"Картоиграчи"

Автор

Пол Сезан

Държава Франция
Години живот 1839–1906
стил постимпресионизъм

Художникът е роден в южната част на Франция в малкото градче Екс-ан-Прованс, но започва да рисува в Париж. Истински успех идва при него след самостоятелна изложба, организирана от колекционера Амброаз Волар. През 1886 г., 20 години преди заминаването си, той се премества в покрайнините на родния си град. Младите художници нарекоха пътуванията до него "поклонение в Екс".

130х97 см
1895 г
цена
250 милиона долара
продаден през 2012 г
на частен търг

Творчеството на Сезан е лесно за разбиране. Единственото правило на художника беше директното прехвърляне на обекта или сюжета върху платното, така че картините му да не предизвикват недоумение у зрителя. Сезан комбинира в своето изкуство две основни френски традиции: класицизъм и романтизъм. С помощта на цветна текстура той придаде на формата на предметите невероятна пластичност.

Серия от пет картини „Играчи на карти“ е написана през 1890-1895 г. Сюжетът им е един и същ - няколко души ентусиазирано играят покер. Творбите се различават само по броя на играчите и размера на платното.

Четири картини се съхраняват в музеи в Европа и Америка (Музеят д'Орсе, Музеят на изкуствата Метрополитън, Фондация Барнс и Институтът за изкуство Курто), а петата доскоро беше украса на частната колекция на Гръцкият милиардер корабособственик Джордж Ембирикос. Малко преди смъртта си, през зимата на 2011 г., той решава да го пусне за продажба. Потенциални купувачи на "безплатната" работа на Сезан бяха търговецът на произведения на изкуството Уилям Аквавела и световноизвестният собственик на галерия Лари Гагосиан, които предложиха около 220 милиона долара за нея. В резултат на това картината отиде при кралското семейство на арабската държава Катар за 250 млн. Най-голямата сделка за изкуство в историята на живописта беше сключена през февруари 2012 г. Това съобщи пред Vanity Fair журналистката Александра Пиърс. Тя разбра цената на картината и името на новия собственик, а след това информацията проникна в медиите по света.

През 2010 г. в Катар бяха открити Арабският музей на модерното изкуство и Националният музей на Катар. Сега колекциите им растат. Може би петата версия на The Card Players е била придобита от шейха за тази цел.

Повечетоскъпа картинав света

Собственик
Шейх Хамад
бин Халифа ал-Тани

Династията ал-Тани управлява Катар повече от 130 години. Преди около половин век тук бяха открити огромни запаси от нефт и газ, което моментално превърна Катар в един от най-богатите региони в света. Благодарение на износа на въглеводороди тази малка страна регистрира най-големия БВП на глава от населението. Шейх Хамад бин Халифа ал Тани пое властта през 1995 г., докато баща му беше в Швейцария, с подкрепата на членове на семейството. Заслугата на сегашния управляващ, според експерти, е в ясната стратегия за развитие на страната, създаване на успешен имидж на държавата. Сега Катар има конституция и министър-председател, а жените са получили правото да гласуват на парламентарни избори. Между другото, именно емирът на Катар основа новинарския канал Al Jazeera. Властите на арабската държава обръщат голямо внимание на културата.

2

"номер 5"

Автор

Джаксън Полък

Държава САЩ
Години живот 1912–1956
стил абстрактен експресионизъм

Джак Пръскачката - такъв прякор беше даден на Полък от американската публика за неговата специална техника на рисуване. Художникът изоставя четката и статива и излива боята върху повърхността на платното или фазера при непрекъснато движение около и вътре в тях. От малък се увлича по философията на Джиду Кришнамурти, чието основно послание е, че истината се разкрива по време на свободно „изливане“.

122х244 см
1948 г
цена
140 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Сотбис

Стойността на работата на Полък не е в резултата, а в процеса. Авторът неслучайно е нарекъл своето изкуство „екшън живопис”. С неговата лека ръка той се превърна в основния актив на Америка. Джаксън Полок смесваше боя с пясък, счупено стъкло и пишеше с парче картон, мастило, нож, лопата. Художникът беше толкова популярен, че през 50-те години в СССР имаше дори имитатори. Картината "Номер 5" е призната за една от най-странните и най-скъпите в света. Един от основателите на DreamWorks, Дейвид Гефен, го купи за частна колекция и през 2006 г. го продаде на Sotheby`s за 140 милиона долара на мексиканския колекционер Дейвид Мартинес. Въпреки това адвокатската кантора скоро издаде прессъобщение от името на своя клиент, в което се посочва, че Дейвид Мартинез не е собственик на картината. Само едно нещо се знае със сигурност: мексиканският финансист наистина наскоро е колекционирал произведения на съвременното изкуство. Малко вероятно е той да пропусне такава "голяма риба" като "Номер 5" на Полък.

3

"Жена III"

Автор

Вилем де Кунинг

Държава САЩ
Години живот 1904–1997
стил абстрактен експресионизъм

Родом от Холандия, той емигрира в Съединените щати през 1926 г. През 1948 г. се провежда лична изложба на художника. Критиците на изкуството оцениха сложните, нервни черно-бели композиции, разпознавайки в техния автор голям художник-модернист. През по-голямата част от живота си страда от алкохолизъм, но радостта от създаването на ново изкуство се усеща във всяка творба. Де Кунинг се отличава с импулсивността на рисуването, широките щрихи, поради което понякога изображението не се вписва в границите на платното.

121х171 см
1953 г
цена
137 милиона долара
продаден през 2006 година
на частен търг

През 50-те години в картините на де Кунинг се появяват жени с празни очи, масивни гърди и грозни черти. „Жена III” беше последната творба от тази поредица, участвала в търга.

От 70-те години на миналия век картината се съхранява в Техеранския музей за модерно изкуство, но след въвеждането на строги морални правила в страната се опитват да се отърват от нея. През 1994 г. творбата е изнесена от Иран, а 12 години по-късно нейният собственик Дейвид Гефен (същият продуцент, който продаде „Номер 5“ на Джаксън Полък) продава картината на милионера Стивън Коен за 137,5 милиона долара. Интересно е, че след една година Гефен започва да продава колекцията си от картини. Това породи много слухове: например, че продуцентът е решил да купи Los Angeles Times.

На един от форумите за изкуство беше изразено мнение за приликата на "Жена III" с картината на Леонардо да Винчи "Дамата с хермелин". Зад зъбата усмивка и безформената фигура на героинята, познавачът на живописта различи благодатта на човек с кралска кръв. Това се доказва и от слабо проследената корона, увенчаваща главата на жена.

4

„Портрет на АделБлох-Бауер I"

Автор

Густав Климт

Държава Австрия
Години живот 1862–1918
стил модерен

Густав Климт е роден в семейството на гравьор и е второто от седем деца. Трима синове на Ърнест Климт станаха художници и само Густав стана известен по целия свят. Прекарва по-голямата част от детството си в бедност. След смъртта на баща си той отговаря за цялото семейство. По това време Климт развива своя стил. Преди неговите картини всеки зрител замръзва: под тънките щрихи на злато ясно се вижда откровената еротика.

138х136 см
1907 г
цена
135 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Сотбис

Съдбата на картината, която наричат ​​"австрийската Мона Лиза", лесно може да стане основа за бестселър. Работата на художника стана причина за конфликта между цялата държава и една възрастна дама.

И така, „Портретът на Адел Блох-Бауер I“ изобразява аристократка, съпругата на Фердинанд Блок. Последната й воля беше да прехвърли картината в Австрийската държавна галерия. Блок обаче отменя дарението в завещанието си и нацистите експроприират картината. По-късно галерията почти не откупи Златната Адел, но тогава се появи наследницата - Мария Алтман, племенницата на Фердинанд Блок.

През 2005 г. започна високопоставеният процес "Мария Алтман срещу Република Австрия", в резултат на което картината "замина" с нея в Лос Анджелис. Австрия предприема безпрецедентни мерки: договарят се заеми, населението дарява пари за закупуването на портрета. Доброто никога не побеждава злото: Алтман вдигна цената до 300 милиона долара. По време на процеса тя беше на 79 години и влезе в историята като човекът, променил завещанието на Блок-Бауер в полза на лични интереси. Картината е закупена от Роналд Лаудер, собственик на Новата галерия в Ню Йорк, където остава и до днес. Не за Австрия, за него Алтман намали цената на 135 милиона долара.

5

"Вик"

Автор

Едвард Мунк

Държава Норвегия
Години живот 1863–1944
стил експресионизъм

Първата картина на Мунк, станала известна по целия свят, "Болното момиче" (съществува в пет екземпляра) е посветена на сестрата на художника, починала от туберкулоза на 15-годишна възраст. Мунк винаги се е интересувал от темата за смъртта и самотата. В Германия тежката му маниакална живопис дори предизвика скандал. Но въпреки потискащите сюжети, картините му носят особен магнетизъм. Вземете поне "Писък".

73,5х91 см
1895 г
цена
119,992 милиона долара
продаден в 2012 г
на търга Сотбис

Пълното име на картината е Der Schrei der Natur (в превод от немски „викът на природата“). Лицето на човек или извънземно изразява отчаяние и паника - зрителят изпитва същите емоции, когато гледа картината. Едно от ключовите произведения на експресионизма предупреждава за наболелите теми в изкуството на 20 век. Според една от версиите художникът го е създал под влияние на психическо разстройство, от което е страдал през целия си живот.

Картината е крадена два пъти от различни музеи, но е връщана. Леко повреден след кражбата, Викът беше реставриран и беше готов да бъде показан отново в Музея на Мунк през 2008 г. За представителите на поп културата произведението се превърна в източник на вдъхновение: Анди Уорхол създаде серия от отпечатъци-копия от него, а маската от филма "Писък" е направена по образ и подобие на героя на картината.

За един сюжет Мунк написва четири версии на творбата: тази в частна колекция е направена в пастел. Норвежкият милиардер Петер Олсен го пусна на търг на 2 май 2012 г. Купувач беше Леон Блек, който не пожали рекордна сума за "Писък". Основател на Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен с любовта си към изкуството. Блек е патрон на Dartmouth College, Музея за модерно изкуство, Lincoln Art Center и Metropolitan Museum of Art. Има най-голямата колекция от картини на съвременни художници и класически майстори от миналите векове.

6

„Голо на фона на бюст и зелени листа“

Автор

Пабло Пикасо

Държава Испания, Франция
Години живот 1881–1973
стил кубизъм

По произход той е испанец, но по дух и място на пребиваване е истински французин. Пикасо отваря собствено художествено студио в Барселона, когато е едва на 16 години. След това заминава за Париж и прекарва по-голямата част от живота си там. Ето защо във фамилното му име има двойно ударение. Стилът, изобретен от Пикасо, се основава на отричането на мнението, че обектът, изобразен на платното, може да се гледа само от един ъгъл.

