploma); 17. međunarodno takmičenje "Grand Prix" (Francuska, Bischwiller, 1997. - Grand Prix i zlatna medalja); II međunarodno takmičenje bajan-harmonikaša (Kina, Peking, 1999. - 1. nagrada); 38. međunarodno takmičenje harmonikaša u bajanu, (Njemačka, Klingenthal, 2001. - 3. nagrada).

operski studio- Laureat 1. nagrade Međunarodnog takmičenja "Muzički Vladivostok" (2014, 2016)

Trio "Expecto" - laureat međunarodnih takmičenja za bajan harmonikaše u Harbinu (NR Kina, 2014, 1 nagrada), u Castelfidardu (Italija), 2015, 1 nagrada, "zlatna medalja".

kvartet "Kolaž" laureat međunarodnih takmičenja bajan-harmonikaša u Harbinu (NRK, 2016, 1 nagrada).

trio "Orient" laureat međunarodnog takmičenja u Lancianu (Italija, 2014, 1 nagrada).

Maturanti koji su dali značajan doprinos razvoju kulture,

umjetnosti i umjetničkog obrazovanja

Muzikolozi, doktori istorije umetnosti: profesor Ruskog državnog pedagoškog univerziteta. Hercena E.V. Gertsman, profesor Konzervatorijuma u Sankt Peterburgu, počasni umjetnički radnik Karelije U Gen-Ir, profesor Moskovskog državnog konzervatorija. P.I. Čajkovski R.L. Pospelova, profesor Ruske akademije nauka. Gnesinykh E.M. Alkon, profesor Odsjeka za likovnu umjetnost Visoke škole za kulturu i sport Dalekoistočnog federalnog univerziteta G.V. Aleksejeva, profesor Moskovskog državnog instituta za kulturu N.I. Efimova, profesor, v.d Šef Odseka za filozofiju, istoriju, teoriju kulture i umetnosti Moskovskog državnog muzičkog instituta. A.G. Schnittke A.G. Alyabiev, profesor Dalekoistočnog državnog instituta za umjetnost O.M. Shushkova, Yu.L. Fidenko.

Muzičari koji nastupaju: zaslužni umjetnik Ruske Federacije, šef ansambla "Jang" N.I. Erdenko, zaslužni umjetnik Ruske Federacije, šef katedre za orkestarsko dirigiranje, profesor Ruske muzičke akademije. Gnesinykh B.S. Raven, zaslužni umjetnik Ruske Federacije, profesor F.G. Kalman, zaslužni umjetnik Ruske Federacije, profesor A.K. Kapetan, laureat međunarodnog takmičenja, zaslužni umjetnik RS(Y), profesor na Katedri za orkestarske gudačke instrumente Visoke muzičke škole RS(Y) (Institut) im. V.A. Bosikova O.G. Koshelev.

Glumci: Narodni umjetnici Ruske Federacije A.Mikhailov, S. Stepanchenko, Yu. Kuznjecov, S. Strugačev, Laureat Državne nagrade V. Priemykhov, Zaslužni umjetnik Ruske Federacije V. Tsyganova; Narodni umjetnici Ruske Federacije, glumci Primorskog regionalnog dramskog pozorišta. Gorky, profesor katedre za umijeće glumca A.P. Slavsky, V.N. Sergiyakov, narodni umjetnik Ruske Federacije, dobitnik nagrade Vlade Rusije u oblasti kulture, umjetnički direktor Primorskog regionalnog akademskog pozorišta po imenu M. Gorky E.S. Zvenyatsky, zaslužni umjetnici A.I. Zaporožec, S. Salakhutdinova.

Zaslužni umjetnici Ruske Federacije S.A. Litvinov, S.M. Čerkasov, I.I. Dunkay.

Pozivamo sve na koncerte

V Zimski festival dalekoistočne umjetnosti,

Informacije o koncertima - na web stranici www.dv-art.ru

Početna > Dokument

Dmitrij Borovski, maj 1998

Umjetnost: Pregled Dalekog istoka

Ogroman region, koji se konvencionalno naziva Daleki istok, obuhvata Kinu, Japan, Koreju, Mongoliju i Tibet - zemlje koje imaju brojne sličnosti, ali istovremeno i značajne razlike u kulturi.

Sve zemlje Dalekog istoka bile su pod uticajem drevnih civilizacija Kine i Indije, gde su već u 1. milenijumu pre nove ere nastala filozofska i religiozna učenja koja su postavila temelje koncepta prirode kao sveobuhvatnog Kosmosa – živog i produhovljenog organizma. koja živi po svojim zakonima.

Ispostavilo se da je priroda bila u središtu filozofskih i umjetničkih traganja cijelog srednjovjekovnog razdoblja, a njeni zakoni su smatrani univerzalnim, određujući život i odnose ljudi. Unutrašnji svijet čovjeka upoređivan je sa različitim manifestacijama prirode. To je uticalo na razvoj simboličke metode u likovnoj umjetnosti, definirajući njen alegorijski poetski jezik. U Kini, Japanu i Koreji, pod utjecajem takvog odnosa prema prirodi, formiraju se vrste i žanrovi umjetnosti, grade se arhitektonske cjeline usko povezane s okolnim krajolikom, rađa se pejzažna vrtlarska umjetnost i konačno je osvanulo pejzažno slikarstvo.

Pod uticajem drevne indijske civilizacije, budizam se počeo širiti, a hinduizam se počeo širiti i u Mongoliji i Tibetu. Ovi religijski sistemi su donijeli ne samo nove ideje u zemlje Dalekog istoka, već su imali i direktan utjecaj na razvoj umjetnosti. Zahvaljujući budizmu, u svim zemljama regiona pojavio se do sada nepoznat novi umjetnički jezik skulpture i slikarstva, stvoreni su ansambli čija je karakteristika bila interakcija arhitekture i likovne umjetnosti.

Osobine slike budističkih božanstava u skulpturi i slikarstvu razvijale su se tokom mnogih stoljeća kao poseban jezik simbola koji je izražavao ideje o svemiru, moralnim zakonima i sudbini čovjeka. Tako su kulturno iskustvo i duhovne tradicije mnogih naroda konsolidovane i očuvane. Slike budističke umjetnosti utjelovile su ideje sukoba dobra i zla, milosrđa, ljubavi i nade. Svi ovi kvaliteti odredili su originalnost i univerzalni značaj izvanrednih kreacija dalekoistočne umjetničke kulture.

Umjetnost: Japan

Japan se nalazi na ostrvima Tihog okeana, koji se proteže duž istočne obale azijskog kopna od sjevera prema jugu. Japanska ostrva se nalaze u području podložnom čestim zemljotresima i tajfunima. Stanovnici ostrva navikli su da stalno budu na oprezu, zadovoljavaju se skromnim životom, brzo obnavljaju svoje domove i domaćinstva nakon prirodnih katastrofa. Unatoč prirodnim elementima koji neprestano ugrožavaju dobrobit ljudi, japanska kultura odražava želju za harmonijom sa vanjskim svijetom, sposobnost sagledavanja ljepote prirode u velikom i malom. U japanskoj mitologiji, božanski supružnici, Izanagi i Izanami, smatrani su precima svega na svijetu. Od njih je proizašla trijada velikih bogova: Amaterasu - boginja Sunca, Tsukiyomi - boginja Mjeseca i Susanoo - bog oluje i vjetra. Prema idejama starih Japanaca, božanstva nisu imala vidljiv izgled, već su bila oličena u samoj prirodi - ne samo u Suncu i Mjesecu, već iu planinama i stijenama, rijekama i vodopadima, drveću i travama, koje bili poštovani kao kami duhovi (reč kami znači na japanskom božanski vetar). Ovo oboženje prirode zadržalo se kroz čitav period srednjeg vijeka i zvalo se Šinto - put bogova, postajući japanska nacionalna religija; Evropljani to zovu šinto.

Poreklo japanske kulture ima korene u antici. Najranija umjetnička djela datiraju iz 4. do 2. milenijuma prije nove ere. Najduži i najplodonosniji za japansku umetnost bio je period srednjeg veka (6..19. vek).

Umjetnost: Japan: Arhitektura: Tradicionalna japanska kuća

Dizajn tradicionalne japanske kuće razvijene od 17. do 18. stoljeća. To je drveni okvir sa tri pomična zida i jednim fiksnim. Zidovi nemaju funkciju oslonca, pa se mogu razdvojiti ili čak ukloniti, istovremeno služeći kao prozor. U toploj sezoni zidovi su bili rešetkasta konstrukcija, oblijepljena prozirnim papirom koji je propuštao svjetlost, au hladnoj i kišnoj sezoni prekrivani ili zamijenjeni drvenim pločama. Uz visoku vlažnost u japanskoj klimi, kuća mora biti ventilirana odozdo. Zbog toga je izdignuta iznad nivoa tla za 60 cm, a radi zaštite nosivih stubova od propadanja postavljeni su na kamene temelje.

Lagani drveni okvir imao je potrebnu fleksibilnost, što je smanjilo razornu silu guranja tokom čestih potresa u zemlji. Krov, popločan crijepom ili trskom, imao je velike nadstrešnice koje su štitile papirne zidove kuće od kiše i užarenog ljetnog sunca, ali nisu zadržavale slabu sunčevu svjetlost zimi, u rano proljeće i kasnu jesen. Ispod nadstrešnice krova nalazila se veranda.

Pod u dnevnim sobama bio je prekriven strunjačama - tatami, koji su uglavnom sjedili umjesto stajali. Stoga su sve proporcije kuće bile fokusirane na osobu koja sjedi. Kako u kući nije bilo stalnog namještaja, spavali su na podu, na specijalnim debelim dušecima, koji su se danju odlagali u ormare. Jeli su, sjedeći na strunjačama, za niskim stolovima, služili su i za razne aktivnosti. Klizne unutrašnje pregrade, obložene papirom ili svilom, mogle su dijeliti unutarnje prostorije ovisno o potrebama, što je omogućavalo raznovrsniju upotrebu, međutim, bilo je nemoguće da se svaki njen stanovnik potpuno povuče unutar kuće, što je uticalo na unutarnje prostore. -porodični odnosi u japanskoj porodici, iu širem smislu - o karakteristikama nacionalnog karaktera Japanaca.

Važan detalj kuće - niša koja se nalazi u blizini fiksnog zida - tokonama, gde bi mogla da visi slika ili kompozicija cveća - ikebana. To je bio duhovni centar kuće. U dekoraciji niše očitovali su se individualni kvaliteti stanovnika kuće, njihovi ukusi i umjetničke sklonosti.

Nastavak tradicionalne japanske kuće bio je vrt. Igrao je ulogu ograde i istovremeno povezivao kuću sa okolinom. Razdvajanjem vanjskih zidova kuće nestala je granica između unutrašnjeg prostora kuće i vrta i stvoren je osjećaj bliskosti prirodi, direktne komunikacije s njom. To je bila važna karakteristika nacionalnog stava. Međutim, japanski gradovi su rasli, veličina vrta se smanjivala, često ga je zamijenila mala simbolička kompozicija cvijeća i biljaka, koja je imala istu ulogu kontakta između stana i prirodnog svijeta.

Umjetnost: Japan: Ikebana

Umetnost aranžiranja cveća u vaze - ikebana (cvjetni život) - datira iz drevnog običaja polaganja cveća na oltar božanstva, koji se proširio u Japan zajedno sa budizmom u 6. veku. Najčešće je kompozicija u stilu tog vremena - rikka (isporučeno cveće) - sastojao se od grane bora ili čempresa i lotosa, ruža, narcisa, ugrađenih u drevne bronzane posude.

S razvojem svjetovne kulture u 10.-12. stoljeću, cvjetne kompozicije postavljaju se u palače i stambene četvrti predstavnika aristokratske klase. Na carskom dvoru postala su popularna posebna takmičenja u aranžiranju buketa. U drugoj polovini 15. stoljeća pojavio se novi pravac u umjetnosti ikebane, čiji je osnivač bio majstor Ikenobo Senei. Radovi škole Ikenobo odlikovali su se posebnom ljepotom i sofisticiranošću, postavljani su na kućne oltare i predstavljani kao pokloni.

