Ko je izmislio pozorište. Šta je pozorište

Istorija ruskog pozorišta podijeljena je na nekoliko glavnih faza. Početna, razigrana etapa nastaje u plemenskom društvu i završava se do 17. veka, kada, uz novi period u ruskoj istoriji, počinje nova, zrelija faza u razvoju pozorišta, koja kulminira uspostavljanjem trajne države. profesionalno pozorište 1756.

Pojmovi „pozorište“, „drama“ ušli su u ruski rečnik tek u 18. veku. Krajem 17. vijeka koristio se izraz "komedija", a tokom cijelog vijeka - "zabava" (Zabavni ormar, Zabavna komora). U narodnim masama, terminu "pozorište" prethodio je izraz "sramota", izraz "drama" - "igra", "igra". U ruskom srednjem vijeku, definicije koje su bile sinonim za njih bile su uobičajene - "demonske" ili "sotonske", igre bufa. Zabavom su se nazivali i razne zanimljivosti koje su stranci donosili u 16.-17. veku, a vatromet. Zabavom su nazivana i vojna zanimanja mladog cara Petra I. U tom smislu, i vjenčanje i oblačenje zvali su se "igra", "igra". „Igra” ima sasvim drugačije značenje u odnosu na muzičke instrumente: sviranje tambura, šmrkanje i sl. Izrazi „igra” i „svira” u odnosu na usmenu dramu očuvali su se u narodu sve do 19.-20. veka.

Narodna umjetnost

Rusko pozorište nastalo je u antičko doba. Njegovo porijeklo ide u narodnu umjetnost - rituale, praznike povezane s radnom aktivnošću. S vremenom su obredi izgubili svoje magično značenje i pretvorili se u izvedbene igre. U njima su se rodili elementi pozorišta - dramska radnja, maskiranje, dijalog. U budućnosti su se najjednostavnije igre pretvorile u narodne drame; nastali su u procesu kolektivnog stvaralaštva i čuvani u pamćenju ljudi, prenoseći se s generacije na generaciju.

U procesu razvoja igre su se diferencirali, raspadali na srodne i istovremeno sve udaljenije varijante - na drame, rituale, igre. Zbližila ih je samo činjenica da su svi odražavali stvarnost i koristili slične metode izražavanja - dijalog, pjesmu, ples, muziku, maskiranje, prerušavanje, glumu.

Igre su usađivale ukus za dramsku kreativnost.

Igre su prvobitno bile direktan odraz organizacije plemenske zajednice: imale su okrugli ples, horski karakter. U igrama s kolom, organski je spojeno horsko i dramsko stvaralaštvo. Pjesme i dijalozi, obilno uključeni u igre, pomogli su da se okarakteriziraju razigrane slike. Masovne komemoracije imale su i razigran karakter, bile su tempirane da se poklope s proljećem i nazivane su „sirenama“. U XV veku sadržaj koncepta "Rusalije" definisan je na sledeći način: demoni u ljudskom obliku. A moskovski „Azbukovnik“ iz 1694. godine već definiše sirene kao „igre bufana“.

Pozorišna umjetnost naroda naše domovine nastaje u obredima i igrama, obrednim radnjama. U feudalizmu su pozorišnu umjetnost kultivisale, s jedne strane, "narodne mase", as druge, feudalno plemstvo, pa su se shodno tome razlikovali i luđaci.

Velika kneginja Olga se 957. godine upoznala sa pozorištem u Carigradu. Predstave na hipodromu prikazane su na freskama kijevske Sofijske katedrale iz poslednje trećine 11. veka. Godine 1068. u analima se prvi put pominju bufoni.

U Kijevskoj Rusiji bila su poznata tri tipa pozorišta: dvorsko, crkveno, narodno.

buffoonery

Najstarije "pozorište" bile su igre narodnih glumaca - buffona. Stidljivost je kompleksan fenomen. Buffonovi su smatrani nekom vrstom mađioničara, ali to je pogrešno, jer buffonovi, sudjelujući u ritualima, ne samo da nisu pojačavali njihov vjerski i magijski karakter, već su, naprotiv, unosili svjetovne, sekularne sadržaje.

Bilo ko je mogao da folira, odnosno peva, igra, šali se, glumi skečeve, svira muzičke instrumente i glumi, odnosno portretiše neku osobu ili stvorenje, svako je mogao. Ali samo onaj čija se umjetnost svojom umjetnošću izdvajala iznad razine umjetnosti mase postao je i nazivan zanatlija.

Paralelno s narodnim pozorištem razvijala se i profesionalna pozorišna umjetnost, čiji su nosioci u Drevnoj Rusiji bili bufani. Pojava lutkarskog pozorišta u Rusiji povezana je sa igrama lutaka. Prvi podaci kronike o bufonima vremenski se poklapaju s pojavom fresaka na zidovima kijevske Sofijske katedrale koje prikazuju predstave bufona. Monah hroničar naziva buffone slugama đavola, a umetnik koji je oslikao zidove katedrale našao je mogućim da uz ikone unese njihov lik u crkvene ukrase. Buffonovi su se povezivali sa masom, a jedna od vrsta njihove umjetnosti bila je "žvaka", odnosno satira. Skomorohove nazivaju "budalama", odnosno rugačima. Glumost, ruganje, satira i dalje će biti čvrsto povezani sa glupanima.

Sekularna umjetnost glupana bila je neprijateljska prema crkvi i klerikalnoj ideologiji. O mržnji koju su crkvenjaci gajili prema umijeću lutalica svjedoče zapisi hroničara („Priča o prošlim godinama“). Crkvena učenja 11.-12. stoljeća proglašavaju da je prerušavanje, kojem pribjegavaju buffanovi, također grijeh. Naročito snažnom progonu buffoni su bili izloženi u godinama tatarskog jarma, kada je crkva počela intenzivno propovijedati asketski način života. Nijedan progon nije iskorijenio umjetnost buffona među ljudima. Naprotiv, uspješno se razvijao, a njegov satirični ubod postajao je sve oštriji.

U Drevnoj Rusiji bili su poznati zanati vezani za umjetnost: ikonopisci, draguljari, rezbari drveta i kostiju i prepisivači knjiga. U njihov broj spadali su i bufani koji su bili "lukavi", "majstori" pevanja, muzike, plesa, poezije, drame. Ali smatrali su ih samo zabavnim, smiješnim ljudima. Njihova umjetnost bila je ideološki povezana sa narodnim masama, sa zanatskim narodom, obično suprotstavljenim vladajućim masama. To je njihovu vještinu učinilo ne samo beskorisnom, već, sa stanovišta feudalaca i klera, ideološki štetnom i opasnom. Predstavnici hrišćanske crkve su pored mudraca i gatara stavljali bufane. U ritualima i igrama još uvijek nema podjele na izvođače i gledaoce; nedostaju im razvijeni zapleti, reinkarnacija u sliku. Pojavljuju se u narodnoj drami prožetoj oštrim društvenim motivima. Pojava kockastih pozorišta usmene tradicije povezana je sa narodnom dramom. Glumci ovih narodnih pozorišta (buffoons) ismijavali su vlastodršce, sveštenstvo, bogataše, simpatično prikazivali obične ljude. Predstave narodnog pozorišta izgrađene su na improvizaciji, uključivale su pantomimu, muziku, pjevanje, ples, crkvene brojeve; izvođači su koristili maske, šminku, kostime, rekvizite.

Priroda izvođenja glupana u početku nije zahtijevala da budu kombinirani u velike grupe. Za izvođenje bajki, epova, pjesama, sviranje instrumenta bio je dovoljan samo jedan izvođač. Buffonovi napuštaju svoje domove i lutaju ruskom zemljom u potrazi za poslom, sele se iz sela u gradove, gdje služe ne samo seoskim, već i gradskim, a ponekad i kneževskim dvorovima.

Bubune su privlačile i narodne dvorske predstave, koje su se umnožavale pod uticajem upoznavanja Vizantije i njenog dvorskog života. Kada su na moskovskom dvoru uređeni Zabavni ormar (1571.) i Zabavna komora (1613.), tamo su se luđaci našli u položaju dvorskih šaljivdžija.

Predstave lutalica ujedinile su različite vrste umjetnosti: kako vlastite dramske umjetnosti, tako i crkvene i „estradne“.

Kršćanska crkva je suprotstavljala narodne igre i umjetnost buffona s ritualnom umjetnošću, zasićenom religijskim i mističnim elementima.

Predstave glupana nisu se razvile u profesionalno pozorište. Nije bilo uslova za rađanje pozorišnih trupa - uostalom, vlast je progonila budale. Crkva je proganjala i lutalice, obraćajući se za pomoć sekularnim vlastima. Protiv glupana je poslata povelja Trojice-Sergijevog manastira iz XV veka, Statutarna povelja s početka XVI veka. Crkva je uporno stavljala lutalice u rang sa nosiocima paganskog pogleda na svijet (mađioničari, vračari). Pa ipak, ludačke predstave su nastavile da žive, narodno pozorište se razvijalo.

Istovremeno, crkva je preduzela sve mere da potvrdi svoj uticaj. To je našlo izraza u razvoju liturgijske drame. Neke liturgijske drame došle su do nas zajedno sa hrišćanstvom, druge u 15. veku, uz novousvojenu svečanu povelju „velike crkve“ („Proces na zemlji“, „Pranje nogu“).

Unatoč korištenju pozorišnih i spektakularnih oblika, ruska crkva nije stvorila svoje pozorište.

U 17. veku Simeon Polocki (1629-1680) pokušao je da stvori umetničku književnu dramu na bazi liturgijske drame, ovaj pokušaj se pokazao izolovanim i bezuspešnim.

Pozorišta 17. veka

U 17. stoljeću razvijaju se prve usmene drame, jednostavne radnje, koje odražavaju popularna raspoloženja. Lutkarska komedija o Petruški (ime mu je bilo Vanka-Ratatouille) govorila je o avanturama pametnog veseljaka koji se nije bojao ničega na svijetu. Pozorište se zaista pojavilo u 17. veku - dvorsko i školsko pozorište.

dvorsko pozorište

Pojavu dvorskog pozorišta izazvalo je interesovanje dvorskog plemstva za zapadnu kulturu. Ovo pozorište pojavilo se u Moskvi pod carem Aleksejem Mihajlovičem. Prvo izvođenje drame "Akcija Artakserksa" (priča o biblijskoj Esteri) odigrano je 17. oktobra 1672. godine. U početku dvorsko pozorište nije imalo svoje prostorije, scenografija i kostimi su se prenosili s mjesta na mjesto. Prve predstave postavio je župnik Gregory iz njemačkog naselja, glumci su također bili stranci. Kasnije su počeli nasilno da regrutuju i obučavaju ruske „mlade“. Plate su im isplaćivane neredovno, ali nisu štedjeli na scenografiji i kostimima. Predstave su se odlikovale velikom raskošom, ponekad praćene sviranjem muzičkih instrumenata i plesom. Nakon smrti cara Alekseja Mihajloviča, dvorsko pozorište je zatvoreno, a predstave su nastavljene tek pod Petrom I.

školsko pozorište

Pored dvorskog pozorišta, u Rusiji je u 17. veku postojalo i školsko pozorište pri Slaveno-grčko-latinskoj akademiji, u bogoslovijama i školama u Lavovu, Tiflisu i Kijevu. Drame su pisali nastavnici, a učenici su postavljali istorijske tragedije, alegorijske drame bliske evropskim čudima, interludije - satirične svakodnevne scene u kojima je zvučao protest protiv društvenog sistema. Interimediji školskog pozorišta postavili su temelje žanru komedije u nacionalnoj dramaturgiji. Na početku školskog pozorišta bila je poznata politička ličnost, dramaturg Simeon Polotsky.