130х162 см
1932 г
цена
106,482 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Кристи

По време на работата си в Рим художникът се запознава с танцьорката Олга Хохлова, която скоро става негова съпруга. Той сложи край на скитничеството, премести се с нея в луксозен апартамент. По това време признанието беше намерило герой, но бракът беше унищожен. Една от най-скъпите картини в света е създадена почти случайно – от голяма любов, която, както винаги при Пикасо, е краткотрайна. През 1927 г. той се интересува от младата Мари-Терез Валтер (тя е на 17 години, той на 45). Тайно от съпругата си той заминава с любовницата си за град близо до Париж, където рисува портрет, изобразяващ Мария-Терез в образа на Дафне. Картината е закупена от дилър от Ню Йорк Пол Розенберг и продадена през 1951 г. на Сидни Ф. Броуди. Семейство Броди показаха картината на света само веднъж и то само защото художникът беше на 80 години. След смъртта на съпруга си, г-жа Броуди пусна творбата на търг в Christie's през март 2010 г. За шест десетилетия цената се е повишила повече от 5000 пъти! Неизвестен колекционер го купи за 106,5 милиона долара. През 2011 г. във Великобритания се проведе „изложба на една картина“, където тя видя светлината за втори път, но името на собственика все още не е известно.

7

"Осем Елвиси"

Автор

Анди Уорхол

Държава САЩ
Години живот 1928-1987
стил
поп изкуство

„Сексът и партитата са единствените места, където трябва да се появиш лично“, каза култовият поп изпълнител, режисьор и един от основателите на списание Interview, дизайнерът Анди Уорхол. Работил е с Vogue и Harper's Bazaar, проектирал е обложки на плочи и е проектирал обувки за I.Miller. През 60-те години се появяват картини, изобразяващи символите на Америка: супата на Кембъл и Кока-Кола, Пресли и Монро - което го превръща в легенда.

358х208 см
1963 г
цена
100 милиона долара
продаден през 2008г
на частен търг

60-те години на Уорхол - така наречената ера на поп изкуството в Америка. През 1962 г. работи в Манхатън във Factory Studio, където се събира цялата бохема на Ню Йорк. Най-ярките му представители: Мик Джагър, Боб Дилън, Труман Капоти и други известни личности в света. В същото време Уорхол изпробва техниката на копринен печат - многократно повторение на едно изображение. Той също използва този метод при създаването на "Осем Елвис": зрителят сякаш вижда кадри от филм, където звездата оживява. Всичко, което художникът обича толкова много, е тук: печеливш публичен образ, сребрист цвят и предчувствие за смърт като основно послание.

Има двама търговци на изкуство, които рекламират работата на Уорхол на световния пазар днес: Лари Гагосян и Алберто Муграби. Първият през 2008 г. похарчи 200 милиона долара за закупуване на повече от 15 творби на Уорхол. Вторият купува и продава картините си като коледни картички, само че по-скъпо. Но не те, а скромният френски арт консултант Филип Сегало помогна на ценителя на римското изкуство Анибале Берлингиери да продаде Осемте Елвиси на неизвестен купувач за рекордната за Уорхол сума - 100 милиона долара.

8

„Портокал,червено жълто"

Автор

Марк Ротко

Държава САЩ
Години живот 1903–1970
стил абстрактен експресионизъм

Един от създателите на цветната полева живопис е роден в Двинск, Русия (сега Даугавпилс, Латвия), в голямо семейство на еврейски фармацевт. През 1911 г. емигрират в САЩ. Ротко учи в художествения факултет на Йейлския университет, получава стипендия, но антисемитските настроения го принуждават да напусне обучението си. Въпреки всичко, изкуствоведите идолизираха художника, а музеите го преследваха през целия му живот.

206х236 см
1961 г
цена
86,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Кристи

Първите художествени експерименти на Ротко са със сюрреалистична ориентация, но с течение на времето той опрости сюжета до цветни петна, лишавайки ги от всякаква обективност. Отначало имаха ярки нюанси, а през 60-те години бяха изпълнени с кафяво, лилаво, сгъстяване до черно до момента на смъртта на художника. Марк Ротко предупреди да не се търси смисъл в картините му. Авторът искаше да каже точно това, което каза: само цвета, който се разтваря във въздуха, и нищо повече. Той препоръча да се гледат творбите от разстояние 45 см, така че зрителят да бъде „увлечен” в цвета като във фуния. Внимание: гледането по всички правила може да доведе до ефекта на медитация, тоест постепенно да дойде осъзнаването на безкрайността, пълно потапяне в себе си, релаксация, пречистване. Цветът в картините му живее, диша и въздейства силно емоционално (понякога се казва, че е лечебен). Художникът каза: "Зрителят трябва да плаче, като ги гледа" - и наистина имаше такива случаи. Според теорията на Ротко в този момент хората преживяват същото духовно преживяване, което той е имал в процеса на работа върху картината. Ако сте успели да го разберете на толкова фино ниво, тогава не се изненадвайте, че тези произведения на абстракционизма често се сравняват от критиците с икони.

Творбата "Оранжево, червено, жълто" изразява същността на живописта на Марк Ротко. Първоначалната му цена на търга на Christie's в Ню Йорк е 35-45 милиона долара. Неизвестен купувач предложи цена два пъти по-висока от прогнозната. Името на щастливия собственик на картината, както често се случва, не беше разкрито.

9

"Триптих"

Автор

Франсис Бейкън

Държава
Великобритания
Години живот 1909–1992
стил експресионизъм

Приключенията на Франсис Бейкън, пълен съименник и освен това далечен потомък на великия философ, започват, когато баща му се отказва от него, неспособен да приеме хомосексуалните наклонности на сина си. Бейкън отива първо в Берлин, после в Париж, а след това следите му се объркват в цяла Европа. Още приживе негови творби са излагани във водещи културни центрове по света, включително музея Гугенхайм и Третяковската галерия.

147,5x198 см (всеки)
1976 г
цена
86,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Престижните музеи се стремяха да притежават картини на Бейкън, но пъргавата английска публика не бързаше да се раздели с такова изкуство. Легендарният британски премиер Маргарет Тачър каза за него: „Човекът, който рисува тези ужасяващи картини“.

Самият художник счита следвоенния период за начален период в творчеството си. Връщайки се от служба, той отново се заема с рисуване и създава основните шедьоври. Преди участието на "Триптих, 1976" в търга най-скъпата творба на Бейкън беше "Етюд за портрет на папа Инокентий X" (52,7 милиона долара). В "Триптих, 1976" художникът изобразява митичния сюжет за преследването на Орест от фуриите. Разбира се, Орест е самият Бейкън, а фуриите са неговите терзания. Повече от 30 години картината е била в частна колекция и не е участвала в изложби. Този факт му придава специална стойност и съответно увеличава себестойността. Но какво са няколко милиона за ценител на изкуството и дори щедър на руски? Роман Абрамович започва да създава своята колекция през 90-те години на миналия век, като в това той е значително повлиян от приятелката си Даша Жукова, която се превърна в модерен собственик на галерия в съвременна Русия. По неофициални данни бизнесменът притежава произведения на Алберто Джакомети и Пабло Пикасо, закупени за суми над 100 милиона долара. През 2008 г. той става собственик на Триптиха. Между другото, през 2011 г. е придобита друга ценна творба на Бейкън - "Три скици за портрет на Лучиан Фройд". Скрити източници казват, че Роман Аркадиевич отново става купувач.

10

"Езерце с водни лилии"

Автор

Клод Моне

Държава Франция
Години живот 1840–1926
стил импресионизъм

Художникът е признат за основоположник на импресионизма, който "патентова" този метод в своите платна. Първата значима работа е картината "Закуска на тревата" (оригиналната версия на работата на Едуард Мане). В младостта си рисува карикатури, а с истинска живопис се захваща по време на пътуванията си по крайбрежието и на открито. В Париж той води бохемски начин на живот и не го напуска дори след като служи в армията.

210х100 см
1919 г
цена
80,5 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Кристи

Освен факта, че Моне беше велик художник, той също се занимаваше ентусиазирано с градинарство, обожаваше дивата природа и цветята. В неговите пейзажи състоянието на природата е моментно, обектите изглеждат замъглени от движението на въздуха. Впечатлението се засилва от големи щрихи, от известно разстояние те стават невидими и се сливат в текстурирано, триизмерно изображение. В живописта на късния Моне специално място заема темата за водата и живота в нея. В град Живерни художникът имаше собствено езерце, където отглеждаше водни лилии от семена, специално донесени от него от Япония. Когато цветята им разцъфтяха, той започна да рисува. Серията „Водни лилии“ се състои от 60 творби, които художникът рисува в продължение на почти 30 години, до смъртта си. Зрението му се влоши с възрастта, но не спря. В зависимост от вятъра, сезона и времето, изгледът на езерото постоянно се променяше и Моне искаше да улови тези промени. Чрез внимателна работа до него дойде разбирането за същността на природата. Някои от картините от поредицата се съхраняват във водещи галерии в света: Национален музей на западното изкуство (Токио), Оранжерия (Париж). Версията на следващото "Езерце с водни лилии" отиде в ръцете на неизвестен купувач за рекордна сума.

11

Фалшива звезда T

Автор

Джаспър Джонс

Държава САЩ
Година на раждане 1930
стил поп изкуство

През 1949 г. Джоунс влиза в училището по дизайн в Ню Йорк. Заедно с Джаксън Полок, Вилем де Кунинг и други, той е признат за един от основните художници на 20 век. През 2012 г. той получи Президентския медал на свободата, най-високото гражданско отличие в Съединените щати.

137,2х170,8 см
1959 г
цена
80 милиона долара
продаден през 2006 година
на частен търг

Подобно на Марсел Дюшан, Джоунс работи с реални обекти, изобразявайки ги върху платно и в скулптура в пълно съответствие с оригинала. За творбите си той използва прости и разбираеми предмети за всеки: бутилка бира, знаме или карти. В картината на Фалстарт няма ясна композиция. Художникът сякаш играе със зрителя, често "неправилно" подписвайки цветовете в картината, обръщайки самата концепция за цвят: "Исках да намеря начин да изобразя цвета, така че да може да се определи по някакъв друг метод." Неговата най-експлозивна и "несигурна", според критиците, картина е придобита от неизвестен купувач.

12

„Седналголна дивана"

Автор

Амедео Модилиани

Държава Италия, Франция
Години живот 1884–1920
стил експресионизъм

Модилиани често боледуваше от детството си, по време на трескав делириум той разпозна съдбата си на художник. Учи рисуване в Ливорно, Флоренция, Венеция, а през 1906 г. заминава за Париж, където изкуството му процъфтява.

65х100 см
1917 г
цена
68,962 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Сотбис

През 1917 г. Модилиани се запознава с 19-годишната Жана Ебютерн, която става негов модел, а по-късно и съпруга. През 2004 г. един от нейните портрети беше продаден за 31,3 милиона долара, последният рекорд преди продажбата на „Седнало голо на диван“ през 2010 г. Картината е закупена от неизвестен купувач на максималната цена за Модилиани в момента. Активните продажби на произведения започват едва след смъртта на художника. Той умира в бедност, болен от туберкулоза, а на следващия ден Жана Ебютерн, която е бременна в деветия месец, също се самоубива.

13

"Орел на бор"

Автор

Ци Байши

Държава Китай
Години живот 1864–1957
стил гуохуа

Интересът към калиграфията накара Qi Baishi да рисува. На 28-годишна възраст става ученик на художника Ху Цинюан. Министерството на културата на Китай му присъжда титлата "Велик художник на китайския народ", през 1956 г. получава Международната награда за мир.

