Umetnici Francuske (francuski umetnici). Najbolji francuski umjetnici Pjevač galantne ere

To je više od lijepih slika, to je odraz stvarnosti. U djelima velikih umjetnika možete vidjeti kako su se promijenili svijet i svijest ljudi.

Umjetnost je i pokušaj stvaranja alternativne stvarnosti u kojoj se možete sakriti od užasa svog vremena ili želje da promijenite svijet. Umetnost 20. veka s pravom zauzima posebno mesto u istoriji. Ljudi koji su živjeli i radili tih dana preživjeli su društvene prevrate, ratove i neviđeni razvoj nauke; i sve je to našlo pečat na njihovim platnima. U kreiranju moderne vizije sveta učestvovali su umetnici 20. veka.

Neka imena se i dalje izgovaraju uz dah, a neka su nepravedno zaboravljena. Neko je imao toliko kontroverzan stvaralački put da mu još ne možemo dati jednoznačnu ocjenu. Ova recenzija se fokusira na 20 najvećih umjetnika 20. stoljeća. Camille Pizarro- Francuski slikar. Izvanredan predstavnik impresionizma. Na umjetnikov rad utjecali su John Constable, Camille Corot, Jean Francois Millet.
Rođen 10. jula 1830. u Saint Thomasu, umro 13. novembra 1903. u Parizu.

Ermitaž u Pontoiseu, 1868

Operni pas u Parizu, 1898

Zalazak sunca u Varengevilleu, 1899

Edgar Degas - Francuski umetnik, jedan od najvećih impresionista. Na Degasovom stvaralaštvu se prati uticaj japanske grafike Rođen 19. jula 1834. u Parizu, umro 27. septembra 1917. u Parizu.

Apsint, 1876

Zvezda, 1877

Žena se češlja, 1885

Paul Cezanne - Francuski slikar, jedan od najvećih predstavnika postimpresionizma. U svom radu nastojao je da otkrije harmoniju i ravnotežu prirode. Njegov rad je imao ogroman uticaj na svjetonazor umjetnika XX vijeka.
Rođen 19. januara 1839. u Aix-en-Provence, Francuska, umro 22. oktobra 1906. u Aix-en-Provence.

Kockari, 1893

Moderna Olimpija, 1873

Mrtva priroda sa lobanjama, 1900

Claude Monet- izvanredan francuski slikar. Jedan od osnivača impresionizma. Monet je u svojim djelima nastojao prenijeti bogatstvo i bogatstvo svijeta oko sebe. Njegov kasni period karakteriše dekorativnost i
Kasni period Monetovog stvaralaštva karakterizira dekorativnost, sve veće rastvaranje objektivnih formi u sofisticiranim kombinacijama kolorističkih mrlja.
Rođen 14. novembra 1840. u Parizu, umro 5. decembra 1926. u Žvernom.

Welk Cliff u Pourvilleu, 1882

Poslije ručka, 1873-1876

Etreta, zalazak sunca, 1883

Arkhip Kuindzhi - poznati ruski umetnik, majstor pejzažnog slikarstva. Rano je ostao bez roditelja. Od ranog detinjstva počela se manifestovati ljubav prema slikarstvu. Rad Arhipa Kuindžija imao je ogroman uticaj na Nikolu Reriha.
Rođen 15. januara 1841. u Mariupolju, umro 11. jula 1910. u Sankt Peterburgu.

"Volga", 1890-1895

"Sjever", 1879

"Pogled na Kremlj iz Zamoskvorečja", 1882

Pierre Auguste Renoir - Francuski slikar, grafičar, vajar, jedan od istaknutih predstavnika impresionizma. Bio je poznat i kao majstor sekularnog portreta. Auguste Rodin postao je prvi impresionista koji je postao popularan među bogatim Parižanima.
Rođen 25. februara 1841. u Limožu u Francuskoj, umro 2. decembra 1919. u Parizu.

Pont des Arts u Parizu, 1867

Bal u Moulin de la Galette, 1876

Jeanne Samary, 1877

Paul Gauguin- Francuski umetnik, keramički vajar, grafičar. Uz Paula Cezana i Vincenta van Gogha, jedan je od najistaknutijih predstavnika postimpresionizma. Umjetnik je živio u siromaštvu jer njegove slike nisu bile tražene.
Rođen 7. juna 1848. u Parizu, umro 8. maja 1903. na ostrvu Hiva Oa, Francuska Polinezija.

Bretonski pejzaž, 1894

Bretonsko selo u snijegu, 1888

Da li ste ljubomorni? 1892

Dan svetaca, 1894

Vasilij Kandinski - Ruski i njemački umjetnik, pjesnik, teoretičar umjetnosti. Smatra se jednim od vođa avangarde prve polovine 20. veka. Jedan od osnivača apstraktne umjetnosti.
Rođen 22. novembra 1866. u Moskvi, umro 13. decembra 1944. u Neuilly-sur-Seine, Francuska.

Par na konju, 1918

Šareni život, 1907

Moskva 1, 1916

U sivom, 1919

Henri Matisse - jedan od najvećih francuskih slikara i vajara. Jedan od osnivača fovističkog pokreta. U svom radu nastojao je da prenese emocije kroz boju. U svom radu bio je pod utjecajem islamske kulture zapadnog Magreba. Rođen 31. decembra 1869. u gradu Le Cateau, umro 3. novembra 1954. u gradu Cimiez.

Trg u Saint-Tropezu, 1904

Nacrt Notre Damea noću, 1902

Žena sa šeširom, 1905

Ples, 1909

Italijan, 1919

Portret Delektorske, 1934

Nikolas Roerich- Ruski umetnik, pisac, naučnik, mistik. Tokom svog života naslikao je preko 7.000 slika. Jedna od istaknutih kulturnih ličnosti 20. vijeka, osnivač pokreta "Mir kroz kulturu".
Rođen 27. oktobra 1874. u Sankt Peterburgu, umro 13. decembra 1947. u Kuluu, Himachal Pradesh, Indija.

Prekomorski gosti, 1901

Veliki duh Himalaja, 1923

Poruka iz Šambale, 1933

Kuzma Petrov-Vodkin - Ruski umetnik, grafičar, teoretičar, pisac, učitelj. Bio je jedan od ideologa reorganizacije umjetničkog obrazovanja u SSSR-u.
Rođen 5. novembra 1878. u gradu Hvalinsku, Saratovska gubernija, umro 15. februara 1939. u Lenjingradu.

"1918. u Petrogradu", 1920

"Dečaci koji se igraju", 1911

Kupanje crvenog konja, 1912

Portret Ane Ahmatove

Kazimir Malevich- ruski umetnik, osnivač suprematizma - pravac u apstraktnoj umetnosti, učitelj, teoretičar umetnosti i filozof
Rođen 23. februara 1879. u Kijevu, umro 15. maja 1935. u Moskvi.

Odmor (Društvo u cilindrima), 1908

"Seljanke sa kantama", 1912-1913

Crni suprematistički trg, 1915

Suprematističko slikarstvo, 1916

Na bulevaru, 1903

Pablo Picasso- španski slikar, vajar, vajar, keramičar dizajner. Jedan od osnivača kubizma. Rad Pabla Pikasa imao je značajan uticaj na razvoj slikarstva u 20. veku. Prema anketi čitalaca časopisa Time
Rođen 25. oktobra 1881. u Malagi, Španija, umro 8. aprila 1973. u Mouginsu, Francuska.

Djevojka na lopti, 1905

Portret Ambroisa Vallora, 1910

Tri Gracije

Portret Olge

Ples, 1919

Žena sa cvetom, 1930

Amadeo Modigliani- Italijanski slikar i vajar. Jedan od najsjajnijih predstavnika ekspresionizma. Za života je imao samo jednu izložbu u decembru 1917. u Parizu. Rođen 12. jula 1884. u Livornu, Italija, umro 24. januara 1920. od tuberkuloze. Posthumno dobio svjetsko priznanje Svjetsko priznanje posthumno.

Violončelista, 1909

Supružnici, 1917

Joan Hebuterne, 1918

Mediteranski pejzaž, 1918

Diego Rivera- Meksički slikar, muralist, političar. Bio je muž Fride Kalo. Lav Trocki je nakratko našao utočište u njihovoj kući.
Rođen 8. decembra 1886. u Guanajuatu, umro 21. decembra 1957. u Meksiko Sitiju.

Notre Dame de Paris na kiši, 1909

Žena kod bunara, 1913

Savez seljaka i radnika, 1924

Industrija Detroita, 1932

Marc Chagall- ruski i francuski slikar, grafičar, ilustrator, pozorišni umetnik. Jedan od najvećih predstavnika avangarde.
Rođen 24. juna 1887. u gradu Liozno, Mogiljovska gubernija, umro 28. marta 1985. u Sen Pol de Provansu.

Anyuta (Portret sestre), 1910

Mlada sa lepezom, 1911

Ja i selo, 1911

Adam i Eva, 1912

Mark Rothko(sada Mark Rotkovich) je američki umjetnik, jedan od osnivača apstraktnog ekspresionizma i osnivač slikarstva polja boja.
Prva djela umjetnika nastala su u realističkom duhu, međutim, onda se sredinom 40-ih Mark Rothko okrenuo nadrealizmu. Do 1947. događa se najvažnija prekretnica u stvaralaštvu Marka Rothka, on stvara vlastiti stil - apstraktni ekspresionizam, u kojem odstupa od objektivnih elemenata.
Rođen 25. septembra 1903. u gradu Dvinsku (danas Daugavpils), umro 25. februara 1970. u Njujorku.

Untitled

Broj 7 ili 11

narandžasta i žuta

Salvador Dali- slikar, grafičar, vajar, pisac, dizajner, reditelj. Možda najpoznatiji predstavnik nadrealizma i jedan od najvećih umjetnika 20. stoljeća.
Dizajnirao Chupa-Chups.
Rođen 11. maja 1904. u Figueresu, Španija, umro 23. januara 1989. u Španiji.

Iskušenje svetog Antuna, 1946

Posljednja večera, 1955

Žena sa glavom od ruža, 1935

Moja supruga Gala, gola, gleda u svoje tijelo, 1945

Frida Kalo - Meksički umjetnik i grafičar, jedan od najsjajnijih predstavnika nadrealizma.
Frida Kahlo počela je da slika nakon saobraćajne nesreće u kojoj je godinu dana ostala prikovana za krevet.
Bila je udata za poznatog meksičkog komunističkog umjetnika Diega Riveru. Leon Trocki je nakratko našao utočište u njihovoj kući.
Rođen 6. jula 1907. u Coyoacanu u Meksiku, umro 13. jula 1954. u Coyoacanu.

Zagrljaj univerzalne ljubavi, Zemlja, ja, Diego i Coatl, 1949

Mojsije (Kreacijska jezgra), 1945

Dva Frida, 1939

Andy Warhole(pravi. Andrey Varhola) - američki umjetnik, dizajner, režiser, producent, izdavač, pisac, kolekcionar. Osnivač pop arta, on je jedna od najkontroverznijih ličnosti u istoriji kulture. Na osnovu života umjetnika snimljeno je nekoliko filmova.
Rođen 6. avgusta 1928. u Pitsburgu, Pensilvanija, umro 1963. u Njujorku.

Umjetnost i dizajn

7199

24.09.15 01:41

„Tako mala, očito je bila precijenjena!“ neki turisti koji su namjerno došli u Luvr da vide lokalno svetište, Mona Lizu, gunđaju... Louvre Louvre, ali ne zaboravite da su mnogi poznati slikari rođeni u samoj Francuskoj. Napravimo kratak izlet u prošlost ove zemlje i prisjetimo se najboljih francuskih umjetnika.

Najbolji francuski umetnici

Veliki klasičar

Rođen krajem 16. stoljeća, Nicolas Poussin je sa entuzijazmom usvojio tehnike majstora visoke renesanse, uključujući autora La Gioconda da Vinci i Raphaela. Njegove slike često sadrže biblijske likove, mitološke scene (čak i ciklus pejzaža posvećenih godišnjim dobima, i to inspirisan Biblijom). Norman Poussin stajao je na počecima klasicizma; njegov doprinos francuskoj umjetnosti ne može se precijeniti. U našem Ermitažu nalazi se njegova slika „Počivaj na bekstvu u Egipat“.

Pevačica galantne ere

Antoine Watteau, koji je rođen skoro dvije decenije nakon Poussinove smrti, čvrsto je vladao na "Olimpu" francuskih umjetnika. U njegovo vrijeme u Evropi nije postojao ni jedan slikar koji bi mu mogao parirati u vještini. Živio je samo 36 godina, ali je uspio ostaviti mnogo remek-djela. Svakodnevne scene, pejzaži, portreti Watteaua su šarmantni i elegantni, nazivaju ga pretečom rokoko stila. Za prijem na Akademiju umjetnosti, mladić je naslikao dvije verzije slike "Hodočašće na ostrvo Cythera" (jedna se čuva u Berlinu, druga u Louvreu u Parizu). Ermitaž je nabavio nekoliko djela francuskog umjetnika, uključujući sliku Glumci francuske komedije.

Daroviti pejzažista

Prvoklasni marinski i pejzažni slikar Claude Joseph Vernet dugo je radio u Italiji. Napuljska obala i moćni Tiber ostavili su traga na njegovom radu. U kolekciji Luvra nalaze se „Pogled na most i dvorac Svetog anđela“ i „Pogled na Napulj sa Vezuvom“, a u Ermitažu su izložene „Stene kraj mora“, „Jutro u Kastelamareu“ i neka druga majstorova remek-dela.

