نقاشی هایی از هنرمندان مشهور معاصر جهان. هنرمندان مدرن روسیه ارزش نگاه دقیق تر را دارند

"Landscape Birch Grove Road" 120x100
چاقوی پالت، روغن، بوم
کنستانتین لوریس ملیکوف

هنر قرن بیست و یکم
— همه چیزخوار،
بدبینانه، کنایه آمیز- طعنه آمیز، دموکراتیک - آنها غروب یک عصر بزرگ را می نامند.

پست مدرنیست ها در موقعیتی قرار گرفته اند که همه چیز قبل از آنها گفته شده است. و تنها کاری که آنها باید انجام دهند این است که از آنچه خلق کرده اند استفاده کنند، سبک ها را با هم ترکیب کنند، هنری، اگر نگوییم جدید، اما قابل تشخیص، خلق کنند…

روشن ترین جهت ها:

1. نئورئالیسم؛


2. هنر مینیمال؛


3. پست مدرن؛


4. هایپررئالیسم؛


5. نصب و راه اندازی؛


6. محیط؛


7. ویدئو آرت؛


8. گرافیتی;


9. ترانساوانگارد;


10. هنر بدن؛


11. استاکیسم؛


12. نئوپلاستیسیزم؛


13. هنر خیابانی؛


14. هنر پستی؛


15. بدون هنر

1. نئورئالیسم.
این هنر ایتالیای پس از جنگ است که با بدبینی پس از جنگ دست و پنجه نرم می کرد.

جبهه جدید هنر متحد شد
انتزاع گرایان و واقع گرایان و تنها 4 سال دوام آورد. اما از
هنرمندان مشهوری از آن بیرون آمدند: گابریل موچی، رناتو گوتوزو، ارنستو
ترکانی. آنها کارگران و دهقانان را به وضوح و واضح به تصویر می کشیدند.

روندهای مشابهی در سایر موارد ظاهر شده است
کشورها، اما مکتب نئورئالیسم را درخشان ترین مکتب می دانند که
با تلاش های دیگو ریورا دیوارنگار در آمریکا ظاهر شد.

تماشا کنید: رناتو گوتوزو

نقاشی های دیواری دیگو ریورا - کاخ ریاست جمهوری (مکزیکو سیتی، مکزیک).

قطعه ای از نقاشی دیواری دیگو ریورا برای هتل پرادو در مکزیکوسیتی "رویای یکشنبه در پارک آلامدا"، 1948

2. حداقل هنر.
این جهت آوانگارد است.
از فرم های ساده استفاده می کند و هرگونه تداعی را حذف می کند.

کارل آندره، 1964

این جهت در پایان در ایالات متحده ظاهر شد
دهه 60 مینیمالیست ها مارسل دوشان را پیشینیان مستقیم خود می نامیدند.
(آماده)، پیت موندریان (نئوپلاستیکیسم) و کازیمیر مالویچ
(سوپرماتیسم)، مربع سیاه او را اولین اثر نامیدند
هنر مینیمال

بسیار ساده و هندسی
ترکیبات صحیح - جعبه های پلاستیکی، میله های فلزی،
مخروط ها - طبق طرح های هنرمندان در شرکت های صنعتی ساخته شد.

تماشا کردن:

آثار دونالد جاد، کارل
آندره، سولا لویتا - موزه گوگنهایم (نیویورک، ایالات متحده آمریکا)، موزه
هنر معاصر (نیویورک، ایالات متحده آمریکا)، موزه هنر متروپولیتن (نیویورک،
ایالات متحده آمریکا).

3. پست مدرن. این فهرست طولانی از روندهای غیرواقعی اواخر قرن بیستم است.

وانچگی موتو. کلاژ "ارگان های تناسلی یک زن بالغ"، 2005

چرخه گرایی از ویژگی های هنر است، اما
پست مدرن اولین مصداق «نفی نفی» شد. در آغاز
مدرنیسم کلاسیک ها را رد کرد و سپس پست مدرنیسم مدرنیسم را به عنوان
او قبلاً کلاسیک ها را رد کرده بود. پست مدرنیست ها به آن اشکال بازگشتند و
سبک هایی که قبل از مدرنیسم بودند، اما در سطحی بالاتر.