U 16. vijeku sa širenjem čajne ceremonije formirana je posebna vrsta ikebana za ukrašavanje niše - tokonoma u čajnom paviljonu. Zahtjev jednostavnosti, harmonije, suzdržanih boja, predstavljenih svim predmetima kulta čaja, proširio se i na dizajn cvijeća - tyabana (ikebana za čajnu ceremoniju). poznati majstor čaja Senno Rikyu stvorio novi, slobodniji stil - nageire (nemarno aranžirano cveće), iako je upravo u prividnom neredu ležala posebna složenost i ljepota slika ovog stila. Jedna od vrsta nageira bila je takozvana tsuribana, kada su biljke stavljane u viseću posudu u obliku čamca. Takve kompozicije su predstavljene osobi koja je preuzela dužnost ili završila školu, jer su simbolizirale "izlaz na otvoreno more života".

U 17.-19. vijeku, umjetnost ikebane postaje široko rasprostranjena, a javlja se i običaj obavezne obuke djevojaka u umjetnosti pravljenja buketa. Međutim, zbog popularnosti ikebana, kompozicije su pojednostavljene, a stroga stilska pravila morala su biti napuštena. rikka u korist nageire iz koje je proizašao još jedan novi stil seika ili shoka (Prirodno cvijeće). Krajem 19. stoljeća majstor Ohara usin stvorio stil moribana, čija je glavna inovacija bila da se cvijeće stavlja u široke posude.

U sastavu ikebane, po pravilu, postoje tri obavezna elementa, koji označavaju tri principa: Nebo, Zemlja i Čovjek. Mogu se utjeloviti kao cvijet, grana i trava. Njihova međusobna korelacija i dodatni elementi stvaraju djela različitog stila i sadržaja. Zadatak umjetnika nije samo da stvori lijepu kompoziciju, već i da u njoj najpotpunije prenese svoje misli o životu osobe i njegovom mjestu u svijetu. Radovi vrhunskih majstora ikebana mogu izraziti nadu i tugu, duhovni sklad i tugu.

Prema tradiciji u ikebani, doba godine se obavezno reprodukuje, a kombinacija biljaka formira simbolične dobre želje dobro poznate u Japanu: bor i ruža - dugovječnost; božur i bambus - blagostanje i mir; krizantema i orhideja - radost; magnolija - duhovna čistoća itd.

Umjetnost: Japan: Skulptura: Netsuke

Minijaturna skulptura - netsuke postala je rasprostranjena u 18..19 vijeku kao jedna od vrsta umjetnosti i zanata. Njegov izgled je zbog činjenice da nacionalna japanska nošnja - kimono - nema džepove i sve potrebne sitnice (lula, torbica, kutija za lijekove itd) se pričvršćuju na pojas uz pomoć privjeska-protivtega. Netsuke, dakle, nužno ima rupu za čipku, uz pomoć koje se na nju pričvršćuje željeni predmet. Ranije su se koristile sitnice u obliku štapića i dugmadi, ali od kraja 18. vijeka poznati majstori su već radili na stvaranju netsukea, stavljajući svoj potpis na radove.

Netsuke je umjetnost urbane klase, masovna i demokratska. Prema zapletima netsukea, mogu se suditi o duhovnim potrebama, svakodnevnim interesima, običajima i običajima građana. Vjerovali su u duhove i demone, koji su često bili prikazani u minijaturnim skulpturama. Voljeli su figurice "sedam bogova sreće", među kojima su bili najpopularniji bog bogatstva Daikoku i bog sreće Fukuroku. Stalne zaplete netsukea bile su sljedeće: napukli patlidžan sa mnogo sjemenki unutra - želja za velikim muškim potomstvom, dvije patke - simbol porodične sreće. Ogroman broj netsukea posvećen je svakodnevnim temama i svakodnevnom životu grada. To su lutajući glumci i mađioničari, ulični prodavci, žene koje se bave raznim aktivnostima, lutajući monasi, rvači, čak i Holanđani u svojoj egzotičnoj, iz ugla Japanaca, odjeći - šeširima širokog oboda, kamisolama i pantalonama.

Odlikujući se tematskom raznolikošću, netsuke su zadržale svoju prvobitnu funkciju privjeska za ključeve, a ta namjena je majstorima diktirala kompaktan oblik bez krhkih isturenih detalja, zaobljen, ugodan na dodir. S tim je povezan i izbor materijala: nije jako težak, izdržljiv, sastoji se od jednog komada. Najčešći materijali bili su različite vrste drveta, slonovače, keramike, laka i metala.

Umjetnost: Japan: slikarstvo i grafika

Japansko slikarstvo vrlo je raznoliko ne samo po sadržaju, već i po formi: to su zidne slike, ekranske slike, vertikalni i horizontalni svici, izvedeni na svili i papiru, listovi albuma i lepeze.

O antičkom slikarstvu može se suditi samo po referencama u pisanim dokumentima. Najraniji sačuvani izvanredni radovi datiraju iz Heian perioda (794-1185). Ovo su ilustracije čuvene "Priče o princu Genđiju" pisca Murasakija Šikibua. Ilustracije su napravljene na nekoliko horizontalnih svitaka i dopunjene tekstom. Pripisuju se kistu umjetnika Fujiwara Takayoshi (prva polovina 12. stoljeća).

Karakteristična karakteristika kulture tog doba, koju je stvorio prilično uski krug aristokratske klase, bio je kult ljepote, želja da se u svim manifestacijama materijalnog i duhovnog života pronađe njihov svojstveni šarm, ponekad neuhvatljiv i neuhvatljiv. Slikarstvo tog vremena, kasnije nazvano yamato-e (doslovno japansko slikarstvo), nije prenosio radnju, već stanje uma.

Kada su na vlast došli grubi i hrabri predstavnici vojne klase, kultura Heian ere počela je da opada. U slici na svicima uspostavljen je narativni princip: to su legende o čudima pune dramatičnih epizoda, biografije propovjednika budističke vjere, scene ratničkih bitaka.

U 14.-15. veku, pod uticajem učenja zen sekte, sa posebnom pažnjom prema prirodi, počinje da se razvija pejzažno slikarstvo (u početku pod uticajem kineskih uzora).

Stoljeće i po japanski umjetnici su ovladavali kineskim umjetničkim sistemom, čineći monohromatsko pejzažno slikarstvo vlasništvom nacionalne umjetnosti. Njegov najveći procvat vezuje se za ime izvanrednog majstora Toyo Oda (1420..1506), poznatijeg pod pseudonimom Sesshu. U svojim pejzažima, koristeći samo najfinije nijanse crnog mastila, uspeo je da odrazi celokupnu raznobojnu prirodu prirodnog sveta i njegovih nebrojenih stanja: vlagom zasićenu atmosferu ranog proleća, nevidljivi, ali osetili vetar i hladnu jesenju kišu, nepomična zimska tišina.

XVI vek otvara eru takozvanog kasnog srednjeg veka, koja je trajala tri i po veka. U to vrijeme, zidne slike postale su široko rasprostranjene, ukrašavajući palače vladara zemlje i velikih feudalaca. Jedan od osnivača novog smjera u slikarstvu bio je poznati majstor Kano Eitoku, koji je živio u drugoj polovini 16. stoljeća. Graviranje na drvetu (ksilografija), koje je procvjetalo u 18-19 vijeku, postalo je još jedna vrsta likovne umjetnosti srednjeg vijeka. Graviranje se, kao i žanrovsko slikarstvo, zvalo ukiyo-e (slike svakodnevnog svijeta). Pored umjetnika koji je izradio crtež i napisao svoje ime na gotovom listu, gravuru su izradili rezbar i štampar. U početku je gravura bila monofona, slikao ju je ručno sam umjetnik ili kupac. Tada je izumljeno štampanje u dvije boje, a 1765. godine umjetnik Suzuki Harunobu (1725..1770) prvi je koristio višebojnu štampu. Da bi to učinio, rezbar je stavio paus papir s uzorkom na posebno pripremljenu uzdužnu piljenu ploču (od kruške, trešnje ili japanskog šimšira) i izrezao potreban broj tiskanih ploča, ovisno o shemi boja gravure. Ponekad ih je bilo više od 30 i. Nakon toga, štampač je, birajući prave nijanse, napravio otiske na posebnom papiru. Njegova vještina je bila da postigne tačnu podudarnost kontura svake boje, dobivene od različitih drvenih ploča.

Sve gravure su podijeljene u dvije grupe: pozorišne, koje su prikazivale glumce japanskog klasičnog Kabuki teatra u različitim ulogama, i svakodnevne pisane, posvećene prikazu ljepota i scena iz njihovog života. Najpoznatiji majstor pozorišnog graviranja bio je Toshyushay Syaraku, koji je prikazao lica glumaca u krupnom planu, naglašavajući osobine uloge koju su igrali, karakteristične crte osobe koja se reinkarnira kao lik predstave: ljutnja, strah, okrutnost, prevara.

Takvi izvanredni umjetnici kao što su Suzuki Harunobu i Kitagawa Utamaro postali su poznati u svakodnevnom graviranju. Utamaro je bio kreator ženskih slika koje su oličavale nacionalni ideal ljepote. Čini se da su se njegove junakinje na trenutak ukočile i sada će nastaviti svoje glatko graciozno kretanje. Ali ova pauza je najizrazitiji trenutak kada nagib glave, pokret ruke, silueta figure prenose osjećaje u kojima žive.

Najpoznatiji graver bio je briljantni umjetnik Katsushika Hokusai (1776-1849). Hokusaijev rad se zasniva na stoljetnoj slikarskoj kulturi Japana. Hokusai je napravio preko 30.000 crteža i ilustrovao oko 500 knjiga. Već sa sedamdeset godina Hokusai je stvorio jedno od najznačajnijih djela - seriju 36 pogleda na Fuji, koja ga stavlja u ravan s najistaknutijim umjetnicima svjetske umjetnosti. Prikazujući planinu Fuji - nacionalni simbol Japana - sa različitih mjesta, Hokusai po prvi put otkriva sliku domovine i sliku naroda u njihovom jedinstvu. Umjetnik je život vidio kao jedinstven proces u svoj raznolikosti njegovih manifestacija, od jednostavnih osjećaja čovjeka, njegovih svakodnevnih aktivnosti do okolne prirode sa njenim elementima i ljepotom. Hokusaijev rad, koji je upio stoljetna iskustva umjetnosti njegovog naroda, posljednji je vrhunac u umjetničkoj kulturi srednjovjekovnog Japana, njegov izuzetan rezultat.

Umjetnost: Japan: izvori informacija

Microsoft Encarta 97 Encyclopedia Svjetsko englesko izdanje. Microsoft Corp., Redmond, 1996;

Internet resursi (Worldwide Web);

"Enciklopedija za djecu", tom 6 ("Religije svijeta"), drugi dio. Izdavačka kuća "Avanta +", Moskva, 1996;

"Enciklopedija za djecu", tom 7 ("Umjetnost"), prvi dio. Izdavačka kuća "Avanta +", Moskva, 1997;

Enciklopedija "Mitovi naroda svijeta". Izdavačka kuća "Sovjetska enciklopedija", Moskva, 1991.

Umjetnost: Japan: Glossary

Graviranje- pogled grafikoni, na kojoj je slika štampani otisak crteža nanesenog na dasku od drveta, linoleuma, metala, kamena; sama slika na drvetu, linoleumu, kartonu itd.

Ikebana("živo cvijeće") - japanska umjetnost aranžiranja buketa; sam buket, sastavljen po principima ikebane.

Kondo(Zlatna dvorana) - glavni hram kompleksa budističkog japanskog manastira; kasnije postao poznat kao Hondo.

Kaizuma- u japanskoj arhitekturi, masivni dvovodni krov šintoističkog svetilišta; Izrađivao se od slame ili kore čempresa, kasnije od crijepa.

Drvorez - graviranje na drvetu.

H´ etsuke- minijaturna figurica od slonovače, drveta ili drugih materijala; služio je kao privjesak za ključeve kojim su mali predmeti (na primjer, novčanik) bili pričvršćeni za pojas; pripada japanskoj narodnoj nošnji.

Pagoda- u budističkoj arhitekturi zemalja Dalekog istoka i jugoistočne Azije, višeslojni spomen-kula - relikvijar sa neparnim (sretnim) brojem nivoa.

R´ impa- Škola japanskog slikarstva 17..18 vijeka; gravitirao književnim temama prošlih vekova; preneo lirska iskustva likova.

Relikvijar- spremište za čuvanje relikvija.

Tyaniva("tea garden") - u arhitekturi Japana, vrt povezan sa ceremonijom čaja - povlačenje; čini jedan ansambl sa paviljonom za čaj - čašicu.

