ดนตรีหมายถึงอะไร? ประวัติความเป็นมาของละครเพลงในรัสเซีย

ในหนังสือของเขาเรื่อง “On the Musical” E. Campus กล่าวถึงความขัดแย้งที่รู้จักกันดีของ Otto Schneidereit เกี่ยวกับโอเปเรตต้า และเสนอให้เรียบเรียงถ้อยคำใหม่ให้สัมพันธ์กับแนวดนตรี และนี่คือสิ่งที่เกิดขึ้น:

ละครเพลงเป็นแนวดนตรีที่มีการศึกษามากที่สุด

ละครเพลงเป็นแนวดนตรีที่มีการศึกษาน้อยที่สุด

ทุกคนรู้จักละครเพลงเพราะทุกคนรู้จักละครเพลง

ละครเพลงเรื่องนี้ไม่มีใครรู้จัก เพราะไม่มีใครรู้ว่าละครเพลงคืออะไร

ปัจจุบันไม่มีคำจำกัดความเดียวของละครเพลง นี่คือวิธีที่สารานุกรมดนตรีให้คำจำกัดความ: “ทางดนตรี ประเภทเวทีโดยใช้วิธีแสดงออกทางดนตรี การแสดงละคร การออกแบบท่าเต้น และ ศิลปะโอเปร่า- การผสมผสานและความสัมพันธ์กันทำให้ละครเพลงมีพลังพิเศษ ลักษณะเฉพาะของละครเพลงหลายเรื่องคือการแก้ปัญหาละครเวทีที่ร้ายแรงด้วยวิธีที่เข้าใจง่าย วิธีการทางศิลปะ».

ละครเพลง - ละครเพลงหรือที่พวกเขามักเขียนและพูด ละครเพลง - รูปแบบย่อของแนวคิด ละครเพลง (ละครเพลง) และ ละครเพลง (ละครเพลง การแสดงดนตรี)

ความพยายามที่จะนิยามละครเพลงมีความซับซ้อนมากขึ้นเนื่องจากข้อเท็จจริงที่ว่าแนวเพลงนี้มีการพัฒนาอย่างเห็นได้ชัดในช่วงศตวรรษที่ 20 การทดลองครั้งแรกในแนวเพลงนี้มีความคล้ายคลึงเล็กน้อยกับการแสดงในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา นอกจากนี้ละครเพลงยุโรปยังแตกต่างจาก "พี่น้อง" บรอดเวย์ของพวกเขาซึ่งแสดงออกมาทั้งในองค์กรและโดยตรงในเนื้อหาพล็อตของโปรดักชั่น

ละครเพลงเป็นหนึ่งในประเภทที่ทันสมัยที่สุดของละครเพลงสมัยใหม่ บางคนคิดว่ามันเป็นเพียงละครเวอร์ชั่นอเมริกัน ไม่มีข้อผิดพลาดใหญ่ในเรื่องนี้ ประเภทของศิลปะมีแนวโน้มที่จะวิวัฒนาการ และโอเปอเร็ตต้าได้เปลี่ยนแปลงชาติและศิลปะของตนซ้ำแล้วซ้ำเล่า ความจำเพาะของประเภท- ละครที่ซาบซึ้งและไพเราะของ I. Kalman และ F. Lehár แตกต่างจากละครเวียนนามาก ปลาย XIXศตวรรษและละครเพลงของนักเขียนโซเวียตแตกต่างจากผลิตภัณฑ์ของตะวันตกมากจนบางครั้งพวกเขาก็ก่อให้เกิดการพูดถึงพวกเขาเป็นแนวใหม่ แต่ในละครเพลงของอเมริกามีการก้าวกระโดดเชิงคุณภาพซึ่งทำให้หลายคนมองว่าละครเพลงเป็นประเภทละครเวทีอิสระแม้ว่าจะอยู่ในความสัมพันธ์ของเครือญาติที่ใกล้ชิดและความต่อเนื่องกับละครก็ตาม

ความแตกต่างเชิงโครงสร้างหลักระหว่างละครเพลงและละครเพลงนั้นพิจารณาจากบทบาทที่มอบให้กับดนตรีเมื่อเทียบกับฉากที่พูด นี่คือวิธีที่ผู้เขียนหนังสือ "In the World of Operetta" เขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้: "Operetta ซึ่ง คลาสสิกของยุโรปพวกเขาพยายามทำให้แนวเพลงนี้ใกล้เคียงกับโอเปร่ามากขึ้น และโดยส่วนใหญ่ยังคงรักษาลักษณะของรูปแบบดนตรีที่สอดคล้องกับวงดนตรีและตอนจบ พร้อมด้วยเพลงประกอบและองค์ประกอบของการพัฒนาซิมโฟนิก ละครเพลงเป็นมากกว่า รูปแบบการแสดงละครซึ่งดนตรีเป็นวิธีหนึ่งในการตัดต่อละครเวที ควบคู่ไปกับการออกแบบท่าเต้น ศิลปะพลาสติก เอฟเฟ็กต์การผลิต ฯลฯ” - ในเชิงโครงสร้าง ละครเพลงมีความใกล้เคียงกับละครประเภทนั้น ซึ่งในรัสเซียเช่นเดียวกับในประเทศอื่น ๆ เรียกว่า "ละครเพลง" และผู้สนับสนุนความบริสุทธิ์ของประเภทนี้บางครั้งก็แยกออกจากละครโดยพื้นฐาน มุมมองหลังนี้จัดขึ้นโดยนักแต่งเพลง I. Dunaevsky โดยเฉพาะ “ในละคร” เขากล่าว “ดนตรีมีบทบาทสำคัญในสิ่งที่เรียกว่าละครเพลงอาจไม่จำเป็น ในบทละคร การแสดงละครทั้งหมดหรือเกือบทั้งหมด การพัฒนาตัวละครและโครงเรื่องได้รับการแก้ไขโดยใช้ดนตรี การแสดงละครเพลงในละครจึงเป็นปัจจัยบังคับและสำคัญที่สุดในการประสานการเล่นทั้งหมด บทบาทของดนตรีในโอเปร่านั้นมีพื้นฐานเหมือนกับในโอเปร่า แต่แสดงออกมาด้วยเสียงที่ไพเราะและเป็นทางการน้อยกว่า คุณสามารถลบเพลงออกจากละครเพลงและแสดงละครตามปกติได้อย่างง่ายดาย โรงละครซึ่งเป็นสิ่งที่เราทำกันบ่อยๆ เป็นไปไม่ได้ที่จะลบเพลงออกจากโอเปเรตต้า เพราะมันเป็นตัวกำหนดบทละคร การพัฒนาโครงเรื่องทั้งหมดถูกสร้างขึ้นบนนั้น และในดนตรีประกอบ ตัวละครและการเคลื่อนไหวของพวกเขาในโครงเรื่องจะถูกกำหนด”

สิ่งที่ I. Dunaevsky พูดเกี่ยวกับละครและละครเพลงสามารถถ่ายโอนไปยังบทละครและละครเพลงได้ ในโอเปเรตต้า ในฐานะรูปแบบละครเวทีดนตรีหลักที่นักร้องต้องการเสียงร้องสูง องค์ประกอบหลักคือดนตรี ฉากสนทนามักทำหน้าที่เป็นสะพานสำหรับเตรียมดนตรีเท่านั้น บทละครไม่สามารถใช้เป็นพื้นฐานได้ การผลิตด้วยตนเอง- ในละครเพลง สถานที่หลักคือการแสดงละคร ซึ่งก็คือ วรรณกรรม ดังนั้นเนื้อหาโครงเรื่องจึงมีความสำคัญ เป็นสิ่งสำคัญที่ละครเพลงของสหรัฐอเมริกาได้รับรางวัลวรรณกรรมและละครหลายครั้งในบรรดาละครที่ดีที่สุดแห่งปี

ระดับวรรณกรรมระดับสูงของละครเพลงส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยข้อเท็จจริงที่ว่าตามพื้นฐานของพล็อตเรื่อง เป็นเรื่องปกติที่จะนำผลงานคลาสสิกและคลาสสิกที่เป็นที่รู้จักและบางครั้งก็โดดเด่นอย่างแท้จริง วรรณกรรมสมัยใหม่- แหล่งที่มาหลักสำหรับละครเพลงคือผลงานของ T. Plautus, W. Shakespeare, M. Cervantes, F. Voltaire, C. Dickens, B. Shaw, F. Molnar, S. Sholom Aleichem, J. O'Neill, V. . Hugo, B. Stoker, M. Mitchell, A. de Saint-Exupery ยังทันสมัยอีกมากมาย นักเขียนชาวอเมริกัน- ต. คาโปเต้

อี. ไรซ์, ที. ไวล์เดอร์, เอ็ม. แอนเดอร์สัน และคนอื่นๆ บทละครเพลงที่ดีที่สุดนั้นโดดเด่นด้วยธีมที่น่าสนใจ ตัวละครดั้งเดิม บทสนทนาที่ยอดเยี่ยม จุดสุดยอดที่งดงามบทเพลงบทกวีสูง นักแต่งเพลงและนักเขียนบทละครเพลงมักจะพูดและเขียนในฐานะหุ้นส่วนที่เท่าเทียมกัน

เช่นเดียวกับละครเวที ละครเพลงยังกล่าวถึงผู้ชมในภาษาสมัยใหม่ในชีวิตประจำวันและเพลงป๊อป แต่รูปแบบดนตรีที่นี่เรียบง่ายและกะทัดรัดกว่า ไม่มีการแสดงตอนจบแบบหลายตอนโดยละเอียด รูปแบบของเพลงโดดเด่น วงดนตรีหายาก แต่มักมีฉากของนักร้องเดี่ยวหรือนักร้องเดี่ยวหลายคนพร้อมคณะนักร้องประสานเสียง ละครเพลงเต็มไปด้วยแอ็คชั่น ทุกอย่างเป็นไปตามนี้ ทุกบทเพลง ทุกท่าเต้น และเพลงประกอบการ์ตูน ฉากการร้องและการเต้นควรเติบโตและพัฒนาจากฉากแอ็กชั่นโดยตรง พวกเขาจะต้องมีแรงจูงใจจากภายใน

โอเปร่าและโอเปร่าทำให้ผู้ชมคุ้นเคยกับฉากบัลเล่ต์ประเภทเปลี่ยนทิศทาง: บางครั้งสิ่งเหล่านี้เป็นตัวเลขที่แยกจากกัน บางครั้งห้องสวีททั้งหมดถูกขัดจังหวะ และหยุดการพัฒนาของอุบายหลัก มีดนตรีเป็นของตัวเอง ตัวอย่างที่ดีที่สุดเชื่อมโยงฉากดังกล่าวเข้ากับโครงเรื่องกับการพัฒนาตัวละคร ตอนบัลเล่ต์จึงเลิกใส่ตัวเลขและกลายเป็นส่วนหนึ่งของการแสดง แต่นี่ยังไม่เพียงพอ: การออกแบบท่าเต้นและการเคลื่อนไหวแบบพลาสติกกลายเป็น องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดในระบบการแสดงออกทางดนตรีควบคู่กับการร้อง ตามกฎแล้วหมายเลขดนตรีจะได้รับการแก้ไขแบบพลาสติกเช่นกัน บุคลิกของตัวละครถูกเปิดเผยผ่านการร้องเพลงและการเต้นรำ

ในโอเปร่าและโอเปเรตต้า นักออกแบบท่าเต้น-นักออกแบบท่าเต้นมักจะแสดงบทบาทรองและฉากที่มีความสำคัญไม่มากก็น้อย แต่ยังจำกัดอยู่เพียงตอนบัลเล่ต์และสิ่งที่เรียกว่า "นักเต้นสำรอง" ในทางปฏิบัติการแสดงละครเพลง เขามักจะเป็นผู้กำกับคนที่สอง บางครั้งก็เป็นเรื่องหลัก การออกแบบท่าเต้นแบบองค์รวมและการวาดภาพด้วยพลาสติกที่ชาญฉลาดอาจถือเป็นด้านที่น่าประทับใจที่สุดของการแสดงบรอดเวย์ที่ดีที่สุด