10х26 см
1946 г
цена
65,4 милиона долара
продаден през 2011
на търга China Guardian

Ци Байши се интересуваше от тези прояви на околния свят, на които мнозина не придават значение, и това е неговото величие. Човек без образование стана професор и изключителен творец в историята. Пабло Пикасо каза за него: „Страх ме е да отида във вашата страна, защото в Китай има Ци Байши“. Композицията "Орел на бор" е призната за най-мащабното произведение на художника. В допълнение към платното, той включва два йероглифни свитъка. За Китай сумата, за която е купен продуктът, е рекордна - 425,5 милиона юана. Само свитъкът на древния калиграф Хуанг Тинцзян беше продаден за 436,8 милиона долара.

14

"1949-A-#1"

Автор

Клифърд Стил

Държава САЩ
Години живот 1904–1980
стил абстрактен експресионизъм

На 20-годишна възраст той посещава Музея на изкуствата Метрополитън в Ню Йорк и остава разочарован. По-късно той се записа за курс на студентска лига по изкуства, но напусна 45 минути след началото на класа - оказа се, че „не е негов“. Първата лична изложба предизвика резонанс, художникът намери себе си, а с него и признание

79х93 см
1949 г
цена
61,7 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

Всички негови творби, които са повече от 800 платна и 1600 произведения на хартия, все още са завещани на американския град, където ще бъде открит музей на неговото име. Денвър стана такъв град, но само строителството беше скъпо за властите и четири произведения бяха пуснати на търг, за да го завършат. Произведенията на Стил едва ли някога ще бъдат предлагани на търг, което вдигна цената им предварително. Картината "1949-A-No.1" беше продадена за рекордна за художника сума, въпреки че експерти прогнозираха продажбата на максимум 25-35 милиона долара.

15

"Супрематична композиция"

Автор

Казимир Малевич

Държава Русия
Години живот 1878–1935
стил Супрематизъм

Малевич учи живопис в Киевското художествено училище, след това в Московската художествена академия. През 1913 г. той започва да рисува абстрактни геометрични картини в стил, който нарича супрематизъм (от латински „господство“).

71 х 88,5 см
1916 г
цена
60 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Картината се съхранява в градския музей на Амстердам около 50 години, но след 17-годишен спор с роднините на Малевич музеят я предава. Художникът рисува тази творба през същата година като Манифеста на супрематизма, така че Sotheby`s още преди търга обяви, че тя няма да отиде в частна колекция за по-малко от 60 милиона долара. Така и стана. По-добре е да го погледнете отгоре: фигурите на платното приличат на въздушен изглед на земята. Между другото, няколко години по-рано същите роднини експроприираха друга „супрематична композиция“ от музея MoMA, за да я продадат на Phillips за 17 милиона долара.

16

"Къпещи се"

Автор

Пол Гоген

Държава Франция
Години живот 1848–1903
стил постимпресионизъм

До седемгодишна възраст художникът живее в Перу, след което се завръща във Франция със семейството си, но спомените от детството постоянно го тласкат да пътува. Във Франция започва да рисува, приятелства с Ван Гог. Той дори прекара няколко месеца с него в Арл, докато Ван Гог не му отряза ухото по време на кавга.

93,4х60,4 см
1902 г
цена
55 милиона долара
продаден през 2005г
на търга Сотбис

През 1891 г. Гоген организира продажба на своите картини, за да използва приходите, за да отиде дълбоко в остров Таити. Там създава творби, в които се усеща тънката връзка между природата и човека. Гоген живееше в сламена колиба, а върху платната му цъфтеше тропически рай. Съпругата му беше 13-годишна таитянка Техура, което не попречи на художника да се занимава с промискуитет. След като се разболява от сифилис, той заминава за Франция. Там обаче на Гоген му беше тясно и той се върна в Таити. Този период се нарича "втори таитянски" - тогава е нарисувана картината "Къпещите се", една от най-луксозните в неговото творчество.

17

"Нарциси и покривка в синьо и розово"

Автор

Анри Матис

Държава Франция
Години живот 1869–1954
стил фовизъм

През 1889 г. Анри Матис получава пристъп на апендицит. Когато се възстанови от операцията, майка му му купи бои. Първо, от скука, Матис копира цветни пощенски картички, след това - произведения на велики художници, които вижда в Лувъра, а в началото на 20 век той измисля стил - фовизъм.

65,2х81 см
1911 г
цена
46,4 милиона долара
продаден през 2009г
на търга Кристи

Картината "Нарциси и покривка в синьо и розово" е принадлежала дълго време на Ив Сен Лоран. След смъртта на кутюрието цялата му колекция от произведения на изкуството преминава в ръцете на неговия приятел и любовник Пиер Бергер, който решава да я предложи на търг в Christie's. Перлата на продадената колекция беше картината "Нарциси и покривка в синьо и розово", рисувана върху обикновена покривка, вместо върху платно. Като пример за фовизъм, той е изпълнен с енергията на цвета, цветовете сякаш експлодират и крещят. От добре познатата поредица от картини на покривки, днес тази работа е единствената, която е в частна колекция.

18

"Спящо момиче"

Автор

РойЛий

Хтенщайн

Държава САЩ
Години живот 1923–1997
стил поп изкуство

Художникът е роден в Ню Йорк и след като завършва училище, заминава за Охайо, където посещава курсове по изкуство. През 1949 г. Лихтенщайн получава магистърска степен по изящни изкуства. Интересът към комиксите и способността да бъде ироничен го превърнаха в култов художник от миналия век.

91х91 см
1964 г
цена
44,882 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Сотбис

Веднъж в ръцете на Лихтенщайн попаднала дъвка. Той преначертава картината от вложката върху платното и става известен. Този сюжет от неговата биография съдържа цялото послание на поп изкуството: потреблението е новият бог, а в опаковката на дъвка има не по-малко красота, отколкото в Мона Лиза. Неговите картини напомнят комикси и анимационни филми: Лихтенщайн просто увеличава готовото изображение, рисува растери, използва ситопечат и копринен печат. Картината "Спящото момиче" е принадлежала на колекционерите Беатрис и Филип Герш почти 50 години, чиито наследници я продадоха на търг.

19

„Победа. Буги Вуги"

Автор

Пит Мондриан

Държава Холандия
Години живот 1872–1944
стил неопластизъм

Истинското си име - Корнелис - художникът променя на Мондриан, когато се премества в Париж през 1912 г. Заедно с художника Тео ван Дусбург основава неопластичното движение. Програмният език Piet е кръстен на Мондриан.

27х127 см
1944 г
цена
40 милиона долара
продаден през 1998г
на търга Сотбис

Най-„музикалният“ от художниците на 20-ти век се препитава с акварелни натюрморти, въпреки че се прочу като художник-неопластик. Той се премества в САЩ през 40-те години и прекарва остатъка от живота си там. Джаз и Ню Йорк – това го вдъхновява най-много! Картина „Победа. Boogie Woogie е най-добрият пример за това. "Брандирани" спретнати квадрати се получават чрез използването на тиксо - любимият материал на Мондриан. В Америка той беше наречен "най-известният имигрант". През шейсетте години Ив Сен Лоран произвежда световноизвестните рокли "Мондриан" с едро цветно каре.

20

"Композиция № 5"

Автор

босилекКандински

Държава Русия
Години живот 1866–1944
стил авангард

Художникът е роден в Москва, а баща му е от Сибир. След революцията той се опитва да сътрудничи на съветските власти, но скоро разбира, че законите на пролетариата не са създадени за него, и не без затруднения емигрира в Германия.

275х190 см
1911 г
цена
40 милиона долара
продаден през 2007г
на търга Сотбис

Кандински е един от първите, които напълно изоставят предметната живопис, за което получава титлата гений. По време на нацизма в Германия картините му са класифицирани като „изродено изкуство“ и не са излагани никъде. През 1939 г. Кандински приема френско гражданство, в Париж той свободно участва в художествения процес. Картините му „звучат“ като фуги, поради което много от тях се наричат ​​„композиции“ (първата е написана през 1910 г., последната през 1939 г.). „Композиция № 5“ е една от ключовите творби в този жанр: „Думата „композиция“ ми прозвуча като молитва“, каза художникът. За разлика от много последователи, той планира какво ще изобрази на огромно платно, сякаш пише бележки.

21

„Изследване на жена в синьо“

Автор

Фернан Леже

Държава Франция
Години живот 1881–1955
стил кубизъм-постимпресионизъм

Леже получава архитектурно образование, а след това е студент в Училището за изящни изкуства в Париж. Художникът се смята за последовател на Сезан, апологет на кубизма, а през 20 век има успех и като скулптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 г
цена
39,2 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

Дейвид Норман, президент на Sotheby's International Impressionism and Modernism, смята, че огромната сума, платена за „Дамата в синьо“, е напълно оправдана. Картината принадлежи към известната колекция Леже (художникът е нарисувал три картини на една тема, последната от тях днес е в частни ръце. - Ред.), а повърхността на платното е запазена в оригиналния си вид. Самият автор даде тази работа на галерия Der Sturm, след това тя попадна в колекцията на Херман Ланг, немски колекционер на модернизма, и сега принадлежи на неизвестен купувач.

22

„Улична сцена. Берлин"

Автор

Ернст ЛудвигКирхнер

Държава Германия
Години живот 1880–1938
стил експресионизъм

За немския експресионизъм Кирхнер става забележителна личност. Местните власти обаче го обвиниха в привърженост към "изроденото изкуство", което трагично се отрази на съдбата на неговите картини и живота на художника, който се самоуби през 1938 г.

95х121 см
1913 г
цена
38,096 милиона долара
продаден през 2006 година
на търга Кристи

След като се премества в Берлин, Кирхнер създава 11 скици на улични сцени. Той беше вдъхновен от суматохата и нервността на големия град. В картината, продадена през 2006 г. в Ню Йорк, тревожността на художника е особено остра: хората на берлинска улица приличат на птици - грациозни и опасни. Тя беше последната творба от известната поредица, продадена на търг, останалите се съхраняват в музеи. През 1937 г. нацистите се отнасят брутално към Кирхнер: 639 негови творби са иззети от германски галерии, унищожени или продадени в чужбина. Художникът не можеше да преживее това.

23

„Почивамтанцьор"

Автор

Едгар Дега

Държава Франция
Години живот 1834–1917
стил импресионизъм

Историята на Дега като художник започва с факта, че той работи като копист в Лувъра. Мечтаеше да стане „известен и непознат“ и в крайна сметка успя. В края на живота си, глух и сляп, 80-годишният Дега продължава да посещава изложби и аукциони.

64х59 см
1879 г
цена
37,043 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Сотбис

„Балерините винаги са били за мен само извинение да изобразявам тъкани и да улавям движение“, каза Дега. Сцените от живота на танцьорите изглеждат надникнати: момичетата не позират на художника, а просто стават част от атмосферата, уловена от погледа на Дега. Почиващата танцьорка е продадена за 28 милиона долара през 1999 г., а по-малко от 10 години по-късно е купена за 37 милиона долара - днес това е най-скъпата творба на художника, предлагана някога на търг. Дега обърна много внимание на рамките, сам ги проектира и забрани да ги променя. Чудя се каква рамка е монтирана на продадената картина?

24

"живопис"

Автор

Хуан Миро

Държава Испания
Години живот 1893–1983
стил абстрактно изкуство

По време на гражданската война в Испания художникът е на страната на републиканците. През 1937 г. той бяга от фашистката власт в Париж, където живее в бедност със семейството си. През този период Миро рисува картината "Помощ за Испания!", Привличайки вниманието на целия свят към господството на фашизма.

