ตัวอย่างผลงานโพลีโฟนี งานโพลีโฟนิค

พัฒนาการทางดนตรีของเด็กเกี่ยวข้องกับการพัฒนาความสามารถในการได้ยินและการรับรู้ทั้งองค์ประกอบส่วนบุคคลของโครงสร้างเปียโน เช่น ขอบฟ้าและองค์ประกอบเดียว - แนวตั้ง ในความหมายนี้ใหญ่ คุณค่าทางการศึกษาที่ให้ไว้ เพลงโพลีโฟนิก. นักเรียนจะคุ้นเคยกับองค์ประกอบของพหุเสียงย่อย ตรงกันข้าม และเลียนแบบที่มีอยู่แล้วในชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 ดนตรีโพลีโฟนิกที่หลากหลายเหล่านี้ในละครเกรด 3-4 ไม่ได้ปรากฏอยู่ในนั้นเสมอไป รูปแบบอิสระ. เรามักพบในวรรณกรรมสำหรับเด็กการผสมผสานระหว่างการเปล่งเสียงที่ตัดกันกับการเปล่งเสียงย่อยหรือการเปล่งเสียงเลียนแบบ
อดไม่ได้ที่จะพูดถึงข้อผิดพลาดที่แก้ไขไม่ได้ของครูเหล่านั้นที่ใช้ดนตรีโพลีโฟนิกในการให้ความรู้แก่นักเรียนในขณะที่ปฏิบัติตามข้อกำหนดอย่างเป็นทางการของโปรแกรมซึ่งเป็นประโยชน์เฉพาะในการแสดงให้เขาเห็นเท่านั้น บ่อยครั้งที่งานเหล่านี้เป็นผลงานที่นักเรียนสามารถแสดงให้เห็นถึงความสำเร็จในการแสดงของเขาได้ไม่มากนักในรูปแบบโพลีโฟนี แต่ในรูปแบบโพลีโฟนิกที่เคลื่อนไหวได้ (เช่น พรีลูดใน C minor และ F major จากสมุดบันทึกเล่มแรกของ "Little Preludes and Fugues" โดย J. S. Bach) หากพิจารณาว่ามีการศึกษางานโพลีโฟนิกเพียงสองหรือสามงานตลอดทั้งปีจะเห็นได้ชัดว่าการเลือกด้านเดียวของพวกเขาจำกัดพัฒนาการของเด็กมากน้อยเพียงใด
บทบาทพิเศษเป็นของการศึกษา polyphony ของ cantilena ใน หลักสูตรของโรงเรียนรวมถึงการเรียบเรียงโพลีโฟนิกสำหรับเปียโนเพลงโคลงสั้น ๆ พื้นบ้าน ผลงาน Cantilena ง่าย ๆ ของ Bach และนักแต่งเพลงชาวโซเวียต (N. Myaskovsky, S. Maikapar, Yu. (Durovsky) พวกเขามีส่วนช่วยให้นักเรียนฟังการแสดงเสียงได้ดีขึ้นและทำให้เกิดปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่รุนแรง เพลง.
ให้เราวิเคราะห์แต่ละตัวอย่างของการจัดเรียงโพลีโฟนิกของนิทานพื้นบ้านดนตรีรัสเซียโดยสังเกตความสำคัญในการศึกษาดนตรีและเปียโนของเด็ก
ยกตัวอย่างบทละครต่อไปนี้: "Podblyudnaya" โดย A. Lyadov, "Kuma" โดย A. Alexandrov, "You Garden" โดย V. Slonim ทั้งหมดเขียนในรูปแบบบทกวีที่หลากหลาย เมื่อทำซ้ำเพลง “มากเกินไป” ด้วยเสียงสะท้อน คอร์ด “ร้องประสานเสียง” ดนตรีพื้นบ้านที่ดึงออกมา การถ่ายโอนที่มีสีสันไปยังรีจิสเตอร์ต่างๆ เมื่อทำงานชิ้นเหล่านี้ นักเรียนจะได้รับทักษะในการเล่นแคนทิเลนาโพลีโฟนิก การเรียนรู้เสียงสองเสียงเป็นตอนๆ ในส่วนของมือที่แยกจากกัน จังหวะที่เปล่งออกมาที่ตัดกัน การได้ยินและความรู้สึกของการพัฒนาแบบองค์รวมของทั้งรูปแบบ
เราพบการผสมผสานระหว่างเนื้อเยื่อย่อยกับการเลียนแบบในเพลงพื้นบ้านของยูเครนที่เรียบเรียงสำหรับเปียโนโดย I. Berkovich ซึ่งเรียบเรียงโดย N. Lysenko, N. Leontovich บทละคร "Ta mute prshshkomu", "Oy za za gori kam'yano", "Plive choven", "Lantsinonka สนิม" ได้รับการยอมรับในละครของโรงเรียน โครงสร้างบทกวีได้รับการเสริมคุณค่าที่นี่ไม่เพียงด้วยการเลียนแบบเท่านั้น แต่ยังมีความหนาแน่นมากขึ้นอีกด้วย เนื้อคอร์ด-คอรัส
นักเรียนสัมผัสกับเสียงที่ตัดกันซึ่งส่วนใหญ่ศึกษางานโพลีโฟนิกของ J. S. Bach ก่อนอื่น นี่เป็นผลงานจาก “The Notebook of Anna Magdalena Bach” ดังนั้น ในเสียงสองเสียง “Minuet” ใน C Minor และ “Aria” ใน G minor เด็กจะได้ยินเสียงนำได้อย่างง่ายดาย เนื่องจากเสียงด้านบนที่นำมีความยืดหยุ่นและไพเราะตามสัญชาติ ในขณะที่เสียงต่ำอยู่ไกลอย่างเห็นได้ชัด จากนั้นในแง่การลงทะเบียนและมีความเป็นอิสระมากขึ้นในรูปแบบทำนองและจังหวะ ความชัดเจนของการถูกจองจำทางวากยสัมพันธ์ วลีสั้น ๆช่วยให้รู้สึกถึงลมหายใจอันไพเราะในแต่ละเสียง
ขั้นตอนใหม่ในการเรียนรู้โพลีโฟนีอย่างเชี่ยวชาญคือความคุ้นเคยกับโครงสร้างของการเคลื่อนไหวที่ต่อเนื่องและเหมือนกันในเมตริกของลักษณะเสียงของเสียงของ Bach ตัวอย่างจะเป็น "Little Prelude" ในภาษา C minor จากสมุดบันทึกอื่น ประสิทธิภาพที่แสดงออกการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องของโถที่แปดในเสียงบนช่วยเผยให้เห็นลักษณะน้ำเสียงของเลือดและความรู้สึกของการหายใจอันไพเราะภายในโครงสร้างที่ยาว โครงสร้างของทำนองเพลงที่นำเสนอในรูปแบบฮาร์โมนิคเป็นหลัก