“แม้จะด้อยกว่าโอเปเรตต้าของยุโรปในเรื่องความเข้มข้นของการใช้เสียงร้อง แต่ละครเพลงก็ให้ความสนใจกับวิธีการแสดงออกแบบพลาสติกมากกว่ามาก” สถานการณ์เช่นนี้ ควบคู่ไปกับการพัฒนาแนวดราม่าอย่างระมัดระวัง ทำให้มีความต้องการพิเศษในด้านศิลปะของนักแสดงละครเพลง อุดมคติที่นี่คือการผสมผสานระหว่างคุณสมบัติของนักแสดง นักร้อง และนักเต้น ซึ่งเป็นสิ่งที่ซับซ้อนซึ่งหาได้ยากมาก โรงภาพยนตร์ทำให้เรามีโอกาสได้พบกับ "ดารา" แห่งละครเพลงอเมริกัน เรามีความยินดีที่ได้เห็น Julia Andrews ผู้มีเสน่ห์ (นักแสดงคนแรกในบทบาทของ Eliza Dolittle) บนหน้าจอในภาพยนตร์ที่ดัดแปลงจากละครเพลงของ R. Rodgers และ O. Hammerstein“ The Sound of Music”; นักแสดงภาพยนตร์ชื่อดัง ออเดรย์ เฮปเบิร์น แสดงในภาพยนตร์เรื่อง “My Fair Lady” ในภาพยนตร์เรื่องเดียวกัน บทบาทของพ่อของ Eliza เล่นได้อย่างยอดเยี่ยมโดย Stanley Holloway และศาสตราจารย์ Higgins เล่นได้อย่างยอดเยี่ยมโดย Rex Harrison ทั้งคู่เป็นผู้มีส่วนร่วมในการแสดงรอบปฐมทัศน์บรอดเวย์ครั้งแรกของละครเพลงเรื่องนี้ เราคุ้นเคยกับงานศิลปะของ Barbra Streisand นักแสดงนำในละครเพลงเรื่อง Funny Girl อย่างไรก็ตาม การแสดงบทบาทเฉพาะนี้ในละครบรอดเวย์ปี 1964 ถือเป็นจุดเริ่มต้นของความนิยมอย่างกว้างขวางของนักแสดง ทั้งหมดนี้ช่วยให้เราเข้าใจแนวคิดทั่วไปเกี่ยวกับความซับซ้อนเชิงสร้างสรรค์ของนักแสดงในละครเพลง อย่างที่คุณเห็นในบรรดานักแสดงละครเพลงมีนักร้องที่โดดเด่นเช่น Barbra Streisand และนักร้องที่มีความสามารถพอประมาณเช่น Julia Andrews ในละครเพลงหลายเรื่อง ศิลปินไม่จำเป็นต้องร้องเพลงมากนัก แต่ต้องออกเสียงท่อนร้องของเขาอย่างแสดงออกและเป็นจังหวะ ดังที่เร็กซ์ แฮร์ริสันทำอย่างเชี่ยวชาญในบทบาทของศาสตราจารย์ฮิกกินส์ อย่างไรก็ตาม ไม่ว่าในกรณีใด นักแสดงดนตรีจะต้องมีดนตรีภายในที่ยอดเยี่ยม มีความรู้สึกของจังหวะ ตระหนักถึงดนตรีเป็นความต่อเนื่องของคำพูด และการแสดงออกของตัวละคร เช่นเดียวกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับงานศิลปะพลาสติก ซึ่งควรให้บริการนักแสดงในฐานะเครื่องมือในการแสดงความคิดและอุปนิสัย เป็นธรรมชาติเหมือนกับการร้องเพลงหรือบทสนทนา ดังนั้นละครเพลงจึงอาศัยนักแสดงที่มีความสามารถระดับสากลหรือบางครั้งเรียกว่า "สังเคราะห์" นั่นคือผู้ที่มีความสามารถในการสังเคราะห์รวมทักษะทางวิชาชีพประเภทต่างๆ - คำพูดการแสดงออกทางสีหน้าการร้องเพลงพลาสติกการเต้นรำการอยู่ใต้บังคับบัญชา ให้เป็นพฤติกรรมบนเวทีบรรทัดเดียว งานสร้างภาพลักษณ์ทั้งหมด ความเก่งกาจดังกล่าวพบได้ในหมู่นักแสดงประเภทและความสามารถพิเศษที่แตกต่างกัน

ข้อกำหนดของความเป็นสากลนั้นถูกกำหนดโดยละครเพลงไม่เพียง แต่กับ "ดวงดาว" เท่านั้น แต่ยังรวมถึงวงดนตรีทั้งหมดด้วย ฉากวงดนตรีที่ได้รับการออกแบบอย่างพิถีพิถันและมีประสิทธิภาพทำให้ผู้ชมชาวยุโรปในผลงานของอเมริกาประหลาดใจมากที่สุด ซึ่งคุ้นเคยกับบทละครไปจนถึงตอนร้องเพลงประสานเสียง ไปจนถึงกลุ่มนักร้องประสานเสียงที่ไร้หน้า ไปจนถึงจำนวนบัลเล่ต์ที่ไม่เกี่ยวข้องกับการแสดงหลักเลย ดูเหมือนว่าการผลิตการแสดงเช่น "My Fair Lady" หรือ "West Side Story" จะดำเนินการในแต่ละกรณีโดยคณะละครที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในความสามารถของตน ใน ในระดับหนึ่งนี่เป็นกรณีที่เกิดขึ้นบ่อยครั้งและโดยเฉพาะอย่างยิ่งใน เมื่อเร็วๆ นี้คณะละครจะถูกคัดเลือกเพื่อการผลิตเพียงรายการเดียวเท่านั้น ความยากลำบากในการสร้างวงดนตรีที่รุมเร้าผู้กำกับอย่างสม่ำเสมอเมื่อย้ายละครเพลงอเมริกันไปยังเวทียุโรปรวมถึงเวทีรัสเซีย - ไปยังโรงละครที่มีคณะถาวรและละครเพลงที่หลากหลายและกว้างขวาง

ลักษณะทางศิลปะของละครเพลงมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับประเพณีการแสดงละครของอเมริกาและการปฏิบัติละครที่มีอยู่ในสหรัฐอเมริกา การโฆษณาที่เกินขอบเขตรอบ ๆ "ดารา" ที่เกี่ยวข้องกับการเล่นผู้กำกับและโปรดิวเซอร์เป็นเพื่อนที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของละครเพลงตลอดจนความปรารถนาที่จะเปลี่ยนท่วงทำนองให้กลายเป็นเพลงฮิตทั่วโลกด้วยวิธีที่นิยมทุกรูปแบบ

มุมมองดั้งเดิมของละครเพลงในฐานะศิลปะเพื่อความบันเทิงไม่ได้ยกเว้นข้อเท็จจริงที่ว่าศิลปะนี้ทำหน้าที่เป็นกระจกเงาของชีวิตทางสังคม ความสำเร็จทางศิลปะของละครเพลงทำให้ละครเพลงกลายเป็นสมบัติของชาติไม่เพียงแต่ประเทศเดียวเท่านั้น แต่ยังส่งผลกระทบร้ายแรงต่อละครเพลงสมัยใหม่ด้วย

มหาวิทยาลัยแห่งรัฐอูกรา

ด้านมนุษยธรรม สถาบัน

ภาควิชาการสอนและจิตวิทยา

บทคัดย่อในหัวข้อ

"ดนตรีเป็นแนวดนตรี"

ตามหลักวิชาการ

“ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาความหลงใหลและดนตรีแจ๊ส »

ดำเนินการ:

นักเรียนปีสี่

กลุ่มหมายเลข 9175

ของเธอ. โซโคโลวา

ตรวจสอบแล้ว:

รองศาสตราจารย์ภาควิชา

การศึกษาด้านดนตรี

น.เอ็ม. โพรโวซินา

คันตี-มานซีสค์

1. ละครเพลงคืออะไร?

2. “วิถีอเมริกัน” ของการพัฒนาทางดนตรี

3. ละครเพลงในรัสเซีย

บรรณานุกรม.

ละครเพลงคืออะไร?

ศิลปะดนตรีร่วมสมัยเต็มไปด้วยแนวเพลงและกระแสที่หลากหลาย ปัจจุบันคุณสามารถพบกับตัวแทนของ โรงเรียนคลาสสิกและต่างๆ วัฒนธรรมย่อยของเยาวชนและทุกประเภท สไตล์ดนตรี- ละครเพลงคืออะไรและคุณลักษณะของแนวเพลงที่เป็นเอกลักษณ์นี้คืออะไร?

ละครเพลง (บางครั้งเรียกว่าละครเพลง) เป็นงานละครเพลงที่มีบทสนทนา เพลง ดนตรีผสมผสานกัน และท่าเต้นมีบทบาทสำคัญ

ละครเพลงเป็นประเภทละครเวทีพิเศษที่ศิลปะการละคร ดนตรี เสียงร้อง การออกแบบท่าเต้น และศิลปะพลาสติกผสมผสานกันเป็นหนึ่งเดียวกันอย่างแยกไม่ออก การผสมผสานและความสัมพันธ์ของพวกเขาทำให้ดนตรีมีพลวัตที่ไม่ธรรมดาลักษณะเฉพาะของละครเพลงหลายเรื่องคือการแก้ปัญหาละครที่ร้ายแรงโดยใช้วิธีการทางศิลปะที่ไม่ยากที่จะรับรู้ บน เวทีที่ทันสมัย- หนึ่งในประเภทที่ซับซ้อนและมีเอกลักษณ์ที่สุดซึ่งสะท้อนให้เห็นสไตล์เกือบทั้งหมดในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่น ศิลปะการแสดงที่มีอยู่ก่อน ในขณะที่ละครเพลงกำลังเปิดอยู่ ชั้นต้นหลายคนไม่เชื่อในความสำเร็จของมัน

องค์ประกอบหลักสามประการของละครเพลงคือ ดนตรี เนื้อเพลง และบทเพลง บทละครเพลงหมายถึง "ละคร" หรือเรื่องราวของการแสดง - อันที่จริงเป็นคำพูด (ไม่ใช่เสียงร้อง) อย่างไรก็ตาม "libretto" ยังสามารถหมายถึงบทสนทนาและเนื้อเพลงร่วมกันได้ เช่นเดียวกับบทเพลงในโอเปร่า ดนตรีและเนื้อเพลงรวมกันเป็นโน้ตเพลง การตีความละครเพลง กลุ่มสร้างสรรค์มีอิทธิพลอย่างมากต่อวิธีการนำเสนอละครเพลง ทีมงานสร้างสรรค์ประกอบด้วยผู้กำกับ ผู้กำกับเพลง และมักจะเป็นนักออกแบบท่าเต้น การผลิตละครเพลงยังมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างสร้างสรรค์ด้วยด้านเทคนิค เช่น ฉาก เครื่องแต่งกาย คุณสมบัติบนเวที แสง ฯลฯ โดยทั่วไปจะแตกต่างกันไปในแต่ละการผลิต (แม้ว่าลักษณะเด่นบางประการของการผลิตมีแนวโน้มที่จะคงอยู่จากการผลิตดั้งเดิม เช่น การออกแบบท่าเต้นของ Bob Fosse ในชิคาโก)

ละครเพลงมีความยาวไม่ตายตัว และอาจอยู่ได้ตั้งแต่การแสดงสั้น ๆ ไปจนถึงการแสดงหลายองก์และหลายชั่วโมง (หรือแม้แต่หลายตอนเย็น) อย่างไรก็ตาม ละครเพลงส่วนใหญ่จะใช้เวลาประมาณครึ่งชั่วโมงถึงสามชั่วโมง ละครเพลงในปัจจุบันมักนำเสนอเป็นสององก์ โดยพักหนึ่งช่วงสิบถึง 20 นาที องก์แรกมักจะยาวกว่าองก์ที่สองเกือบตลอดเวลา และโดยทั่วไปจะเป็นตัวแทน ที่สุดดนตรี. ละครเพลงอาจมีโครงสร้างประมาณ 4-6 บทเพลงหลัก ซึ่งเล่นซ้ำตลอดการแสดง หรืออาจประกอบด้วยเพลงหลายเพลงที่ไม่เกี่ยวข้องกับดนตรีโดยตรง บทสนทนาที่พูดมักจะสลับระหว่างตัวเลขดนตรี แม้ว่าจะไม่รวมการใช้ "บทสนทนาที่มีเสียง" หรือการบรรยายก็ตาม

“วิถีอเมริกัน” ของการพัฒนาละครเพลง

ละครเพลงอายุเท่าไหร่? ศิลปะการเล่าเรื่องผ่านบทเพลงมีมาแต่โบราณกาล เรารู้ว่าชาวกรีกโบราณรวมดนตรีและการเต้นรำไว้ในการแสดงละครของพวกเขาตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช บางคนเขียนเพลงพิเศษสำหรับละครเพลงแต่ละเรื่อง และบางเพลงก็ใช้เพลงที่มีอยู่แล้ว บทละครเหล่านี้ผสมผสานการเสียดสีทางการเมืองและสังคม และสิ่งอื่นใดที่สามารถสร้างความบันเทิงให้กับมวลชนได้ ด้วยความช่วยเหลือของเพลง คุณสามารถแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับการกระทำ พูดคุยเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้น ฯลฯ