Tyano´ Yu("čajna ceremonija") - u duhovnom životu Japana, filozofski i estetski ritual ujedinjavanja ljudi, pomažući im da se isključe iz užurbanosti života.

Ukiyo-e("slike svakodnevnog svijeta") - škola japanskog slikarstva i drvorezi 17..19 vijeka, odražavajući život i interese gradskog stanovništva; naslijedio je tradiciju žanrovskog slikarstva 15.-16. vijeka.

Haniva("glineni krug") - drevna japanska pogrebna keramika; nazvan po načinu izrade: ručno vajani prstenovi od gline se polažu jedan na drugi; zora - 5..6 vekova.

Yamato-´ uh("Japansko slikarstvo") - u likovnoj umjetnosti Japana od 10. - 11. vijeka, samostalan pravac, suprotan kineskom slikarstvu; reproducirane su zaplete srednjovjekovnih japanskih priča, romana i dnevnika; ekspresivno su kombinovane siluete, svetle kolorne mrlje, prošarane zlatnim i srebrnim šljokicama.

Umetnost Japana, strana 7 od 7

Umetnost Indije

Prva civilizacija na indijskom tlu bila je kultura Harappana u dolini Inda, koja je procvjetala 2500. p.n.e. Prije nego što je nestala pod naletom arijevskih plemena, ovjekovječila je sebe brojnim prekrasnim remek-djelima skulpture i urbanizma. Vremenom su Arijevci zaposeli čitavu severnu Indiju, ali za hiljadu godina vladavine nisu ostavili nijedan spomenik umetnosti. Temelji indijske umjetničke tradicije postavljeni su tek u 3. vijeku prije nove ere.

Indijska umjetnost je izvorno bila religiozne prirode, odražavajući svjetonazore hinduizma, džainizma i budizma. Od davnina, Hindusi su se odlikovali pojačanom percepcijom okolnog svijeta, a arhitektura je s pravom zauzimala glavno mjesto u njihovoj umjetnosti.

U drevnim skulpturama koje su izašle ispod dlijeta predstavnika asketskog budizma, još nema ni traga preplavljene ljubavi prema životu. Jedno vrijeme je čak bilo zabranjeno stvarati portretne slike Bude. Međutim, nakon ukidanja zabrane u sjeveroistočnoj provinciji Gandhara, počele su se pojavljivati ​​statue Bude u obliku čovjeka, nastale u helenskom "grčko-budističkom" stilu, koje su imale primjetan utjecaj na umjetnost čitave region.

U provinciji Gandhara u prvim vekovima nove ere. pojavila se nova umjetnička škola, koja je kombinirala tradicionalne budističke kanone sa nekim karakteristikama grčke umjetnosti, koju su u Indiju donijele trupe Aleksandra Velikog (kraj 4. vijeka prije nove ere). Tako su bezbrojne slike Bude napravljene od kamena i kucanja (mješavina gipsa, mramornih krhotina i ljepila) dobile karakteristično izduženo lice, širom otvorene oči i tanak nos.

Relativno suzdržani stil je takođe preovladavao u klasičnoj Gupta eri (320-600. godine nove ere), iako je do tog vremena budizam upio mnoge elemente hinduističkih mitova. Na primjer, yakshini - ženska šumska božanstva - budistički kipari su prikazivali u obliku napuhanih plesačica na način koji je vrlo daleko od asketizma.

U bilo kojem djelu indijske umjetnosti - budističkom ili hinduističkom - vjerske i filozofske informacije u početku su bile kodirane u kodiranom obliku. Dakle, poza u kojoj je Buda prikazan je izuzetno važna: meditacija ili učenja. Postoje kanonske karakteristike izgleda Bude: izdužene ušne školjke, deformisane ukrasima koje je nosio u mladosti, dok je bio princ; kosa skupljena u spiralne punđe na glavi itd. Takvi detalji daju gledaocu trag koji pomaže u određivanju ideje i, shodno tome, rituala potrebnog za komunikaciju s božanstvom. Hindu umjetnost je također jako šifrirana. Ovdje je bitan svaki, čak i mali detalj - okret glave božanstva, položaj i broj ruku, sistem ukrasa. Čuvena figurica boga koji pleše Šive je cijela enciklopedija hinduizma. Svakim skokom svog plesa on stvara ili uništava Svjetove; četiri kraka znače beskonačnu moć; luk sa plamenom je simbol kosmičke energije; mala ženska figurica u kosi - boginje rijeke Gang itd. Šifrovanje značenja karakteristično je za umjetnost brojnih zemalja jugoistočne Azije koje su dio područja hinduističke kulture.

Živopisnu sliku života drevne Indije stvara raspoloženje murala pećinskih hramova Ajante, koji zadivljuju sjajem i harmonijom višefiguralnih kompozicija.

Ajanta je svojevrsni manastir - univerzitet na kojem žive i uče monasi. Hramovi Ajante uklesani su u 29 stijena, koje se nalaze pored živopisnih obala rijeke Wagharo. Fasade ovih hramova u stijenama pripadaju Guptu periodu raskošnih dekorativnih skulptura.

Skulpturalni spomenici Ajante nastavljaju stare tradicije, ali su forme mnogo slobodnije i poboljšane. Gotovo sve unutar hrama je ispisano. Teme slike su preuzete iz Budinog života i povezane su sa mitološkim scenama Stare Indije. Ovdje su majstorski prikazani ljudi, ptice, životinje, biljke i cvijeće.

Indijsku arhitekturu možemo nazvati svojevrsnom skulpturom, jer mnoga svetišta nisu građena od pojedinačnih ornamenata, već su isklesana od kamenog monolita i u toku rada prekrivena bogatim tepihom skulpturalnih ukrasa.

Ova osobina je bila posebno izražena u hiljadama hramova koji su nastali tokom hinduističke renesanse između 600. i 1200. godine nove ere. Višeslojne kule nalik na planine prekrivene su isklesanim bareljefima i statuama, dajući hramovima Mamallapurama i Ellore neobično organski izgled.

Utjecaj budističke i hinduističke umjetnosti osjeća se daleko izvan Indije. Angkor Wat je najveći od mnogih hinduističkih hramova izgrađenih u Kalebodži u 10.-12. veku. Ovo je ogroman kompleks sa jarcima od pet uklesanih kupastih kula, od kojih se središnja uzdizala 60 metara u nebo. Među budističkim hramovima, jedinstveno svetilište na brdu nema premca. Borobudur, na ostrvu Java, u kojem je bogatstvo skulpturalne dekoracije podložno strogom arhitektonskom dizajnu. Na drugim mjestima - Tibetu, Kini i Japanu - budizam je također stvorio visoko razvijene i originalne umjetničke tradicije.

Značajne promjene u tradicijama umjetničkog stvaralaštva dogodile su se širenjem nove religije - islama, koju su u Indiju donijeli arapski osvajači u 8. stoljeću. Uticaj islamske kulture dostigao je svoj vrhunac pod Mogulima, koji su vladali većim delom Indije od 16. veka. Podizanje veličanstvenih džamija i grobnica postalo je poznato za sultana Akbara (1556 - 1605) i njegovih nasljednika - Dzhan-Igryja i Shah Jahana.

Taj Mahal je dragulj indijske arhitekture. Tugujući za suprugom koja je umrla na porođaju, car Shah Jahan je u Agri podigao ovaj mauzolej od bijelog mramora, vješto ukrašen mozaikom od dragog kamenja. Okružena baštom, kraljevska grobnica se nalazi na obali reke Jamne. Zgrada od bijelog mramora podignuta je na pijedestal od sedam metara. U tlocrtu predstavlja osmougao, odnosno kvadrat sa izrezanim uglovima. Sve fasade su urezane visokim i dubokim nišama. Mauzolej je krunisan okruglom kupolom "luk", koju su pjesnici po svojoj lakoći i harmoniji poredili sa "oblakom koji počiva na vazdušnom tronu". Njegov impresivan volumen naglašavaju četiri male kupole minareta koje stoje uz rubove platforme. Unutrašnji prostor je mali i zauzimaju ga dva kenotafa (lažne grobnice) Mumtaza i samog Šah Jahana. Sami ukopi su u kripti ispod zgrada.

Pod Mughalima je procvjetala minijaturna umjetnost koja je došla iz Perzije. Termin "minijatura" se koristi za označavanje slikovitih ilustracija knjiga bilo kojeg formata. Sultan Akbar je privukao umjetnike iz cijele Indije, uključujući Hinduse, da ih kreiraju. U dvorskim radionicama razvio se energičan sekularni stil, koji se u mnogo čemu razlikovao od dekorativne perzijske tradicije. Blistave poput dragulja, pune dinamike, minijature mogulske ere nude nam nevjerovatno živu sliku indijskog života prije vladavine fanatičnog Aurangzeba (1658-1707).

Umetnost Kine

Kineska civilizacija je jedina od svih koja je sačuvala vekovni kontinuitet kulturnih tradicija. Neke tipične kineske osobine - naklonost igri polutonova i svilenkastoj teksturi žada - sežu u praistorijska vremena. Velika kineska umjetnost nastala je oko 1500. godine prije nove ere, u eri dinastije Shang-Yin, pojavom hijeroglifskog pisanja i sticanjem vrhovnog vladara božanskog statusa "sina neba".

Ovaj 500-godišnji period uključuje veliki izbor masivnih, sumornih bronzanih posuda za žrtvovanje precima, ukrašenih apstraktnim simbolima. Zapravo, ovo su izuzetno stilizirane slike mitskih bića, uključujući zmajeve. Kult predaka svojstven mnogim civilizacijama zauzeo je centralno mjesto u vjerovanjima Kineza. Međutim, u umjetnosti kasnijih stoljeća, duh magične misterije postepeno je ustupio mjesto hladnoj kontemplaciji.

U eri Shang-Yina počeo se formirati stari okružujući plan gradova (Anyang), u čijem središtu su izgrađeni vladarska palača i hram. Stambene kuće i palača građeni su od čvrste mješavine zemlje (lesa) i drvenog dodatka bez kamenja. Pojavili su se piktografija i hijeroglifski zapisi, osnova lunarnog kalendara. U to vrijeme se formira stil ornamenta koji se očuvao dugi niz stoljeća. Jednostavna brončana posuda izvana je bila ukrašena simboličkim slikama, a iznutra - hijeroglifskim natpisima, imenima plemenitih ljudi ili posvetnim natpisima. Tokom ovog perioda, simboličke slike su daleko od stvarnosti i odlikovale su se apstraktnom formom.

Sistem religiozno-filozofskog taoizma i konfucijanizma dao je veliki doprinos kulturi i umetnosti. Sredinom prvog milenijuma pr. formirali osnovne principe arhitekture i urbanizma. Izgrađena su mnoga utvrđenja, odvojeni odbrambeni zidovi sa severa carstva počeli su da se ujedinjuju u jedan neprekidni Kineski zid (3. vek pre nove ere - 15. vek; visina od 5 do 10 metara, širina od 5 do 8 metara i dužina 5000 km.) sa četvorougaonim stražarskim kulama. Okvirne konstrukcije su formirane, drvene (kasnije ciglene) vrste pravokutnog plana građevine. Zabatni krovovi objekata bili su pokriveni slamom (kasnije crijepom). Šire se podzemni dvospratni mauzoleji. Njihovi zidovi i plafoni bili su ukrašeni zidnim slikama, intarzijama, u blizini su postavljene kamene statue fantastičnih životinja. Pojavile su se karakteristične vrste kineskog slikarstva.

Nakon vekova građanskih sukoba, Kinu je ujedinio car iz dinastije Qin (oko 221. - 209. pne.). Jedinstven arheološki nalaz govori o maničnoj žeđi za samoveličanjem ovog gospodara. Snimljeno 1974. godine, vojska ratnika od terakote (neglazirane keramike) ljudske veličine, predodređenih da mu služe u zagrobnom životu, pronađena je u carevoj grobnici.

Tokom godina dinastije Han (209. pne - 270. ne), Kina se razvila u ogromno carstvo sa složenom društvenom strukturom. Konfucijanizam, etička doktrina koja je propovijedala umjerenost i vjernost porodici i građanskoj dužnosti, imala je dubok utjecaj na svjetonazor Kineza, posebno na kastu učenih službenika, formiranu sistemom ispita za prijem u javnu službu. Službenici, koji su često bili umjetnici i pjesnici, igrali su istaknutu ulogu u razvoju kineske umjetnosti. Nove elemente uveo je taoizam, intuitivno i magično učenje blisko prirodi koje je nastalo u eri Han.