89х115 см
1927 г
цена
36,824 милиона долара
продаден през 2012 г
на търга Сотбис

Второто име на картината е "Синя звезда". Художникът го пише през същата година, когато обявява: „Искам да убия рисуването“ и безмилостно се подиграва с платната, драскайки боята с нокти, залепвайки пера върху платното, покривайки творбата с боклук. Неговата цел беше да развенчае митовете за мистерията на живописта, но след като се справи с това, Миро създаде свой собствен мит - сюрреалистична абстракция. Неговата „Живопис” се отнася към цикъла „картини-сънища”. Четирима купувачи се бориха за нея на търга, но едно инкогнито телефонно обаждане реши спора и "Картина" стана най-скъпата картина на художника.

25

"Синя роза"

Автор

Ив Клайн

Държава Франция
Години живот 1928–1962
стил монохромно рисуване

Художникът е роден в семейство на художници, но изучава ориенталски езици, навигация, занаят на позлатител на рамки, дзен будизъм и много други. Неговата личност и нахални лудории бяха в пъти по-интересни от монохромните картини.

153x199x16 см
1960 г
цена
36,779 милиона долара
продаден през 2012г
на търг на Christie's

Първата изложба на плътни жълти, оранжеви, розови творби не предизвика обществен интерес. Клайн се обиди и следващия път представи 11 еднакви платна, рисувани с ултрамарин, смесен със специална синтетична смола. Той дори патентова този метод. Цветът влезе в историята като "International Klein Blue". Художникът също така продава празнотата, създава картини, като излага хартията на дъжд, подпалва картон, прави отпечатъци на човешко тяло върху платно. С една дума, експериментирах, доколкото можах. За да създам "Синята роза" използвах сухи пигменти, смоли, камъчета и естествена гъба.

26

„В търсене на Мойсей“

Автор

Сър Лорънс Алма-Тадема

Държава Великобритания
Години живот 1836–1912
стил неокласицизъм

Самият сър Лоурънс добавя префикса "алма" към фамилията си, за да се появи първи в арт каталозите. Във Викторианска Англия неговите картини бяха толкова търсени, че художникът беше удостоен с рицарско звание.

213,4х136,7 см
1902 г
цена
35,922 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

Основната тема на творчеството на Алма-Тадема е античността. В картините той се опитва да изобрази епохата на Римската империя в най-малкия детайл, за това дори се занимава с археологически разкопки на Апенинския полуостров, а в къщата си в Лондон възпроизвежда историческия интериор от онези години. Друг източник на вдъхновение за него стават митологичните истории. Художникът беше много търсен приживе, но след смъртта му бързо беше забравен. Сега интересът се съживява, както се вижда от цената на картината "В търсене на Моисей", седем пъти по-висока от оценката преди продажбата.

27

"Портрет на спящ гол чиновник"

Автор

Лучиан Фройд

Държава Германия,
Великобритания
Години живот 1922–2011
стил фигуративна живопис

Художникът е внук на Зигмунд Фройд, бащата на психоанализата. След установяването на фашизма в Германия семейството му емигрира във Великобритания. Творбите на Фройд са в колекцията Уолъс в Лондон, където никой съвременен художник не е излагал досега.

219,1х151,4 см
1995 г
цена
33,6 милиона долара
продаден през 2008г
на търга Кристи

Докато модните художници на 20-ти век създаваха положителни „цветни петна по стената“ и ги продаваха за милиони, Фройд рисува изключително натуралистични картини и ги продаваше за още повече. „Улавям виковете на душата и страданието на изсъхващата плът“, каза той. Критиците смятат, че всичко това е "наследството" на Зигмунд Фройд. Картините бяха толкова активно изложени и успешно продадени, че експертите имаха съмнение: имат ли хипнотични свойства? Продаденият на търг "Портрет на спящ гол чиновник", според Sun, е бил придобит от ценител на красотата и милиардер Роман Абрамович.

28

"Цигулка и китара"

Автор

хедно гри

Държава Испания
Години живот 1887–1927
стил кубизъм

Роден в Мадрид, където завършва училище за изкуства и занаяти. През 1906 г. се премества в Париж и влиза в кръга на най-влиятелните художници на епохата: Пикасо, Модилиани, Брак, Матис, Леже, работи и със Сергей Дягилев и неговата трупа.

5х100 см
1913 г
цена
28,642 милиона долара
продаден през 2010 година
на търга Кристи

Грис, по собствените му думи, се е занимавал с "равнинна, цветна архитектура". Неговите картини са прецизно обмислени: той не е оставил нито един случаен щрих, което прави творчеството свързано с геометрията. Художникът създава своя собствена версия на кубизма, въпреки че изпитва голямо уважение към Пабло Пикасо, основателят на движението. Наследникът дори му посвети първата си кубистична творба, Tribute to Picasso. Картината "Цигулка и китара" е призната за изключителна в творчеството на художника. Приживе Грис беше известен, предпочитан от критици и изкуствоведи. Негови творби са изложени в най-големите световни музеи и се съхраняват в частни колекции.

29

"ПортретПолетата на Елюар»

Автор

Салвадор Дали

Държава Испания
Години живот 1904–1989
стил сюрреализъм

„Сюрреализмът съм аз“, каза Дали, когато беше изключен от групата на сюрреалистите. С течение на времето той става най-известният художник сюрреалист. Творбите на Дали са навсякъде, не само в галериите. Например, той измисли опаковката за Chupa-Chups.

25х33 см
1929 г
цена
20,6 милиона долара
продаден през 2011
на търга Сотбис

През 1929 г. поетът Пол Елюар и неговата руска съпруга Гала идват на гости на големия провокатор и кавгаджия Дали. Срещата е началото на една любовна история, продължила повече от половин век. Картината "Портрет на Пол Елюар" е нарисувана точно по време на това историческо посещение. „Почувствах, че ми е поверено задължението да уловя лицето на поета, от чийто Олимп откраднах една от музите“, каза художникът. Преди да срещне Гала, той беше девствен и се отвращаваше от мисълта, че ще прави секс с жена. Любовният триъгълник съществува до смъртта на Елюар, след което се превръща в дует Дали-Гала.

30

"Годишнина"

Автор

Марк Шагал

Държава Русия, Франция
Години живот 1887–1985
стил авангард

Мойше Сегал е роден във Витебск, но през 1910 г. емигрира в Париж, сменя името си и се сближава с водещите авангардни художници на епохата. През 30-те години на миналия век, когато нацистите завземат властта, той заминава за Съединените щати с помощта на американски консул. Завръща се във Франция едва през 1948 г.

80х103 см
1923 г
цена
14,85 милиона долара
продаден през 1990г
на търг на Sotheby's

Картината "Юбилей" е призната за една от най-добрите творби на художника. Има всички характеристики на неговото творчество: физическите закони на света са заличени, усещането за приказка е запазено в пейзажа на дребнобуржоазния живот, а любовта е в центъра на сюжета. Шагал не рисува хора от природата, а само по памет или фантазия. Картината "Юбилей" изобразява самия художник със съпругата си Бела. Картината е продадена през 1990 г. и оттогава не е наддавана. Интересното е, че Нюйоркският музей за модерно изкуство MoMA пази точно същото, само че под името „Рожден ден“. Между другото, тя е написана по-рано - през 1915 г.

изготвен проект
Татяна Паласова
съставен рейтинг
според списъка www.art-spb.ru
tmn списание №13 (май-юни 2013 г.)

Въведение т.3
1. Художници и художествени сдружения от 1920 г. с.5
2. Художници и художествени сдружения от 30-те години с.11
Използвана литература с.20

Въведение

Октомври 1917 г. открива нова ера не само в социалния живот, но и в живота на изкуството. Всяка революция разрушава нещо и след това започва създаването на ново. Това, което се случва, не е просто развитие, а решително преустройство на основите на предишните социални, политически, идеологически и други структури, включително изкуството.
Революцията повдигна поне два проблема. Първият проблем е класовият характер на изкуството. Опитът да се свърже тясно с класовата борба доведе до изкривяване на нейната многофункционалност. Особено рязко опростено разбиране за класовия характер на изкуството се проявява в дейността на прословутия Пролеткулт. Елементът на борбата доведе до унищожаване на паметници на културата, причинено не само от военни действия по време на гражданската война и чуждестранна интервенция, но и от политика, насочена към смазване на буржоазната култура. Така много скулптурни паметници, произведения на древната архитектура, свързани с религиозното поклонение, бяха разрушени или унищожени.
Вторият проблем е проблемът за класовата политика в изкуството. В решаването му бяха включени всички сили: „буржоазни” и „пролетарски”, деструктивни и градивни, съветски и несъветски, „леви” и „десни”, културни и невежи, професионални и самодейни.
Принципите на общественото развитие, провъзгласени от държавата, до голяма степен определят постепенното движение на изкуството. Случи се своеобразно разслоение на силите, от чието събиране се формира вектор на реалното състояние на изкуството. От една страна, това е силата на саморазвитието на изкуството, което засяга моделите на движение на формите, съдържащи се в природата на художественото творчество; от друга страна, влиянието на социалните сили, обществените институции, заинтересовани от това, а не от друго движение в изкуството, в определени негови форми. На трето - диктата на държавната политика, която, опирайки се или не опирайки се на обществени сили, оказа безусловно въздействие върху структурата на изкуството, върху неговата същност, върху неговия еволюционен и революционен потенциал. От края на 20-те години политиката явно започва да изкривява нормалното развитие на изкуството, да оказва известен натиск върху него, като забранява или осъжда определени „непролетарски” прояви.

1. Художници и художествени сдружения от 20-те години.