ชาวโรมันคัดลอกรูปแบบและประเพณีของโรงละครกรีกเกือบทั้งหมด แต่ก็ได้ทำการเปลี่ยนแปลงบางอย่างด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่งพวกเขาเริ่มวางรองเท้าด้วยโลหะเพื่อให้สามารถได้ยินการเคลื่อนไหวของนักเต้นได้ดีขึ้นซึ่งเริ่มเน้นถึงความสำคัญของเอฟเฟกต์พิเศษ

ละครเพลงสมัยใหม่รุ่นก่อนมีแนวเพลงเบา ๆ มากมาย: โอเปเรตต้า, โอเปร่าการ์ตูน, เพลง, ล้อเลียน โดยทั่วไปบางคนคิดว่ามันเป็นเพียงละครเวอร์ชั่นอเมริกัน ไม่มีข้อผิดพลาดใหญ่ในเรื่องนี้ แนวเพลงมีแนวโน้มที่จะมีวิวัฒนาการ และโอเปอเร็ตต้าได้เปลี่ยนแปลงลักษณะเฉพาะของชาติและแนวเพลงมากกว่าหนึ่งครั้ง บทละครที่ซาบซึ้งและไพเราะของ I. Kalman และ F. Lehár แตกต่างจากบทละครของเวียนนาในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 อย่างมาก และละครเพลงของนักเขียนโซเวียตก็แตกต่างจากผลงานของตะวันตกมากจนบางครั้งพวกเขาก็ก่อให้เกิดการพูดถึงพวกเขาเช่นกัน แนวเพลงใหม่ คำว่า "นี่ไม่ใช่ละคร" เป็นที่รู้จักกันดีในหมู่นักเขียนบทละครในศตวรรษที่ 20 หลายคน ความแตกต่างเชิงโครงสร้างหลักระหว่างละครเพลงและละครเพลงนั้นพิจารณาจากบทบาทที่มอบให้กับดนตรีเมื่อเทียบกับฉากที่พูด ละครส่วนใหญ่ยังคงรักษาลักษณะของรูปแบบดนตรีที่ยั่งยืนไว้ ทั้งวงดนตรีและตอนจบ พร้อมด้วยเพลงประกอบและองค์ประกอบของการพัฒนาซิมโฟนิก ละครเพลงในระดับที่สูงกว่าคือรูปแบบการแสดงละครซึ่งดนตรีเป็นวิธีหนึ่งในการตัดต่อดนตรีบนเวทีควบคู่ไปกับการออกแบบท่าเต้นความเป็นพลาสติกเอฟเฟกต์การผลิต ฯลฯ ” ในโครงสร้างละครเพลงมีความใกล้เคียงกับประเภทของโอเปเรตต้า ที่เรามีเช่นเดียวกับในประเทศอื่น ๆ ได้รับชื่อ "ละครเพลง" และผู้สนับสนุนความบริสุทธิ์ของแนวเพลงซึ่งบางครั้งก็แยกออกจากละครโดยพื้นฐาน มันอยู่ในละครเพลงอเมริกันที่มีการก้าวกระโดดเชิงคุณภาพซึ่งทำให้หลายคนพิจารณาละครเพลง เป็นประเภทละครเวทีอิสระ แม้ว่าจะมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับบทละครก็ตาม

บทบาทอย่างมากในการเกิดขึ้นของละครเพลง (ใคร ๆ ก็สามารถพูดได้ว่าดนตรีปรากฏขึ้นเนื่องจากประเภทนี้) เล่นโดยดนตรีแจ๊สซึ่งเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ค่อยๆ ไม่ใช่แค่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังเป็นวิธีคิดด้วย โดยได้แทรกซึมเข้าไปในวัฒนธรรมศิลปะทุกแขนง รวมถึงโรงละครด้วย ค่อยๆ ได้รับการยอมรับว่าเป็นต้นฉบับ เพลงชาติการประพันธ์เพลงแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมมากขึ้น ในช่วงต้นทศวรรษ 1940 เป็นการยากที่จะหาการแสดงประเภทละครเพลง-ตลกที่ไม่มีเพลงแจ๊ส เมื่อเปรียบเทียบกับพวกเขาแล้ว เรื่องไม่สำคัญของฉากและภาพร่างอื่นๆ ดูหยาบคายมากขึ้น การก้าวกระโดดเชิงคุณภาพในการแสดงดนตรีและละครเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ แนวความคิดดนตรีแจ๊สได้รวมแนวดนตรีและความบันเทิงทั้งหมดที่ไม่แตกต่างกันจนเกินไปมาไว้บนหลักการใหม่ ทำให้เกิดความสดใสและเป็นธรรมชาติที่ลึกซึ้งอย่างเหนือความคาดหมาย การเปลี่ยนแปลงธรรมชาติของดนตรีทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานในการแสดงละครอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ดังนั้น เมื่อถึงจุดตัดของการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้ ละครเพลงจึงเกิดขึ้น

ประวัติศาสตร์ละครเพลงโลกในปัจจุบันย้อนกลับไปประมาณ 100 ปี แม้ว่าผู้เชี่ยวชาญบางคนจะถือว่าโอเปร่าเรื่อง "Carmen" ของ Georges Bizet (1874) เป็นละครเพลงเรื่องแรกของโลก แต่บางคนก็ไปไกลกว่านั้นและเริ่มนับรวมกับ "The Magic Flute" ของ Mozart (1791) ผู้บุกเบิกละครเพลงอย่างไม่มีข้อโต้แย้งถือได้ว่าเป็น Opera ของ John Gay's Beggar's Opera (1787) หรือละครโอเปร่าการ์ตูนของ Gilbert และ Sullivan (กลางศตวรรษที่ 19) ละครเพลงอเมริกันเรื่องแรกถือเป็น "Show Boat" โดยนักแต่งเพลง Jerome Kern และนักเขียนบท Oscar Hammerstein (1927) นับเป็นครั้งแรกที่ระดับการบูรณาการระหว่างข้อความและดนตรีถึง "ความสอดคล้องทางดนตรี" อย่างไรก็ตาม ในขณะนั้น “เรือลอยน้ำ” ไม่ได้เรียกว่าละครเพลง แต่เป็นละครเพลงตลกด้วย

วันเกิดอย่างเป็นทางการของแนวใหม่นี้ถือเป็นเดือนมีนาคม พ.ศ. 2486 เมื่อละครเปิดตัวครั้งแรกที่บรอดเวย์ โอคลาโฮมา!อาร์. โรเจอร์ส และ โอ. แฮมเมอร์สเตน. แม้ว่าในตอนแรกผู้เขียนจะเรียกการแสดงของพวกเขาว่า "ละครเพลงตลก" แต่สาธารณชนและนักวิจารณ์มองว่ามันเป็นนวัตกรรมที่ทำลายหลักการที่เป็นที่ยอมรับ การแสดงมีองค์ประกอบเดียวทั้งหมด: ไม่มีการแทรกเสียงร้องและการเต้นที่หลากหลาย โครงเรื่อง ตัวละคร ดนตรี การร้อง - ทุกองค์ประกอบดำรงอยู่อย่างแยกไม่ออก เน้น และพัฒนาด้วยวิธีการต่างๆ แนวทั่วไปของงานละครเวที เบื้องหลังพล็อตที่เรียบง่ายและไม่โอ้อวดคือค่านิยมพื้นฐาน - ความรัก ชุมชนสังคม ความรักชาติ ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่สิบปีต่อมารัฐโอคลาโฮมาได้ประกาศให้เพลงนี้เป็นเพลงอย่างเป็นทางการ

หลังจากรอบปฐมทัศน์ซึ่งประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ ผู้เขียนได้เสนอคำศัพท์ใหม่เพื่อระบุประเภทของละคร: ละครเพลง ดนตรี โอคลาโฮมา!ไม่ได้ออกจากเวทีบรอดเวย์มานานกว่าห้าปี หลังจากนั้นเขาได้เดินทางไปทัวร์ทั่วอเมริกา ในปี 1944 เขาได้รับรางวัลพูลิตเซอร์ เป็นครั้งแรกที่มีการเปิดตัวแผ่นเสียงโดยมีการบันทึกไม่ใช่หมายเลขดนตรีของแต่ละบุคคล แต่เป็นของการแสดงทั้งหมด ภาพยนตร์เรื่องนี้สร้างขึ้นในปี 1955 โอคลาโฮมา!ซึ่งคว้าสองรางวัลออสการ์ สาขาดนตรียอดเยี่ยม และงานเสียงยอดเยี่ยม ในปี พ.ศ. 2545 มีการแสดงบนเวทีบรอดเวย์อีกครั้ง ประกาศ Drama League of New York แล้ว โอคลาโฮมา! ดนตรีที่ดีที่สุดศตวรรษ.

ยุคใหม่จึงเริ่มต้นขึ้นในประวัติศาสตร์ของโรงละครอเมริกันแห่งแรกและระดับโลกซึ่งได้รับเกียรติจากนักแต่งเพลงเช่น J. Gershwin, R. Rogers, L. Bernstein, E. Lloyd Webber, J. Herman และคนอื่น ๆ

ในอเมริกา ศูนย์กลางของการแสดงดนตรีและละครที่มีชีวิตชีวาเช่นนี้ แน่นอนว่าคือบรอดเวย์ ถนนอันเป็นเอกลักษณ์ของนิวยอร์ก ที่ซึ่ง เป็นจำนวนมากโรงละครและห้องแสดงดนตรีดึงดูดจินตนาการของทั้งนักแสดงและผู้ชมมาโดยตลอด ละครเพลงบรอดเวย์ได้กลายเป็นแบรนด์ที่แท้จริง ดาราฮอลลีวู้ดพวกเขามีส่วนร่วมในการผลิตในท้องถิ่นเป็นระยะ ๆ และผู้ชื่นชอบละครก็อ่านบทวิจารณ์การแสดงใหม่ ๆ ในหนังสือพิมพ์อย่างกระตือรือร้น ที่สี่แยกบรอดเวย์และถนน 42 คือไทม์สแควร์ซึ่งเป็นที่ตั้งของโรงละครบรอดเวย์ที่มีชื่อเสียง ปัจจุบัน ย่านนี้เป็นที่ตั้งของโรงละครขนาดใหญ่ประมาณ 40 โรง ซึ่งเป็นพื้นฐานของวัฒนธรรมการแสดงละครของอเมริกา ดังนั้นชื่อของถนนจึงกลายเป็นชื่อที่ใช้ในครัวเรือนมายาวนานซึ่งตรงกันกับศิลปะนี้ในสหรัฐอเมริกาโดยหลักการ

บรอดเวย์เป็นผู้กำหนดโทนเสียงในโลกแห่งละครเพลงมาหลายปี ในช่วงวัยยี่สิบและสามสิบ นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกของละครเพลง ได้แก่ Rudolf Friml (Rosemary, 1924), Oscar Hammerstein (The Floater, 1927) และ George Gershwin (I Sing of You, 1931) , - ละครเพลงเรื่องแรก ชนะรางวัลพูลิตเซอร์; โอเปร่าพื้นบ้าน "Porgy and Bess", 2478) ในปี 1937 ละครเพลงเริ่มสูญเสียพื้นที่โดยเปิดทางให้กับคู่แข่งที่น่าเกรงขาม - ภาพยนตร์ การพัฒนาภาพยนตร์เสียงทำให้เกิดความปรารถนาที่จะฟังเพลงและเพลงจากหน้าจอในทันทีและประเภทใด ดีกว่าละครเพลงเหมาะกับสิ่งนี้เหรอ?

