Чуждестранна музикална литература 4 издание. T

Помощните бележки по музикалната литература на чужди страни са допълнение към съществуващите учебници по музикална литература. Съдържанието на помагалото съответства на програмата по предмета ПО.02.УП.03. „Музикална литература“ на допълнителни предпрофесионални общообразователни програми в областта на музикалното изкуство „Пиано“, „Струнни инструменти“, „Духови и ударни инструменти“, „Народни инструменти“, „Хорово пеене“, препоръчани от Министерството на културата. на Руската федерация.

Подкрепящите бележки за музикалната литература са предназначени да развият хуманитарното образование и специалните компетенции на учениците, по-специално: "... да формират музикално мислене, умения за възприемане и анализ на музикални произведения, да придобият знания за моделите на музикалната форма, за спецификата на музикалния език, изразителните средства на музиката" 1 .

Учебникът представя творчеството на композиторите в контекста на културно-историческите епохи, изучава се в тясна връзка с историческите събития и свързаните с тях изкуства. Абстрактният материал е основните тези на изследванията по история на музиката и музикалната литература на В. Н. Брянцева, В. С. Галацкая, Л. В. Кириллина, В. Д. Конен, Т. Н. Ливанова, И. Д. Прохорова и други известни музиколози, обобщен и кратък учебен материал във формата на таблици, диаграми и визуални опори. Визуалните опори (репродукции на картини на известни художници, портрети на композитори, техни роднини и приятели, видни дейци на културата и изкуството, исторически личности и др.) не само съпътстват и допълват словесната информация, но са носители на информация в областта на изобразителното изкуство. изкуства, са пряко свързани с епохи и направления в музиката, творчеството на композиторите, отразяват историята, културата и изкуството на европейските страни.

Съдържанието на спомагателните бележки се състои от четири раздела, които от своя страна са разделени на теми, обхващащи периодите на развитие на европейската музика от музикалната култура на Древна Гърция до творчеството на романтичните композитори от 19 век. И така, първият раздел разглежда музикалната култура на Древна Гърция, Средновековието и Ренесанса. Вторият раздел разглежда епохата на барока, творчеството на Й. С. Бах и Г. Ф. Хендел. Третият раздел е посветен на епохата на класицизма, като акцентът е върху творчеството на виенските класици - Й. Хайдн, В. А. Моцарт и Л. Бетовен. Четвъртият раздел представя материали за епохата на романтизма, творчеството на Ф. Шуберт и Ф. Шопен, кратък преглед на творчеството на романтичните композитори от деветнадесети век Ф. Менделсон, Ф. Лист, Р. Шуман, Г. Берлиоз, Д. Верди, Р. Вагнер, Й. Брамс, Ж. Бизе.

Помагалото включва и речници на значенията, термините и понятията, срещани в текста, кратък анализ и музикални примери на изучаваните произведения.

Наред със строгото представяне на материала в таблици и схеми, помагалото включва интересни факти от живота на композиторите, поднесени под формата на разказ и придружени с цветни художествени илюстрации, които освежават възприятието и вниманието на децата.

Поддържащи бележки за музикалната литература на чужди страни са предназначени за ученици от Детската школа по изкуствата, Детската музикална школа от втората и третата година на обучение (5 и 6 клас), които изучават допълнителни предпрофесионални общообразователни програми в областта на музикалното изкуство. Учителите по музикално-теоретични и специални дисциплини на детски музикални школи, детски школи по изкуства могат да използват учебника при изучаване на нов материал, повтаряне и систематизиране на разгледаните теми, подготовка за междинно и окончателно сертифициране на ученици, подготовка за музикално-теоретични олимпиади, самостоятелна работа на ученици, групово и индивидуално обучение, отчасти при реализиране на допълнителни общоразвиващи програми в области на музикалното изкуство, в културно-просветната дейност.

Към опорните конспекти е приложена работна тетрадка, която е предназначена за работа в класната стая.

По-долу са дадени фрагменти от ръководството „Помагателни бележки върху музикалната литература на чужди страни“.

За закупуване на ръководството на Татяна Гуриевна Савелиева „Справочни бележки по музикалната литература на чуждите страни“, моля, свържете се с автора на [имейл защитен]

_____________________________________________

1 Примерна програма по предмета ПО.02. UP.03. Музикална литература. - Москва 2012 г

______________________________________________________

ОТ СЪСТАВИТЕЛИТЕ
Тази книга е учебник по музикална литература от този исторически период, който започва през последните десетилетия на 19 век. Такъв учебник се появява за първи път: петият брой завършва, както знаете, с работата на К-Дебюси и М. Равел.
Книгата включва описание на различни национални музикални школи, които определят цялостната й структура. Първият раздел дава описание на общите процеси, които се осъществяват по свой начин в музикалното изкуство на различни страни и в творчеството на композитори с различни личности. Всеки следващ раздел се състои от преглед на музикалната култура на дадена страна, както и монографичен раздел, посветен на творчеството на най-значимите композитори от тази школа. Само разделът, посветен на творчеството на И. Стравински, се различава по своята структура: той не съдържа уводен преглед. И това е разбираемо: в края на краищата, прекарал по-голямата част от живота си извън Русия поради специални обстоятелства, Стравински остава руски майстор и не принадлежи към нито една от чуждите школи. Решаващото влияние на неговите творчески принципи върху почти всички водещи музиканти на нашия век не ни позволява да премахнем Стравински от общата картина на развитието на музикалното изкуство на 20 век. Включването на тази монографична глава в учебника по чуждестранна музикална литература се дължи и на особеностите на учебната програма в училището: по времето, когато изучават чужда музика на 20 век, учениците изобщо не са запознати нито с личността, нито с музика на И. Стравински. Те ще се обърнат към тази страница на музикалното изкуство едва в края на четвъртия курс, където се разглежда само първият, руски период от творчеството на композитора.

Вниманието на съставителите и авторите на учебника е насочено както към показване на общите музикално-исторически процеси на разглеждания период, така и към анализиране на най-забележителните произведения, превърнали се в класика на нашия век. Предвид изключителната сложност на събитията в музикалното изкуство на 20 век, тяхната разнородност, взаимно пресичане и бързата им смяна, обзорните глави заемат много по-голямо място в тази книга, отколкото в предишните издания. Въпреки това, в съответствие с методологическите принципи на темата, съставителите се стремят да запазят фокуса върху анализите на музикални произведения, които в този случай са предназначени да разкрият многообразието от творчески методи, начини на мислене, различни стилистични решения и множеството на композиторски техники на майсторите на нашия век.

С оглед на факта, че книгата дава широка панорама на музикалното изкуство, а анализът в много случаи е много сложен (което до голяма степен е предопределено от самия материал), съставителите считат за възможно този учебник да бъде адресиран и до ученици не само от изпълнителски, но и на теоретичните отдели на музикалните училища. Съдържанието на книгата позволява селективен подход към нея в учебния процес; дълбочината и детайлността на изучаването на главите се определя от самите учители в зависимост от нивото на подготовка на учениците, материалното оборудване на учебния процес с ноти и музикални записи и броя на часовете, разпределени от учебната програма за тази част на курса.
Над тази книга работи голяма група автори. Оттук и неизбежността на различните начини на представяне на материала; същевременно в самия подход към него съставителите се стремят да запазят единни методически принципи.

СЪДЪРЖАНИЕ
От компилаторите
Пътищата на развитие на чуждестранното музикално изкуство на XX век.
Музикална култура на Австрия
Густав Малер
Вокално творчество. "Песни на един пътуващ чирак"
Симфонично творчество. Първа симфония
АРНОЛД ШЕНБЕРГ
Жизнен и творчески път
"Оцелял от Варшава"
АЛБАН БЕРГ
Жизнен и творчески път
Музикална драма Воцек
Концерт за цигулка и оркестър
АНТОН ВЕБЕРН.
Жизнен и творчески път
Музикална култура на Германия
РИЧАРД СТРАУС
Жизнен и творчески път
Симфонично творчество. Симфонични поеми "Дон Жуан" и "Тил Уленшпигел"
ПОЛ ХИНДЕМИТ
Жизнен и творчески път
Симфонично творчество. Симфония "Артист Матис".
КАРЛ ОРФ
Жизнен и творчески път
Основните жанрове на творчеството на Карл Орф и техните характеристики.
Опера "Умно момиче"
"Кармина Бурана"
ИГОР СТРАВИНСКИ
Жизнен и творчески път
"Симфония на псалмите"
Опера "Едип цар"
Музикалната култура на Франция.
АРТЪР ОНЕГЕР
Жизнен и творчески път
Театрално и ораторско творчество. Оратория "Жана д'Арк на кладата"
Симфонично творчество. Трета симфония ("Литургическа")
ДАРИУС МИХО
Жизнен и творчески път
Вокално-инструментално, творчество. "Огненият замък"
Франсис Пуленк
Жизнен и творчески път
Опера "Човешкият глас"
Музикална култура на Испания
МАНУЕЛ ДЕ ФАЛЯ
Жизнен и творчески път
Балет "Любовта е магьосница"
Опера "Кратък живот"