Romantične kolege

Eugene Delacroix, predstavnik romantičarskog pokreta u umjetnosti, rođen je na prijelazu iz 18. u 19. stoljeće i stekao je dobro obrazovanje. Voleo je da kopira remek-dela starih majstora - na njima je brusio svoju umetnost. Eugene je bio prijatelj sa Alexandreom Dumasom i divio se Géricaultovom radu. Neke od najpoznatijih Delacroixovih slika (često je birao istorijske teme) su “Sloboda na barikadama” i “Smrt Sardanapala”.

Drugi romantičar, Theodore Gericault, bio je samo nekoliko godina stariji od Delacroixa, ali je bio veliki autoritet za svog kolegu. Avaj, sudbina mu je odmjerila vrlo kratko vrijeme - u 32. godini slikar je pao s konja i srušio se. Teodor je više volio bitke velikih razmjera, kopirao je Rubensa, jer je bio strastveni obožavatelj Flamanaca. Čak i ako niste čuli ime ovog francuskog umjetnika, vjerovatno ste naišli na reprodukcije iz Gericaultovog remek-djela "Splav Meduze" (ovo djelo je ponos Louvrea).

Eternal Wanderer

Eugene Henri Paul Gauguin nam je poznatiji. Postimpresionista je uhvatio početak dvadesetog veka, ali je otišao prilično rano: umro je u 54. godini 1903. u Francuskoj Polineziji. Kažu da je genija ubio bolesti (najgora od njih je neizlječiva guba). U mladosti je mnogo putovao: Paul je služio kao jednostavan mornar na ratnom brodu, bio je ložač na brodovima trgovačke flote. Ti utisci su se, naravno, odrazili i na radove slikara. Gotovo je svoj život posvetio posredništvu, ali je na vrijeme stao i posvetio se kreativnosti. Čak su i neupućeni ljudi upoznati sa živopisnim slikama koje je stvorio Gauguin, na primjer, "Žena koja drži voće".

leteće siluete

Svako od vas je čuo izraz "Degas balerine". Ovaj francuski umjetnik zaista je crpio inspiraciju iz baletskih škola i proba. Njegovi lagani pastelni potezi uspjeli su uhvatiti graciozne lagane nagibe glave, piruete, naklone, skokove - to vidimo na platnima impresionista "Lekcija plesa" ili "Plavi plesači". Nadaleko poznate su njegove svakodnevne scene: "Apsint", "Peglači".

Otac impresionizma

Još jedan klasik evropskog slikarstva - Edouard Manet (jedan od "očeva" impresionizma) - poput Degasa, volio je da prikazuje život građana: njihove šetnje u vrtu ili piknike u prirodi. Njegovi portreti odlikuju se jednostavnošću i bezumjetnošću, a na kraju života iznenada se zainteresirao za mrtve prirode. Olimpija, Željeznica, Doručak na travi smatraju se svjetski poznatim remek-djelima.

Sentimentalno i biserno

Omiljeni žanr Pierre-Auguste Renoir-a bio je portret. Sekularna pohlepa, mlade nevine djeve, zaljubljeni parovi oživljavaju pod sigurnim potezima majstorovog kista. Počevši kao impresionista, Pjer se postepeno razočarao u njega i pridružio se klasicistima. Njegova umjetnost je sentimentalna i sedefasta. Pogledajte "Devojke za klavirom" ili "Prolećni buket", platna kao da sijaju iznutra.

Da li seljak, bilo mislilac...

Paul Cezanne, sa svojim siluetama isklesanim u kamenu na portretima i pomalo „zamazanim“ pejzažima, svijetli je predstavnik postimpresionizma. I u stvaralaštvu i u životu, bio je škrt na emocijama, lakonski i ne baš emotivan - nešto je u njemu bilo od seljaka, nešto od naučnika-mislioca. Zanimljivo je da je to njegovo remek-djelo "Igrači karata" - jedna od najskupljih slika na svijetu (2012. kupljena je za kolekciju katarskog emira za 250 miliona dolara).

Zla stijena aristokrata

Posljednji na našoj listi najboljih francuskih umjetnika je siromašni momak Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Zašto jadnik? Da, pripadao je drevnoj županijskoj porodici, ali mladić je u dobi od 13 i 14 godina uspio prvo slomiti butinu jedne, a zatim i druge noge, zbog čega su prestale rasti. Henri je ostao polu-patuljak sa invaliditetom. Nemogućnost da se napravi vojna karijera šokirala je cijelu porodicu, a sam Henri je bio ohrabren da se bavi slikanjem. Učio je kod majstora (veoma je volio djela Degasa i Cezannea), a kada je stigao u Pariz, postao je gost kabarea i kafana, pio se, obolio od sifilisa i umro u 37. godini. Njegovi grafički radovi i slike su prepoznati nakon njegove smrti. Portreti umjetnika i prostitutki iz Moulin Rougea, čijim je uslugama Toulouse Lautrec bio prisiljen pribjeći, danas se smatraju remek-djelima.

M. Prokofjeva, Yu. Kolpinsky

1880-ih godina u likovnoj umjetnosti Francuske, posebno u slikarstvu, počeo je odmak od impresionizma. Kao što je ranije spomenuto (vidjeti tom V), već u radu brojnih impresionista postojale su tendencije napuštanja realističkog plenera iz 1870-ih i pojavio se dekorativniji način izvedbe. Ovaj proces se posebnom snagom osjetio do 1890-ih. u djelu tako tipičnog majstora impresionizma kao što je C. Monet.

Međutim, od većeg značaja nisu bile promjene u kasnijem stvaralaštvu samih impresionista, već promicanje grupe novih imena u prvi plan umjetničkog života. Majstori ove nove umjetničke generacije nikako nisu jedinstveni, oni svoj umjetnički zadatak prihvaćaju na različite načine i rješavaju ga na različite načine. U nekim slučajevima, umjetnici su nastojali dodatno modificirati impresionizam, u drugima, u nastojanju da prevaziđu ograničene strane impresionizma ili ono što im se činilo njegove ograničene strane, suprotstavljali su mu se svojim razumijevanjem prirode slike i uloge umjetnosti. .

Dakle, rad osnivača divizionizma, Seurata i Signaca, dekorativno i simboličko slikarstvo Gauguina, intenzivno stvaralaštvo Cezannea, suvremenika impresionizma, usko je povezano, međutim, s novim problemima 1880-ih i 1890-ih, strastvene pretrage Van Gogha, nervozno oštre umjetnosti Toulousea - Lautreka samo uvjetno mogu ujediniti koncept "postimpresionizma" koji se ukorijenio u literaturi (od latinskog post - poslije).

Naravno, sam razvoj društvene stvarnosti Francuske postavio je za umjetnost niz zajedničkih zadataka, ali su ih ovi umjetnici realizirali i rješavali na različite načine. U osnovi, francuska umjetnost tih godina bila je suočena sa zadatkom pronalaženja novih oblika realizma sposobnih da estetski ovladaju i umjetnički istinito izraze nove aspekte života kapitalističkog društva, te promjene u javnoj svijesti, u poravnanju klasnih snaga koje su bile povezane sa početak njene tranzicije u kvalitativno novu, imperijalističku fazu razvoja.

Potreba da se odraze, s jedne strane, oštre disonance života velikog grada, sve veća dehumanizacija uslova društvenog i ličnog života osobe, as druge strane, oživljavanje političke aktivnosti radnička klasa Francuske nakon poraza Pariske komune, postajala je sve hitnija.

Istovremeno, jačanje reakcionarnosti vladajuće buržoaske ideologije i apsolutizacija formalno-profesionalne strane bilo koje vrste društvene djelatnosti, koja je karakteristična za buržoasko društvo, uključujući i umjetničko stvaralaštvo, nisu mogli a da ne ispolje svoj ograničavajući utjecaj. o potrazi za umjetnicima 1880-1890-ih. Otuda složena nedosljednost i dualnost rezultata intenzivnih inovativnih traganja, toliko karakterističnih za francusku umjetnost od kraja 19. stoljeća.

Povećano zanimanje za čisto optičke otiske, sklonost dekorativnim rješenjima koja izdvajaju kasni period stvaralaštva najdosljednijeg predstavnika impresionizma - Claudea Moneta - nastavljaju se razvijati i iscrpljivati ​​se u drugoj polovini 1880-ih. u umjetnosti Georgesa Seurata (1859-1891) i Paula Signaca (1863-1935). Umjetnost ovih majstora po mnogo čemu je bliska impresionizmu: odlikuje ih i strast prema žanru pejzaža i prizorima modernog života, sklonost razvijanju samih slikovnih problema. Potonji je, međutim, za razliku od direktne svježine vizualne percepcije u najboljim djelima impresionista, svjesno i metodički zasnovan na formalnoj i racionalnoj primjeni na umjetnost modernih naučnih otkrića iz oblasti optike (radovi E- Chevreil, G. Helmholtz, D. Maxwell, O.N. Ore).

Prema Seuratu, umjetnik mora biti vođen zakonom spektralne analize, koji se može koristiti za razlaganje boje i njenih komponenti i utvrđivanje tačnih granica interakcije tonova. Otuda je jedno od naziva ovog trenda divizionizam (od francuskog division - podjela). Miješanje boja na paleti koje su u praksi dozvoljavali impresionisti kategorički je isključeno, ustupajući mjesto samo optičkom efektu čistih boja na mrežnjaču oka. Željeni efekat mogao se postići samo kao rezultat slikarskog poteza određene forme. Ovaj jednoobrazni (tačkasti) način dao je naziv novoj školi – pointilizam (od francuskog point – tačka).

Ovako stroga regulativa, naravno, trebala je donekle nivelirati rad prilično brojnih umjetnika grupisanih oko Seurata i Signaca (Albert Dubois-Pillet, Theo van Reiselberge, Henri ~)dmond Cross, itd.). Međutim, najveći od njih - poput Seurata, Signaca, Camillea Pissarroa (koji su se nakratko pridružili ovom pravcu) - imali su dovoljno karakterističnih i upečatljivih crta svog kreativnog manira i talenta da doslovno slijede vlastitu doktrinu.

Jedno od najtipičnijih Seuratovih djela je “Nedjeljna šetnja ostrvom Grand Jatte” (1884-1886; Čikago, Institut za umjetnost). Prikazujući grupe ljudi na pozadini zelene obale rijeke, majstor je prije svega tražio riješiti problem interakcije ljudskih figura u svjetlo-vazdušnom okruženju. Slika je podijeljena u dvije jasne zone: osvijetljenu, gdje umjetnik, slijedeći svoju teoriju, radi toplom čistom bojom, i zasjenjenu, gdje preovlađuju hladni čisti tonovi. Unatoč suptilnosti šarenih kombinacija i uspješnom prijenosu sunčeve svjetlosti, tačke poteza, koje podsjećaju na mozaične perle razbacane po platnu, odaju dojam neke suhoće i neprirodnosti. Sklonost oštrom lokalnom dekorativizmu postaje još očiglednija u Seuratovim radovima kasnih 1880-ih i ranih 1890-ih kao što su "Parada" (New York, Clark kolekcija), "Modeli", ((Nedjelja u Port-en-Bessenu" (Otterlo , Muzej Kroller-Mullsr)," Circus "(Louvre). Istovremeno, u ovim radovima, posebno u Cirkusu, Seurat pokušava oživjeti principe potpune dekorativne i monumentalne kompozicije, pokušavajući prevladati određenu fragmentaciju, kao npr. ako trenutni slučajni sastav impresionista. Ova tendencija bila je karakteristična ne samo za Seurata, već i za jedan broj umjetnika generacije koja je slijedila impresioniste. Međutim, opšta formalno-dekorativna priroda Seuratovih traganja, u suštini, nije doprinijela zaista plodno rješenje ovog važnog problema.

Umjetnost Paula Signaca donekle se razlikovala od hladnog intelektualizma Seurata, koji je u svojim pejzažnim radovima postigao relativno veliku emocionalnost u prenošenju šarenih kombinacija (na primjer, "Pješčana obala", 1890; Moskva, Puškinov muzej), "Papinski dvorac u Avignon" (1900; Pariz, Muzej savremene umetnosti). Povećano interesovanje za ekspresivnost zvuka u boji na slici čini da Signac daje brojne morske pejzaže 1880-ih. nazivi muzičkih tempa - "Larghetto", "Adagio", "Scherzo" itd.

Problem oživljavanja plastične materijalnosti slike, vraćanja na novim osnovama stabilnoj kompozicionoj konstrukciji slike postavio je veliki predstavnik francuskog slikarstva kasnog 19. stoljeća. Paul Cezanne (1839 - 1906). Istih godina kao Monet, Renoir i Sisley, Cezanne radi hronološki paralelno sa ovim majstorima. Ali njegova se umjetnost u svojoj originalnosti oblikuje upravo 1880-ih. i pripada postimpresionizmu.

Rana Cezanneova djela, napisana 1860-ih. u Parizu, obeležen uticajem Domijea i Kurbea („Portret monaha“, 1865-1867, Njujork, Frikova kolekcija; „Pastoral“, 1870, Pariz, kolekcija Pellerin; „Ubistvo“, 1867-1870, Njujork , galerija Wildenstein).

U Daumieru je rani Cezanne uzeo one romantične trenutke, koji su ukazivali na ekspresivnost oblika i dinamiku kompozicione konstrukcije, koji su, međutim, nešto drugačiji na nekim njegovim slikama posljednjih godina. Istovremeno, Cezanne je težio maksimalnoj materijalnosti u prikazu objekata. Nije slučajno što je i on, kao i Courbet, često preferirao kistove s lopaticom. Ali, za razliku od Courbeta, opipljivu gustoću slike Cezanne postiže ne toliko chiaroscuro modeliranjem koliko kontrastima boja. Ova težnja da se materijalnost svijeta prenese isključivo likovnim sredstvima uskoro će postati vodeća u umjetnikovom stvaralaštvu.