อย่างไรก็ตาม ละครเพลงก็รอดมาได้บนเวที ในปีพ.ศ. 2486 "โอคลาโฮมา!" อันโด่งดัง! ร็อดเจอร์สและแฮมเมอร์สเตนซึ่งได้รับการกล่าวถึงแล้ว ต่อมาถ่ายทำด้วยความสำเร็จอย่างน่าทึ่ง ตรง "โอคลาโฮมา!" กำหนดโทนเสียงสำหรับการพัฒนาละครเพลงรอบใหม่

ในปีต่อๆ มา บรอดเวย์ได้ผลิตละครเพลงยอดนิยมเกือบทุกปี The Threepenny Opera โดย Bertolt Brecht ซึ่งเขียนขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ประสบความสำเร็จอย่างมาก ร็อดเจอร์สและแฮมเมอร์สเตนนำเสนอเรื่อง The King and I นำแสดงโดยเกอร์ทรูด ลอว์เรนซ์และยูล บรีนเนอร์ และ The Sound of Music แต่จุดสุดยอดของละครเพลงในยุคห้าสิบคือหนึ่งในละครเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล - My Fair Lady ของ Frederick Loewe บทเพลงของ "My Fair Lady" เขียนขึ้นจาก "Pygmalion" อันโด่งดังของ Bernard Shaw Lowe และผู้เขียนร่วมของเขาขออนุญาต Shaw หลายครั้งเพื่ออนุญาตให้แสดงละครเพลงที่มีพื้นฐานมาจาก Pygmalion แต่คลาสสิกของอังกฤษปฏิเสธอย่างดื้อรั้นโดยพิจารณาว่าละครเพลงเป็นประเภทที่ "ไร้สาระ" เมื่อ "The Lady" ปรากฏตัวบนเวทีในที่สุด ก็เห็นได้ชัดว่าละครเพลงสามารถนำเสนอเรื่องราวคลาสสิกได้ค่อนข้างมาก และแน่นอน ในอนาคตสามารถสืบได้ว่าแหล่งที่มาของละครเพลงหลักที่น่าทึ่งคือผลงานของ W. Shakespeare, M. Cervantes, C. Dickens, B. Shaw, T. S. Eliot, D. Hayward และคนอื่น ๆ

เธอได้เดบิวท์ในเรื่อง "My Fair Lady" นักแสดงหญิงที่ยอดเยี่ยมละครเพลง Julia Andrews ซึ่งต่อมามีชื่อเสียงใน ภาพยนตร์ดนตรี"เสียงดนตรี" และ "แมรี่ ป๊อปปินส์" นอกจากนี้ในยุค 50 ยังเห็นถึงความรุ่งเรืองของผลงานของ Leonard Bernstein นักแต่งเพลงชาวอเมริกันผู้ยิ่งใหญ่ เป็นเรื่องที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงผลงานสามชิ้นของเขา: "Wonderful City", "Candide" และ "West Side Story" ซึ่งจะยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ของละครเพลงตลอดไป

ในอายุหกสิบเศษ บรอดเวย์ได้มอบละครเพลงที่น่าจดจำให้กับโลก สาวตลกของ Stine ทำให้ Barbra Streisand เป็นดารา ในปี 1969 บาร์บรา สไตรแซนด์ลงเล่น บทบาทหลักในภาพยนตร์ดัดแปลงจากละครเพลงบรอดเวย์เรื่อง Hello, Dolly! เฮอร์มานา ผลงานศิลปะชิ้นเอกแห่งทศวรรษคือละครเพลงคาบาเรต์ของ John Kander ซึ่งทำให้บรรยากาศของกรุงเบอร์ลินฟื้นคืนชีพขึ้นมาอย่างงดงามในช่วงทศวรรษที่สามสิบ Cabaret เป็นการกำกับเรื่องแรกของ Harold Prince ผู้กำกับละครเพลงบนเวทีที่โด่งดังที่สุดในปัจจุบัน นักออกแบบท่าเต้นและผู้กำกับชื่อดัง Bob Fosse เข้ามามีส่วนร่วมในการผลิตในเวลาต่อมา

และความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของทศวรรษที่ 60 ก็คือ... อีกครั้งหนึ่งที่เป็นละครเพลงที่สร้างจากเนื้อเรื่องคลาสสิก คราวนี้คือ "Fiddler on the Roof" โดย Jerry Bock จาก "Tevye the Milkman" โดย Sholom Aleichem "Fiddler on the Roof" ดำเนินรายการในนิวยอร์กเป็นเวลาเกือบแปดปีซึ่งเป็นกรณีที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนในประวัติศาสตร์ของบรอดเวย์ซึ่งต้องการสิ่งใหม่อยู่เสมอ

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 60 โรงภาพยนตร์บนถนนบรอดเวย์หมดลงอย่างรวดเร็ว แนวดิสโก้ ร็อค และดนตรีใหม่อื่น ๆ ขึ้นอันดับหนึ่งในชาร์ต เพลงจากละครเพลงสูญเสียความนิยม ละครเพลงสูญเสียสื่อ - และผู้คนต่างไปฟังเพลงใหม่ที่ทันสมัย บนถนนบรอดเวย์ ความล้มเหลวตามมาด้วยความล้มเหลว โชคดีสำหรับประเภทนี้ นักแต่งเพลงบางคนเริ่มมีความคิดที่ว่าถ้าละครเพลงเป็นศิลปะสังเคราะห์ ทำไมไม่ผสมผสานแนวคิดนี้เข้าด้วยกัน การผลิตละครกับ แนวโน้มแฟชั่นในด้านดนตรี?

Galt McDermot เป็นคนแรกที่นำดนตรีร็อคมาสู่เวทีดนตรีในละครเพลงเรื่องอื้อฉาวเรื่อง Hair ชิคาโกที่ลิ้นแก้มของ John Kander ซึ่งออกแบบท่าเต้นโดย Bob Fosse ได้ฟื้นจังหวะการเต้นของยุค 20 และละครเพลงบรอดเวย์ที่ดีที่สุดในยุค 70 ถือเป็น "Corpor de Ballet" โดย Marvin Hamlisch ซึ่งพูดถึง "ครัว" บรอดเวย์ - กำลังมองหานักเต้นเพื่อเข้าร่วมคณะสำหรับการผลิตใหม่ ละครเพลงเรื่องนี้ได้รับรางวัลพูลิตเซอร์ ร็อคและ เรื่องราวในพระคัมภีร์ Andrew Lloyd Webber ไม่ใช่คนแรกที่เชื่อมต่อ ละครเพลงร็อคเรื่องแรกๆ คือ "The Enchantment of the Lord" โดย Stephen Schwartz ที่สร้างจาก... the Gospel of Matthew และเมื่อถึงช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 70 และ 80 ทันใดนั้น "ละครเพลงที่ทำให้โลกช็อค" ก็ปรากฏขึ้น เรากำลังพูดถึง Les Misérables โดย Alain Boublil และ Claude-Michel Schonberg โลกแห่งละครเพลงไม่เคยเห็นอะไรแบบนี้มาก่อน แน่นอนว่านี่ไม่ใช่ละครเพลงเรื่องแรกที่จัดตาม วรรณกรรมคลาสสิกแต่เป็นครั้งแรกบนเวทีละครเพลงขนาดใหญ่ขนาดนี้ จิตรกรรมประวัติศาสตร์- นิยายของวิกเตอร์ อูโกเกี่ยวพันกับเหตุการณ์จริง วีรบุรุษโคลงสั้น ๆพบว่าตัวเองอยู่ในใจกลางของหม้อน้ำประวัติศาสตร์ นี่เป็นครั้งแรกที่ฉากร้องเพลงประสานเสียงอันทรงพลังเช่นนี้ปรากฏในละครเพลง นอกจากนี้ผู้เขียนเกือบจะละทิ้งบทสนทนาพูดโดยสิ้นเชิงทำให้การแสดงใกล้เคียงกับโอเปร่ามากที่สุด ผู้แต่งละครเพลงเป็นชายหนุ่มชาวฝรั่งเศสสองคนซึ่งห่างไกลจากประเพณีบรอดเวย์ เห็นได้ชัดว่าพวกเขาเพียงต้องการสร้างการแสดงดนตรีที่มีพื้นฐานมาจากคลาสสิกของฝรั่งเศส

ในไม่ช้า ละครเพลงอเมริกันก็เริ่มมีชัยชนะไปทั่วโลก อย่างไรก็ตาม ผลงานในยุโรปของพวกเขาเต็มไปด้วยปัญหาร้ายแรง ความจริงก็คือการฝึกอบรมบนเวทีที่เป็นเอกลักษณ์ของนักแสดงสากลที่ตรงตามข้อกำหนดของละครเพลงนั้นถูกกำหนดโดยรูปแบบหนึ่งของการแสดงละครที่นำมาใช้ในบรอดเวย์: องค์กรเมื่อคณะเฉพาะรวมตัวกันเพื่อดำเนินโครงการเฉพาะ รูปแบบขององค์กรกำหนดการคำนวณความสำเร็จเชิงพาณิชย์ของงานอย่างรอบคอบ เน้นที่ศิลปะของทีมสร้างสรรค์และศิลปะของโปรดิวเซอร์อย่างเท่าเทียมกัน งานละครดำเนินการโดยใช้วิธี "การแช่ลึก" เนื่องจากปฏิเสธที่จะเข้าร่วมในโครงการอื่น การแสดงที่เสร็จสมบูรณ์ซึ่งนำไปสู่ความสมบูรณ์แบบทางเทคโนโลยีจะดำเนินการอย่างต่อเนื่องตราบใดที่มีความต้องการของผู้ชม (หากประสบความสำเร็จเป็นเวลาหลายปี) การสัมผัสการแสดงดังกล่าวกับผู้ชมสามารถเปรียบเทียบได้กับการรับรู้ของภาพยนตร์: ไม่ว่าผู้ชมจะมีปฏิกิริยาอย่างไร งานศิลปะก็ไม่เปลี่ยนแปลง มันถูกสร้างขึ้นเพียงครั้งเดียวและตลอดไป การแสดงของผู้ประกอบการไม่สามารถยอมให้เกิดความผันผวนในปฏิกิริยาของผู้ชมได้: ความสนใจในโครงการที่ลดลงนั้นเท่ากับความตาย

ยุโรป ประเพณีการแสดงละครโรงละครที่อยู่กับที่ซึ่งมีคณะละครถาวรและละครขนาดใหญ่และหลากหลายนั้นเป็นเรื่องปกติมากกว่า สิ่งนี้กำหนดสไตล์การทำงานที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงและความสัมพันธ์ประเภทต่าง ๆ กับผู้ชม: มีความใกล้ชิดและซับซ้อนมากขึ้น นักแสดงละครแปลงร่างเป็นบทบาทที่แตกต่างกันทุกวัน สร้างการติดต่อกับผู้ชมอีกครั้งในการแสดงแต่ละครั้ง ดึงดูดความสนใจและปรับตัวให้เข้ากับปฏิกิริยา หอประชุม- ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่เชื่อกันว่าในโรงละครแห่งนี้ไม่มีการแสดงที่เหมือนกันสองแบบ: สำเนียงเชิงความหมาย ความแตกต่างของความสัมพันธ์ และบุคลิกของตัวละครเปลี่ยนไปขึ้นอยู่กับสถานะทางจิตฟิสิกส์ของนักแสดง และการเปิดกว้างและอารมณ์ของผู้ชม . และหากโรงละครได้รับเงินอุดหนุน แน่นอนว่าความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ของการแสดงก็ยังคงมีความสำคัญ แต่ก็ไม่ใช่เงื่อนไขสำคัญสำหรับการดำรงอยู่ของมัน ทั้งหมดนี้ทำให้การสร้างมาตรฐานของการผลิตและการปฏิบัติงานทางเทคนิคที่นักแสดงต้องเผชิญมีความซับซ้อนอย่างมาก โอกาสที่ผลงานละครเพลงจะประสบความสำเร็จจึงลดลง

อย่างไรก็ตาม แนวดนตรีกลายเป็นที่ดึงดูดใจนักแสดงจากทุกประเทศและทุกสไตล์ละครเป็นอย่างมาก ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นเพราะความต้องการความนิยมตามธรรมชาติเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความปรารถนาที่จะเชี่ยวชาญแนวเพลงใหม่และขยายขีดความสามารถเชิงสร้างสรรค์อีกด้วย

ดนตรีในรัสเซีย

ในรัสเซียความสัมพันธ์กับละครเพลงเริ่มพัฒนามานานแล้วแม้ว่าจะมีการดัดแปลงแนวเพลงนี้แตกต่างออกไปเล็กน้อยและแปลกประหลาดก็ตาม อย่างไรก็ตาม แนวทางแรกในการแสดงละครเพลงก็เหมือนกับในอเมริกา - ผ่านดนตรีแจ๊ส สิ่งนี้เกิดขึ้นในภาพยนตร์ของ G. Alexandrov และโดยเฉพาะอย่างยิ่งใน "Jolly Fellows" โดยการมีส่วนร่วมของวงดนตรีแจ๊สของ L. Utesov แม้ว่าคะแนนดนตรีจะมีไม่มากนัก แต่จริงๆ แล้วพวกเขามีส่วนร่วมอย่างเต็มที่ในภาพยนตร์เรื่องนี้ และมีความเท่าเทียมกับนักแสดง บรรทัดนี้ดำเนินต่อไปโดยผู้กำกับใน "Circus" และ - ค่อนข้างน้อยกว่าแบบออร์แกนิก - ใน "Volga-Volga" ซึ่งมักใส่หมายเลขดนตรี

ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1960 มีความพยายามหลายครั้งในการแสดงละครเพลงบนเวทีโซเวียต West Side Story ยังจัดแสดงที่โรงละคร Leninsky Komsomol ในเมืองเลนินกราดด้วยซ้ำ อย่างไรก็ตาม ส่วนใหญ่เป็นช่วงของการผลิต การแสดงดนตรีผันผวนระหว่างสื่อสารมวลชนทางสังคม เช่น Zong Opera ของ Brecht (“ เป็นคนใจดีจาก Szechwan" บน Taganka, "The Threepenny Opera" และ "People and Passions" ที่โรงละคร Lensoveta) และละครเพลงตลกโคลงสั้น ๆ ที่เล่นด้วยการโน้มน้าวใจทางจิตวิทยาไม่มากก็น้อย ("Dulcinea Toboska" ที่โรงละคร Mayakovsky และ Lensoveta " คนถนัดซ้าย" ที่โรงละคร Lensoveta) อย่างไรก็ตาม มีความก้าวหน้าอย่างแท้จริงหลายประการต่อละครเพลง ตามกฎแล้วพวกเขาเกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์ของร็อค นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย- ดังนั้นละครเรื่อง "Krechinsky's Wedding" ที่โรงละคร Leningrad Operetta (นักแต่งเพลง A. Kolker ผู้กำกับ V. Vorobyov) จึงดูไม่คาดฝันเลย และแน่นอนการแสดงของ Lenkomov โดย M. Zakharov - "Til" (นักแต่งเพลง G. Gladkov), "The Star and Death of Joaquin Murrieta" และ "Juno and Avos" (นักแต่งเพลง A. Rybnikov) คนสุดท้ายดำเนินชีวิตตามกฎของละครเพลงอเมริกันด้วยวิธีที่อธิบายไม่ได้ โดยรักษาปฏิกิริยาของผู้ชมที่มั่นคงมานานหลายทศวรรษ (แม้ว่านักแสดงจะมีส่วนร่วมอย่างกว้างขวางในละครเพลงที่เหลือของโรงละครก็ตาม)

บรรณานุกรม.