Pojava dvorskog školskog pozorišta proširila je obim duhovnog života ruskog društva.

Pozorište s početka 18. vijeka

Po nalogu Petra I, 1702. godine stvoreno je Javno pozorište namenjeno masovnoj publici. Posebno za njega, ne na Crvenom trgu u Moskvi, izgrađena je zgrada - "Hram komedije". Tamo je nastupala njemačka trupa I. Kh. Kunsta. Na repertoaru su bile strane predstave koje nisu imale uspeha kod publike, a pozorište je prestalo da postoji 1706. godine, pošto su prestale subvencije Petra I.

Zaključak

Novu stranicu u istoriji scenske umetnosti naroda naše domovine otvorila su kmetska i amaterska pozorišta. U kmetskim trupama koje su postojale od kraja 18. veka postavljali su se vodvilji, komične opere i baleti. Na osnovu kmetovskih pozorišta nastala su privatna preduzeća u nizu gradova. Ruska pozorišna umjetnost je blagotvorno utjecala na formiranje profesionalnog pozorišta naroda naše domovine. U trupama prvih profesionalnih pozorišta bili su talentirani amateri - predstavnici demokratske inteligencije.

Pozorište u Rusiji u 18. veku steklo je ogromnu popularnost, postalo vlasništvo širokih masa, još jedna javna sfera narodnog duhovnog delovanja.

Pozorište (grč. θέατρον - glavno značenje je mesto za spektakl, zatim - spektakl, od θεάομαι - gledam, vidim) - spektakularna umetnička forma, koja predstavlja sintezu različitih umetnosti - književnosti, muzike, koreografije, vokala, likovne umjetnosti i drugih i ima svoju specifičnost: odraz stvarnosti, sukoba, likova, kao i njihovo tumačenje i vrednovanje, odobravanje određenih ideja ovdje se odvija kroz dramsku radnju, čiji je glavni nosilac glumac.

Generički koncept "pozorišta" uključuje njegove različite vrste: dramsko pozorište, operu, balet, lutkarsko pozorište, pozorište pantomime itd.

U svim vremenima, pozorište je bilo kolektivna umetnost; u modernom pozorištu, pored glumaca i reditelja (dirigenta, koreografa), u stvaranju scenografije učestvuju scenograf, kompozitor, koreograf, kao i rekviziti, kostimografi, šminkeri, scenski radnici, iluminatori. performanse.

Razvoj pozorišta oduvijek je bio neodvojiv od razvoja društva i stanja kulture u cjelini - njegov procvat ili pad, prevlast određenih umjetničkih tokova u pozorištu i njegova uloga u duhovnom životu zemlje bili su povezani sa posebnosti društvenog razvoja.

POZORIŠTE (od grčkog theatron - mjesta za spektakl, spektakl), glavna vrsta spektakularne umjetnosti. Generički koncept pozorišta podijeljen je na vrste pozorišne umjetnosti: dramsko pozorište, opera, balet, pozorište pantomime itd. Poreklo pojma vezuje se za starogrčko antičko pozorište, gde su se tako zvala sedišta u gledalištu (od grčkog glagola "teaomai" - gledam). Međutim, danas je značenje ovog pojma izuzetno raznoliko. Dodatno se koristi u sljedećim slučajevima:

1. Pozorište je zgrada posebno izgrađena ili prilagođena za prikazivanje predstava („Pozorište je već puno, kutije sijaju“ A.S. Puškin).

2. Ustanova, preduzeće koje se bavi prikazivanjem predstava, kao i čitav tim njenih zaposlenih koji iznajmljuju pozorišne predstave (Pozorište Mossovet; gostovanja u pozorištu Taganka, itd.).

3. Skup dramskih ili scenskih djela strukturiranih prema jednom ili drugom principu (Čehovljev teatar, renesansni teatar, japanski teatar, pozorište Marka Zaharova, itd.).

4. U zastarjelom smislu (sačuvan samo u pozorišnom profesionalnom slengu) - scena, scena ("Plemenito siromaštvo je dobro samo u pozorištu" A.N. Ostrovsky).

5. U figurativnom smislu - mjesto bilo kakvih događaja koji su u toku (teatar vojnih operacija, anatomsko pozorište).

Kao i svaki drugi vid umjetnosti (muzika, slikarstvo, književnost), pozorište ima svoje posebnosti. Ova umjetnost je sintetička: pozorišno djelo (performans) sastoji se od teksta drame, rada reditelja, glumca, umjetnika i kompozitora. Muzika igra odlučujuću ulogu u operi i baletu.

Pozorište je kolektivna umjetnost. Predstava je rezultat aktivnosti mnogih ljudi, ne samo onih koji se pojavljuju na sceni, već i onih koji šiju kostime, prave rekvizite, pale svjetlo, upoznaju publiku. Nije ni čudo što postoji definicija "radnika u pozorišnoj radionici": predstava je i kreativnost i produkcija.

Pozorište nudi svoj način razumijevanja svijeta koji ga okružuje i, shodno tome, vlastiti skup umjetničkih sredstava. Predstava je i posebna radnja odigrana u prostoru scene, i posebno figurativno razmišljanje, drugačije od, recimo, muzike.

Pozorišna predstava je zasnovana na tekstu, kao što je predstava za dramsku predstavu. Čak i u onim scenskim predstavama u kojima nema riječi kao takve, tekst je neophodan; posebno balet, a ponekad i pantomima ima scenario - libreto. Proces rada na predstavi sastoji se u prenošenju dramskog teksta na scenu – to je svojevrsni „prevod“ s jednog jezika na drugi. Kao rezultat toga, književna riječ postaje scenska riječ.

Prvo što gledalac vidi nakon što se zavjesa otvori (ili podigne) je scenski prostor u koji je smještena scenografija. Oni ukazuju na mjesto radnje, istorijsko vrijeme, odražavaju nacionalni ukus. Uz pomoć prostornih konstrukcija može se prenijeti čak i raspoloženje likova (na primjer, u epizodi patnje junaka, uroniti scenu u tamu ili zategnuti njenu pozadinu crnom). Tokom akcije, uz pomoć posebne tehnike, scenografija se menja: dan se pretvara u noć, zima u leto, ulica u sobu. Ova tehnika je evoluirala zajedno sa naučnom mišlju čovečanstva. Mehanizmi za podizanje, štitovi i poklopci, koji su u drevnim vremenima radili ručno, danas se elektronski podižu i spuštaju. Svijeće i plinske lampe zamjenjuju se električnim lampama; često se koriste laseri.

Još u antici su se formirale dvije vrste pozornica i gledališta: scena sa sandukom i pozornica amfiteatra. Na boksu su postavljeni slojevi i tezge, a publika okružuje amfiteatarsku pozornicu sa tri strane. Sada se u svijetu koriste obje vrste. Savremena tehnologija omogućava promenu pozorišnog prostora - postavljanje platforme na sredini gledališta, postavljanje gledaoca na scenu, igranje predstave u sali.Zgradi pozorišta je oduvek pridavan veliki značaj. Pozorišta su se obično gradila na centralnom gradskom trgu; arhitekte su željele da zgrade budu lijepe, da privuku pažnju. Dolaskom u pozorište, gledalac se odriče svakodnevice, kao da se izdiže iznad stvarnosti. Stoga nije slučajno da stepenište ukrašeno ogledalima često vodi u hodnik.

Muzika pomaže da se pojača emocionalni uticaj dramske predstave. Ponekad zvuči ne samo tokom akcije, već i tokom pauze - da bi se održao interes javnosti. Glavna osoba u predstavi je glumac. Gledalac ispred sebe vidi osobu, misteriozno pretvorenu u umjetničku sliku - svojevrsno umjetničko djelo. Naravno, umjetničko djelo nije sam izvođač, već njegova uloga. Ona je glumačka kreacija koju stvaraju glas, živci i nešto neprimjetno - duh, duša. Da bi se radnja na sceni sagledala kao cjelina, potrebno je organizirati promišljeno i dosljedno. Ove poslove u modernom pozorištu obavlja reditelj. Naravno, mnogo zavisi od talenta glumaca u predstavi, ali oni su ipak podložni volji vođe - reditelja. Ljudi, kao i pre mnogo vekova, dolaze u pozorište. Sa scene se čuje tekst predstava, transformisan snagama i osećanjima izvođača. Umjetnici vode vlastiti dijalog - i to ne samo verbalni. Ovo je razgovor gestova, držanja, pogleda i izraza lica. Dekoraterska fantazija uz pomoć boja, svjetla, arhitektonskih struktura na lokaciji čini da prostor pozornice „progovori“. A sve zajedno je zatvoreno u strogi okvir rediteljske namjere, što heterogenim elementima daje cjelovitost i cjelovitost.

Gledalac svjesno (a ponekad i nesvjesno, kao protiv svoje volje) ocjenjuje glumu i režiju, usklađenost rješenja pozorišnog prostora sa općim planom. Ali glavno je da se on, gledatelj, pridružuje umjetnosti, za razliku od drugih, stvorenih ovdje i sada. Shvaćajući smisao predstave, shvaća i smisao života. Istorija pozorišta se nastavlja.

Vrste i žanrovi pozorišne umjetnosti

VAUDEVILLE - svojevrsna komičarska pozicija sa pjesmama, kupletima i plesovima. Porijeklom u Francuskoj; s početka 19. vijeka. dobio evropsku distribuciju. Naslijedite najbolja djela vatrene zabave, aktuelnog odraza stvarnosti.

DRAMA je jedan od vodećih žanrova dramaturgije od Prosvjetiteljstva, koji prikazuje svijet stvarne osobe u njenom akutno konfliktnom, ali ne i beznadežnom odnosu prema društvu ili samom sebi. U XX veku. Drama se odlikovala ozbiljnim sadržajem, odražavala je različite aspekte ljudskog života i društva i istraživala ljudsku psihologiju.

KOMEDIJA je vrsta drame u kojoj se radnja i likovi tumače u komičnom obliku. Poput tragedije, rođen je u staroj Grčkoj iz obreda koji su pratili procesije u čast boga Dionisa. Komedija, trezveno istražujući ljudsku prirodu, ismijavala je poroke i zablude ljudi. Najbolji primjerci ovog žanra odlikuju se beskompromisnom analizom, oštrinom i hrabrošću u ismijavanju poroka društva. Različite zemlje imaju svoje verzije komedije. Poznate su "učene" komedija italijanskih humanista i španska komedija Lope de Vege i Kalderona, engleska komedija renesanse, francuska klasična komedija prosvetiteljstva i ruska realistička komedija. Po principu organizacije radnje izdvaja se komedija likova, situacija, ideja. Prema vrsti radnje, komedije mogu biti svakodnevne i lirske, po prirodi stripa - humoristične, satirične.

MELODRAMA - predstava oštre intrige, prenaglašene emotivnosti, oštrog suprotstavljanja dobra i zla, moralne i poučne tendencije. Nastao krajem 17. vijeka. u Francuskoj, u Rusiji - 20-ih godina. 19. vijek

MIM je žanr komedije u starom narodnom pozorištu, kratki improvizacijski skečevi satiričnog i zabavnog karaktera.

OPERA je žanr muzičke i dramske umetnosti u kojoj je sadržaj oličen muzičkom dramaturgijom, uglavnom kroz vokalnu muziku. Književna osnova opere je libreto. U ovom muzičkom žanru, poezija i dramska umjetnost, vokalna i instrumentalna muzika, izrazi lica, plesovi, slikarstvo, scenografija i kostimi spojeni su u jedinstvenu cjelinu.