Han umjetnost je do nas došla prvenstveno u obliku pogrebnih darova - odjeće, nakita i kozmetike, kao i bronzanih i keramičkih figurica, bareljefa i figuriranih pločica. Budizam, koji je došao iz Indije, inspirisao je kineske majstore na potragu za novim oblicima i umjetničkim tehnikama, koje su se manifestirale u pećinskim hramovima isklesanim na indijski način i statuama Yunygana.

Sudeći po nekoliko spomenika koji su do nas došli, u doba Hana razvile su se jake slikarske tradicije koje se odlikuju neverovatnom lakoćom i slobodom kista. Nakon toga, slikarstvo je postalo istinski masovna umjetnost, a Kina je stoljećima davala svijetu mnoge izvanredne umjetnike, škole i trendove. Suptilna percepcija ljepote okolne prirode dovela je do izražaja žanr pejzaža, posebno planinski pejzaž, koji je veoma važan u kineskoj umjetnosti - ovaj žanr nema analoga u kulturama. Slike su često nastale kao ilustracije za pjesme ili druga djela, a besprijekorna kaligrafija natpisa cijenjena je kao umjetnost za sebe.

Iako se keramika u Kini proizvodi hiljadama godina, u periodu Tang (618-906) ovaj zanat dobija odlike prave umetnosti. U to vrijeme pojavile su se nove forme i obojene glazure koje su proizvodima dale šareni izgled. Među najpoznatijim spomenicima ove dinastije su pogrebne keramičke figurice ljudi i životinja, koje po ekspresivnosti nisu bile inferiorne u odnosu na velike strukturne forme. Prekrasne konjičke figurice Tang ere odlikuju se posebnom ljepotom i ekspresijom.

U zoru Tang ere, Kinezi su savladali tajnu pravljenja porcelana. Ovaj tanak, čvrst, proziran, čisto bijeli materijal bio je bez premca u finoći, koji je usavršen izvrsnom izradom u dinastiji Song (960-1260) i kasnijim dinastijama. Čuveni plavo-bijeli porcelan nastao je za vrijeme mongolske dinastije Yuan (1260-1368).

Važnu ulogu u istoriji kineske kulture odigrala je drevna kineska knjiga mudrosti i proricanja sudbine, nazvana "Knjiga promena". Ovdje je svijet shvaćen kao neka vrsta embriona, unutar kojeg su spojene muška svjetlosna sila - jang i ženska tamna sila - jin. Ova dva principa ne postoje jedno bez drugog. Knjiga promjena imala je veliki utjecaj na dalji razvoj estetske misli i kineske umjetnosti.

Na početku ere Song, Kinezi su počeli da prikupljaju umjetnička djela iz prošlih dinastija, a umjetnici su često oživljavali stilove drevnih vremena. Međutim, umjetnost Ming ere (1368-1644) i ranog Qing ere (1644-1912) je vrijedna sama po sebi, uprkos postepenom bledenju kreativne energije.

Za vrijeme dinastija Ming i Qing formirani su simetrični gradovi pravilnog plana sa unutrašnjim i vanjskim dijelom. Glavni grad Peking je skoro obnovljen. Primijenjena umjetnost je dostigla takav nivo da je stvorila imidž Kine u Evropi.

Umetnost Japana

Iz veka u vek, Japan se razvijao odvojeno od svih civilizacija, sa izuzetkom Kine. Rast kineskog uticaja počeo je u 5.-6. veku, kada su, zajedno sa novim sistemom državne vlasti, sa kontinenta u Japan došli pismo, budizam i razne umetnosti. Japanci su oduvijek bili u stanju apsorbirati strane inovacije, dajući im nacionalne karakteristike. Na primjer, japanska skulptura je pridavala mnogo veći značaj sličnosti portreta nego kineska.

Razvoju japanskog slikarstva doprineli su kontakti sa kontinentom, sa kojeg je početkom 7. veka posuđena umetnost pravljenja boja, papira i mastila.

Od velikog značaja za sudbinu japanskog slikarstva, kao i skulpture, bilo je širenje budizma u zemlji, jer su potrebe budističke kultne prakse stvorile određenu potražnju za djelima ovih vrsta umjetnosti. Tako su od 10. vijeka, u cilju širenja znanja među vjernicima o događajima iz budističke svete historije, masovno stvarani takozvani emakimono (dugi horizontalni svici) koji su prikazivali scene iz budističke svete historije ili iz prispodoba vezanih za nju. .

Japansko slikarstvo u 7. veku je još uvek bilo veoma jednostavno i bezumetno. Ideje o tome daju slike na kovčegu Tamamushi iz hrama Horyuji, koje prikazuju iste scene koje su reprodukovane na emakimonu. Slike su rađene crvenom, zelenom i žutom bojom na crnoj pozadini. Neke slike na zidovima hramova koje datiraju iz 7. stoljeća imaju mnogo zajedničkog sa sličnim slikama u Indiji.

Od 7. veka u Japanu počinje razvoj žanrovskog i pejzažnog slikarstva. Ekran pod uslovnim nazivom "Žena s ptičjim perjem" opstao je do danas. Na ekranu je prikazana žena koja stoji ispod drveta, njena kosa i kimono ukrašeni su perjem. Crtež je izveden laganim, tečnim linijama.

U početku su japanski umjetnici, dijelom zbog prirode teme na kojoj su radili (budističko slikarstvo), bili pod jakim utjecajem Kine: slikali su u kineskom stilu, ili stilu kara-e. Ali s vremenom, za razliku od slika u kineskom stilu kara-e, počele su se pojavljivati ​​sekularne slike u japanskom stilu ili yamato-e stilu (Yamato slikarstvo). U 10.-12. stoljeću stil yamato-e je postao dominantan u slikarstvu, iako su djela čisto religiozne prirode i dalje slikana u kineskom stilu. U tom periodu se raširila tehnika nanošenja kontura slike najmanjom zlatnom folijom.

Jedan od primjera istorijskog slikarstva iz doba Kamakura je čuveni svitak Heiji Monogatari iz 13. stoljeća, koji prikazuje ustanak koji je 1159. godine podigao poglavar velikog samurajskog klana, Jošimoto Minamoto. Poput minijatura u drevnim ruskim hronikama, svici poput Heiji Monogatari nisu samo izvanredna umetnička dela, već i istorijski dokazi. Kombinujući tekst i sliku, u žurbi su reproducirali burne događaje kneževskih sukoba druge polovine 12. stoljeća, opjevali vojničke podvige i visoke moralne kvalitete novog vojnog plemstva, samuraja, koji je ušao u arenu historije.

Najveći umjetnik Muromachi perioda je Sesshu (1420-1506), koji je stvorio vlastiti stil. Posjeduje izvanredno djelo japanske slike "Dugi pejzažni svitak" iz 1486. ​​godine, dužine 17 m i širine 4 m. Svitak prikazuje četiri godišnja doba. Sesshu je bio odličan slikar portreta, o čemu svjedoči i njegov portret Masude Kanetake.

Poslednjih decenija perioda Muromachi odvija se proces intenzivne profesionalizacije slikarstva. Početkom 16. stoljeća pojavila se poznata škola Kano koju je osnovao Kano Masanobu (1434-1530), koji je postavio temelje dekorativnom smjeru u slikarstvu. Jedno od ranih djela žanrovskog slikarstva škole Kano je slika platna umjetnika Hijorija na temu „Divljenje javora u Takaou“.

Od kraja 16. stoljeća murali i slike na preklopnim paravanima postaju glavni oblici slikarstva. Slike krase palate aristokrata, kuće građana, manastire i hramove. Stil dekorativnih panela se razvija - da-mi-eh. Takvi paneli su obojeni bogatim bojama na zlatnoj foliji.

Znak visokog stepena razvoja slikarstva je postojanje na kraju 16. vijeka niza slikarskih škola, među kojima su Kano, Tosa, Unkoku, Soga, Hasegawa, Kaiho.

Tokom 17.-19. veka nestaju brojne nekada slavne škole, ali na njihovo mesto dolaze nove, kao što su škola drvoreza ukijo-e, Maruyama-Shijo, Nanga i evropske slikarske škole. Uz drevne gradove Nara i Kjoto, novi glavni grad Edo (moderni Tokio), Osaka, Nagasaki itd., postaju centri kulture i umjetnosti kasnog srednjeg vijeka (ovukla se u Japanu skoro do 19. stoljeća) .

Umjetnost Edo perioda (1615-1868) karakterizira poseban demokratizam i kombinacija umjetničkog i funkcionalnog. Primjer takve kombinacije je slikanje na ekranima. Upravo su na uparenim ekranima ispisani "Cvjetovi crvene i bijele šljive" - ​​najznačajnije i najpoznatije od sačuvanih djela velikog umjetnika Ogate Korina (1658-1716), remek djelo, koje se s pravom svrstava među najbolje kreacije ne samo Japansko, ali i svjetsko slikarstvo.

Jedan od najpopularnijih žanrova japanske male plastike bio je netsuke. U netsukeu je umjetnički kanon srednjeg vijeka prelomljen, u kombinaciji s renesansnom labavošću umjetnosti u Edo eri. Činilo se da su ova djela minijaturne skulpture usredotočena na hiljade godina japanskog plastičnog iskustva: od divljeg dogua Jomon, haniwa kasnih humki do kanonske kulture srednjeg vijeka, kamenih buda i živog Enku drveta. Netsuke majstori pozajmili su bogatstvo izraza, osjećaj za proporciju, potpunost i tačnost kompozicije, savršenstvo detalja iz klasičnog nasljeđa.

Materijal za netsuke bio je vrlo različit: drvo, slonovača, metal, ćilibar, lak, porculan. Nad svakom stvari majstor je radio ponekad i po cijele godine. Njihova tematika je beskrajno varirala: slike ljudi, životinja, bogova, istorijskih ličnosti, likova narodnih vjerovanja. Procvat te čisto urbane primenjene umetnosti pada u drugu polovinu 18. veka.

Svojevremeno u prošlom veku, Evropa, a potom i Rusija, upravo su se kroz gravuru prvi put upoznali sa fenomenom japanske umetnosti. Majstori ukiyo-ea tražili su maksimalnu jednostavnost i razumljivost kako u izboru zapleta tako iu njihovoj implementaciji. Radnja gravura uglavnom su bile žanrovske scene iz svakodnevnog života grada i njegovih stanovnika: trgovaca, umjetnika, gejša.

Ukiyo-e, kao specijalna umjetnička škola, izdvojila je niz prvoklasnih majstora. Početna faza u razvoju gravure zapleta povezana je s imenom Hisikawa Moronobu (1618-1694). Prvi majstor višebojnog graviranja bio je Suzuki Haranobu, koji je radio sredinom 18. stoljeća. Glavni motivi njegovog stvaralaštva su lirske scene sa dominantnim uticajem ne na radnju, već na prenošenje osećanja i raspoloženja: nežnosti, tuge, ljubavi.

Poput drevne prefinjene umjetnosti Heian ere, ukiyo-e majstori su u novoj urbanoj sredini oživjeli svojevrsni kult prefinjene ženske ljepote, s jedinom razlikom što su umjesto planinskih Heian aristokrata, graciozne gejše iz zabavnih četvrti Edoa postale heroine gravura.

Umjetnik Utamaro (1753-1806) je, možda, jedinstven primjer u povijesti svjetskog slikarstva, primjer majstora koji je svoj rad nepodijeljeno posvetio prikazivanju žena - u različitim životnim okolnostima, u raznim pozama i toaletima. Jedno od njegovih najboljih djela je Geisha Osama.

Žanr japanske gravure dostigao je najviši nivo u djelu Katsushike Hokusaija (1760-1849). Odlikuje ga kompletnost pokrivanja života dotad nepoznatog u japanskoj umetnosti, interesovanje za sve njegove aspekte - od nasumične ulične scene do veličanstvenih prirodnih fenomena.

Hokusai je u svojoj 70. godini stvorio svoju najpoznatiju seriju grafika "36 pogleda na Fudži", zatim serije "Mostovi", "Veliko cveće", "Putovanje kroz slapove zemlje", album "100 pogleda Fudžija". Svaka gravura je vrijedan spomenik likovne umjetnosti, a serija u cjelini daje duboku originalnu koncepciju bića, univerzuma, mjesta čovjeka u njemu, tradicionalnog u najboljem smislu riječi, tj. ukorijenjena u milenijumskoj istoriji japanskog umjetničkog razmišljanja i potpuno inovativna, ponekad odvažna, u smislu sredstava za izvođenje.