1. ประวัติศาสตร์การละครต่างประเทศ: หนังสือเรียนเกี่ยวกับวัฒนธรรมและศิลปะ / เอ็ด. แอล. กิเทลแมน. – เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: ปีเตอร์, 2005.

2. Kiryanova, N. V. ประวัติศาสตร์วรรณกรรมและศิลปะโลก / N.V. Kiryanova. – อ.: เนากา, 2549.

3. Shabalina T. บทความ “ดนตรี”

4. www. ru.wikipedia.org/wiki

ละครเพลงคือการผลิตละครเพลงประเภทหนึ่งที่มีต้นกำเนิดในอเมริกาในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ของศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยดนตรี การร้อง การออกแบบท่าเต้น บทสนทนา และการแสดงละคร บรรพบุรุษหลักของละครเพลงถือได้ว่าเป็นละครซึ่งเกิดขึ้นในยุโรปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 จากนั้นจึงบุกเข้าไปในอเมริกา

มีอะไรที่เหมือนกันมากมายระหว่างละครเพลงและบทละคร และในภาษาแห้งของทฤษฎี แนวดนตรีทั้งสองนี้มีลักษณะที่เกือบจะเหมือนกัน ละครเพลงครั้งหนึ่งเคยถูกเรียกว่า "ละครเพลงอเมริกัน" ด้วยซ้ำ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 คลื่นแห่งการอพยพไปยังอเมริกาเริ่มขึ้น นักแต่งเพลงผู้อพยพเริ่มสร้างขึ้น โดยยึดถือประเพณีดนตรีท้องถิ่นเป็นพื้นฐาน ผลลัพธ์ที่ได้คือการผสมผสานระหว่างละครคลาสสิกกับผลงานดนตรีของอเมริกาซึ่งมีพื้นฐานมาจากดนตรีแจ๊ส (ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20) และดนตรีร็อค (ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20)

ละครเพลงกำลังได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วและกลายเป็นแนวเพลงอิสระของละครเพลง มีมากกว่านั้นแตกต่างจากโอเปเร็ตต้า พล็อตที่ซับซ้อนและไม่ใช่เรื่องตลกเสมอไป บทบาทนำถูกครอบครองโดยบทสนทนาเพราะแม้ว่าคุณจะลบหมายเลขดนตรีทั้งหมดออกจากละครเพลง แต่คุณก็สามารถได้รับการแสดงที่ดีได้ ดนตรีไม่ซับซ้อนใกล้เคียงกับเพลงป็อป การเต้นรำไม่ได้เป็นเพียงดนตรีประกอบการแสดงเท่านั้น แต่ยังเป็นส่วนสำคัญของการแสดงอีกด้วย

สำหรับละครเพลง นักแสดงที่มีความสามารถหลากหลายได้รับการคัดเลือกเพื่อให้สามารถร้องเพลง เต้น และแสดงอย่างมืออาชีพบนเวที ดังนั้นสำหรับละครเพลงเรื่องใดเรื่องหนึ่งจึงมีการรวบรวมคณะละครใหม่โดยที่นักแสดงแต่ละคนสอดคล้องกัน ภาพที่ถูกต้อง- ละครเพลงเป็นโครงการเชิงพาณิชย์ และเพื่อที่จะคืนและเพิ่มเงินที่ใช้ไปนั้น จะต้องแสดงเป็นเวลาหลายปี

ละครเพลงเรื่องแรกซึ่งจัดแสดงในปี พ.ศ. 2470 คือ Kern's Floating Theatre แต่ "ละครเพลงบรอดเวย์" กลับได้รับความนิยมเป็นพิเศษ หลายคนคิดว่าสิ่งเหล่านี้ไร้สาระและไร้สาระ แต่ความเรียบง่ายและการเข้าถึงที่ดึงดูดผู้ชมได้อย่างแม่นยำจึงนำมาซึ่งผลกำไรจำนวนมาก

ในยุค 60 ละครเพลงที่สร้างจากดนตรีร็อคหรือที่เรียกว่าโอเปร่าร็อคเริ่มถูกสร้างขึ้น ผลงานที่ยอดเยี่ยมที่สุดในยุค 70 คือร็อคโอเปร่า "Jesus Christ Superstar" โดยนักแต่งเพลงชาวอังกฤษ Andrew Lloyd Webber ซึ่งกลายเป็นมาตรฐานสำหรับโอเปร่าร็อคที่สร้างขึ้นในเวลาต่อมา

ตั้งแต่ปี 1985 ละครเพลงเริ่มมีการผลิตไม่เพียงแต่ในอเมริกาและอังกฤษเท่านั้น แต่ยังมีการผลิตทั่วโลกอีกด้วย สหภาพโซเวียตก็ไม่มีข้อยกเว้น - การแสดงที่ยอดเยี่ยมถูกสร้างขึ้นที่นั่นเช่น "Orpheus และ Eurydice", " สการ์เล็ต เซลส์", "จูโนและอาโวส", "ดวงดาวและความตายของ Joaquin Murietta" ฯลฯ

ปัจจุบันละครเพลงไม่ได้สูญเสียความนิยมไปและมีการแสดงทั้งผลงานที่มีชื่อเสียงและผลงานใหม่เอี่ยมบนเวทีทั่วโลก

สิ่งที่ตลกและน่าสนใจบนเว็บไซต์ของเรา

ดนตรี

เนื้อหาจากวิกิพีเดีย – สารานุกรมเสรี

ละครเพลง (บางครั้งเรียกว่าละครเพลง) เป็นงานละครเพลงและละครเวทีที่มีบทสนทนา เพลง ดนตรี และการเต้นรำผสมผสานกัน ในขณะที่โครงเรื่องมักจะเรียบง่าย ละครเพลงได้รับอิทธิพลอย่างมากจากหลายประเภท: โอเปเรตต้า, โอเปร่าการ์ตูน, เพลง, ล้อเลียน เป็นประเภทที่แยกจากกัน ศิลปะการแสดงละครไม่ได้รับการยอมรับมานานแล้วและยังไม่ได้รับการยอมรับจากทุกคน

ละครเพลงเป็นประเภทการจัดฉาก งานในแต่ละโครงการเริ่มต้นด้วยการเขียนบทละคร การผลิตละครดำเนินการโดยผู้กำกับละครเวที นักออกแบบท่าเต้นและผู้เชี่ยวชาญด้านการร้องเพลงก็สามารถมีส่วนร่วมในการผลิตได้เช่นกัน

ละครเพลงเป็นหนึ่งในประเภทละครเชิงพาณิชย์มากที่สุด นี่เป็นเพราะคุณค่าด้านความบันเทิง ความหลากหลายของธีมในการผลิต และทางเลือกในการแสดงออกสำหรับนักแสดงอย่างไม่จำกัด

เมื่อแสดงละครเพลง มักใช้ฉากฝูงชนที่มีการร้องและเต้นรำ และมักใช้ฉากพิเศษต่างๆ ผลกระทบ

ในรูปแบบ ละครเพลงมักเป็นละครสององก์
เนื้อหา
1. ประวัติศาสตร์
1.1 ต้นกำเนิดของละครเพลง
1.2 การพัฒนาในอเมริกา
1.3 การพัฒนาต่อยอด
2 ละครเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุด
2.1 ละครเพลงบรอดเวย์
2.2 ละครเพลงฝรั่งเศส
2.3 ละครเพลงออสเตรีย
2.4 ละครเพลงรัสเซีย

เรื่องราว

ต้นกำเนิดของดนตรี

ละครเพลงรุ่นก่อนมีแนวเพลงเบาหลายประเภทซึ่งผสมผสานรายการวาไรตี้ บัลเล่ต์ฝรั่งเศสและการแสดงสลับฉากอันน่าทึ่ง ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2409 Black Crook ได้แสดงบนเวทีนิวยอร์กซึ่งมีบัลเล่ต์โรแมนติก เรื่องประโลมโลก และแนวเพลงอื่น ๆ ผสมผสานกัน เธอคือผู้ที่ถือเป็นจุดเริ่มต้นของแนวเพลงใหม่ จอร์จ เอ็ดเวิร์ดส์ โปรดิวเซอร์ชาวอังกฤษ กล่าวถึงเพลงฮิตเรื่องหนึ่งของเขาว่า "Chorus Girl" ว่าเป็นละครเพลงแนวตลก ละครเพลงตลกหมายถึงการแสดงเพื่อความบันเทิงแบบเบาๆ โดยสิ่งสำคัญไม่ใช่โครงเรื่อง แต่เป็นเสียงร้องยอดนิยมที่แสดงโดยไอดอลสาธารณะ ผลงานของ Edwards ประสบความสำเร็จอย่างน่าทึ่งในนิวยอร์ก และจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 แฟชั่นในรูปแบบใหม่ถูกกำหนดโดยการแสดงของอังกฤษ

การพัฒนาในอเมริกา

ในช่วงหลายปีก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ผู้อพยพที่มีพรสวรรค์อย่าง Herbert, Friml, Romberg และคนอื่นๆ ได้เป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาละครเพลงในอเมริกาอย่างแข็งขัน ในช่วงทศวรรษที่ 20 และ 30 ด้วยการมาถึงของนักแต่งเพลงชาวอเมริกันหน้าใหม่เจอโรม เคิร์น, จอร์จ เกิร์ชวิน, โคล พอร์เตอร์ และคนอื่นๆ ละครเพลงเรื่องนี้ได้รับรสชาติแบบอเมริกันอย่างแท้จริง บทเพลงมีความซับซ้อนมากขึ้น อิทธิพลของดนตรีแจ๊สและแร็กไทม์เริ่มสังเกตเห็นได้ชัดเจนในจังหวะ และเพลงของชาวอเมริกันก็ปรากฏตัวขึ้น เพลงจากละครเพลงหลายเพลงได้กลายเป็นดนตรีคลาสสิกไปแล้ว เพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ ทักษะการแสดงนักร้อง ในปี 1932 นักแต่งเพลง Gershwin ได้รับรางวัลพูลิตเซอร์เป็นครั้งแรกจากผลงานละครเพลงเรื่อง Of Thee I Sing (1931) การทำงานร่วมกันของ Rodgers และ Hammerstein II ทำให้เกิดผลงานเช่น Oklahoma! (“โอคลาโฮมา!”, 1943), “Carousel” (1945), “South Pacific” (1949) โดดเด่นด้วยละครระดับสูง

หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 โครงเรื่องของละครเพลงเริ่มจริงจังมากขึ้น โดยมีการแสดง "Westside Story" (1957) โดยลีโอนาร์ด เบิร์นสไตน์ การผลิตอิงจากโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ โรมิโอและจูเลียต และฉากแอ็คชั่นเกิดขึ้นในนิวยอร์กยุคใหม่ การแสดงออกของการเต้นบ่งบอกถึงความสำคัญที่เพิ่มขึ้นของการออกแบบท่าเต้น