Pissarrov savjet, kojeg je Cezanne upoznao na Akademiji u Švicarskoj, pomogao je umjetniku da prevlada namjernu težinu svog manira: potezi postaju lakši, transparentniji; paleta je istaknuta (na primjer, "Kuća obješenog čovjeka, Auvers-sur-Oise", 1873; Louvre).

Međutim, blisko upoznavanje s metodom impresionista ubrzo izaziva kreativni protest majstora. Ne poričući koloristička dostignuća škole C. Moneta, Cezanne prigovara samoj želji da se svijet popravi u njegovoj beskrajnoj promjenjivosti. Nasuprot tome, on iznosi neke opšte, nepromenljive ideje o stvarnosti, koje se, prema umetniku, zasnivaju na otkrivanju unutrašnje geometrijske strukture prirodnih oblika.

Kontemplacija je svojstvena Sezanovoj umjetnosti. To stvara onaj osjećaj epskog mira, unutrašnje koncentracije, intelektualnog promišljanja svemira, koji karakterizira djela slikara zrelog perioda. Otuda stalno nezadovoljstvo stvorenim, želja da se naslikana slika iznova ponavlja, umjetnikova izuzetna upornost. Ne bez razloga, Cezanneov prijatelj i biograf Ambroise Vollard nazvao je proces njegovog rada "razmišljanjem s kistom u ruci". Slikar je sanjao o "povratku klasicizmu kroz prirodu". Cezanne pomno i pažljivo proučava prirodu, „Pisati ne znači ropski kopirati predmet“, rekao je umjetnik, „to znači uhvatiti harmoniju između brojnih odnosa, znači prevesti ih u svoj raspon...“.

Da bi prenio objektivni svijet, u kojem su najvrednije kvalitete za Cezannea bile plastičnost, struktura, koristio se metodom zasnovanom na čisto slikovnim sredstvima. Volumetrijsko modeliranje i prostor štafelajne slike izgradio je ne uz pomoć chiaroscura i linijsko-grafičkih sredstava, već bojom. Ali, za razliku od impresionista, boja za Cezannea nije bila element koji ovisi o osvjetljenju. Slikar je koristio omjere boja kako bi rastvorio vale u njima i, ne pribjegavajući modeliranju, izvajao volumene "modulacije") same boje. “Nema linija, nema chiaroscura, postoje samo kontrasti boja. Modeliranje objekata proizilazi iz pravilnog odnosa tonova”, rekao je umjetnik.

Takvi principi bi mogli biti utjelovljeni s najvećim efektom tamo gdje bi dominirali neživi, ​​nepomični objekti. Stoga je Cezanne preferirao rad uglavnom u žanru pejzaža i mrtve prirode, što mu je omogućilo da svoju pažnju koncentriše na prijenos plastično vidljivih oblika. S druge strane, takva formalno kontemplativna metoda u svojoj pravoj suštini odmah je ograničila njegove kreativne mogućnosti. Neobična tragedija Cezanneovog rada leži u tome što je, boreći se za rehabilitaciju cjelokupnog sintetizirajućeg pogleda na svijet koji su izgubili impresionisti, isključio iz vida svu onu stvarnu nedosljednost stvarnosti, svo to bogatstvo ljudskih postupaka, emocija i iskustva, koja čine pravi sadržaj života.

Čak je i beskonačnu raznolikost životnih oblika majstor često preispitao u smislu svođenja na neke jasno organizirane konstruktivne sheme. To, naravno, ne znači da je umjetnik jednom zauvijek nastojao sve prirodne oblike svesti na određeni broj najjednostavnijih stereometrijskih elemenata. Ali takva tendencija ponekad je sputala stvaralačku maštu umjetnika, i, što je najvažnije, kao rezultat toga, pojavila se ona statična karakteristika Cezanneove umjetnosti, koja se može pratiti u slici gotovo svakog motiva. Ovo je posebno upečatljivo kada se slikar poziva na sliku neke osobe. Međutim, u najboljim slikama posvećenim liku čovjeka, gdje Cezanne ne nastoji previše jasno primijeniti svoju umjetničku doktrinu, postiže veliku umjetničku uvjerljivost. Poetičan i vrlo životan portret umjetnikove supruge iz kolekcije Kressler u New Yorku (1372-1877). U Pušaču (između 1895. i 1900.; Ermitaž) on prenosi osjećaj smireno suzdržane zamišljenosti i unutrašnje koncentracije. Međutim, Sezan stvara i niz hladnijih djela, u kojima se počinje osjećati svojevrsni kontemplativno-otuđeni, da tako kažemo, „mrtvu prirodu“ pristup čovjeku.

Nije slučajno da su upravo na polju pejzaža, a posebno mrtve prirode, Cezanneova ostvarenja, ako ne najznačajnija, onda, u svakom slučaju, najbezuslovnija. "Pejzaž parka" (1888-1890; Minhen, zbirka Reber) može poslužiti kao tipičan primjer Sezanovog zrelog pejzaža. Jasna horizontala mosta, uokvirena vertikalnim gomilama drveća nagnutih nad vodom, promišljena paralelnost planova bliski su ravnoteži klasične scenske kompozicije. Mirna površina rijeke odražava obrise teškog lišća, kuće na obali, neba sa rijetkim oblacima obasjanim suncem. Za razliku od boje i atmosferske vibracije impresionističkog pejzaža, Cezanne zgušnjava boju, pokušavajući prenijeti materijalnost zemlje i vode. Na platno se nanose debeli potezi plavim, smaragdnim i žutim bojama, koje se percipiraju kao vrlo složene u smislu prijelaza i gradacija, ali su kolorne mase svedene na jedan ton. Teške grane i vodeno ogledalo obrađuju se na volumetrijski i generaliziran način.

Cezanneovi pejzaži kasnih 1870-ih-1890-ih. uvijek monumentalni: svaki od njih je prožet epskom veličinom, osjećajem stabilnosti, svrsishodne uređenosti, vječnosti prirode („Obale Marne“, 1888, Puškinov muzej; „Okret na putu“, 1879-1882, Boston , Muzej likovnih umjetnosti; "Mali most", 1879, Louvre; "Pogled na zaljev Marseille sa Estac", 1883-1885, New York, Metropolitan Museum of Art).

Ekspresivnost plastičnosti predmeta Sezan prenosi u svojim brojnim mrtvim prirodama zrelog perioda („Mrtva priroda sa korpom voća“, 1888-1890, Luvr; „Plava vaza“, 1885-1887, Luvr; „Lonac sa geranijumom“ i voće”, 1890-1894, New York, Metropolitan Museum of Art). Ovdje teži kontrastnom suprotstavljanju oblika i kombinacija boja, što općenito stvara dojam promišljenog sklada kompozicije.

Na slici "Breskve i kruške" (1888-1890; Muzej Puškina) odabir predmeta je strogo promišljen: horizontala stola naglašava naboranost stolnjaka, na koji se stavljaju svijetli plodovi, i fasetirani uzorci bokal i okrugla posuda za šećer dižu se u blizini. Tamnocrvene breskve, ružičasto-zlatno-zelenkaste kruške u kontrastu su sa hladnom paletom, u kojoj je ispisan bijeli stolnjak sa plavo-plavim prijelazima. Crveni obrub, razbijen naborima materije i okružen njenim hladnim refleksima, odjekuje prigušenim koloritnim odjekom zasićenosti toplih tonova.

Kako bi naglasio volumen predmeta, umjetnik pojednostavljuje njihovu strukturu, otkriva njihove glavne aspekte. Tako uobičajeno svakodnevne forme postaju monumentalne: okrugle breskve teško leže na tanjiru, uštirkani nabori materije postaju skulpturalni, volumeni krušaka deluju zbijeno. Svjesno monumentalizirajući prirodu, umjetnik želi prenijeti njenu težinu i plastičnost u većoj mjeri od karakterističnih, jedinstvenih svojstava ovog predmeta. Sklonost pojednostavljivanju formi, ugrađenu u Sezanovu umjetnost, dalje će razvijati njegovi sljedbenici, takozvani Sezannes, koji je koriste namjerno jednostrano i pretvaraju je u formalističku shemu apstrahiranu od raznolikosti kvaliteta betona. život.

Umjetnikova portretna djela objedinjuje opće raspoloženje suzdržane promišljenosti i unutrašnje koncentracije: njih, po pravilu, ne karakterizira naglašena psihološka oštrina stanja. Epski mir koji Cezannea privlači u prirodi karakterizira i sliku čovjeka koji je na svojim platnima uvijek pun veličanstvenog dostojanstva. Na portretima kao što su "Portret Choquet" (1876-1877; Cambridge, zbirka V. Rothschilda), "Mme Cezanne u žutoj stolici" (1890-1894; Saint-Germain-sur-Oise, privatna kolekcija), "Dječak u crvenom prsluku” (1890-1895, varijante u različitim zbirkama), slikar postiže ne samo bogatstvo i zaokruženost slike, već i veću suptilnost psiholoških karakteristika slika u odnosu na druga svoja djela.

Skulpturalna jasnoća formi, plastična ekspresivnost obilježili su umjetnikove višefiguralne sižejne kompozicije. U brojnim verzijama The Card Players, Cezanne raspoređuje grupe od dva, četiri ili pet likova. Najizrazitije djelo nalazi se u Luvru (1890-1892), gdje uzbuđenje impulsivnog stanja jednog od onih koji sede za stolom naglašava ležerno promišljanje njegovog metodičnog partnera.

Slika "Pierrot i Harlequin" (1888, Puškinov muzej; drugo ime slike je "Mardi-grass", odnosno "Posljednji dan karnevala") može poslužiti kao primjer umjetnikove slikarske vještine.

Odjeven u nespretni ogrtač, pogrbljeni Pierrot, vrećasto se kreće sporim korakom, jasno se uklapa u zatvorenu piramidalnu kompoziciju. Ova gotovo smrznuta inertna masa percipira se još kontrastnije u poređenju sa harmonijom hodajućeg Harlekina. Jasno uočljiva težina volumena i ritmički odnosi između njih naglašeni su uzorkom i formom draperije; komad zavjese na desnoj strani je po svojoj težini sličan liku Pierrota, čiji se gest desne ruke ritmički ponavlja u zakrivljenoj liniji tkanine; materija koja pada sa leve strane u velikim naborima, takoreći, odjekuje pokretu Harlekina. Kosa linija poda, paralelna sa obrisom draperije u gornjem desnom uglu, naglašava sporost koraka prikazanih likova. Cjelokupna struktura boja slike također se zasniva na izmjeni kontrastnih kombinacija. Crno-crveni triko, pripijeni Harlekin, iznenada je prerezan bijelim štapom, koji služi kao prirodan prijelaz na Pierrotovu slobodno padajuću odjeću ispisanu bijelom bojom sa olovnoplavim sjenama. Neka sumornost cjelokupnog zvuka boja na slici nastaje zbog tuposti plavičaste pozadine i zeleno-žutih zavjesa.

U ovom djelu Cezanne dostiže zadivljujuću slikovnu cjelovitost. Ali integritet percepcije živih ljudskih likova, njihovih odnosa zamijenjen je majstorstvom konstrukcije slike. Uprti pogled Harlekina i neviđene Pierrotove oči gotovo pretvaraju lica ovih ljudi u smrznute maske.

Među posljednjim Cezanneovim radovima, brojni pejzaži koji prikazuju planinu sv. Viktorije, na kojoj je radio dugi niz godina (opcije u Muzeju Puškina, Ermitažu i drugim zbirkama).

U istom periodu, umetnik se ponovo okreće temi „Kupačica“ i „Kupačica“, koju je razvio na samom početku svoje karijere. Ravnoteža formi u prostoru, sklad i ritam kako kompozicione, tako i vrlo lijepo pronađene kolorističke konstrukcije Velikih kupača (1898-1905; Filadelfija, Muzej umjetnosti) svjedoče o Sezanneovim zanimljivim traganjima na polju monumentalnog slikarstva. Međutim, Sezanovo interesovanje za monumentalno slikarstvo nije moglo naći svoju primenu u tadašnjim uslovima.

Određeni utjecaj impresionista iskusio je Paul Gauguin (1848-1903), koji je ubrzo zauzeo oštro negativan stav prema njima. Umjetnik se buni protiv pasivne odanosti vizualnim iluzionističkim impresijama karakterističnim za impresionizam. Umjesto toga, on postavlja zahtjev za praćenjem "misteriozne dubine misli", u vezi s programom pisaca simbolista. Međutim, za razliku od Njemačke i Engleske, trend simbolizma nije zadobio dominantnu poziciju u Gauguinovoj domovini, a sam sadržaj Gauguinova djela ne može se svesti na simbolizam ili modernost.

Čovjek burne i složene biografije, bivši mornar i berzanski mešetar, Gauguin je postao umjetnik u odrasloj dobi. Sa trideset osam godina, odlazi u Bretanju, živopisno selo Pont-Aven, koje se zaljubilo u nekoliko pejzažnih slikara. Neki od ovih umjetnika, slijedeći put postimpresionizma, uključujući Gauguina, ujedinili su se u školu Pont-Aven. Zakleti protivnik "kasarne evropske civilizacije", sanja da izvor inspiracije pronađe u spomenicima nacionalnog srednjeg vijeka.