MISTERIJA je žanr srednjovjekovnog zapadnoevropskog religijskog teatra. Misterije su predstavljene na trgovima gradova. Vjerske scene u njima su se smjenjivale s međuigrama.

MONODRAMA - dramsko djelo jednog glumca.

MORALITE je žanr zapadnoevropskog teatra 15.-16. vijeka, poučna alegorijska drama, čiji su likovi personificirali različite vrline i mane.

MUZIKAL - muzičko-scensko delo, uglavnom komičnog karaktera, koje koristi sredstva pop i svakodnevne muzike, dramske, koreografske i operske umetnosti, žanr se formirao u Sjedinjenim Državama krajem 19. veka.

PARODIJA - 1) žanr u pozorištu, na sceni, svesna imitacija u satirične, ironične i humoristične svrhe individualnog načina, stila, stereotipa govora i ponašanja; 2) iskrivljena sličnost nečega.

Pastorala je opera, pantomima ili balet čija je radnja povezana s idealiziranom slikom pastirskog života.

SOTI je komično-satirični žanr francuskog teatra 15.-17. vijeka, svojevrsna farsa.

TRAGEDIJA (u prevodu sa grčkog - „pesma koza“) je vrsta drame prožeta patosom tragičnog. U antici je prikazao neposredan život likova tragičnih događaja, radnja je prevladala nad pričom. U renesansi je u dramama odbačeno jedinstvo radnje, koje se smatralo obaveznim, tragično se često spajalo sa komičnim. U budućnosti je tragedija strogo regulisana: opet preovladava jedinstvo radnje, mesta i vremena; postoji razdvajanje između komičnog i tragičnog. Tragedija u svom najčistijem obliku retka je u modernom pozorištu. Tragedija je zasnovana na akutnim društvenim sukobima, temeljnim životnim problemima, sukobima pojedinca sa sudbinom i društvom. Tragični sukob se obično rješava smrću heroja.

TRAGIKOMEDIJA - dramsko djelo koje ima odlike i komedije i tragedije. Zasniva se na osećaju relativnosti postojećih kriterijuma života; Istu pojavu dramaturg vidi i u komičnom i u tragičnom izvještavanju, što je karakteristično za 20. vijek.

FARS - 1) vrsta srednjovekovnog zapadnoevropskog narodnog pozorišta svakodnevnih komedija satirične prirode koje je postojalo u XIV-XVI veku. Blizu njemačkog fastnachtspiela, talijanske komedije dell'arte, itd.; 2) u pozorištu XIX-XX veka. komedija-vodvilj lakog sadržaja sa čisto spoljašnjim komičnim sredstvima.

FEERIA - žanr pozorišnih predstava u kojima se scenski efekti koriste za fantastične scene. Nastao u Italiji u 17. veku.

FLIAKI - narodne pozorišne predstave u staroj Grčkoj, posebno česte u III-IV vijeku. BC. u grčkim kolonijama: kratke improvizacijske šale-skečeve iz svakodnevnog života o veselim avanturama bogova i heroja.

2. Pozorište antičke Grčke.

Pojava pozorišta u staroj Grčkoj.

Pozorište je jedna od najstarijih umjetnosti. Njegovo porijeklo je izgubljeno u primitivnom društvu. Pozorište je nastalo iz narodnog lova i zemljoradničkih igara koje su magične prirode. Vjerujući da imitacija životinje, njen izgled i navike mogu utjecati na rezultat lova, primitivni ljudi su priredili plesove odjeveni u životinjske kože.

Sa pojavom poljoprivrede, pojavile su se svečanosti kako bi se proslavila žetva. Na festivalu u čast Dionisa, boga vinarstva, vinogradari obučeni u kozje kože prikazivali su različite epizode iz života Dionisa, pjevali snagu vinove loze koja daje radost.

Tragedija je nastala iz ove pjesme ljudi u kozjim kožama (tragos - na grčkom "koza").

Iz istih praznika posvećenih Dionisu nastala je i komedija (od riječi komos - neobuzdana zabava). Komedija je, za razliku od ozbiljnih i žalosnih tragedija, izazivala smeh.

S vremenom su grčke pozorišne predstave izgubile vezu sa štovanjem boga Dionisa, pričale su o životu drugih grčkih bogova, heroja, ali i o običnim ljudima.

Uređaj pozorišta u staroj Grčkoj.

Pozorišta u staroj Grčkoj građena su na otvorenom, na padinama planina i brda. Dizajnirani su za nekoliko hiljada, pa čak i za nekoliko desetina hiljada gledalaca. Publika je sjedila na kamenim klupama koje su se uzdizale na izbočinama okrenutim prema širokoj okrugloj ili četvrtastoj platformi - orkestar.

grčko pozorište. U centru je orkestar. Na njemu, desno i lijevo, je hor, u sredini je statua Dionisa. Orkestar zatvara sköne - natkrivenu prostoriju za presvlačenje glumaca. Ispred skene su tri glumca. Crtež modernog umjetnika prema iskopinama grčkog teatra. U centru je orkestar. Na njemu, desno i lijevo, je hor, u sredini je statua Dionisa. Orkestar zatvara sköne - natkrivenu prostoriju za presvlačenje glumaca. Ispred skene su tri glumca. Crtež modernog umjetnika prema iskopinama

U orkestru su bili glumci i hor obučen u skladu sa predstavom.

Iza orkestra nalazila se svlačionica za glumce - skesh (otuda i moderni naziv - pozornica). U njemu su glumci nosili ogrtače i velike maske jarkih boja. U početku su maske bile izrađene od drveta, a zatim od platna impregniranog gipsom i prekrivenog bojom. Maske su omogućile svim gledaocima, čak i onima koji su sedeli veoma udaljeni, da vide „izraz lica“ koji odgovara radnji - tugaljiv, ispaćen, strog, veseo. Osim toga, širom otvorena usta maske stvorila su neku vrstu usnika, pojačavajući glas glumca.

Rast glumca se povećao uz pomoć takozvanih coturns - sandala s vrlo debelim đonom. Ženske uloge u grčkom pozorištu izvodili su muškarci.

Tragični i komični pjesnici u staroj Grčkoj.

U Atini su održana takmičenja tragičnih i komičnih pesnika. Svaki od njih morao je napisati i postaviti tri drame. Pobjednik je nagrađen vijencem od zimzelenog lovora. Poznati grčki tragični pjesnici 5. st. BC e. - Eshil, Sofokle i Euripid. Učesnik grčko-perzijskih ratova, Eshil, u tragediji "Persijanci", osudio je perzijskog despota Kserksa za okrutnost i samovolju, opjevao je hrabrost Grka u borbi za slobodu svoje domovine. Junaci mnogih Eshilovih tragedija su bogovi i polubogovi. U tragediji Okovani Prometej, junak mita, titan Prometej, prikazan je kao nezainteresovani prijatelj i dobročinitelj čovečanstva, hrabri borac protiv samovolje i nasilja, oličen u liku Zevsa.

U Sofoklovim tragedijama ne djeluju toliko bogovi kao ljudi. Tragedija "Antigona" prikazuje hrabru ženu koja je progovorila protiv nepravedne odluke kralja i zbog toga je osuđena na smrt. Antigona je hrabro dočekala presudu. Umrvši, pobijedila je, budući da se sam kralj naknadno pokajao i ukinuo, iako kasno, kaznu. Tragedija "Antigone" bila je strastveni apel na čovječanstvo, na vjernost dužnosti, pravdu.

Euripid je tragediju približio gledaocu, učinio je razumljivijom i relevantnijom. Pjesnik hrabro postavlja pitanja koja zabrinjavaju mnoge savremenike o nepravdi nejednakosti žena. On prikazuje ljude sa svim njihovim strastima, osećanjima i težnjama, i prikazuje starogrčkog glumca. Na licu mu je tragična maska. Na nogama su koturny. Figurica od slonovače, oslikana bojama starogrčki glumac. Na licu mu je tragična maska. Na nogama su koturny. Figurica od slonovače, obojena bojama kakve jesu u životu.

Najveći komični pjesnik bio je Aristofan. U svojim djelima zlonamjerno je razotkrio nedostatke savremene atinske demokratije, razotkrivajući mnoge njene vođe na smiješan način. Aristofan se oštro suprotstavljao ratovima između Grka, od koristi samo nekolicini robovlasnika, veličao ljude mirnog rada. Mnoge Aristofanove komedije ismijavaju prijevaru, pohlepu i nepravdu olimpijskih bogova. Tako u komediji "Ptice" prikazuje Zevsa kao lopova i prevaranta, Posejdona kao podmitljivog, Herkula kao proždrljivog. Komedije Aristofana uživale su zasluženi uspjeh među ljudima.

Značenje grčkog pozorišta.

Pozorište je bilo najveća sila u grčkim državama. Svi su slušali autore tragedija i komedija. Pesma hora iz tragedije "Antigona" - "Mnoga su čuda na svetu, čovek je divniji od svih" - postala je omiljena pesma Atinjana.

Pozorište je nazvano "školom za odrasle". Odgajao je ljubav prema domovini, poštovanje rada, hrabrost i druge izuzetne osobine, uočio nedostatke u strukturi društva.

Grčko pozorište je imalo ogroman uticaj na razvoj pozorišne umetnosti naroda moderne Evrope. Pozorište našeg vremena posudilo je ne samo terminologiju grčkog teatra, već je Grcima dugovalo i mnoge njegove karakteristike i tehnike. Drame starogrčkih dramskih pisaca, nastale prije više od dvije hiljade godina, utjecale su na rad mnogih velikih dramskih pisaca modernog doba. Kod nas i u nekim drugim zemljama i dalje se postavljaju drame Eshila, Sofokla i Euripida. Posebnom odlukom Svjetskog mirovnog vijeća, cijelo progresivno čovječanstvo nedavno je proslavilo godišnjicu Aristofana. Uzbuđuju nas misli i osjećaji ljudi iz daleke ere, izraženi u tragedijama i komedijama Grka.

3. Stvaralaštvo Eshila, Sofokla, Euripida, Aristofana.

Eshil

Eshil je bio pravi osnivač tragedije. Autor je više od sedamdeset djela, od kojih je do nas došlo samo sedam: Perzijanci, Molba, Sedam protiv Tebe, Okovani Prometej, Agamemnon, Choefors, Eumenides. Sve Eshilove drame prožete su snažnim religioznim osjećajem, zasnovane su na sukobu ljudskih strasti i duhovnosti.

Eshil je bio začetnik tragedije građanske po svom ideološkom zvuku, savremenik i učesnik grčko-perzijskih ratova, pesnik vremena formiranja demokratije u Atini. Glavni motiv njegovog rada je veličanje građanske hrabrosti i patriotizma. Jedan od najistaknutijih junaka Eshilovih tragedija je nepomirljivi teomahista Prometej, personifikacija stvaralačkih snaga Atinjana. Ovo je slika nepokolebljivog borca ​​za visoke ideale, za sreću ljudi, utjelovljenje razuma, prevladavanje moći prirode, simbol borbe za oslobođenje čovječanstva od tiranije, oličen u slici okrutnog i osvetoljubivi Zevs, kome je Prometej više voleo muku nego ropsku službu.

Sofokle

Sofokle je napisao 125 drama, od kojih je sačuvano sedam tragedija: Antigona, Ajaks, Kralj Edip, Elektra i dr. Prema Aristotelu, Sofokle je prikazivao idealne ljude, dok ih je Euripid prikazao onakvima kakvi su stvarno. Euripid je bio više komentator nego učesnik događaja, duboko se zanimao za žensku psihologiju. Najpoznatija od 19 djela koja su do nas došla su Medeja i Fedra.