รูปร่างและช่วงที่ขาดหายไป ทำให้เกิดเงื่อนไขตามธรรมชาติสำหรับน้ำเสียงที่แสดงออกของเธอ ควรฟังดูไพเราะมากโดยมีโทนเสียงที่เพิ่มขึ้นเป็นเฉดสีสดใส (เช่น ในแถบ 3, 6, 8, 18) ใน “ความลื่นไหล” อย่างต่อเนื่องของเสียงบน นักเรียนควรรู้สึกถึงการหายใจภายใน ราวกับว่ามีเสียงซีซูราที่ซ่อนอยู่ ซึ่งจะถูกเปิดเผยโดยการฟังการแบ่งถ้อยคำออกเป็นกลุ่มแถบต่างๆ อย่างระมัดระวัง ตัวอย่างเช่นที่จุดเริ่มต้นของโหมโรงการแบ่งดังกล่าวจะดำเนินการในกลุ่มสองแถบในแถบ 9-12 - ในกลุ่มแถบเดียวและจากนั้นด้วยน้ำเสียงที่เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ - ในลมหายใจที่กว้างของที่สมบูรณ์ แปดบาร์ (บาร์ 13-20) ความรู้สึกภายในของการแบ่งวากยสัมพันธ์ดังกล่าวช่วยในการรวมการเคลื่อนไหวของเปียโนแบบพลาสติกเข้าด้วยกันภายใน "โซ่" ของเสียงและป้องกันความตึงและความตึงของกล้ามเนื้อ ในตัวอย่างที่พิจารณา ความแตกต่างอันไพเราะของเสียงมักจะรวมกับเสียงเบสที่เป็นของอย่างใดอย่างหนึ่ง ฟังก์ชั่นฮาร์มอนิก.
ขั้นตอนต่อไปในการศึกษาพฤกษ์เลียนแบบคือการทำความคุ้นเคยกับสิ่งประดิษฐ์ fuguettes และ fugues ขนาดเล็ก ตรงกันข้ามกับเสียงสองเสียงที่ตัดกัน แต่ละบรรทัดโพลีโฟนิกทั้งสองนี้มักจะมีจินตภาพน้ำเสียงที่ไพเราะคงที่
แม้ว่าจะทำงานกับตัวอย่างที่เบาที่สุดของดนตรีประเภทดังกล่าว การวิเคราะห์ทางการได้ยินก็มีจุดมุ่งหมายเพื่อเปิดเผยทั้งแง่มุมเชิงโครงสร้างและเชิงแสดงออกของเนื้อหาเฉพาะเรื่อง หลังจากที่ครูทำงานแล้วจำเป็นต้องดำเนินการวิเคราะห์วัสดุโพลีโฟนิกอย่างอุตสาหะ เมื่อแบ่งการเล่นออกเป็นส่วนใหญ่ (โดยส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับโครงสร้างสามส่วน) เราควรเริ่มอธิบายสาระสำคัญทางดนตรี ความหมาย และวากยสัมพันธ์ของแก่นเรื่องและการโต้แย้งในแต่ละส่วน ตลอดจนการสลับฉาก ขั้นแรก นักเรียนจะต้องกำหนดตำแหน่งของหัวข้อและรู้สึกถึงลักษณะของหัวข้อนั้น จากนั้นงานของเขาคือการเปล่งเสียงสูงต่ำอย่างชัดแจ้งโดยใช้วิธีการระบายสีแบบข้อต่อและไดนามิกตามจังหวะพื้นฐานที่พบ เช่นเดียวกับการบวกโต้กลับหากมีลักษณะคงอยู่
ดังที่ทราบกันดีอยู่แล้วใน fuguettas ขนาดเล็กธีมจะปรากฏเป็นครั้งแรกในการนำเสนอแบบโมโนโฟนิกอิสระ สิ่งสำคัญคือต้องพัฒนาการปรับการได้ยินภายในให้เข้ากับจังหวะหลักในนักเรียนซึ่งเขาควรรู้สึกตั้งแต่เสียงแรก ในกรณีนี้ ควรดำเนินการจากความรู้สึกถึงโครงสร้างตัวละครและแนวเพลงของงานทั้งหมด ตัวอย่างเช่นใน "Fugetta" ใน A minor โดย S. Pavlyuchenko "andante" ของผู้แต่งไม่ควรเชื่อมโยงกับจังหวะช้าๆ มากนัก แต่เชื่อมโยงกับความลื่นไหลของจังหวะที่จุดเริ่มต้นของธีม ใน "การประดิษฐ์" ใน C major โดย Yu. Shchurovsky "allegro" ไม่ได้หมายถึงความเร็วมากเท่ากับความมีชีวิตชีวาของภาพการเต้นรำตามจังหวะพร้อมสำเนียงที่เร้าใจเป็นลักษณะเฉพาะ
ในการเปิดเผยการแสดงจินตภาพน้ำเสียงของธีมและการโต้แย้ง บทบาทชี้ขาดเป็นของข้อต่อ เป็นที่ทราบกันดีว่าจังหวะที่เปล่งออกมาอย่างประณีตช่วยเผยให้เห็นถึงความสมบูรณ์ของการแสดงเสียงในผลงานของบาคได้อย่างไร ครูที่กำลังศึกษาสิ่งประดิษฐ์ของ Bach ในห้องเรียนอาจพบว่างานเขียนของ Busoni มีประโยชน์มากมาย ลันด์โชฟ.
รูปแบบทั่วไปของข้อต่อเบื้องต้นแบบใดที่เราสามารถพูดถึงได้ ที่เวทีนี้การฝึกอบรม?
ในโหมโรงเล็ก ๆ สองเสียง fuguettes สิ่งประดิษฐ์ลักษณะที่แสดงออกของจังหวะควรได้รับการพิจารณาในแนวนอน (เช่นในแนวไพเราะ) และแนวตั้ง (เช่นด้วยการเคลื่อนไหวของเสียงจำนวนหนึ่งพร้อมกัน) ลักษณะส่วนใหญ่ในการประกบของแนวนอนอาจเป็นดังนี้: ช่วงเวลาที่เล็กกว่ามีแนวโน้มที่จะรวมเข้าด้วยกัน, ช่วงที่ใหญ่กว่า - เพื่อการแยก; ตัวชี้วัดที่เคลื่อนไหว (เช่น โน้ตที่สิบหกและแปด) ก็มีแนวโน้มที่จะรวมเข้าด้วยกัน และตัววัดที่สงบกว่า (เช่น ไตรมาส ครึ่ง โน้ตทั้งหมด) มีแนวโน้มที่จะแยกส่วน การใช้ตัวอย่างของ "Hunting Roll Call" โดย N. Myaskovsky เราสามารถแสดงให้เห็นว่าพบจังหวะข้อต่อที่สอดคล้องกันสำหรับหัวข้อที่มีหลักการที่เป็นรูปเป็นร่างสองประการได้อย่างไร การเริ่มต้นของท่วงทำนองประโคมที่มีจังหวะถ่วงน้ำหนักเป็นจังหวะจะดำเนินการในเพลงป๊อปเลกาโตระดับลึกโดยเน้นที่แต่ละเสียงทั้งสี่เสียง โน้ตที่แปดของทริปเปิลต์ของส่วนสุดท้ายของธีมที่เคลื่อนไหวได้ถูกสร้างขึ้นใหม่โดยใช้เทคนิคเลกาโตแบบนิ้วเบา
ในทำนองเดียวกันใน "การประดิษฐ์" ที่กล่าวมาข้างต้นโดย Yu. Shchurovsky โน้ตที่สิบหกทั้งหมดซึ่งกำหนดไว้ในลักษณะความก้าวหน้าที่ราบรื่นและมักจะมีลักษณะคล้ายสเกลนั้นถูกแสดงแบบเลกาโตหรือเสมือนเลกาโต เสียงที่ยาวกว่าด้วย "ขั้นตอน" ช่วงเวลาที่กว้างจะถูกแบ่งออกเป็นลีกสั้น ๆ เสียง staccato หรือ tenuto
ในการเปล่งเสียงแนวตั้งของผ้าสองเสียง โดยปกติแล้วแต่ละเสียงจะถูกแรเงาด้วยลายเส้นที่แตกต่างกัน A. B. Goldenweiser ในผลงานประดิษฐ์สองเสียงของ Bach แนะนำให้แสดงโน้ตที่สิบหกทั้งหมดในเสียงเดียวอย่างสอดคล้องกัน (legato) ในขณะที่การเปรียบเทียบโน้ตที่แปดกับอีกเสียงหนึ่งควรทำแยกกัน (pop legato, staccato)
การใช้จังหวะที่แตกต่างกันเพื่อ "ระบายสี" ธีมและการตอบโต้สามารถพบได้ในสิ่งประดิษฐ์สองเสียงของ Busoni ฉบับของ Bach (ดูการประดิษฐ์ใน E major)
คุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะอย่างหนึ่งของธีมของ Bach คือโครงสร้าง iambic ที่โดดเด่น บ่อยครั้งที่การแสดงครั้งแรกเริ่มต้นด้วยจังหวะที่อ่อนแอหลังจากการหยุดชั่วคราวครั้งก่อนในช่วงเวลาที่แข็งแกร่ง เมื่อศึกษาบทนำเล็ก ๆ (หมายเลข 2, 4, ข. 7, 9, II จากสมุดบันทึกเล่มแรก) ครูควรดึงความสนใจของนักเรียนไปยังโครงสร้างที่ระบุซึ่งกำหนดลักษณะของการแสดง เมื่อเล่นเป็นธีมโดยไม่มีเสียงประกอบ (เช่น ในโหมโรงเล็ก ๆ ใน C major จากสมุดบันทึกแรก) การได้ยินของเด็กควรรวมอยู่ในการหยุดชั่วคราว "ว่างเปล่า" ทันทีเพื่อที่เขาจะได้รู้สึกถึงลมหายใจตามธรรมชาติก่อนที่จะคลี่ออก ของแนวทำนอง เทคนิคการเล่นเปียโนนั้นทำได้โดยการยกมือขึ้นเล็กน้อยจากจังหวะที่หนักแน่นและจุ่มลงในคีย์บอร์ดอย่างนุ่มนวล ความรู้สึกของการหายใจแบบโพลีโฟนิกนั้นสำคัญมากเมื่อศึกษาโหมโรงของ Cantilena
ต่างจากสิ่งประดิษฐ์และ futas ในบทโหมโรงเล็ก ๆ ธีมไม่ได้แสดงออกมาอย่างชัดเจนในบทเล็ก ๆ เดียวเสมอไป โครงสร้างอันไพเราะ. บางครั้งธีมสั้น ๆ ที่กระชับซึ่งทำซ้ำหลายครั้งจะดำเนินการในรูปแบบของ "โซ่" ที่เปลี่ยนแปลงอย่างราบรื่น โดยใช้ตัวอย่างของโหมโรงหมายเลข 2 ขนาดเล็กเดียวกัน "ใน C Major เป็นที่ชัดเจนว่าสามบาร์แรก ประกอบด้วยสามลิงค์ ด้วยโครงสร้างแบบ iambic สิ่งสำคัญคือต้องได้ยินตอนจบที่นุ่มนวลของท่อนเสียงในจังหวะที่หนักแน่น (A, B, C) ตามด้วยความรู้สึกภายในของ "ลมหายใจ" สั้น ๆ ก่อนที่จะสร้างใหม่แต่ละครั้ง หากธีมนั้นขึ้นอยู่กับเสียงคอร์ด มีประโยชน์สำหรับนักเรียนในการเล่นโครงกระดูกฮาร์โมนิกด้วยคอร์ดโดยมุ่งความสนใจไปที่การเปลี่ยนแปลงตามธรรมชาติของฮาร์โมนีเมื่อย้ายไปยังเซ็กเมนต์ใหม่ ตัวอย่างเช่น ในแต่ละมาตรการเริ่มต้นทั้งสามของโหมโรงดังกล่าวเราต้องพยายาม โดยการหน่วงเวลาสามเสียงสุดท้ายเพื่อฟังคอร์ดและแรงโน้มถ่วงในฟังก์ชันใหม่ในการวัดครั้งต่อไป การเปลี่ยนแปลงของทำนองดังกล่าวให้เป็นคอมเพล็กซ์ฮาร์โมนิกที่ถูกบีบอัด เมื่อแสดงแบบโมโนโฟนจะทำให้คุณรู้สึกถึงเส้นสำคัญของการพัฒนาน้ำเสียงภายในแต่ละเสียง กลุ่มเสียงที่มีความเสถียรตามหน้าที่
หากต้องการฟังโครงสร้างสองเสียงของนักเรียนอย่างกระตือรือร้นมากขึ้น ควรให้ความสนใจกับเทคนิคการเคลื่อนไหวของเสียงที่ตรงกันข้าม ตัวอย่างเช่นใน "Invention" โดย A. Gedick, "Two-Voice Fugue" ใน D minor และ "Hunting Roll Call" โดย N. Myaskovsky นักเรียนแทบจะหลอมรวมรูปแบบอันไพเราะของแต่ละเสียงโดยตรงด้วยการเคลื่อนไหวของระดับเสียงที่กำกับอย่างตรงกันข้าม
ในการตีความการลอกเลียนแบบโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของ Bach มีบทบาทสำคัญต่อพลวัต คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของพหุโฟนีของผู้แต่งคือไดนามิกทางสถาปัตยกรรม ซึ่งการเปลี่ยนแปลงในโครงสร้างขนาดใหญ่จะมาพร้อมกับ "แสง" ไดนามิกใหม่ ตัวอย่างเช่น ในบทนำเล็ก ๆ ใน E minor จากสมุดบันทึกเล่มแรก จุดเริ่มต้นของตอนที่มีสองเสียงที่อยู่ตรงกลางของท่อนหลังจากจุดแข็งขนาดใหญ่ก่อนหน้าในสามเสียงจะถูกบังด้วยเปียโนโปร่งใส ในเวลาเดียวกัน ความผันผวนของไดนามิกเล็กน้อย ซึ่งเป็นความแตกต่างของไมโครไดนามิกอาจปรากฏขึ้นในการพัฒนาเสียงในแนวนอน น่าเสียดายที่ทุกวันนี้เรายังคงเห็นการใช้ไดนามิกคล้ายคลื่นอย่างไม่ยุติธรรมในช่วงสั้นๆ ของเพลงของ Bach ในฐานะเสียงสะท้อนของฉบับของ Czerny นักเรียนทำสิ่งนี้โดยไม่รู้ตัวภายใต้อิทธิพลของพลวัตการเรียนรู้โดยตรงมากขึ้นใน บทละครโครงสร้างโฮโมโฟนิกรูปแบบขนาดเล็ก
เมื่อคิดถึงพลวัตของการแสดงโหมโรงขนาดเล็กแบบคานสามเสียง การควบคุมการได้ยินของนักเรียนควรมุ่งไปที่ตอนของเสียงสองเสียงในส่วนของมือข้างเดียว โดยระบุไว้ในบันทึกย่อที่ดึงออกมา เนื่องจากเสียงเปียโนลดลงอย่างรวดเร็ว จึงจำเป็นต้องมีความสมบูรณ์มากขึ้นในเสียงโน้ตยาว เช่นเดียวกับ (ซึ่งสำคัญมาก) การฟังการเชื่อมต่อเป็นระยะระหว่างโน้ตยาวและเสียงสั้นที่ส่งผ่านพื้นหลัง คุณสมบัติไดนามิกดังกล่าวสามารถเห็นได้ในโหมโรงหมายเลข 6, 7, 10 ขนาดเล็ก
ดังที่เราเห็นการศึกษางานโพลีโฟนิกเป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมสำหรับการเตรียมการได้ยินและเสียงของนักเรียนเพื่อการแสดง งานเปียโนประเภทใดก็ได้