20-те години на миналия век бяха бурно време за изкуството. Имаше много различни фракции. Всеки от тях изложи платформа, всеки говори със свой манифест. Изкуството, обсебено от идеята за търсене, беше разнообразно; кипеше и кипеше, опитваше се да върви в крак с епохата и да гледа в бъдещето.
Най-значимите групи, чиито декларации и творческа практика отразяват основните творчески процеси от онова време, са AHRR, OST и "4-те изкуства" (8, с. 87).
Групата AHRR (Асоциация на художниците на революционната Русия) възниква през 1922 г. (през 1928 г. е преименувана на AHRR - Асоциация на художниците на революцията). Ядрото на AHRR се формира главно от бивши членове на Асоциацията на пътуващите изложби. Декларацията на AHRR е изложена в каталога на изложбата от 1922 г.: „Нашият граждански дълг към човечеството е художественото и документално записване на най-великия момент от историята в неговия революционен импулс. Днес ще изобразим: живота на Червената армия, живота на работниците, селяните, водачите на революцията и героите на труда.
Художниците на AHRR се стремят да направят своята живопис достъпна за масовата публика от онова време. В работата си те често механично използват всекидневния писмен език на късните Странници. AHRR организира редица тематични художествени изложби, самите имена на които са: „Живот и живот на работниците” (1922), „Живот и живот на Червената армия” (1923), „Революция, живот и труд” (1924 - 1925), „Животът и животът на народите на СССР“ (1926) - те говорят за задачите за пряко отразяване на съвременната реалност.
Особеността на практиката на „ахровците“ беше, че те отидоха във фабрики и заводи, в казармите на Червената армия, за да наблюдават живота и живота на своите герои там. По време на подготовката на изложбата „Животът и битът на народите на СССР“ нейните участници посетиха най-отдалечените кътчета на съветската страна и върнаха значителен брой скици, които са в основата на техните творби. Художниците на AHRR играят важна роля в усвояването на нови теми, оказвайки влияние върху представители на различни художествени групи от онова време.
Сред художниците на AHRR се откроява работата на И. И. Бродски (1883 - 1939), който си поставя за задача точно, документално възпроизвеждане на събитията и героите на революцията. Неговите платна, посветени на дейността на В. И. Ленин, придобиват широка популярност. Раждането на живописната Лениниана се основава на картината на Бродски от 1929 г. „Речта на Ленин във фабриката Путилов“ и една от най-известните му творби „Ленин в Смолни“ (1930 г.), изобразяваща Ленин в офиса си по време на работа. Бродски много пъти е виждал Ленин и му е правил скици (12, с. 92).
Произведенията на Бродски имат важно качество - автентичност, която има голямо историческо и познавателно значение. Желанието за документален филм обаче понякога води до емпирично, натуралистично тълкуване на събитието. Художественото значение на картините на Бродски също беше намалено от сухия натурализъм и диетичния колорит, характерни за значителна част от неговите творби.
Майсторът на портретната живопис Г. Г. Ряжски (1895 - 1952) се присъединява към AHRR през 1923 г. Най-известните му творби са "Делегатът" (1927) и "Председателят" (1928), в които художникът разкрива типичните социално-психологични черти на жената от новото общество, активен участник в индустриалния и социалния живот на страната. Неговата "председателка" е активистка. В нейната поза, жест, самочувствие, разкрепостеност се разкриват като доказателство за позицията на жената в едно ново работно общество.
С. В. Малютин (1859 - 1937) играе значителна роля сред портретистите на AHRR. Създадената от него преди революцията портретна галерия е допълнена в съветско време с портрети на В. К. Бялиницки-Бирули, А. В. Луначарски и много други. Сред тях най-интересният портрет на Дмитрий Фурманов, рисуван през 1922 г., убедително разкрива образа на писател-войн, представител на новата, съветска интелигенция.
Активен участник в изложбите на AHRR беше голям руски художник от началото на 19-ти и 20-ти век. А. Е. Архипов. През 20-те години Архипов създава образи на селски жени - „Жена с кана“, „Селянка в зелена престилка“, „Селянка с розов шал в ръка“ и др. Тези картини са рисувани с широка четка, темпераментно и колоритно.
Е. М. Чепцов (1874 - 1943), който продължава скитащите традиции в областта на битовия жанр, бележи творчеството на Е. М. Чепцов с внимателно наблюдение и внимание към новите явления на живота. Широко известна е картината му "Среща на селската клетка" (1924), която изобразява селските дейци в първите години на революцията. Наблюдателността и искреността на автора, простотата на външния вид на неговите герои, неизкусността на заобикалящите го аксесоари направиха малката, скромна картина на Чепцов един от най-интересните образци на изкуството на AHRR.
Същото може да се каже и за една от творбите на пейзажиста Б. Н. Яковлев (1880 - 1972). Неговият "Транспортът се подобрява" (1923) е скромен и в същото време дълбок разказ за трудната епоха на първите години на революцията, за ежедневната работа на хората. Нарисувана спокойно и просто, тази картина е един от първите примери за индустриален пейзаж в съветската живопис.
Особено място в живописта на AHRR заема творчеството на М. Б. Греков (1882-1934), основателят на бойния жанр в съветското изкуство. В продължение на десетилетие и половина - до края на живота си - той е зает да създава поредица от картини, посветени на Първата кавалерийска армия, в чиито кампании и битки участва художникът. В творчеството му, особено в ранния период, ясно се усещат традициите на Верешчагин. Главният герой на Греков са хората, поели върху себе си всички трудности на войната. Творбите на Греков са жизнеутвърждаващи. В такива картини от средата на двадесетте години като "Тачанка" (1925) странстващата точност на образа се съчетава с романтично въодушевление. По-късно, продължавайки оригиналната живописна хроника на Първа конна армия, Греков създава епични платна, сред които се открояват картините "Към Кубан" и "Тръбачи на Първа конна армия" (и двете - 1934 г.).
Наред с AHRR, който включваше художници от по-старото и средното поколение, които по времето на революцията вече имаха голям творчески опит, активна роля в художествения живот на онези години играеше групата OST (Общество на стативовите художници ), организирана през 1925 г. Тя обединява артистичната младеж на първия съветски художествен университет - ВХУ-ТЕМАС. (3)
Художниците на OST, подобно на „Ахровци“, смятаха основната задача на сдружението за борба за възраждане и по-нататъшно развитие на стативни картини на съвременна тема или с модерно съдържание. Творческите стремежи и методи на OST артистите обаче имаха характерни различия. Те се стремят да отразят в отделни факти новите качества на съвременната им епоха по отношение на предишната епоха. Основната им тема беше индустриализацията на Русия, наскоро все още аграрна и изостанала, желанието да се покаже динамиката на връзката между съвременното производство и човека.
Един от най-талантливите представители на групата OST беше А. А. Дейнека. Най-близките декларации на OST са неговите картини: „При изграждането на нови работилници“ (1925), „Преди да слезете в мината“ (1924), „Футболисти“ (1924), „Текстилни работници“ (1926). Образният патос на Дейнека - Остовец намира изход в публицистичната графика, в която художникът се изявява като илюстратор в списания за общо четене - като "При машината", "Атеист при машината", "Прожектор", „Младост“ и др. Централната работа на Дейнека от периода на Остово стана картината „Отбраната на Петроград“, написана през 1928 г. за тематичната изложба „10 години на Червената армия“. Тази работа разкрива основния патос и смисъла на новаторските традиции на OST, най-животворните и развити в съветското изкуство от следващите периоди. Дейнека въплъщава в тази картина цялата оригиналност на своя стил, намалява изразителните средства до минимум, но ги прави много активни и ефективни (8, с. 94).
От останалите членове на OST, най-близки до Дейнека по характер на техните произведения по стил са Ю. И. Пименов, П. В. Уилямс, С. А. Лучишкин. Творбите „Тежката индустрия” на Пименов, „Хамбургското въстание” на Уилямс, „Топката отлетя” и „Обичам живота” на Лучишкин, създадени в същия период, разкриват и новаторски отразяват важните качества на съвременната реалност,
За разлика от младежката група "Остово" в нейния състав има две други творчески групи, които заемат важно място в артистичния живот на онези години - "4 изкуства" и OMX. (Общество на московските художници), - обединява майсторите от по-старото поколение, които са били творчески формирани още в предреволюционните времена, които са се отнасяли с особено уважение към проблемите на запазването на изобразителната култура и са смятали нейния език и пластична форма за много важни част от работата. Обществото за 4 изкуства възниква през 1925 г. Най-видните членове на тази група са П. В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкин, М. С. Сарьян, Н. П. Улянов, К. Н. Истомин, В. А. Фаворски.
Творбите на Петров-Водкин - като "След битката" (1923), "Момичето на прозореца" (1928), "Тревога" (1934), най-пълно изразяват етическия смисъл на различни периоди - крайъгълни камъни в развитието на съветското общество. Неговата картина „Смъртта на един комисар“ (1928), подобно на „Отбраната на Петроград“ на Дейнека, написана във връзка с изложбата „10 години Червената армия“, за разлика от специфичната публицистика - основата на образните решения на Дейнека - дава собствено философско решение на задачата: чрез факти, които обобщават представите за събития, случващи се на цялата планета Земя, чрез разкриване на етическата същност на тези събития. Комисарят е човек, който и приживе, и при смъртта си извършва подвиг в името на човечеството. Неговият образ е израз на непобедимостта на светлите идеи, които ще победят в бъдещето, независимо и въпреки смъртта на най-активните носители на тези идеи. Прощалният поглед на умиращия комисар е като прощална дума към отряд бойци преди атака - той е пълен с вяра в победата.
Философските идеи на Петров-Водкин намират адекватен пластичен израз. Изобразеното пространство като че ли се простира върху сферичната повърхност на планетата. Комбинацията от пряка и обратна перспектива убедително и рязко предава "планетарната" панорама на случващото се. Фигуративните проблеми са ясно решени в колористичната система. В своята картина художникът се придържа към принципа на трикольора, сякаш въплъщава основните цветове на земята: студен син въздух, синя вода; кафяво-червена пръст; зеленина на растителния свят.
Значителна следа в историята на съветската живопис оставиха художниците от групата OMX, организирана през 1927 г. Много от тях се сближиха в предреволюционните години в асоциацията Jack of Diamonds. Най-активни в ОМК бяха П. П. Кончаловски, И. И. Машков, А. В. Лентулов, А. В. Куприн, Р. Р. Фалк, В. В. Рождественски, А. А. Осмеркин.
В своята декларация художниците от OMHa казаха: „Ние изискваме от художника най-голяма ефективност и изразителност на формалните аспекти на неговата работа, които са неотделими от идеологическата страна на последната.“ В тази програма има афинитет към групата 4 изкуства.
Един от най-ярките представители на тази програма в съветското изкуство в първите години е П. П. Кончаловски. Той се стреми да съчетае тенденциите на "кароба" с наследството на руските художници реалисти, което значително разширява творческия му обхват и му помага по-органично да навлезе в съветското изкуство от 20-те години. Колористичната цялост с интензивността на отделните цветове отличава такива произведения на майстора като "Автопортрет със съпругата си" (1922), "Портрет на О. В. Кончаловская" (1925), "Портрет на дъщерята на Наташа" (1925). През същите години П. П. Кончаловски прави опит да създаде тематични картини, сред които най-добрите са новгородци (1921) и от панаира (1926). Художникът се интересува от традиционните образи на "руските селяни" - могъщи, дебели, живеещи заобиколени от познати предмети, според законите на старите обичаи и заедно с околната среда съставляващи нещо типично национално.

2. Художници и художествени сдружения от 30-те години.