Karakteristika svih antičkih drama bio je hor, koji je čitavu akciju pratio pjevanjem i plesom. Eshil je uveo dva glumca umjesto jednog, reducirajući horske dijelove i fokusirajući se na dijalog, što je bio odlučujući korak u pretvaranju tragedije iz čisto mimičkih horskih tekstova u pravu dramu. Igra dva glumca omogućila je da se pojača tenzija radnje. Pojava trećeg glumca je Sofoklova inovacija, koja je omogućila da se ocrtaju različite linije ponašanja u istom sukobu.

Euripid

Euripid je u svojim tragedijama odražavao krizu tradicionalne polisne ideologije i potragu za novim temeljima svjetonazora. Osetljivo je odgovarao na goruća pitanja političkog i društvenog života, a njegovo pozorište bilo je svojevrsna enciklopedija intelektualnog pokreta Grčke u drugoj polovini 5. veka. BC e. U Euripidovim djelima postavljani su različiti društveni problemi, iznošene su nove ideje i raspravljano o njima.

Antička kritika je Euripida nazivala "filozofom na sceni". Pjesnik, međutim, nije bio pristalica određene filozofske doktrine, a njegovi stavovi nisu bili dosljedni. Njegov stav prema atinskoj demokratiji bio je ambivalentan. Glorificirao ga je kao sistem slobode i jednakosti, a istovremeno ga je plašila jadna "gomila" građana, koji su u narodnim skupštinama rješavali pitanja pod uticajem demagoga. Kroz nit, kroz svo Euripidovo djelo, postoji interesovanje za pojedinca sa njegovim subjektivnim težnjama. Veliki dramski pisac je prikazao ljude sa njihovim sklonostima i porivima, radostima i patnjama. Svim svojim radom Euripid je natjerao publiku da razmišlja o svom mjestu u društvu, svom odnosu prema životu.

Aristofan

Najpoznatiji autor komedije bio je Aristofan, koji je svoje satirične "strijele" znao usmjeriti protiv savremenih političara, pisaca i filozofa. Njegova najupečatljivija djela su Ose, Žabe, Oblaci, Lizistrata. Junaci Aristofanovih komedija nisu legendarne ličnosti, već Aristofanovi savremenici Atine: trgovci, zanatlije, robovi. U komedijama nema takvog poštovanja prema bogovima kao u tragedijama. Ponekad su bili čak i ismijavani.

Aristofan daje hrabru satiru o političkom i kulturnom stanju Atine u trenutku kada demokratija počinje da doživljava krizu. Njegove komedije predstavljaju različite slojeve društva: državnike i generale, pjesnike i filozofe, seljake i ratnike, gradske stanovnike i robove. Aristofan postiže oštre komične efekte, spajajući stvarno i fantastično, a ismijanu ideju dovodeći do apsurda. Aristofan ima fleksibilan i živahan jezik, koji se ponekad približava običnom, ponekad vrlo grub i primitivan, ponekad parodijski uzdignut i bogat neočekivanim komičnim tvorbama riječi.

Nauku i književnost antičke Grčke stvarali su slobodni ljudi, obdareni poetskom i mitološkom percepcijom svijeta. U svemu što je Grk shvatio, otkrio je harmoniju, bilo svemira ili ljudske ličnosti. Grk je u svojoj mitološkoj percepciji produhovljavao sve što je doticalo njegovu svijest. Harmonija i duhovnost je ono što određuje integritet i integritet grčke kulture i, prije svega, umjetnosti.

4. Pozorište starog Rima.

U III-II veku pre nove ere. e. pozorište igra veliku ulogu u Rimu, radnje predstava su pozajmljene od Grka, ali su likovi rimskog porijekla.

Rimsko pozorište je nastalo kada se patrijarhalno-plemenski sistem raspao. Nije poznavao javne plesne forme grčkog teatra i nije se oslanjao na amaterske predstave gradskog stanovništva. Rimsko pozorište je odmah postalo profesionalno.

Rimsko pozorište nije bilo povezano sa kultom božanstva, kao u Grčkoj, pa nije imalo isti društveni značaj. Glumci nisu bili poštovani, nego prezirani ljudi. Regrutovani su iz redova robova i oslobođenika i mogli su biti pretučeni zbog lošeg učinka. Predstave su se održavale u čast državnih praznika, kao iu bilo koje drugo vrijeme na inicijativu nekog od plemenitih građana.

Dugo vremena u Rimu nije bilo stalnih pozorišnih zgrada.

Za nastupe su izgrađene specijalne privremene drvene konstrukcije koje su polomljene na kraju predstave. Scenska platforma je bila drvena platforma podignuta iznad zemlje za pola ljudske visine. Do njega su vodile tri uske merdevine od nekoliko stepenica - penjali su se likovi koji su došli (prema zapletu) iz drugog grada. U pozadini je bio zadnji zid separea sa zavjesom. Za publiku su bile postavljene klupe, ali je ponekad bilo dozvoljeno da se predstave gledaju samo stojeći, tako da su igrali prilično dugo, uključujući i Plautove komedije.

Međutim, s razvojem dramaturgije, rasla je i potreba za promjenama u izvedbi. Senat je raspravljao o potrebi izgradnje stalne zgrade specijalnog pozorišta u Rimu. Međutim, Senat je smatrao da pozorište mazi mlade i kvari žene - i 154. zaustavio je gradnju kamenog pozorišta započetu prije nekoliko godina.

Prvo stalno kameno pozorište izgrađeno je oko 55. godine prije Krista. komandant Gnej Pompej Veliki i primio je 17 hiljada gledalaca.

Rimsko pozorište se razlikovalo od grčkog. Veličina orkestra je smanjena za pola, pretvorila se u polukrug. (u helenističkom teatru orkestar je zauzimao tri četvrtine kruga).

Etruščani i Rimljani, kao i svi narodi, imali su obredne i kultne pjesme i igre, postojalo je i pozorište narodne komedije, koje je dolazilo iz etrurskog pozorišta histriona, narodno pozorište atelana (iz grada Atella) sa stalno glumačkim maskama. bio blizak grčkom mimiku: budala Bukon, budala Mek, prostački Pap, lukavi Dosen. Kako pozorišna predstava nije bila povezana s kultom božanstva, već je bila tempirana na praznike, cirkuske predstave, borbe gladijatora, trijumfe i sahrane državnika, osvećenja hramova, rimski teatar je bio primijenjene funkcionalne prirode. Rimska republika, a još više carstvo, bila je oligarhijska država, pa je i razvoj kulturnog života išao drugačije, što se odrazilo i na pozorište. U takvim uslovima nije mogao da pusti duboke korene. Osim u Grčkoj, bio je status glumca. Za razliku od Grka, nije bio punopravni član društva i njegova profesija je bila prezrena.

Organizacija rimskog pozorišta imala svoje karakteristike. Hor nije učestvovao u predstavi, glumci nisu nosili maske. Problemi rimske dramaturgije nisu se uzdigli do moralnih visina starogrčkog. Do našeg vremena sačuvana su djela samo dvojice dramskih pisca: Plauta i Terencije, komičara, od kojih je jedan bio iz nižih slojeva društva, a drugi je bio rob kojeg je vlasnik oslobodio zbog svog talenta. Radnje njihovih komedija su izvučene iz komada neoatičke komedije, njihov protagonist je spretni lukavi rob. Tragični žanr predstavljaju samo djela Seneke, stoičkog filozofa koji je pisao drame na mitološke teme za uski krug elite, a oni, striktno govoreći, nemaju nikakve veze s pozorištem.

Uspostavom Rimskog carstva pantomime su postale široko rasprostranjene. Ipak, rimska dramaturgija je imala veliki uticaj na dramaturgiju novog vremena perioda klasicizma: Kornej, Rasin (u postantičkoj Evropi grčki jezik je bio poznat nekolicini).

5. Organizacija pozorišnih predstava u Staroj Grčkoj i Starom Rimu.

U Rimu, kao iu Grčkoj, pozorišne predstave su se odvijale neredovno, ali su bile tempirane da se poklope sa određenim praznicima. Sve do sredine 1. st. BC. u Rimu nije izgrađeno kameno pozorište. Predstave su se održavale u drvenim konstrukcijama, koje su nakon završetka demontirane. U početku nije bilo posebnih mjesta za gledaoce u Rimu, a oni su gledali "scenske igre" stojeći ili sjedeći na padini brda pored bine.

Prvo kameno pozorište u Rimu sagradio je Pompej tokom svog drugog konzulata, 55. godine pre nove ere. Nakon njega u Rimu su izgrađena i druga kamena pozorišta.

Karakteristike zgrade rimskog pozorišta bile su sledeće: sedišta za gledaoce su bila tačan polukrug; polukružni orkestar nije bio predviđen za hor (više ga nije bilo u rimskom pozorištu), već je bio mesto za privilegovane gledaoce; pozornica je bila niska i duboka.

Predstave rimskog teatra bile su spektakularne i namijenjene uglavnom plebejskim gledaocima. "Hleba i cirkusa" ovaj slogan bio je veoma popularan među običnim ljudima u Rimu. U počecima rimskog pozorišta bili su ljudi niskog ranga i oslobođenici.

Jedan od izvora pozorišnih predstava u Rimu bile su narodne pjesme. To uključuje fescenine - zajedljive, zle rime, koje su koristili prerušeni seljani tokom praznika žetve. Mnogo je u pozorište stiglo iz atellane, narodne komedije maski koja je nastala među plemenima Oskana koja su živjela u Italiji u blizini grada Atella.

Atellana je u rimsko pozorište donijela ustaljene maske, koje potiču iz drevnih etrurskih saturnskih igara koje su se održavale u čast drevnog italskog boga Saturna. U atelanu su bile četiri maske: Makk - budala i proždrljivac, Bukk - glupi hvalisavac, praznoslovac i prostak, Papp - rustikalni budalasti starac i Dossen - ružni šarlatan naučnik. Ovo lijepo društvo već duže vrijeme zabavlja poštene ljude.

Potrebno je navesti još jednu drevnu vrstu dramske radnje - mime. U početku je to bila gruba improvizacija, izvođena na talijanskim praznicima, posebno na proljetnom festivalu Floralia, a kasnije je mimika postala književni žanr.

U Rimu je bilo poznato nekoliko žanrova dramskih predstava. Čak je i pjesnik Gnej Nevije stvorio takozvanu pretextatu-tragediju, čiji su likovi nosili pretextu - odjeću rimskih magistrata.

Komediju su u Rimu predstavljale dvije vrste; komedija togata i komedija palijata. Prva je vesela predstava zasnovana na lokalnom itelijanskom materijalu. Njeni likovi bili su ljudi jednostavnog ranga. Togata je dobila ime po gornjoj rimskoj odjeći - togi. Autori takvih komedija Titinije, Afranije i Ata poznati su nam samo iz zasebnih sačuvanih fragmenata. Naziv komedije pallita bio je povezan s kratkim grčkim ogrtačem - palliumom. Autori ove komedije okrenuli su se prvenstveno stvaralačkom naslijeđu grčkih dramatičara, predstavnika neoatičke komedije - Menandra, Filemona i Diphila. Rimski komičari su često kombinovali scene iz različitih grčkih drama u jednoj komediji.

Najpoznatiji predstavnici komedije palijata su rimski dramatičari Plaut i Terencije.