Radnja platna „Žuti Hriste. Pont Aven Le Pouldu” (1889; Buffalo, galerija Olbrajt) sugeriše stara drvena statua koju je umetnik video u jednoj od lokalnih kapela. Ogromno romaničko raspelo i seljanke koje sjede pored njega u pobožno koncentrisanim pozama rekonstruiraju atmosferu poslušnog praznovjerja bretonskih stanovnika, koja je u to vrijeme toliko očarala gospodara.

Pejzaž, koji služi kao pozadina, umjetnik je odlučio naglašeno dekorativno: drveće koje svijetli ljubičastom bojom razasuto je po zlatnožutim poljima, traka daleke šume plavi iza brda. Dekorativni efekat pojačavaju uštirkani bijeli šalovi, tamnoplave i crne haljine žena prikazanih u prvom planu, te jarkonarandžasta pregača jedne od njih. Intenzitet boje je naglašen tamnim obrisom koji uokviruje šarene mrlje. Ovo podsjeća na tehniku ​​kloisonne emajla, samo ulogu metalnih pregrada ovdje igraju linije crteža, između kojih su raspoređene mrlje čiste boje. Termin "cloisonizam" (od francuskog cloison - pregrada) se prilično često koristi za karakterizaciju Gauguinovog rada ovog perioda. Značajno mjesto u stvaralaštvu umjetnika zauzima i potraga za linearnom ekspresivnošću. A to ga "po pravilu dovodi do namjerne ravnosti slike. Izvještajnost sadržaja slike "Žuti Krist", koja svjedoči o religioznim i mističnim raspoloženjima Gauguina, spojena je s donekle modernističkim manirizmom njenog umjetničkog rješenja.

Potraga za linearnom ekspresivnošću, svjesno pojednostavljivanje oblika i uzoraka, kontrasti kolorističkih mrlja karakteriziraju i platna “Borba Jakova s ​​anđelom” (1888; Edinburg, Nacionalna galerija), “Lijepa Angela” (1889; Louvre). ), “Bretonsko raspeće” (1889; Brisel, Muzej) itd.

Već u tom periodu Gauguinovu želju da prevaziđe sitnu anegdotiku salonskog slikarstva, osebujnu mješavinu ravnog naturalizma i vulgarne ljepote u njemu, provodi na stazama svjesne arhaizacije i uslovne stilizacije oblika. To određuje kako snagu njegove dekorativne i uvjetne vještine, tako i posebna ograničenja kreativnosti. Gauguinovo odstupanje od prozaizma dominantnog načina života u "prosperitetnoj" buržoaskoj Francuskoj nije ga dovelo do želje da otkrije istinski dramatične, estetski značajne aspekte i probleme savremenog društva. Zato je njegovo živopisno i apstraktno-kontemplativno stvaralaštvo, daleko i od direktnog odraza društvenog života i složenog i bogatog duhovnog svijeta savremenih ljudi, po inerciji otpora preovlađujućih ukusa društva, prihvaćeno i, da tako kažem , koje je estetski ovladala takozvana "prosvijećena" elita istog buržoaskog društva, čije je estetsko odbacivanje poslužilo kao jedan od početnih impulsa koji su predodredili pravac Gauguinovog stvaralačkog traganja.

Godine 1891. Gauguin odlučuje da se rastane od prozaičnog, trgovačkog, licemjerno lažnog buržoaskog društva, koje je, kako je Gauguin bio duboko uvjeren, neprijateljski raspoloženo prema prirodi istinske kreativnosti. Umetnik odlazi na ostrvo Tahiti. Daleko od svoje domovine, nada se da će pronaći iskonski mir i spokojno postojanje svojstveno "zlatnom dobu" djetinjstva čovječanstva, koje je, kako je mislio, sačuvano među starosjediocima dalekih ostrva. Gauguin je do posljednjeg dana svog života zadržao u svojoj umjetnosti naivne iluzije ovog sna, iako mu je prava kolonijalna stvarnost grubo proturječila.

Godine 1893. Gauguin slika sliku "Žena koja drži voće" (Ermitaž). Oblici ljudskih figura su veličanstveni i statični, baš kao i lijeno nepomični tropski krajolik naspram kojeg su prikazani. Umjetnik percipira ljude u neraskidivoj vezi sa svijetom oko sebe. Čovjek je za njega savršena kreacija prirode, poput cvijeća, voća ili drveća. Radeći na štafelajnoj slici, Gauguin je uvijek nastojao da je riješi dekorativno: glatke konture, uzorci tkanine, bizarni uzorak grana i biljaka stvaraju osjećaj svečanog ukrasa. Prava priroda Tahitija pretvorena je u svijetli šareni uzorak.

Gauguin razumije boju na generalizirani dekorativni način: videći tople sjene na pjeskovitom tlu, on je oboji u ružičasto; povećavajući intenzitet refleksije, pretvara ih u lokalne sjene. On ne koristi modeliranje svjetla i sjene, već preklapajući boju čak i svijetlim ravninama, kontrastira ih, povećavajući tako jačinu zvuka boje slike („Buket cvijeća. Cvijeće Francuske“, 1891; „Jesi li ljubomorni?”, 1892, ilustr. 17; oba – Puškinov muzej). Nešto mat blijeđenja boje Gauguinovih djela uzrokovano je nedostacima prajmera, koji je naknadno imao štetan učinak na njih.

Koliko je egzotično priroda Tahitija, Gauguinu se čine ljudi koji nastanjuju ovu nevjerovatnu zemlju. Njihov život, prekriven sjećanjima na drevne legende i predanja, čini mu se pun posebnog značajnog značenja. Strast prema slikama folklora, tajanstvena misterija drevnih bogova nalazi neku vrstu prelamanja u brojnim kasnijim radovima majstora („Njeno ime je Vairaumati“, 1892; Puškinov muzej; „Kraljeva žena“, 1896, Puškinov muzej , ilustr. 16; „Odakle smo došli? Ko smo mi? Kuda idemo?“, 1897, Boston, Muzej itd.)“ Posljednjih godina teško oboljeli umjetnik borio se za očuvanje zavičajne kulture, pokušavao zaštiti lokalno stanovništvo od ugnjetavanja francuske administracije.nazvana "Kuća radosti".

Kreativna potraga Vincenta van Gogha (1853-1890) razvijala se u bitno drugačijem smjeru od Sezannea i Gauguina. Ako je Cezanne nastojao da otkrije najopćenitije obrasce materijalnog svijeta, ako je Gauguina, bez obzira na njegova lična raspoloženja, karakterizirala apstrakcija od specifičnih kontradikcija života njegove savremene Francuske, onda je Van Goghovu umjetnost karakterizirala želja za utjelovljenjem složenu nedosljednost i konfuziju duhovnog svijeta njegovog savremenog čovjeka.

Van Goghova umjetnost je oštro psihološka i duboka, ponekad bjesomučno dramatična. Prevazilaženje ograničenja impresionizma zamišljao je kao povratak umjetnosti akutnim problemima moralnog i duhovnog života čovjeka. U umetnosti Van Gogha, kriza humanizma kasnog 19. veka našla je svoj prvi otvoreni izraz, bolno i beznadežno traganje za pravim putem od strane njegovih najpoštenijih predstavnika. To je odredilo i duboku ljudskost, iskrenost Van Goghovog rada i, istovremeno, crte bolne nervoze, subjektivnog izraza, često ispoljene u njegovoj umjetnosti.

Ako je jednostrano tumačenje, a u suštini falsifikovanje Cezanneove zaostavštine, postalo osnova za stvaranje hladno-racionalističkih, apstraktno-formalnih trendova u buržoaskoj umetnosti 20. veka, onda je jednostrano iskrivljeno tumačenje nekih pravaca u Van Goghovom delu karakterističan je za ekspresionističke i generalno subjektivno-pesimističke tokove.Zapadnoevropska građanska umetnost 20. veka. Za nas su od presudne važnosti crte u Van Goghovom djelu, koje nije pokupio formalizam, ali je sva njegova umjetnost umjetnost poštenog i iskrenog umjetnika koji je otelotvorio tragediju humanizma u eri početne krize buržoaske kulture. .

Van Gog je rođen u Holandiji u siromašnoj porodici provincijskog pastora. Vrlo rano nastao je jaz između mladog Vincenta, koji je bolno tragao za smislom života, i malograđanske samozadovoljne atmosfere njegovog porodičnog okruženja.

Van Gog odlazi u Belgiju, tražeći rješenja za svoje brige u misionarskom radu. Godine 1878-1879. on propovijeda evanđelje u rudnicima uglja Borinage. Međutim, ubrzo crkvene vlasti odbijaju usluge osobe koja je lišena potrebnih govorničkih osobina i, štoviše, previše je strasno zabrinuta za “svjetovne” nevolje svoje siromašne pastve.

Potisnut neuspjehom, Van Gogh se prvi put u dvadesetsedmoj godini okreće jeziku umjetnosti, vjerujući u njegovu veliku djelotvornu moć. Zato se nada da će ljudima biti od koristi. Od jeseni 1880. do proleća 1881. budući slikar je pohađao briselsku Akademiju umetnosti. Ubrzo prekida svoje umjetničko obrazovanje i vraća se u domovinu. U budućnosti, Van Gogh juri između kuće svog očuha, Haga i drugih gradova Holandije i Belgije. Podjednako neuspješno hvata se za razne stvari, dok vrijedno radi kao umjetnik.

Prvih pet godina Van Goghovog stvaralaštva (1880-1885) obično se definiše kao holandski period, mada bi ga tačnije nazvati holandsko-belgijskim, siromaštvom i teškim radom rudara, zanatlija, seljaka. Zanimljivo je da se umjetnik početnik okreće primjeru Milleta, kopirajući njegovog "Angelusa", a 1881. i njegovog "Sjača" (van Gogh će se vratiti ovoj slici u budućnosti).

Ništa manje prirodno je da se Van Gogh, koji je živio više od godinu dana u zemlji rudnika, uz svu svoju duboku iskrenu demokratičnost, pokazao stran od kreativnog iskustva Meuniera, umjetnika koji nije toliko suosjećajan prema siromašan, ali potvrđuje grubu ljepotu i veličinu čovjeka industrijskog rada. Čuveni "Jedači krompira" (1885; Laren, kolekcija Van Gogh) obojeni su sumornim tamnim bojama i prožeti duhom sumorne depresije, gotovo životinjske pokornosti sudbini. Istovremeno, u djelima ranog razdoblja postepeno se otkriva umjetnikova sposobnost da s posebnim intenzitetom i uvjerljivošću prenese kako emocionalni intenzitet svog pogleda na svijet, tako i zbunjenost unutrašnjeg svijeta ljudi koje prikazuje.

Van Gogh počinje da prevladava profesionalne nedostatke (hrapavost u prenošenju uglova i proporcija, slabo poznavanje anatomije, itd.), koji se pojavljuju na crtežima kao što je Čistač ulica (1880-1881; Otterlo, Muzej Kroller-Muller). Sve više savladava vještinu prenošenja karakterističnog i ekspresivno-ekspresivnog. Tako u litografiji „Očaj“ (1882) sa nemilosrdnom istinitošću prenosi ružnoću tela usahle žene, a istovremeno, sa dubokim saosećanjem, otkriva duboko i gorko beznađe koje ova ružna, jadna, patnička osoba je zaplijenjena.

Dramatično uzbuđenje, bolnu, gotovo bolnu osjetljivost na patnju, Van Gogh prenosi i u radovima posvećenim prirodnom svijetu, neživim objektima (crtež "Drvo", 1882, Otterlo, Muzej Kroller-Müller, i "Zimski vrt", 1884, Laren, kolekcija Van Gogh). U njima je Van Gog uspeo da ispuni svoju želju „da u pejzaž unese isti osećaj kao u ljudski lik... To je posebna sposobnost biljke da se grčevito i strastveno drži zemlje; a ipak se ispostavi da ga je iz nje istrgla oluja ”(iz pisma njegovom bratu). Takva "humanizacija", oštra dramatizacija svijeta stvari i prirode jedna je od najkarakterističnijih osobina Van Goghovog djela.

Do 1886. godine, opći smjer Van Goghovih kreativnih traganja je u potpunosti otkriven. Odlazak umjetnika u Francusku konačno određuje njegov umjetnički razvoj. Poznanstvo s impresionistima, sjaj svjetlosti sunčanog juga (Van Gogh se preselio iz Pariza u Arles 1888.) pomaže mu da se riješi ostataka crnila boja i otkrije taj istančan osjećaj kontrasta boja, tu emocionalnu fleksibilnost ekspresivnost poteza kista, koji su već formirani u Vanovom kreativnom maniru - Goga.

Tokom posljednje četiri godine svog života, opsesivno radni Van Gogh stvorio je ogromnu seriju slika koje su odredile njegovo mjesto u istoriji moderne evropske umjetnosti. Istina, napadi duševne bolesti, ponekad grozničava žurba posla utiču na nejednaku vrijednost njegovih djela. Ali najznačajniji od njih, zajedno sa Sezanovim slikarstvom, imao je ogroman utjecaj na cjelokupni dalji razvoj zapadnoevropskog slikarstva.

Francuski period u stvaralaštvu umjetnika karakterizira bezuvjetno korištenje iskustva impresionista, bitno drugačije razumijevanje zadataka umjetnosti u odnosu na njih. Dakle, na njegovoj slici „Put u Auvers nakon kiše“ (1890; Puškinov muzej) ne zadivljuje nas samo suptilan, tačan prijenos prirode oprane svježinom, obasjane suncem i još svjetlucave vlage od kiše. koji je upravo prošao, ali i izoštrenim osjećajem za njegov ritmični život: redovi se vrte vrtnim grebenima, drveće kovrčavo, oblaci dima voza koji trči, blještavilo sunca sija i igra se na mokroj travi - sve to stapa se u holističku sliku radosnog ljetnog svijeta punog života.