การพัฒนาต่อไป

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 60 ของศตวรรษที่ 20 ภายใต้อิทธิพลของสไตล์ดนตรีใหม่ ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับดนตรีในฐานะแนวเพลงก็เกิดขึ้น ละครเรื่อง "Hair" ("Hair", 1967) สะท้อนให้เห็นถึงแนวคิดฮิปปี้ซึ่งเป็นกระแสนิยมในเวลานั้น ดังนั้นการผลิตจึงถูกเรียกว่า "ละครเพลงของโคลงสั้น ๆ ของอเมริกันยุคดึกดำบรรพ์" ตั้งแต่ยุค 70 จำนวนการแสดงลดลง แต่ฉากและเครื่องแต่งกายของละครเพลงใหม่เริ่มหรูหรามากขึ้น การเปลี่ยนแปลงอย่างมากในแนวความคิดของละครเพลงเกิดขึ้นจากการผลิต "Jesus Christ Superstar" (1971) โดยนักแต่งเพลง Andrew Lloyd Webber และนักเขียนบท Tim Rice ธีมที่จริงจังของละครเพลงเรื่อง "Evita" (1978) พิสูจน์ให้เห็นถึงเส้นทางอันยาวนานของแนวเพลงนี้ได้เดินทางระหว่างการพัฒนา ผลงานสร้างสรรค์ของเว็บเบอร์เรื่อง “Cats” (“Cats”, 1981) จากวงจรบทกวีของ T.S. "Old Possum's Book of Practical Cats" ของเอลเลียตนำเสนอภาพที่สดใสและน่าจดจำ ดนตรีมีน้ำเสียงแบบแมว และการเต้นรำมีความยืดหยุ่นและยืดหยุ่น ให้กับผู้อื่น งานยอดนิยมเว็บเบอร์กลายเป็นละครเพลงเรื่อง The Phantom of the Opera ซึ่งผสมผสานองค์ประกอบของนักสืบและระทึกขวัญ

การผูกขาดละครเพลงแองโกล-อเมริกันสิ้นสุดลงในปี 1985 เมื่อการผลิต Les Miserables ในฝรั่งเศส ซึ่งสร้างจากนวนิยายชื่อเดียวกันโดยวิกเตอร์ อูโก เปิดตัวรอบปฐมทัศน์บนเวทีลอนดอน ผู้เขียนคือนักแต่งเพลง Claude Michel Schonberg และนักเขียนบท Alain Boublil ละครเพลงระดับสูงในรูปแบบหนึ่งได้รับการพิสูจน์โดย “Miss Saigon” ซึ่งเป็นละครโอเปร่าเรื่อง “Madama Butterfly” ของปุชชินีที่ปรับปรุงใหม่

ละครเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุด

ละครเพลงบรอดเวย์

ชื่อเสียงระดับโลกแนวเพลงนี้มีชีวิตขึ้นมาด้วยละครเพลงบรอดเวย์
My Fair Lady / "My Fair Lady": ดนตรี: Frederick Lowe, บทและเนื้อเพลง: Alan Jay Lerner (1956)
เสียงดนตรี, เพลง The / “The Sound of Music”: Richard Rodgers, บทเพลง: Howard Lindsay และ Russell Cruise, เนื้อร้อง: Oscar Hammerstein (1959)
โอลิเวอร์! / “Oliver!”: ดนตรี บทเพลง และเนื้อเพลง: Lionel Bart (1960)
Fiddler on the Roof / Fiddler on the Roof ดนตรี: Jerry Bock, บท: Joseph Stein, เนื้อร้อง: Sheldon Harnick (1964)
Jesus Christ Superstar / เพลง “Jesus Christ Superstar”: Andrew Lloyd-Webber, เนื้อร้อง: Tim Rice (1970)
Les Miserables / Les Miserables: ดนตรี: Claude-Michel Schonberg, บทเพลง: Alain Boublil (1980)
Cats / ดนตรีจาก "Cats": แอนดรูว์ ลอยด์-เว็บเบอร์, บทเพลง: T.S. เอเลียต (1981)
42nd Street / "Forty-Second Street": ดนตรี: Harry Warren, เนื้อร้อง: Al Dubin, บทเพลง: Mark Bramble และ Mike Stewart (1981)
Phantom of the Opera, เพลง Phantom of the Opera: Andrew Lloyd-Webber, บทเพลง: Richard Stilgoe และ Andrew Lloyd-Webber, เนื้อร้อง: Charles Hart (1986)
Jekyll & Hyde / เพลง "Jekyll and Hyde": Frank Wildhorn บทเพลงและเนื้อเพลง: Leslie Bricusse (1989)
โอเปร่า The Threepenny / ดนตรี: Kurt Weill, บทโดย: Bertolt Brecht (อิงจาก The Threepenny Novel)

ละครเพลงฝรั่งเศส

ในตอนแรก ในฝรั่งเศส ละครเพลงมีแนวทางที่แตกต่างออกไป คือ มีความน่าตื่นเต้นน้อยกว่าและมีฉากน้อยที่สุด (เมื่อเทียบกับบรอดเวย์) และโดยทั่วไปแล้วจะชวนให้นึกถึงคอนเสิร์ตของหลายๆ คนมากกว่า นักร้องป๊อป- ตัวอย่างที่ชัดเจนของเรื่องนี้ก็คือ รุ่นเดิมละครเพลงโดย Riccardo Cocciante และ Luc Plamondon Nôtre-Dame de Paris แต่เมื่อเวลาผ่านไปรสนิยมก็เปลี่ยนไปและในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาฝรั่งเศสได้นำเสนอการแสดงดนตรีที่ค่อนข้างมีสีสันทั้งในด้านเครื่องแต่งกายและทิวทัศน์เช่น Romeo et Juliette, Autant en Emporte le Vent, Le Roi Soleil เป็นต้น
Starmania / “Starmania”: ดนตรี: Michel Berger, บท: Luc Plamondon (1979)
Misérables, Les / Les Miserables: ดนตรี: Claude-Michel Schonberg, บทเพลง: Alain Boublil (1980)
La legende de Jimmy / "The Legend of Jimmy": ดนตรี: Michel Berger, บท: Luc Plamondon (1990)
Nôtre-Dame de Paris / “Notre-Dame de Paris”: ดนตรี: Riccardo Cocciante, บท: Luc Plamondon (1998)
Romeo et Juliette / “Romeo and Juliet”: ดนตรี: Gerard Presgurvic, บท: Gerard Presgurvic (2000)
Ali Baba / “Ali Baba”: ดนตรี: Chatel Aboulker (12 มิถุนายน 2544)
Les Dix Commandements / "บัญญัติ 10 ประการ": ดนตรี: Pascal Obispo (2001)
เลอ เปอตี ปริ๊นซ์ / " เจ้าชายน้อย": ดนตรี: Riccardo Cocciante, บท: Elisabeth Anais (2002)
Don Juan / “Don Juan”: ดนตรี: Felix Grey (3 สิงหาคม 2546)
Le Roi Soleil / “The Sun King”: ดนตรี: Albert Cohen, บท: Elie Chouraqui (2005)
Dracula, Entre l’amour et la mort / “ Dracula: ระหว่างความรักและความตาย”: ดนตรี: Simon Leclerc, บท: Roger Tabra (2005) - ละครเพลงของแคนาดาในภาษาฝรั่งเศส
Cléopâtre, la dernière reine d'Egypte / “คลีโอพัตรา ราชินีองค์สุดท้ายของอียิปต์”: (2009)

ละครเพลงออสเตรีย
Elisabeth / “Elizabeth”: ดนตรี: Sylvester Levi, บท: Michael Kunze (1992)
Tanz der Vampire / "The Vampire's Ball": ดนตรี: Sylvester Levi, บท: Jim Steinman (1997)
โมสาร์ท! / “Mozart!”: ดนตรี: Sylvester Levi, บท: Michael Kunze (1999)
Rebecca / “Rebecca”: ดนตรี: Sylvester Levi, บท: Michael Kunze (2549)

ละครเพลงรัสเซีย
“Orpheus และ Eurydice” อาจเป็นผู้ก่อตั้งละครเพลงรัสเซีย ยังคงแสดงโดยโรงละครโอเปร่าร็อคเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
“ Juno and Avos” เป็นโอเปร่าร็อคโดย Alexei Rybnikov แสดงครั้งแรกบนเวที Lenkom ในปี 1981
“ The Star and Death of Joaquin Murieta” - ละครเรื่องนี้ตีพิมพ์บนแผ่นเสียงไวนิลในสหภาพโซเวียต
"Nord-Ost" เป็นละครเพลงรัสเซียระดับโลกเรื่องแรก กำกับการแสดงโดย Georgy Vasiliev และ Alexey Ivashchenko
“www.silicone crazy.ru” เป็นละครเพลงโดย Alexander Pantykin และ Konstantin Rubinsky จัดแสดงที่ Yekaterinburg ในปี 2550 และได้รับการเสนอชื่อชิงรางวัล “Golden Masks” สองครั้งในปี 2551
"กลางคืน เปิดประตู" - ละครเพลงของ Evgeny Karmazin และ Konstantin Rubinsky จัดแสดงที่ Yekaterinburg ในปี 2548 และได้รับ Golden Mask ในสองประเภท ได้แก่ การแสดงที่ดีที่สุด
“12 Chairs” เป็นละครเพลงของรัสเซียที่สร้างจากนวนิยายชื่อเดียวกันโดย I. Ilf และ E. Petrov
“Mowgli” เป็นละครเพลงแฟนตาซีของรัสเซีย จัดแสดงที่โรงละคร Moscow Operetta ดำเนินการในมอสโกมาตั้งแต่ปี 2548 ดนตรีและบทเพลง - Vlad Stashinsky ผู้กำกับเวที - Alina Chevik ผู้กำกับเพลง - Vlad Stashinsky นักออกแบบท่าเต้น - Boris Baranovsky นักออกแบบ - Viktor Arefiev ผู้ออกแบบเครื่องแต่งกาย - Valentina Komolova ช่างแต่งหน้า - Andrey Drykin นักออกแบบแสง - A . ป. ซูคอฟ
“Monte Cristo” เป็นละครเพลงรัสเซียที่สร้างจากนวนิยายของ A. Dumas เรื่อง “The Count of Monte Cristo” นักแต่งเพลง - Roman Ignatiev ผู้แต่งบทเพลง - Yuliy Kim โปรดิวเซอร์ละครเพลง - Vladimir Tartakovsky และ Alexey Bolonin ผู้กำกับเวที - Alina Chevik นักออกแบบท่าเต้น - Irina Korneeva ผู้ออกแบบงานสร้าง - Vyacheslav Okunev ช่างแต่งหน้าและวิกผม - Andrey Drykin แสง ผู้ออกแบบ - Gleb Filshtinsky ผู้ประสานงานการแสดงผาดโผนของ parkour - Oleg Krasnyansky
“The Last Test” เป็นละครเพลงแฟนตาซีโดย Anton Kruglov และ Elena Khanpira
“ Children of the Sun” เป็นละครเพลงชาติพันธุ์โดย Vladimir Podgoretsky
“The Town Musicians of Bremen” เป็นละครเพลงสำหรับครอบครัวที่สร้างจากเพลงยอดนิยมของ Gennady Gladkov พร้อมเนื้อร้องโดย Yuri Entin

เนื้อหาของบทความ

ดนตรี(ละครเพลงอังกฤษ) ประเภทละครเวทีพิเศษที่ศิลปะการละคร ดนตรี เสียงร้อง การออกแบบท่าเต้น และศิลปะพลาสติกผสมผสานกันเป็นหนึ่งเดียวกันอย่างแยกไม่ออก ในปัจจุบัน ถือเป็นประเภทที่ซับซ้อนและมีเอกลักษณ์ที่สุดประเภทหนึ่ง ซึ่งสะท้อนให้เห็นรูปแบบศิลปะบนเวทีเกือบทั้งหมดที่มีอยู่ก่อนหน้านี้ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ก่อตั้งขึ้นในสหรัฐอเมริกาเมื่อต้นศตวรรษที่ 20