วัสดุจาก Uncyclopedia

Polyphony (จากภาษากรีก πολυ - "มากมาย", φωνή - "เสียง") เป็นดนตรีโพลีโฟนิกประเภทหนึ่งซึ่งมีท่วงทำนองที่เท่ากันอิสระหลายเพลงส่งเสียงพร้อมกัน นี่คือความแตกต่างจากการโฮโมโฟนี (จากภาษากรีก "โฮโม" - "เท่ากัน") ซึ่งมีเสียงเดียวเท่านั้นที่เป็นผู้นำและอีกเสียงหนึ่งก็มาด้วย (เช่นในโรแมนติกรัสเซียเพลงมวลชนโซเวียตหรือ เพลงแดนซ์). คุณสมบัติหลักพหูพจน์ - ความต่อเนื่องของการพัฒนาการนำเสนอดนตรี, ความลื่นไหล, การหลีกเลี่ยงการแบ่งออกเป็นส่วน ๆ ที่ชัดเจนเป็นระยะ, การหยุดทำนองสม่ำเสมอในทำนอง, การทำซ้ำจังหวะของแรงจูงใจที่คล้ายกัน พฤกษ์และโฮโมโฟนีมีเป็นของตัวเอง รูปแบบลักษณะเฉพาะประเภทและวิธีการพัฒนายังคงเชื่อมโยงถึงกันและเกี่ยวพันกันอย่างเป็นธรรมชาติในโอเปร่า ซิมโฟนี โซนาตา คอนเสิร์ต

ในรอบหลายศตวรรษ การพัฒนาทางประวัติศาสตร์ Polyphony มีสองขั้นตอน สไตล์ที่เข้มงวด - พหูพจน์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มันโดดเด่นด้วยสีที่รุนแรงและความเชื่องช้าไพเราะและความไพเราะ คุณสมบัติเหล่านี้มีอยู่ในผลงานของนักโพลีโฟนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่อย่าง O. Lasso และ G. Palestrina ขั้นต่อไปคือโพลีโฟนีฟรีสไตล์ (XVII–XX ศตวรรษ) เธอนำเสนอความหลากหลายและอิสระมหาศาลในโครงสร้างน้ำเสียงแบบกิริยาของทำนอง ความสามัคคีที่เข้มข้น และแนวดนตรี ศิลปะโพลีโฟนิกแบบฟรีสไตล์พบศูนย์รวมที่สมบูรณ์แบบในผลงานของ J. S. Bach และ G. F. Handel ในผลงานของ W. A. ​​​​Mozart, L. Beethoven, M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, D. D. Shostakovich

ใน ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงพฤกษ์มีสองประเภทหลัก - เลียนแบบและไม่เลียนแบบ (หลายสี, ตัดกัน) การเลียนแบบ (จากภาษาละติน - "การเลียนแบบ") - ถือหัวข้อเดียวกันสลับกัน เสียงที่แตกต่างกันมักมีความสูงต่างกัน การเลียนแบบจะเรียกว่าแม่นยำหากธีมซ้ำทั้งหมด และจะถือว่าไม่ถูกต้องหากมีการเปลี่ยนแปลงบางอย่าง

เทคนิคการเลียนแบบโพลีโฟนีมีหลากหลาย การเลียนแบบสามารถทำได้โดยการเพิ่มหรือลดจังหวะ เมื่อธีมถูกถ่ายโอนไปยังเสียงอื่น และระยะเวลาของแต่ละเสียงเพิ่มขึ้นหรือสั้นลง มีการเลียนแบบในการหมุนเวียนเมื่อช่วงจากน้อยไปหามากกลายเป็นช่วงจากมากไปน้อยและในทางกลับกัน บาคใช้พันธุ์เหล่านี้ทั้งหมดใน The Art of Fugue