Plaut, kome svjetsko pozorište duguje mnoga umjetnička otkrića (muzika je postala sastavni dio radnje, zvučala je i u lirskim i komičnim scenama), bio je univerzalna ličnost: napisao je tekst, igrao u predstavama koje je sam postavljao (" Magarci", "Lonac", "Hvalisavi ratnik", "Amfitrion" itd.). Bio je istinski narodni umjetnik, kao i njegovo pozorište.

Terencea najviše zanimaju porodični sukobi. On izbacuje grubu farsu iz svojih komedija, čini ih rafiniranim jezikom, u oblicima u kojima se izražavaju ljudska osećanja („Devojka sa Andosa“, „Braća“, „Svekrva“). Nije slučajno što je u renesansi iskustvo Terencije bilo toliko korisno novim majstorima drame i pozorišta.

Rastuća kriza dovela je do toga da je starorimska dramaturgija ili propala ili se realizovala u oblicima koji zapravo nisu bili vezani za pozorište. Dakle, najveći tragični pjesnik Rima, Seneka, piše svoje tragedije ne radi predstavljanja, već kao "drame za čitanje". Ali atellana se nastavlja razvijati, broj njenih maski se obnavlja. Njene produkcije često su se bavile političkim i društvenim temama. Tradicije atellane i mime, zapravo, nikada nisu umrle među ljudima, nastavili su postojati u srednjem vijeku i u renesansi.

U Rimu je umijeće glumaca dostiglo vrlo visok nivo. Tragičar Ezop i njegov savremeni strip glumac Roscije (1. vek pre nove ere) uživali su ljubav i poštovanje javnosti.

Pozorište antičkog svijeta postalo je sastavni dio duhovnog iskustva čitavog čovječanstva, mnogo je položilo u osnovu onoga što danas nazivamo modernom kulturom.

6. Pozorište srednjeg vijeka. Vjersko i narodno pozorište

Istorija srednjovekovnog pozorišta je kulturni presek čitave epohe (srednji vek - doba feudalnog sistema, V-XVII vek), koji se može koristiti za proučavanje svesti srednjovekovne osobe. U toj svesti bili su kontradiktorni zdrav razum naroda i najbizarnija sujeverja, revnost vere i ruganje crkvenim dogmama, spontana ljubav prema životu, žudnja za zemaljskim i strogi asketizam koji je usađivala crkva. Često su narodni, realistički principi dolazili u sukob sa idealističkim religioznim idejama, a "zemaljsko" je prevladavalo nad "nebeskim". I samo srednjovjekovno pozorište rođeno je u dubokim slojevima narodne kulture.

Još krajem ranog srednjeg vijeka lutajući zabavljači - histrioni - pojavljuju se na trgovima i ulicama gradova i u bučnim kafanama. U Francuskoj su ih zvali žongleri, u Engleskoj - ministranti, u Rusiji - bufoni. Vješt histrion je bio pozorište jednog glumca. Bio je mađioničar i akrobat, plesač i muzičar, mogao je prikazati predstavu sa majmunom ili medvjedom, odigrati komičnu scenu, hodati volanom ili ispričati nevjerovatnu priču. U tim pričama i predstavama živio je veseo vašarski duh, slobodna šala.

Još drskija je bila umjetnost Vaganta. Ovdje su vladale parodija i satira. Vaganti, ili "lutajući klerici", su poluobrazovani sjemeništarci i prezreni svećenici. Na motive crkvenih himni pjevali su hvalospjeve "Vakhu svepijaču", parodirali molitve i crkvene službe. Histrioni i lutalice, progonjeni od crkve, ujedinili su se u bratstva, privlačeći najrazličitije ljude. Takvo je, na primjer, bilo u Francuskoj "Bratstvo bezbrižne djece" na čijem je čelu bio Princ budala. “Momci” su odglumili zabavne “glupe” akcije (soti), u kojima se ismijavalo sve i svakoga, a crkva se pojavila u liku majke budale.

Crkva je progonila histrione i lutalice, ali je bila nemoćna da uništi ljubav naroda prema pozorišnim spektaklima. U nastojanju da crkvenu službu – liturgiju – učini efikasnijom, sveštenstvo je počelo da koristi pozorišne forme. Postoji liturgijska drama zasnovana na scenama iz Svetog pisma. Igralo se u hramu, a kasnije i na trijemu ili crkvenom dvorištu. U XIII-XIV vijeku. javlja se novi žanr srednjovjekovne pozorišne predstave – čudo („čudo“). Zaplete o čudima su posuđene iz legendi o svecima i djevici Mariji. Jedno od najpoznatijih je "Čudo o Teofilu" francuskog pesnika iz 13. veka. Rutbef.

Vrhunac srednjovekovnog pozorišta - misterija.

Ovaj žanr je doživeo procvat u 15. veku. U misterijama je učestvovalo gotovo čitavo stanovništvo grada: jedni - kao glumci (do 300 ili više ljudi), drugi - kao gledaoci. Predstava je bila tempirana da se poklopi sa sajmom, za svečanu priliku, a otvorena je živopisnom povorkom građana svih uzrasta i staleža. Zapleti su preuzeti iz Biblije i Jevanđelja. Akcije su trajale od jutra do večeri nekoliko dana. Paviljoni su izgrađeni na drvenoj platformi, od kojih je svaki imao svoje događaje. Na jednom kraju platforme nalazio se bogato ukrašen Raj, na suprotnom - pakao sa otvorenim zmajevim ustima, instrumentima za mučenje i ogromnim kotlom za grešnike. Pejzaž u centru bio je krajnje lakonski: natpis iznad kapije "Nazaret" ili pozlaćeni tron ​​bio je dovoljan da označi grad ili palatu. Na pozornici su se pojavili proroci, prosjaci, đavoli predvođeni Luciferom... U prologu su prikazane nebeske sfere, gdje je Bog Otac sjedio okružen anđelima i alegorijskim likovima - Mudrošću, Milosrđem, Pravdom itd. Zatim se radnja preselila u zemlju i dalje - u pakao, gde je sotona pržio grešne duše. Pravednici su izašli u belom, grešnici - u crnom, đavoli - u crvenim čarapama, ofarbanim strašnim "licama".

Najpatetičniji trenuci u predstavama vezani su za ožalošćenu Bogorodicu i Isusovu patnju. Misterija je imala i svoje komične likove: šaljive, prosjake, đavole, koji su se plašili, ali često prevareni. Patetično i komično koegzistirali su bez miješanja jedno s drugim. Događaji su se razvijali uz najveću pažnju i intervenciju viših i nižih sila. Nebo, zemlja i podzemlje činili su jedan ogroman svijet, a čovjek na ovom svijetu bio je i zrno pijeska i centar - uostalom, za njegovu dušu borile su se sile mnogo moćnije od njega samog. Najpopularnije su bile misterije Arnoula Grebana, kao i jedno od rijetkih djela na svjetsku temu - "Misterija opsade Orleansa", koja je rekreirala događaje iz Stogodišnjeg rata (1337-1453) između Engleske i Francuska i podvig orleanske djeve - Jovanke Orleanke, koja je vodila borbu francuskog naroda protiv engleskih osvajača, a potom izdana od francuskog kralja, kome je vratila tron.Javni nastup, upućen masovnoj publici , misterija je izražavala kako narodne, ovozemaljske principe, tako i sistem vjerskih i crkvenih ideja.Ta unutrašnja nedosljednost žanra dovela je do opadanja, a potom i kao razlog za njegovu zabranu od strane crkve.

Još jedan popularan žanr bio je moral. Čini se da su se odvojile od misterija i postale samostalne predstave poučnog karaktera. Igrale su se parabole o "Razbornom i nerazumnom", o "Pravedniku i veselniku", gde prvi uzima za životne saputnike Razum i Veru, a drugi - Neposlušnost i Razvrat. U ovim prispodobama, patnja i krotkost su nagrađeni na nebu, dok tvrdoglavost srca i srebroljublje vode u pakao.

Igrali su moral na pozornici farse. Bilo je nešto poput balkona, gdje su predstavljali žive slike nebeskih sfera - anđela i boga Sabaota. Alegorijske figure, podeljene u dva tabora, pojavile su se sa suprotnih strana, formirajući simetrične grupe: Vera - sa krstom u rukama, Nada - sa sidrom, Pohlepa - sa torbicom od zlata, Ushićenje - sa pomorandžom, a Laskanje je imalo lisičji rep kojim je mazila Stupidity.

Moral je spor u licima, odigran na sceni, sukob izražen ne kroz radnju, već kroz spor između likova. Ponekad se u scenama koje su govorile o grijesima i porocima javljao element farse, društvene satire, u njih je prodirao dah gomile i „slobodni duh trga“ (A. S. Puškin).

U pozorištu na trgu, bilo da je u pitanju misterija, moral, soti ili predstava histriona, ogledala se ljubav prema životu srednjovjekovnog čovjeka, njegova vedra odvažnost i žeđ za čudom, vjera u pobjedu dobra i pravde.

I nije slučajno da je u 20.st. interesovanje za srednjovekovno pozorište raste. Dramske pisce i reditelje privlači njegova privlačnost za mase, jasna razlika između dobra i zla koja je svojstvena narodnoj svijesti, "univerzalno" pokrivanje događaja, sklonost paraboli, živopisna "plakatna" metafora. Poetiku ovog narodnog spektakla koristi V. E. Meyerhold prilikom postavljanja drame V. V. Majakovskog „Mystery-Buff“. U Njemačkoj, predstavu-parabolu odobrava B. Brecht. Na prijelazu iz 60-ih u 70-e, za vrijeme studentskog protestnog pokreta, L. Ronconi u Italiji postavlja L. Ariosta na trgu Bijesnog Rolanda, a u Francuskoj A. Mnushkin priređuje predstave Velike Francuske revolucije („1789.“, „1791.“). Drevna pozorišna tradicija, takoreći, dobija novi život, povezujući se sa traženjima savremenih pozorišnih radnika.

Žanrovi srednjovjekovnog religioznog pozorišta

U devetom veku rađa se prvi žanr srednjovekovnog religioznog pozorišta - liturgijska drama. Ova pozorišna predstava bila je dio bogosluženja (liturgije).

Razlozi za pojavu ovog žanra, najvjerovatnije, povezani su sa željom svećenika da privuku što veći broj ljudi na vjeru, da bogoslužje (u srednjem vijeku su se kršćanske službe obavljale na latinskom) razumljivije za nepismene. obični ljudi.

Liturgijska drama nastala je iz crkvenog tropa - dijaloškog prepisa jevanđeljskog teksta, koji se obično završavao pjevanjem. Nakon njega liturgija je nastavljena uobičajenim tokom.

Prva liturgijska drama je scena tri Marije koje dolaze na grob Gospodnji. Ova drama je odigrana na Uskrs. Njegova radnja se sastojala u činjenici da je Marija (svećenici koji su stavljali marame na ramena, označavajući žensku odjeću) došla do groba, u kojem je trebalo da leži tijelo raspetog Krista kako bi ga namazala smirnom. Međutim, u grobnici su se susreli sa anđelom (mladim svećenikom u bijeloj halji). U ovoj sceni već se javljaju dijalog i pojedinačni odgovori (između anđela i Marije), što nam omogućava da kažemo da je ova radnja bila prva liturgijska drama.

Uprizorenje liturgijske drame organizovali su sami sveštenici. Predstave su se odvijale u hramu.

U početnoj fazi svog postojanja, liturgijska drama je usko pristajala uz misu, njen tekst se u potpunosti poklapao sa tekstom službe, kako sadržajno, tako i stilski. Liturgijska drama je izvedena na latinskom jeziku i bila je prožeta svečanim raspoloženjem, poput mise. "Glumci" su pevački kazivali svoje reči.