Hokusaijev rad na adekvatan način povezuje stoljetnu umjetničku tradiciju Japana sa modernim postavkama umjetničkog stvaralaštva i njegove percepcije. Sjajno oživljavajući žanr pejzaža, koji je u srednjem vijeku dao remek-djela poput Sesshuovog "Zimskog pejzaža", Hokusai ga je izveo iz kanona srednjeg vijeka direktno u umjetničku praksu 19.-20. stoljeća, utječući i utječući ne samo na Francuski impresionisti i postimpresionisti (Van Gog, Gogen, Matis), ali i ruski umetnici sveta umetnosti i drugih, već modernih škola.

Umjetnost graviranja u boji ukiyoe bila je, u cjelini, odličan rezultat, a možda čak i svojevrsni završetak jedinstvenih puteva japanske likovne umjetnosti.



Mala istorija umetnosti. Umetnost zemalja Dalekog istoka. Vinogradova N.A., Nikolaeva N.S.

M.: 1979. - 374 str.

Ovaj tom "Male istorije umetnosti" posvećen je umetnosti zemalja Dalekog istoka. Pripada peru sovjetskih istraživača N. Vinogradove i N. Nikolaeve. Na ogromnoj teritoriji, konvencionalno označenoj kao Daleki istok, razvila se živa i originalna kultura, ostavljajući izvanredna djela ljudskog genija u književnosti, filozofiji i likovnoj umjetnosti. Na materijalu arhitekture, kiparstva, slikarstva i dekorativnog zanata Kine, Koreje, Japana i Mongolije, pokrivajući hronološki okvir od antičkih vremena do kraja 19. stoljeća, autori uvjerljivo pokazuju da umjetnost zemalja Dalekog istoka , ne izolovan od istorijskog i kulturnog procesa, povinujući mu se najopštijim zakonima, istovremeno je samostalna pojava u svetskoj umetnosti. Knjiga je opremljena naučnim aparatom - sinhronističkom tabelom, rječnikom, bibliografijom. Bogato ilustrovano ilustracijama u boji i tonovima.

Format: pdf

veličina: 24 MB

Skinuti: yandex.disk

SADRŽAJ
6 Predgovor Ya. S. Nikolaev
9 KINA N.A. Vinogradova
10 Uvod
16 Umetnost najstarijih i najstarijih perioda (IV milenijum pre nove ere - III vek nove ere)
31 Umetnost 4.-6. veka
47 Umjetnost 7.-13. vijeka
117 Umjetnost kasnog XIII-XIV vijeka
125 Umjetnost kasnog 14.-19. stoljeća
153 KOREJA N. A. Vinogradova
154 Uvod
158 Umjetnost najstarijih i najstarijih perioda (3. milenijum prije Krista - prvi vijek prije Krista)
163 Umjetnost perioda tri kraljevstva - Goguryeo, Baekje i Silla (prvi vek pne - 7. vek nove ere)
177 Umjetnost VIII-IX vijeka. Unified Silla period
189 Umjetnost X-XIV vijeka. Goryeo period
196 Umjetnost 14. - ranog 19. stoljeća
207 JAPAN N. S. Nikolaeva
208 Uvod
211 Umetnost najstarijih i najstarijih perioda (IV milenijum pre nove ere - VI vek nove ere)
220 Umjetnost VI-VIII vijeka
242 Umjetnost 9.-12. stoljeća
263 Umjetnost XIII-XV vijeka
289 Umjetnost 16. - ranog 17. stoljeća
306 Umjetnost druge polovine 17.-19. stoljeća
329 MONGOLIJA N.A. Vinogradova
330 Uvod
333 Umjetnost antičkog i antičkog perioda
337 Umjetnost feudalnog perioda (XIII - početak XX vijeka)
353 APPS
354 Rečnik pojmova
357 Tabela sinhronizacije
367 Kratka bibliografija
371 Indeks imena
umjetnika i arhitekata

Ova knjiga posvećena je istoriji umetnosti naroda Kine, Koreje, Japana i Mongolije od antike do 19. veka. Tokom nekoliko milenijuma, živa i originalna kultura razvila se na ogromnoj teritoriji, konvencionalno označenoj kao Daleki istok, ostavljajući izvanredna djela ljudskog genija u književnosti, filozofiji, likovnoj umjetnosti i arhitekturi.
Dugi istorijski period koji se razmatra u knjizi uključuje dva sukcesivno zamjenjujuća tipa kulture – antičku i srednjovjekovnu. Već u antici narodi Dalekog istoka stvorili su značajne spomenike duhovne i materijalne kulture. Ali njihov glavni doprinos kulturi čovječanstva su izvanredna djela slikarstva, skulpture, arhitekture i dekorativne umjetnosti nastala u srednjem vijeku.

Zvanična istorija organizacije započela je u oktobru 1938. godine na inicijativu V. V. Bezrodnog. Umjetnik, učitelj i javna ličnost Vasilij Vasiljevič Bezrodni diplomirao je na Akademiji umjetnosti u Sankt Peterburgu. I. E. Repin, Odsjek za pozorišni dizajn. Prema rečima savremenika, bio je moderno nastrojena osoba sa znanjem i visokom umetničkom kulturom.

U Vladivostoku tih godina visoko umjetničko obrazovanje bilo je rijetka pojava. Profesionalne vještine i vizija umjetnosti V. V. Bezrodnog formirane su u bivšoj Carskoj akademiji umjetnosti, gdje su A. P. Ostroumova-Lebedeva, I. I. Brodsky, M. P. Bobyshev, B. V. Ioganson, D. N. Kardovsky.

O atmosferi na akademiji tih godina može se suditi po specijalnoj sali otvorenoj 2013. godine u Istraživačkom muzeju Ruske akademije umetnosti (NIM RAH) u Sankt Peterburgu. Ovo je sala posvećena Akademiji umjetnosti u jednom od za nju teškim periodima - 1920-ih - ranih 1930-ih, kada je postojala neobična, šarena slika raznih, ponekad međusobno isključivih trendova. To je uticalo na formiranje umjetnika.

Jedna od kvaliteta V. V. Bezrodnog, formirana u to vrijeme, može se nazvati svestranošću njegove kreativne prirode. To je uticalo na atmosferu u novostvorenoj organizaciji u Primorju i na prirodu aktivnosti samog V. V. Bezrodnog, koji se bavio ne samo poslovima lokalnog sindikata umjetnika, već je nastojao uspostaviti umjetničko obrazovanje.

O prvim koracima Primorske organizacije umetnika V. I. Kandyba je napisao sledeće: „10. oktobra 1938. godine, prvi put u istoriji regiona, okupili su se umetnici iz različitih krajeva Primorja.

Ovaj sastanak je postao osnivački. Njegov rezultat je bilo formiranje organizacionog odbora Saveza primorskih umetnika, koji je 1. avgusta 1939. registrovan od strane organizacionog komiteta Saveza sovjetskih umetnika u Moskvi.

Za predsjednika je izabran V. V. Bezrodny, za zamjenika predsjednika i predsjednika izložbenog odbora V. F. Inozemcev, a za tehničkog sekretara T. G. Aleshunin. Čuveni "Četvrtak" kod N. I. Kramskog sa crtanjem, govoreći o umetnosti, pretvoreni su u Vladivostoku u studio za naprednu obuku umetnika. Bilo je redovnih sastanaka, rad na sebi. Ovdje je vladao studio, jedinstven duh drugarstva, solidarnosti, entuzijazma i kreativnih težnji. Ne bez razloga, već 1939. godine, prema planu organizacionog odbora, otvorena je zajednička izložba radova primorskih umjetnika. Učestvovalo je 18 ljudi sa 120 radova.

Kreativna organizacija uključivala je I. A. Zyryanov, P. V. Muldin, O. I. Bogashevskaya-Sushkova, S. S. Serezhin, M. A. Tsyganov, V. M. Fomin, N. A. Mazurenko, V. M. Sviridov, F. I. Rodionov, S. P. Kolabuhov, S. P. Kolabukhov, D. S. , I. F. Palshkov (Suchan, str. 1972 - Partizansk), P. P. Medvedev (Artem), V. M. Zotov (Ussuriysk), S. P. Chaika (Ussuriysk), I. S. Dereka (Ussuriysk), S. F. Arefin (Ussuriysk G., Ussuriysk G., Ussuriysk) . Aslanov (Ussuriysk).

Članovi prvog sastava organizacije imali su različite nivoe obrazovanja i različito profesionalno iskustvo. Dakle, M. A. Tsyganov je diplomirao na odsjeku za instruktore klubova tehničke škole u Rostovu, zatim je radio u klubu puka kao umjetnik tokom službe u Crvenoj armiji (1932-34), P. V. Muldin je započeo svoju karijeru kao student umjetnika kina Ussuri. S. F. Arefin pohađao je obuku u Studiju ratnih umjetnika. I. F. Palshkov (1887-1954) završio je Srednju školu tehničkog crtanja barona Stieglitz-a 1912. godine i imao iskustvo rada u fabrikama cinca u Serpuhovu, Ivano-Voznesensk, kao i iskustvo učešća na izložbama Društva Nepartijski umjetnici u Sankt Peterburgu (1914-1915) i dobio je priznanje za pejzaže, studije i crteže. Godine 1916. I. F. Palshkov je učestvovao u izgradnji crkve u školi narodne umjetnosti carice Aleksandre Feodorovne, za koju je nagrađen dragocjenom iglom sa likom državnog grba. Ali, unatoč tim razlikama, umjetnike je ujedinila jedna stvar: njihov rad odražava prirodu i višestruki život Primorskog kraja.

Godine 1939. Organizacioni komitet Udruženja likovnih umetnika Primorja radio je u kući V. V. Bezrodnog u Puškinskoj 12. Ova kuća nije sačuvana. V. V. Bezrodny se preselio u Vladivostok iz Ussurijska 1936. godine.

Počinje raditi u pozorištu Pacifičke flote, stvara skice scenografije i kostima. Ujedno, umjetnik pokreće obrazovne inicijative: stvara "Studio pomorskih umjetnika" u Mornaričkom klubu, koji se u to vrijeme nalazio u zgradi Luteranske crkve, gdje su Crvene mornarice i Crvene armije. zaručen.

Godine 1939. u Klubu mornara (danas Puškinov teatar, ulica Puškinska, 27), na inicijativu Bezrodnog, stvorena je škola-atelje, u kojoj su učili po programu srednje umjetničke škole. Svest o potrebi za profesionalnim (a ne studijskim obrazovanjem) podstiče V. V. Bezrodnog da istraje u stvaranju Umetničke škole u Vladivostoku. Godine 1943., Narodni komesarijat za obrazovanje SSSR-a odobrio je odluku o otvaranju umjetničke škole u Vladivostoku, čiji je direktor bio T. G. Aleshunin (kasnije prebačen na Dalekoistočni pedagoški institut za umjetnost, organiziran 1962., na mjesto prom. -rektor za ekonomske poslove). Godine 1944. izvršen je prvi upis učenika, a do naredne školske 1945-1946. godine škola je imala dva smera slikarsko-pozorišni i jedan vajarski smer.

Godine 2014. Umetnički koledž u Vladivostoku proslavio je 70. godišnjicu postojanja, a trenutno se priprema materijal za izradu albuma posvećenog povijesti škole i njenoj ulozi u formiranju i razvoju umjetničkog obrazovanja na Primorskom području i na Dalekom istoku. U ovom članku želim da istaknem vezu između kreativne organizacije i škole: nastavnika VCU tog perioda V. V. Bezrodnog, B. F. Lobasa, V. S. Zdanoviča, G. M. Tsaplina, F. N. Babanjina, K. I. Šebeka, V. I. Prokurova, A. M. Rodionova, M. A. Kostin, N. P. Zhogolev, D. P. Kosnitsky, Yu. I. Gerasimov, N. M. Timofeev, E. E. Makeev, L. A. Kozmina, A. A. Obmanets, M. V. Kholmogorova, A. P. Zhogoleva, V. V. Medvedev i drugi članovi Umjetničke organizacije Primorskih i drugih bili su i jesu. Rusije.

S vremenom je organizacijski i kreativni rad Primorske organizacije umjetnika dostigao kvalitativno novi nivo: regionalne umjetničke izložbe postale su redovne, diplomci Vladivostokskog umjetničkog koledža su oživjeli umjetnički život. 1959. godine Primorska organizacija uselila se u novu zgradu na ulici. Aleutskaya, 14a.