Музикална библиотека Радваме се, че намерихте и изтеглихте материалите, които ви интересуват в нашата музикална библиотека. Библиотеката се актуализира постоянно с нови творби и материали и следващия път определено ще намерите нещо ново и интересно за вас. Библиотеката на проекта е попълнена на базата на учебната програма, както и материали, препоръчани за обучение и разширяване на кръгозора на учениците. И студенти, и учители ще намерят полезна информация тук. библиотеката представя и методическа литература. Нашите любимци Композитори и изпълнители Съвременни артисти Тук ще намерите и биографии на изтъкнати художници, композитори, известни музиканти, както и техни произведения. В раздела за работа публикуваме записи на изпълнения, които ще ви помогнат в ученето, ще чуете как звучи това произведение, акценти и нюанси на произведението. Очакваме ви в classON.ru. В. Н. Брянцева Йохан Себастиан Бах 1685 - 1750 Волфганг Амадеус Моцарт 1756 - 1791 Франц Шуберт 1797 - 1828 www.classON.ru Йозеф Хайдн 1732 - 1809 Лудвиг ван Бетовен 1770 - 1827 Фридерик Шопен 1810 - 1949 за детското образование в Русия тя става все по-изобилна от около 10 век пр.н.е. Развиват се визуалните изкуства - и художниците изобразяват музиканти, които съпровождат религиозни обреди, военни кампании, лов, тържествени шествия, танци с пеене и свирене на инструменти. Такива изображения са запазени по-специално върху стените на храмове и керамични вази, открити по време на разкопки. Появява се писменост - и авторите на ръкописите въвеждат в тях поетични текстове на песни и химни, предоставят интересна информация за музикалния живот. С течение на времето писателите обръщат много внимание на философските дискусии за музиката, нейната важна социална, включително образователна роля, както и теоретичното изследване на елементите на нейния език. Повечето от тази информация е запазена за музиката в някои страни от Древния свят, например в Древен Китай, Древна Индия, Древен Египет, особено в така наречените древни страни - Древна Гърция и Древен Рим, където са основите на европейската култура бяха положени2. Въведение Музика от древността до Й. С. Бах Мили деца! Миналата година вече имахте уроци по музикална литература. Те обсъдиха основните елементи на музикалния език, някои музикални форми и жанрове, изразните и визуални възможности на музиката и оркестъра. В същото време разговорът се водеше свободно за най-различни епохи - или за древността, или за съвременността, или за връщане към по-малко или по-отдалечени от нас векове. А сега е време да се запознаем с музикалната литература в хронологично последователен – исторически – ред1. За музиката в Древна Гърция Откъде получихме информация за музиката на Древния свят Убедително доказателство за голямата културно-историческа роля на античността е фактът, че в Древна Гърция през 8 век пр. н. е. се зараждат публичните спортни състезания – Олимпийските игри . И два века по-късно там започват да се провеждат музикални състезания - Питийските игри, които могат да се считат за далечни предци на съвременните състезания. Питийските игри се провеждали в храма, построен в чест на покровителя на изкуствата, бога на слънцето и светлината Аполон. Според митовете, след като победил чудовищната змия Питон, той сам основал тези игри. Известно е, че някога са били спечелени от Сакад от Аргос, свирейки на аулос, духов инструмент, близък до обоя, програмна пиеса за борбата на Аполон, с Питон.За древногръцката музика имаше характерна връзка с поезията, танц, театър. Напевен глас са изпяти героичните епически поеми "Илиада" и "Одисея", приписвани на легендарния поет Омир. Певците обикновено, подобно на митологичния Орфей, са били автори както на поетичен текст, така и на музика, а самите те са си акомпанирали на лира. На тържеството бяха изпълнени хорови танцови песни с пантомимични жестове. В древногръцките трагедии и комедии голяма роля принадлежеше на хора: той коментира действието, изрази отношението си към.При разкопките археолозите откриха най-простите музикални инструменти (например духови инструменти - животински кости с пробити дупки) и определиха че са направени преди около четиридесет хиляди години. Следователно музикалното изкуство вече е съществувало тогава. След като през 1877 г. е изобретен фонографът - първият апарат за механичен запис и възпроизвеждане на звук, музиканти-изследователи започват да пътуват до онези кътчета на земното кълбо, където някои племена все още са имали примитивен начин на живот. От представители на такива племена, с помощта на фонограф, те записаха образци от пеене и инструментални мелодии. Но такива записи дават, разбира се, само приблизителна представа за това каква е била музиката в онези древни времена. Думата "хронология" (означава "последователността на историческите събития във времето") произлиза от две гръцки думи - "chronos" ("време") и "logos" ("доктрина"). 1 Латинската дума "antiguus" означава "древен". Терминът „древен“, произлизащ от него, се отнася до историята и културата на Древна Гърция и Древен Рим. 2 2 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство, основано на делата на героите. Съвременните музиколози имат известни познания за музиката в древния свят и въпреки това завиждат на историците на други изкуства. За голям брой великолепни паметници на древната архитектура са запазени древните изобразителни изкуства, особено скулптурата, открити са много ръкописи с текстове на трагедии и комедии от велики антични драматурзи. Но музикалните произведения, създадени през същата епоха и дори много по-късно, остават по същество непознати за нас. Защо стана така? Факт е, че се оказа много трудна задача да се измисли достатъчно точна и удобна система за нотиране (нотиране), тази, която всеки от вас усвои, когато едва започваше да учи музика. Разгадаването му отне много векове. Вярно е, че древните гърци са изобретили буквената нотация. Те обозначаваха стъпките на музикалните режими с определени букви от азбуката. Но не винаги се добавят ритмични знаци (от тирета). Едва в средата на 19 век от н. е. учените най-накрая разкриха тайните на тази нотация. Въпреки това, ако са успели да дешифрират точно съотношението на звуците по височина в древногръцките музикални ръкописи, тогава съотношението в продължителността е само приблизително. Освен това са открити много малко такива ръкописи и те съдържат записи само на няколко монофонични произведения (например химни) и по-често - техни фрагменти. достатъчна видимост. Затова музикантите отдавна използват спомагателни икони за подсказване. Тези икони бяха поставени над думите на песнопения и обозначаваха или отделни звуци, или техните малки групи. Те не посочиха точното съотношение на звуците нито по височина, нито по продължителност. Но с надписа си напомняха на изпълнителите посоката на движение на мелодията, които я знаеха наизуст и я предаваха от едно поколение на друго. В страните от Западна и Централна Европа, за чиято музика ще стане дума по-нататък в този учебник, такива икони се наричали невми. Невмите са били използвани за записване на древни католически литургични химни - григорианският песнопение. Това общоприето име произлиза от името на папа Григорий I3. Според легендата в края на 6 век той съставил основната колекция от тези монофонични песнопения. Предназначени за изпълнение по време на църковната служба само от мъже и момчета - соло и в унисон от хора, те са написани на латински молитвени текстове. Но през 11 век италианският монах Гуидо д'Арецо („от Арецо") изобретил нов начин на нотиране. Той обучавал момчета хористи в манастира и искал да им бъде по-лесно да запомнят духовните песнопения. По това време, невмите започнаха да се поставят на хоризонтална линия, над и под нея. Тази линия съответстваше на един определен звук и по този начин задаваше приблизителното ниво на височина на записа. И Гуидо дойде с идеята да нарисува четири успоредни линии на веднъж („линийки“) на същото разстояние един от друг и поставяне на невми върху тях и между тях.Ето как предшественикът на съвременния музикален персонал - като строго подплатено платно, което позволява точно да се посочи съотношението на височината на звуците от тонове и полутонове.И в същото време музикалната нотация става по-визуална - като рисунка, изобразяваща движението на мелодия, нейните завои.Звуците, които съответстват на владетелите, Гуидо обозначава буквите от латинската азбука Техните стилове започват да промениха се по-късно и в крайна сметка се превърнаха в знаци, които те нарекоха ключове. „седейки“ на владетелите и между тях, с течение на времето те се превърнаха в отделни бележки, в които главите първо имаха формата на квадрати. Въпроси и задачи 1 . Кога според учените са направени най-старите музикални инструменти? Какво пише? 2. Какво представлява фонографът, кога е изобретен и как изследователите започват да го използват? 3. За музиката на кои страни от Древния свят е запазена най-много информация? Определете на картата - около кое море са били разположени три такива държави. 4. Кога и къде започват да се провеждат древните музикални състезания – Питийските игри? 5. С какви изкуства е била тясно свързана музиката в Древна Гърция? 6. Каква нотация са измислили древните гърци? По какъв начин е неточно? Титлата "Римски папа" се носи от духовник, който оглавява католическата църква като международна духовна организация. Католицизмът е едно от християнските вероизповедания наред с православието и протестантството. 4 Древните римляни са говорили латински. След падането на Римската империя през 476 г. латинският език постепенно спира да се говори. От него идват така наречените романски езици - италиански, френски, испански, португалски. 3 Как е създадена удобната нотация През Средновековието (началото на този исторически период се счита за 6-ти век от н.е.) буквената нотация е почти забравена. 3 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Слуховете за нов метод на нотиране - като някакво чудо - достигнаха до папа Йоан XIX. Той извика Гуидо при себе си и изпя непозната за него мелодия според измислен запис. В бъдеще броят на паралелните владетели беше променян многократно, случи се - дори се увеличи до осемнадесет. Едва в края на 17-ти век сегашният петредов персонал "спечели". Използвани са и много различни ключове. Едва през 19-ти век най-разпространени стават високите и басовите ключове. След изобретяването на Гуидо д'Арецо, още една трудна задача беше решена дълго време - как да се подобри нотацията, така че да показва точното съотношение на звуците не само по височина, но и по времетраене, към това бяха добавени много конвенционални правила отначало, което затруднява практическото й приложение. И в течение на няколко века постепенно се развива по-удобна нотация - точно тази, която продължаваме да използваме и сега. След началото на 17 век тя се подобрява само през детайли.И нейният ритмичен принцип, който е търсен толкова дълго, сега изглежда най-простото нещо.Той се състои в това, че цяла нота по времетраене винаги е равна на две половини - различни по стил, една половина - две четвърти, една четвърт - две осми и т.н., че баровете са започнали да разделят тактовете през 16 век и размерът в началото на нотния запис трябва да бъде посочен непременно е от 17 век. По това време обаче вече имаше не само музикални ръкописи, но и печатни ноти. Нотният печат започва малко след изобретяването на печата - към края на 15 век. В древния свят и дълго време през Средновековието музиката като правило е монофонична. Имаше само няколко дребни изключения. Например, певец изпълни песен и я дублира (т.е. изсвири я едновременно), докато свири на инструмент. В същото време гласът и инструментът понякога могат да се разпръснат малко, да се отклонят един от друг и скоро отново да се сближат. Така в монофоничен звуков поток възникват и изчезват „острови“ от двуглас. Но в началото на първото и второто хилядолетие на нашата ера полифоничният склад започва да се развива последователно и по-късно става доминиращ в професионалното музикално изкуство. Тази сложна и дълга формация се фокусира главно в областта на католическата църковна музика. Случаят започна с изобретяването (от кого - неизвестно) на следната техника. Един певец (или няколко певци) изпълнява главния глас - бавна гладка мелодия на григорианския песнопение. И вторият глас се движеше строго паралелно - точно в същия ритъм, само че през цялото време на разстояние една октава, или кварта, или квинта. Сега за нашите уши звучи много бедно, „празно“. Но преди хиляда години такова пеене, ехтящо под сводовете на църква, катедрала, удивено и възхитено, отвори нови изразителни възможности за музиката. След известно време църковните музиканти започнаха да търсят по-гъвкави и разнообразни методи за водене на втория глас. И тогава те започнаха все по-умело да комбинират три, четири гласа, по-късно понякога дори повече гласове. Въпроси и задачи 1 . Какво беше неудобно в практическата буквена нотация? 2. Какво внушават невмите на средновековните хористи? 3. Какво е григорианско песнопение и защо се нарича така? 4. Обяснете същността на изобретението на Гуидо д'Арецо 5. Коя беше следващата задача, която трябваше да бъде решена след изобретяването на Гуидо 6. Откога нотацията вече не се е променила значително? църковен музикант Перотин Той беше изключителен представител на пеенето изкуство - парижката "Училище на Нотр Дам" ("Училище на Дева Мария"). Песнопения на Перотин звучаха в сграда със забележителна красота. Това е известен паметник на средновековната готическа архитектура, описан от френския писател от XIX век Виктор Юго в прочутата В романа Катедралата Нотр Дам.Как започва да се развива полифонията в музиката Така полифонията започва да се развива.Преведено от гръцки, тази дума означава "полифония".Но полифония се нарича само този вид полифония, в която два или повече равни гласа звучат едновременно, освен това всеки от тях има своя независима мелодична линия. ако един глас води основната мелодия, докато други са подчинени на нея (акомпанират я, придружават я), тогава това е хомофония - друга Благодарение на усъвършенстването на нотацията, постепенно, особено от 13 век, музикалните ръкописи започват да бъдат по- и по-точно дешифриран. Това направи възможно запознаването не само с информация за музикалната култура, но и със самата музика от минали епохи. Неслучайно успехите на нотното изкуство съвпадат с началото на развитието на полифонията - важен етап в историята на музикалното изкуство. 4 www.classON.ru Образованието на децата в областта на руското изкуство Месата се превърна в основен музикален жанр. Обикновена литургия 5 включва шест основни песнопения към религиозни латински текстове. Това са “Kiriyo Eleison” (“Господи, помилуй”), “Gloria” (“Слава”), “Credo” (“Вярвам”), “Sanctus” (“Свят”), “Benedictus” (“Благословен”). ) и „Agnus Dei" („Агнец Божий"). Първоначално григорианското песнопение звучеше в един глас в масите. Но около 15-ти век масата се превърна в цикъл от сложни полифонични части 6. В същото време имитациите започнаха да се използват много умело. В превод от латински "imitatio" означава "подражание". В музиката понякога могат да се имитират извънмузикални звуци, например трели на славей, звън на кукувица, шум на морски вълни. Тогава се нарича ономатопея или ономатопея. И имитацията в музиката е такава техника, когато след мелодия, завършваща на един глас, друг глас точно (или не съвсем точно) я повтаря от друг звук. Тогава други гласове могат да влязат по същия начин. В хомофонната музика могат да се появят имитации за кратко. А в полифоничната музика това е един от основните методи за развитие. Това помага да се направи мелодичното движение почти непрекъснато: паузите и кадансите едновременно във всички гласове се срещат в полифоничната музика само под формата на редки изключения7. Комбинирайки имитация с други полифонични средства, композиторите превръщат своите меси в големи хорови произведения, в които четири или пет гласа са преплетени в сложна звукова тъкан. В него вече трудно се различава мелодията на григорианския песнопение и също толкова трудно се чуват молитвените слова. Имаше дори маси, където мелодиите на популярни светски песни бяха използвани като основни. Тази ситуация тревожи висшите католически духовни власти. В средата на 16 век щеше да се забрани като цяло полифоничното пеене по време на църковни служби. Но такава забрана не се случи благодарение на прекрасния италиански композитор Палестрина, който прекара почти целия си живот в Рим и беше близо до папския двор (пълното му име е Джовани Пиерлуиджи да Палестрина, т.е. „от Палестрина“ - малък град близо до Рим). Палестрина със своите меси (а той е написал повече от сто от тях) успява да формира полифония. Тъй като акомпаниментът има акордово-хармонична основа, хомофоничният склад на музикалното представяне се нарича още хомофонично-хармоничен. Въпроси и задачи 1 . Откога музикалните ръкописи стават все по-точно дешифрирани? 2. С кой важен нов етап в историята на музикалното изкуство съвпада успехът на нотния текст? 3. Кога, в каква музика и на базата на какви мелодии постепенно се формира полифонията? 4. Какво беше паралелен двуглас? Изпейте заедно няколко успоредни кварти, квинти и октави. 5. Каква е разликата между полифонията и хомофонията? Как полифонията продължава да се развива Докато полифонията започва да се развива в църковното пеене, монофонията продължава да доминира в светската музика. Например, много записи на монофонични песни, които са съставени и изпълнени от средновековни поети-певци през 12-14 век, са дешифрирани. В южната част на Франция, в Прованс, те се наричаха трубадури, в северната част на Франция - trouvers, в Германия - minnesingers. Много от тях били прочути рицари и в песните си често възпявали красотата и добродетелта на „прекрасната дама“, на която се прекланяли. Мелодиите на песните на тези поети-певци често са били близки до народни мелодии, включително танцови, а ритъмът е бил подчинен на ритъма на поетичния текст. По-късно, през XIV-XVI век, немските поети-певци от средите на занаятчиите се обединяват в работилници, наричайки себе си майстерзингери („майстори певци”). Църковната полифония и светската песенна монофония не се оказват изолирани една от друга. гласове, които са добавени в духовни песнопения към григорианския песнопение, става забележимо влиянието на светските песни (например песни на трубадури и трувери). В същото време до края на 13 век във Франция се появяват чисто светски полифонични произведения , където частите на всички гласове са базирани на песенни мелодии, а текстовете са композирани не на латински, а на френски.С течение на времето в католическата църковна музика все още има специални меси, посветени на църковните празници.Припомнете си, че цикълът е произведение от няколко отделни части (или пиеси), обединени от обща идея. ) - мелодичен и хармоничен ход, който завършва цялото музикално произведение или неговия раздел 5 6 5 www.classON.ru Детски образование в областта на руското изкуство, за да докаже, че полифоничните композиции, оставайки много изкусни, могат да звучат прозрачно и богослужебните текстове да се чуват ясно. Музиката на Палестрина е един от върховете на древната хорова полифония на така наречения строг стил. Отвежда ни в света на просветеното възвишено съзерцание – сякаш излъчва равномерно, умиротворяващо сияние. поети, музиканти, учени и любители на изкуството. Те бяха увлечени от идеята да създадат нов вид изразително солово пеене с акомпанимент и да го съчетаят с театрално действие. Така се раждат първите опери, чиито сюжети са взети от древната митология. Първата е „Дафне“, композирана от композитора Якопо Пери (заедно с Ю. Корея) и поета О. Ринучини. Изпълнена е през 1597 г. във Флоренция (произведението като цяло не е запазено). В древногръцката митология Дафне е дъщеря на речното божество Ладон и богинята на земята Гея. Бягайки от преследването на Аполон, тя се помолила за помощ на боговете и била превърната в лавр (на гръцки "дафне" - "лавър") - свещеното дърво на Аполон. Тъй като Аполон се смяташе за бог-покровител на изкуствата, победителите в Питийските игри започнаха да бъдат увенчавани с лавров венец, чийто основател се смяташе за Аполон. Лавровият венец и отделна клонка от лавра са станали символи на победа, слава и награда. Две други опери, композирани през 1600 г. (едната от Дж. Пери, другата от Дж. Качини) се наричат ​​„Евридика“, защото и двете използват един и същ поетичен текст, базиран на древногръцкия мит за легендарния певец Орфей. Първите италиански опери се изпълняват в дворци и къщи на знатни хора. Оркестърът се състоеше от няколко старинни инструмента. Водеше се от музикант, който свиреше на чембало (италианското наименование на клавесина). Все още нямаше увертюра, а началото на представлението беше възвестено от фанфари на тръба. А във вокалните партии преобладаваше речитативът, в който музикалното развитие беше подчинено на поетичния текст. Скоро обаче музиката започва да придобива все по-самостоятелно и важно значение в оперите. Това е заслугата на първия изключителен оперен композитор - Клаудио Монтеверди. Първата му опера - "Орфей" - е поставена през 1607 г. в Мантуа. Нейният герой отново е същият легендарен певец, който умилостивил с изкуството си Хадес, бога на подземния свят на мъртвите, и пуснал на земята Евридика, любимата жена на Орфей. Но условието на Хадес - преди да напусне царството си, никога да не поглежда към Евридика - Орфей нарушава и отново, завинаги, я губи. Музиката на Монтеверди даде на тази тъжна история безпрецедентен лиричен и драматичен израз. Вокалните партии, хоровете, оркестровите епизоди стават много по-разнообразни по своя характер в Орфей на Монтеверди. В това произведение започва да се оформя мелодичен ариозен стил - най-важното отличително качество на италианската оперна музика. Следвайки примера на Флоренция, опери започват да се композират и изпълняват не само в Мантуа, но и в италиански градове като Рим, Венеция и Неапол. Интересът към новия жанр започва да се заражда и в други европейски страни, а техните Въпроси и задачи 1 . Кои са трубадурите, труверите, минезингерите и майсторзингерите? 