Potraga za novom realističkom ekspresivnošću jasno se očituje u njegovim "Čamcima u Sainte-Marie" (1888; privatna zbirka). Zvučan intenzitet boje estetski naglašen i lakonski generaliziran prenosi karakter prirode i osvijetljenosti mediteranskog juga. Oštar ritam jarbola i jardi koji se međusobno ukrštaju, brzo zakrivljene siluete čamaca izvučenih na obalu kao da zadržavaju osjećaj svjetlosti koja trči po valovima.

Istovremeno, Van Gog stvara i djela u kojima početak subjektivnog izražavanja, princip samoizražavanja vlastitog stanja, ima prednost nad zadatkom promišljanja i vrednovanja svijeta. Takvo povlačenje se u izvesnoj meri oseća u njegovim Crvenim vinogradima u Arlu (1888; Puškinov muzej). Slika, izražajno lijepa u svojoj kolorističkoj shemi, sadrži kontradikciju između idiličnog motiva (zalazak sunca na nebu bez oblaka, lagana i mirna berba u vinogradu već uvenulom) i dramatičnog raspoloženja slike. Tako nemirni potezi pretvaraju vinograd u tupi gorući mlaz plamena, plave grane drveća probija nemirni impuls, akord bolnih narandžastih tonova neba i teški, plavkasto-bijeli disk sunca stvaraju osjećaj nejasne anksioznosti i zbunjenosti.

Vizionarski karakter svojstven je i pejzažima kao što je Zvezdana noć. Saint-Remy" (1889; New York, Muzej moderne umjetnosti). Crno-plavi plamen vrha čempresa u prvom planu suprotstavljen je tornju udaljenog zvonika, koji vreba u plavoj izmaglici sela. Sad zlatne, sad srebrnoplave svjetlucave spirale svjetlosti kovitlaju se nebom. Sve to pretvara sliku mirne ljetne noći u gotovo apokaliptičnu viziju.

Nesumnjivo, osjećaj strahovitog neprijateljstva svijeta otuđenog od čovjeka, njegova sumorna opasna ljepota estetski je izrazila poziciju u kojoj se nalazi usamljeni, patnički „mali čovjek“, nepovezan sa klasom koja je naučila zakone razvoja istorija. Stoga su takvi Van Goghovi radovi duboko iskreni, a njihova pojava je bila istorijski neizbježna. Ali istovremeno su bili i umjetnički izraz duhovnog svijeta onih društvenih slojeva koji, pateći od deformiteta svoje savremene stvarnosti, nisu vidjeli prave načine da te deformitete prevaziđu i apsolutizirali su svoje subjektivno stanje, svoj osjećaj tragičnog očaja. . Upravo će tu stranu u Van Goghovom djelu pokupiti ekspresionizam i slični umjetnički pokreti u umjetnosti 20. stoljeća.

Bilo bi pogrešno, međutim, vidjeti samo ovu stranu u djelu Van Gogha, velikog i poštenog umjetnika. Njegov "Put u Auvers nakon kiše", upečatljiv svojom psihološkom portretnom istinitošću, "Umjetnikova spavaća soba u Arlesu" (1888; Laren, zbirka Van Gogha), "Stolica i lula" (1888-1889; London, Galerija Tate) i mnogi druga djela pobuđuju realističnu snagu slike, istinitost osjećaja. U nekim djelima ove vrste zadivljuje ne samo istinitost njegovog tako emotivno izražajnog umjetničkog jezika, već i osjećaj pomalo uzbuđene vedrine, krupne percepcije života prirode, što pokazuje da je Van Gog bio osjetljiv na lepota i harmonija života. Dramatični, nervni slom tako karakterističan za mnoga Van Goghova djela nije rezultat njegove bolne predrasude žudnje za ružnim i odvratnim, za njihovim perverznim uživanjem (kao što je bilo karakteristično za neke dekadentne kulturološke majstore tog vremena), već plod njegova pojačana osjetljivost na one ružnoće i disonance koje je društvena stvarnost nosila u sebi („Šetnja zatvorenika“, 1890; Puškinov muzej).

Osjećajnost prema neprijateljskom ljudskom principu, koja uvijek vreba u životu društva u kojem je Van Gog živio, a skrivena pod ljuskom svakodnevice, našla je izraz u njegovom Noćnom kafiću u Arlu (1888; Njujork, kolekcija Clark). Melanholija i beznađe usamljenosti ljudske duše obuzete bolnim očajem prenose se u prigušenom, smrtonosnom osvjetljenju poluprazne kafane; prenose se u tupim figurama rijetkih posjetilaca, kao zapanjenih vinom i otuđenošću od svijeta. Ovo stanje duha izražava se i u oštrim disonancama boja – zelenom platnu bilijara, ružičasto-žutom podu, crvenim zidovima, žutim krugovima svjetlosti oko upaljenih lampi – a posebno u usamljenim, bespomoćno turobnim, podsjeća na fantoš figuru, konobar stoji ukočeno spuštenih ruku.

"Pokušao sam... u ovoj atmosferi paklene peći i blijedo gorućeg sumpora da otelotvori svu moć tame i atmosfere ratova. A ipak sam htio sve to otkriti pod maskom japanske lakoće i Tartarinove samozadovoljstva” (iz pisma bratu).

Ista ogromna unutrašnja napetost iskustva otkriva se u njegovim portretima i autoportretima. Tako njegov “Autoportret posvećen Paulu Gauguinu” (1888; Cambridge, Muzeji umjetnosti Univerziteta Harvard) karakterizira onaj osjećaj teške i pomalo turobne koncentracije i skrivene opsesije, što nam omogućava da na ovom portretu prepoznamo umjetnika Vana. Gogh sa svojom jedinstvenom umjetničkom vizijom.mir. Takav je njegov pun nervozne energije i oprezne napetosti, Autoportret sa zavijenim uhom (1889; Čikago, kolekcija Block).

Na slici “Žena u tamburaškom kafiću” (1887; Laren, Van Goghova zbirka), na tužno umornom licu žene koja sjedi za stolom u praznom kafiću, u nervozno nemirnoj teksturi poteza, ta tema devastirane melanholije i usamljenost, koja je prvi put zvučala tako vedro i određeno u Degasovom Absintu. Ali ovdje je ovaj motiv izražen manje suzdržano nego kod Degasa, sa više strastvene gorčine.

Posljednjih godina Van Gogh je bio podložan napadima teške mentalne bolesti. Neki naučnici su bili u iskušenju da karakter Van Goghove umjetnosti pripišu njegovoj mentalnoj bolesti. Ali nije. Ako je umjetnost Van Gogha bila simptom bolesti, onda je smrtonosna bolest samog društva - neizlječiva kriza buržoaskog humanizma koja je započela.

Savremenik Cezannea, Van Gogha i Gauguina bio je Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901). Njegov rad se takođe klasifikuje kao postimpresionizam.

Djelo Toulouse-Lautreca u cjelini karakterizira osebujan razvoj i modifikacija tradicije umjetnosti Degasa i dijelom E. Maneta u pravcu sve većeg isticanja momenata izraza slike, dosežući gotovo do groteske nervna dinamika forme. Na likovnim listovima, u šarolikom nizu, ispred gledaoca brzo prolaze opskurne midiete i poznati pjevači noćnih kafića; briljantni predstavnici umjetničke i književne boemije Pariza i potlačeni stanovnici javnih kuća; prolaze čas opsednuti grozničavo grčevitim veseljem, čas obuzet melanholijom usamljenosti.

Neobični, ponekad tragični događaji iz biografije, originalnost okruženja u kojem je prošao umjetnikov život, odigrali su određenu ulogu u formiranju kreativnih sklonosti Toulouse-Lautreka. Bio je jedan od onih umetnika Francuske s kraja 19. veka, u čijem stvaralaštvu je tema socijalnog i mentalnog poremećaja, iako u veoma tradicionalnoj i uskoj tematskoj sferi, našla direktan izraz.

Toulouse-Lautrec potječe iz drevne nasljedne porodice vikonta iz južne Francuske. Kao dijete slomio je obje noge i zauvijek ostao bogalj. Njegova fizička ružnoća učinila ga je paijom u očima ugledne aristokratije.

Modeli za prve slike umjetnika najčešće su njegovi rođaci i rođaci. Portreti "Grofica Toulouse-Lautrec na doručku u Malromeu" (1883), "Grofica Adele de Toulouse-Lautrec" (1887; oba - Albi, Muzej Toulouse-Lautrec) obilježeni su utjecajem impresionističke tehnike, ali željom za maksimalno individualizacija karakteristika, posebna, ponekad nemilosrdna, ponekad intimno tužna budnost posmatranja govori o bitno drugačijem shvatanju slike osobe. To su “Mlada žena koja sjedi za stolom” (1889; Laren, zbirka Van Gogha), “Pralja” (1889; Pariz, zbirka Dortyu) i druga djela.

Daljnji razvoj umjetnosti Toulouse-Lautreka obilježen je nastavkom potrage za psihološkom ekspresivnošću, razvijajući se paralelno sa interesom za prenošenje specifičnog, jedinstvenog izgleda prikazanih likova. Platno “U kafiću” (1891; Boston, Muzej likovnih umjetnosti) po sadržaju je blisko poznatom, već spomenutom djelu Degasa “Absint”. Ali u tumačenju Toulouse-Lautreka, slika dvojice klonulih pijanica, glupo smrznutih za prljavim stolom, dobiva još dramatičniju boju.

Pozicija Toulouse-Lautreka je ironična pozicija satiričara koji neprestano koristi metodu grotesknog pretjerivanja. Slična karakteristika jasno se očitovala u slikama kao što su "La Goulue ulazi u Moulin Rouge" (1892; Pariz, zbirka Bernheim de Ville), "Ples u Moulin Rougeu" (1890; Filadelfija, privatna kolekcija). Želja da se prenese svijetla originalnost pokreta, gesta, poza posebno se jasno vidi na slici nare koja pleše u dubini dvorane. Groteskna silueta muškarca koji pravi neobične entreše sa fleksibilnim nogama i oštri pokreti njegove crvenokose partnerke u crvenim čarapama stvaraju oštru i lakoničnu sliku, koja ima osobine koje je približavaju ekspresivnosti postera.

Uloga crteža u umjetnosti majstora je izuzetno velika. Oštrina, ekspresivnost, bogatstvo i raznolikost Toulouse-Lautrekovog grafičkog stila čine ga izvanrednim crtačem 19. stoljeća. Grafika je značajan dio njegovog stvaralačkog naslijeđa (brojne grafike, pasteli, litografije, crteži). Posebno mjesto zauzimaju poznati plakati. U tim godinama formira se specifičnost plakata kao posebnog oblika umjetnosti. Plakat u modernom smislu te riječi nastao je u umjetnosti Toulouse-Lautreka i dijelom Steinlena.

Jedan od najboljih plakata u istoriji smatra se njegova litografija u boji "Divan japonais" (1892), koja reklamira mali kafe-koncert. Oštra silueta dame u modernoj pripijenoj haljini i otmjenom šeširu, neočekivano dovedena u prvi plan, i nervozno vijugava linija koja ocrtava konturu muškarca koji sjedi iza, čine kompozicionu srž čaršafa. Lik glavne junakinje, koja pjeva na sceni, namjerno je dubinski postavljen tako da se vidi samo njena haljina i ruke u dugim tamnim rukavicama, a glava joj je odsječena okvirom čaršafa. Kao rezultat toga, gledajući poster, kao da se i sam nalazi u atmosferi gledališta, na čijoj pozornici nastupa pjevačica Yvette Gilber.

Slika Yvette Guilbert Lautrec oslovljavana je mnogo puta. Godine 1894. napravio je cijeli album litografija, gdje je uhvatio karakteristične pokrete i najsuptilnije nijanse raspoloženja, izraze lica zvijezde Monmartra. Jedna od pripremnih verzija portreta Yvette Gilbert, napravljena iste godine s višebojnom uljnom esencijom, pohranjena je u Muzeju likovnih umjetnosti Puškina.

Na nekim portretima 1890-ih. uz sklonost oštrom grotesknom, ponekad karikaturnom prikazivanju slike osobe, mogu se pratiti i drugi trendovi. Na portretu dr. Gabriela Tapiera de Saleirana (1894; Albi, Muzej Toulouse-Lautrec), lik elegantnog čovjeka koji polako hoda, iza kojeg se roje čudni ljudi s licima nalik maskama iz košmara, postaje gotovo simbol beznadežnog očaja i usamljenost. Ista tema može se pratiti i na slici Jeanne Avril napušta Moulin Rouge (1892; Hertford, Wadsworth Athenaeum). U usamljenom umornom liku žene, na njenom ugašenom tužnom licu zvuči nota tužnog lirizma.

Rad Toulouse-Lautreka odigrao je veliku ulogu u razvoju francuske grafike krajem prošlog stoljeća. Felix Vallotton (1865-1925) nastavlja dalje traganje za ekspresivnošću grafičke tehnike, shvaćene nešto formalnije. Švajcarac po rođenju, Valloton je većinu svog života proveo u Parizu i obično se smatra predstavnikom francuske škole. Valloton je takođe mnogo radio kao slikar. Interes za apstraktno-hladni volumen u interpretaciji ljudskih figura čini ga jednim od prvih predstavnika neoklasične verzije secesije u slikarstvu. Ipak, Vallottonova grafika bila je najznačajniji doprinos historiji umjetnosti. Upravo je ovaj umjetnik imao prioritet u razvoju novih mogućnosti za drvoreze, koji su u to vrijeme bili malo praktikovani.