Nova, svijetla faza započela je u životu Primorskog saveza umjetnika sredinom 1950-ih. Ovo su godine profesionalnog formiranja I. V. Rybachuka, K. I. Shebeko, K. P. Koval, N. A. Mazurenko, S. F. Arefina, V. N. Gerasimenko, T. M. Kushnareva, V. M. Medvedsky, V. M. Sviridov, B. F. Lobasa, A. V. Teleshov, itd. rada primorskih umjetnika pojavio se u časopisu "Khudozhnik". Opću karakteristiku ove decenije formulirao je V. I. Kandyba: „...to je prije period formiranja i akumulacije snage, ukorijenjenosti na primorskom tlu mladog rasta pionirskih umjetnika.” Uloga pionirskih umjetnika u umjetničkom razvoju dalekoistočne stvarnosti je velika.

Krajem 1950-ih postavljene su one karakteristike koje su omogućile da se primorska umjetnost nazove na kasnijim zonskim izložbama. Ovo je prevladavajuća uloga pejzaža, želja da se ovlada žanrom zapletno-tematske slike povezane s istorijom regije, prirodom rada u njoj (Primorski kraj je teritorija mornara, ribara, rudara), interes na temu sjevera, Čukotke, Kamčatke, Kurila.

I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko smatraju se otkrićima sjeverne teme ne samo na Dalekom istoku, već iu sovjetskoj umjetnosti. Izložba "Tri majstora" u salama Primorskog ogranka VTOO "Savez umjetnika Rusije" 2014. uz učešće I. V. Rybachuka i K. I. Shebeka omogućila je sagledavanje ovog materijala iz ugla modernog viziju teme u umjetnosti i još jednom cijeniti razmjere urađenog. Sjever je privukao V.M. Medvedskog, I.A. Ionchenkova, N. D. Volkova (Ussuriysk) i drugih umjetnika, potaknuvši ih na potragu za posebnim umjetničkim sredstvima za adekvatan odraz prirode i čovjeka Sjevera.

Još jedna ne manje značajna tema u umjetnosti primorskih umjetnika bila je tema Šikotana. Postavši predmetom najnovijih istraživanja u vezi s pažnjom na domaću umjetnost 1960-ih općenito, pokazalo se da je ova tema povezana s radom više od dvadesetak umjetnika Primorskog kraja i trajala je desetljećima, dajući poticaj na postojanje grupe Shikotan. Prvi period postojanja grupe povezan je sa imenima Y. I. Volkova, I. A. Kuznetsova, V. S. Racheva, E. N. Korzha. Istorija stvaranja grupe povezana je sa ličnošću O. N. Loshakova, nakon diplomiranja na Moskovskom umjetničkom institutu. V. I. Surikov, koji je došao u Vladivostok da predaje u umjetničkoj školi. Pejzaž, portret, zapletno-tematska slika - ovi su žanrovi utjelovljeni u desetinama platna, čiji je glavni sadržaj bio "priroda Dalekog istoka, zatim - osoba u jednostavnoj i snažnoj vezi s njom". U djelima Šikotana ostvaren je strogi stil - trend u umjetnosti 1960-ih, kratkotrajan, ali je, unatoč tome, utjecao na kasniji stav sovjetskih umjetnika do kraja 1980-ih. Grupne izložbe održane su u Vladivostoku u Moskvi.

O. N. Loshakov učestvuje na jesenjoj izložbi 2014. kao počasni gost.

Razdoblje 1960-ih, V. I. Kandyba i prestonički likovni kritičari, vezuju se za razvoj siže-tematskog slikarstva: „Drugu polovinu 1960-ih obilježio je događaj od velikog značaja za primorsko slikarstvo - formiranje situaciono-tematsko slikarstvo. Od rijetkog, ali uvijek rado viđenog gosta, postala je obavezan redovan na većini naših izložbi.

Akutni deficit za njega se očito smanjio.” V. I. Bochantsev, Y. I. Volkov, V. N. Doronin, N. P. Zhogolev, K. I. Shebeko, S. A. Litvinov i drugi su među „umjetnicima”. Heroj tog vremena „i pozitivno ocijenjen od strane kritičara, bio je portret. Najvažnija tema izložbe „Sovjetski daleki istok“, koja je otvorena 1965. godine u Vladivostoku, bila je priča o savremeniku: „mornari, kitolovci, ribari, graditelji, stočari irvasa – to su zlatna mesta neverovatnih karaktera“. I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, V. A. Gončarenko, V. N. Doronin, A. V. Teleshov, M. I. Tabolkin rade u ovom žanru. Ovaj period odlikuje želja za širokim pokrivanjem tema koje odražavaju sve aspekte života Primorja i Dalekog istoka. Uspjesi u ovoj oblasti vezani su za važne događaje u umjetničkom životu.

Godine 1962. organiziran je Dalekoistočni pedagoški institut za umjetnost sa muzičkim, pozorišnim i umjetničkim fakultetima (tako se zvao do 1992., od 1992. do 2000. godine - Dalekoistočni državni institut za umjetnost, od 2000. godine - Dalekoistočna državna akademija umjetnosti ). Ovaj korak nastao je zbog situacije sa osobljem u kreativnim organizacijama, koju je prvi rektor instituta G. V. Vasiliev u memorandumu ministru kulture RSFSR A. I. Popovu nazvao "katastrofalno lošim". V. A. Gončarenko, dekan instituta, a od 1973. do 1993. rektor, piše da su otvaranje univerziteta u Vladivostoku umetnici (uključujući) doživljavali kao „dar sudbine, neočekivanu, neočekivanu priliku. I, moram reći, svako je to iskoristio u najvećoj mogućoj mjeri. Od njih (učenici prve diplome - prim. autora) izašli su sjajni umjetnici i divni učitelji: Yu.I. Volkov, O. P. Grigoriev, I. A. Ionchenkov, D. P. Kosnitsky, P. J. Rogal, V. A. Snytko, Y. V. Sobchenko, V. N. Starovoitov, G. M. Tsaplin. Posebno izdvajam S. A. Litvinova, koji je odrastao u našoj akademiji, prvog profesora slikarstva na Dalekom istoku, potpuno i potpuno oblikovanog umjetničkim životom Primorja.”

Diplomci umjetničkih univerziteta u Lenjingradu i Moskvi, V. A. Gončarenko, K. I. Šebeko, V. I. Kandyba (umjetnički kritičar) došli su da predaju u novoformirani institut - Institut za slikarstvo, skulpturu i arhitekturu. I. E. Repina, V. N. Doronin, V. I. Bochantsev - Moskovski umjetnički institut. V. I. Surikov. Godine 1967., S. A. Litvinov i Y. V. Sobchenko, među diplomcima instituta prve diplome, stupili su na pedagoški put.

1977. N. P. Zhogolev (Institut za slikarstvo, skulpturu i arhitekturu po imenu I. E. Repin) postao je jedan od nastavnika. Njihov pedagoški i stvaralački rad, učešće na izložbama, kreativnost njihovih učenika učinili su umetnički život regiona „organskim, ravnopravnim, stvaralački originalnim delom sveruskog života“. Ne samo diplomci Umjetničkog fakulteta u Vladivostoku, već i škole Sibira i centralne Rusije (Irkutsk, Kemerovo, Blagoveshchensk, Novoaltaisk, Ivanovo, Ryazan, itd.) Počeli su da upisuju slikarski fakultet na Dalekoistočnom državnom institutu za umjetnost.

Drugi faktor koji je uticao na razvoj umetničkog života bila je organizacija zone Dalekog istoka.

Godine 1960. osnovan je Savez umjetnika Ruske Federacije. Godine 1960. u Moskvi je održana 1. republička izložba "Sovjetska Rusija", a prije nje su lokalne organizacije održavale zonske izložbe na kojima učestvuju svi članovi kreativnih timova. Ozbiljan rad izložbenih komisija doprinosi velikom profesionalnom povratku, a umetnici takođe dobijaju priliku da svoj rad povezuju sa radom umetnika sa drugih područja. Na osnovu rezultata zonskih izložbi, radovi su odabrani za sveruski nivo. Ovaj sistem je očuvan dugi niz godina, omogućavajući vam da uđete u opći umjetnički život zemlje, a ostao je i danas. Inače, Vladivostok je tri puta bio mjesto održavanja zonske izložbe - 1967., 1974. i 1985. godine.

Tradicije uspostavljene 1960-ih nastavile su se do kasnih 1980-ih. Samostalne izložbe primorskih umjetnika održavaju se u Moskvi, albumi reprodukcija K. I. Shebeko i K. P. Koval objavljeni su u seriji "Umjetnici Ruske Federacije". Uspjesi primorskih umjetnika nisu samo u slikarstvu, već i u štafelajnoj i knjižnoj grafici, plakatskoj umjetnosti (najznačajniji umjetnik u ovom pravcu bio je E. I. Datsko, koji na ovoj izložbi sudjeluje kao počasni gost), skulpturi, umjetnosti i zanatstvo i monumentalna umjetnost.

Dakle, za Dalekoistočnu izdavačku kuću, izdavačku kuću Dalekoistočnog državnog univerziteta, Izdavačku kuću Dalnauka, grupu umjetnika koji su dali izuzetan doprinos razvoju grafike knjiga na Primorskom teritoriju, V. S. Chebotarev, S. M. Čerkasov, F. G. Zinatulin, E. I. Petrovsky, V. I. Voroncov, V. G. Ubiraev, S. V. Gorbach i dr. „Umjetnički fakultet je postao isključivo slikarski fakultet“, obuku iz oblasti grafike pružala je Umetnička škola Vladivostok. Ovdje je od 1960. godine V. S. Chebotarev, koji je diplomirao na Institutu za slikarstvo, skulpturu i arhitekturu po imenu V.S. I. E. Repin (radionica A. F. Pakhomova, smjer grafičar). V. S. Chebotarev učestvuje na izložbama sa grafičkim radovima. Radi za izdavače knjiga Dalekog istoka. Uspon primorske grafike, koji se vezuje za ime umjetnika, znači da su mnogi njegovi diplomci počeli raditi u ovoj oblasti umjetnosti.

Godine 1978. u Primorskoj organizaciji pojavio se odjel za umjetnost i zanat, koji je okupio umjetnike iz Vladivostoka, Artema, Nahodke, sela. Kavalerovo. U vezi s otvaranjem tvornice tepiha i tvornice porculana u Artjomu, tvornice suvenira i tvornice porculana u Vladivostoku, tvornice umjetničke keramike u Spask-Dalniju, u Primorski kraj stigli su mladi, kreativno aktivni umjetnici, koji su diplomirali na Moskovskom Viša škola industrijske umetnosti, Odeska umetnička škola. M. Grekova, Lenjingradska viša škola industrijske umetnosti, Moskovski tehnološki institut, Lenjingradska viša škola industrijske umetnosti. V. Mukhina, Irkutska škola umjetnosti.

Na izložbama umjetničkih zanata umjetnici sekcije izlagali su umjetnički tekstil (tapiserija, batik, makrame), porcelan, keramiku, ukrasne predmete od metala, drveta, kamena sa dalekoistočnim motivima. Tokom godina, sekcija je uključivala A. V. Katsuk, P. F. Fedotov, A. S. Pesegov, O. P. Grigoriev, O. G. i A. G. Kalyuzhny, A. P. Onufrienko, V. F. . Kosenko, V. K. Zakharenko (Nahodka), T. G. Matyukhina (Artem), T. G. Limonenko, G. M. Maksimyuk, G. G. Dobrinina, T. M. Suslova i dr. E. V. Barsegov, N. M. Shaymordanova, V. G. Nenazhivin.

U publikacijama posvećenim Primorskoj organizaciji Saveza umjetnika Rusije, primjećuju ravnotežu različitih žanrova slikarstva, u velikom broju djela grafike, skulpture, umjetnosti i zanata i monumentalne umjetnosti. Primorski umjetnici su autori dobrog nivoa štafelajnih radova, aktivno učestvuju na regionalnim, republičkim, sveruskim izložbama, doprinose formiranju imidža grada (mozaički paneli, umjetničke forme u različitim dijelovima grada, uređenje enterijera i fasada javnih zgrada). U cjelini, 1960-80-e se mogu smatrati periodom formiranja višestruke primorske umjetnosti sa svojim licem.