2. Има ли връзка между древната църковна полифония и светската песенна мелодия? 3. Назовете основните части на обикновена маса. 4. Дайте примери за ономатопея в музиката. 5. Какво се нарича имитация в музиката? 6. Какво успя да постигне Палестрина в масите си? Раждането на операта. Оратория и кантата Точно преди началото на 17-ти век - първият век от историческия период, наречен Модерни времена - в музикалното изкуство се случва събитие от изключителна важност: в Италия се ражда операта. Музиката се използва в различни театрални представления от древни времена. В тях, наред с инструментални и хорови номера, могат да се изпълняват и отделни вокални сола, като песни. А в операта певци и певици станаха актьори и актриси. Тяхното пеене, под съпровода на оркестъра, в съчетание със сценичното действие започва да предава основното съдържание на представлението. Допълват го декори, костюми, а често и танци – балет. Така в операта музиката води тясната общност на различни изкуства. Това разкрива пред нея големи нови артистични възможности. Оперните певци започнаха да предават с безпрецедентна сила личните емоционални преживявания на хората - както радостни, така и скръбни. В същото време най-важното изразно средство в операта е хомофоничната комбинация от солов певчески глас с оркестров съпровод. И ако до 17-ти век професионалната музика в Западна Европа се развива предимно в църквата, а месата е най-големият жанр, то тогава основен център става музикалният театър, а най-големият жанр е операта. В края на 16-ти век в италианския град Флоренция се събира кръжок 6 www.classON.ru Обучението на децата в областта на изкуството в руските владетели приемат за обичай да канят италиански музиканти на служба в двора. Това допринесе за факта, че италианската музика за дълго време стана най-влиятелната в Европа. Във Франция през 17 век възниква собствена национална опера, различна от италианската. Неговият основател - Жан-Батист L yul l и - италианец по рождение. Въпреки това той правилно усеща особеностите на френската култура и създава своеобразен френски оперен стил. В оперите на Лули голямо място заемат речитативи и малки арии с речитативен характер, от една страна, а от друга - балетни танци, тържествени маршове и монументални хорове. Заедно с митологични сюжети, великолепни костюми, изобразяване на магически чудеса с помощта на театрални машини, всичко това съответства на блясъка и блясъка на дворцовия живот по време на управлението на френския крал Луи XIV. Първата опера в Германия, Дафне (1627), е създадена от най-великия немски композитор от ерата преди Бах Хайнрих Шютц. Но нейната музика не е оцеляла. И в страната нямаше условия за развитие на оперния жанр: те наистина се оформиха едва в началото на 19 век. И в творчеството на Шутц основното място е заето от изразителни вокално-инструментални композиции върху духовни текстове. През 1689 г. в Лондон е представена първата английска опера „Дидона и Еней“ от композитора със забележителен талант Хенри Пърсел. Музиката на тази опера пленява със задушевни текстове, поетична фантазия и колоритни битови образи. Въпреки това, след смъртта на Пърсел, в продължение на почти два века сред английските композитори нямаше изключителни музикални творци. В началото на 16-17 век, едновременно с операта, а също и в Италия, се раждат ораторията и кантата. Прилича на операта по това, че в изпълнението им участват и солисти, хор и оркестър, озвучават и арии, речитативи, вокални ансамбли, хорове, оркестрови епизоди. Но в операта ние научаваме за развитието на събитията (сюжета) не само от това, което пеят солистите, но и от това, което правят и какво изобщо се случва на сцената. А в ораторията и кантатата няма сценично действие. Изпълняват се в концертна обстановка, без костюми и декори. Но има и разлика между оратория и кантата, макар и не винаги ясна. Обикновено ораторията е произведение с по-голям размер и с по-развит религиозен сюжет. Често има епично-драматичен характер. В тази връзка в ораторията често се включва повествователно-речитативната част на певеца-разказвач. Специален вид духовни оратории са "страстни", или "пасивни" (в превод от латински - "страдание"). В „Страстите” се разказва за страданията и смъртта на Исус Христос, разпънат на кръста. 7 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Кантатите, в зависимост от съдържанието на словесния текст, се делят на духовни и светски. През 17 век и в началото на 18 век в Италия възникват много малки, камерни кантати. Те се състоят от редуване на два или три речитатива с две или три арии. В бъдеще кантатите с предимно тържествен характер станаха широко разпространени. Духовните кантати и "страсти" с различни конструкции бяха най-развити в Германия. арии и е очарователно да се разгърне виртуозно движение на пасаж. В наследството на Корели и Вивалди голямо място принадлежи на жанра на трио соната. В повечето трио сонати две основни части се изпълняват от цигулки, а третата част е придружена от клавесин или орган, като басът се дублира от виолончело или фагот. След трио сонатата се появява соната за цигулка или друг инструмент в съпровод на клавесин. както и концерто гросо - концерт за оркестър (първи - струнни). Много произведения от тези жанрове се характеризират с формата на стара соната. Обикновено това е цикъл от четири части със съотношение бавно-бързо-бавно-бързо темпо. Малко по-късно, още през 18 век, Вивалди започва да композира солови концерти за цигулка и някои други инструменти с оркестър. Имаше цикъл от три части: "бързо-бавно-бързо". Въпроси и задачи 1 . Къде и кога се ражда операта? Обяснете по какво се различава операта от театралното представление с музика. 2. Кое е най-важното изразно средство в оперната музика? 3. Как се казва първата опера на Клаудио Монтеверди и какви качества се проявяват в нейната музика? 4. Разкажете ни за характеристиките на старите френски опери. 5. Назовете първата опера, написана в Германия, и първата опера, написана в Англия. 6. Каква е основната разлика между ораторията и кантатата от операта? 7. Какво представляват "страстите" ("пасивен")? Дори в древен Египет органът започва своята вековна история. До 17-ти век той се превърна в много сложен инструмент с широки художествени възможности. Тогава малки органи можеха да бъдат намерени дори в частни домове. Използвани са за тренировки, свирят се вариации на мелодии от народни песни и танци. И големите органи, с техните редици от блестящи тръби, техните издълбани дървени тела, звучаха както сега, в църкви и катедрали. Днес в много концертни зали има и органи. В съвременните органи има няколко хиляди тръби и до седем клавиатури (мануали), разположени една над друга - като стълби. Има толкова много тръби, защото са разделени на групи - регистри. Регистрите се включват и превключват със специални лостчета за получаване на различен цвят (тембър) на звука. Органите са оборудвани и с педал. Това е цяла крачна клавиатура с много големи клавиши. Като ги натиска с краката си, органистът може да извлече и също така да поддържа басови звуци за дълго време (такива продължителни звуци се наричат ​​още педал или орган). По отношение на богатството на тембрите, ако е възможно, за да сравните най-лекото пианисимо с гръмотевичното фортисимо, органът няма равен сред музикалните инструменти. През 17 век органното изкуство достига особено голям разцвет в Германия. Както и в други страни, немските църковни органи са били едновременно композитори и изпълнители. Те не само съпровождаха духовни песнопения, но и солираха. Сред тях имаше много талантливи виртуози и импровизатори, които привличаха със свиренето си цели тълпи от хора. Един от най-забележителните сред тях е Дитрих Букстехуде. Младият Йохан Себастиан Бах идва пеша от друг град, за да го слуша как свири. Разнообразното и обширно творчество на Букстехуде представя основните видове органна музика от онова време. От една страна, това са прелюдии, фантазии и инструментална музика от 17-ти век, нейните жанрове и форми.Дълго време свиренето на инструменти най-често удвоява частите на гласовете във вокални произведения или придружени танци. Бяха раздадени и инструментални обработки на вокални композиции. Самостоятелното развитие на инструменталната музика се засилва едва през 17 век. В същото време в него продължават да се развиват художествените техники, развити във вокалната полифония. Те бяха обогатени с елементи на хомофоничен склад, основан на песен и танц. В същото време изразните постижения на оперната музика започват да оказват влияние върху инструменталните композиции. Цигулката, наред с блестящите виртуозни способности, има много мелодичен глас. И именно в родното място на операта, в Италия, цигулковата музика започва да се развива особено успешно. В края на 17 век творчеството на Арканджело Корели процъфтява и започва творческата дейност на Антонио Вивалди. Тези изключителни италиански композитори са създали много инструментални произведения с участието и с водещата роля на цигулката. В тях цигулката може да пее толкова изразително, колкото човешки глас в опера 8 www.classON.ru Обучение на децата в областта на руското изкуство токата. В тях полифоничните епизоди се редуват свободно с импровизационни пасажи и акорди. От друга страна, това са по-строго изградени произведения, което води до появата на фугата, най-сложната форма на имитативна полифония. Букстехуде също прави много органни адаптации на протестантския хорал под формата на хорални прелюдии. За разлика от григорианския песнопение, това е общото наименование на духовните песнопения не на латински, а на немски. Те се появяват през 16 век, когато от католицизма се отделя нов тип християнска доктрина - протестантството. Мелодичната основа на протестантското песнопение бяха немските народни песни. През 17 век протестантското песнопение започва да се изпълнява от хора от всички енориаши с подкрепата на орган. За такива хорови аранжименти е типичен четиригласов акорден склад с мелодия в горния глас. Впоследствие такъв склад се нарича хоров, дори ако се среща в инструментална творба. Органистите също свиреха на струнни клавишни инструменти и композираха за тях. Общото наименование на произведения за тези инструменти е клавирна музика8. Първите сведения за струнни клавишни инструменти датират от 14-15 век. До 17 век клавесинът става най-често срещаният от тях. Така се нарича във Франция, в Италия се нарича cembalo, в Германия - kielflugel, в Англия - клавесин. Името на по-малките инструменти във Франция е епинет, в Италия - спинетите на Англия - виргинел. Клавесинът е прародителят на пианото, което започва да се използва от средата на 18 век. Когато натискате клавишите на клавесина, пера или кожени езици, монтирани на прътите, сякаш защипват струните. Оказва се резки, звучни и в същото време малко шумолене. При клавесина силата на звука не зависи от силата на удара върху клавишите. Поради това е невъзможно да се правят кресчендо и диминуендо върху него - за разлика от пианото, на което това е възможно поради по-гъвкава връзка на клавишите с чукчета, удрящи струните. Клавесинът може да има две или три клавиатури и устройство, което ви позволява да променяте цвета на звука. Звукът на друг малък клавишен инструмент - клавикордът - е по-слаб от звука на клавесина. Но от друга страна, на клавикорда е възможно по-мелодично свирене, тъй като струните му не се скубят, а върху тях се притискат метални пластини. Един от основните жанрове на ранната музика за клавесин е сюита от няколко части, завършени по форма, написани в един ключ. Във всяка от частите обикновено се използва движението на някакъв вид танц. В основата на старата сюита са четири танца с различен, не винаги точно изяснен национален произход. Това са спокойният алеманд (вероятно от Германия), по-пъргавите камбанки (от Франция), бавният сарабанда (от Испания) и бързият гиг (от Ирландия или Англия). От края на 17-ти век, следвайки примера на парижките клавесинисти, сюитите започват да се допълват с такива френски танци като менует, гавот, буре и пасепие. Те бяха вмъкнати между основните танци, образувайки интермедийни части (“integ” на латински означава “между”). Древната френска музика за клавесин се отличава с елегантност, грация и изобилие от малки мелодични орнаменти, като морденти и трели. Френският стил на клавесин процъфтява в работата на Франсоа Куперен (1668 - 1733), наричан Великия. Той създава около двеста и половина пиеси и ги комбинира в двадесет и седем сюити. В тях постепенно започват да преобладават пиеси с различни програмни имена. Най-често това са като миниатюрни женски портрети на клавесин - добре насочени звукови скици на някаква черта на характера, външен вид, поведение. Такива например са пиесите „Мрачен”, „Пигателен”, „Пъргав”, „Разпилян”, „Палавник”. Неговият велик съвременник Йохан Себастиан Бах проявява голям интерес към френската музика за клавесин, включително пиесите на Франсоа Куперен. Въпроси и задачи 1 . Кога се засилва самостоятелното развитие на инструменталните жанрове? 2. Кой е любимият инструмент на Арканджело Корели и Антонио Вивалди. 3. Разкажете ни за структурата на органа. 4. В коя страна особено процъфтява органното изкуство? Какво е протестантско песнопение? 5. Разкажете ни за устройството на клавесина. Какви танцови движения се използват в основните части на старата сюита за клавесин? И така, уводната част на учебника представя накратко някои важни събития в света на музиката от древни времена. Това беше историческа „екскурзия“ с цел по-нататъшно запознаване с наследството на великите западноевропейски музиканти, творили през 18-ти и 19-ти век. Известно време клавирът се нарича музика за всички клавишни инструменти, включително клавишно-духовия инструмент - органа. 8 9 www.classON.ru Детско образование в областта на изкуството в Русия Жизненият път на Йохан Род, семейство, детство. Йохан Себастиан Бах е роден през 1685 г. в Тюрингия - един от регионите на Централна Германия, в малкото градче Айзенах, заобиколено от гори. В Тюрингия все още се усещат тежките последици от Тридесетгодишната война (1618-1648), в която се сблъскват две големи групи европейски сили. Тази опустошителна война се случи с предците на Йохан Себастиан, които бяха тясно свързани с немската занаятчийска и селска среда. Неговият пра-пра-дядо, на име Вейт, бил пекар, но обичал музиката толкова много, че никога не се разделял с цитрата, инструмент, подобен на мандолина, дори по време на пътувания до мелницата, на която свирел, докато се меле брашното. А сред потомците му, заселили се в Тюрингия и съседните региони, има толкова много музиканти, че всички, които практикуват тази професия, са наричани там „Бах“. Това са църковни органисти, цигулари, флейтисти, тромпетисти, някои от тях проявяват талант като композитор. Те били на служба в градските общини и в дворовете на владетелите на малките княжества и херцогства, на които била разделена Германия. Себастиан Бах 1685-1750 Удивителна е съдбата на музиката на този велик немски композитор, от чието рождение са изминали повече от триста години. Приживе получава признание най-вече като органист и познавач на музикалните инструменти, а след смъртта си е почти забравен за няколко десетилетия. Но след това постепенно започнаха да преоткриват творчеството му и да му се възхищават като скъпоценно художествено съкровище, ненадминато по умение, неизчерпаемо по дълбочина и хуманност на съдържанието. „Не е поток! — Морето трябва да е неговото име. Така каза за Бах друг музикален гений - Бетовен9. Самият Бах успява да публикува много малка част от произведенията си. Сега има повече от хиляда от тях публикувани (много повече са изгубени). Първите пълни произведения на Бах започват да се отпечатват в Германия сто години след смъртта му и заемат четиридесет и шест тома. И е невъзможно дори грубо да се изчисли колко е отпечатано и колко отделни издания на музиката на Бах продължават да се отпечатват в различни страни. Толкова голямо е постоянното търсене за него. Защото тя заема обширно и почетно място не само в световния концертен репертоар, но и в образователния. Йохан Себастиан Бах продължава да бъде учител буквално на всички, занимаващи се с музика. Той е сериозен и строг учител, изисква способност за концентрация, за да овладее изкуството на изпълнение на полифонични произведения. Но този, който не се страхува от трудностите и обръща голямо внимание на изискванията си, ще усети зад своята строгост мъдрата и сърдечна доброта, на която той учи с красивите си безсмъртни творения. Къщата в Айзенах, където е роден JSBach 9 „Бах“ означава „поток“ на немски. 10 www.classON.ru Обучението на децата в областта на руското изкуство Бащата на Йохан Себастиан е бил цигулар, градски и придворен музикант в Айзенах. Той започва да преподава музика на най-малкия си син и го изпраща в църковно училище. Притежавайки красив висок глас, момчето пее в училищния хор. Когато беше на десет години, родителите му починаха. По-големият брат, църковен органист в съседния град Ордруф, се грижи за сирачето. Той назначава по-малкия си брат в местния лицей и сам му дава уроци по орган. По-късно Йохан Себастиан също става клавесинист, цигулар и виолист. И от детството той сам усвоява музикалната композиция, пренаписвайки композициите на различни автори. Той трябваше да пренапише една нотна тетрадка, която го интересуваше особено в лунни нощи, тайно от по-големия му брат. Но когато дългата упорита работа приключи, той откри това, разгневи се на Йохан Себастиан за непозволеното му действие и безмилостно му отне ръкописа. Началото на самостоятелен живот. Люнебург. На петнадесетгодишна възраст Йохан Себастиан прави решителна крачка - премества се в далечния северногермански град Люнебург, където постъпва като стипендиант в училището към манастирската църква. В училищната библиотека той успя да се запознае с голям брой ръкописи на композиции от немски музиканти. В Люнебург и Хамбург, където отиваше по селски пътища, можеше да се слуша свиренето на талантливи органисти. Възможно е Йохан Себастиан да е посетил операта в Хамбург - по това време единствената в Германия, която изнася представления не на италиански, а на немски. Три години по-късно завършва успешно училище и започва да търси работа по-близо до родния си край. Ваймар. След като за кратко служи като цигулар и органист в три града, Бах през 1708 г., вече женен, се установява във Ваймар (Тюрингия) за девет години. Там той е органист в двора на херцога, а след това вицекапелен майстор (помощник на ръководителя на параклиса - група певци и инструменталисти). Като тийнейджър, в Ордруф, Бах започва да композира музика, по-специално да аранжира протестантски хорали за органа, неговия любим инструмент. И във Ваймар се появяват редица негови забележителни зрели произведения за орган, като Токата и фуга в ре минор, Пасакалия10 в до минор, хорови прелюдии. По това време Бах се превърна в ненадминат изпълнител и импровизатор на орган и клавесин. Това беше убедително потвърдено от следния случай. Веднъж Бах отива в Дрезден, столицата на Саксония, където решават да организират състезание между него и Луи Маршан, известният френски органист и клавесинист. Но той, след като преди това чу как Бах импровизира на клавесин с невероятна творческа изобретателност, побърза тайно да напусне Дрезден. Състезанието не се състоя. В двора на Ваймар имаше възможност да се запознаят с произведенията на италиански и френски композитори. Бах се отнася към техните постижения с голям интерес и артистична инициатива. Например, той прави редица безплатни аранжименти за клавесин и орган на концерти за цигулка на Антонио Вивалди. Така се раждат първите клавирни концерти в историята на музикалното изкуство. В продължение на три години във Ваймар Бах е трябвало да композира нова духовна кантата всяка четвърта неделя. Общо по този начин възникнаха повече от тридесет творби. Въпреки това, когато възрастният придворен капелмайстор, чиито задължения всъщност се изпълняват от Бах, почина, овакантеното място беше дадено не на него, а на некомпетентния син на починалия. Възмутен от такава несправедливост, Бах подаде оставката си. За "неуважително искане" той беше пуснат под домашен арест. Но той показа смела, горда упоритост, настоявайки на своето. И месец по-късно херцогът неохотно трябваше да даде "безмилостната заповед" непокорният музикант да бъде освободен в дивата природа. Кьотен. В края на 1717 г. Бах и семейството му се преместват в Кьотен. Мястото на придворен капелмайстор му е предложено от принц Леополд Анхалт от Кьотен, владетелят на малка държава в съседство с Тюрингия. Той беше добър музикант – пееше, свиреше на клавесин и виола да гамба 11. Принцът осигури на новия си капелмайстор добра финансова подкрепа и се отнасяше към него с голямо уважение. Задълженията на Бах, които отнемат относително малко от времето му, включват ръководство на параклис от осемнадесет вокалисти и инструменталисти, акомпаниране на принца и самият свирене на клавесин. В Кьотен възникват много произведения на Бах за различни инструменти. Клавирната музика е много разнообразна сред тях. От една страна, това са пиеси за начинаещи - Passacaglia е бавен трипосочен танц от испански произход. На негова основа възникват инструментални пиеси под формата на вариации с мелодия, многократно повтаряща се в баса. 10 11 Виола да гамба е древен инструмент, който прилича на виолончело. 