เงื่อนไขทางประวัติศาสตร์สำหรับการก่อตัวของประเภท

ศิลปะการแสดงละครของสหรัฐอเมริกาจนถึงปลายศตวรรษที่ 19 มีการพัฒนาในลักษณะที่ซับซ้อน ไปตามเส้นทางพิเศษที่แทบไม่มีความเกี่ยวข้องกับเส้นทางทั่วยุโรป พวกพิวริตันชาวอังกฤษซึ่งประกอบขึ้นเป็นผู้อพยพส่วนใหญ่ไปยังประเทศเล็ก ได้นำทัศนคติที่ไม่ยอมรับวัฒนธรรมทางศิลปะโดยทั่วไปมาด้วย และโดยเฉพาะอย่างยิ่งต่อศิลปะการแสดงละคร ต้นกำเนิดของสิ่งนี้สามารถย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 17 นับตั้งแต่สมัยการปฏิวัติชนชั้นกลางของอังกฤษ เมื่อในปี 1642 รัฐสภาอังกฤษสั่งห้ามการแสดงละครทั้งหมดโดยกฤษฎีกาพิเศษ อย่างไรก็ตาม อังกฤษ แม้จะตั้งอยู่บนเกาะ แต่ก็ยังไม่สามารถพัฒนาแยกจากกระแสทั่วไปของการตรัสรู้ของยุโรปในศตวรรษที่ 18 ซึ่งวางโรงละครไว้ให้บริการตามอุดมการณ์ของตน ดังนั้นจึงให้ความสนใจอย่างมากกับศิลปะการแสดงละคร สหรัฐอเมริกาเนื่องจากห่างไกลจากยุโรปจึงมีมากมาย โอกาสที่มากขึ้นการต่อต้านการบูรณาการกระแสวัฒนธรรมทางศิลปะ ผู้ตั้งถิ่นฐานที่เคร่งครัดสั่งสอนอุดมการณ์ของการบำเพ็ญตบะอย่างต่อเนื่องเป็นเวลาสองศตวรรษมอบหมายให้โรงละครมีบทบาทในรูปแบบที่ "ต่ำ" และไม่ได้รับการอนุมัติจากสังคม กิจกรรมของมนุษย์โดยประกาศศูนย์กลางแห่งชีวิตฝ่ายวิญญาณให้เป็นทางปัญญาแต่ไม่ใช่การพัฒนาทางศิลปะ สิ่งนี้ไม่สามารถทำลายโรงละครโดยสิ้นเชิงได้ แต่เป็นการกำหนดรูปแบบการพัฒนาที่เฉพาะเจาะจงมาก

การดำรงอยู่ในศตวรรษที่ 19 โรงละครอเมริกันที่อยู่นอกอุดมการณ์อย่างเป็นทางการมีส่วนช่วยในการพัฒนารูปแบบที่เรียบง่ายและหยาบที่สุด ซึ่งออกแบบมาสำหรับผู้ชมที่ไม่มีประสบการณ์และไม่อวดดี นอกจากนี้ ตามกฎแล้วคณะละครและนักแสดงแต่ละคนที่อพยพมาจากยุโรปไม่ใช่คนที่มีความสามารถมากที่สุดและไม่ใช่ที่สุด คนร่ำรวยที่ไม่สามารถบรรลุความสำเร็จในบ้านเกิดของตนได้ ที่แพร่ระบาดมากที่สุดในขณะนั้นคือคณะเดินทางที่มีนักแสดงจำนวนไม่มาก องค์ประกอบเล็กๆ ของคณะละครเป็นตัวกำหนดละครของพวกเขา: ชุดที่มีความหลากหลาย ส่วนใหญ่เป็นการ์ตูน ภาพร่างสั้น ฉากดนตรีหรือเต้นรำ เช่นเดียวกับโรงละครท่องเที่ยวใด ๆ ที่มี ความเป็นอยู่ที่ดีของวัสดุที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับความสนใจเฉพาะของผู้ชม คณะละครเหล่านี้ถูกบังคับให้เชี่ยวชาญ "ข้อมูลเฉพาะของท้องถิ่น" รวมถึงนิทานพื้นบ้านสีดำ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ประเภทละครอเมริกันถูกสร้างขึ้นโดยเป็นตัวแทนแม้จะยืมชื่อมาจากโรงละครยุโรป แต่ก็เป็นความหลากหลายที่พิเศษโดยสิ้นเชิง พวกเขาทั้งหมดมีจุดสนใจร่วมกันนั่นคือความบันเทิง ความแตกต่างระหว่างแนวเพลงเหล่านี้มีความเป็นทางการมากกว่าพื้นฐาน

ต้นกำเนิดของดนตรี

การแสดงละครเพลง (จาก "ละครเพลง" - นักร้อง นักดนตรี นักอ่านในยุคกลาง) ในตอนแรก การแสดงของนักร้องเป็นการละเล่นการ์ตูนสั้นๆ ที่แสดงโดยนักแสดงผิวขาวที่ปลอมตัวเป็นคนผิวดำ โดยล้อเลียนชีวิต ดนตรี และการเต้นรำของพวกเขา เมื่อสิ้นสุดสงครามกลางเมืองระหว่างเหนือและใต้ คณะละครสีดำก็ปรากฏตัวขึ้น เพื่อสืบสานประเพณีของนักดนตรีผิวขาว การหมกมุ่นอยู่กับนิทานพื้นบ้านของคนผิวสี และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในวัฒนธรรมทางดนตรี นำไปสู่การกำเนิดของดนตรีแจ๊สในการแสดงของนักร้องนักดนตรี (โดยเฉพาะช่วงเร็กไทม์ ซึ่งเป็นหนึ่งในนั้น) แบบฟอร์มในช่วงต้น- ดูเหมือนว่านี่คือเหตุผลว่าทำไมประเภทนี้จึงมีบทบาทพิเศษในการสร้างศิลปะดนตรีและการแสดงละครของสหรัฐอเมริกา ความนิยมสูงสุดของการแสดงละครเพลงสิ้นสุดลงในช่วงทศวรรษที่ 1870

Burlesque ซึ่งมีต้นกำเนิดในยุโรปในรูปแบบการเลียนแบบซึ่งเป็นการล้อเลียนการแสดงละครที่จริงจังในสหรัฐอเมริกากลายเป็นชุดการแสดงวาไรตี้ที่หลากหลายโดยอิงจากความคลุมเครือและอนาจาร ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ตัวเลขเปลื้องผ้าเริ่มปรากฏเป็นรูปล้อเลียนซึ่งต่อมาได้ก่อให้เกิด "ความสนุกสนาน" หลัก

โดยทั่วไปแล้ว โวเดอวิลล์ต่างจากเวอร์ชันยุโรปตรงที่ไม่มีโครงเรื่องทั่วไปและค่อนข้างจะใกล้เคียงกับรายการวาไรตี้มากกว่า การแสดงในห้องโถงดนตรี โดยมีการแสดงดนตรี การเต้นรำ และละครสัตว์ต่างๆ ตามลำดับแบบสุ่ม การแสดงที่ตัวเลขเชื่อมโยงกันด้วยบรรทัดใจความบางอย่างถือได้ว่าเป็นประเภทของเพลง

บางทีประเภทละครเพลงประเภทเดียวที่ยังคงรักษารากฐานของยุโรปในอเมริกาได้ก็คือบทละคร ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือบทประพันธ์ของนักเขียนชาวอังกฤษ ฝรั่งเศส และออสเตรีย

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 มีบางอย่างเกิดขึ้นที่ถือได้ว่าเป็นการปฏิวัติในการพัฒนาวัฒนธรรมของอเมริกาและต่อมาของโลกทั้งโลก: การก่อตัวและการสถาปนาดนตรีแจ๊สในฐานะแนวคิดทั่วไปใหม่ของศิลปะดนตรี ดนตรีแจ๊สไม่ได้เป็นเพียงดนตรีเท่านั้น แต่ยังเป็นแนวทางในการคิดด้วย โดยได้แทรกซึมเข้าไปในวัฒนธรรมทางศิลปะทุกแขนง รวมไปถึงการละครด้วย การเรียบเรียงดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ โดยค่อยๆ ได้รับการยอมรับว่าเป็นดนตรีประจำชาติที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ในช่วงต้นทศวรรษ 1940 เป็นการยากที่จะหาการแสดงประเภทละครเพลง-ตลกที่ไม่มีเพลงแจ๊ส เมื่อเปรียบเทียบกับพวกเขาแล้ว เรื่องไม่สำคัญของฉากและภาพร่างอื่นๆ ดูหยาบคายมากขึ้น การก้าวกระโดดเชิงคุณภาพในการแสดงดนตรีและละครเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ แนวความคิดดนตรีแจ๊สได้รวมแนวดนตรีและความบันเทิงทั้งหมดที่ไม่แตกต่างกันจนเกินไปมาไว้บนหลักการใหม่ ทำให้เกิดความสดใสและเป็นธรรมชาติที่ลึกซึ้งอย่างเหนือความคาดหมาย การเปลี่ยนแปลงธรรมชาติของดนตรีทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานในการแสดงละครอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ดังนั้น เมื่อถึงจุดตัดของการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้ ละครเพลงจึงเกิดขึ้น

ดนตรีในอเมริกา

วันเกิดอย่างเป็นทางการของแนวใหม่นี้ถือเป็นเดือนมีนาคม พ.ศ. 2486 เมื่อละครเปิดตัวครั้งแรกที่บรอดเวย์ โอคลาโฮมา!อาร์. โรเจอร์ส และ โอ. แฮมเมอร์สเตน. แม้ว่าในตอนแรกผู้เขียนจะเรียกการแสดงของพวกเขาว่า "ละครเพลงตลก" แต่สาธารณชนและนักวิจารณ์มองว่ามันเป็นนวัตกรรมที่ทำลายหลักการที่เป็นที่ยอมรับ การแสดงมีองค์ประกอบเดียวทั้งหมด: ไม่มีการแทรกเสียงร้องและการเต้นที่หลากหลาย โครงเรื่อง ตัวละคร ดนตรี การร้อง - ทุกองค์ประกอบดำรงอยู่อย่างแยกไม่ออก เน้น และพัฒนาด้วยวิธีการต่างๆ แนวทั่วไปของงานละครเวที เบื้องหลังพล็อตที่เรียบง่ายและไม่โอ้อวดคือค่านิยมพื้นฐาน - ความรัก ชุมชนสังคม ความรักชาติ ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่สิบปีต่อมารัฐโอคลาโฮมาได้ประกาศให้เพลงนี้เป็นเพลงอย่างเป็นทางการ

หลังจากรอบปฐมทัศน์ซึ่งประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ ผู้เขียนได้เสนอคำศัพท์ใหม่เพื่อระบุประเภทของละคร: ละครเพลง ดนตรี โอคลาโฮมา!ไม่ได้ออกจากเวทีบรอดเวย์มานานกว่าห้าปี หลังจากนั้นเขาได้เดินทางไปทัวร์ทั่วอเมริกา ในปี 1944 เขาได้รับรางวัลพูลิตเซอร์ เป็นครั้งแรกที่มีการเปิดตัวแผ่นเสียงโดยมีการบันทึกไม่ใช่หมายเลขดนตรีของแต่ละบุคคล แต่เป็นของการแสดงทั้งหมด ภาพยนตร์เรื่องนี้สร้างขึ้นในปี 1955 โอคลาโฮมา!ซึ่งคว้าสองรางวัลออสการ์ สาขาดนตรียอดเยี่ยม และงานเสียงยอดเยี่ยม ในปี พ.ศ. 2545 มีการแสดงบนเวทีบรอดเวย์อีกครั้ง ประกาศ Drama League of New York แล้ว โอคลาโฮมา!ละครเพลงที่ดีที่สุดแห่งศตวรรษ

ยุคใหม่จึงเริ่มต้นขึ้นในประวัติศาสตร์ของโรงละครอเมริกันแห่งแรกและระดับโลกซึ่งได้รับเกียรติจากนักแต่งเพลงเช่น J. Gershwin, R. Rogers, L. Bernstein, E. Lloyd Webber, J. Herman และคนอื่น ๆ ละครเพลงเป็นผลงานของ W. Shakespeare, M. Cervantes, C. Dickens, B. Shaw, T. S. Eliot, D. Hayward และคนอื่นๆ

แม้จะมีลักษณะสังเคราะห์ของแนวดนตรี แต่คุณลักษณะเฉพาะของมันไม่ได้จำเป็นต้องมี "ฉากสนทนา" ในการแสดง: มีละครเพลงอย่างไม่ต้องสงสัยเขียนและจัดฉากราวกับว่าในลักษณะโอเปร่าโดยที่บทบาทกลายเป็นส่วนต่างๆ: พอร์จี้และเบส,แมว,พระเยซูคริสต์ซุปเปอร์สตาร์,เอวิต้าฯลฯ เพื่อหลีกเลี่ยงความสับสน งานดังกล่าวมักเรียกว่า "โอเปร่าร็อค" อย่างไรก็ตาม ในความเป็นจริง สิ่งเหล่านี้เกี่ยวข้องกับละครเพลงด้วยวิธีการแสดงทั่วไป เมื่อเทคนิคการแสดงใดๆ ไม่ว่าจะเป็นการเต้น การร้อง หรือการแสดงแบบพลาสติก กลายเป็นธรรมชาติอย่างยิ่งสำหรับนักแสดงในการแสดงอารมณ์หรือความคิด ประเภทละครที่ธรรมดาและมีชีวิตชีวาอย่างยิ่งนี้จะต้องผสมผสานกับความเป็นธรรมชาติของการเปลี่ยนผ่านจากวิธีการแสดงออกหนึ่งไปสู่อีกวิธีหนึ่งอย่างไม่อาจเข้าใจได้ นอกจากนี้ ด้วยประสิทธิภาพทางเทคนิคระดับสูงสุด การแสดงละครของเสียงร้องหรือความเป็นพลาสติกจะต้องแตกต่างโดยพื้นฐานจากแนวดนตรีคลาสสิก เสียงไม่สามารถฟังดู "เหมือนโอเปร่า" และการเต้นต้องไม่มีลักษณะ "เหมือนบัลเล่ต์" คำพูด การแสดงออกทางสีหน้า ความเป็นพลาสติก การเต้นรำสามารถอยู่ภายใต้พฤติกรรมบนเวทีบรรทัดเดียวเท่านั้น ซึ่งเป็นภารกิจในการสร้างภาพลักษณ์ที่สมบูรณ์