Ilustrirajući Knjigu maski (1895) Remyja de Gourmonta, Vallotton stvara seriju portreta poznatih pisaca tog vremena. Ne napuštajući individualizaciju portretnih slika, postiže značajnu generalizaciju u karakterizaciji svojih modela. Posebno je zanimljiv portret F. M. Dostojevskog (drvorez), čiju je tragičnu složenost prirode autor naslutio. Bijela mrlja na licu sa napeto radoznalim pogledom pažljivih očiju jasno se ističe na glatkoj crnoj pozadini. Oštro izgrebane linije jednostavno predstavljaju oblik nosa, obrva, obrise kose i bora.

Po svojoj dinamici zanimljiv je drvorez "Demonstracija" (1893). Vallotton prikazuje scenu rasturanja demonstracija u oštrom raksu od vrha do dna, kao da se vidi sa prozora gornjeg sprata. Nemirno treperenje crnih figura majstor percipira kao iz pozicije umjetnički preciznog vanjskog promatrača.

Posebno mjesto u razvoju francuske grafike s kraja 19. - početka 20. stoljeća. zauzima rad Theophilea Steinlena (1859-1923). Steinlen u novim uslovima nastavlja tradiciju demokratske grafike borbenih časopisa u Francuskoj. Umjetniku nisu strana otkrića majstora 1860-1870-ih kao što su E. Manet, E. Degas, koji su stvorili jezik pun ekspresivne dinamike, oštro i precizno prenoseći karakteristične trenutke u stalnom pokretu života velikog grada. . Međutim, Steinlen se odlikuje ne toliko briljantnošću umjetnosti u rješenju ovog ili onog motiva, koliko društvenom i etičkom orijentacijom figurativnog rješenja.

Kao precizan i oštar posmatrač društvenog života Pariza, on je bliži Degaovoj tradiciji od E. Manea ili C. Monea, ali ne dostiže likovnu konveksnost i lakoničku tačnost svog starijeg savremenog čoveka. Jaka strana Steinlenovog stvaralaštva je želja za društvenom djelotvornošću umjetnosti, direktnom demokratijom, povezivanjem sa životom ne općenito „pariške ulice”. već sa svetom osećanja, misli, težnji radnih ljudi velikog grada. U tom smislu, on je prije nasljednik Charleta i Daumiera, predstavnik demokratske, socijalno istaknute linije u francuskoj realističkoj kulturi.

Okrećući se ne samo slici radnog naroda, radničke klase, već pokušavajući da izrazi svoja osjećanja i ideale, Steinlen je blizak prijelazu iz buržoasko-demokratskog realizma u realizam povezan s idealima socijalističke demokratije. Istina, ovi ideali za Steinlena se još uvijek pojavljuju u nejasno neodređenom obliku, i u tom pogledu umjetnik dijeli snagu i slabost spontano socijalističke orijentacije pogleda i osjećaja radnih masa Francuske tih godina.

Mnoga, posebno rana Steinlenova djela (1880-1890-e), ilustracije su za popularne pjesme pariskih predgrađa, objavljene u zasebnim zbirkama ili na stranicama demokratskih časopisa. To su puni pokreti, ponekad lukavi, ponekad tužni, a ponekad sentimentalni i osjećajni u duhu „okrutne romanse”, kao da su provirivali prizori na ulici: „Zima” (1890-e; crtež za pjesmu R. Ponchona za časopis “Gilles Bdaz ilustracija”), “Mladi radnici” - vatrene ptice rugalice idu na spoj nakon posla; "Stari skitnica" je pomalo sentimentalna kompozicija koja prikazuje usamljenog starca koji deli svoj oskudan obrok sa svojim jedinim prijateljem, čupavim, mršavim psom.

Posebno mjesto u radu majstora zauzimaju njegove ilustracije, pune humanizma i tužnog humora, rađene 1901. godine za Crainquebil A. Fransa, koje autor priče veoma cijeni.

Socijalna, antiimperijalistička orijentacija posebno je jasna u Steinlenovoj ilustraciji pjesme, koja govori o teškoj sudbini vojnika poslanog da služi u kolonijalnim trupama. Antimilitarizam i antikolonijalizam karakteristična su za djela Steinlena, novinara, redovnog saradnika ljevičarskih novina kao što su Assiet o Ber, Shambar Socialist i dr. Takvi su, na primjer, crteži koji osuđuju "civilizacijske" aktivnosti francuskih i belgijskih kolonijalista u Kongu.

Od velikog značaja su Steinlenove litografije posvećene borbi francuske radničke klase.Njegov "štrajk" (1898), bez spoljašnje patetike, ekspresivno prenosi preteću smirenost štrajkača okupljenih na kapiji fabrike koju čuvaju vojnici. Galerija likova ovih radnika, visokih stanovnika sjevera Francuske, s licima punim strogog uma i tvrdoglave narodne energije, ocrtava se oštro i štedljivo. Upravo su u suprotnosti sa tako tipičnim izgledom zdepastih "crnolikih" seljačkih momaka obučenih u vojničku uniformu, proteranih sa ruralnog juga Francuske ovde, u stranu zemlju rudnika i fabrika sa nepoznatim i nerazumljivim ljudima.

Njegova litografija u boji Zločin u Pas de Calaisu (1893) nagovještava buduće revolucionarne plakate 20. stoljeća svojom lakoničnom društvenom snagom i dramatičnošću. Patos "Zločina u Pas de Calaisu" je patos gorčine i ljutnje. Ovaj ilustracija-plakat časopisa posvećen je stvarnoj činjenici: osam stotina porodica rudara u štrajku žandarmi su isterali na hladno iz koliba kompanije. Slika žalosno ljutog moćnog rudara sa djetetom na ramenu, koji hoda na čelu ožalošćene porodice i prijeteći drži rudarsku krampu, prerasta u simbol nepokolebljive volje, nepomirljivog revolucionarnog bijesa radničke klase Francuska.

Steinlenova umjetnost razvila se u drugoj polovini 1880-ih i 1890-ih. i usko je povezan s buđenjem radničke klase i demokratskih snaga u Francuskoj općenito nakon perioda dominacije reakcije koja je uslijedila nakon gušenja Pariske komune 1871. I premda je na događaje iz Prvog svjetskog rata odgovorio zanimljivom serijom Izbjeglice (1916), koja se svojim humanizmom suprotstavlja šovinističkoj propagandi tih godina, ostao je u povijesti francuske kulture kao majstor povezan prvenstveno s demokratskim i socijalistički trendovi u francuskoj umjetnosti 1880-ih - ranih 1900-ih

Generalno, ovih godina u Francuskoj, u radu njenih najvećih majstora, postavljaju se problemi prelaska na nove oblike realizma, do prevazilaženja difuzne forme i neuhvatljive trenutne percepcije impresionista. Međutim, u uslovima narastajućih prvih znakova opšte krize kulture kapitalizma, koja je ušla u završnu fazu svog razvoja, bilo je nemoguće rešiti problem prelaska umetnosti na viši nivo, ostajući unutar svjetonazor i estetske ideje starog društva. Otuda dvojnost i nedosljednost potrage velikih majstora kao što su Cezanne i Van Gogh. Ova nedosljednost omogućila je jednostrano tumačenje njihovog naslijeđa formalističkom umjetnošću 20. stoljeća.

“Novi svijet je rođen kada su ga impresionisti naslikali”

Henri Kahnweiler

XIX vijeka. Francuska. U slikarstvu se dogodilo nezamislivo. Grupa mladih umjetnika odlučila je uzdrmati tradiciju staru 500 godina. Umjesto jasnog crteža, koristili su široki "traljavi" potez kista.

I potpuno su napustili uobičajene slike, prikazujući sve zaredom. I dame lake vrline, i gospoda sumnjive reputacije.

Javnost nije bila spremna za impresionističko slikarstvo. Ismijavali su ih i grdili. I što je najvažnije, ništa od njih nisu kupili.

Ali otpor je slomljen. A neki impresionisti su doživjeli svoj trijumf. Istina, već su imali preko 40. Kao Claude Monet ili Auguste Renoir. Drugi su na priznanje čekali tek na kraju života, poput Kamila Pisara. Neko to nije dorastao, kao Alfred Sisley.

Kojeg je revolucionara učinio svaki od njih? Zašto ih javnost tako dugo nije prihvatala? Evo 7 najpoznatijih svjetskih francuskih impresionista.

1. Edouard Manet (1832-1883)

Edward Mane. Autoportret sa paletom. 1878 Privatna zbirka

Manet je bio stariji od većine impresionista. On im je bio glavna inspiracija.

Sam Manet nije tvrdio da je vođa revolucionara. Bio je svjetski čovjek. Sanjao o zvaničnim nagradama.

Ali on je dugo čekao na priznanje. Javnost je želela da vidi grčke boginje ili mrtve prirode u najgorem slučaju, tako da izgledaju prelepo u trpezariji. Manet je želeo da slika savremeni život. Na primjer, kurtizane.

Rezultat je bio "Doručak na travi". Dva dendija se opuštaju u društvu dama lake vrline. Jedan od njih, kao da se ništa nije dogodilo, sjedi pored obučenih muškaraca.

Edward Mane. Doručak na travi. 1863, Pariz

Uporedite njegov "Doručak na travi" sa "Rimljanima u padu" Thomasa Couturea. Coutureova slika je napravila potres. Umjetnik je odmah postao poznat.

"Doručak na travi" optužen je za vulgarnost. Trudnicama se apsolutno nije preporučivalo da je gledaju.

Thomas Couture. Rimljani u opadanju. 1847 Musée d'Orsay, Pariz. artchive.ru

U Coutureovom slikarstvu vidimo sve atribute akademizma (tradicionalno slikarstvo 16.-19. stoljeća). Stubovi i kipovi. Apolonski narod. Tradicionalne prigušene boje. Manirizam položaja i gesta. Zaplet iz dalekog života sasvim drugih ljudi.

Manetov “Doručak na travi” je drugačiji format. Prije njega niko nije tako lako prikazivao kurtizane. Blizu uglednih građana. Iako su mnogi muškarci tog vremena svoje slobodno vrijeme provodili na ovaj način. Bio je to pravi život pravih ljudi.

Jednom je glumio uglednu damu. Ružno. Nije joj mogao laskati četkom. Dama je bila razočarana. Ostavila ga je u suzama.

Edward Mane. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Pariz. wikimedia.commons.org

Zato je nastavio da eksperimentiše. Na primjer, s bojom. Nije pokušao da prikaže takozvanu prirodnu boju. Ako je vidio sivo-smeđu vodu kao jarko plavu, onda ju je prikazao kao jarko plavu.

To je, naravno, iznerviralo javnost. „Uostalom, čak se ni Sredozemno more ne može pohvaliti tako plavetnilom kao što je voda u Manetu“, dobacili su.

Edward Mane. Argenteuil. 1874 Muzej likovnih umjetnosti, Tournai, Belgija. wikipedia.org

Ali činjenica ostaje. Manet je iz temelja promijenio svrhu slikanja. Slika je postala oličenje individualnosti umjetnika, koji piše kako želi. Zaboravite na obrasce i tradicije.

Inovacije mu dugo nisu praštale. Priznanje je čekalo tek na kraju života. Ali to mu više nije trebalo. Mučno je umirao od neizlječive bolesti.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoportret u beretki. 1886 Privatna zbirka

Claude Monet se može nazvati impresionistom iz udžbenika. Pošto je ovom pravcu bio vjeran cijeli svoj dugi život.

Nije slikao predmete i ljude, već jednobojnu konstrukciju svjetla i tačaka. Odvojeni potezi. Vazduh drhti.

Claude Monet. Bazen za djecu. 1869. Metropolitan muzej umjetnosti, New York. Metmuseum.org

Monet nije slikao samo prirodu. Bio je dobar i u urbanim pejzažima. Jedan od najpoznatijih - .

Na ovoj slici ima dosta fotografije. Na primjer, kretanje se prenosi pomoću zamućene slike.

Obratite pažnju: udaljeno drveće i figure kao da su u izmaglici.

Claude Monet. Boulevard des Capucines u Parizu. 1873 (Galerija evropske i američke umetnosti 19.-20. veka), Moskva

Pred nama je zaustavljen trenutak užurbanog života Pariza. Nema inscenacije. Niko ne pozira. Ljudi su prikazani kao skup poteza. Takva besprizornost i efekat „zamrznutog kadra“ glavna su karakteristika impresionizma.

Do sredine 1980-ih, umjetnici su postali razočarani impresionizmom. Estetika je, naravno, dobra. Ali besprizornost mnogih je potlačena.

Samo je Monet nastavio da istrajava, preuveličavajući impresionizam. Ovo se razvilo u seriju slika.

Desetine puta je prikazao isti pejzaž. U različito doba dana. U različito doba godine. Da pokaže koliko temperatura i svjetlost mogu promijeniti isti pogled do neprepoznatljivosti.

Tako je bilo bezbroj plastova sijena.

Slike Claudea Moneta u Muzeju likovnih umjetnosti u Bostonu. Lijevo: Stog sijena na zalasku sunca u Givernyju, 1891. Desno: Plag sijena (efekat snijega), 1891.