11 www.classON.ru Обучение на деца в областта на руското изкуство малки прелюдии, двугласни и тригласни инвенции. Те са написани от Бах, за да учи с най-големия си син Вилхелм Фридеман. От друга страна, това е първият от двата тома на едно монументално произведение - "Добре темперираният клавир", което включва общо 48 прелюдии и фуги и голяма композиция на концертен план - "Хроматична фантазия и фуга". Създаването на две колекции от клавирни сюити, известни като "френски" и "английски", също принадлежи към периода Кьотен. Принц Леополд взема Бах със себе си на пътувания до съседни държави. Когато Йохан Себастиан се завърна през 1720 г. от такова пътуване, той претърпя тежка скръб - съпругата му Мария Барбара току-що беше починала, оставяйки четири деца (още три починаха рано). Година и половина по-късно Бах се жени отново. Втората му съпруга Анна Магдалена имаше добър глас и беше много музикална. Учейки при нея, Бах съставя две клавирни „Тетрадки“ от собствени произведения и отчасти от произведения на други автори. Анна Магдалена беше мила и грижовна спътница в живота на Йохан Себастиан. Тя му роди тринадесет деца, от които шест оцеляха до зряла възраст. Лайпциг. През 1723 г. Бах се премества в Лайпциг, голям търговски и културен център на Саксония, съседна Тюрингия. Той поддържа добри отношения с принц Леополд. Но в Кьотен възможностите за музикална дейност били ограничени – нямало нито голям орган, нито хор. Освен това Бах имаше по-големи синове, на които искаше да даде добро образование. В Лайпциг Бах заема позицията на кантор – ръководител на момчешкия хор и преподавател в певчески школи; в църквата Свети Тома (Thomaskirche). Той трябваше да приеме редица ограничителни условия, например „да не напуска града без разрешението на бургомистъра“. Кантор Бах имаше много други задължения. Той трябваше да раздели на части малък училищен хор и много малък оркестър (или по-скоро ансамбъл), така че музиката да звучи по време на служби в две църкви, както и на сватби, погребения и различни тържества. И не всички хористи имаха добри музикални данни. Училищната сграда беше мръсна, занемарена, учениците бяха зле хранени и облечени жабешки. Бах, който в същото време е смятан за "музикален директор" на Лайпциг, обръща внимание на църковните власти и градската администрация (магистрат) върху всичко това. Но в замяна получи малко материална помощ, но много дребни служебни заяждания и порицания. С учениците той се занимава не само с пеене, но и със свирене на инструменти, освен това наема учител по латински за тях за своя сметка. Църква и училище Св. Тома (вляво) в Лайпциг. (От стара гравюра). Въпреки трудните житейски обстоятелства Бах ентусиазирано се занимава с творчество. През първите три години от службата си той композира и практикува нова духовна кантата с хора почти всяка седмица. Общо около двеста произведения на Бах в този жанр са запазени. Известни са и няколко десетки негови светски кантати. Като правило те бяха приветствени и поздравителни, адресирани до различни благородни лица. Но сред тях има такова изключение като комичната "Кантата за кафе", написана в Лайпциг, подобна на сцена от комична опера. Разказва как млада, жизнена Лижен е пристрастена към новата мода на кафето, против волята и предупрежденията на баща си, стария мърморко Шлендриан. В Лайпциг Бах създава най-забележителните си монументални вокално-инструментални произведения - Страстите по Йоан, Страстите по Матей12 и Месата в си минор, близки до тях по съдържание, както и голям брой различни инструментални композиции, включително втори том "Добре темпериран клавир", колекция от Йоан и Матей (както и Марк и Лука) са последователи на учението на Исус Христос, който е съставил Евангелията - истории за неговия земен живот, страдания ("страсти") и смърт. „Евангелие“ на гръцки означава „добра вест“. 12 12 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство "Изкуството на фугата". Той пътува до Дрезден, Хамбург, Берлин и други германски градове, свири на орган там, изпробва нови инструменти. Повече от десет години Бах оглавява Лайпцигския "Музикален колеж" - общество, състоящо се от студенти и любители на музиката - инструменталисти и певци. Под ръководството на Бах те изнасят публични концерти от произведения от светски характер. Общувайки с музиканти, той беше непознат за всяка арогантност и говори за рядкото си умение по следния начин: „Трябваше да работя усилено, който е толкова упорит, ще постигне същото“. Много грижи, но и много радости донесе на Бах голямото му семейство. В нейния кръг той можеше да организира цели домашни концерти. Четирима от синовете му стават известни композитори. Това са Вилхелм Фридеман и Карл Филип Емануел (деца на Мария Барбара), Йохан Кристоф Фридрих и Йохан Кристиан (деца на Анна Магдалена). През годините здравето на Бах се влошава. Зрението му рязко се влоши. В началото на 1750 г. той претърпява две неуспешни операции на очите, ослепява и умира на 28 юли. Йохан Себастиан Бах е живял тежък и трудолюбив живот, озарен от блестящо творческо вдъхновение. Той не оставя значително състояние и Анна Магдалена умира десет години по-късно в благотворителен дом за бедни. И най-малката дъщеря на Бах, Регина Сузана, която е живяла до 19-ти век, е спасена от бедност чрез частни дарения, в които Бетовен е взел голямо участие.Творчеството Музиката на Бах е свързана с културата на родната му страна. и чуждестранни композитори. В творчеството си той блестящо обобщава и обогатява постиженията на европейското музикално изкуство. Повечето от кантатите „Страсти по Йоан“, „Страсти по Матей“, Меса в си минор и много други произведения върху духовни текстове са написани от Бах не просто според задължението или обичайния обичай на църковен музикант, но стоплени от искрено религиозно чувство.Те са пълни със състрадание към човешките скърби, пропити с разбиране за човешките радости.С течение на времето те надхвърлят храмовете и правят не спират да впечатляват дълбоко слушатели от различни националности и религии.Духовните и светските композиции на Бах са свързани помежду си в истинската си човечност. цял свят от музикални образи. Ненадминатото полифонично майсторство на Бах е обогатено с хомофонно-хармонични средства. Неговите вокални теми са органично проникнати от инструментални техники за развитие, а инструменталните теми често са толкова емоционално наситени, сякаш нещо важно се пее и произнася без думи. Токата и фуга в ре минор за орган13 Тази изключително популярна творба започва с тревожен, но смел волев вик. Чува се три пъти, преминавайки от една октава в друга, и води до гръмотевичен акордов тътен в долния регистър. Така в началото на токата се очертава тъмно засенчено грандиозно звуково пространство. 1 Адажио Въпроси и задачи 1 . Какво е необичайното в съдбата на музиката на Бах? 2. Разкажете ни за родината на Бах, неговите предци и детските му години. 3. Кога и къде започва самостоятелният живот на Бах? 4. Как протича и как завършва дейността на Бах във Ваймар? 5. Разкажете ни за живота на Бах в Кьотен и за произведенията му от тези години. 6. На какви инструменти е свирил Бах и кой е бил любимият му инструмент? 7. Защо Бах решава да се премести в Лайпциг и с какви трудности се сблъсква там? 8. Разкажете ни за дейността на Бах като композитор и Бах като изпълнител в Лайпциг. Назовете творбите, които е създал там. Токата (на италиански "toccata" - "докосване", "удар" от глагола "toccare" "докосвам", "докосвам") ​​е виртуозна пиеса за клавишни инструменти. 13 13 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство По-нататък се чуват мощни „вихрени” виртуозни пасажи и широки акордови „пръски”. Те са няколко пъти разделени с паузи и спирания на удължени акорди. Това противопоставяне на бързо и бавно движение напомня за предпазлива почивка между битки с елементи на насилие. И след свободна, импровизационно изградена токата, звучи фуга. Той е съсредоточен върху имитативното развитие на една тема, в която волевият принцип като че ли ограничава стихийните сили: 2 Allegro moderato Разгръщайки се широко, фугата се развива в кода - последната, последна част. Тук отново избива импровизационният елемент на токата. Но най-накрая е успокоена от напрегнати императивни забележки. А последните тактове от цялата творба се възприемат като сурова и величествена победа на неумолимата човешка воля. Специална група произведения за орган на Бах са хоралните прелюдии. Сред тях с дълбока изразителност се отличават редица сравнително малки произведения от лирически характер. В тях звученето на хоровата мелодия е обогатено със свободно развити съпровождащи гласове. Така е представен например един от шедьоврите на Бах – хоралната прелюдия във фа минор. Изобретения за клавирна музика Бах съставя няколко колекции от прости пиеси измежду онези, които е композирал, докато е преподавал на най-големия си син Вилхелм Фридеман. В една от тези колекции той поставя петнадесет двугласни полифонични пиеси в петнадесет ключа и ги нарича "изобретения". В превод от латински думата "изобретение" означава "изобретение", "изобретение". Двугласните инвенции на Бах, достъпни за изпълнение от начинаещи музиканти, са наистина забележителни със своята полифонична изобретателност и в същото време с артистичния си израз. Така първата двучастна инвенция в до мажор се ражда от кратка, плавна и незабързана тема със спокоен, разумен характер. Пее се от горния глас и веднага имитира _ повтаря в друга октава - долната: 14 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство подскачащи топки. По време на повторението (имитацията) на горния, гласът продължава мелодичното движение. Така се формира опозицията на темата, която звучи в баса. По-нататък тази опозиция - със същия мелодичен модел - понякога звучи, когато темата се появява отново в един или друг глас (тактове 2-3, 7-8, 8-9). В такива случаи опозицията се нарича задържана (за разлика от незадържаните, които се съставят наново при всяко въвеждане на темата). Както и в други полифонични произведения, в това изобретение има части, в които темата не звучи в пълната си форма, а се използват само нейните отделни ходове. Такива раздели се поставят между изложенията на темата и се наричат ​​интерлюдии. Общата цялост на инвенцията в C се придава от развитието на една тема, което е характерно за полифоничната музика. В средата на парчето се прави отклонение от основния ключ, а към края се връща. Слушайки това изобретение, човек може да си представи, че двама ученици усърдно повтарят урока, опитвайки се да си кажат по-добре, с по-голяма изразителност. В тази пиеса, подобна по структура на изобретението на C major, специална техника играе голяма роля. След първоначалното въвеждане на темата В горния глас долният глас имитира не само нея, но и нейното продължение (контрапозиция). Така за известно време възниква непрекъснат каноничен и имитационен, или ликанон. Едновременно с двугласните изобретения Бах композира петнадесет тригласни полифонични пиеси в едни и същи ключове. Той ги назова! "симфонии" (в превод от гръцки - "съзвучия"). Защото в старите времена полифоничните инструментални произведения често се наричаха така. Но по-късно стана обичайно тези парчета да се наричат ​​​​инвенции от три части. Те използват по-сложни техники за полифонично развитие. Най-яркият пример е тригласната инвенция във фа минор (девета). Започва с едновременното въвеждане на две контрастни теми. Основата на един от тях, звучащ в басов глас, е премерено напрегнато спускане по хроматични полутонове. Такива ходове са чести в трагичните арии от стари опери. То е като мрачен глас на зла участ, участ. Втората тема в средния, алтов глас е пронизана с тъжни мотиви-въздишки: В бъдеще третата тема е тясно преплетена с тези две теми с още по-сърдечни умоляващи възклицания. До самия край на пиесата гласът на злата съдба остава неумолим. Но гласовете на човешката мъка не стихват. Те носят неугасима искра човешка надежда. И за момент сякаш проблясва във финалния фа мажор акорд. Симфония на Бах в си минор за клавесин в къщата на Бах в Айзенах 15 www.classON.ru Образованието на децата в сферата на руското изкуство (Тригласна инвенция № 15) също се отличава със своето лирично проникновение. В предговора към ръкописа на своите изобретения и "симфонии" Бах посочи, че те трябва да помогнат за развитието на "пеещ маниер на свирене". На клавесин това беше трудно постижимо. Ето защо Бах предпочита у дома, включително в класове с ученици, да използва друг струнен клавишен инструмент - клавикорд. Слабият му звук е неподходящ за концертно изпълнение. Но, както вече беше споменато, за разлика от клавесина, струните на клавикорда не се изтръгват, а леко се затягат с метални пластини. Това допринася за мелодичността на звука и ви позволява да правите динамични нюанси. По този начин Бах, така да се каже, предвижда възможностите за мелодичен и последователен глас, водещ на пианото - инструмент, който по негово време е все още несъвършен по дизайн. И това желание на великия музикант трябва да се помни от всички съвременни пианисти. Courante е троен танц от френски произход. Но за камбаните на френския клавесин бяха характерни известна ритмична изтънченост и маниери. Куранте в сюитата до минор на Бах е близка до италианската разновидност на този танцов жанр - по-жива и подвижна. Това се улеснява от гъвкавата комбинация от два гласа, които сякаш се провокират един друг: „Френска сюита“ в до минор Три колекции от клавирни сюити на Бах имат различни имена. Самият той нарича шестте сюити, включени в третия сборник, „партита” (името на сюитата „партита” се среща не само у него14). А другите две колекции – по шест пиеси – започват да се наричат ​​„Френски сюити“ и „Английски сюити“ след смъртта на Бах по неточно изяснени причини. Втората от "Френските сюити" е написана в до минор. Според традицията, установена в античните сюити, той съдържа четири основни части - Алеманда, Курант, Сарабанда и Жига, както и още две междинни части - Ария и Менует, вмъкнати между Сарабанда и Жига. Allemande е танц, който се формира през XVI-XVII век в няколко европейски страни - Англия, Холандия, Германия, Франция и Италия. Така, например, старият немски алеманде беше малко тежък групов танц. Но след като влезе в клавирните сюити, до 18 век алемандът почти загуби своите танцови характеристики. От своите „предци“ тя запази само спокойна улегнала походка с размер четири или две четвърти. В крайна сметка се превърна в свободно конструирана прелюдия. Прилича на замислена лирична прелюдия и Алеманда от сюитата в до минор на Бах. Тук най-често три гласа водят своите реплики. Но понякога към тях се свързва и четвърти глас. В същото време най-мелодичният глас е горният: Сарабанда е испански танц от три части. Някога беше бърз, темпераментен, а по-късно стана бавен, тържествен, често близък до погребална процесия. Сарабандата от сюитата на Бах е отлежавала от начало до край в склад от три части. Движението на средните и долните гласове винаги е строго, концентрирано (преобладават четвърти и осми). И движението на горния глас е много по-свободно и подвижно, много изразително. Тук преобладават шестнадесети ноти, често се срещат ходове на широки интервали (пети, шести, седми). Така се формират два контрастни слоя на музикалното представяне, създава се лирично интензивен звук15: „Разделен на части“ - думата „partita“ е преведена от италиански (от глагола „partire“ - „разделям“). В сарабандата водещият горен глас не толкова контрастира с останалите, а се допълва от тях. 14 15 16 www.classON.ru Обучение на деца в областта на руското изкуство Прелюдия и фуга в до минор от първия том на Добре темперирания клавир Прелюдия и фуга в до мажор, прелюдия и фуга в до минор, прелюдия и фуга в До-диез мажор, прелюдия и фуга до-диез минор - и така нататък през всичките дванадесет полутона, включени в октавата. Резултатът е общо 24 цикъла от две части „прелюдия и фуга“ във всички мажорни и минорни тоналности. Така са построени и двата тома (общо - 48 прелюдии и фуги) на Добре темперирания клавир на Бах. Това грандиозно произведение е признато за едно от най-великите в световното музикално изкуство. Прелюдиите и фугите от тези два тома са включени в тренировъчния и концертен репертоар на всички професионални пианисти. По времето на Бах в настройката на клавишните инструменти постепенно се установява окончателно равномерната темперация - разделянето на октава на дванадесет равни полутона. Преди това системата за персонализиране беше по-сложна. При нея в тонове с повече от три-четири знака някои интервали и акорди звучаха ненастроени. Затова композиторите избягват да използват такива ключове. Бах е първият, който брилянтно доказва в The Well-Tempered Clavier, че с еднакъв темперамент всички 24 ключа могат да се използват с еднакъв успех. Това отвори нови хоризонти за композиторите, като например увеличи възможността за извършване на модулации (преходи) от един тон към друг. В Добре темперирания клавир Бах установява типа двучастен цикъл „прелюдия и фуга“. Прелюдът е изграден свободно. В него значителна роля може да принадлежи на хомофонично-хармоничния склад и импровизацията. Това създава контраст с фугата като строго полифонично произведение. В същото време частите от цикъла "прелюдия и фуга" са обединени не само от обща тоналност. Между тях във всеки случай фините вътрешни връзки се проявяват по свой начин. Тези общи типични черти могат да бъдат проследени в Прелюдията и фугата в до минор от първия том на Добре темперирания клавир. Прелюдията се състои от две основни части. По-просторният първи се запълва изцяло с бързо равномерно движение на шестнадесети в двете ръце. Наситен е отвътре с изразителни мелодични и хармонични елементи. Сякаш, притиснат от бреговете, кипи неспокоен поток: Gigue е бърз, нахален танц, произхождащ от Ирландия и Англия16. В старите времена английските моряци обичаха да танцуват джиг. В сюитите гигата обикновено е последната, последна част. В своя Жиге до минор Бах често използва техниката на канонична имитация между двата гласа (както в Инвенцията във Фа мажор). Представянето на това произведение е проникнато от „подскачащ“ пунктиран ритъм: В сравнение с контраста между Алеманд и Курант, контрастът между Сарабанда и Жиг е по-остър. Но е омекотена от две допълнителни части, поставени между тях. Партията, наречена "Ария", не звучи повече като солов вокален номер в опера, а като спокойна, искрена песен. Следващият менует е френски танц, който съчетава мобилност с грация. Така че в тази сюита, ​​с една обща тоналност, всички части са различно сравнени във фигуративен план. Размерите на джига са предимно трипосочни. През XVIII век са предимно 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство със среден глас, ясна, релефна, добре запомнена тема с еластичен танцов ритъм: 11 Moderato Енергичното постоянство се съчетава в темата с изящество, хитро зловещо надникване чрез волево хладнокръвие. Това дава възможност за по-нататъшно разнообразно и динамично развитие. В началото на развитието темата звучи леко - единственият път, когато се изпълнява в мажорна тоналност (ми бемол мажор). В репризата от трите основни пасажа на темата в основната тоналност (до минор) втората, в баса, придобива такъв мощен размах, че кара да си припомним бушуващите природни сили в прелюдията. И още нещо, финалното изпълнение на темата за фугата завършва с просветен хаус мажорен акорд. В такова сходство между окончанията на прелюдията и фугата се разкрива вътрешна емоционална връзка на контрастиращите части на цикъла. Натрупал мощна енергия, този поток в края на първия участък сякаш прелива през ръба и в началото на следващия участък става още по-буен, заплашвайки да помете всичко по пътя си. Тази кулминация на прелюдията е белязана от промяна на темпото към най-бързото (Pgesto) и използването на полифонично средство - двугласен канон. Но бушуващите стихии внезапно са спрени от властни удари на акорди и многозначителни фрази на речитатив. Идва втората смяна на темпото - към най-бавното (Адажио). И след третата промяна на темпото до умерено бързо A11eggo в последните тактове на прелюдията, тоничната органна точка в баса постепенно забавя движението на шестнадесетите в дясната ръка. Става меко разпръскваща се и замръзва на до мажор акорд. Има мир, спокойствие. След такова свободно, импровизационно завършване на прелюдията, вниманието се прехвърля в друга, контрастна плоскост. Започва тригласна фуга. Тази дума на латински и италиански означава "бягане", "полет", "бързо течение". В музиката фугата е сложна полифонична творба, в която гласовете сякаш отекват, настигайки се един друг. Повечето фуги са базирани на една тема. По-рядко се срещат фуги с две, още по-рядко с три или четири теми. А според броя на гласовете фугите са дву-, три-, четири- и петгласни. Единичните тъмни фуги започват с представяне на темата в основния тон във всеки един глас. След това темата се имитира последователно от другите гласове. Така се оформя първият раздел на фугата – експозицията. Във втория раздел - развитие - темата се появява само в други ключове. И в третия, последен раздел – репризата9 – тя отново се осъществява в основната тоналност, но вече не е представена едногласно. Експозицията тук определено не се повтаря. Във фугите широко се използват запазени контрапозиции и интерлюдии. Въпросната до-минорна фуга на Бах започва, появявайки се във фуга - най-висшата форма на полифонична музика - достигнала пълна зрялост и най-ярък разцвет в творчеството на Бах. Известният руски композитор и пианист от 19 век Антон Григориевич Рубинштейн в книгата си „Музиката и нейните представители“ пише, възхищавайки се на „Добре темперирания клавир“, че там могат да се намерят „фуги на религиозни, героични, меланхолични, величествен, траурен, хумористичен, пасторален, драматичен характер; в едно нещо всички те си приличат - по красота ... ”Епохата на Йохан Себастиан Бах беше великият немски композитор Георг Фридрих Хендел (1685-1759) - прекрасен майстор на полифонията, виртуозен органист. Съдбата му беше друга. Той прекарва по-голямата част от живота си извън Германия, местейки се от една страна в друга (той живее в Англия няколко десетилетия). 