การเลียนแบบแบบพิเศษคือ canon (จากภาษากรีก "กฎ", "บรรทัดฐาน") ใน Canon ไม่เพียงแต่เลียนแบบธีมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความต่อเนื่องของมันด้วย ผลงานอิสระเขียนในรูปแบบของ Canon (ศีลสำหรับเปียโนโดย A. N. Scriabin, A. K. Lyadov) ชิ้นส่วน งานใหญ่(ตอนจบของโซนาตาสำหรับไวโอลินและเปียโนโดย S. Frank) มีศีลมากมายในซิมโฟนีของ A.K. Glazunov ตัวอย่างคลาสสิกของแกนนำเสียงร้องในวงดนตรีโอเปร่า - สี่วง "อะไรนะ" ช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยม"จากโอเปร่า "Ruslan และ Lyudmila" โดย Glinka, คู่ "Enemies" จากโอเปร่า "Eugene Onegin" โดย Tchaikovsky

ในโพลีโฟนีที่ไม่เลียนแบบ เสียงท่วงทำนองที่แตกต่างกันและตัดกันจะดังพร้อมกัน มีการผสมผสานธีมรัสเซียและตะวันออกเข้าด้วยกัน ภาพไพเราะ"ใน เอเชียกลาง“เอ.พี. โบโรดินา” พฤกษ์ที่ตัดกันพบการใช้งานอย่างกว้างขวางในวงดนตรีโอเปร่า (วงในฉากสุดท้ายของโอเปร่า "Rigoletto" โดย G. Verdi) นักร้องประสานเสียงและฉาก (การพบกันของ Khovansky ในโอเปร่า "Khovanshchina" โดย M. P. Mussorgsky ฉากของ ยุติธรรมในโอเปร่าเรื่อง The Decembrists โดย Yu. A. Shaporin)

การผสมผสานโพลีโฟนิกของสองท่วงทำนองหลังจากการปรากฏตัวครั้งแรกสามารถนำมารวมกันใหม่ได้: เสียงที่แลกเปลี่ยนกันนั่นคือท่วงทำนองที่ฟังดูสูงขึ้นจะปรากฏในเสียงต่ำและท่วงทำนองล่างในเสียงบน เทคนิคนี้เรียกว่าจุดหักเหที่ซับซ้อน Borodin ใช้มันในการทาบทามให้กับโอเปร่า "Prince Igor" ใน "Kamarinskaya" ของ Glinka (ดูตัวอย่างที่ 1)

ในพฤกษ์ที่ตัดกันส่วนใหญ่มักจะรวมกันไม่เกินสองธีมที่แตกต่างกัน แต่มีสามธีม (ในการทาบทามของโอเปร่า "Die Meistersinger" โดย R. Wagner) และแม้แต่ห้าธีม (ในตอนจบของซิมโฟนี "Jupiter" โดย Mozart) จะพบร่วมกัน

รูปแบบโพลีโฟนิกที่สำคัญที่สุดคือความทรงจำ (จากภาษาละติน - "การบิน") เสียงแห่งความทรงจำดูเหมือนจะมาตามกัน ธีมที่กระชับ แสดงออกและจดจำได้ง่ายทุกครั้งที่ปรากฏเป็นพื้นฐานของความทรงจำ ซึ่งเป็นแนวคิดหลัก

Fugue แต่งขึ้นสำหรับสามหรือสี่เสียง บางครั้งสำหรับสองหรือห้าเสียง เทคนิคหลักคือการเลียนแบบ ในส่วนแรกของนิทรรศการ เสียงทั้งหมดร้องเป็นทำนองเดียวกัน (ธีม) ราวกับเลียนแบบกัน เสียงแรกเข้ามาโดยไม่มีเสียงประกอบ จากนั้นเสียงที่สองและสามตามมาด้วยทำนองเดียวกัน แต่ละครั้งที่มีการแสดงแก่นเรื่อง จะมีทำนองประกอบเป็นเสียงที่แตกต่างกัน เรียกว่าการตอบโต้ ในความทรงจำมีส่วนต่างๆ - การสลับฉาก - โดยที่ไม่มีธีม พวกเขาทำให้กระแสแห่งความทรงจำมีชีวิตชีวา สร้างความต่อเนื่องของการเปลี่ยนแปลงระหว่างส่วนต่างๆ ของมัน (Bach. Fugue ใน G minor ดูตัวอย่างที่ 2)

ส่วนที่สอง - การพัฒนานั้นโดดเด่นด้วยความหลากหลายและอิสระของโครงสร้างการไหลของดนตรีไม่มั่นคงและตึงเครียดมีการแสดงสลับฉากบ่อยขึ้น ต่อไปนี้เป็นหลักการ ความแตกต่างที่ซับซ้อน และเทคนิคอื่นๆ ของการพัฒนาโพลีโฟนิก ในส่วนสุดท้าย - การบรรเลง - ตัวละครดั้งเดิมที่มั่นคงของดนตรีกลับมาทำงานต่อ ธีมจะดำเนินการได้อย่างราบรื่นในคีย์หลักและคีย์ที่คล้ายกัน อย่างไรก็ตาม ความลื่นไหลและความต่อเนื่องของการเคลื่อนไหวที่มีอยู่ในโพลีโฟนีก็แทรกซึมเข้ามาที่นี่เช่นกัน การบรรเลงนั้นสั้นกว่าส่วนอื่น ๆ มักจะเร่งการนำเสนอทางดนตรีให้เร็วขึ้น นี่คือสเตรตต้า - การเลียนแบบชนิดหนึ่งซึ่งการนำธีมไปใช้ครั้งต่อไปแต่ละครั้งจะเริ่มต้นก่อนที่จะสิ้นสุดด้วยเสียงที่แตกต่างกัน ในบางกรณี ในการบรรเลงใหม่ พื้นผิวจะหนาขึ้น คอร์ดปรากฏขึ้น และเพิ่มเสียงอิสระเข้าไป ที่อยู่ติดกันโดยตรงกับการบรรเลงคือโคดาที่สรุปการพัฒนาของความทรงจำ

มีเรื่องที่เขียนไว้สองเรื่องและไม่ค่อยมีเรื่องในสามเรื่อง ในบางครั้งธีมต่างๆ จะถูกนำเสนอและเลียนแบบพร้อมกัน หรือแต่ละธีมก็มีการแสดงออกที่เป็นอิสระของตัวเอง ความรำลึกถึงความเบ่งบานเต็มที่ในผลงานของบาคและฮันเดล นักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียตรวมถึงความทรงจำในโอเปร่า, ซิมโฟนี, แชมเบอร์มิวสิคในงาน Cantata-oratorio งานโพลีโฟนิกพิเศษ - วงจรของโหมโรงและความทรงจำ - เขียนโดย Shostakovich, R. K. Shchedrin, G. A. Mushel, K. A. Karaev และคนอื่น ๆ

ในบรรดารูปแบบโพลีโฟนิกอื่น ๆ สิ่งที่โดดเด่นดังต่อไปนี้: fuguetta (จิ๋วของความทรงจำ) - ความทรงจำเล็ก ๆ เนื้อหาพอประมาณ; fugato - ความทรงจำประเภทหนึ่งที่มักพบในซิมโฟนี การแทรกแซง; รูปแบบโพลีโฟนิกขึ้นอยู่กับการแสดงซ้ำของธีมคงที่ (ในกรณีนี้ มีการเล่นทำนองประกอบในเสียงอื่น: passacaglia โดย Bach, Handel, โหมโรงครั้งที่ 12 ของ Shostakovich)

Subvocal polyphony เป็นรูปแบบหนึ่งของเพลงโพลีโฟนิกพื้นบ้านของรัสเซีย ยูเครน และเบลารุส ที่ ร้องเพลงประสานเสียงสาขาเกิดขึ้นจากทำนองหลักของเพลงและมีการสร้างทำนองที่เป็นอิสระ - เสียงสะท้อน ทุกท่อนฟังดูใหม่ การผสมผสานที่สวยงามเสียง: พวกเขาพันกันจากนั้นก็แยกจากกันจากนั้นก็รวมเข้ากับเสียงของนักร้องอีกครั้ง ความเป็นไปได้ที่แสดงออก Mussorgsky ใช้ subvocal polyphony ใน "Boris Godunov" (อารัมภบท), Borodin ใน "Prince Igor" (นักร้องประสานเสียงชาวนา; ดูตัวอย่างที่ 3), S. S. Prokofiev ใน "War and Peace" (นักร้องประสานเสียงของทหาร), M. V. Koval ใน oratorio " Emelyan Pugachev” (นักร้องประสานเสียงชาวนา)

บทเรียนทฤษฎีดนตรีของเราต่อ เราจะค่อยๆ ย้ายไปยังเนื้อหาที่ซับซ้อนมากขึ้น และวันนี้เราจะมาเรียนรู้ว่าโพลีโฟนี โครงสร้างทางดนตรีคืออะไร และการนำเสนอทางดนตรีเป็นอย่างไร

การนำเสนอดนตรี

ผ้าดนตรีเรียกว่าความสมบูรณ์ของเสียงดนตรีทั้งสิ้น

ลักษณะของผ้าดนตรีชนิดนี้มีชื่อว่า เนื้อสัมผัส, และ การนำเสนอดนตรีหรือ จดหมายคลังสินค้า.