Postepeno, drama postaje sve više izolirana od službe. Pojavljuju se dva samostalna ciklusa liturgijske drame - Božićni (uključuje epizode: povorka pastira koji su nagovijestili rođenje Krista, obožavanje mudraca, scena gnjeva kralja Iroda, koji je naredio da se pobiju sve bebe u Vitlejemu) i Uskrs (sadržao je epizode vezane za vaskrsenje Hristovo).

Vremenom se i liturgijska drama razvija od statične i simbolične do efektne. U njemu počinju da se ukorijenjuju elementi domaćinstva.

Prvobitno stvorena kako bi bogosluženje učinilo razumljivijim za župljane, liturgijska drama je pojednostavljivala vjerske ideje, što je, međutim, predstavljalo veliku opasnost za religiju, jer je dovelo do njenog profanisanja.

Godine 1210., dekretom pape Inoćentija III, zabranjena su izvođenja liturgijske drame unutar crkvenih zgrada. U ovom trenutku liturgijska drama kao žanr prestaje da postoji.

Međutim, vjersko pozorište ne nestaje. Liturgijska drama izlazi iz crkve na trijem i postaje poluliturgijska drama.

U ovoj predstavi ima još više svjetovnih motiva. Gubi čvrstu vezu sa bogosluženjem i crkvenim kalendarom, pa je izbor dana za predstavu slobodniji. Poluliturgijska drama se igra i tokom sajmskih dana. Umjesto na latinskom, predstave se počinju odvijati na narodnim jezicima.

"Božanske" uloge je i dalje izvodilo sveštenstvo. U predstavi su korišteni crkveni odeždi i pribor. Akciju je pratilo pjevanje hora koji je izvodio vjerske hvalospjeve na latinskom jeziku.

Sveštenstvo je imalo veliko učešće u organizovanju predstava poluliturgijske drame (obezbeđivanje prostora za izvođenje (trem), igranje glavnih uloga, odabir repertoara, priprema „nošnje“ i „rekvizita“).

Međutim, vjerski subjekti počinju se aktivno preplitati sa sekularnim. Pozorišna kultura nastoji da se odvoji od religije, što se, međutim, neće u potpunosti dogoditi tokom čitave ere srednjeg vijeka.

Misterija

Još jedan žanr vezan za religijsko pozorište. Misterija je nastala iz procesija u čast crkvenih praznika.

Ime dolazi od lat. ministerium - crkvena služba

Procvat misterijskog teatra pada na XV-XVI vijek.

Predstave su organizovale gradske radionice i opštine, a ne crkva. U misterijama su učestvovali svi stanovnici grada.

Misteriozne predstave su često bile organizovane na sajamskim danima.

Ujutro na dan otvaranja sajma služen je crkveni moleban, zatim je organizovana svečana litija u kojoj je učestvovao cijeli grad. Nakon njega, misterija je odigrana direktno.

Misterije su podijeljene u tri ciklusa - Stari zavjet (Stari zavjet, od stvaranja svijeta do rođenja Krista), Novi zavjet (Novi zavjet, rođenje, život, smrt, vaskrsenje i vaznesenje Hristovo) i apostolski (životi svetaca).

U organizaciji i predstavljanju misterije učestvovali su predstavnici raznih gradskih radionica. Svaka radionica dobila je svoju samostalnu epizodu u akciji.

Predstava je trajala cijeli dan, a ponekad i nekoliko dana.

Bilo je tri tipa organizacije scenskog prostora i, shodno tome, tri vrste predstavljanja misterija.

Mobilni (karakterističan prvenstveno za Englesku). Odvojene epizode misterija prikazane su u kombijima sa visokom platformom, otvorenom na sve strane. Ovi kombiji su se zvali pedženti. Nakon prikazivanja određene epizode, kombi se preselio na susjedni trg, a na njegovo mjesto je dovezao novi sa glumcima koji su igrali narednu epizodu. I tako do kraja misterije.

Prstenast. Na trgu je bila jedna platforma. Gomile za njega bile su poređane u obliku prstena. Na platformi je bilo nekoliko odvojenih odjeljaka koji su prikazivali različita mjesta radnje. Gledalac se nalazio oko perona.

Arbor. Na trgu je istovremeno prikazano nekoliko mjesta radnje. Bio je to niz paviljona koji se nalaze na jednoj platformi u pravoj liniji i okrenuti su frontalno prema publici. U svakoj sjenici su se odigravale zasebne epizode, ovisno o tome kakav je prizor ova sjenica prikazivala. Publika se kretala iz jednog paviljona u drugi.

Ovakva organizacija scenskog prostora povezana je sa najvažnijim principom za srednjovekovno pozorište – istovremenošću (simultanošću). Ovaj princip je podrazumijevao istovremenost nalaženja na kvadrat više mjesta radnje i, shodno tome, istovremenost radnji koje se u njima odvijaju. Simultanost seže u srednjovjekovne predstave o vremenu.

Prilikom organizovanja predstava aktivno se koristila mašinerija, scenografija, posebno ona koja prikazuje raj ili pakao, posvećivala veliku pažnju. Spektakl je bio izuzetno važan.

U misterijama su koegzistirali naturalizam (posebno izražen u prikazivanju raznih krvavih scena) i konvencionalnost.

Uprkos činjenici da su misteriju organizovale svjetovne osobe, to je bila neka vrsta vjerske službe, koju je kreirao cijeli grad.

Učešće u misterijama smatralo se pobožnim djelom. Mnoge uloge bile su toliko popularne među prijavljenima da su organizatori dogovorili aukciju s koje su te uloge prodane.

Misterija je uključivala potpuno heterogene elemente. Unatoč činjenici da je njegov glavni sadržaj bila neka epizoda iz Biblije, svakodnevni elementi su vrlo aktivno prodirali u misteriju. Osim toga, ponekad je misteriozna predstava bila razvodnjena cijelim farsičnim scenama, koje su bile praktički zasebna predstava koja nije imala nikakve veze sa misterijom u smislu radnje. Osim toga, epizode s đavolima bile su vrlo popularne. I često se u misterijama pojavljivao takav lik kao što je šala.

U početku su amateri bili uključeni u organizaciju misterija, kasnije su počeli da se stvaraju čitavi sindikati, čija je dužnost bila da insceniraju misteriju. U pravilu su se nazivala bratstvima po analogiji sa drugim srednjovjekovnim bratstvima.

Najpoznatija takva organizacija bilo je Bratstvo Muke Gospodnje u Francuskoj, koje je od 1402. čak dobilo monopol na organizaciju u Parizu ne samo misterija, već i čuda i "drugih religioznih moralnih igara" (kako je izdat patent članovima bratstva od strane kralja rekao).

Čudo

Naziv ovog žanra dolazi od latinske riječi miraculum (čudo).

Nastaje u Francuskoj u XIII veku.

Čudo dolazi iz himni u čast svetaca i čitanja njihovih života u crkvi. Stoga su priče o čudima koje su činile Djevica Marija i sveci poslužile kao osnova za zaplete.

Čudesne predstave u Francuskoj su organizovale posebne zajednice - puys. Njihovo ime dolazi od riječi podijum.

Moral

Još jedan žanr vezan za vjersko pozorište srednjeg vijeka.

Pojavljuje se u XV-XVI vijeku.

Ovo je alegorijska predstava u kojoj glume alegorijski likovi. Svaki od njih je personifikacija nekog apstraktnog pojma (grijeh, vrlina, kvaliteta itd.). Suština radnje svela se na priču o tome kako se čovjek suočava s izborom između dobra i zla.

Ljudi koji su izabrali vrlinu na kraju su nagrađeni, a oni koji su se prepustili poroku kažnjeni. Tako je svaki moral bio prožet didaktikom.

Moral nema direktnu vezu sa biblijskim temama, međutim, njegov moral nam omogućava da ovaj žanr svrstamo u religiozno pozorište srednjeg veka.

Scenska platforma za moral bila je bina, koja je izgrađena na trgu.

Alegorični likovi su na grudima nosili natpise koji su publici objašnjavali ko je ispred njih. Uz to, svaki od njih je imao svoj svojstveni atribut, sa kojim se uvijek pojavljivao na sceni i koji je i simbolično objašnjavao o kakvoj se alegoriji radi.

Pozorište vuče korijene iz antičke Grčke prije više od dva milenijuma. Najdrevnija umjetnost nastala je kao spektakularna zabava za javnost, svečane scene kostimiranih glumaca. Predstave su prvobitno bile tempirane da se poklope sa Velikim Dionizijem, velikim vjerskim praznikom.

Sada je pozorište nesumnjivo nešto više od povorke raspjevanih muškaraca u kozjim kožama kroz grad. Postala je visoka umjetnost, način opuštanja visokog društva, mjesto kulturnog prosvjetljenja. Istorija pozorišta je fascinantan proces razvoja koji traje do danas. Reći ćemo čitatelju u našem članku. U predstavljenom materijalu naći ćete i mnoge zanimljive činjenice. Dakle, počnimo.

Počni

Atina u 5. veku pre nove ere. e. pozorišne predstave bile su sastavni dio vjerskih praznika. Povorke sa kipom Dionisa bile su praćene veselim pjevanjem i dramatičnim igrama. Možemo reći da je istorija atinskog pozorišta započela kao amaterska predstava za mali broj posmatrača. U početku su se postavljale samo tragedije, komedije su se počele prikazivati ​​kasnije. Važno je napomenuti da su predstave, po pravilu, prikazivane samo jednom. To je stimulisalo autore da stvaraju relevantne, zanimljive radove. Dramaturg nije samo napisao dramu, već je bio i punopravni učesnik u predstavi, igrajući uloge reditelja, kompozitora, koreografa, pa čak i glumca. Naravno, radilo se o izuzetno talentovanim ljudima.

Ali da bi postao choreg (vođa hora), nije bio potreban veliki talenat. Trebao im je samo novac i veze sa državnim službenicima. Glavna dužnost chorega bila je plaćanje računa, puna finansijska podrška i podrška pozorištu. To je u to vreme bilo mesto takmičenja, pobedio je čoreg, pesnik i protagonista. Pobjednici su okrunjeni bršljanom i nagrađeni nagradama. Pobjedu su dobili odlukom žirija.

Zanimljiva je činjenica da su stari Rimljani bili pravi ljubitelji realizma. Produkcija se smatrala idealnom u kojoj se glumac naviknuo na ulogu 100% - ako je bilo potrebno, morao je biti spreman čak i na smrt.

U vreme dok je Puškin bio živ, pozorišta u Rusiji nisu bila potpuno smeštena. Zadnje redove okupirali su ljudi koji su stajali na nogama tokom cijelog nastupa.

Značajna predstava u istoriji ruske pozorišne umetnosti je "Podrast" D. I. Fonvizina, koja je postala prvi pokušaj ismevanja zvaničnika, plemića, tipičnih likova 18. veka. Starodum (pozitivan lik) prvi je igrao upravo gore spomenutog Dmitrevskog.

Godine 1803. carska pozorišta su podijeljena. Pojavile su se dramske i muzičke trupe, kao i operske i baletske trupe u sastavu muzičke. Dominacija francuske škole sviranja na ruskoj sceni trajala je do 19. veka. Tada je ruski teatar konačno stao na noge i krenuo svojim putem. Usvojeno iskustvo postalo je dobra baza, a otkriće novih talentovanih ruskih kompozitora, glumaca, plesača podiglo je pozorište na visok nivo.