มันเป็นวิถีชีวิตแบบนี้ที่นักแสดงแสดงให้เห็นอย่างชัดเจน โปรดักชั่นที่ดีที่สุดละครเพลงบรอดเวย์ รวมถึงเวอร์ชันภาพยนตร์: เสียงดนตรี(1965), เรื่องราวฝั่งตะวันตก(1961), สวัสดีดอลลี่!(1969),ผู้หญิงตลก(1968), พระเยซูคริสต์ซุปเปอร์สตาร์(1973),ผู้หญิงที่ยุติธรรมของฉัน(1964),นักเล่นซอบนหลังคา(1971) เป็นต้น ภาพยนตร์เหล่านี้หลายเรื่องได้รับรางวัลภาพยนตร์ระดับสูง

ในไม่ช้า ละครเพลงอเมริกันก็เริ่มมีชัยชนะไปทั่วโลก อย่างไรก็ตาม ผลงานในยุโรปของพวกเขาเต็มไปด้วยปัญหาร้ายแรง ความจริงก็คือการฝึกอบรมบนเวทีที่เป็นเอกลักษณ์ของนักแสดงสากลที่ตรงตามข้อกำหนดของละครเพลงนั้นถูกกำหนดโดยรูปแบบหนึ่งของการแสดงละครที่นำมาใช้ในบรอดเวย์: องค์กรเมื่อคณะเฉพาะรวมตัวกันเพื่อดำเนินโครงการเฉพาะ

การจัดการและรูปแบบการปฏิบัติงานละคร

รูปแบบขององค์กรกำหนดการคำนวณความสำเร็จเชิงพาณิชย์ของงานอย่างรอบคอบ เน้นที่ศิลปะของทีมสร้างสรรค์และศิลปะของโปรดิวเซอร์อย่างเท่าเทียมกัน งานละครดำเนินการโดยใช้วิธี "การแช่ลึก" เนื่องจากปฏิเสธที่จะเข้าร่วมในโครงการอื่น การแสดงที่เสร็จสมบูรณ์ซึ่งนำไปสู่ความสมบูรณ์แบบทางเทคโนโลยีจะดำเนินการอย่างต่อเนื่องตราบใดที่มีความต้องการของผู้ชม (หากประสบความสำเร็จเป็นเวลาหลายปี) การปรับแต่งรูปแบบรวมกับการวางแนวทางจิตวิทยาของนักแสดงโดยเฉพาะต่อรูปแบบการทำงานของผู้ประกอบการช่วยให้การแสดงหลีกเลี่ยงความล้าสมัยเป็นเวลานานและบรรลุปฏิกิริยาของผู้ชมประเภทเดียวกันโดยไม่คำนึงถึงองค์ประกอบของผู้ชม นอกจากนี้ การพัฒนาเอฟเฟกต์อันน่าทึ่งที่ซับซ้อนซึ่งได้กลายมาเป็นหนึ่งในจุดเด่นของละครเพลงสมัยใหม่ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าต้องอาศัยความอัตโนมัติของนักแสดงในการติดตามคะแนนการแสดงทั้งหมดอย่างเคร่งครัด การสัมผัสการแสดงดังกล่าวกับผู้ชมสามารถเปรียบเทียบได้กับการรับรู้ของภาพยนตร์: ไม่ว่าผู้ชมจะมีปฏิกิริยาอย่างไร งานศิลปะก็ไม่เปลี่ยนแปลง มันถูกสร้างขึ้นเพียงครั้งเดียวและตลอดไป การแสดงของผู้ประกอบการไม่สามารถยอมให้เกิดความผันผวนในปฏิกิริยาของผู้ชมได้: ความสนใจในโครงการที่ลดลงนั้นเท่ากับความตาย นอกจากนี้ สำหรับผู้บริหารชาวอเมริกัน การเปิดตัวผลการดำเนินงานระดับองค์กรเป็นเพียงจุดเริ่มต้นเท่านั้น เกือบทุกโปรเจ็กต์มาพร้อมกับรายได้จากการเปิดตัวบันทึกเสียงและวิดีโอ และประสบความสำเร็จอย่างมากจากการได้ลิขสิทธิ์การผลิตในโรงภาพยนตร์อื่นๆ

ประเพณีการแสดงละครของยุโรปมีลักษณะเฉพาะมากกว่าคือโรงละครแบบอยู่กับที่ซึ่งมีคณะละครถาวรและละครขนาดใหญ่และหลากหลาย สิ่งนี้กำหนดสไตล์การทำงานที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงและความสัมพันธ์ประเภทต่าง ๆ กับผู้ชม: มีความใกล้ชิดและซับซ้อนมากขึ้น เปลี่ยนตัวเองให้มีบทบาทที่แตกต่างกันทุกวัน นักแสดงละครในการแสดงแต่ละครั้งจะสร้างการติดต่อกับผู้ชมอีกครั้ง ดึงดูดความสนใจและปรับตัวให้เข้ากับปฏิกิริยาของผู้ชม ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่เชื่อกันว่าในโรงละครแห่งนี้ไม่มีการแสดงที่เหมือนกันสองแบบ: สำเนียงเชิงความหมาย ความแตกต่างของความสัมพันธ์ และบุคลิกของตัวละครเปลี่ยนไปขึ้นอยู่กับสถานะทางจิตฟิสิกส์ของนักแสดง และการเปิดกว้างและอารมณ์ของผู้ชม . และหากโรงละครได้รับเงินอุดหนุน แน่นอนว่าความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ของการแสดงก็ยังคงมีความสำคัญ แต่ก็ไม่ใช่เงื่อนไขสำคัญสำหรับการดำรงอยู่ของมัน ทั้งหมดนี้ทำให้การสร้างมาตรฐานของการผลิตและการปฏิบัติงานทางเทคนิคที่นักแสดงต้องเผชิญมีความซับซ้อนอย่างมาก โอกาสที่ผลงานละครเพลงจะประสบความสำเร็จจึงลดลง

อย่างไรก็ตาม แนวดนตรีกลายเป็นที่ดึงดูดใจนักแสดงจากทุกประเทศและทุกสไตล์ละครเป็นอย่างมาก ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นเพราะความต้องการความนิยมตามธรรมชาติเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความปรารถนาที่จะเชี่ยวชาญแนวเพลงใหม่และขยายขีดความสามารถเชิงสร้างสรรค์อีกด้วย

ประวัติศาสตร์ดนตรีในรัสเซีย

ในรัสเซียความสัมพันธ์กับละครเพลงเริ่มพัฒนามานานแล้วแม้ว่าจะมีการดัดแปลงแนวเพลงนี้แตกต่างออกไปเล็กน้อยและแปลกประหลาดก็ตาม อย่างไรก็ตาม แนวทางแรกในการแสดงละครเพลงก็เหมือนกับในอเมริกา - ผ่านดนตรีแจ๊ส สิ่งนี้เกิดขึ้นในภาพยนตร์ของ G. Alexandrov และโดยเฉพาะอย่างยิ่งใน พวกร่าเริงด้วยการมีส่วนร่วมของวงดนตรีแจ๊สของ L. Utesov แม้ว่าคะแนนดนตรีจะมีไม่มากนัก แต่จริงๆ แล้วพวกเขามีส่วนร่วมอย่างเต็มที่ในภาพยนตร์เรื่องนี้ และมีความเท่าเทียมกับนักแสดง บรรทัดนี้ถูกต่อโดยผู้อำนวยการใน ละครสัตว์และ – ในเชิงอินทรีย์ค่อนข้างน้อย – ใน โวลก้า-โวลก้าซึ่งมักจะใส่หมายเลขดนตรีลงไป ประสบการณ์ของ Alexandrov นี้แทบไม่มีความคล้ายคลึงกันในโรงภาพยนตร์โซเวียตซึ่งการพัฒนาแนวเพลงตลกดำเนินไปตามแนวละครเป็นหลัก (ตั้งแต่ภาพยนตร์ยุคแรกของ I. Pyryev ไปจนถึงผลงานคลาสสิกของประเภท J. Frid) .

ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1960 มีความพยายามหลายครั้งในการแสดงละครเพลงบนเวทีโซเวียต มันถูกจัดแสดงที่โรงละครเลนินกราดคมโสมลด้วยซ้ำ เรื่องราวฝั่งตะวันตก- อย่างไรก็ตาม ช่วงของการผลิตการแสดงดนตรีส่วนใหญ่มีความผันผวนระหว่างการสื่อสารมวลชนทางสังคม เช่น Brechtian Zong Opera ( คนดีจากเสฉวนบนตากันกา ทรีเพนนีโอเปร่าและ ผู้คนและความหลงใหลที่โรงละคร Lensoveta) และละครเพลงแนวโคลงสั้น ๆ ที่เล่นด้วยการโน้มน้าวใจทางจิตวิทยาไม่มากก็น้อย ( ดุลซิเนีย โทโบโซในโรงภาพยนตร์ที่ตั้งชื่อตาม Mayakovsky และ Lensoveta ถนัดซ้ายที่โรงละคร Lensovet และแม้กระทั่ง หนุมะเป็นสกุลเงินบาท) อย่างไรก็ตาม มีความก้าวหน้าอย่างแท้จริงหลายประการต่อละครเพลง ตามกฎแล้วพวกเขาเกี่ยวข้องกับผลงานร็อคของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย ดังนั้นการแสดงจึงดูคาดไม่ถึงเลย งานแต่งงานของ Krechinskyที่โรงละคร Leningrad Operetta (นักแต่งเพลง A. Kolker ผู้กำกับ V. Vorobyov) และแน่นอนการแสดงของ Lenkomov โดย M. Zakharov - ติล(นักแต่งเพลง G. Gladkov) ดวงดาวและความตายของ Joaquin Murrietaและ "จูโนและอาวอส"(นักแต่งเพลง A. Rybnikov) คนสุดท้ายดำเนินชีวิตตามกฎของละครเพลงอเมริกันด้วยวิธีที่อธิบายไม่ได้ โดยรักษาปฏิกิริยาของผู้ชมที่มั่นคงมานานหลายทศวรรษ (แม้ว่านักแสดงจะมีส่วนร่วมอย่างกว้างขวางในละครเพลงที่เหลือของโรงละครก็ตาม)

ดนตรีร่วมสมัยในรัสเซีย

ตั้งแต่ปี 1999 รัสเซียเริ่มผลิตละครเพลงตามหลักการตะวันตก ประการแรกคือโปรเจ็กต์ลิขสิทธิ์ของละครเพลงโปแลนด์ เมโทร- ผลลัพธ์ที่ได้ก็น่ายินดี และละครเพลงที่ได้รับลิขสิทธิ์เริ่มมีจำนวนเพิ่มมากขึ้น: น็อทร์-ดาม,ชิคาโก,ถนนสายที่ 42,แม่มดแห่งอีสต์วิค…

ละครเพลงรัสเซียต้นฉบับอาจเป็นจุดเริ่มต้นการสนทนาที่จริงจังกว่านี้มาก ไม่แน่นอน ริมฝีปากที่ Moon Theatre ซึ่งแม้จะมีพื้นฐานทางวรรณกรรมและดนตรีที่ดี (V. Nabokov, A. Zhurbin) ยังคงเป็นการแสดงละครธรรมดา แต่ - ประการแรกสร้างขึ้นในระดับที่เหมาะสมและมาพร้อมกับงานการผลิตที่มีความสามารถ นอร์ด-ออสต์- อย่างไรก็ตามโศกนาฏกรรมที่มีตัวประกันใน Dubrovka นอกเหนือจากผลที่ตามมาเลวร้ายอื่น ๆ ซึ่งตัดโปรเจ็กต์ที่ประสบความสำเร็จทันทีดูเหมือนว่าจะทำให้ละครเพลงรัสเซียถอยหลังไปไกล ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา นอร์ด-ออสต์มันไม่ได้ผลภาระทางจิตใจของสิ่งที่เกิดขึ้นกลายเป็นเรื่องทนไม่ได้

ทาเทียน่า ชาบาลินา