Devedesetih godina, promjene koje su se dogodile u društveno-političkom životu zemlje odražavaju se i na umjetnički život. Glavna teza ovog vremena, umjetnici koji su u umjetnost došli krajem osamdesetih, formulisali su u knjižici izložbe “Generacija 80-ih”: “Generacija 80-ih imala je vrijeme u kojem su, kao pioniri, bili dozvoljeno stvarati mimo svake ideologije, samostalno... Potpuna sloboda izražavanja, na koju se, međutim, još treba naviknuti. Generacija koja je stasala u jednom vremenu, a mora da živi u drugom je najteža. Ovdje opstaju najjači, odnosno opsjednuti, za koje je slikarstvo život. Osnovni problem je, s jedne strane, traženje mogućnosti kroz umjetnost da se izrazi problematična vizija modernog života, s druge strane, želja za individualnošću, koja određuje mjesto umjetnika u općem nizu. U ovom periodu posebnu ulogu imaju mladi umjetnici. Njihove izložbe ukazuju na „postojanje dijametralno suprotnih tendencija i pravaca u umetnosti, nespojivost stavova i ukusa, međusobno isključivi pristupi prikazivanju ličnosti. Paleta estetskih traganja mladih slikara… postala je složenija,… nekoliko načina tumačenja stvarnosti istovremeno pretenduje da budu vodeći – od bezuslovnog otkrivanja prirode i direktnih iskaza o svetu do alegorijskih slika i simboličkih konstrukcija, kao i kao čitav konglomerat tehnika pozajmljenih iz tehničkog arsenala modernog modernizma.” Ovu tezu otkrivaju izložbe kreativnih grupa Vladivostok, Štil, Lik, čija aktivnost pada na kraj 1980-ih i početak 1990-ih.

Jednom od značajnih izložbi ovog vremena može se smatrati 2. izložba mladih umjetnika Dalekog istoka "Teritorija nade" (1995, Vladivostok). Analizirajući predstavljeni materijal, V. I. Kandyba piše: „Sada bolno pričamo o teškoćama života umjetnika u Rusiji. Ali kako bih volio da uprkos njima, uprkos svemu, naš Daleki istok postane blagoslovena teritorija nade za kreativnost. Baš kao što je i ova izložba za nas, zrači svjetlošću mladosti i nade.” Šta motiviše jednog od vodećih likovnih kritičara Dalekog istoka da gleda u budućnost sa optimizmom? Uz opću prognozu, on bilježi radove L. A. Kozmine, I. G. i O. G. Nenazhivine, E. A. Tkachenko, A. G. Filatova, I. I. Butusova i drugi, iako ih smatraju nedostupnima svima, ali primjećuju rad sa formom i bojom, značenjima i asocijacijama. Sa stanovišta današnjih umjetnika, čija imena je u svom članku prozvao V. I. Kandyba, odgovorili su na izazove vremena, njihov rad je bezuvjetna potvrda toga.

Ali 1990-ih, ovi izazovi su postali akutni. Problem novih formi, koje postavlja tehnološki napredak, bio je aktuelan: u umjetničkom životu nastaje stvarna umjetnost, a ne povezana s tradicionalnim umijećem umjetnika. Kriza je nastupila i na polju likovne kritike, koja je ranije analizirala i uopštavala fenomene umetničkog života, a u novim uslovima počela da liči na umetničko novinarstvo, iako doprinosi stvaranju slike dana, ali nije sposobno da reflektuje situaciju u cjelini.

Ako govorimo o kreativnom sindikatu kao ekonomskom organizmu, kardinalne promjene su utjecale i na ovu sferu života: umjetnički fond, kao oblik organiziranja zaposlenja umjetnika, prestaje postojati na Primorskom teritoriju. Naravno, 1990-e se mogu nazvati kriznim periodom za umjetnost regiona.

Istovremeno, život nas potiče da tražimo nove oblike odnosa sa društvom. 1992. Vladivostok gubi status zatvorenog lučkog grada, postaju mogući i razvijaju se kontakti sa umjetnicima iz drugih zemalja. Stanovnici Primorja počinju da učestvuju u velikim umetničkim događajima u azijsko-pacifičkoj regiji i ulaze na tržište umetnosti. Pojavile su se nedržavne galerije "Artetage" (osnivač i direktor A. I. Gorodniy), "Arka" (osnivač i direktor V. E. Glazkova). Zahvaljujući njima formira se primarno razumijevanje figure kustosa, koji izlaže ideju izložbe u skladu sa vlastitom vizijom umjetničkog procesa, teme i osigurava njihovu realizaciju. Treba napomenuti napore A. I. Gorodnyja u formiranju kolektivnih izložbi s velikim brojem učesnika, članova Unije umjetnika, dajući presjek jednog ili drugog umjetničkog fenomena: "110 autoportreta", "Dječje portret", "Vladivostok: pejzaži i lica", "Umjetnici u Andreevki" i dr. Iskustvo rada na ovim lokacijama, koje je omogućilo upoznavanje sa umetnošću umetnika iz drugih regiona Rusije i inostranstva, koji predstavljaju savremenu umetnost , fotografija, svakako treba dublje istraživanje i generalizaciju. U ovom članku napominjemo sljedeće: i Muzej Artetage i Galerija Arka su radili i rade sa umjetnicima koji su članovi Saveza umjetnika Rusije. "Artetage" je stalni partner Primorskog ogranka u održavanju velikih izložbi (Primorska organizacija VTOO "Savez umjetnika Rusije": 70 godina, "Dalekoistočna državna akademija umjetnosti: 50 godina", "Umjetnici do flota" itd.)

Do 2000-ih, moderna slika umjetničkog života se uobličavala. Članovi kreativnog sindikata aktivno učestvuju na izložbama različitih nivoa u Rusiji i inostranstvu, na najvećim sajmovima umetnosti u azijsko-pacifičkom regionu (KIAF, Guangzhou Art Fair, itd.). Velike umetničke izložbe sa učešćem umetnika iz Vladivostoka održane su u okviru samita APEC-2012, Vladivostočkog bijenala vizuelnih umetnosti itd. Umetnici postaju pokretači različitih akcija. Među najznačajnijim je serijal umjetničkih krstarenja koje je S. D. Gorbačov organizirao na Allegro jahti sredinom 1990-ih.

Ideja o stvaranju 2001. pokreta "Kuća Prishvina" (na čelu sa zaslužnim umjetnikom Ruske Federacije V. I. Oleinikovom), koji je okupio pisce, umjetnike, lokalne istoričare u vezi sa kreativnim promišljanjem boravka M. Prishvina u Primorju , doveo je ne samo do niza izložbi, već i do niza kreativnih susreta u bibliotekama Primorskog kraja.

Godine 2006. V. F. Kosenko, A. P. Onufrienko i niz drugih umjetnika, dizajnera i arhitekata došli su na ideju projekta Harmonija okoliša, koji je uključivao niz izložbi. Najupečatljivija od njih bila je izložba "Grad, more, vjetar, jedro" (tempirano je da se poklopi s rođendanom Vladivostoka). Predstavljeni su monumentalna umjetnost, slikarstvo, grafika, umjetnost i obrt, arhitektonski i dizajnerski projekti. Ideja izložbe je da odredi mjesto umjetnika u urbanoj sredini. Do formiranja izložbe već je postojalo pozitivno iskustvo restauracije željezničke stanice i Cesarevičevog luka u Vladivostoku od strane članova Primorske organizacije Saveza umjetnika Rusije. Projekat je pratila serija publikacija u periodici, koja govori o pokušajima ne samo stvaranja stvarnog umjetničkog proizvoda, već i formiranja javnog mnijenja (ova ideja je nastavljena iu sadašnjoj fazi: u rujnu 2014. Alliance Francaise Vladivostok je predstavio edukativni projekat „Savremena umetnost u gradskoj arhitekturi“, koji je izazvao veliko oduševljenje kod studenata koji studiraju arhitekturu i dizajn). U određenom smislu, 2006. godine primorski umjetnici su bili ispred svog vremena. A 2013. godine nastavak projekta bio je dizajn kina Vladivostok sa serijom keramičkih panela G.G. Dobrinina i V.F. Kosenko.

Još jedna zanimljiva inicijativa je stvaranje neprofitne Fondacije za vizuelne umetnosti „MOST“ 2009. godine, čiji su autori bili A. L. Arsenenko i V. N. Starovoitov. Glavnom djelatnošću organizatori su nazvali djelatnost u oblasti umjetnosti. Jedna od akcija fonda "Darovi maga" je dobrotvorna izložba radova primorskih umjetnika u muzejsko-izložbenom kompleksu P.I. V. K. Arseniev na ulici. Petra Velikog, 6 - prema planu organizatora, izvršeno je za naknadni transfer sredstava od prodaje slika kako bi se u muzeju stvorio odgovarajući prostor za osobe s invaliditetom.

Ovi primjeri ukazuju da je u sadašnjoj fazi polje umjetnikovog stvaralačkog traganja prošireno.

Dalekoistočna državna akademija umjetnosti također proširuje svoj uobičajeni obim aktivnosti. Do 2009. godine formiran je novi nastavni kadar na Odsjeku za slikarstvo. Renovirani odjel izjašnjava se izložbom u holovima Primorske državne umjetničke galerije "Oslikano", što je samo po sebi izvanredan korak. U uvodnom članku kataloga izložbe V. I. Kandyba piše da za skoro pola veka postojanja akademije nije bilo ideje za kolektivnu izložbu nastavnika fakulteta. Izložba je bila prekretnica, označavajući smjenu generacija ne samo u radionicama, već iu učionicama Akademije, gdje su 2009. I. I. Butusov, A. V. Glinshchikov, A. A. Enin, E. E. Makeev, V. V. Medvedev, I. B. Obuhov, N. A. Popovich , koji „postajući članovi jedinstvenog tima, umjetnici i nastavnici u jednoj osobi, zajedno oličavaju i kreativni potencijal fakulteta i glavni put njegovog razvoja u budućnosti“.

2009. godine po prvi put je na inicijativu Dalekoistočne državne akademije umetnosti održan međunarodni konkurs za mlade umetnike „ArtVladivostok“, koji je završen izložbom na osnovu rezultata. Izložbe u salama Primorskog ogranka VTOO "Saveza umetnika Rusije" i Primorske državne umetničke galerije po rezultatima plenera i 2. i 3. konkursa "ArtVladivostok" postaju godišnje. Na listi izložbi i umjetničkih događaja, mladi umjetnici, nedavno diplomirani diplomci akademije, navode plenere u Sankt Peterburgu, Firenci, učešće na sveruskim umjetničkim manifestacijama (izložba "Sjajno je!" u Muzeju Artetage u pripremi za Olimpijske igre 2014.).

U periodu rada kao predsjedavajući A. A. Pyrkova, naporima dekana slikarskog fakulteta N. A. Popovića, formirana je omladinska sekcija Primorskog ogranka VTOO "Savez umjetnika Rusije".

Trenutno, Primorski ogranak Saveza umetnika Rusije VTOO ima 124 osobe, uključujući kritičare umetnosti: doktor istorije umetnosti V. M. Markov, kandidat istorije umetnosti O. I. Zotova, zaslužni radnik kulture Ruske Federacije L. I. Varlamova, zaslužni radnik kulture Ruske Federacije N. A. Levdanskaya. Član Saveza umjetnika je i direktor muzeja "Artetazh" A. I. Gorodniy.