• โมโนดี้. Monody เป็นทำนองเพลงที่มีเสียงเดียว ส่วนใหญ่มักพบในการร้องเพลงพื้นบ้าน
• การเสแสร้งการเสแสร้งอยู่ระหว่างโมโนโฟนีและโพลีโฟนี และคือการเสแสร้งของทำนองโดยอ็อกเทฟ ที่หกหรือสาม สามารถเพิ่มเป็นสองเท่าด้วยคอร์ด

1. คำพ้องเสียง

Homophony - ประกอบด้วยเสียงไพเราะหลักและเสียงที่เป็นกลางทางทำนองอื่นๆ บ่อยครั้ง เสียงหลัก- ตัวบนแต่มีตัวเลือกอื่น

คำพ้องเสียงอาจขึ้นอยู่กับ:

• ความคมชัดของเสียงเป็นจังหวะ

• เอกลักษณ์ลีลาของเสียง (มักพบในการร้องเพลงประสานเสียง)

2. เฮเทอโรโฟนี

3. พฤกษ์

พฤกษ์

เราคิดว่าคุณคุ้นเคยกับคำว่า "พหุนาม" อยู่แล้ว และบางทีคุณอาจมีความคิดว่ามันหมายถึงอะไร เราทุกคนจำความตื่นเต้นทั่วไปได้เมื่อมีโทรศัพท์ที่มีโพลีโฟนีปรากฏขึ้น และในที่สุดเราก็เปลี่ยนเสียงเรียกเข้าแบบโมโนแบบแบนให้มีลักษณะคล้ายดนตรีมากขึ้น

พฤกษ์- นี่คือโพลีโฟนี ขึ้นอยู่กับเสียงที่ไพเราะตั้งแต่สองบรรทัดขึ้นไปพร้อมกัน โพลีโฟนีเป็นการผสมผสานฮาร์มอนิกของท่วงทำนองอิสระหลายเพลงเข้าด้วยกัน แม้ว่าเสียงพูดหลายเสียงจะกลายเป็นความสับสนวุ่นวาย แต่ในดนตรีเสียงดังกล่าวจะสร้างสิ่งที่สวยงามและแนบชิดหู

พฤกษ์สามารถ:

2. การเลียนแบบพฤกษ์ดังกล่าวพัฒนาธีมเดียวกันซึ่งเลียนแบบจากเสียงหนึ่งไปอีกเสียงหนึ่ง ตามหลักการนี้:

• Canon คือโพลีโฟนีประเภทหนึ่งที่เสียงที่สองจะเล่นซ้ำทำนองของเสียงแรกด้วยจังหวะหรือหลายจังหวะในช่วงท้าย ในขณะที่เสียงแรกยังคงทำนองของมันต่อไป แคนนอนสามารถมีได้หลายเสียง แต่แต่ละเสียงที่ตามมาจะยังคงเล่นซ้ำทำนองต้นฉบับ
• ความทรงจำคือประเภทของโพลีโฟนีที่มีการได้ยินเสียงหลายเสียง โดยแต่ละเสียงจะพูดซ้ำธีมหลัก ซึ่งเป็นทำนองสั้นๆ ที่ไหลผ่านความทรงจำทั้งหมด ทำนองมักจะเล่นซ้ำในรูปแบบที่ปรับเปลี่ยนเล็กน้อย

3. ใจความที่ตัดกันในรูปแบบพหุโฟนีดังกล่าว เสียงจะสร้างธีมที่เป็นอิสระซึ่งอาจเป็นของแนวเพลงที่แตกต่างกันด้วยซ้ำ

เมื่อกล่าวถึงความทรงจำและหลักการข้างต้นแล้ว ฉันอยากจะแสดงให้คุณเห็นให้ชัดเจนยิ่งขึ้น

แคนนอน

Fugue ใน C minor, J.S. บาค

ท่วงทำนองของสไตล์ที่เข้มงวด

มันคุ้มค่าที่จะเน้นไปที่สไตล์ที่เข้มงวด การเขียนที่เข้มงวดเป็นรูปแบบหนึ่งของดนตรีโพลีโฟนิกแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ศตวรรษที่ XIV-XVI) ซึ่งได้รับการพัฒนาโดยชาวดัตช์ โรมัน เวนิส สเปน และอื่น ๆ อีกมากมาย โรงเรียนนักแต่งเพลง. ในกรณีส่วนใหญ่ สไตล์นี้มีไว้สำหรับการร้องเพลงในโบสถ์ปากเปล่า (นั่นคือ การร้องเพลงโดยไม่มีดนตรี) บ่อยครั้งพบการเขียนที่เข้มงวดใน เพลงฆราวาส. พฤกษ์ประเภทเลียนแบบนั้นเป็นสไตล์ที่เข้มงวด

เพื่อระบุลักษณะปรากฏการณ์เสียงในทฤษฎีดนตรี จะใช้พิกัดเชิงพื้นที่:

• แนวตั้ง เมื่อเสียงมารวมกันในเวลาเดียวกัน
• แนวนอน เมื่อมีการรวมเสียงในเวลาที่ต่างกัน

เพื่อให้เข้าใจความแตกต่างระหว่างสไตล์ฟรีและสไตล์ที่เข้มงวดได้ง่ายขึ้น มาดูความแตกต่างกัน:

สไตล์ที่เข้มงวดนั้นแตกต่าง:

• ธีมที่เป็นกลาง
• ประเภทมหากาพย์ประเภทหนึ่ง
• เพลงแกนนำ

ฟรีสไตล์แตกต่าง:

• ธีมที่สดใส
• หลากหลายแนวเพลง
• การผสมผสานระหว่างดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง

โครงสร้างของดนตรีในรูปแบบที่เข้มงวดนั้นอยู่ภายใต้กฎเกณฑ์บางประการ (และแน่นอนว่าเข้มงวด)

1. ทำนองจะต้องเริ่มต้น:

• กับฉันหรือวี
• จากการนับเศษส่วนใดๆ

2. ทำนองควรสิ้นสุดที่ระดับแรกของจังหวะตกต่ำ

3. การเคลื่อนไหว ทำนองควรแสดงถึงพัฒนาการของน้ำเสียง-จังหวะ ซึ่งค่อยๆ เกิดขึ้นและอาจอยู่ในรูปของ:

• การทำซ้ำของเสียงต้นฉบับ
• เคลื่อนออกจากเสียงต้นฉบับขึ้นหรือลงตามขั้นตอน
• กระโดดน้ำเสียง 3, 4, 5 ขั้นตอนขึ้นและลง
• การเคลื่อนไหวตามเสียงของโทนิคสาม

4. มักจะคุ้มค่าที่จะถือทำนองด้วยจังหวะที่หนักแน่นและใช้การประสานเสียง (เปลี่ยนการเน้นจากจังหวะที่หนักแน่นไปเป็นจังหวะที่อ่อนแอ)

5. การกระโดดควรผสมผสานกับการเคลื่อนไหวที่ราบรื่น

อย่างที่คุณเห็น มีกฎค่อนข้างเยอะ แต่นี่เป็นเพียงกฎพื้นฐานเท่านั้น

สไตล์ที่เข้มงวดมีภาพลักษณ์ของสมาธิและการไตร่ตรอง เพลงเข้า สไตล์นี้มีเสียงที่สมดุลและปราศจากการแสดงออก ความขัดแย้ง และอารมณ์อื่นๆ โดยสิ้นเชิง

คุณสามารถได้ยินสไตล์ที่เข้มงวดในการร้องเพลงประสานเสียงของ Bach "Aus tiefer Not":

และยังมีอิทธิพลอีกด้วย สไตล์ที่เข้มงวดสามารถได้ยินได้ในผลงานต่อมาของ Mozart:

ในศตวรรษที่ 17 รูปแบบที่เข้มงวดได้ถูกแทนที่ด้วยรูปแบบฟรีซึ่งเราได้กล่าวไว้ข้างต้น แต่ในศตวรรษที่ 19 นักประพันธ์เพลงบางคนยังคงใช้เทคนิคสไตล์ที่เข้มงวดเพื่อมอบกลิ่นอายแบบโบราณและสัมผัสที่ลึกลับให้กับผลงานของพวกเขา และถึงแม้จะมีสไตล์ที่เข้มงวดก็ตาม ดนตรีสมัยใหม่เพื่อไม่ให้ใครได้ยินเขากลายเป็นผู้ก่อตั้งกฎของการแต่งเพลงเทคนิคและเทคนิคทางดนตรีที่มีอยู่ในปัจจุบัน

สถาบันการศึกษาเทศบาลเพื่อการศึกษาเด็ก "โรงเรียนศิลปะเด็ก" Pugachev

อีเมล์: *****@***com

บาคสุดโปรด -

พฤกษ์ของบาคในชีวิตของฉัน

หัวหน้างาน:

เปียโนพิเศษ

ปูกาเชฟ 2013

บาคเป็นที่รักของฉัน ฉันจะบอกคุณได้อย่างไร
ไม่ใช่ว่าวันนี้ไม่มีดนตรี
แต่คริสตัลบริสุทธิ์เช่นนี้
เกรซยังไม่ได้แสดงให้เราเห็น

เอ็น. อูชาคอฟ

- นักแต่งเพลง นักออร์แกนชาวเยอรมัน ซึ่งมีผลงานย้อนกลับไปในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 และเป็นของยุคบาโรก นี่คือช่วงเวลาแห่งการออกดอกพฤกษ์สูงสุดในผลงานของบาค

“ดนตรีเป็นศาสตร์และศิลปะในการเลือกเสียงที่เหมาะสมและไพเราะอย่างชาญฉลาด ผสมผสานอย่างถูกต้องเข้าด้วยกันและแสดงออกมาอย่างสวยงาม...” - นี่คือวิธีที่นักทฤษฎีชื่อดัง Johann Matteson เขียนไว้

ไม่ค่อยมีใครรู้ว่าในสมัยของบาค ดนตรีไม่ได้ถูกมองว่าเป็นศิลปะ แต่เป็นวิทยาศาสตร์ทางคณิตศาสตร์ประเภทหนึ่ง การศึกษาด้านดนตรีเป็นภาคบังคับ ชั้นเรียนร้องเพลงเป็นหนึ่งในชั้นเรียนที่ต้องจัดขึ้นทุกวัน Kanter ครูในโรงเรียนภาษาเยอรมันแห่งหนึ่งในศตวรรษที่ 17 ต้องมีการศึกษาด้านดนตรีที่ดี ทำให้เขาสามารถสอนภาษาละติน คณิตศาสตร์ ร้องเพลง เล่นเครื่องดนตรีต่างๆ และแม้แต่การแต่งเพลงได้

และนักเรียนทุกคนที่โรงเรียนจะต้องเชี่ยวชาญโน้ตดนตรีและสามารถร้องเพลงที่ค่อนข้างซับซ้อนจากโน้ตได้ แม้แต่แนวเพลงเช่น "school opera", " ละครโรงเรียน“ แม้แต่ I. Kunau เองก็เขียนมันด้วย การศึกษาด้านดนตรีถือเป็นรากฐานของการศึกษาทั่วไป

“ใครก็ตามที่รู้จักศิลปะนี้ คนดี, เก่งทุกอย่าง. ผมเชื่อมั่นอย่างยิ่งว่า ไม่มีศิลปะใดเทียบได้กับดนตรีตามหลักเทววิทยาและปรัชญา” นักปฏิรูปผู้ยิ่งใหญ่ มาร์ติน ลูเธอร์ เขียน

แนวคิดดังกล่าวเป็นตัวกำหนดเส้นทางการพัฒนาเป็นส่วนใหญ่ การศึกษาด้านดนตรีเยอรมนี.

เพียงสำหรับเด็กและ วัยรุ่นปีการเกิดของเซบาสเตียนเกิดขึ้นในช่วงที่มีการศึกษาในโรงเรียนสูงสุดในเยอรมนี บาคมีพรสวรรค์มากและพบว่าตัวเองอยู่ในสภาพแวดล้อมที่ดีที่สุดสำหรับตัวเขาเอง เขามาจากครอบครัวนักดนตรีขนาดใหญ่ของ Bachs ซึ่งมีสาขาย้อนกลับไปถึงศตวรรษที่ 16 - นี่คือเวิร์คช็อปดนตรีขนาดใหญ่ เด็กชายทุกคนในครอบครัว Bach ต้องเรียนดนตรี ใครกลายเป็นนักเล่นออร์แกนในโบสถ์ซึ่งกลายเป็นนักดนตรีในเมืองซึ่งกลายเป็นนักดนตรีสมัครเล่นและผู้ที่กลายเป็น "shpilman" ที่กำลังเดินทาง - นี่คือคนที่เล่น

บาคตัวน้อยประหลาดใจกับความเชี่ยวชาญด้านการแสดงและความสมบูรณ์ของการแสดงด้นสดของเขา เขาเล่นไวโอลิน วิโอลา ฮาร์ปซิคอร์ด และเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดอื่นๆ และเป็นผู้นำคณะนักร้องประสานเสียง วงออเคสตรา และนักร้องเดี่ยว ด้วยความรู้พื้นฐานของความสามัคคีและความแตกต่าง เขาจึงมีทักษะในการเรียบเรียงเสียงประสานทั้งหมด ซึ่งต่อมาเขาได้ส่งต่อให้กับลูกๆ และนักเรียนของเขา เป็นที่รู้จัก " หนังสือเพลง Anna Magdalene Bach", "Little Preludes", "สิ่งประดิษฐ์", "24 Preludes and Fugues of the HTC" ผลงานทั้งหมดนี้เขียนโดย Bach in วัตถุประสงค์ในการสอนสำหรับเด็กเล็กและนักเรียนของคุณ เป็นที่รู้กันว่าบาคมีลูก 20 คน หลายคนเสียชีวิตตั้งแต่ยังเด็ก และสี่คนกลายเป็นนักดนตรีและนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ ดนตรีเป็นแกนนำของเขา ชีวิตครอบครัวเขาสร้างและดำเนินชีวิตด้วยดนตรี บาคยังเป็นครูที่มีพรสวรรค์อีกด้วย เขาติดตามรสนิยมทางดนตรีของนักเรียนอย่างเคร่งครัดโดยให้พวกเขาคุ้นเคยกับดนตรีที่ไพเราะอย่างแท้จริง

ดนตรีของเขาดูซับซ้อน ยาก เขียนตามกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดในยุคนั้น เพลงนี้ต้องอาศัยการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของสติปัญญา ความเอาใจใส่ ความสนใจ และการทำงานหนัก ไม่จำเป็นต้องอธิบายหรือดึงออกมา – คุณจำเป็นต้องรู้มัน ดนตรีของบาคมีพื้นฐานมาจากรูปแบบทางคณิตศาสตร์ที่เข้มงวดซึ่งสามารถเปรียบเทียบได้ สมการที่ซับซ้อนคณิตศาสตร์ที่สูงขึ้น นั่นเป็นสาเหตุที่นักคณิตศาสตร์และนักฟิสิกส์หลายคนรักเธอ เช่น ไอน์สไตน์

เซบาสเตียนเป็นเด็กกำพร้าตั้งแต่อายุ 9 ขวบ แม่ของเขาเสียชีวิต และอีกหนึ่งปีต่อมาพ่อของเขา ในช่วงต้นเขาต้องเป็นอิสระ เมื่ออายุ 15 ปี เขากลายเป็นนักร้องและได้เขียนชุดเพลง "36 คณะนักร้องประสานเสียง" แล้ว และเมื่ออายุ 18 ปี เขาก็กลายเป็นนักเล่นออร์แกนในโบสถ์และสามารถร่วมปฏิบัติศาสนกิจได้อย่างอิสระ ถึงกระนั้นเขาก็แสดงความสามารถมากมาย ความฉลาดที่ยอดเยี่ยม และไม่มีใครสงสัยในอัจฉริยะของเขา เขาเป็นคนถ่อมตัว ปัจเจกบุคคล รักอิสระและเป็นส่วนตัวมาก บางทีอาจเป็นเพราะการสูญเสียวัยเด็กที่ส่งผลต่อดนตรีของเขา ดนตรีของเขามีความลึกซึ้ง ความเศร้า ความโศกเศร้ามากมาย แต่ฉันเป็นคนร่าเริงและฉันชอบเล่นผลงานอัจฉริยะของเขาเช่น "Two-voice Invention in D-minor", ​​"Prelude and Fugue" ใน B-dur, Volume I ของ HTC

ฉันคุ้นเคยกับคอลเลกชันทั้งหมดของ Bach ข้างต้นตั้งแต่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 เนื่องจาก Bach เป็นนักแต่งเพลงคนโปรดของครูฉัน ทั้งชั้นเรียนของเราเล่นผลงานของเขา ฉันจำเพลงย่อยของเขา โปโลเนส และบทโหมโรงเล็กๆ น้อยๆ ของเขาได้ ขณะนี้ฉันอยู่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 และเรากำลังจัดทำ Prelude and Fugue in B major จาก HTC เล่มแรก แต่จากที่เล่นไปแล้วอยากจะพูดถึงสิ่งประดิษฐ์หมายเลข 4 d-moll ที่ฉันชื่นชอบ

หลังจากเปลี่ยนจากเรียบง่ายไปสู่ซับซ้อนฉันรู้สึกถึงสไตล์ของเขาเข้าใจภาษาของเขาแล้วและไม่กลัว "ข้อความสีดำ" ของการหลบหนีของเขาอีกต่อไปเพราะข้างๆฉันคือครูของฉันซึ่งจะบอกฉันว่าจะดูและเข้าใจภายในได้อย่างไร ชีวิตของแต่ละเสียง