18 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Хендел е автор на много опери, оратории, различни инструментални произведения. Формиране на класически стил в музиката Въпроси и задачи 1 . Какво е общото между духовните и светските произведения на Бах? 2. Разкажете ни за образната природа на токата и фугата в ре минор за орган. 3. Изпейте темите от изобретенията на Бах, които знаете. Какво е противопоставянето, когато се нарича задържано? 4. Какво е интерлюдия в полифоничното произведение? Коя имитация се нарича канонична или канонична? 5. Назовете и опишете основните части на "Френската сюита" в до минор. 6. Как е конструиран добре темперираният клавир на Бах? 7. Каква е основната разлика между прелюдия и фуга? Покажете това с примера на прелюдия и фуга в до минор от първия том на „Добре темперираният клавир“. Има ли прилики и между тях? Музикалният театър от 18 век, особено средата и втората му половина, е време на големи промени във всички области на европейското музикално изкуство. С началото на този век в италианската опера постепенно се оформят два жанра - opera seria (сериозна) и opera buffa (комична). Митологичните и историческите сюжети все още преобладават в серийните опери, в които се появяват така наречените "високи" герои - митологични божества, царе на древни държави, легендарни командири. А в буфа-оперите сюжетите са се превърнали предимно в модерни битови. Героите тук бяха обикновени хора, които действаха енергично и реалистично. „Слугинята“ на Джовани Батиста Перголези от Джовани Батиста Перголези, която се появява пред публиката през 1733 г. в Неапол, е първият ярък пример за опера-буфа. Героинята, предприемчивата прислужница Серпина, ловко се омъжва за мърморливия си господар Уберто и самата тя става любовница. Подобно на много ранни италиански буфа опери, Слугинята Мадам първоначално е изпълнявана като сценична интерлюдия по време на паузи между действията на операта серия на Перголези Гордият затворник (припомнете си, че думата „интерлюдия“ е латински по произход и означава „взаимодействие“). Скоро „Слугинята-госпожа“ придоби голяма известност в много страни като самостоятелно произведение. Комичната опера е родена във Франция през втората половина на 18 век. Възникна от веселите, остроумни комедийни представления с музика, изнасяни в театрите на парижките панаири. И да се превърне в комична опера, където вокалните номера станаха основна характеристика на героите, примерът на италианската опера-буфа помогна на френските панаирни комедии. За този спектакъл в Париж оперната трупа на италианските "буфони" има съществено значение, когато столицата на Франция е буквално омагьосана от "Слугинята" на Перголези. За разлика от италианската опера-буфа, във френските комични опери ариозните номера се редуват не с речитативи, а с разговорни диалози. Изгражда се и Singspire - немска и австрийска разновидност на комичната опера, появила се през 2. Основни произведения Вокални и инструментални произведения "Страсти по Йоан", "Страсти по Матей" Меса в си минор Свещени кантати (около 200 оцелели ) и светски кантати (оцелели над 20) Оркестрови произведения 4 сюити („увертюри”) 6 „Бранденбургски концерти” Концерти за солови инструменти с камерен оркестър 7 концерта за клавесин 3 концерта за двама, 2 за три клавесина 2 концерта за цигулка Концерт за двама цигулки Произведения за лъкови инструменти 3 сонати и 3 партити за цигулка соло 6 сонати за цигулка и клавесин 6 сюити („сонати“) за соло виолончело Произведения за орган 70 хорови прелюдии Прелюдии и фуги Токата и фуга в ре минор Пасакалия в до минор Колекция произведения за клавишни инструменти „Малки прелюдии и фуги“ 15 инвенции от две части и 15 инвенции от три части („симфонии“) 48 прелюдии и фуги на добре темперирания клавир 6 „Френски и 6 "английски" сюити 6 сюити (partite) "Италиански концерт" за соло клавесин "Хроматична фантазия и фуга" "Изкуството на фугата" 19 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство в средата на XVIII в. век17. Музикалният език на всички разновидности на комичната опера се характеризира с тясна връзка с народните песни и танцови мелодии. През втората половина на 18 век сериозните оперни жанрове са радикално реформирани от великия немски композитор Кристоф Вилибалд Глук (1714-1787). Той написва първата си реформаторска опера „Орфей и Евридика“ (1762), базирана на историята на легендарния древногръцки певец, която е многократно използвана в оперите от най-ранните (това беше обсъдено във въведението). Глук извървя труден път към своята реформа в операта. Случва се да посети много европейски страни - Германия, Австрия, Дания, както и в Чехия, населена със славяни, заедно с Италия - в Англия. Преди да се установи твърдо във Виена, Глук поставя 17 от своите оперни поредици на сцените на театрите в Милано, Венеция, Неапол, Лондон, Копенхаген, Прага и други градове. Опери от този жанр се изпълняват в придворните театри на много европейски страни. Изключение беше Франция. Там в средата на 18 век продължават да композират и поставят сериозни опери само в традиционен френски стил. Но Глук внимателно изучава оперните партитури на известните френски композитори Жан-Батист Люли и Жан-Филип Рамо. Освен това Глук пише и успешно поставя във Виена осем творби в новия жанр на френската комична опера. Несъмнено е бил добре запознат с италианските буфа-опери, с немския и австрийския зингшпил. Всички тези познания позволяват на Глук решително да поднови вече остарелите принципи на композиция за сериозни опери. В своите реформаторски опери, поставени първо във Виена, а след това в Париж, Глук започва да предава емоционалните преживявания на героите с много по-голяма правдивост и драматична интензивност, ефективност. Той отказа да натрупва виртуозни пасажи в арии и увеличи изразителността на речитативите. Оперите му стават по-целенасочени в музикално-сценично отношение и по-композиционно хармонични. Така в музикалния език и в изграждането на нови комични и реформирани сериозни опери бяха идентифицирани важни отличителни черти на новия, класически стил - активната ефективност на развитието, простотата и яснотата на изразителните средства, композиционната хармония и общото благородство и възвишен характер на музиката. Този стил постепенно се оформя в европейската музика през 18 век, узрява до 1770-1780 г. и доминира до средата на второто десетилетие на 19 век. Трябва да се отбележи, че определението "класически" може да има друго, по-широко значение. „Класически“ (или „класически“) се наричат ​​още музикални и други произведения на изкуството, които са признати за образцови, съвършени, ненадминати – независимо от времето на тяхното създаване. В този смисъл масите на италианския композитор Палестрина от 16-ти век, оперите на Прокофиев и симфониите на Шостакович, руски композитори от 20-ти век, могат да бъдат наречени класически или класически. Инструментална музика На същата широка международна основа като оперната реформа на Глук, през 18 век има интензивно развитие на инструменталната музика. Осъществено е с общи усилия на композитори от много европейски страни. Залагайки на песента и танца, развивайки класическата яснота и динамика на музикалния език, те постепенно формират нови жанрове от циклични инструментални произведения - като класическата симфония, класическата соната, класическият струнен квартет. При тях сонатната форма е от голямо значение. Следователно инструменталните цикли се наричат ​​соната или соната-симфония. сонатна форма. Вече знаете, че най-висшата форма на полифонична музика е фугата. А сонатната форма е най-висшата форма на хомофонична хармонична музика, където само понякога могат да се използват полифонични техники. По своята конструкция тези две форми са подобни една на друга. Подобно на фугата, в сонатната форма има три основни раздела: изложение, развитие и рекапитулация. Но между тях има и значителни разлики. Основната разлика между сонатната форма и фугата веднага се появява в експозиция 18. По-голямата част от фугите са изцяло изградени върху една тема, която се изпълнява последователно във всяка експозиция. Тази немска дума идва от "singen" ("пея") и „Spiel“ („игра“). 18 Думата е от латински произход и означава "представяне", "показ". 20 www.classON.ru Детско образование в областта на изкуството в Русия глас. И в изложението на сонатната форма като правило се появяват две основни теми, повече или по-малко различни по характер. Първо звучи темата на основната част, по-късно се появява темата на страничната част. Но в никакъв случай не трябва да разбирате определението "странично" като "второстепенно". Защото всъщност темата на страничната част играе не по-малко важна роля в сонатната форма от темата на основната част. Тук се използва думата „второстепенна“, защото, за разлика от първата, тя непременно звучи в изложението не в основната тоналност, а в друга, тоест сякаш във второстепенна. В класическата музика, ако основната част в изложението е мажорна, тогава страничната част се посочва в ключа на доминантата (например, ако ключа на основната част е до мажор, тогава ключа на страничната част е G основен). Ако основната част в изложението е в минорен тон, тогава страничната част се посочва в паралелен мажор (например, ако тонът на основната част е до минор, тогава тонът на страничната част е ми бемол мажор). Между главните и страничните страни се поставя или малък пакет, или свързваща партида. Тук може да се появи и самостоятелна, мелодично релефна тема, но по-често се използват интонациите на темата на основната част. Свързващата част действа като преход към страничната част, модулира се в ключа на страничната част. По този начин се нарушава тоналната стабилност. Слуховете започват да очакват началото на някакво ново "музикално събитие". Оказва се появата на темата на странично парти. Понякога изложението може да бъде предшествано от въведение. И след странична част звучи или малко заключение, или цяла финална част, често със самостоятелна тема. Така завършва експозицията, фиксирайки тона на страничната част. По указание на композитора може да се повтори цялата експозиция. Разработка - втори раздел на сонатната форма. В него познатите от изложението теми се появяват в нови варианти, редуват се по различни начини и се съпоставят. Такова взаимодействие често включва не цели теми, а изолирани от тях мотиви и фрази. Тоест темите в разработка са като че ли разделени на отделни елементи, разкриващи енергията, която се съдържа в тях. В този случай има честа смяна на ключове (главният ключ рядко се засяга тук и не за дълго). Появявайки се в различни ключове, темите и техните елементи сякаш са осветени по нов начин, показани от нови гледни точки. След като развитието в развитието достигне значително напрежение в кулминацията, курсът му променя посоката. В края на този раздел се подготвя връщане към основния ключ, има обрат към репризата. Репризата е третата част от сонатната форма. Започва с връщане на основната част в основния тон. Свързващата част не води до нов ключ. Напротив, той фиксира основния ключ, в който сега се повтарят както второстепенните, така и финалните части. Така че репризата със своята тонална устойчивост балансира нестабилния характер на развитието и придава на цялото класическа хармония. Репризата понякога може да бъде допълнена от крайна конструкция - кода (произлизаща от латинската дума, означаваща "опашка"). И така, когато звучи фуга, нашето внимание е насочено към слушане, мислене и усещане в една музикална мисъл, въплътена от една тема. Когато едно произведение се чува в сонатна форма, нашият слух следва съпоставянето и взаимодействието на две основни (и допълващи се) теми - сякаш проследява развитието на различни музикални събития, музикално действие. Това е основната разлика между художествените възможности на тези две музикални форми. Класически сонатен (сонатно-симфоничен) цикъл. Приблизително през последната третина на 18 век класическият сонатен цикъл най-накрая се оформя в музиката. Преди това инструменталните произведения бяха доминирани от формата на сюита, ​​където се редуваха бавни и бързи части и близката до нея стара сонатна форма. Сега, в класическия сонатен цикъл, броят на частите (обикновено три или четири) е точно определен, но тяхното съдържание е станало по-сложно. Първото движение обикновено е написано в сонатна форма, която беше обсъдена в предишния параграф. Тя ходи с бързо или умерено бързо темпо. Най-често това е A11eggo. Следователно такова движение обикновено се нарича сонатно алегро. Музиката в него често има енергичен, ефектен характер, често напрегната, драматична. Втората част винаги контрастира с първата по темп и общ характер. Често е бавен, най-лиричният и мелодичен. Но може да бъде и различен, например подобен на бавен разказ или танцово-грациозен.В цикъл от три части, последната, трета част, финалът отново е бърз, обикновено по-бърз, но по-малко вътрешно интензивен в сравнение с към първия. Финалите на класическите сонатни цикли (особено симфониите) често рисуват картини на многолюдно празнично веселие, а темите им са близки до народните песни и танци. В този случай често се използва формата на рондо (от френското "ronde" - "кръг"). Както знаете, първата част тук (рефрен) се повтаря няколко пъти, редувайки се с нови части (епизоди). 21 www.classON.ru Обучението на децата в областта на изкуството в Русия първата му опера? 3. До кога узрява класическият стил и до кога класическият стил доминира в музиката? Обяснете разликата между двете дефиниции на „класически“. 4. Каква е приликата в общата конструкция между фугата и сонатната форма? И каква е основната разлика между тях? 5. Назовете основните и допълнителните части на сонатната форма. Начертайте нейната диаграма. 6. Как се съотнасят основните и страничните части на сонатната форма в нейната експозиция и в нейната реприза? 7. Какво е характерно за развитието в сонатната форма? 8. Опишете частите от класическия сонатен цикъл. 9. Назовете основните видове класически сонатни цикли в зависимост от състава на изпълнителите. Всичко това отличава много финали от циклите от четири части. Но в тях между крайните части (първа и четвърта) се поставят две средни части. Едната – бавна – в симфонията обикновено е втората, а в квартета – третата. Третата част от класическите симфонии на 18 век е менуетът, който заема второ място в квартета. И така, споменахме думите "соната", "квартет", "симфония". Разликата между тези цикли зависи от състава на изпълнителите. Специално място заема симфонията - произведение за оркестър, предназначено да звучи в голяма зала пред многобройни слушатели. В този смисъл концертът се доближава до симфонията – тричастна композиция за солиращ инструмент със съпровод на оркестър. Най-често срещаните камерно-инструментални цикли са соната (за един или два инструмента), трио (за три инструмента), квартет (за четири инструмента), квинтет (за пет инструмента)19. Сонатната форма и сонатно-симфоничният цикъл, подобно на целия класически стил в музиката, се формират през 18 век, който се нарича „епохата на Просвещението“ (или „епохата на Просвещението“), както и „епохата на Просвещението“ на разума”. През този век, особено през втората му половина, в много европейски страни бяха номинирани представители на т. нар. "трето съсловие". Това бяха хора, които нямаха нито благороднически титли, нито духовни титли. Те дължаха успеха си на собствената си работа и инициативност. Те провъзгласяват идеала за "естествения човек", който е надарен с творческа енергия, светъл ум и дълбоки чувства от самата природа. Този оптимистичен демократичен идеал беше отразен по свой начин от музиката и другите форми на изкуството и литературата. Така например победата на човешкия ум и неуморните ръце в началото на Просвещението е прославена от известния роман на английския писател Даниел Дефо, публикуван през 1719 г., Животът и невероятните приключения на Робинзон Крузо. Йозеф Хайдн 1732-1809 Класическият стил в музиката достига своята зрялост и разцвет в творчеството на Йозеф Хайдн, Волфганг Амадеус Моцарт и Лудвиг ван Бетовен. Животът и работата на всеки един от тях дълго време преминава във Виена, столицата на Австрия. Затова Хайдн, Моцарт и Бетовен се наричат ​​виенски класици. Австрия е многонационална империя. В него, наред с австрийците, чийто роден език е немският, са живели унгарци и различни славянски народи, включително чехи, сърби, хървати. Техните песни и Въпроси и задачи 1 . Назовете националните разновидности на комичните опери от 18 век. Каква е разликата между конструкцията на италианската буфа опера и конструкцията на френската комична опера? 2. С кои страни и градове е свързана дейността на големия оперен реформатор Кристоф Вилибалд Глук? На какъв сюжет е написал Имената на други камерно-ансамбълови инструментални цикли - секстет (6), септет (7), октет (8), нонет (9), децимет (10). Определението за "камерна музика" идва от италианската дума "camera" - "стая". Тъй като до 19 век композициите за няколко инструмента често се изпълняват у дома, т.е. те се разбират като „стайна музика“. 19 22 www.classON.ru Обучението на децата в областта на руското изкуство танцови мелодии могат да се чуят както в селата, така и в градовете. Във Виена народната музика звучеше навсякъде - в центъра и покрайнините, по уличните кръстовища, в градините и парковете, в ресторантите и кръчмите, в богатите и бедни частни къщи. Виена също е била основен център на професионалната музикална култура, съсредоточена около императорския двор, параклиси на благородниците 1 и аристократични салони, катедрали и църкви. Италианската опера серия отдавна се култивира в австрийската столица; тук, както вече споменахме, Глук започва своята оперна реформа. Музиката обилно съпровождаше придворните тържества. Но виенчани с охота посещаваха веселите фарсови представления с музика, от които се родиха сингшпилите, и много обичаха да танцуват. От тримата велики виенски музикални класици Хайдн е най-старият. Той е на 24, когато се ражда Моцарт, и на 38, когато се ражда Бетовен. Хайдн е живял дълъг живот. Той надживя Моцарт, който почина рано, с почти две десетилетия и беше все още жив, когато Бетовен вече беше създал повечето от своите зрели произведения. За частния княжески театър той написа повече от две дузини опери в жанровете серия, буфа, както и няколко "куклени" опери за представления, изиграни от кукли. Но сферата на основните му творчески интереси и постижения е симфоничната и камерно2 инструменталната музика. Общо това са повече от 800 композиции3. Сред тях особено значими са над 100 симфонии, над 80 струнни квартета и над 60 клавирни сонати. В техните зрели образци с най-голяма пълнота, яркост и оригиналност се разкрива оптимистичният мироглед на великия австрийски композитор. Само понякога това светло отношение се компенсира от по-мрачно настроение. Те винаги са победени от неизчерпаемото животолюбие на Хайдн, острата наблюдателност, веселия хумор, простото, здраво и същевременно поетично възприемане на заобикалящата действителност. Жизнен път Ранно детство. Рорау и Хайнбург. Франц Йозеф Хайдн е роден през 1732 г. в село Рорау, разположено в източна Австрия, близо до унгарската граница и недалеч от Виена. Бащата на Хайдн беше опитен кочияш, майка му служи като готвачка в имението на графа, собственик на Рорау. Най-големият му син Йозеф, който в семейството нежно се наричаше Zepperl, родителите рано започнаха да го привикват към трудолюбие, точност, чистота. Бащата на Хайдн изобщо не познаваше музиката, но обичаше да пее, като си акомпанираше на арфата, особено когато беше в неговата. гостите се събраха в малка къща. Zepperl пееше заедно с ясен сребрист глас, разкривайки забележителен слух за музика. И когато момчето беше само на пет години, той беше изпратен в съседния град Хайнбург при далечен роднина, който ръководеше църковното училище и хор. В Хайнбург Сеперл се научава да чете, пише, брои, пее в хор, а също така започва да овладява уменията да свири на клавикорд и цигулка. Но не му беше лесно да живее в чуждо семейство. Много години по-късно той си спомня, че тогава е получавал „повече биячи, отколкото храна“. Веднага след като Zepperl стигна до Hainburg, му беше наредено да се научи да бие на тимпаните, за да участва в същата църковна процесия с музика. Момчето взе сито, наметна върху него парче плат и започна усърдно да се упражнява. Той успешно изпълни задачата си. Само при организиране на шествие те трябваше да окачат инструмент на гърба на много нисък човек. И той беше гърбав, което предизвика смях от публиката. В параклиса на катедралата Свети Стефан във Виена. След като посети Хайнбург, капелмайсторът на виенската катедрала и придворен композитор Георг Ройтер обърна внимание на изключителните музикални способности, които Хайдн беше искрен вярващ. Автор е на редица меси и други вокални и инструментални произведения по духовни текстове. 