Do 2003. godine podružnica Nakhodka (danas N GRADSKA PODRUŽNICA AKHODKA VTOO "SAVEZ RUSKIH UMETNIKA"). Grupa umjetnika Nakhodka osnovana je 1980. godine na inicijativu čelnika grada Nakhodka. Pozvani su i stambeno zbrinuti diplomci umjetničkih univerziteta u zemlji: V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko - diplomci Moskovske Više škole industrijske umjetnosti, V. E. Ezhkov - diplomac Instituta za slikarstvo, skulpturu i arhitekturu. I.E. Repina, Y. A. Reznichenko, N. P. Saunin su diplomci Dalekoistočnog instituta umjetnosti. Godine 1982. pozvan je član Saveza umjetnika SSSR-a, laureat Primorskog komsomola V. P. Lakhansky. Od 1982. izabran je za člana odbora Primorske organizacije i vodio je kreativnu grupu Nakhodka. U isto vrijeme u gradu su radili umjetnici N. M. Kublov, V. P. Vodnev, V. A. Gorban, V. P. Popov, Y. I. Tukhov, G. A. Omelchenko i drugi koji rade još osamdesetih godina. Izjasnila se Olga P. Kozich (diplomac Dalekoistočnog instituta za umjetnost). Kozichevu grafiku odlikuje preciznost kompozicionog rješenja, pouzdan uzorak i složena shema boja. Veliki doprinos umjetnosti grafike dali su V. P. Bykov (u sovjetsko vrijeme umjetnici su puno putovali po Čukotki, snimajući sjever u nizu grafičkih listova) i F. F. Konyuhov. Rad G. A. Omelčenka povezan je sa Nahodkom. Na 1. zonskoj izložbi "Sovjetski daleki istok" umjetnik je učestvovao u grafičkim serijama "Ribarske nedjelje" i "Dalekoistočne granice", ali se potom u potpunosti posvetio slikarstvu. Otkriće je postalo jedna od glavnih tema slikara plakata V. A. Gorbana. Značajan fenomen bio je rad pejzažnog slikara N. P. Saunina. Od 1964. N. M. Kublov je živio i radio u Nahodki, glavna tema njegovih radova bila je tema ljubavi prema maloj domovini, oličena u platnima bogatih boja. Od 1983. vajar E. K. Sambursky živi i radi u Nahodki (završio je umjetničku školu Frunze, radionicu N. I. Ladyagina). Godine 1987. diplomci Dalekoistočnog instituta umjetnosti V. K. i N. S. Usov pozvani su u Nahodku.

Osamdesete su bile kreativno razdoblje. Jezgro grupe - mladi umjetnici i članovi Unije umjetnika V. P. Lakhansky i G. A. Omelchenko, aktivno su radili u slikarstvu, grafici, umjetnosti i zanatima. Godišnje gradske izložbe (od 1980. do danas) - u holovima Muzejsko-izložbenog centra, na kojima učestvuju umjetnici različitih generacija, privlače pažnju stanovnika grada. Također, umjetnici učestvuju na regionalnim, zonskim, republičkim i svesaveznim izložbama, uspostavljaju međunarodne odnose. Tako su V. P. Lakhansky, V. V. Zakharenko, V. P. Bykov postali učesnici međunarodnog projekta u gradu Otaru (Japan), G. A. Omelchenko, V. P. Lakhansky, V. P. Bykov su bili učesnici izložbe u gradu Maizuru (Japan), razmjene izložbe su bile održana između umjetnika grada Nakhodka i umjetnika gradova Maizuru i Otaru (Japan). Ostvaruju se kreativna putovanja u akademske dače Saveza umjetnika, održavaju se pleneri, organiziraju susreti umjetnika i gledatelja, sastanci sa učenicima umjetničkih škola grada, održavaju se takmičenja. Umjetnici V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko, V. P. Bykov, F. F. Konyuhov, N. P. Saunin, Y. A. Reznichenko, V. E. Ezhkov, O. P. Kozich, V. K. Usov, N. S. Usova. Zahvaljujući rukovodstvu grada, gotovo svim članovima Unije umjetnika omogućene su kreativne radionice.

Devedesete su se pokazale istom krizom za umjetnike Nakhodke kao i za druge. Zbog teritorijalne udaljenosti grada Nahodke od Vladivostoka (180 km) i sastava članova Saveza umjetnika grada Nahodke, više od 10 ljudi, na inicijativu Konstantina R. Avarskog, donesena je odluka napravljen za stvaranje ogranka Unije umjetnika Nakhodka. Registracija od strane Ureda pravde za Primorski teritorij obavljena je u junu 2003.

Do 1990. Primorska organizacija je uključivala Ussuri ogranak Saveza umjetnika Rusije (danas U GRADSKA ORGANIZACIJA SSURI VTOO "SAVEZ RUSKIH UMETNIKA"). Ussuriysk je drugi umjetnički centar Primorskog kraja. Umjetnička tradicija ovdje je uspostavljena 1940-ih godina. Ussuri organizacija VTOO "Savez umjetnika Rusije" formirana je 20. juna 1943. kao ogranak Primorske organizacije Saveza umjetnika Rusije. Organizacija je 12. marta 1944. otvorila prvu izložbu usurskih umjetnika.

Važnu ulogu u stvaranju kreativne grupe ussijskih umjetnika odigrao je Studio vojnih umjetnika, koji su u januaru 1940. godine osnovali diplomci Akademije umjetnosti u Sankt Peterburgu, braća Fridman - Ovsey Isakovich, umjetnički direktor ateljea vojnih umetnika, nastavnik odseka bojnog slikarstva na Akademiji umetnosti i Rafail Isakovič, direktor ateljea i umetničke radionice. Za atelje i rad umjetnika u Ussuriysku izgrađena je posebna zgrada na ulici. Volodarsky, 42. Tokom ratnih godina, studio u kući oficira režirao je A. N. Romashkin.

Pedesetih godina prošlog stoljeća počele su s radom umjetničke i produkcijske radionice. Ussuri organizacija nije bila brojna: 10-15 ljudi činilo je njeno kreativno jezgro. Život male organizacije uvijek ima svoje pozitivne i negativne strane. U ovoj situaciji, bilo je pozitivno da kompaktan tim može biti zarobljen idejom jedne osobe - lidera. U 1950-im, S. F. Arefin, koji je počeo da učestvuje na regionalnim izložbama počevši od 1940-ih, smatran je vođom. S. F. Arefin je odrastao u Ussurijsku, tokom Velikog domovinskog rata služio je u štabu Dalekoistočnog okruga, gdje je završio kurseve za vojne umjetnike. Vrativši se u Ussuriysk, pridružio se Uniji umjetnika, aktivno se bavio ne samo kreativnim radom, već i društvenim radom u organizaciji. Godine 1966. umjetnik se preselio u Vladivostok i praktički napustio štafelajno slikarstvo dugi niz godina, postajući pozorišni umjetnik.

Bez sumnje, K. P. Koval je igrao vodeću ulogu u kreativnom razvoju. Njegovi radovi su se pojavljivali na svesaveznim i republičkim izložbama kasnih 1950-ih. Diplomirao je na Studiju vojnih umjetnika u Ussurijsku, smatrao je glavnom školom za sebe Akademsku daču nazvanu po. I. E. Repina. Zahvaljujući kreativnim posetama akademiku K. P. Koval je bio poznat u Moskvi i nazvan je „Koval iz Ussurija“. Bio je divan učitelj, nastavljajući tradiciju studijskog obrazovanja u Ussurijsku, i na neki način nastavio pedagošku liniju V. V. Bezrodnog u zemlji Ussuri. Učenike njegovog studija zvali su "kotači". K. P. Koval je sav svoj velikodušni, snažan talenat posvetio primorskom pejzažu, čije je zasluge zabilježio majstor pejzaža A.A. Gritsai. Prirodni talenat, veliki kapacitet za rad omogućili su K. P. Kovalu da postane visokoprofesionalan umjetnik, osoba sa „kreativnim početkom“. Zahvaljujući njemu, definicija "Ussuri škole slikarstva" pojavila se na izložbama u regiji Dalekog istoka i sve-ruskoj. Zadivljujuća snaga njegovog talenta okupila je i inspirisala umjetnike Ussuri. Urednik gradskih novina Ussuriysk M. Dubranov o tome piše: „Postoje ljudi kojima je sudbina predodređena da ostave rok u ljudskoj istoriji. Iz ... povijesti Ussuriyska, umjetnik Kim Petrovich Koval može se pripisati takvim ljudima bez ikakvog preterivanja.

Tokom 1940-ih, S. F. Arefin, G. K. Aslanov, Yu. Od 1950-1970-ih godina pridružili su im se i postali članovi Saveza umjetnika Rusije N. P. Borisov, B. A. Vyalkov, K. P. Koval, V. M. Medvedsky, N. I. Gritsuk, P. I. German, A. V. Tkachenko, B. N. Loshkarev, V. N. Loshkarev, V. V. A. Serov, G. G. Lagerev, A. A. Usenko, 1980-ih godina - Yu P. Galyutin, O. K. Nikitchik, I. T. Nikitchik, A. V. Pikhtovnikov. Devedesetih godina u organizaciju su se pridružili novi članovi: Y. P. Larionov, M. R. Pikhtovnikova, E. A. Pikhtovnikov, N. N. Kazantsev, S. V. Gorbach, M. P. Sobolevsky.

Dana 18. marta 1985. otvorena je zgrada Doma umjetnika izgrađena naporima usurijskih umjetnika. A.V. Pikhtovnikov, koji je vodio komisiju za kulturu u gradskom vijeću poslanika. Za doprinos razvoju umjetnosti Rusije i Dalekog istoka, umjetnici organizacije dobili su titulu zaslužnog umjetnika Ruske Federacije i počasnog umjetnika Ruske Federacije (K. P. Koval), zaslužnog umjetnika Ruske Federacije (A. V. Tkačenko, V. A. Serov, N. D. Volkov, O. K. Nikitčik, I. I. Dunkai).

Tema Kreativne dače u Andreevki usko je povezana s organizacijom Ussuri. Andreevka, koju u umjetničkom okruženju nazivaju "dača umjetnika", pokazala se iznenađujuće atraktivnim mjestom ne samo za rekreaciju i ribolov. Ovdje, na zemljištu Khasansky okruga Primorye, nastavljene su tradicije kuća kreativnosti centralnog pojasa Rusije. Jedna od njih je Academic Dacha. I. E. Repin u Vyshny Volocheku služio je i kao mjesto komunikacije i mjesto učenja za stanovnike Primorja, gdje su i ugledni umjetnici Moskve, Lenjingrada i drugih gradova Sovjetskog Saveza, kao i oni koji su još morali postati majstori, bili učesnici u kreativne trke.

Primortsy je asfaltirao trajni put do Višnjeg Voločeka. U iskonskim ruskim zemljama, u bliskom kontaktu sa poznatim umetnicima šezdesetih godina A. A. Gritsai, V. N. Gavrilov, A. D. Romanychev, A. P. i S. P. Tkačov, došlo je do shvatanja dubine umetnikove profesije. Svako u svom kreativnom prtljagu ima skicu iz Akademije, gde se, inače, nalazi i danas, uprkos radikalno izmenjenim okolnostima umetničkog života.

Sedamdesetih godina prošlog veka, nakon niza dugih putovanja, odlučeno je da naprave sopstvenu kreativnu daču: „nekoliko primorskih slikara K. Koval, A. Tkačenko, A. Telešov, V. Prokurov, V. Medvedski su prvi put došli u Andreevku. Andreevka je malo selo na jugu Primorja u okrugu Khasansky, smješteno na obali zaljeva Troitsa Japanskog mora. Mjesto je nevjerovatno lijepo. Ovdje je sada kreativna dacha "Andreevka". Sadrži Ussuri organizaciju Saveza umjetnika Rusije. Umjetnici sa Dalekog istoka - Primorja, Habarovska, Blagovješčenska - dolaze ovdje da rade i opuštaju se, a u dobrim vremenima dolazili su umjetnici iz Moskve, Lenjingrada, baltičkih država i centralne Rusije ", piše R. P. Kosheleva, referent Saveza umjetnika Rusija VTOO. Urednik novina našao je mjesto za publikaciju o Andreevki na stranici sa naslovom "U kućama kreativnosti" pored materijala o Akademskoj dači u Višnjem Voločeku, što nije slučajno. Andreevka je bila mesto inspiracije i rada desetina umetnika različitih generacija i ujedno svojevrsna spona sa centrom Rusije.

1990. godine, sa osobljem od 10 ljudi, podružnica Ussuri se odvojila od podružnice Primorsky i stekla status samostalne organizacije.

Danas Primorski ogranak, gradske organizacije grada Nakhodka i Ussuriysk VTOO "Savez umjetnika Rusije" blisko sarađuju u organizaciji umjetničkih izložbi i plenera u Rusiji i inostranstvu.

Olga ZOTOVA

član VTOO "Saveza umetnika Rusije",

izvršni sekretar Primorskog ogranka

VTOO "Savez umjetnika Rusije",

doktor istorije umetnosti,

Vanredni profesor, Fakultet humanističkih nauka FEFU

© PRILIKOM KOPIRANJA I CITANJA MATERIJALA SA SAJTA,

Trenutno postoji dvanaest kreativnih organizacija umjetnika na Dalekom istoku: Primorski ogranak VTOO "Savez umjetnika Rusije" je drugi po veličini.

Djelatnost organizacije usko je povezana s istorijom likovne umjetnosti ne samo Primorja i Dalekog istoka, već i cijele Rusije.