DIV_ADBLOCK435">

3. และเพื่อตีความให้ถูกต้อง - นี่จะเป็นตัวกำหนดลักษณะของงานทั้งหมด

ความยาวของธีมคือสองแท่ง รวดเร็ว มีพลัง มันพุ่งขึ้น ทันใดนั้นก็ตกลงไปในอันดับที่ 7 ที่ลดลง และแม้กระทั่งกับศิลปะฮาร์มอนิก VII ซึ่งเพิ่มความตึงเครียดพิเศษ และทันใดนั้นการกระโดดก็เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวลงอย่างรวดเร็วเช่นเดียวกัน

ผ่านไปสองแท่ง ธีมก็หยิบขึ้นมาด้วยเสียงที่สองในคีย์เดียวกันในอารมณ์เดียวกัน แต่ธีมในเสียงแรกไม่จบก็หยิบไปในทิศทางตรงกันข้ามด้วยโน้ตที่แปดที่แหลมคมและเหนียวแน่น และด้วยการเคลื่อนไหวเป็นพัก ๆ จะทำให้ธีมตื่นเต้นมากยิ่งขึ้นและให้ความเข้มข้นและพลังงานมากยิ่งขึ้น แต่นั่นไม่ใช่ทั้งหมด - ธีมนี้ถูกทำซ้ำอีกครั้งในเสียงแรกและในคีย์เดียวกัน - ความสอดคล้องอะไรคือความสามัคคี! จำเป็นต้องให้ความสนใจอย่างมาก

เมื่อพัฒนาธีมเพลง บาคมักจะใช้แรงจูงใจที่มีชีวิตชีวาที่สุดและสร้างการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องตามธีมนั้น ในกรณีนี้คือความเจริญและความเสื่อมของจิต7. และพัฒนาธีมตามลำดับและทิ้งความคิดไว้ 7 บน b7: A - B flat (7-8 บาร์) จากนั้นใน m7: G-A (9-10 บาร์) และอีกครั้งใน m7: F-sol (11-12 บาร์) และ M7: E-F (13-14 บาร์) ราวกับว่าทำให้ "ความกระตือรือร้น" ของธีมอ่อนลง ความตึงเครียด และนำไปสู่แสง F เมเจอร์ แต่ในการเคลื่อนไหวที่ไม่หยุดนิ่งนี้ เรา "ได้ยิน" บทสนทนาระหว่างแรงจูงใจ: ขีด 7-10 ด้วยเสียงบน และขีด 11-16 ด้วยเสียงต่ำ - ซึ่งนำไปสู่จังหวะ F หลัก

คุณสมบัติอย่างหนึ่งของสไตล์ของ Bach ถูกเปิดเผย - เมื่อจุดสุดยอดของการเคลื่อนไหวไหลเข้าสู่จังหวะ

ในที่นี้มีความจำเป็นต้องแสดงความเป็นอิสระของแรงจูงใจแต่ละอย่าง โดยไม่รบกวนการเคลื่อนไหว ว่าสิ่งสำคัญในโพลีโฟนีคือความลื่นไหลอย่างต่อเนื่อง

มุ่งเน้นไปที่นักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 17-18 สิ่งที่สำคัญไม่ใช่ความไพเราะและความสวยงามของธีมมากนักเท่ากับการพัฒนาและการเปลี่ยนแปลงตลอดทั้งงาน

การเลียนแบบอย่างต่อเนื่องดังกล่าวเรียกอีกอย่างว่า Canonical หรือเรียกง่ายๆ ว่า Canon

ธีมของการประดิษฐ์ตรงตามข้อกำหนดทั้งหมดสำหรับท่วงทำนองสไตล์ที่เข้มงวด - คลื่น, ความกว้าง, การกระโดดแบบบังคับ, การสวดมนต์

ใน เพลงโบราณวิธีการแสดงออกที่สำคัญที่สุดคือการเปล่งเสียงและจังหวะ

ในยุคของบาค ทักษะในการแบ่งทำนองอย่างถูกต้องมีความสำคัญอย่างยิ่ง ซึ่งเรียกว่าการเชื่อมต่อแบบ intermotivic ใช้เพื่อแยกแรงจูงใจหนึ่งออกจากอีกแรงจูงใจหนึ่งโดยใช้ caesura การแบ่งแรงจูงใจทำได้แทบจะมองไม่เห็น อย่าละมือออกจากแป้นพิมพ์เมื่อสิ้นสุดแรงจูงใจก่อนหน้า ค่อยๆ ย้ายไปยังจุดเริ่มต้นของแรงจูงใจถัดไป

เทคนิคนี้พบได้ทั่วทั้งพฤกษ์ของบาค และจำเป็นต้องฝึกฝนให้เชี่ยวชาญ

ลวดลาย (จาก 7 ตัน) เปลี่ยนจากจังหวะที่อ่อนแอไปเป็นจังหวะที่แข็งแกร่ง เรียกว่า iambic

สำเนียงเฉพาะเรื่องทั้งหมดอยู่ภายใต้ชีวิตภายในของธีม

การศึกษาประเด็นเรื่องการออกเสียงในกลุ่มพฤกษ์ของบาคอย่างรอบคอบ ศาสตราจารย์ได้รับกฎสองข้อ:

1. เทคนิคที่แปด (หรือแปด) เช่น ระยะเวลาที่อยู่ติดกันเล่นโดยมีข้อต่อต่างกัน ตัวอย่างเช่น โน้ตที่แปดและโน้ตที่สิบหก: โน้ตที่แปด (ระยะเวลาที่มากกว่า) จะถูกเล่นแบบสแตคาโต และโน้ตที่สิบหก - เลกาโต

พลวัตในการประดิษฐ์ค่อนข้างไพเราะ ซึ่งเชื่อมโยงกับการพัฒนาตามธรรมชาติของธีมภายในแรงจูงใจ

งานต้องมีจังหวะเดียวที่คงไว้อย่างเคร่งครัด

Trills นำมาซึ่งความยากลำบากโดยเฉพาะในการพัฒนา บ่อยครั้งที่ใน Bach ระยะเวลาทั้งหมดเต็มไปด้วยการตกแต่ง แต่ที่นี่เสียงไหลรินดังขึ้นสำหรับสี่แท่งโดยที่ธีมทำงานใน F major และ A minor ราวกับว่าเป็นลางสังหรณ์ถึงจุดสิ้นสุดของการบรรเลงใหม่ใน A minor แต่ก่อนอื่นมันถูกลงสีด้วยทั้งฮาร์โมนิคเอไมเนอร์และไพเราะ

ธีมที่นี่ดำเนินไปราวกับเพิ่มขึ้นเป็นสองเท่า ในวงกว้าง ในขนาดใหญ่ ทุกอย่างก็น่าตื่นเต้นเช่นกัน แต่ตัวละครของมันไม่ได้เน้นด้วยโน้ตที่แปด แต่เน้นด้วยเสียงแหลมยาว สิ่งสำคัญคือต้องฟังดูเบาและอิสระ เหมาะสม แทนที่จะทำให้หัวข้อดูหนักใจ

ในการบรรเลง ความดังและไดนามิกเพิ่มขึ้นจากการทำซ้ำหลายครั้งของธีม ส่งผลให้เกิดจังหวะที่มีพลังและสดใส

ทำนองจะเข้ามาก่อนในเสียงบน จากนั้นในเสียงล่าง จากนั้นอีกครั้งในเสียงบน ราวกับกำลังขัดจังหวะซึ่งกันและกัน ตอนนี้อยู่ในฮาร์โมนิก G minor ตอนนี้อยู่ใน A minor ตอนนี้อยู่ในทำนองเมโลดิก D minor และบาคก็ทำให้ข้อพิพาทนี้เย็นลง... โดยการปรากฏตัวของยาชูกำลังที่จุดสูงสุดของความรุนแรง หลังจากนั้นความตึงเครียดแบบไดนามิกก็เกิดขึ้น

ถ้าเราหันไปหาสัญลักษณ์ของ Bach ทุกอย่างก็อยู่ที่นั่น:

1.บินขึ้น-ฟื้นคืนชีพ

2. ตัวเลขการหมุน - ภาพฝูงชนที่มีเสียงดัง

3.ก้าวที่หก – ตื่นเต้นเร้าใจ

4. เน้นที่จังหวะที่อ่อนแอ (14 t.) - เครื่องหมายอัศเจรีย์

5.รัว-วิ่งสนุกสนาน

เรารู้ว่านิ้วมีขนาดไม่เท่ากัน และคุณสมบัติก็ไม่เหมือนกัน บาคพยายามอย่างหนักเพื่อให้แน่ใจว่านิ้วของมือทั้งสองข้างมีความแข็งแรงเท่ากัน และใช้โน้ตคู่ พาสเจอร์ไรส์ และทริลล์ได้อย่างง่ายดายและบริสุทธิ์เหมือนกัน