P. N. Arapov je prvi opisao čitavu istoriju ruskog pozorišta u jednoj enciklopediji - "Hronike ruskog pozorišta". Pojavljuju se pozorišni časopisi i profesionalni kritičari. Tako je razvoj pozorišta dao podsticaj, između ostalog, i ruskoj književnosti.

Najpoznatije pozorište u Moskvi

Istorija Boljšog teatra počinje 28. marta 1776. Na današnji dan u Moskvi je carica Katarina II potpisala „privilegiju“ za princa Petra Urusova, koja mu je dozvolila da održava pozorište deset godina. U početku se zvao Petrovski teatar (u čast ulice kojom je išao ulaz). Godine 1805. zgrada je u potpunosti izgorjela, a novi projekt izradio je arhitekta Osip Bove. Godine 1820. počela je gradnja, koja je trajala 5 godina.

Izgrađeno pozorište je postalo veće, po čemu je i dobilo ime. Ova prelepa, skladna, bogata građevina obradovala je stanovnike Moskve sve do 1853. godine, kada je izbio drugi požar. Ovoga puta rekonstrukcija je povjerena arhitekti Albertu Kavosu. Pozorište je obnovljeno već 1856. godine. Carski Boljšoj teatar postao je poznat ne samo u Rusiji, već i u svijetu: imao je odličnu akustiku. Godine 1917, nakon Revolucije, naziv je promijenjen u Državni Boljšoj teatar. Dekoracija je dopunjena sovjetskim simbolima.

Teško je povrijeđen tokom Velikog Domovinskog rata, uzimajući bombu. Zgrada je ponovo rekonstruisana. Do 1987. godine zgrada je bila podvrgnuta samo manjim kozmetičkim popravkama. Sada je Boljšoj teatar zgrada sa novom binom u kojoj se mogu koristiti savremeni efekti. Istovremeno, zadržao je duh klasične arhitekture, svoju akustiku "potpis", što mu daje pravo da se smatra jednim od najboljih pozorišta na svetu. Ovo je istorija Boljšoj teatra.

I za kraj, još jedna, ništa manje zanimljiva činjenica. Filmovi koji se u potpunosti ili djelimično odvijaju u pozorištu: Birdman, Umjetnik katastrofe, La La Land, Fantom iz opere, Burleska priče, Nokaut, Udarni Brodvej, Crni labud, "Lutkar", "Užasno velika avantura" , "Zaljubljeni Šekspir", "Ubistvo u malom gradu", "Kej Orfevr".

Istorija pozorišta (drame i drugih žanrova ove umetnosti) nastaviće da se razvija, jer interesovanje za njega ostaje nepromenjeno više od dve hiljade godina.

Prve evropske pozorišne predstave nastale su u 6. veku pre nove ere. sa vjerskih svečanosti posvećenih bogu vina i plodnosti Dionizu. Glumci su maskama prikazali emocije likova, kao i da bi publici jasno stavili do znanja kog je pola i starosti lik koji je stupio na scenu. Hiljadugodišnja tradicija koja zabranjuje ženama da igraju na sceni nastala je u antičkom grčkom pozorištu.

Prvim glumcem smatra se Grk Tesip, koji je pobedio na poetskom takmičenju u čast Dionisa.

U III veku pne. Rimljani su, inspirisani grčkim pozorištem, kreirali sopstvene verzije starogrčkih komada i postavljali ih na improvizovanim pozornicama. Glumci u ovim predstavama bili su robovi. Ženama je bilo dozvoljeno da igraju samo manje uloge. Kako su se rimska pozorišta morala nadmetati za pažnju publike naviknute na borbe gladijatora, javna pogubljenja i trke kočija, predstave su sve više uključivale nasilne scene i grubi humor. Sa širenjem kršćanstva, takve ideje su došle do kraja.

Pojava srednjovjekovnog pozorišta

Iako su se pozorišne predstave u srednjovjekovnoj Evropi smatrale grešnim, pozorišne tradicije su se razvile. Minstreli su izmišljali i izvodili balade, lutkari, akrobati i pripovjedači nastupali su na sajmovima. Tokom uskršnje službe, sveštenici su glumili misterije - pozorišne priče koje su nepismenim ljudima omogućavale da shvate značenje onoga što se dešavalo.

Kasnije su se misterije počele odvijati tokom drugih vjerskih praznika, predstavljajući razne biblijske priče.

Renesansno pozorište

Tokom renesanse (XIV-XVII vek) javilo se interesovanje za oživljavanje klasičnog grčkog i rimskog pozorišta. Na sjecištu tradicije antičkog i srednjovjekovnog kazališta, nastale su sekularne kazališne predstave, pojavila se commedia dell'arte - improvizirani spektakl koji je stvorilo nekoliko maskiranih glumaca. U ovim predstavama, po prvi put od starog rimskog doba, ženama je dozvoljeno da se vrate na scenu.

Godine 1576. izgrađena je prva pozorišna zgrada u Londonu, prije toga su se sve predstave igrale u hotelima, na sajmovima ili usred dvorana u dvorcima i plemićkim kućama. Engleska kraljica Elizabeta I patronizirala je pozorišnu umjetnost, u eri koja nosi njeno ime pojavili su se prvi profesionalni dramski pisci, od kojih je najpoznatiji veliki Shakespeare, glumci, tradicija korištenja rekvizita i mijenjanja kostima tokom predstave. Klasično pozorište je konačno formirano sredinom 18. veka.

Variety je vrsta pozorišta čije se predstave zasnivaju na kombinaciji različitih žanrova pozorišne, muzičke, estradne i cirkuske umjetnosti. Predstave estradnih pozorišta su uvek lagane i vesele. Ispunjeni su humorom, ironijom, elementima parodije. Na sceni estrade nastupaju glumci i čitaoci, pjevači i plesači, mađioničari i akrobati.

Pariške estrade

Varietni pozorišta su postala široko rasprostranjena u velikim gradovima zapadne Evrope na prelazu iz 19. u 20. vek. Ime su dobili po pozorištu "Varijet" koje je osnovano 1720. godine u Parizu.

Preteča estradne pozorišta su kafići i kabarei, iako se pojmovi "kabare" i "varijetet" ponekad smatraju sinonimima. Pariz je dugo vremena ostao centar za razvoj estradne pozorišta.

Predstave estradne pozorišta odlikovale su se svojim nevjerovatno veličanstvenim dizajnom. Možda je glavni žanr estrade bila revija - estradna revija.

Osamdesetih godina 19. stoljeća pojavile su se poznate kabaretske estrade kao što su Crna mačka i Folies Bergère. Osim pompe, njihove nastupe karakteriše pretjerana sentimentalnost i nepristojne šale.

Varietni pozorišta su dostigla svoj vrhunac 1920-ih i 1930-ih godina. Takvi talentovani umjetnici šansonije kao što su Maurice Chevalier i Josephine Baker počeli su nastupati u poznatim pariskim kabareima "Moulin Rouge" i "Apollo". Uspjeli su spojiti vokalne i glumačke vještine.

Istovremeno, estradna pozorišta su postala virtuozna tehnika za spektakularni estradni ples, koja je nastala u opereti, a kasnije postala jedno od izražajnih sredstava.

Umetnost varijeteta u Rusiji

U Rusiji se divertisment, koji je uključivao stihove, plesove i neozbiljne pjesme, koji se mogu smatrati pretečom estrade, pojavio sredinom 19. stoljeća i prikazivao se u kafićima i restoranima.

Varietni pozorišta u Rusiji su se počela aktivno razvijati tokom Srebrnog doba. U to vrijeme otvaraju se brojni umjetnički pubovi, restorani, kabarei i pozorišta minijatura. U Moskvi su se pojavili poznati restorani "Akvarijum" i "Ermitaž", pozorišta minijatura "Slepi miš" i "Krivo ogledalo"; u Sankt Peterburgu - "Theatre-buff", kabare "Halt of Comedians", kafić "Stray Dog". Vodili su parodijske i pop predstave, večeri poezije, lutkarske predstave. Jedan od najistaknutijih predstavnika estetike estrade bio je izvanredni ruski glumac i pjevač Aleksandar Vertinski, koji je nastupio u liku Pierrota.

Dvadesetih godina prošlog veka jedan od glavnih elemenata estrade prestao je da bude obavezan - stolovi ispred bine, što je spajalo pozorište i restoran.

Posljednjih desetljeća estetika varijeteta doživjela je svoj novi procvat. Istina, sada su izbrisane granice između pojmova "kabare", "estrada", "revija", "burleska" i "mjuzik hol".

Povezani video zapisi

Istorija pozorišta seže u staru Grčku pre više od dve hiljade godina. Najdrevnija umjetnost nastala je kao spektakularna zabava za javnost, svečane scene kostimiranih glumaca. Predstave su prvobitno bile tempirane da se poklope sa Velikim Dionizijem, velikim vjerskim praznikom.

Sada je pozorište nesumnjivo nešto više od povorke raspjevanih muškaraca u kozjim kožama kroz grad. Postala je visoka umjetnost, način opuštanja visokog društva, mjesto kulturnog prosvjetljenja. Istorija pozorišta je fascinantan proces razvoja koji traje do danas. Reći ćemo čitatelju u našem članku. U predstavljenom materijalu naći ćete i mnoge zanimljive činjenice. Dakle, počnimo.

Počni

Atina u 5. veku pre nove ere. e. pozorišne predstave bile su sastavni dio vjerskih praznika. Povorke sa kipom Dionisa bile su praćene veselim pjevanjem i dramatičnim igrama. Možemo reći da je istorija atinskog pozorišta započela kao amaterska predstava za mali broj posmatrača. U početku su se postavljale samo tragedije, komedije su se počele prikazivati ​​kasnije. Važno je napomenuti da su predstave, po pravilu, prikazivane samo jednom. To je stimulisalo autore da stvaraju relevantne, zanimljive radove. Dramaturg nije samo napisao dramu, već je bio i punopravni učesnik u predstavi, igrajući uloge reditelja, kompozitora, koreografa, pa čak i glumca. Naravno, radilo se o izuzetno talentovanim ljudima.

Ali da bi postao choreg (vođa hora), nije bio potreban veliki talenat. Trebao im je samo novac i veze sa državnim službenicima. Glavna dužnost chorega bila je plaćanje računa, puna finansijska podrška i podrška pozorištu. To je u to vreme bilo mesto takmičenja, pobedio je čoreg, pesnik i protagonista. Pobjednici su okrunjeni bršljanom i nagrađeni nagradama. Pobjedu su dobili odlukom žirija.

Zanimljiva je činjenica da su stari Rimljani bili pravi ljubitelji realizma. Produkcija se smatrala idealnom u kojoj se glumac naviknuo na ulogu 100% - ako je bilo potrebno, morao je biti spreman čak i na smrt.

U grčkom pozorištu nije bilo krova, publika i glumci su, zapravo, bili na ulici. Veličina antičkih pozorišta bila je ogromna, mogla su primiti od 17 do 44 hiljade ljudi. U početku su se za sjedenje publike koristile drvene platforme, a zatim su padine od prirodnog kamena prilagođene pozorištu. I tek tada, u IV veku pre nove ere. e. izgrađeno je kameno pozorište.

Vjerovatno će vas zanimati da je vlada, počevši od Perikla, omogućila posjetu pozorištu i pridruživanje lijepom, čak i materijalno ugroženim građanima. Za to je svakome dodijeljena subvencija za jednu posjetu pozorištu, a ubuduće i za tri posjete.