23 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Zepperl. Така през 1740 г. осемгодишният Хайдн се озовава в столицата на Австрия, където е приет като хорист в параклиса на катедралата (главната) катедрала Свети Стефан. правя го сам. Трудно начало на самостоятелен живот. Когато до осемнадесетгодишна възраст гласът на младежа започва да се разпада - временно става дрезгав и губи гъвкавост, той е грубо и безмилостно изхвърлен от параклиса. Оказвайки се без подслон и средства, той можеше да умре от глад и студ, ако известно време не беше подслонен от познат певец, който живееше със съпругата и детето си в малка стая под покрива. Хайдн започва да се заема с всяка музикална работа, която се появи: той копира ноти, дава уроци по пеене, свири на клавир, участва като цигулар в улични инструментални ансамбли, които изпълняват серенади през нощта в чест на един от жителите на града. Най-накрая той успя да наеме малка стая на шестия и последен етаж на къща в центъра на Виена. Стаята беше пронизана от вятъра, в нея нямаше печка, през зимата водата често замръзваше. Хайдн живее в такова положение десет години. Но той не падна и ентусиазирано се занимава с любимото си изкуство. „Когато седях на моя стар, прояден от червеи клавир“, спомня си той на стари години, „не завиждах на щастието на нито един крал.“ Живият, весел характер помага на Хайдн да преодолява ежедневните трудности. Веднъж, например, през нощта той настани колегите си музиканти в уединени кътчета на една от улиците на Виена и по негов сигнал всеки свиреше каквото му харесва. Резултатът беше "котешки концерт", който предизвика смут сред околните жители. Двама от музикантите попаднаха в полицията, но инициаторът на скандалната "серенада" не беше екстрадиран. Запознан с популярен комичен актьор, Хайдн композира зингшпила „Куцият дявол“ в сътрудничество с него и печелейки малка сума пари, като му служи като лакей. Постепенно Хайдн започва да печели слава във Виена както като учител, така и като композитор. Той се срещна с известни хора; музиканти и любители на музиката. В къщата на виден служител той започва да участва в изпълнението на камерни ансамбли и създава първите си струнни квартети за концерти в селското си имение. А Хайдн написва първата си симфония през 1759 г., когато получава малък оркестър на свое разположение, ставайки ръководител на параклиса на граф Морцин. Графът задържа само неженени музиканти. Хайдн, който се ожени за дъщерята на виенски фризьор, беше принуден да го пази в тайна. Но това продължи само до 1760 г., когато във Виена, голям красив град с великолепни сгради и архитектурни ансамбли, вълна от нови ярки впечатления заля момчето. Наоколо звучеше многонационална народна музика. В катедралата и в императорския двор, където се изяви и хорът, бяха изпълнени тържествени вокални и инструментални произведения. Но условията на съществуване отново се оказаха трудни. В класната стая, репетициите и представленията момчетата от хора бяха много уморени. Бяха хранени зле, постоянно бяха полугладни. Те бяха жестоко наказани за своите шеги. Малкият Хайдн продължи усърдно да учи изкуството на пеенето, да свири на клавир и цигулка и наистина искаше да композира музика. От "Ройтер" обаче не обърнаха внимание на това. Твърде зает със собствените си дела, за всичките девет години престой на Хайдн в параклиса, той му даде само два урока по композиция. Но Йозеф преследва целта си упорито, усърдно.Няколко години по-късно той написа друг зингшпил, наречен "Новият куц имп". 20 24 www.classON.ru Образованието на децата в областта на руското изкуство, материалните дела на графа бяха разклатени и той разпусна своя параклис. Бракът на Хайдн е неуспешен. Избраникът му се отличаваше с тежък, сприхав характер. Тя изобщо не се интересуваше от композиторските дела на съпруга си - до степен, че правеше папилоти и облицовки за пастет от ръкописите на неговите композиции. Няколко години по-късно Хайдн започва да живее отделно от съпругата си. Те нямаха деца. В параклиса на принцовете Естерхази. През 1761 г. богат унгарец; Принц Пал Антал Естерхази кани Хайдн в Айзенщад като заместник-капелмайстор. От този момент започва службата на Хайдн при семейство Естерхази, която продължава цели три десетилетия. Пет години по-късно става капелмайстор - след като възрастният музикант, заемал тази длъжност, умира. наследникът на Пала Антал, починал през 1762 г., се отличава с ангажимента си към лукса и скъпите развлечения, брат му Миклош 1, по прякор Великолепния. Няколко години по-късно той премества резиденцията си от Айзенщат в нов селски дворец от 126 стаи, заобикаля го с огромен парк, построява опера с 400 места и куклен театър наблизо и значително увеличава броя на музикантите в параклиса . Работата в него даде на Хайдн добра финансова подкрепа и освен това - възможността да композира много и веднага да се изпробва на практика, ръководейки оркестровото изпълнение на новите си произведения. В Естерхазе (както се наричаше новата княжеска резиденция) често се организираха многолюдни приеми, често с участието на високопоставени чуждестранни гости. Благодарение на това творчеството на Хайдн постепенно става известно извън Австрия. Но във всичко това имаше, както се казва, другата страна на монетата. Когато постъпва на служба, Хайдн подписва договор, според който става един вид музикален слуга. Той трябваше да се появява всеки ден, преди и след вечеря, пред двореца с напудрена перука и бели чорапи, за да слуша заповедите на принца. Договорът задължава Хайдн спешно да напише „всяка музика, която негова светлост желае, да не показва нови композиции на никого и още повече да не позволява на никого да ги отписва, а да ги пази само за негова светлост и без негово знание и милост разрешение да не композирам нищо за никого." Освен това Хайдн е длъжен да спазва реда в параклиса и поведението на музикантите, да дава уроци на певците и да отговаря за безопасността на инструментите и нотите. Той не живееше в дворец, а в съседно село, в малка къща. От Айзенщат княжеският двор се местеше във Виена през зимата. А от Естерхази Хайдн можеше да влезе в столицата само от време на време с принца или със специално разрешение. През дългите години, прекарани в Айзенщат и Естерхазе, Хайдн преминава от начинаещ музикант до велик композитор, чието творчество достига високо художествено съвършенство и е признато не само в Австрия, но и далеч извън нейните граници. И така, шест "Парижки симфонии" (№ 82-87) са написани от него по поръчка от столицата на Франция, където звучат с успех през 1786 г. Срещите на Хайдн с Волфганг Амадеус Моцарт във Виена датират от 1780-те години. Приятелското сближаване имаше благотворен ефект върху работата на двамата велики музиканти. С течение на времето Хайдн все повече осъзнава зависимото си положение. В писмата му до приятели от Естерхази във Виена, написани през първата половина на 1790 г., има такива фрази: „Сега - седя в моята пустош - изоставен - като бедно сираче - почти без компанията на хора - тъжен .. Последните принцове на Естерхази притежаваха огромни имения, имаха много слуги и водеха кралски живот в своите дворци. Специално 25 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Дни наред не знаех капелмайстор ли съм или капелмайстор... Тъжно е постоянно да си роб...» Нов обрат в съдба. Пътувания до Англия. Миклош Естерхази умира през есента на 1790 г. Той беше просветен меломан, свиреше на струнни инструменти и не можеше да не оцени по свой начин такъв „музикален слуга“ като Хайдн. Князът му завещава голяма пожизнена пенсия. Наследникът на Миклош Антал, безразличен към музиката, разпусна параклиса. Но желаейки известният композитор да продължи да бъде негов придворен капелмайстор, той дори увеличи паричните плащания на Хайдн, който по този начин се освободи от официални задължения и можеше напълно да се разпорежда със себе си. Хайдн се премества във Виена с намерението да композира музика и отначало отхвърля предложенията да посети други страни. Но тогава той се съгласи с предложението да направи дълго пътуване до Англия и в началото на 1791 г. пристигна в Лондон. Така, наближавайки шестдесетия си рожден ден, Хайдн за първи път вижда морето със собствените си очи и за първи път се озовава в друго състояние. За разлика от Австрия, която все още беше феодално-аристократична по своите начини, Англия отдавна беше буржоазна страна и социалният, включително музикален, живот в Лондон беше много различен от този във Виена. В Лондон, огромен град с много промишлени и търговски предприятия, преобладаваха концерти не за избрани хора, поканени в дворците и салоните на благородниците, а организирани в обществени зали, където всеки идваше срещу заплащане. Името на Хайдн в Англия вече беше заобиколено от ореол на слава. Както известни музиканти, така и високопоставени лица се отнасяха към него не само като към равен, но и с особено уважение. Новите му произведения, в изпълнението на които той действаше като диригент, се срещнаха ентусиазирано и бяха щедро платени. Хайдн дирижира голям оркестър от 40-50 души, тоест два пъти по-голям от параклиса на Естерхази. Оксфордският университет му присъди почетната степен доктор по музика. Хайдн се завръща във Виена година и половина по-късно. По пътя той посети германския град Бон. Там за първи път се запознава с младия Лудвиг ван Бетовен, който скоро се премества във Виена с намерението да учи при Хайдн. Но Бетовен не взема уроци от него дълго. Двама музикални гении, твърде различни по възраст и темперамент, не намериха истинско взаимно разбиране тогава. Бетовен обаче посвещава трите си сонати за пиано (№ 1-3) на Хайдн по време на публикуването. Второто пътуване на Хайдн до Англия започва през 1794 г. и продължава дори малко повече от година и половина. Успехът отново е триумфален. От множеството създадени произведения; по време на тези пътувания и във връзка с тях дванадесетте така наречени „Лондонски симфонии“ са особено значими. Последните години от живота и творчеството. Следващият принц на Естерхази, Миклош II, се интересува повече от музиката от своя предшественик. Затова Хайдн започва понякога да бяга от Виена до Айзенщат и написва няколко меси по заповед на принца. Основните произведения на композитора от последните години - две монументални оратории "Сътворението на света" и "Годишните времена" - бяха изпълнени във Виена с голям успех (едната през 1799 г., другата през 1801 г.). Изобразяване на древния хаос, от който тогава възниква светът, сътворението на Земята, зараждането на живота на Земята и създаването на човека - такова е съдържанието на първата от тези оратории. Четирите части на втората оратория ("Пролет", "Лято", "Есен", "Зима") са изградени от добре насочени музикални скици на селската природа и селския живот. 26 www.classON.ru Обучението на децата в областта на руското изкуство След 1803 г. Хайдн не композира нищо друго. Той тихо изживя живота си, заобиколен от слава и чест. Хайдн умира през пролетта на 1809 г., в разгара на Наполеоновите войни, когато французите влизат във Виена. виолончела и контрабаси. Групата на дървените духови инструменти се състои от флейти, обой, кларинети и фаготи 21. Групата на медните духови инструменти на Хайдн се формира от валдхорни и тръби, а от ударните инструменти той използва само тимпани и едва в последната, дванадесета Лондонска симфония добавя триъгълник , чинели и барабан. Въпроси и задачи 1 . Кои трима велики композитори се наричат ​​виенски музикални класици? Какво обяснява такова определение? 2. Разкажете ни за музикалния живот на Виена през 18 век. 3. Назовете основните музикални жанрове в творчеството на Хайдн. 4. Къде и как са преминали детството и младостта на Хайдн? 5. Как Хайдн започва своето самостоятелно пътуване? 6..Как протича животът и творчеството на Хайдн по време на службата му в параклиса на принцовете Естерхази? 7. Разкажете ни за пътуванията на Хайдн до Англия и за последните му години от живота. Симфонично творчество Когато Хайдн написва първата си симфония през 1759 г., много произведения в този жанр вече съществуват и продължават да се създават. Те възникват в Италия, Германия, Австрия и други европейски страни. В средата на 18 век, например, симфониите, които са композирани и изпълнявани в германския град Манхайм, който разполага с най-добрия оркестър за онова време, придобиват всеобща слава. Сред композиторите от т. нар. "Манхаймска школа" имаше много чехи. Един от предците на симфонията е италианската оперна увертюра от три части (със съотношение на частите според темпото: „бързо-бавно-бързо“.). В ранните („предкласически“) симфонии все още се проправя пътят към бъдещата класическа симфония, чиито отличителни белези са значението на фигуративното съдържание и съвършенството на формата. Поемайки по този път, Хайдн достига до своите зрели симфонии през 1780-те. И тогава се появяват зрелите симфонии на още съвсем младия Моцарт, който поразително бързо напредва към върховете на артистичното майсторство. Хайдн създава своите Лондонски симфонии, които увенчават постиженията му в този жанр, след преждевременната смърт на Моцарт, която дълбоко го шокира. В зрелите симфонии на Хайдн е установена следната типична композиция на цикъла от четири части: сонатно алегро, бавно движение, менует и финал (обикновено под формата на рондо или сонатно алегро). В същото време класическият състав на оркестъра от четири групи инструменти се определя в основните му характеристики. Водеща група - низ. Включва цигулки, виоли, Хайдн не винаги е използвал кларинети. Дори в неговите Лондонски симфонии те се появяват само в пет (от дванадесет). 21 27 www.classON.ru Образование на децата в областта на руското изкуство Тази симфония е известна като "Военна". Има имена и за някои от другите симфонии на Хайдн. В повечето случаи те не са дадени от самия композитор и маркират само един детайл, често изобразителен, например имитация на крякане в бавната част на симфонията "Пиле" или "тиктакане" - в бавната част на симфонията " Часа". Специална история е свързана със симфонията във фа-диез минор, която получи името „Прощаване“. Има допълнителна пета част (по-точно Адажио от типа кода). По време на изпълнението му оркестрантите един по един гасят свещите на пултовете си, взимат инструментите си и си тръгват. Остават само двама цигулари, които тихо и тъжно изсвирват последните тактове и също си тръгват. За това има следното обяснение. Сякаш веднъж през лятото принц Миклош I забави музикантите от своя параклис в Естерхац повече от обикновено. И те искаха да си вземат ваканция възможно най-скоро, за да видят семействата си, които живееха в Айзенщат. И необичайният втори финал на Прощалната симфония служи като намек за тези обстоятелства. В допълнение към симфониите, Хайдн има много други произведения за оркестър, включително над сто индивидуални менуета. И изведнъж всичко се преобразява радостно: започва експозицията на сонатното алегро. Вместо бавно темпо - бързо (Allegro con spirito - „Бързо, с ентусиазъм“), вместо тежки басови унисони - първият мотив на подвижната, заразително весела, танцова тема на основната част се ражда от същите звуци на G и ла бемол във висок регистър. Всички мотиви на тази тема, заявени в основния тон, започват с повторение на първия звук - сякаш с пламенно потъпкване: Симфония в ми бемол мажор Това е единадесетата от дванадесетте "Лондонски симфонии" на Хайдн. Неговият основен тон е ми бемол мажор. Известна е като „симфония тремоло на тимпани“ 22. Симфонията е в четири части. Първата част започва с бавно въведение. Тремолото („фракция“) на тимпаните, настроени към тониката, звучи тихо. Това е като далечен гърмеж. След това самата тема на въведението се разгръща в гладки широки "первази". Първо се изпълнява в октавен унисон от виолончела, контрабаси и фаготи. Изглежда, сякаш някакви мистериозни сенки тихо се носят, понякога спират. Тук те се колебаят и замръзват: в последните тактове на въведението унисоните се редуват няколко пъти на съседни звуци G и A-flat, принуждавайки ухото да очаква - какво ще се случи след това? Двукратното въвеждане на темата от клавирни струнни инструменти се допълва от бурен рев на танцово забавление, звучащ forte в целия оркестър. Този тътен бързо отминава и в свързващата част отново се появява нотка на мистерия. Тоналната стабилност е нарушена. Има модулация в си бемол мажор (доминанта на ми бемол мажор) - ключът на страничната част. В свързващата част няма нова тема, но се чува оригиналният мотив на темата за тимпаните - полусфери с опъната върху тях кожа, по които се удря с две пръчки. Всяко полукълбо може да произведе звук само от една височина. Класическите симфонии обикновено използват две полусфери, настроени на тоника и доминанта. 22 28 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство на основната част и далечно напомняне за темата на въведението: Експозицията завършва с утвърждаването на ключа на страничната част (си-бемол мажор). Изложението се повтаря и следва развитие. Той е наситен с полифонично подражание и тонално-хармонично развитие на мотиви, изолирани от темата на основната част. Темата на страничната игра се появява към края на разработката. Изпълнява се изцяло в тоналността на ре-бемол мажор, далеч от основната, тоест изглежда в нова, необичайна светлина. И един ден (след обща пауза с фермата) в баса се появяват и интонациите на мистериозната тема на увода. Разработката звучи предимно пиано и пианисимо и само от време на време - форте и фортисимо с отделни акценти сфорцандо. Това засилва впечатлението за тайнственост. Мотивите от темата на основната партия в своето развитие понякога приличат на фантастичен танц. Човек може да си представи, че това е танц на някакви мистериозни светлини, понякога мигащи ярко. В репризата в тоналността на ми бемол мажор се повтаря не само основната, но и страничната част, като се пропуска свързващото звено. В кода се появява някаква мистерия. Започва, подобно на въведението, с темп на адажио, тихо тремоло на тимпани и бавни движения на унисон. Но скоро, в самия край на първата част, бързото темпо, силната звучност и веселото танцово „тропене“ се завръщат. Втората част на симфонията - Анданте - е вариация на две теми - песен в до минор и песен-марш в до мажор. Конструкцията на тези така наречени двойни вариации е следната: първата и втората тема са очертани, след което следват: първата вариация на първата тема, първата вариация на втората тема, втората вариация на първата тема, втората вариация на втората тема и код, базиран на материала на втората тема. И до днес изследователите спорят за националността на първата тема. Хърватските музиканти смятат, че това е хърватска народна песен по отношение на нейните характеристики, докато унгарските музиканти смятат, че това е унгарска песен. Сърби, българи, поляци също намират своите национални черти в него. Този спор не може да бъде разрешен със сигурност, защото записите на такава тема на странична част отново са весело хоро. Но в сравнение с основната партия, тя не е толкова енергична, а по-грациозна, женствена. Мелодията звучи на цигулки с обой. Типичен акомпанимент на валс доближава тази тема до лендъра - австрийски и южногермански танц, един от предците на валса: 29 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство на старата мелодия и нейните думи не е намерена. Очевидно в него са се слели чертите на няколко славянски и унгарски мелодии; такъв, по-специално, е особен ход за увеличена секунда (E-flat - fadiez): вариациите на втората тема възобновяват героичния маршов ход, украсен с виртуозни пасажи - флейтови грации. И в голям код се случват неочаквани обрати в развитието на "музикални събития". Първо, маршируващата тема се превръща в нежен, прозрачен звук. Тогава интензивно се развива изолиран от нея мотив с пунктиран ритъм. Това води до внезапна поява на тоналността на ми бемол мажор, след което последният пасаж на маршовата тема звучи ярко и тържествено в до мажор. Третата част на симфонията - Менуетът - оригинално съчетава достолепната походка на танц от висшето общество с капризни широки подскоци и синкопи в мелодията: Напев и втора, маршова мажорна тема. За разлика от първия, той в същото време има известен афинитет към него - четвърти такт, възходяща и след това низходяща посока на мелодията и повишена четвърта стъпка (fadiez): Тази причудлива тема се очертава от плавно, спокойно движение в Триото - средната част на Менуета, разположена между първата част и нейното точно повторение23: Излагането на първата тема от струнни инструменти за пиано и пианисимо е като лежерен разказ, като начало на разказ за някакви необичайни събития. Първият от тях може да бъде представен с внезапно силно представяне на втората, маршова тема, в която към струнната група се добавят духови инструменти. Тонът на повествованието се запазва в първата вариация на първата тема. Но тъжно и предпазливо ехо се присъединява към нейния звук. В първата вариация на втората тема соло цигулката оцветява мелодията с причудливи шарени пасажи. Във втория вариант на първата тема повествованието изведнъж придобива бурен, развълнуван характер (използват се всички инструменти, включително тимпаните). Във втория Менуетът (или по-скоро неговите крайно фино странни по характер части) контрастира с народните и битови теми, от една страна, първата и втората част на симфонията, а от друга, нейната последна , четвърта част - финал. И тук, както трябва да бъде в класическото сонатно алегро, в експозицията основната партия е представена в основния тон на ми бемол мажор, страничната част е в доминантния тон на си бемол мажор, а в репризата и двете на те звучат в ми бемол мажор. Въпреки това, в страничната част, дълго време средната част от оркестрови произведения обикновено се изпълняваше от три инструмента. От тук идва и името "трио". 