30-те години в историята на съветското изкуство са труден период, отразяващ противоречията на самата реалност. Възприемайки значителните промени, настъпили в обществото, патоса на индустриализацията, майсторите на изкуството в същото време почти не забелязват основните социални противоречия, не изразяват социалните конфликти, свързани с укрепването на култа към личността на Сталин (1). .
На 23 април 1932 г. Централният комитет на партията приема резолюция „За преустройство на литературно-художествените организации“. Този указ премахва всички съществуващи преди това художествени групи и посочва общите пътища и форми за стабилизиране и развитие на всички творчески сили на съветското изкуство. Резолюцията отслаби конфронтацията между отделните асоциации, която стана толкова изострена в началото на 20-те и 30-те години. Но от друга страна в художествения живот се засилват обединителните тенденции. Авангардни експерименти, които се усетиха през 20-те години на миналия век, бяха прекъснати. Разгръща се борба срещу така наречения формализъм, в резултат на което много художници са принудени да изоставят предишните си завоевания.
Създаването на единен съюз съвпадна с установяването на принципа на социалистическия реализъм, формулиран от A.M. Горки на Първия всесъюзен конгрес на съветските писатели. Социалистическият реализъм приема наследството на традициите на реалистичното изкуство от 19 век. и насочва художниците към изобразяване на действителността в нейното революционно развитие. Но както показа по-нататъшната практика на съветското изкуство, терминът "социалистически реализъм" се оказа недостатъчно обемен и адекватен на сложните и многопластови тенденции на новата култура. Формалното му приложение в художествената практика често му отрежда ролята на догматична спирачка за развитието на изкуството. В условията на обществено преустройство през 80-те години терминът "социалистически реализъм" е обект на дискусия в професионалните среди на различни нива.
Много прогресивни тенденции, които се появяват през 20-те години, продължават да се развиват през 30-те години. Това се отнася например за ползотворното взаимодействие на различните национални училища.
Художници от всички републики на Съветския съюз участват в големите художествени изложби, организирани през 30-те години. В същото време в Москва се организират републикански изложби във връзка с десетилетията на националното изкуство. Въпросите на националното изкуство са от особено значение за художниците на братските републики.
През 30-те години се разширява практиката на държавните поръчки и творческите командировки на артистите. Организират се големи изложби: „15 години на Червената армия“, „20 години на Червената армия“, „20 години на Комсомола“, „Индустрията на социализма“, „Изложба на най-добрите произведения на съветската живопис“ и др. Съветските художници участват в международни изложби в Париж и Ню Йорк, изпълняват произведения за Всесъюзната селскостопанска изложба в Москва, във връзка с подготовката на която са създадени значителен брой монументални и декоративни произведения, което по същество означава важно етап от възраждането на монументалната живопис като самостоятелна форма на изкуство със свои цели и модели. В тези творби намира израз влечението на съветското изкуство към монументализма.
Един от най-значимите представители на станковата живопис от този период е художникът Борис Владимирович Йогансон (1893 - 1973), който се обръща в творчеството си към най-високите традиции на руската живопис от 19 век. Той интерпретира наследството на Суриков и Репин, внасяйки в творбите си ново революционно съдържание, съзвучно с епохата. От тази гледна точка особено важни са картините на Йогансон „Разпит на комунистите“ (1933) и „В старата фабрика на Урал“ (1937).
Картината „Разпит на комунисти” е изложена за първи път на изложбата „15 години Червена армия”. В него художникът показва комунистите, които се изправят в защита на революционното отечество, и техните противници - белогвардейците, които се опитват да удушат съветската държава по време на гражданската война. Художникът провежда своето историческо обобщение в традицията на Репин, чрез демонстриране на конкретно действие в конкретна обстановка. Ние не знаем имената на хората, изобразени тук, толкова повече исторически образът като цяло се възприема от нас като универсален. Комунистите от картината на Йогансон са обречени на смърт. Но художникът показва тяхното спокойствие, смелост, сила и издръжливост, които контрастират с безпокойството, нервността, психологическото разединение, което цари в групата на белогвардейците, безсилни не само в тази ситуация, но, така да се каже, пред лицето на историята .
В картината "В стария уралски завод", нарисувана за изложбата "Индустрията на социализма", Йогансон противопоставя образите на животновъда и работника, в които разкрива чувство за зараждащо се класово съзнание и вътрешно превъзходство над експлоататора. С тази картина художникът показва историческия конфликт между старото и новото, реакционното и прогресивното и утвърждава победоносната сила на революционното и прогресивното. Това са новите характерни черти на съветския историко-революционен жанр на примера на живописта на Йогансон.
Особено място в този период заема многостранното в образно, тематично и жанрово отношение творчество на Сергей Василиевич Герасимов. Най-забележителното произведение на историческия жанр в неговото творчество е картината "Клетвата на сибирските партизани" (1933), поразителна в своята открита изразителност, разкрита колористична изразителност, остра рисунка и динамична композиция. Работейки в ежедневния жанр, С. В. Герасимов обръща основно внимание на селската тема. За да го реши, художникът преминава през портрета, създавайки редица убедителни селски образи. По време на изграждането на колхозното село той рисува един от най-ярките портрети на Колхозния пазач (1933 г.). Сред най-значимите произведения на жанровата живопис от 30-те години на миналия век е картината "Колхозен празник" (1937), която беше изложена на изложбата "Индустрия на социализма". Академик И. Е. Грабар, най-големият съветски изкуствовед, точно и кратко характеризира тази картина: „Когато се появи прекрасното платно „Колхозен празник“, една от най-добрите картини на изложбата „Индустрията на социализма“, новото, необикновено израстване на майсторът стана явен. Едва ли някой от съветските художници, с изключение на Сергей Герасимов, би се справил с такава композиционна, светлинна и цветова задача и дори с помощта на толкова прости средства и техники. Това е най-слънчевата картина в руското изкуство по време на революцията, въпреки факта, че е изпълнена в сдържан план” (1, с. 189).
"Певецът" на съветското селячество е Аркадий Александрович Пластов (1893 - 1983), свързан с руското село по произход. Той беше силно повлиян през целия си живот от впечатленията от детството, прекарано в близък контакт с природата, със земята, със селяните, живеещи на тази земя.
След Великата октомврийска социалистическа революция Пластов, увлечен от работата в родното си село Прислонихе, посвещавайки свободното си време на рисуване, натрупва скици и впечатления за бъдещите си творби, посветени на селския живот. Една от първите значими творби на Пластов - пълна с въздух и светлина, картината "Къпане на конете" - е направена от него за изложбата "20 години Червена армия". За изложбата "Индустрията на социализма" Пластов рисува голямо платно "Колхозен празник". Друга ярка работа на Пластов от онова време е "Колхозно стадо" (1938). Всички тези картини показват някои общи черти. Пластов не мисли за жанровата сцена извън пейзажа, извън руската природа, винаги интерпретирана по лиричен начин, разкривайки нейната красота в най-простите прояви. Друга особеност на жанровите произведения на Пластов е липсата на конфликт или специален момент в избрания от художника сюжет. Понякога в неговите картини, като например в „Колхозното стадо“, изобщо няма събития, нищо не се случва. Но в същото време художникът винаги постига поетичната изразителност на картината.
През 30-те години талантът на А. А. Дейнека се развива по свой начин. Той продължава да се придържа към предишните си теми, сюжети, любими образи, цветова и композиционна система. Вярно е, че живописният му маниер се смекчава донякъде, примери за което са най-добрите произведения на 30-те години - "Майка" (1932), "Обедна почивка в Донбас" (1935), "Бъдещи пилоти" (1938). Спорт, авиация, голо тренирано тяло, лаконизъм и простота на живописния език, звучни комбинации от кафяво-оранжево и синьо в някои случаи са омекотени от лиризъм, момент на съзерцание. Дейнека също разширява тематичния обхват на творчеството си, включвайки сцени от живота на чужди страни, които се появяват в резултат на пътувания до САЩ, Франция, Германия и Италия.
Друг бивш член на OST, Ю. И. Пименов (1903-1977), създава една от най-добрите картини на 30-те години, Нова Москва (1937). Пейзажът на центъра на Москва (площад Свердлов) сякаш се вижда от бърза кола, управлявана от млада жена с гръб към зрителя. Новопостроени сгради, бързото движение на кола, светли цветове, изобилие от въздух, широтата на пространството и рамката на композицията - всичко е пропито с оптимистичен мироглед.
През 30-те години на ХХ век се разгръща пейзажното изкуство на Г. Г. Ниски (1903 - 1987), последовател на остовците, който възприема от тях лаконизъм, острота на композиционни и ритмични решения. Това са картините му "Есен" (1932) и "По пътя" (1933). В пейзажите на Ниса винаги се вижда преобразуващата дейност на човека.
От пейзажистите от по-старото поколение е интересна работата на Н. П. Кримов (1884 - 1958), който през 1937 г. създава известната картина „Сутрин в Централния парк за култура и отдих Горки в Москва“. Широк панорамен изглед към парка, далечините, които се откриват зад него, равна линия на хоризонта, която води окото на зрителя отвъд платното - всичко вдъхва свежест и простор.
А. Рилов, чието творчество се формира в началото на 20 век, в картината „Ленин в Разлив“ (1934) съчетава пейзажа с историческия жанр, постигайки усещане за простора на природата, мисълта, чувството, утвърждавайки историческия оптимизъм.
Влечението към панорамния пейзаж се проявява в творбите на много художници от различни републики. Тази гравитация беше свързана с онова изострено чувство за Родина, родна земя, което през 30-те години на миналия век се засили и израсна. Д. Н. Какабадзе (1889 - 1952) в своя "Имеретийски пейзаж" (1934) дава широко разпространение на кавказките планини, простиращи се в далечината - хребет след хребет, склон след склон. В работата на М. С. Сарян 30-те години на миналия век също са белязани от интерес към националния пейзаж, към панорамните гледки на Армения.
През този период ползотворно развитие получи и портретният жанр, в който най-ясно се разкриват художниците от по-старото поколение П. П. Кончаловски, И. Е. Грабар, М. В. Нестеров и някои други.
П. П. Кончаловски, известен с творбите си в най-разнообразните жанрове на живописта, създава цяла серия от портрети на дейци на съветската наука и изкуство през 30-те и 40-те години на миналия век. Сред най-добрите портрети на В. В. Софроницки на пиано (1932), С. С. Прокофиев (1934), В. Е. Майерхолд (1937). В тези творби Кончаловски внася отличното си умение да изразява живота чрез пластично-цветната система. Той съчетава най-добрите традиции на старото изкуство с новаторската острота на цветното виждане, жизнеутвърждаващото, мажорното емоционално силно звучене на изображението.
Истинският връх в развитието на портрета от този период са произведенията на М. В. Нестеров. През цялото си творчество, което обединява 19-ти и 20-ти век, Нестеров запазва живата връзка с живота. През 30-те години той преживява блестящ възход, преоткривайки таланта си на портретист. Образното значение в портретите на Нестеров е утвърждаването на творческия дух на времето чрез идентифициране на творческия патос на най-разнообразните хора, представляващи това време. Кръгът на героите на Нестеров е представители на съветската интелигенция от по-старото поколение, хора на творческите професии. И така, сред най-значимите творби на Нестеров са портрети на художници - братя Корин (1930), скулптор И. Д. Шадр (1934), академик И. П. Павлов (1935), хирург С. С. Юдин (1935), скулптор В. И. Мухина (1940). ). Нестеров действа като приемник на портретните традиции на В. А. Серов. Той подчертава характеристиките, подчертава жестовете, характерните пози на своите герои. Академик Павлов здраво стиска юмруци, поставени на масата, и тази поза разкрива сила на духа, която контрастира с очевидната старост. Хирургът Юдин също е изобразен в профил, седнал на масата. Но изразителността на това изображение се основава на характерния, „летящ“ жест на вдигната нагоре ръка. Разперените пръсти на Юдин са типичните пръсти на хирурга, сръчни и силни, готови да изпълнят волята му. Мухина е изобразена в момента на сътворението. Тя извайва скулптура – ​​съсредоточено, без да обръща внимание на художника, изцяло се подчинява на порива си.
Аксесоарите са дадени накратко в тези портрети. Те с право и активно се включват в характеристиките на изобразяваните хора със своя цвят, осветеност, силует. Колоритът на портретите е драматично активен, наситен със звучни, фино хармонизирани допълнителни тонове. Така сложният колорит в портрета на Павлов, изграден върху комбинация от най-фини нюанси на студени и топли тонове, характеризира духовната яснота и целостта на вътрешния свят на учения. А в портрета на братята Корин той се сгъстява до наситено синьо, черно, наситено кафяво, изразявайки драматизма на тяхното творческо състояние. Портретите на Нестеров въведоха в изкуството фундаментално ново, жизнеутвърждаващо начало, творческо изгаряне като най-типичните и ярки прояви на състоянието на хората в ерата на висок трудов ентусиазъм.
Художникът Павел Дмитриевич Корин (1892 - 1967) е най-близък до Нестеров. Възпитан е сред палехски художници, започва творческия си път с рисуване на икони, а през 1911 г. по съвет на Нестеров постъпва в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура. Изключително взискателен към себе си и хората, Корин пренася това качество през цялата си работа. Значителна роля в творческото му развитие и изобщо в живота на художника играе А. М. Горки, когото среща през 1931 г. Горки помага на Корин да пътува в чужбина, за да изучава най-добрите паметници на световното изкуство.
Може би затова портретната галерия на учени, художници, писатели на нашето време, която Корин създава от много години, започва с образа на А. М. Горки (1932 г.). По същество вече в това произведение се разкриват основните черти на портретния художник Корин. Портретът на Горки е наистина монументално произведение, където ясно дефиниран силует, контрастен фон, широко цветово запълване на големи площи от платното, остра експресивна рисунка изразяват историческото обобщение на личността на писателя. За това, както и за други портрети на Корин, е характерна тежка гама с изобилие от тъмно сиви, тъмносини, понякога достигащи черни тонове. Тази гама, както и ясно изваяната форма на главата и фигурата на портретуваното лице, изразяват емоционалните качества на природата на художника (6).
През 30-те години Корин създава портрети на актьорите Л. М. Леонидов и В. И. Качалов, художника М. В. Нестеров, писателя А. Н. Толстой и учения Н. Ф. Гамалея. Очевидно за него, както и за неговия духовен учител М. В. Нестеров, интересът към творческа личност далеч не е случаен.
Успехите на живописта през 30-те години не означават, че пътят на нейното развитие е прост и лишен от противоречия. В много произведения от онези години се появяват и стабилизират характеристиките, генерирани от култа към И. В. Сталин. Това е фалшив патос на псевдогероично, псевдоромантично, псевдооптимистично отношение към живота, което определя същността и значението на "церемониалното" изкуство. Възникна съревнование между художниците в борбата за безпогрешни "суперсюжети", свързани с образа на И. В. Сталин, успехите на индустриализацията, успехите на селячеството и колективизацията. Появиха се редица творци, които се „специализират“ в темата. Най-тенденциозен в това отношение беше Александър Герасимов („Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремъл“ и други негови произведения).