Imajte na umu da su sjene na ovim slikama obojene. A ne siva ili crna, kao što je bilo uobičajeno prije impresionista. Ovo je još jedan od njihovih izuma.

Monet je uspio uživati ​​u uspjehu i materijalnom blagostanju. Nakon 40. godine već je zaboravio na siromaštvo. Dobio sam kuću i prekrasan vrt. I činio je to za svoje zadovoljstvo dugi niz godina.

Pročitajte o najikoničnijoj slici majstora u članku

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Auto portret. 1875. Institut za umjetnost Sterling i Francine Clark, Massachusetts, SAD. Pinterest

Impresionizam je najpozitivnija slika. A najpozitivniji među impresionistima bio je Renoir.

Na njegovim slikama nećete naći dramu. Nije čak ni koristio crnu boju. Samo radost postojanja. Čak i najbanalniji Renoir izgleda prekrasno.

Za razliku od Moneta, Renoir je češće slikao ljude. Pejzaži su za njega bili manje značajni. Na slikama se njegovi prijatelji i poznanici opuštaju i uživaju u životu.

Pierre-Auguste Renoir. Veslački doručak. 1880-1881 Phillips Collection, Vašington, SAD. wikimedia.commons.org

Nećete naći u Renoira i promišljenosti. Bilo mu je veoma drago što se pridružio impresionistima, koji su potpuno odbijali teme.

Kako je sam rekao, konačno ima priliku da slika cvijeće i nazove ga jednostavno “Cvijeće”. I ne izmišljaj nikakve priče o njima.

Pierre-Auguste Renoir. Žena sa kišobranom u bašti. 1875 Thyssen-Bormenis muzej, Madrid. arteuam.com

Renoir se najbolje osjećao u društvu žena. Zamolio je svoje sluškinje da pjevaju i šale se. Što je pesma bila gluplja i naivnija, to bolje za njega. Umorilo ga je muško brbljanje. Nije iznenađujuće što je Renoir poznat po golišavim slikama.

Model na slici “Akt na suncu” kao da se pojavljuje na šarenoj apstraktnoj pozadini. Jer za Renoira nema ništa sporedno. Oko modela ili površina pozadine su ekvivalentni.

Pierre-Auguste Renoir. Gola na suncu. 1876 ​​Musée d'Orsay, Pariz. wikimedia.commons.org

Renoir je živeo dug život. I nikada ne odlažite kist i paletu. Čak i kada su mu ruke bile potpuno okovane reumatizmom, vezivao je četku za ruku konopcem. I slikao je.

Poput Monea, čekao je priznanje nakon 40 godina. I video sam svoje slike u Luvru, pored dela poznatih majstora.

Pročitajte o jednom od najšarmantnijih Renoirovih portreta u članku

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Auto portret. 1863. Muzej Calouste Gulbenkian, Lisabon, Portugal. culted.com

Degas nije bio klasični impresionista. Nije volio raditi na otvorenom (na otvorenom). Kod njega nećete naći namjerno posvijetljenu paletu.

Naprotiv, volio je jasnu liniju. Ima dosta crnog. I radio je isključivo u studiju.

Ali ipak se uvijek stavlja u ravan s drugim velikim impresionistima. Zato što je bio impresionista gesta.

Neočekivani uglovi. Asimetrija u rasporedu objekata. Likovi zatečeni nespremni. Evo glavnih atributa njegovih slika.

Zaustavljao je trenutke života, ne dozvoljavajući likovima da dođu sebi. Pogledajte barem njegov “Operski orkestar”.

Edgar Degas. Opera Orchestra. 1870 Musée d'Orsay, Pariz. commons.wikimedia.org

U prvom planu je naslon stolice. Muzičar nam je okrenut leđima. A u pozadini se balerine na sceni nisu uklapale u „ram“. Glave su im nemilosrdno "odsječene" rubom slike.

Dakle, njegove omiljene plesačice nisu uvijek prikazane u prekrasnim pozama. Ponekad se samo protežu.

Ali takva improvizacija je imaginarna. Naravno, Degas je pažljivo osmislio kompoziciju. Ovo je samo efekat zamrznutog okvira, a ne pravi zamrznuti okvir.

Edgar Degas. Dva baletana. 1879 Shelburne Museum, Wermouth, SAD

Edgar Degas je voleo da slika žene. Ali bolest ili karakteristike tijela nisu mu dopuštale fizički kontakt s njima. Nikad se nije oženio. Niko ga nikada nije video sa damom.

Odsustvo stvarnih zapleta u njegovom ličnom životu dodalo je suptilnu i intenzivnu erotičnost njegovim slikama.

Edgar Degas. Zvijezda baleta. 1876-1878 Musee d'Orsay, Pariz. wikimedia.comons.org

Napominjemo da je na slici „Zvijezda baleta“ nacrtana samo sama balerina. Njene kolege iz bekstejdža jedva se razlikuju. Samo nekoliko nogu.

To ne znači da Degas nije završio sliku. Takav je prijem. Držite samo najvažnije stvari u fokusu. Neka ostatak nestane, nečitak.

Pročitajte o drugim slikama majstora u članku.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edward Mane. Portret Berthe Morisot. 1873. Muzej Marmottan Monet, Pariz.

Bertha Morisot se rijetko stavlja u prvi plan velikih impresionista. Siguran sam da je to nezasluženo. Upravo u njoj ćete pronaći sve glavne karakteristike i tehnike impresionizma. A ako vam se sviđa ovaj stil, svidjet ćete joj se svim srcem.

Morisot je radila brzo i poletno, prenoseći svoj utisak na platno. Čini se da će se figure uskoro rastopiti u svemiru.

Berthe Morisot. Ljeto. 1880. Muzej Fabre, Montpellier, Francuska.

Poput Degasa, često je neke detalje ostavljala nedovršenim. Pa čak i delovi tela modela. Ne možemo razlikovati ruke djevojke na slici “Ljeto”.

Morisotov put ka samoizražavanju bio je težak. Ne samo da se bavila "traljavim" slikanjem. I dalje je bila žena. U to vrijeme jedna dama je trebala sanjati o braku. Nakon toga, svaki hobi je zaboravljen.

Stoga je Bertha dugo odbijala brak. Sve dok nije našla čovjeka koji se s poštovanjem odnosi prema njenom zanimanju. Eugene Manet bio je brat slikara Eduarda Maneta. Savjesno je nosio štafelaj i slike za svoju ženu.

Berthe Morisot. Eugene Manet sa svojom kćerkom u Bougivalu. 1881. Muzej Marmottan Monet, Pariz.

Ali to je još bilo u 19. veku. Ne, Morisot nije nosio pantalone. Ali nije mogla priuštiti potpunu slobodu kretanja.

Nije mogla sama da ode u park na posao, a da nije u pratnji nekog bliskog. Nisam mogao da sjedim sam u kafiću. Dakle, njene slike su ljudi iz porodičnog kruga. Muž, ćerka, rođaci, dadilje.

Berthe Morisot. Žena sa djetetom u bašti u Bougivalu. 1881 Nacionalni muzej Walesa, Cardiff.

Morisot nije čekao priznanje. Umrla je u 54. godini od upale pluća, a za života nije prodala gotovo ništa od svog rada. Na njenoj umrlici bila je crtica u koloni „zanimanje“. Bilo je nezamislivo da se žena naziva umjetnicom. Čak i da je zaista bila.

Pročitajte o slikama majstora u članku

6. Camille Pissarro (1830. - 1903.)

Camille Pissarro. Auto portret. 1873 Musée d'Orsay, Pariz. wikipedia.org

Camille Pissarro. Nekonfrontirajuće, razumno. Mnogi su ga smatrali učiteljem. Čak ni najtemperamentnije kolege nisu loše govorile o Pissarru.

Bio je vjerni sljedbenik impresionizma. U teškoj potrebi, sa ženom i petoro djece, i dalje je vrijedno radio u svom omiljenom stilu. I nikada nije prešao na salonsko farbanje da bi postao popularniji. Ne zna se odakle mu snage da u potpunosti vjeruje u sebe.

Kako uopće ne bi umro od gladi, Pissarro je slikao navijače, koji su nestrpljivo rasprodati. A pravo priznanje stiglo mu je posle 60 godina! Tada je konačno mogao zaboraviti na potrebu.

Camille Pissarro. Diližansa u Louveciennesu. 1869 Musée d'Orsay, Pariz

Vazduh na Pisarovim slikama je gust i gust. Neobična fuzija boje i volumena.

Umjetnik se nije bojao slikati najpromjenjivije pojave prirode, koje se na trenutak pojavljuju i nestaju. Prvi snijeg, ledeno sunce, duge sjene.

Camille Pissarro. Frost. 1873 Musée d'Orsay, Pariz

Njegova najpoznatija djela su pogledi na Pariz. Sa širokim bulevarima, sujetnom šarolikom gužvom. Noću, danju, po različitom vremenu. Na neki način, oni odražavaju seriju slika Claudea Moneta.

Francuska umjetnička škola na prijelazu iz 17. u 18. vijek može se nazvati vodećom evropskom školom, upravo u Francuskoj u to vrijeme su rođeni umjetnički stilovi poput rokokoa, romantizma, klasicizma, realizma, impresionizma i postimpresionizma.

Rokoko (francuski rokoko, od rocaille - ukrasni motiv u obliku školjke) - stil u evropskoj umjetnosti 1. polovine 18. stoljeća. Rokoko karakteriše hedonizam, povlačenje u svet idilične pozorišne igre, strast prema pastoralnim i senzualno-erotskim temama. Priroda rokoko dekora dobila je naglašeno elegantne, sofisticirane i sofisticirane forme.

Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard su radili u stilu rokokoa.

Klasicizam - stil u evropskoj umetnosti 17. - ranog 19. veka, čija je karakteristična osobina bila pozivanje na forme antičke umetnosti, kao idealnog estetskog i etičkog standarda.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David radili su u stilu klasicizma.

Romantizam - stil evropske umjetnosti 18-19. stoljeća, čije su karakteristične osobine bile tvrdnja o inherentnoj vrijednosti duhovnog i stvaralačkog života pojedinca, slika jakih i često buntovnih strasti i karaktera.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake radili su u stilu romantizma.

Edouard Manet. Doručak u radionici. 1868

Realizam - stil umjetnosti, čiji je zadatak najtačnije i najobjektivnije fiksiranje stvarnosti. Stilski je realizam mnogostran i multivarijantan. Različiti aspekti realizma u slikarstvu su barokni iluzionizam Caravaggia i Velazqueza, impresionizam Maneta i Degasa i Nyunenova djela Van Gogha.

Rađanje realizma u slikarstvu najčešće se vezuje za rad francuskog umetnika Gustava Kurbea, koji je 1855. u Parizu otvorio svoju ličnu izložbu „Paviljon realizma“, iako su i pre njega umetnici Barbizonske škole Teodor Ruso, Žan- Francois Millet, Jules Breton radili su na realističan način. 1870-ih godina realizam je podijeljen na dvije glavne oblasti - naturalizam i impresionizam.

Realističko slikarstvo je postalo široko rasprostranjeno u cijelom svijetu. U stilu realizma akutne društvene orijentacije u Rusiji 19. stoljeća djelovali su lutalice.

Impresionizam (od francuskog impression - utisak) - stil u umjetnosti posljednje trećine 19. - početka 20. stoljeća, čija je karakteristična karakteristika bila želja da se stvarni svijet najprirodnije uhvati u njegovoj pokretljivosti i promjenjivosti, da prenese svoje prolazne utiske . Impresionizam nije pokretao filozofska pitanja, već se fokusirao na fluidnost trenutka, raspoloženje i osvjetljenje. Sam život postaje tema impresionista, kao niz malih praznika, zabava, prijatnih izleta u prirodi u prijateljskom okruženju. Impresionisti su bili među prvima koji su slikali na pleneru, a da nisu završili svoj rad u ateljeu.

U stilu impresionizma radili su Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley i drugi.

postimpresionizam - stil umetnosti koji je nastao krajem 19. veka. Postimpresionisti su nastojali slobodno i općenito prenijeti materijalnost svijeta, pribjegavajući dekorativnoj stilizaciji.

Postimpresionizam je stvorio područja umjetnosti kao što su ekspresionizam, simbolizam i modernost.

Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec radili su u stilu postimpresionizma.

Razmotrimo detaljnije impresionizam i postimpresionizam na primjeru rada pojedinih majstora Francuske 19. stoljeća.

Edgar Degas. Auto portret. 1854-1855

Edgar Degas (godine života 1834-1917) - francuski slikar, grafičar i vajar.

Počevši od strogih istorijskih slika i portreta, 1870-ih Degas se zbližio sa predstavnicima impresionizma i okrenuo se slici modernog urbanog života - ulicama, kafićima, pozorišnim predstavama.

Na Degasovim slikama pažljivo su osmišljeni i provjereni dinamična, često asimetrična kompozicija, precizan fleksibilan crtež, neočekivani uglovi, aktivna interakcija između figure i prostora.

E. Degas. Kupatilo. 1885

U mnogim djelima Edgar Degas pokazuje specifičnost ponašanja i izgleda ljudi, generiranu posebnostima njihovog života, otkriva mehanizam profesionalnog gesta, držanja, pokreta osobe, njegovu plastičnu ljepotu. Degasova umjetnost je svojstvena spoju lijepog i prozaičnog; umjetnik, kao trijezan i suptilan promatrač, istovremeno bilježi naporan svakodnevni posao koji se krije iza elegantne zabave.