23 30 www.classON.ru Образованието на децата в областта на изкуството в Русия е съвсем нова тема. Тя е изградена върху материала на темата на основната партия. произлиза от френската дума "ronde", която означава "кръг" или "кръг". Въпроси и задачи 1 . Кога Хайдн и Моцарт започват да композират своите зрели симфонии? 2. От какви части обикновено се състои симфонията на Хайдн? Назовете групите инструменти в оркестъра на Хайдн. 3. Какви заглавия на симфониите на Хайдн знаете? 4. Защо симфонията на Хайдн в ми бемол мажор се нарича „с тремоло или Телец“? С кой раздел започва? 5. Опишете основните теми на сонатната форма в първото движение на тази симфония. 6. Под каква форма и по какви теми е написана втората част на симфонията? 7. Опишете основните теми и раздели на третата част. 8. Каква е особеността на съотношението между темите на основната и страничните части във финала? Каква е връзката между характера на музиката в първата част на симфонията и в нейния финал? Така се оказва, че целият финал е базиран на една тема. Композиторът, сякаш в сложна игра, или изцяло възобновява темата, или умело съчетава нейните варианти и отделни елементи. И тя е интригуваща сама по себе си. В крайна сметка в него за първи път се появява хармонична основа - така нареченият "златен ход" на два рога - типичен сигнал за ловни рога. И едва тогава върху тази основа се наслагва танцова мелодия, близка до хърватските народни песни. Започва с „тъпкане“ на един звук и в бъдеще този мотив се повтаря многократно, имитира се, преминавайки от един глас към друг. Това напомня началния мотив на основната тема на първата част и как тя е разработена там. Освен това композиторът посочи същото темпо във финала - Allegro con spirito. Така във финала окончателно се възцарява стихията на веселото хоро. Но тук той има особен характер - изглежда като сложен хоро, групов танц, в който танцът е съчетан с песен и игрово действие. Това се потвърждава и от факта, че в експозицията основната част се повтаря в основната тоналност още два пъти - след малък преходен епизод и след странична част. Тоест изглежда, че се възобновява, като прави движение в кръг. И това въвежда характеристиките на рондо формата в сонатната форма. Самата дума "рондо", както вече беше споменато, клавирно творчество Когато Хайдн създава своите клавирни произведения, пианото постепенно измества клавесина и клавикорда от музикалната практика. Хайдн пише ранните си композиции за тези древни клавишни инструменти, а в по-късните издания започва да посочва „за клавесин или пиано“ и накрая понякога само „за пиано“. Сред неговите клавирни творби най-значимо място заемат соло сонатите. Преди това се смяташе, че Хайдн има само 52 от тях, но след това, благодарение на търсенето на изследователи, този брой се увеличи до 62. Най-известните от тях са сонати в ре мажор и ми минор24. Соната в ре мажор Темата на основната част, с която започва първата част на тази соната, е изпълнен с радост и жизнерадост танц с момчешки палави октавни скокове, грациозни нотки, морденти и повторения на звуци. Такава музика може също да си представим, че се изпълнява в опера: в по-ранните издания тези сонати са отпечатани като "No. 37" и "No. 34", а в по-късните издания като "No. 50" и "No. 53" . 24 31 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Но тогава палави скокове от основната част проникват в развитието на темата на страничната част, а след това - суетлив пасаж Движение от свързващата част. Става по-напрегнато, помитащо и изведнъж бързо се успокоява - сякаш от някакво мигновено решение. След това експозицията завършва с небрежно танцувално финално парти. Отново има много оживена суета в развитието. Тук октавните скокове от темата на основната част, преминавайки към лявата ръка, стават още по-палави, а пасажното движение достига още по-голямо напрежение и широк размах, отколкото при развитието на темата на второстепенната част в изложението. В репризата звученето на страничните и финалните части в основния тон (ре мажор) твърдо установява господството на радостното настроение. Най-силен контраст в соната внася кратката втора част, която е бавна и сдържана по характер. Написана е в едноименната тоналност в ре минор. В музиката се чува тежкият тропот на сарабанда - стар танц, често придобиващ характера на погребална процесия. И в изразителните мелодични възклицания с триоли и пунктирани ритмични фигури има сходство с тъжните мелодии на унгарските цигани: Весели, суетливи пасажи от шестнадесети изпълват свързващата част. И темата на страничната част (в ключа на мажор) също е танцувална, само че по-сдържана, елегантна: 32 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Соната в ми минор. Той усърдно се подготви за него, но не можа да го осъществи поради служебните си задължения в параклиса Естерхази. Възможно е мечтите за далечно „задгранично“ пътуване и преживяванията, свързани с тях, да са отразени в сонатата ми минор, възникнала по това време. Това е единствената от малкото минорни сонати на Хайдн, където в първата част е съчетан подчертан лиричен характер с много бързо темпо. Темата на основната част от тази част, с която започва сонатата, също е своеобразна: Но в оптимистичното изкуство на Хайдн мрачните образи на смъртта винаги се преодоляват от ярки образи на живота. И втората част ре минор на тази соната, завършваща не на тониката, а на доминантния акорд, директно преминава върху стремителния финал на ре мажор 25. Финалът е изграден под формата на рондо, където основната тема - рефренът (в основната тоналност на ре мажор) - повтаря се три пъти, като между повторенията му има сменящи се части - епизоди: първият епизод е в ре минор, а вторият - в сол мажор. Тук само в първия, в ре минор епизод, се промъкват тъжни спомени - ехо от средната част. Вторият епизод, в сол мажор, вече е небрежно весел и води до комична "поименна игра" на дясната и лявата ръка на една и съща нота. А летящата и танцуваща основна тема на финала (рефрен рондо) е една от най-веселите на Хайдн: началните фрази на темата тук са съставени от комбинация от два елемента. В баса, в лявата ръка, пианото се движи на минорен тоничен тризвучие - като призиви да се втурнеш някъде надалеч. И точно там в дясната ръка следват трептящи, сякаш съмняващи се, колебливи мотиви-отговори. Общото движение на темата е меко, вълнообразно, люлеещо се. Освен това размерът на първата част – 6/8 – е характерен за баркаролния жанр – „песни по вода“26. В свързващата част има модулация в сол мажор, успоредна на ми минор - тоналността на страничните и финалните части. Свързващите и финалните части, изпълнени с подвижни пасажи от шестнадесети, обрамчват страничната част - лека, мечтателна.Това се посочва от италианските думи "attacca subito il Finale", което означава "започване на финала веднага". Първоначално песните на венецианските гондолиери се наричали баркароли. Самото име на жанра идва от италианската дума "barca" - "лодка". 25 26 33 www.classON.ru Детско образование в областта на изкуството Русия сякаш се издигаше: природата, със звуци на сигнали, сякаш зовеше за обратен път, сърцето сякаш трепна в радостна тревога! И тук, след прехода на акорда, се появява основната тема на третата част (финала). Това е рефренът на формата на рондо, в която е написан финалът. Изглежда като вдъхновена придружаваща песен, която помага да се втурнат „с пълни платна“ към родните си земи: И така, схемата на формата на рондо във финала е следната: рефрен (ми минор), първи епизод (ми мажор) , рефрен (ми минор), втори епизод (ми мажор), рефрен (ми минор). И двата епизода са свързани с рефрена и помежду си чрез мелодична близост. Когато зазвучат завързващите, страничните и финалните части, въображението рисува примамливи образи - как свободно духа попътен вятър, как радостно бързото движение те носи напред. По-нататък в разработката, изградена върху материала на основните, свързващите и крайните части, преобладават отклоненията в минорните тонове. В основната, тоест не мажорна, а минорна тоналност, второстепенните и финалните части, които са станали по-просторни, звучат в репризата. Въпреки това тъгата и духовните съмнения са окончателно победени от стремежа към непознатата далечина. Такъв е смисълът на последните тактове от първата част, където удивително се повтаря призивното начало на темата на основната партия. Втората част на сонатата, бавна, сол мажор, е своеобразна инструментална ария, пропита с леко съзерцателно настроение. Нейната лека колоратура е пълна с ехо от чуруликане на птици, мърморене на потоци: Въпроси и задачи 1. Назовете основния жанр на клавирната музика на Хайдн. Колко от неговите сонати са известни? 2. Опишете основните раздели на първата част от сонатата в ре мажор. Има ли връзка в тази част между основната и страничните части? 3. Какъв контраст внася втората част от сонатата в ре мажор в музиката? Каква е връзката му с финала? 4. Разкажете ни за характеристиките на структурата и характера на темата на основната част от първата част на сонатата в ми минор. Зрели и характеризират останалите теми и раздели на тази част. 5. Какъв е характерът на втората част от сонатата в ми минор? 6. Разкажете ни за формата на финала на сонатата в ми минор и естеството на основната му тема. Основни произведения Над 100 симфонии (104) Поредица от концерти за различни инструменти и оркестър Над 80 квартета (за две цигулки, виола и виолончело) (83) 62 клавирни сонати Оратории Сътворение и сезони 24 опери Аранжименти на шотландски и ирландски песни Въпреки това, без значение колко сладка е спокойна почивка някъде далече, в лоното на 34 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство, написани в много жанрове - неговите симфонии, инструментални концерти, различни камерни ансамбли, сонати за пиано, Реквием за хор, солисти и оркестър. Необичайно ранният и бързо развит феноменален талант на Моцарт, създаден около името му; ореол на легендарното "музикално чудо". Ярка характеристика; той е даден като вдъхновен артист от А. С. Пушкин в пиесата („малка трагедия“) „Моцарт и Салиери“. Въз основа на него е написана едноименната опера от Н. А. Римски Корсаков 27. Моцарт е любимият композитор на П. И. Чайковски 28. Волфганг Амадеус Моцарт 1756-1791 Жизнен път Семейство. Ранно детство. Родното място на Волфганг Амадеус Моцарт, роден през януари 1756 г., е австрийския град Залцбург. Разположен е живописно по хълмистите брегове на бързата река Залцах, която е минала в източното подножие на Алпите. Залцбург бил столица на малко княжество, чийто владетел имал духовното достойнство на архиепископ. Бащата на Волфганг Амадеус, Леополд Моцарт, служи в неговия параклис. Той беше сериозен и високообразован музикант - плодовит композитор, цигулар, органист и педагог. Публикуваната от него „Училище по свирене на цигулка“ е разпространена в няколко страни, включително Русия. От седемте деца на Леополд и съпругата му Анна Мария оцеляха само две - най-малкият син Волфганг Амадеус и дъщерята Мария Анна (Нанерл), която беше по-голяма! брат от четири години и половина. Когато баща му започна да учи Нанерл, който имаше отлични способности, да свири на клавесин, той скоро започна да учи с тригодишния Волфганг, забелязвайки най-финия му слух и удивителна музикална памет, четири години момчето вече се опитваше да композира музика, а първите му оцелели пиеси за клавесин са записани от баща му, когато авторът е само на пет години. Има една история за това как четиригодишният Волфганг се опитал да композира концерт за клавир. Заедно с писалката той потопи пръстите си в мастилницата и постави петна върху нотната хартия. Не когато баща ми надникна в този детски запис, през петната той откри в него несъмнена музикална смисленост. Един от най-големите музикални гении, австрийският композитор Волфганг Амадеус Моцарт доживя едва 35 години. От тях той композира музика в продължение на тридесет години и, оставяйки наследство от повече от 600 творби, направи безценен принос към златния фонд на световното изкуство. Най-вярна, най-висока оценка на творческия дар на Моцарт приживе дава по-големият му съвременник Йозеф Хайдн. „...Вашият син“, каза той веднъж на бащата на Волфганг Амадеус, „е най-великият композитор, когото познавам лично и по име; има вкус, а освен това и най-големи познания по композиция. Общото в музиката на Хайдн и Моцарт, наричана виенска класика, е оптимистичното активно-действено светоусещане, съчетание на простота и естественост в изразяването на чувствата с тяхната поетична извисеност и дълбочина. В същото време има съществена разлика между артистичните им интереси. Хайдн е по-близо до народно-битовите и лиро-епическите образи, а до Моцарт - собствено лирическите и лиро-драматичните. Изкуството на Моцарт е особено завладяващо със своята чувствителност към емоционалните преживявания на човека, както и с точността и живостта при въплъщението на различни човешки характери. Това го прави забележителен оперен композитор. Неговите опери, и преди всичко „Сватбата на Фигаро“, „Дон Жуан“ и „Вълшебната флейта“, се радват на неизменен успех вече трети век, поставяни на сцените на всички музикални театри. Едно от най-почетните места в световния концертен репертоар е заето от произведения на Моцарт.Версията, че Салиери е отровил Моцарт от завист, е само легенда. Чайковски оркестрира четири пиеси за пиано от Моцарт и композира сюитата Моцартиана от тях. 27 28 35 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство ще изпълни концерт за цигулка... свири на клавиатурата, покрита с носна кърпичка, както и ако беше пред очите му, тогава от разстояние той ще назове всички звуците, които един по един или в акорди ще бъдат възприемани от клавира или друг инструмент или издавани от предмети - камбана, чаша, часовник. В крайна сметка той ще импровизира не само на клавесина, но и на органа толкова дълго, колкото публиката иска, и във всякакви, дори и най-трудните клавиши, които го наричат ​​... ”Първи концертни пътувания. Леополд Моцарт решава да започне да прави концертни пътувания до големи музикални центрове с талантливите си деца. Първото пътуване - до немския град Мюнхен - се състоя в началото на 1762 г., когато Волфганг беше едва на шест години. Шест месеца по-късно семейство Моцарт заминава за Виена. Там Волфганг и Нанерл изпълняват в императорския двор, имат огромен успех и са обсипани с подаръци. През лятото на 1763 г. Моцартите предприемат голямо пътуване до Париж и Лондон. Но първо посетиха редица германски градове, а на връщане – отново Париж, както и Амстердам, Хага, Женева и още няколко града. Изпълненията на малките Моцарти, особено на Волфганг, предизвикват изненада и възхищение навсякъде, дори в най-величествените кралски дворове. Според обичая от онези времена Волфганг се появи пред благородна публика в бродиран черен костюм и напудрена перука, но в същото време се държеше с чисто детска непосредственост, можеше например да скочи на колене до императрицата . Концертите, които продължаваха по 4-5 часа подред, бяха много изморителни за малките музиканти, а за публиката се превърнаха в своеобразно забавление. Ето какво се казва в едно от съобщенията: „... Момиче от дванадесета година и момче от седма година ще свирят концерт за клавесин. .. Освен това едно момче 36 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Концертното турне продължи повече от три години и донесе на Волфганг много различни преживявания. Той чува голям брой инструментални и вокални произведения, среща се с някои изключителни музиканти (в Лондон - с най-малкия син на Йохан Себастиан Бах, Йохан Кристиан). Между изпълненията Волфганг ентусиазирано изучава композиция. В Париж излязоха от печат четири от неговите сонати за цигулка и клавесин, което показва, че това са произведения на седемгодишно момче. В Лондон той написва първите си симфонии. Връщане в Залцбург и престой във Виена. Първа опера. В края на 1766 г. цялото семейство се завръща в Залцбург. Волфганг започва систематично да се занимава с техника на композиране под ръководството на баща си. Моцарт прекарват цялата 1768 г. във Виена. По договор с театъра дванадесетгодишният Волфганг написва, следвайки италиански модели, операта-буфа „Въображаемото просто момиче“ за три месеца. Репетициите започнаха, но представлението започна да се отлага и след това напълно отменя (вероятно поради интригите на завистливи хора). То се проведе едва догодина в Залцбург. Във Виена Волфганг композира и много други музикални произведения, включително пет симфонии, и успешно дирижира тържествената си литургия при освещаването на нова църква. Пътувания до Италия. От края на 1769 г. до началото на 1773 г. Волфганг Амадеус прави три дълги пътувания из Италия с баща си. В тази "земя на музиката" младият Моцарт свири с голям успех в повече от дузина градове, включително Рим, Неапол, Милано, Флоренция. Той дирижира своите симфонии, свири на клавесин, цигулка и орган, импровизира сонати и фуги по дадени теми, арии по зададени текстове, отлично свири трудни произведения от поглед и ги повтаря в други тонове. Два пъти посещава Болоня, където известно време взема уроци от известния учител - теоретик и композитор Падре Мартини. Блестящо преминал трудния тест (написал полифонична композиция, използвайки сложни полифонични техники), четиринадесетгодишният Моцарт беше избран за член на Болонската филхармонична академия като специално изключение. И според хартата в нея бяха допуснати само музиканти, които са навършили двадесет години и имат опит от предварителен престой в тази авторитетна институция. В Рим, посещавайки Сикстинската капела във Ватикана (папска резиденция) 29, Моцарт веднъж чува голяма полифонична духовна композиция за два хора от италианския композитор от 17-ти век Грегорио Алегри. Тази работа се смяташе за собственост на папата и не беше разрешено да се копира или разпространява. Но Моцарт записва цялата сложна хорова партитура по памет и папският хорист потвърждава точността на записа. Италия - велика страна не само на музиката, но и на изобразителното изкуство и архитектура - дава на Моцарт изобилие от художествени впечатления. Той беше особено очарован от посещенията на оперни театри. Младият мъж до такава степен усвои италианския оперен стил, че за кратко време написа три опери, които след това бяха поставени с голям успех в Милано. Това са две опери-сериали – „Митридат, царят на Понт” и „Луций Сула” – и една пасторална опера на митологичен сюжет „Асканио в Алба”30. Екскурзии до Виена, Мюнхен, Манхайм, Париж. Въпреки блестящия творчески и концертен успех, Волфганг Амадей не успява да получи служба в двора на нито един от владетелите на италианските държави. Трябваше да се върна в Залцбург. Тук вместо починалия архиепископ се възцари нов, по-деспотичен и груб владетел. За Моцартите, които са били на негова служба, става все по-трудно да получават отпуск за нови пътувания. И операта, за която Моцарт се стреми да композира, не е налична в Залцбург и други възможности за музикална дейност са ограничени. Пътуването до Виена за двамата музиканти стана възможно само благодарение на желанието на самия Залцбургски архиепископ да посети столицата на Австрия. Неохотно той също така даде разрешение на Моцарт да пътува до; Мюнхен, където е поставена новата опера-буфа на младия композитор. И за следващото пътуване само Волфганг Амадеус успя да получи разрешение с голяма трудност. Баща му е принуден да остане в Залцбург, а майка му отива да придружи сина му. Първата дълга спирка се състоя в германския град Манхайм. Тук Волфганг Амадеус и Анна Мария са сърдечно приети в къщата му от един от ръководителите на известния тогава симфоничен оркестър, представител на предкласическата Манхаймска композиторска школа. В Манхайм Моцарт е композиран от италиански художници, включително Микеланджело. 30 Понтийското царство е древна държава на Черно море, главно по сегашното турско крайбрежие („Pont Euxinus“, т.