Библиография

1. Верешчагин А. Художник. време. История. Очерци по историята на руската историческа живопис XVIII - нач. XX век - Л .: Изкуство, 1973.
2. Живопис 20 - 30-те години / Изд. В.С.манин. - Санкт Петербург: Художник на RSFSR, 1991.
3. Зезина М. Р., Кошман Л. В., Шулгин В. С. История на руската култура. - М.: Висше. училище, 1990г.
4. Лебедев П.И. Съветското изкуство по време на чуждестранна интервенция и гражданска война. - М., 1987.
5. Лихачов Д. С. Руското изкуство от античността до авангарда. - М.: Изкуство, 1992.
6. Илина Т. В. История на изкуствата. Домашно изкуство. - М.: Висше. училище, 1994г.
7. История на изкуството на народите на СССР. В 9 тома - М., 1971 - 1984.
8. История на руското и съветското изкуство / Изд. М. М. Аленова. - М .: Висше училище, 1987.
9. Поликарпов В.М. Културология. – М.: Гардарика, 1997.
10. Розин В.М. Въведение в културологията. – М.: Форум, 1997.
11. Степанян Н. Изкуството на Русия от XX век. Поглед от 90-те. - Москва: EKSMO-PRESS, 1999.
12. Суздалев П.К. История на съветската живопис. - М., 1973.

© Поставяне на материал на други електронни ресурси само придружен от активна връзка

Изпитни работи в Магнитогорск, тестови работи за закупуване, курсови работи по право, курсови работи по право, курсови работи в RANEPA, курсови работи по право в RANEPA, дипломни работи по право в Магнитогорск, дипломи по право в MIEP, дипломи и курсови работи в VSU, тестове в SGA, магистърски тези по право в Chelga.

Днес галерия "Нашите художници" открива изложбата "В памет на колекционера Александър Заволокин". Представени са около 120 графични произведения от 20-те и 30-те години на ХХ век

Днес, 30 май, в галерия "Нашите художници" (вилно селище Борки, 36, 19-ти км от магистрала Рубльово-Успенско) се открива изложба "В памет на колекционера Александър Заволокин".

Александър Заволокин беше известен на всички, които в началото на 2000-те по някакъв начин бяха свързани с художествения процес, всички, които участваха в организирането на изложби, куратори, собственици на галерии, музейни работници, художници и изкуствоведи. Александър Заволокин работи няколко години в Министерството на културата на Руската федерация като заместник-началник на отдела за съвременно изкуство на Федералната агенция за култура и кинематография на Руската федерация. Благодарение на неговата енергия в Москва се проведе Биеналето за съвременно изкуство, той инвестира много години от живота и работата си в работата на руския павилион на Венецианското биенале.

Любовта и службата към изкуството не можеха да заобиколят личния му живот. Дори онези, които знаеха за колекционерската дейност на Александър Заволокин, а сред широк кръг от негови познати не бяха много от тях, нямаха малка представа за истинския мащаб на неговото хоби. Сега, две години след внезапната смърт на А. Заволокин, галерия „Нашите художници“ представя на публиката около 120 графични произведения от колекцията на Александра и Александър Заволокин. Идеята на изложбата е да покаже почерка на колекционера, неговия вкус и усет към епохата. Експозицията се състоеше от рисунки, скици на декори и костюми, екслибриси и книжни илюстрации, предимно от 20-те и 30-те години на ХХ век от Лев Бруни, Василий Ватагин, Александър Ведерников, Вера Ермолаева, Владимир Конашевич, Николай Купреянов, Борис Кустодиев, Александър Лабас, Владимир Лебедев , Дмитрий Митрохин, Алексей Пахомов, Александра Платунова, Вера Пестел, Иван Пуни, Сергей Романович, Михаил Соколов, Павел Соколов-Скал, Антонина Софронова, Вера Фаворская, Артур Фонвизин, Александър Шевченко, Василий Шухаев и други артисти.

„Срещата с всяка истинска колекция винаги носи радостта и изненадата от откритието, първо художествено, а след това и човешко. Докато подбирахме творби за изложбата, бяхме зашеметени от мащаба на графичната колекция на Заволокините. По същество пълното публикуване на произведенията може да служи като добър справочник по история на руската и съветската графика. От голямата колекция на Александра и Александър Заволокини отделихме част, ограничена до 1900-30-те години, като най-интересна и трудна за събиране... Истински колекционер, избиращ от света около себе си това, което му се струва ценно и истинско , създава го по линия, по щрих, в образа, а изложбата от колекцията му формира в съзнанието на зрителя неговия начин на художествено разбиране на света”, каза Наталия Курникова, арт директор на галерия „Нашите художници. “, куратор на изложбата.

За откриването на изложбата е подготвен каталог, който съдържа есета-спомени за Александър Заволокин от неговите колеги и приятели Михаил Швыдкой, Александра Голицына, Леонид Тишков, Зоя Кирноза, Стефан Кутюрие и др.

Те изобщо не са дело на професионални фотографи, които някой може да се опита да обвини в едностранчивост. Това са снимки от лични албуми - истинският живот, който са живели обикновените средностатистически съветски хора през 20-те - 50-те години.
Разбира се, те не могат да се сравняват с нивото на работа на професионалните фоторепортери, повечето от тях са направени от аматьори. Но те отразяват живота такъв, какъвто са го виждали, тези хора и частично са успели да го запазят в семейни снимки ...
Много неща остават зад кулисите. Например образователни програми, в които 80% от неграмотното население на страната са били научени да четат и пишат - откъде селяните от онези години са взели фотоапарати? Но не е това. Вижте какво заобикаля съветските хора от онези години, дрехите, лицата, които отразяват тяхното време. Понякога те ще говорят за времето си по-добре от всички историци, пропагандисти и анализатори.

Деца от средата на 20-те години
Учебници - за първи път в живота ми. Образованието за всички за първи път в света беше дадено от съветската власт.


1926 Череповец. Честване на 1 май
Бездомни деца до подиума - последствията от Гражданската война. Бездомността ще бъде премахната едва в началото на 30-те години.


1928 г Красноярски край. Конгрес на партийните работници.
Вижте как са облечени партийните работници - точно като обикновения човек в онези години.
През 20-те години не всеки е имал костюм. А партийните работници имаха 2 туники или дори една в обичайния си гардероб.


Семеен празник, 20-30-те години

Снимка на жена. 1930 Москва


Група хора 1930 г. Неизвестно местоположение


Селски съвет 30-те години. Павло-Посадски район, Московска област


Автомобил на дърва (!) Пробег на автомобила 1931г
Дизайнери ентусиасти от 30-те години. По това време не беше много добре с петрола в СССР - почти всички проучени запаси бяха съсредоточени в Кавказ. Нефтените полета на Татария и Сибир са открити едва през 40-те и 50-те години на миналия век, когато е създадена база за геоложки проучвания. Преди това на страната страшно липсваха геолози, оборудване, инженери, транспорт... нямаше практически нищо. Всичко това е създадено през 30-те години.


1931 Най-добрият екип при изграждането на Кузнецкия завод за желязо и стомана, Новокузнецк.
Полагат се основите на тежката промишленост.
Вижте лицата на тези хора. Те, без да щадят себе си, построиха фабрики и градове за своите потомци, за нас. След 10 години те ще защитават това, което са направили в най-страшната война в човешката история, умирайки, за да живеем ние. И позволихме всичко това да бъде откраднато и унищожено. Можем ли да ги погледнем в очите?


Семейство. Ленинград 1930-31
Интелигенцията и специалистите в онези години печелеха много добри пари.


Почивай на водата. Кировска област 1932 - 1936 г


18 апр. 1934 г. „Работническа бригада”. Неверовско-Слободска селскостопанска артел "Заветът на Ленин" С.Неверово-Слобода Вер.Ландех. Шуйски район. околна среда
Селскостопански работници в отдалечена сибирска провинция. Артелът е неправителствена организация и кооперация от обединени предприемачи, които сами са сключили споразумения с държавата и други кооперации, плащат данъци и др.
Кооперативното движение е изключително развито в Сталинския СССР. Освен колективните стопанства, които са били кооперативни организации, тогава е имало над 114 000 промишлени цеха, в които са били заети около 2 милиона души. Те произвеждат почти 6% от брутната промишлена продукция на СССР в неговия състав: 40% от всички мебели на страната, 70% от всички метални прибори, 35% от трикотажни изделия, почти 100% от играчки.
В кооперативните селски артели работниците (както колективни фермери, така и индивидуални фермери) обикновено са били наети на непълно работно време. Те включват през 30-те години до 30 милиона души.
Кооперативното движение в СССР беше унищожено от Хрушчов едновременно с разгръщането на антисталинската истерия.

1934 г. Къмпингуване по Грузинската военна магистрала
Можете ли да си представите работник в царска Русия, който е ходил на поход за сметка на държавата? Както каза Г. Уелс, това е единствената страна в света, където се свири класическа музика на работниците.