Omiljena pastelna tehnika omogućila je Edgaru Degau da najpotpunije pokaže svoj talenat crtača. Zasićeni tonovi i „svjetlucavi” dodiri pastela pomogli su umjetniku da stvori onu posebnu šarenu atmosferu, onu prelivu prozračnost koja tako izdvaja sva njegova djela.

U zrelim godinama Degas se često okreće temi baleta. Krhke i bestežinske figure balerina pojavljuju se pred gledaocem ili u sumrak plesnih časova, ili u svjetlu reflektora na pozornici, ili u kratkim trenucima odmora. Prividna nasumičnost kompozicije i nepristrasna pozicija autora odaju dojam provirenog tuđeg života, umjetnik nam pokazuje svijet ljupkosti i ljepote, a da ne zapada u pretjeranu sentimentalnost.

Edgar Degas se može nazvati suptilnim koloristom, njegovi pasteli su iznenađujuće harmonični, ponekad nježni i lagani, ponekad izgrađeni na oštrim kontrastima boja. Degasov manir je bio izvanredan po svojoj zadivljujućoj slobodi, pastele je primjenjivao podebljanim, isprekidanim potezima, ponekad ostavljajući ton papira da se pojavljuje kroz pastel ili dodajući poteze u ulju ili akvarelu. Boja na Degasovim slikama proizilazi iz preljevnog sjaja, iz strujanja prelijepih linija koje stvaraju formu.

Kasnija Degasova djela odlikuju se intenzitetom i bogatstvom boja, koje upotpunjuju efekti umjetnog osvjetljenja, uvećane, gotovo ravne forme, te skučenost prostora koja im daje napet i dramatičan karakter. U tome

perioda Degas je napisao jedno od svojih najboljih djela - "Plave plesačice". Umjetnik ovdje radi u velikim mrljama boja, dajući iznimnu važnost dekorativnoj organizaciji površine slike. Po ljepoti harmonije boja i kompozicionom rješenju, slika „Plavi plesači” se može smatrati najboljim oličenjem Degasove baletske teme, koji je na ovoj slici postigao vrhunsko bogatstvo tekstura i kombinacija boja.

P. O. Renoir. Auto portret. 1875

Pierre Auguste Renoir (godine života 1841-1919) - francuski slikar, grafičar i vajar, jedan od glavnih predstavnika impresionizma. Renoir je poznat prvenstveno kao majstor sekularnog portreta, ne lišenog sentimentalnosti. Sredinom 1880-ih. zapravo raskinuo sa impresionizmom, vraćajući se linearnosti klasicizma u Ingresovom periodu stvaralaštva. Izvanredan kolorista, Renoir često postiže dojam monohromatskog slikarstva uz pomoć najfinijih kombinacija valera, sličnih tonovima boja.

P. O. Renoir. Bazen za djecu. 1869

Kao i većina impresionista, Renoir bira prolazne životne epizode kao teme svojih slika, preferirajući svečane gradske scene - balove, plesove, šetnje ("Novi most", "Žaba", "Moulin da la Galette" i drugi). Na ovim platnima nećemo vidjeti ni crnu ni tamno smeđu. Samo raspon jasnih i svijetlih boja koje se spajaju kada se gledaju sa određene udaljenosti. Likovi ljudi na ovim slikama su naslikani u istoj impresionističkoj tehnici kao i pejzaž oko njih, s kojim se često spajaju.

P. O. Renoir. Portret glumice Jeanne Samary. 1877

Posebno mjesto u radu Renoira zauzimaju poetske i šarmantne ženske slike: iznutra različite, ali izvana pomalo slične jedna drugoj, čini se da su obilježene zajedničkim pečatom tog doba. Renoir je naslikao tri različita portreta glumice Jeanne Samary. Na jednoj od njih, glumica je prikazana u izvrsnoj zeleno-plavoj haljini na ružičastoj pozadini. Na ovom portretu Renoir je uspeo da istakne najbolje osobine svog modela: lepotu, živahan um, otvoren pogled, blistav osmeh. Umjetnikov stil rada je vrlo slobodan, ponekad do bezbrižnosti, ali to stvara atmosferu izuzetne svježine, duhovne jasnoće i spokoja.U slici akta Renoir postiže rijetku sofisticiranost karanfila (slikajući boju čovjeka kože), izgrađen na kombinaciji toplih telesnih tonova sa klizećim svijetlozelenkastim i sivo-plavim odsjajima, dajući glatkoću i tupost površini platna. Na slici "Akt na suncu" Renoir koristi uglavnom primarne i sekundarne boje, potpuno isključujući crnu. Tačke u boji dobivene uz pomoć malih poteza u boji daju karakterističan efekat spajanja kada se gledalac udalji od slike.

Treba napomenuti da je korištenje zelenih, žutih, oker, ružičastih i crvenih tonova za prikaz kože šokiralo tadašnju javnost, nespremnu na percepciju da sjene treba biti obojene, ispunjene svjetlom.

1880-ih u Renoirovom stvaralaštvu počinje takozvani "Ingresov period". Najpoznatije djelo ovog perioda su Veliki kupači. Po prvi put, Renoir je počeo koristiti skice i skice za izgradnju kompozicije, linije crteža postale su jasne i definirane, boje su izgubile svoju nekadašnju svjetlinu i zasićenost, slika je u cjelini počela izgledati suzdržanije i hladnije.

Početkom 1890-ih dogodile su se nove promjene u umjetnosti Renoira. U slikarskom maniru javlja se šarenilo boja, zbog čega se ovaj period ponekad naziva i „bisernim“, zatim ovaj period ustupa mesto „crvenom“, tako nazvanom zbog sklonosti prema nijansama crvenkastog i ružičastog cvijeća.

Eugene Henri Paul Gauguin (godine života 1848-1903) - francuski slikar, vajar i grafičar. Uz Cezannea i Van Gogha, bio je najveći predstavnik postimpresionizma. Počeo je slikati u odrasloj dobi, rani period kreativnosti povezan je s impresionizmom. Najbolja Gauguinova djela napisana su na ostrvima Tahiti i Hiva-Oa u Okeaniji, gdje je Gauguin napustio "perverznu civilizaciju". Karakteristične karakteristike Gauguinovog stila uključuju stvaranje statičnih i kontrastnih kompozicija na velikim ravnim platnima, duboko emotivnih i istovremeno dekorativnih.

U Žutom Kristu, Gauguin je prikazao raspelo na pozadini tipičnog francuskog ruralnog pejzaža, Isusa koji pati okružen je s tri bretonske seljanke. Mir u zraku, mirne pokorne ženske poze, pejzaž zasićen sunčano žutom bojom sa drvećem u crvenom jesenjem lišću, seljak zauzet u daljini svojim poslovima, ne može a da se ne sukobi sa onim što se dešava na krstu. Okruženje je u oštroj suprotnosti sa Isusom, na čijem se licu prikazuje taj stadij patnje, koji se graniči sa apatijom, ravnodušnošću prema svemu što ga okružuje. Kontradikcija bezgraničnih muka koje je prihvatio Krist i "nevidljivost" ove žrtve od strane ljudi - to je glavna tema ovog Gauguinovog djela.

P. Gauguin. Da li ste ljubomorni? 1892

Slika "Jesi li ljubomoran?" odnosi se na polinezijski period umjetnikovog rada. Slika je zasnovana na životnoj sceni koju je umjetnik zavirio:

na obali, dvije sestre – upravo su zaplivale, a sada su im tijela rasprostrta po pijesku u ležernim sladostrastim pozama – pričaju o ljubavi, jedno sjećanje izaziva svađu: „Kako? Jesi li ljubomoran!".

Slikajući sočnu punokrvnu ljepotu tropske prirode, prirodne ljude neiskvarene civilizacijom, Gauguin je prikazao utopijski san o zemaljskom raju, o ljudskom životu u skladu s prirodom. Gauguinova polinezijska platna po dekorativnom koloritu, ravnosti i monumentalnosti kompozicije, generalizaciji stiliziranog uzorka podsjećaju na panele.

P. Gauguin. Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo? 1897-1898

Slika „Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo?" Gauguin je smatrao uzvišenom kulminacijom svojih razmišljanja. Prema namjeri umjetnika, sliku treba čitati s desna na lijevo: tri glavne grupe figura ilustruju pitanja postavljena u naslovu. Grupa žena sa djetetom na desnoj strani slike predstavlja početak života; srednja grupa simbolizira svakodnevno postojanje zrelosti; u ekstremno lijevoj grupi, Gauguin je prikazao ljudsku starost koja se približava smrti; plavi idol u pozadini simbolizira drugi svijet. Ova slika je vrhunac Gauguinovog inovativnog postimpresionističkog stila; njegov stil je spojio jasnu upotrebu boja, dekorativna koloritna i kompoziciona rješenja, ravnost i monumentalnost slike s emocionalnom ekspresivnošću.

Gogenov rad anticipirao je mnoge karakteristike stila Art Nouveau koji se razvijao tokom ovog perioda i uticao na formiranje majstora grupe Nabis i drugih slikara ranog 20. veka.

W. Van Gogh. Auto portret. 1889

Vincent Van Gogh (godine života 1853-1890) - francuski i holandski postimpresionistički slikar, počeo je slikati, poput Paula Gauguina, već u odrasloj dobi, 1880-ih. Van Gog je do tada uspešno radio kao diler, zatim kao učitelj u internatu, kasnije je studirao u protestantskoj misionarskoj školi i šest meseci radio kao misionar u siromašnoj rudarskoj četvrti u Belgiji. Početkom 1880-ih, Van Gog se okrenuo umjetnosti, pohađajući Akademiju likovnih umjetnosti u Briselu (1880-1881) i Antwerpenu (1885-1886). U ranom periodu svog stvaralaštva Van Gogh je slikao skice i slike u mračnom slikarskom rasponu, birajući za zaplet prizore iz života rudara, seljaka i zanatlija. Van Goghova djela iz ovog perioda („Jedači krompira“, „Toranj stare crkve u Ninenu“, „Cipele“) označavaju bolno akutnu percepciju ljudske patnje i osjećaja depresije, opresivne atmosfere psihičke napetosti. U pismima bratu Teu, umetnik je o jednoj od slika iz tog perioda, „Jedači krompira“, napisao sledeće: „U njoj sam pokušao da naglasim da su ti ljudi, jedući svoj krompir uz svetlost lampe, iskopali zemlja istim rukama koje su pružili na posudu; tako, platno govori o teškom radu i da su likovi pošteno zarađivali hranu.“ Godine 1886-1888. Van Gog je živeo u Parizu, posećivao prestižni privatni umetnički atelje poznatog širom Evrope učitelja P. Kormona, studirao impresionističko slikarstvo, japansko graviranje i sintetička dela Pola Gogena. U tom periodu Van Goghova paleta postaje svetla, zemljana nijansa boje nestaje, pojavljuju se čisti plavi, zlatnožuti, crveni tonovi, njegova karakteristična dinamika, kao da teče potez kista („Agostina Segatori u tamburaškom kafiću“, „Most preko Sene“ “, “Papa Tanguy”, “Pogled na Pariz iz Teovog stana u ulici Lepić”).

Godine 1888. Van Gogh se preselio u Arles, gdje je konačno utvrđena originalnost njegovog stvaralačkog manira. Vatreni umjetnički temperament, mučni poriv ka harmoniji, ljepoti i sreći, a ujedno i strah od čovjeku neprijateljskih sila, oličeni su bilo u pejzažima blistajućim sunčanim bojama juga („Žuta kuća“, „Žetva La Crot Valley”), ili u zlokobnim slikama koje podsjećaju na noćne more („Terasa noćnog kafića“); dinamika boje i poteza

W. Van Gogh. Noćni kafić terasa. 1888

ispunjava produhovljenim životom i pokretom ne samo prirodu i ljude koji je naseljavaju („Crveni vinogradi u Arlu”), već i nežive predmete („Van Gogova spavaća soba u Arlu”).

Van Goghov intenzivan rad posljednjih godina pratili su napadi mentalne bolesti, koji su ga odveli u bolnicu za mentalno bolesne u Arlesu, zatim u Saint-Remy (1889-1890) i u Auvers-sur-Oise (1890), gdje je izvršio je samoubistvo. Rad posljednje dvije godine umjetnikovog života obilježen je ekstatičnom opsesijom, izuzetno pojačanim izrazom kombinacija boja, naglim promjenama raspoloženja – od pomahnitalog očaja i sumornog vizionarstva („Put sa čempresima i zvijezdama“) do ustreptalog osjećaja prosvjetljenja i mir (“Pejzaž u Auversu nakon kiše”) .

W. Van Gogh. Irises. 1889

Tokom perioda liječenja na klinici Saint-Remy, Van Gogh je naslikao seriju slika "Irises". U njegovom slikanju cvijeća nema velike napetosti i može se pratiti utjecaj japanskih ukiyo-e printova. Ova sličnost se očituje u odabiru kontura objekata, neobičnih uglova, prisutnosti detaljnih područja i područja ispunjenih jednobojnom bojom koja ne odgovara stvarnosti.

W. Van Gogh. Pšenično polje sa vranama. 1890

“Pšenično polje s vranama” je slika Van Gogha, koju je umjetnik naslikao u julu 1890. godine i jedno je od njegovih najpoznatijih djela. Slika je navodno završena 10. jula 1890. godine, 19 dana prije njegove smrti u Auvers-sur-Oiseu. Postoji verzija da je Van Gogh počinio samoubistvo u procesu pisanja ove slike (izlazeći na otvorenom s materijalima za crtanje, pucao je u sebe iz pištolja kupljenog da uplaši jata ptica u predjelu srca, a zatim samostalno stigao do bolnice, gdje je umro od gubitka krvi).