Istorija antičkog pozorišta ima jednu karakterističnu osobinu: glumci su svoje uloge igrali bez pomoći sopstvenih izraza lica. Zamijenile su ga svakakve maske, često vrlo groteskne. Glumac je mnogo pažnje posvetio pokretima tijela, odjeći. Glumci su bili muškarci, čak i za ženske uloge. Zauzeli su privilegovan položaj u društvu i bili su oslobođeni poreza.

Zanimljiva je činjenica da je Livije Andronik, starorimski dramatičar, postao otac prvog "fonograma" na svijetu. Ostao je bez glasa, ali se izvukao iz situacije tako što je pronašao dječaka koji je govorio umjesto njega.

Neki pojmovi antičkog pozorišta

Mnoge definicije korištene u antičkim pozorištima preživjele su do danas. U nastavku vam je predstavljen mali rječnik pojmova drevnih vremena:

• Orkestar - dio pozorišta okruglog oblika sa dva ulaza, namijenjen za izvođenje dramskih i lirskih horova. U atinskom pozorištu, njegov prečnik je bio 24 metra.
• Skene je mjesto za presvlačenje. Prvobitno je to bio jednostavan šator, a zatim povezan s komadima ukrasa pozornice, kao što je pozadina.
• Proskenij - kolonada ispred skene.
• Paraskenij - sporedni kameni gospodarski objekti.
• Scena - brdo iznad orkestra, gdje su glumci počeli svirati u kasnoj antici.
• Ekkiklema je mobilna platforma napravljena od drveta koja vam omogućava da transformišete scenu i pomerate glumce po sceni.
• Koturny - cipele s visokim potplatom, koje podsjećaju na štule. Uz pomoć ovakvih cipela, glumci su postali viši, impozantniji i slični mitskim bićima.

Izvanredna činjenica je da je upravo u Rimu prvi put izgovorena fraza "Finita la commedia".

Lutke u pozorišnom svetu

Povijest lutkarskog pozorišta potiče iz Egipta, gdje su sveštenici koristili lutku boga Ozirisa za izvođenje ritualnih radnji. U početku je pozorište lutaka bilo samo ritual i ritual, ali je sada religiozna konotacija izblijedila. Poznata ritualna i ritualna lutkarska pozorišta postoje u mnogim zemljama: Japan (Bunraku), Indonezija (Wayang), Katalonija (El Pastores), Bjelorusija (Batleika) i druge.

U istoriji lutkarskog pozorišta u Americi izdvaja se pozorište nastalo 1962. godine pod nazivom "Hleb i lutka". Sadrži divovske lutke od papir-mašea, očigledne političke prizvuke i ukusne poslastice od hleba na ulazu. Takva interakcija između glumaca i gledatelja je simbolična: pozorišna umjetnost treba biti što bliža ljudima.

Lutke se razlikuju po veličini i izgledu. Tu su prsti i rukavice, štap i tablet, lutke i divovske lutke. Biti glumac u pozorištu lutaka nije tako lako, jer morate biti u stanju oživjeti neživi predmet, obdariti ga karakterom i glasom.

Karakteristična karakteristika svakog lutkarskog pozorišta je ismijavanje nečega, prisustvo morala, edukativni element u scenama. Koliko god gledalac lutkarskog pozorišta imao godina, on će tamo naći ne samo čemu da se smeje, već i o čemu da razmišlja. Često su junaci u pozorištu lutaka neprivlačni, čak i ružni likovi, na primjer, French Open sa kukastim nosom.

Vjerovatno će vas zanimati da glumci nisu uvijek bogati ljudi. U istoriji pozorišta lutaka u Americi postoje činjenice da su gledaoci pozorišta mogli da vide predstavu u zamenu za hranu.

Drama

Istorija dramskog pozorišta seže u antičko doba. Ovo je jedna od umjetničkih formi, uz lutkarsko pozorište, pantomimu, operu i balet. Glavna odlika dramskog pozorišta je da su glumčevi postupci kombinovani sa rečima koje je izgovorio. Scenskom govoru se u ovoj žanrovskoj raznolikosti posvećuje posebna pažnja. Osnova dramske predstave je predstava. U procesu glume moguća je improvizacija, radnja može uključivati ​​ples, pjevanje. Predstava je zasnovana na književnom djelu. Glavni tumač drame ili scenarija je reditelj.

Zanimljiva je činjenica da pozorišni radnici smatraju da odustajanje od scenarija nije dobro. Ako se desila ova nevolja, svakako morate sjediti na njoj.

Pojava domaće pozorišne tradicije

Istorija pozorišta u Rusiji podeljena je na faze:

• Inicijal ("razigran").
• Prosjek.
• Zreo.

Razigrana pozornica

Kao iu starom Rimu, istorija pozorišta u Rusiji je počela kao ne baš ozbiljno zanimanje. Pozorišne predstave su se zvale "zabava", a predstave - "igre". Prvi hronični spomen bufona datira iz 1068. Zapravo, svako bi mogao postati tako zabavan glumac. Sa religijske tačke gledišta, aktivnosti glupana su bile sramotne. U analima se nazivaju slugama đavola, a ruganje, satira i prerušavanje su grijesi. Oštru satiru crkva nije pozdravila, međutim, to nikoga posebno nije zaustavilo.

Buffoons se također nije smatrao umjetnošću koja je ugodna vlastima, naprotiv, oštre društvene teme skečeva, ismijavanje modernih nedostataka činile su glumce opasnim i štetnim. Ali narod je volio gledati i smijati se nastupima glupana. Međutim, treba shvatiti da klasično pozorište, kakvog ga sada poznajemo, nije izraslo iz ovih glupavih scena, već nezavisno od njih, čak i uprkos njima.

srednja faza

Sledeća faza u istoriji ruskog pozorišta je srednja između razigranog i zrelog. U ovoj fazi nastaju dvorska i školska pozorišta. U to vreme vladao je car Aleksej Mihajlovič, glumci dvorskog pozorišta bili su stranci, školsko pozorište su bili studenti. Nakon smrti Alekseja Mihajloviča, aktivnosti dvorskog pozorišta su prestale sve do dolaska na vlast Petra I. Imao je pozitivan stav prema „spektaklima“, ali je, pored zabave, postao obdaren i propagandnom funkcijom. Godine 1702. pojavilo se pozorište za mase - javno. Njena zgrada se zvala "Hram komedije", gde su nastupe izvodila nemačka trupa. Narod nije prihvatio ovo pozorište. Iako Petar I nije postigao svoj cilj, nije učinio pozorište omiljenim mjestom za ljude, javne i popularne, ali je za to postavio sve potrebne preduslove.

Zrela faza u istoriji pozorišne umetnosti

Ovaj period u istoriji stvaranja pozorišta u Rusiji je najvažniji. U ovoj fazi pozorište je počelo da dobija one karakteristike koje su poznate savremenom čoveku, i oblikovalo se u ozbiljnu profesionalnu zajednicu. 30. avgusta 1756. godine dat je početak, odnosno, otvoreno je Carsko pozorište. Isti datum je dan osnivanja Aleksandrinskog teatra u Sankt Peterburgu. To se dogodilo pod Elizabetom Petrovnom.

Karakteristika pozorišta tog vremena bila je istovremeno učešće u produkcijama ruskih i stranih umjetnika. U ovoj fazi prvo je izvođenje uloga bilo povjereno ne samo muškarcima, već i ženama. Katarina II je pridavala veliki značaj pozorištu, pod njom su postojale tri trupe u Sankt Peterburgu, utrošena je fantastična količina novca na razvoj ove industrije.

Pored razvoja države, Katarina je obratila pažnju na privatna pozorišta plemstva, bilo je, na primjer, pozorište Šeremetjeva, Volkonskog, Rumjanceva. Čak su i u provincijama stvorene vlastite trupe zemljoposjednika. Gradilo se rusko pozorište, odnosno same predstave, po uzoru na njihove francuske kolege. Na čelu francuske škole glume bio je I. A. Dmitrevski, koji je odgojio više od jedne generacije vrsnih glumaca.

Da li ste znali?

Čitaocu predstavljamo još nekoliko zanimljivih činjenica iz istorije pozorišne umetnosti.

U vreme dok je Puškin bio živ, pozorišta u Rusiji nisu bila potpuno smeštena. Zadnje redove okupirali su ljudi koji su stajali na nogama tokom cijelog nastupa.

Značajna predstava u istoriji ruske pozorišne umetnosti je "Podrast" D. I. Fonvizina, koja je postala prvi pokušaj ismevanja zvaničnika, plemića, tipičnih likova 18. veka. Starodum (pozitivan lik) prvi je igrao upravo gore spomenutog Dmitrevskog.

Godine 1803. carska pozorišta su podijeljena. Pojavile su se dramske i muzičke trupe, kao i operske i baletske trupe u sastavu muzičke. Dominacija francuske škole sviranja na ruskoj sceni trajala je do 19. veka. Tada je ruski teatar konačno stao na noge i krenuo svojim putem. Usvojeno iskustvo postalo je dobra baza, a otkriće novih talentovanih ruskih kompozitora, glumaca, plesača podiglo je pozorište na visok nivo.

P. N. Arapov je prvi opisao čitavu istoriju ruskog pozorišta u jednoj enciklopediji - "Hronike ruskog pozorišta". Pojavljuju se pozorišni časopisi i profesionalni kritičari. Tako je razvoj pozorišta dao podsticaj, između ostalog, i ruskoj književnosti.

Najpoznatije pozorište u Moskvi

Istorija Boljšog teatra počinje 28. marta 1776. Na današnji dan u Moskvi je carica Katarina II potpisala „privilegiju“ za princa Petra Urusova, koja mu je dozvolila da održava pozorište deset godina. U početku se zvao Petrovski teatar (u čast ulice kojom je išao ulaz). Godine 1805. zgrada je u potpunosti izgorjela, a novi projekt izradio je arhitekta Osip Bove. Godine 1820. počela je gradnja, koja je trajala 5 godina.

Izgrađeno pozorište je postalo veće, po čemu je i dobilo ime. Ova prelepa, skladna, bogata građevina obradovala je stanovnike Moskve sve do 1853. godine, kada je izbio drugi požar. Ovoga puta rekonstrukcija je povjerena arhitekti Albertu Kavosu. Pozorište je obnovljeno već 1856. godine. Carski Boljšoj teatar postao je poznat ne samo u Rusiji, već i u svijetu: imao je odličnu akustiku. Godine 1917, nakon Revolucije, naziv je promijenjen u Državni Boljšoj teatar. Dekoracija je dopunjena sovjetskim simbolima.

Teško je povrijeđen tokom Velikog Domovinskog rata, uzimajući bombu. Zgrada je ponovo rekonstruisana. Do 1987. godine zgrada je bila podvrgnuta samo manjim kozmetičkim popravkama. Sada je Boljšoj teatar zgrada sa novom binom u kojoj se mogu koristiti savremeni efekti. Istovremeno, zadržao je duh klasične arhitekture, svoju akustiku "potpis", što mu daje pravo da se smatra jednim od najboljih pozorišta na svetu. Ovo je istorija Boljšoj teatra.

I za kraj, još jedna, ništa manje zanimljiva činjenica. Filmovi koji se u potpunosti ili djelimično odvijaju u pozorištu: Birdman, Umjetnik katastrofe, La La Land, Fantom iz opere, Burleska priče, Nokaut, Udarni Brodvej, Crni labud, "Lutkar", "Užasno velika avantura" , "Zaljubljeni Šekspir", "Ubistvo u malom gradu", "Kej Orfevr".

Istorija pozorišta (drame i drugih žanrova ove umetnosti) nastaviće da se razvija, jer interesovanje za njega ostaje nepromenjeno više od dve hiljade godina.