е. „гостоприемно море“, старогръцкото име на Черно море). Луций Сула е древногръцки военен и политически деец. Пасторал (от италианската дума "pastore" - "пастир") е произведение със сюжет, който идеализира живота в лоното на природата. Сикстинската капела - домашна църква на папите във Ватикана; построена е през 15 век при папа Сикст IV. Стените и таванът на параклиса са изписани с голям брой произведения, предимно инструментални, белязани от вече зрелия музикален стил. Но и тук нямаше постоянна свободна работа за Волфганг Амадеус. През пролетта на 1778 г. Моцарт и майка му пристигат в Париж. Надеждите да получи истинско признание там и да заеме видно място обаче не се сбъднаха. В столицата на Франция детето-чудо, тази на пръв поглед жива играчка, вече е забравено и не успяват да разпознаят процъфтяващия талант на младия музикант. Моцарт няма късмет нито с организирането на концерти, нито с получаването на поръчка за опера. Той живееше с мизерни доходи от уроци, за театъра можеше да напише музика само за малък балет „Дранкулки“. Изпод писалката му излязоха нови забележителни творби, но тогава те не привлякоха сериозно внимание към себе си. И през лятото на Волфганг Амадеус претърпя тежка скръб: майка му се разболя и почина. В началото на следващата година Моцарт се завръща в Залцбург. Опера Идоменей. Скъсва с архиепископа и се премества във Виена. Най-важните събития от следващите години за Моцарт са създаването и постановката на операта „Идоменей, крал на Крит“ в Мюнхен, нейният голям успех. Тук най-добрите качества на италианската опера серия бяха съчетани с принципите на оперната реформа на Глук. Това проправи пътя за появата на ярко оригиналните оперни шедьоври на Моцарт. ... Беше 1781 г. Моцарт е на 25 години. Автор е на триста и половина произведения, изпълнени с нови творчески идеи. А за залцбургския архиепископ той е само музикален слуга, когото арогантният и деспотичен господар все повече потиска и унижава, принуждава го да седи на масата в народната стая „над готвачи, но под лакеи“, не му позволява да отидете навсякъде без разрешение, нито да изпълнявате където и да е . Всичко това става непоносимо за Моцарт и той подава оставката си. Архиепископът на два пъти му отказа с псувни и обиди, а обкръжението му грубо изгони музиканта от вратата. Но той, преживял духовен шок, остана твърд в решението си. Моцарт е първият велик композитор, който гордо се откъсва от финансово осигурената, но зависима позиция на придворен музикант. Виена: последното десетилетие. Моцарт се установява във Виена. Само от време на време напускаше за кратко австрийската столица, например във връзка с първата постановка на неговата опера „Дон Жуан“ в Прага или по време на две концертни турнета в Германия. През 1782 г. се жени за Констанс Вебер, която се отличава с весел нрав и музикалност. Едно след друго се раждат деца (но от шестте четири умират като бебета). Приходите на Моцарт от концертни изпълнения като изпълнител на неговата клавирна музика, от публикуване на композиции и постановки на опери са нередовни. Освен това Моцарт, като мил, доверчив и непрактичен човек, не знаеше как да управлява благоразумно паричните въпроси. Назначаването в края на 1787 г. на оскъдно платената длъжност на придворен камерен музикант, който е инструктиран да композира само танцова музика, не го спасява от често изпитваната нужда от пари. Въпреки това за десет виенски години Моцарт създава повече от две и половина нови произведения. Сред тях блеснаха най-ярките му художествени постижения в много жанрове. В годината на сватбата на Моцарт неговият зингшпил „Отвличането от сераля“, искрящ, е поставен във Виена с голям успех; хумор31. И операта-буфа "Сватбата на Фигаро", оригинал от; жанр "весела драма" "Дон Жуан" и приказката "Вълшебната флейта", възникнали през последните виенски години, принадлежат към най-високите върхове, достигнати от музикалния театър изобщо! неговата история. Три от най-добрите си симфонии, които се оказват последни, включително тази в сол минор (№ 40), Моцарт пише през лятото на 1788 г. През същото десетилетие се появяват много други инструментални произведения на композитора - четиригласната оркестрова "Малка нощна серенада", редица концерти за пиано, сонати и различни камерни ансамбли. Моцарт посвещава шест от своите струнни квартети на Хайдн, с когото развива топли приятелства. С голям интерес Моцарт изучава произведенията на Бах и Хендел през тези години. Най-новата творба на Моцарт е Реквиемът, меса за мъртвите за хор, солисти и оркестър. През юли 1791 г. тя е поръчана на композитора от човек, който не желае да назове името си. Изглеждаше мистериозно, можеше да породи мрачни предчувствия. Само няколко години по-късно се оказва, че поръчката идва от виенски граф, който иска да купи чужда творба и да я представи за своя. Сериозно болен, Моцарт не успя да завърши напълно Реквиема. Завършена е по чернови на един от учениците на композитора. Има история, че в навечерието на смъртта на великия музикант, последвала в нощта на 5 декември 1791 г., приятели пеят с него части от все още незавършеното произведение. В съответствие с траурния замисъл в Реквиема, вдъхновената лирична и драматична изразителност на музиката на Моцарт придобива особена възвишеност и сериозност. Поради липса на средства Моцарт е погребан в общ гроб за 31 32 Seraglio - женската половина в домовете на богатите източни благородници. Латинската дума "реквием" означава "мир". 38 www.classON.ru Образованието на децата в областта на изкуството в Русия е лошо и точното място на погребението му остава неизвестно. за Сузана, графинята, облечена в нейната рокля. Засрамен от жена си, Алмавива е принуден повече да не пречи на Фигаро и Сузана да празнуват сватбата си, която завършва весело и щастливо един „луд ден“, пълен с всякакви неочаквани събития. Операта започва с увертюра, която придоби голяма популярност и често се изпълнява в симфонични концерти 34. За разлика от много други увертюри, тази увертюра не използва теми, които звучат в самата опера. Тук ярко се предава общото настроение на последвалото действие, неговата очарователна бързина и кипяща жизнерадост. Увертюрата е написана в сонатна форма, но без развитие, което е заменено от кратка връзка между експозиция и реприза. В същото време ясно се разграничават пет теми, които бързо се сменят една друга. Първата и втората от тях съставляват основната партида, третата и четвъртата - страничната партида, петата - крайната партида. Всички те са енергични, но в същото време всеки има свой собствен характер. Първата тема от основната партия, изпълнена от струнни инструменти и фаготи в унисон, се движи бързо, с палава пъргавина: Въпроси и задачи 1. Какво е общото между музиката на Моцарт и музиката на Хайдн? И каква е разликата между артистичните интереси на тези двама виенски класици? 2. Разкажете ни за семейството и ранното детство на Волфганг Амадеус Моцарт. 3. В кои страни и градове е свирил Моцарт като малко момче? Как бяха тези изпълнения? 4. На каква възраст Моцарт написва първата си опера-буфа? Как се казваше и къде беше поставен? 5. Разкажете ни за пътуванията на младия Моцарт до Италия. 6. Кои градове посещава по-късно Моцарт? Успешно ли беше пътуването му до Париж? 7. Разкажете ни за раздялата на Моцарт със Залцбургския архиепископ. 8. Опишете последното десетилетие от живота и творчеството на Моцарт. Назовете основните произведения, създадени от него през този период. Опера "Сватбата на Фигаро" Премиерата на операта на Моцарт "Сватбата на Фигаро" се състоя във Виена през 1786 г. Самият композитор дирижира клавесина за първите две изпълнения. Успехът беше огромен, много, но тактът се повтаряше за бисове. Либретото (вербалният текст) на тази опера в четири действия е написано на италиански от Лоренцо да Понте по комедията на френския писател Бомарше Луд ден, или Сватбата на Фигаро. През 1875 г. П. И. Чайковски превежда това либрето на руски и в негов превод операта се изпълнява у нас. Моцарт нарича „Сватбата на Фигаро“ опера-буфа. Но това не е просто забавна комедия със забавни ситуации. Главните герои са изобразени от музиката като различни живи човешки образи. И основната идея на пиесата на Бомарше беше близка до Моцарт. Защото тя се състои в това, че слугата на граф Алмавива Фигаро и неговата годеница, слугинята Сузана, се оказват по-умни и по-порядъчни от своя титулуван господар, чиито интриги ловко разкриват. Самият граф е харесал Сузана и се опитва да отложи брака й. Но Фигаро и Сузана гениално преодоляват всички възникнали препятствия, привличайки на своя страна съпругата на графа и младия паж Керубино в служба на благороден човек. Свързващата тема на основното парти, партито, изпълнено, се различава главно.Припомнете си, че думата "увертюра" произлиза от френския глагол "ouvrir", което означава "отваряне", "започване". 33 34 39 www.classON.ru дръзко Обучение на деца в областта на руското изкуство в мащабни пасажи се появява първата тема на страничната част, чиято мелодия се изпълнява от цигулките. Темата има ритмично причудлив, леко капризен, но упорит характер: вокални номера. И така, първият солов номер в партията на Фигаро (тя беше поверен на баритона) - малка ария (каватина) - звучи веднага след като Сузана съобщи на годеника си, че графът започва да преследва нейното ухажване. В тази връзка Фигаро подигравателно тананика мелодия в движението на менует - галантен танц на висшето общество (крайните части на тричастната репризна форма на каватината): Втората тема на страничната част наподобява решителни възклицания: И темата на финалната част е най-балансирана, сякаш урежда всичко: части се повтарят вече в основния тон на ре мажор. Те са съединени от кода, което още повече подчертава жизнерадостния и жизнерадостен характер на увертюрата. В тази опера на Моцарт голямо място заемат вокалните ансамбли, предимно дуети (за два персонажа) и терцети (за три персонажа). Те са разделени от речитативи в съпровод на клавесин. А второто, третото и последното, четвърто действие завършват с финали - големи ансамбли с участието на шест до единадесет персонажа. Солата се включват по различен начин в динамичното развитие на действието.В средната част на каватината сдържаното движение се заменя с бързо, елегантната тритактова мелодия се заменя с напориста двутактова. Тук Фигаро вече решително изразява намерението си на всяка цена да предотврати коварните „планове на своя господар: То е адресирано до младия паж Керубино. Той случайно чу как графът се опита да декларира любовта си на Сузане и на такъв нежелан свидетел беше наредено да отиде на военна служба. В своята ария Фигаро весело и остроумно иронизира ситуацията, рисувайки разглезен от придворния живот млад мъж, картини на суровия военен живот. В музиката това се отразява чрез умело съчетаване на провокативна танцувалност с „войнствени“ фанфарни движения. Това е рефренът, който звучи три пъти под формата на рондо: Другата е малка ария с песенен характер „Гореща кръв сърцето вълнува“. Това е по-сдържана изповед на нежни чувства, плахо отправена към самата графиня: Сузана (сопран) е описана в много ансамбли като енергична, сръчна и изобретателна, не отстъпваща в това на Фигаро. В същото време нейният образ е тънко опоетизиран в светлата мечтателна ария от четвърто действие. В него Сузана мислено се обръща към Фигаро с нежен призив: Що се отнася до самия Керубино (партията му се изпълнява от нисък женски глас - мецосопран), той е описан в две арии като пламенен млад мъж, все още неспособен да разбере собствената си чувства, готови да се влюбят на всяка крачка. Една от тях е едновременно радостна и трепетна ария „Кажи, не мога да обясня“. Той съчетава мелодичност с ритъм, сякаш периодично пулсиращ от вълнение: 41 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Въпроси и задачи 1 . Кога и къде е премиерата на „Сватбата на Фигаро“ от Моцарт? 2. На коя комедия е базирано либретото му? 3. Каква е основната идея на тази работа? 4. Как е изградена увертюрата към операта? 5. Разкажете ни за характеристиките на двата солови номера в частта на Фигаро. 6. На кой глас е поверена ролята на Керубино? Пейте мелодиите на неговите арии. 7. Как е характеризирана Сузана в ансамблите и как - в арията от четвърто действие? Четвъртият вариант (с хвърляне на лявата ръка над дясната), напротив, е по-смело размахващ. Петата вариация, където първоначалното бавно темпо на Andante grazioso е заменено с много бавно - Adagio, е мелодична инструментална ария, оцветена с колоратура. И тогава промяната на темпото към бързо (Алегро) съответства на веселия танцов характер на последната, шеста вариация. Втората част от сонатата е менуетът. Както обикновено, той е изграден в тричастна репризна форма с точно повторение в репризата на музиката от първата част. Между тях е средната част (Трио) 35. Във всички части на Менуета мъжествено решителните и властни размахващи интонации се съпоставят с женски нежни и плавни интонации, подобни на изразителни лирически възклицания-обръщения. Соната в ла мажор за добре познатата соната в ла мажор на Клавир Моцарт, която обикновено се нарича Соната за турски марш, е необичайно конструиран цикъл. Първата част тук не е сонатно алегро, а шест вариации на лека и спокойна, невероятно изящна тема. Изглежда като песен, която може да се пее в добро, спокойно настроение във виенския музикален живот. В нейния нежен люлеещ се ритъм има прилика с движението на Siciliana - стар италиански танц или танцова песен: Композиторът нарече третата част на сонатата (финал) "A11a Turca" - "По турски". По-късно този финал е наречен "Турски марш". Няма нищо общо с необичайната за европейския слух интонационна структура на турската народна и професионална музика. Но през 18 век в европейската, предимно театрална музика, възниква мода за маршове, условно наричани "турски". Използват тембровата окраска на оркестър "Еничари", в който преобладаваха духови и ударни инструменти - голям и малки барабани, цимбали, триъгълник. Войниците от пехотните части на турската армия се наричали еничари. Музиката на техните маршове се възприема от европейците като дива, шумна, "варварска". Няма резки контрасти между вариациите, но всички имат различен характер. В първата вариация преобладава грациозното причудливо мелодично движение, във втората - грациозната игривост е съчетана с хумористичен оттенък (забелязват се „палавите“ нотки на изящество в лявата част). Третата вариация - единствената, написана не в ла мажор, а в ла минор - е изпълнена с леко тъжни мелодични фигури, движещи се равномерно, сякаш с нежна срамежливост: В края на Триото има нотацията "Minuetto da capo" . Италиански - „от главата“, „от самото начало“. 35 "Da capo" преведено от 42 www.classON.ru Детско образование в областта на руското изкуство Финалът е написан в необичайна форма. Може да се определи като тригласен хор (в ла мажор). Многократното повторение на припева придава на структурата на финала характеристиките на рондо. Първата част - с лесно "обикалящи" мотиви (ла минор) - и средната част - с мелодичен пасаж (фа-диез минор) - естествено съчетават грациозната танцовост с ясен маршов ход: Дълго време се смяташе, че Моцарт композира сонатата в ла мажор през лятото на 1778 г. в Париж. Но след това откриха информация, че това се е случило няколко години по-късно, във Виена. Подобна информация е още по-правдоподобна, защото там през 1782 г. се състоя премиерата на зингшпила на Моцарт „Отвличането от сераля“. В него действието се развива в Турция, а в музиката на увертюрата и в два маршови хора се забелязва подражание на "еничарска" музика. Освен това шумно ли е? Моцарт добавя изкованата „еничарска“ кода в ла мажор към финала на сенатите едва през 1784 г., когато произведението е публикувано. Трябва да се отбележи също, че в соната, както и в „Отвличането от сераля“, голяма роля принадлежи на жанровете на песента и марша. Във всичко това се проявява връзката на инструменталната музика с театралната музика, която е много характерна за Моцарт. Въпроси и задачи 1 . Какво е необичайно в цикъла в сонатата в ла мажор на Моцарт? Разкажете ни за същността на темата и шест нейни вариации в първата част на тази работа. 2. Какъв танцов жанр се използва във втората част на сонатата? 3. Обяснете защо финалът на сонатата в ла мажор се нарича Турски марш. Каква е особеността на конструкцията му? Пейте на основните му теми. 4. С кое музикално-театрално произведение на Моцарт отеква музиката на неговия „Турски марш”? Симфония в сол минор, композирана във Виена през 1788 г., Симфонията в сол минор! (№ 40) е едно от най-вдъхновените произведения на великия композитор. Първото движение на симфонията е сонатно алегро в много бързо темпо. Започва с темата на основната част, която веднага пленява като поверителна, искрена лирическа изповед. Пее се от цигулки под тихия поклащащ се акомпанимент на други струнни инструменти. В мелодията му се разпознава същият възбуден ритъм като в началото на първата ария на Керубино от операта „Сватбата на Фигаро“ (виж пример 37). Но сега е по-„възрастен“, сериозен и смел текст: Припевът (в ла мажор) звучи три пъти, той е като своеобразен „Еничарски шумов рефрен“, в частта на лявата ръка е имитация на дръм. чу: В тази връзка „Турският марш“ понякога се нарича „Рондо в турски стил“ („Rondo alla Turca“). 36 43 www.classON.ru Детско образование в областта на изкуството в Русия Малко развитие). Но в него няма контрасти, всичко се подчинява на общото светло настроение, което се определя от самото начало в основната част, която звучи на струнни инструменти: Мъжествеността на героя се засилва в свързващата част, в която се развива основната част . Има модулация в си бемол мажор, успоредна на сол минор - ключа на страничната част. Темата му е по-лека, по-грациозна и женствена в сравнение с основната тема. Той е оцветен от хроматични интонации, както и от редуване на тембри на струнни и дървени духови инструменти: В седмия такт тук се появява леко „трептяща“ фигура от две ноти от тридесет и секунди. В бъдеще тя прониква в мелодичните линии на всички теми, след това сякаш се увива около тях, появявайки се в различни регистри с различни инструменти. Това е като ехо от гласовете на мирната природа. Само на моменти леко разтревожени, те се чуват ту отблизо, ту в далечината. Според установената традиция третата част от симфонията е Менуетът. Но в него само средната част - Триото - е ясно традиционна. Със своето плавно движение, мелодичност на гласовете и тоналност в Сол мажор, Триото поставя началото на сол минор основните, крайни части на този менует, който като цяло е необичаен по отношение на лирическо и драматично напрежение. Като че ли след тихото съзерцание на природата, въплътена в Анданте, сега трябваше да се върна към света на духовните тревоги и безпокойство, доминиращ в първата част на симфонията. Това съответства на връщането на основния тон на симфонията - сол минор: нов прилив на енергия възниква във финалната част. Тук водещата роля принадлежи на многократното и упорито развитие на първия - тризвук - мотив от темата на основната партия. С началото на доста експанзивно развитие облаците сякаш се трупат тревожно. От лекия си бемол мажор има рязък завой в мрачния далечен тон на фа-диез минор. В развитието темата на основната партия се развива драматично. Той минава през цяла гама от тоналности, разделя се на отделни фрази и мотиви, като те често се имитират в различни гласове на оркестъра. Първият мотив на тази тема пулсира много напрегнато. Но накрая пулсацията му отслабва, обуздава треперенето му и настъпва реприза. Но влиянието на високата драматична интензивност, постигната в разработката, се отразява в този раздел на първата част. Тук дължината на свързващата част се увеличава значително, това води до представяне на страничните и финалните части вече не в мажор, а в основния тон на сол минор, което прави звученето им по-драматично. Втората част от симфонията е Анданте в ми бемол мажор. Тя контрастира на лирико-драматичната първа част със своето меко и нежно спокойствие. Формата Andante също е сонатна (като сол минор е основната тоналност, а четвъртата част на симфонията - финалът, протичащ в много бързо темпо. Финалът е написан в сонатна форма. Водещата тема в тази част на симфонията е темата на основната част Заедно с темата на основната част на първата част, тя принадлежи към най-ярките инструментални теми на Моцарт. Но ако темата в първата част звучи като нежна и благоговейна лирическа изповед, то темата на финала е страстен лирико-драматичен призив, изпълнен със смелост и ще решим 44 www.classON.ru Образованието на децата в изкуствата на Русия 2. Разкажете ни за основните теми на първата част на симфонията и тяхното развитие. 3. Какъв характер има музиката във втората и третата част на симфонията? 4. Коя е водещата тема във финала на симфонията? С какво неговият характер се различава от темата на основната част на първата част? 5. Как е изградена темата на основната част на финала? На какво се основава развитието в развитието? Основни произведения Тази пламенна привлекателност е създадена от бързото издигане на мелодията по звуците на акордите, а енергичните мелодични фигури, кръжащи около един звук, сякаш отговарят на неговия импулс. Както в първата част на симфонията, грациозната тема на страничната част на финала е особено ярка в експозицията, когато се изпълнява в си бемол мажор: 19 опери Реквием Около 50 симфонии 27 концерта за клавир и оркестър 5 концерта за цигулка и оркестър Концерти с оркестров съпровод за флейти, кларинети, фаготи, валдхорни, флейти с арфа Струнни квартети (повече от 20) и квинтети Сонати за клавир, за цигулка и клавир Вариации, фантазии, рондо, менуети за клавир Последната част е базирана на вторият елемент от темата на основната част. В развитието на финала особено интензивно се развива първият, инвокативен елемент от темата на основната партия. Високото драматично напрежение се постига чрез концентрацията на хармонични и полифонични методи на развитие - дирижиране в много тонове и имитативни поименни гласове. В репризата изпълнението на страничната партия в основния тон сол минор е леко помрачено от тъга. А вторият елемент от темата на основната част (утвърдителни, енергични фигури), както в експозицията, звучи в основата на финалната част в репризата. В резултат на това финалът в това гениално творение на Мацарт оформя ярък лирико-драматичен връх на целия сонатно-симфоничен цикъл, безпрецедентен по своята целенасоченост чрез образно развитие. Лудвиг ван Бетовен 1770-1827 Великият немски композитор Лудвиг ван Бетовен е най-младият от тримата брилянтни музиканти, наричани виенски класици. Бетовен живее и твори още в началото на 17-ти и 19-ти век, в епоха на грандиозни социални промени и катаклизми. Младостта му съвпада с времето, Въпроси и задачи 1 . Кога и къде Моцарт създава Симфония в сол минор № 40? 45 www.classON.ru Детско художествено образование в Русия