"След къпане" Средата на 30-те.
„Наплашени съветски хора. » © Вижте дали има страх по тези лица? на някоя от снимките. Отворени, оптимистични и светли лица.


Колхозници. Кировска област между 1932 и 1936 г
Обикновените съветски колхозници в сенокосите.


Коломенска област. Средата на 30-те.


1935 г., Орловска област, къща за почивка Богдановски.
Цялата страна се занимаваше със спорт. Това са обикновени съветски момичета, а не отбор по гимнастика. Опитайте се да повторите това, което правят.

Ученици на педагогически техникум, 1935 г., Кировска област
Униформата е издадена на учениците от съветската държава. Това е държава, която преди няколко години ходеше с лапти и не можеше да чете и пише.


Млади мъже от 30-те години, област Киров.
Значки - преминали стандартите TRP (Готов за труд и отбрана) и GTSO (същите, но санитарни). В онези години беше абсолютно необходимо едно уважаващо себе си момче да получи такава значка. Човек беше оценен по лични качества, а не по портфейла и връзките на родителите. Тези, които използваха връзки, бяха презирани.
Такива хора след няколко години ще спечелят войната, ще изградят световна сила почти от нулата, ще изстрелят човек в космоса.
Обърнете внимание на събраните, волеви, възрастни лица на тези момчета - те са на около 16 години. И ги сравнете със сегашните.


Играта "Пионерска пейка". Пионерски лагер 1937 г
Почти безплатно всяко дете можеше да отиде в пионерски лагер за цялото лято, където се отглеждаше, обучаваше и обучаваше. В западните страни това все още е немислимо. И това е нещо обичайно от 30-те години на миналия век.


Моторна шейна на леда на Волга близо до Канавдински мост. Средата на 30-те.
Високите технологии от онези години. Те изиграха важна роля в развитието на авиационните технологии и бяха широко използвани в развитието на Северната, Финландската и Световната война.

Вера Волошина, 1 октомври 1941 г. Два месеца по-късно, на 29 ноември, това изключително красиво момиче ще умре.
Осемметрова скулптура Момиче с гребло от забележителния скулптор Иван Шадр (Иванов), моделът е прекрасната съветска спортистка Вера Волошина, изчезнала през ноември 1941 г. по време на саботажна операция зад вражеските линии.
Месец преди смъртта й скулптурата е разрушена от немска бомба. Едва четвърт век по-късно стават известни подробностите около нейната смърт - тя е тежко ранена, когато се връща от мисия, пленена е от германците и след дълги мъчения е обесена в гората. Това се случи на 10 км от мястото на смъртта на Зоя Космодемянская в същия ден. Вера Волошина, която постигна същия подвиг, беше комсомолският организатор на групата за разузнаване и саботаж, която включваше Зоя.
Вера също беше отличен парашутист и скулпторът полушеговито каза, че специално я е поставил да гледа парашутната кула.


Студенти по геология 1937г


За какво става въпрос на снимката става ясно от надписа най-отгоре. Обърнете внимание - почти всички млади мъже имат значки на TRP. Да си дистрофичен комсомолец беше просто диво. Комсомолците и комунистите можеха да имат лично оръжие.


Обикновено московско семейство 1939-1940


1939 г Хакасия. Село
Велосипедът в страната на Съветите стана нещо обичайно - почти всеки можеше да си го позволи и децата му. На Запад например не всеки можеше да си позволи велосипед в онези години. Започва и се изпълнява с изключителен успех петгодишният план за стоките за широко потребление. Стандартът на живот на съветския народ нараства бързо от 1939 г. ... до 22 юни 1941 г.

1942 г., след два месеца ще загине в боевете край Вязма.

На развалините на родната къща 1942 г. Московска област.


Клетва. 1944 г


1947 г Селско училище в Вологодска област.
На снимките от първите години след войната, дори по лицата на децата, се виждат следи от тежък стрес и тежък живот. Следите от войната се забелязват върху човешките лица дори в началото на 50-те години, а след това постепенно изчезват и лицата на 10-годишните деца престават да бъдат недетски възрастни.
Почти всички са загубили или ранили тежко някой от близките си хора, ако не от семейството, то от приятели, техните семейства, съученици. Много от майките им бяха вдовици.


Селски момчета 1947


4 "А" клас, края на октомври 1948 г., село близо до Смоленск.


"Троица", 1949 г. Кировска област
През последните 20 години "всеки знае", че религиозните обреди са били строго забранени в СССР, а терорът е особено свиреп по времето на Сталин. Както ни уверяват: поставете кръст на гроба, облечете коледно дърво - и марш в колона до Колима. И беше така.


Випуск 1950 г. Едно от московските училища.


„Отдих на открито” – края на 40-те – началото на 50-те години


На гишето в институцията. 1949 г., Кировска област


Празник на Октомврийската революция. Началото на 50-те години


Издание на местния вестник. Слушай новините. Владимирска област, нач 50-те години


Жителите на Каунас 1950 г


Студент, 50-те години.

Млад мъж. Уфа, 1953 г.


Село Бойс, с. Чупахино, Орловска област 1953 г
Някак казаха по телевизията, че „ципът“ се появява в СССР едва през 60-те години, толкова изоставаше от „цивилизованите страни“ в потребителските стоки. Това означаваше „защо ни трябва пространство, ако не можем да направим светкавици“. Очевидно човекът от лявата страна на снимката е одрал кожата на мъртвия американец.


1954 г. Готов за работа и отбрана. Преминаване на GTO стандартите.

"Надя" - средата на 50-те, Москва
Лицата им вече не отразяват войната, те стават безгрижни и палави. Деца, които се опитаха да се „угоят“ по-добре през 50-те години след гладните военни години.

Рига-50-те.

В тире на дружество Динамо 1955г


В нов апартамент. Персонален работник на завод "Червен октомври" Шубин А.И. Москва, Тушино, 1956 г


Момчета, Коломна, 1958 г.


Кисловодск. Церемонията по отпиването на минерална вода. 1957 г Автор - Джавад Багиров


Киевски апартамент 1957 г

Баку, Walk Tired. 1959 г. Автор - Джавад Багиров


Апарат за продажба на парфюми и одеколон. 50-те години
От 50-те години на миналия век беше възможно да се „надуете“ с парфюм или одеколон в големите магазини. Струваше 15 копейки, преди "реформата на Хрушчов".

Иванова Анна, ученичка от 9 клас, СОУ No380

Тази работа съдържа описание на периода, основните тенденции и посоки на съветската живопис през 20-30-те години на ХХ век.

Изтегли:

Преглед:

https://accounts.google.com

Надписи на слайдове:

През 20-те години се появяват сдруженията "Битие" и "НОЖ" (Ново дружество на художниците). Художниците използват техниките на примитивизма, като предпочитат пейзажите и натюрмортите. Появява се Обществото на четирите изкуства (1924-1931), което включва освен художници (П. Кузнецов, А. Кравченко, Сорин и др.) И скулптори (Мухина, Матвеев), архитекти (Жолтовски, Шчусев, Шчуко и др.). ). Четирите изкуства бяха категорично против авангардизма. „Маковец” (1921-1926) е не само сдружение, но и списание под същото име. В асоциацията влизат Л. Жегин, Н. Чернишев, В. Фаворски, А. Фонвизин, А. Шевченко, С. Герасимов.

От името на руския авангард се изказват „утвърдителите на новото изкуство” – УНОВИС (1919–1920), които първо се установяват във Витебск (Малевич, Шагал, Лисицки, Лепорская, Стерлигов и др.), а след това се разпространяват в други градове. През 1923 г. в Петроград е създаден ГИНХУК (Държавен институт за художествена култура). INKhUK съществува в Москва от 1920 г. Първоначално Кандински беше негов председател, последван от Родченко, след това Осип Брик. Членовете на УНОВИС и ИНХУК бяха рязко агресивни към традиционното изкуство от миналото и проповядваха „комунистическо колективно творчество“.

Преглед:

За да използвате визуализацията на презентации, създайте акаунт в Google (акаунт) и влезте: https://accounts.google.com

Надписи на слайдове:

Лазар Лисицки, „Те летят към Земята отдалече“ Анна Лепорская, „Селянка в полето“ Казимир Малевич, „Селянин“

Разнообразни и противоречиви явления на руската култура в началото на 20 век: символизъм, кубизъм, конструктивизъм, районизъм, супрематизъм, футуризъм, кубофутуризъм.

Символистите се опитаха да изразят духовен опит, емоционални преживявания във визуални образи. Предполагаше се, че символизмът „облече идеята във формата на чувство“. Врубел, "Демон" Борисов-Мусатов, "Майски цветя"

Кубизмът е модернистично течение във визуалните изкуства (главно в живописта), възникнало през 1-вата четвърт на 20 век. Появата на кубизма се приписва на 1907 г. Лентулов, "Пейзаж с жълта порта" Шагал, "Аз и селото"

Конструктивизмът е стил в живописта, създаден за първи път в Русия през 1913 г., когато руският скулптор Владимир Татлин, по време на пътуването си до Париж, видя работата на Брак и Пикасо. Когато Татлин се завръща в Русия, той започва да създава подобни произведения. Те станаха началото на конструктивизма, който имаше специален облик на фона на тогавашното изкуство. Александър Радченко Любов Попова

Районизмът е направление в руската авангардна живопис, едно от най-ранните направления в абстрактното изкуство. Основава се на изместването на светлинните спектри и пропускането на светлина. Смятало се, че човек възприема не самия обект, а „сумата от лъчите, идващи от източника на светлина, отразени от обекта и уловени в нашето зрително поле“. Лъчите върху платното се предават с помощта на цветни линии Михаил Ларионов, "Стъкло" Романович, "Лилии в езерото"

Футуристите издигнаха един вид прототип на бъдещето чрез разрушаването на културните стереотипи. Те бяха като революционери в изкуството, тъй като целта беше общо обновяване на идеологията и етичния мироглед на всички предшественици. Гончарова, "Стълбове от сол" Екстер, "Вино"

Реализмът в първите години на революцията има различен "цвят" в творчеството на различни художници: символичен - при Кустодиев, Юон, Коненков, пропаганден - при Чехонин, романтичен - при Рилов. Коненков Чехонин

Преглед:

За да използвате визуализацията на презентации, създайте акаунт в Google (акаунт) и влезте: https://accounts.google.com

Надписи на слайдове:

Съветската живопис от 20-30-те години на ХХ век. Завършено от ученичка от 9а клас на СОУ № 380 Иванова Анна

Рилов, "В синята шир"

Те бяха отпечатани в големи тиражи на различни национални езици и затова проникнаха в най-отдалечените кътчета на страната. И така, първият плакат на издателството на Всеруския централен изпълнителен комитет „Царят, папата и юмрукът“ (1918) е публикуван веднага на 10 езика. Лаконизмът на линията, силуета, цвета, надписа, примитивизмът на езика допринесе за бързата разбираемост на изобразеното на плаката, неговата остра пропагандна ориентация. Плакатът беше достъпен за неграмотни и напълно неграмотни, призовавайки за борба с врага в разбираема за всички форма.

Така живописта през 20-30-те години в Съветския съюз започна да се контролира от властите, но имаше и общества, в които художниците внасяха нови идеи, идеи в живота, опитваха се да предадат на всички своята визия за случващото се в страната и Светът.