คุณต้องทำงานหนักมากเพื่อให้บรรลุสถานที่ที่นิ้วบางนิ้วเล่นรัวๆ ในขณะที่บางคนเป็นผู้นำธีม

เป็นการยากที่จะเล่นเพลงที่มีเนื้อหาซ้ำหลายครั้ง ดูเหมือนว่าควรจะเน้นและแสดงทุกที่ แต่ก็ไม่สามารถทำได้ทุกที่

เป็นการยากที่จะเตรียมตัว - คุณปล่อยให้เกิดอุบัติเหตุมากมาย

เพลงก็ไพเราะพอๆ กับยาก

ฉันต้องคิดถึงพวกเขาแต่ละคน ได้ยินพวกเขาแต่ละคน

มันยากมาก สิ่งที่สำคัญที่สุดคืออย่าทำให้พวกเขาสับสน ไม่สร้างความโกลาหล

แน่นอนว่าเราคุ้นเคยกับสิ่งประดิษฐ์รุ่นต่างๆ และฉันรู้ว่าที่โรงเรียนพวกเขาใช้รุ่น Busoni แต่เราทำงานกับสิ่งประดิษฐ์โดยใช้ urtext และเราทำเครื่องหมายคำศัพท์ทั้งหมดที่ปรากฏในงานด้วยสีที่ต่างกันใน urtext เพื่อที่ฉันจะได้เข้าใจโครงสร้างของงานได้ดีขึ้น เราฟังเพลงพรีลูดที่บันทึกไว้มากมาย และที่สำคัญที่สุด เราชอบการแสดงของ Glenn Gould - นี่คือเสียงของสิ่งประดิษฐ์ที่ฉันจินตนาการไว้

ฉันยังไม่เข้าใจว่าเสียงของ Bach ควรเป็นอย่างไร แต่ฉันรู้แน่นอนว่าควรมีความสามารถ มีอุปนิสัย บริสุทธิ์ เอาใจใส่ เข้มงวดและสวยงาม

และฉันชอบเมื่อพวกเขาพูดสั้น ๆ อย่างชาญฉลาด - แต่เข้าใจได้!

ตามสถิติ ปัจจุบันดนตรีเป็นเพลงที่มีการแสดงมากที่สุดในโลก เขามีมากที่สุด จำนวนมากนักเขียนชีวประวัติ

“ทุกคนรู้จักเขา - และไม่มีใครรู้จักเขา! - ความลับสุดยอด!

คุณรู้หรือไม่ว่าการบันทึกเสียงของ Brandenburg Concerto No. 2 ถูกส่งขึ้นสู่อวกาศในปี 1977 บนเรือลำอเมริกัน ยานอวกาศยานโวเอเจอร์เป็นการยกย่องความยิ่งใหญ่ของบาคโดยมนุษย์โลก ดนตรีของเขาบินไปสู่อารยธรรมใหม่

สัมผัสปุ่มแยกออก
เราทุกคนนำโดยศิลปินผมหงอก
เราเข้าสู่โลกที่ไร้ขอบเขตของบาค

ในขณะนั้นเหมือนกับนิ้วของออร์แกน
กลัวฝูงแกะขาวดำสองตัว
กับศิลปินผมหงอกสู่โลกที่เต็มไปด้วยหนาม
เข้าไปทำความเข้าใจความลับกัน

ประเภทของพฤกษ์

พฤกษ์มีหลายประเภท: พฤกษ์ต่างกัน, subvocal, เลียนแบบ, พฤกษ์พฤกษ์หลายธีม

เฮเทอโรโฟนี (จากภาษากรีก eteros - อื่น ๆ และ ponn - เสียง) - ประเภทของพหูพจน์ที่เกิดขึ้นระหว่างการแสดงทำนองเพลงร่วมกัน (เสียงร้องเครื่องดนตรีหรือผสม) เมื่อมีการเบี่ยงเบนจากทำนองหลักเกิดขึ้นในเสียงหนึ่งเสียงหรือมากกว่านั้น การเยื้องความแตกต่างอาจเกิดจากความแตกต่างตามธรรมชาติในความสามารถในการแสดงของเสียงและเครื่องดนตรีของมนุษย์ รวมถึงจากจินตนาการของนักแสดงด้วย แม้ว่าจะไม่มีอนุสรณ์สถานที่เป็นลายลักษณ์อักษรที่เชื่อถือได้ซึ่งแสดงให้เห็นถึงประวัติความเป็นมาของการพัฒนาของเฮเทอโรโฟนี แต่ก็มีร่องรอยของต้นกำเนิดของเฮเทอโรโฟนิก พฤกษ์พื้นบ้านเก็บรักษาไว้ทุกที่ ตัวอย่างของความแตกต่าง

Organum จาก Musicaenchiriadis ของ Hukbald

เพลงเต้นรำแห่งศตวรรษที่ 13 (จากคอลเลกชันของ X. I. Moser “TönendeAltertümer”)

เพลงพื้นบ้านลิทัวเนีย "Austausrelе, teksauleле" ("รุ่งอรุณไม่ว่าง")

Heterophony มีลักษณะเป็นตอนจบพร้อมเพรียงกัน (อ็อกเทฟ) การเคลื่อนไหวของเสียงแบบขนาน (ในสาม สี่ และห้า) และความเด่นของการซิงโครไนซ์ในการออกเสียงคำ I. Stravinsky ใช้ความเป็นไปได้ที่แสดงออกของความแตกต่างในบัลเล่ต์ "The Rite of Spring" และ "Petrushka"

พหุนาม Subvocal - ลักษณะพฤกษ์ประเภทของดนตรีพื้นบ้านรัสเซีย, ยูเครน, เบลารุส ตลอดจนผลงานศิลปะดนตรีมืออาชีพเชิงนิทานพื้นบ้าน ระหว่างการแสดงร้องเพลงประสานเสียง ในการเคลื่อนไหวช้าและปานกลาง (โคลงสั้น ๆ และงานแต่งงาน, การเต้นรำรอบช้า, คอซแซค) มีสาขาจากเพลงหลักและมีรูปแบบทำนองอิสระเกิดขึ้น - ซับโวคัล (อายไลเนอร์, ดิชคานต์, โกรยักและอื่น ๆ ) สัญญาณของพหุนาม subvocal: จำนวนเสียงที่แปรผัน (ปกติ 3 บางครั้ง 5 หรือมากกว่า) การเปิดและปิดเสียงฟรี การข้ามจำนวนมาก การใช้การเลียนแบบ (ไม่ถูกต้อง) การลงท้ายแบบพร้อมเพรียงและอ็อกเทฟ การออกเสียงพยางค์ของข้อความพร้อมกัน ตัวอย่าง พฤกษ์เสียงย่อย

เพลงจากคอลเลกชันของ E.V. Gippius และ Z.V. Evald "เพลงของ Pinezhye"

เพลง จากคอลเลกชันของ A. M. Listopadov "เพลงของ Don Cossacks"

ความเป็นไปได้ที่แสดงออกของเสียงพ้องเสียงย่อยถูกใช้โดย Mussorgsky ใน "Boris Godunov" (อารัมภบท), Borodin ใน "เจ้าชายอิกอร์", S. S. Prokofiev ใน "สงครามและสันติภาพ" (นักร้องประสานเสียงของทหาร), M. V. Koval ใน oratorio "Emelyan Pugachev" ( ชาวนา คณะนักร้องประสานเสียง)

ในความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลง พฤกษ์มีสองประเภทหลัก - เลียนแบบและไม่เลียนแบบ (หลายสี, ตัดกัน)พฤกษ์เลียนแบบ (จากภาษาละติน - "การเลียนแบบ") - ดำเนินการหัวข้อเดียวกันสลับกันด้วยเสียงที่ต่างกัน เทคนิคการเลียนแบบโพลีโฟนีมีหลากหลาย เช่น ชิ้นส่วนจากมวลของ G. Dufay”อะเวเรจินาคาเอโลรัม"

ใน พฤกษ์หลายธีม ท่วงทำนองที่แตกต่างกันบางครั้งก็ตรงกันข้ามกัน ตัวอย่างเช่นในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Symphony No. 5 โดย D.D. Shostakovich

ความแตกต่างระหว่างโพลีโฟนีเลียนแบบและโพลีโฟนีหลายธีมนั้นขึ้นอยู่กับอำเภอใจ เนื่องมาจากความลื่นไหลที่ยอดเยี่ยมในดนตรีโพลีโฟนิก เมื่อเมโลดี้ถูกรวมเข้าด้วยกันในการผกผัน เพิ่ม ลด และเคลื่อนที่แบบเรค ความแตกต่างในแนวนอนระหว่างท่วงทำนองจะเข้มข้นขึ้น และทำให้โพลิโฟนีเลียนแบบเข้าใกล้คอนทราสต์มากขึ้น:

ทำงานให้เสร็จ

1. กำหนดประเภทของพฤกษ์:

ก)