پست مدرنیسم محصول دوران است
آخرین فناوری ها بنابراین، ویژگی بارز آن مخلوط است
سبک ها، تصاویر، دوره های مختلف و خرده فرهنگ ها. اصلی برای پست مدرنیست ها
نقل قول می کرد، ماهرانه با نقل قول ها شعبده بازی می کرد.

تماشا کنید: گالری تیت (لندن،
بریتانیا)، موزه ملی هنر مدرن مرکز پمپیدو
(پاریس، فرانسه)، موزه گوگنهایم (نیویورک، ایالات متحده آمریکا).

هایپررئالیسم. هنری که از عکاسی تقلید می کند.

چاک بستن "رابرت"، 1974

به این هنر سوپررئالیسم نیز می گویند.
فوتورئالیسم، رئالیسم رادیکال یا رئالیسم سرد. ظاهر شد
جهت دهی در آمریکا در دهه 60 و 10 سال بعد به طور گسترده در آن گسترش یافت
اروپا

هایپررئالیسم، فوتورئالیسم، دان ادی،

هنرمندان این مسیر دقیقا
جهان را همانطور که در عکس می بینیم کپی کنید. در آثار هنرمندان
طنز خاصی در مورد تکنوژن خوانده می شود. هنرمندان بیشتر تصویر می کنند
داستان هایی از زندگی یک کلان شهر مدرن.

ریچارد استس- عشق به تصویر بازتاب کلان شهر در ویترین مغازه ها، روی کاپوت ماشین یا پیشخوان کافه

تماشا کردن:

آثار چاک کلوز، دان ادی، ریچارد استس - موزه هنر متروپولیتن، موزه گوگنهایم (نیویورک، ایالات متحده آمریکا)، موزه بروکلین (ایالات متحده آمریکا).

5. نصب و راه اندازی.
این یک ترکیب در گالری است که می تواند از هر چیزی ایجاد شود، نکته اصلی این است که یک زیرمتن و یک ایده وجود دارد.

فواره (دوشان)

به احتمال زیاد اینطور نخواهد بود
اگر ادرار نمادین دوشان نبود. نام دنیای اصلی
نصب کنندگان: Dine، Rauschenberg، Beuys، Kunnelis و Kabakov.

"جیم دین. از مجموعه مرکز پمپیدو»

نکته اصلی در اینستالیشن خود زیرمتن و فضایی است که هنرمندان با اشیاء پیش پا افتاده برخورد می کنند.

تماشا کردن:
تیت مدرن (لندن، بریتانیا)، موزه گوگنهایم (نیویورک، ایالات متحده آمریکا).

6. محیط زیست.

این هنر ایجاد یک ترکیب سه بعدی است که دنیای واقعی را تقلید می کند.

به عنوان یک جهت در هنر محیط زیست
در دهه 1920 ظاهر شد. چندین بار جلوتر از زمانش
برای دهه‌ها، هنرمند دادائیست، زمانی که خود را به مردم عرضه کرد
محصول "Merz-building" - ساختاری سه بعدی از اشیاء مختلف و
مواد، برای چیزی جز تفکر خوب نیست.

ادوارد کینهولتز

نیم قرن بعد این ژانر تبدیل شد
کار کرد و جانشین ادوارد کینهولتز و جورج سیگل شد. به کار شما
آنها لزوماً عنصر تکان دهنده ای از فانتزی هذیانی را معرفی کردند.

تماشا کردن:
آثار ادوارد کینهولتز و جورج سیگل
- موزه هنر مدرن (استکهلم، سوئد).

7. ویدئو ART.

این جهت در یک سوم پایانی قرن بیستم به دلیل ظهور دوربین های فیلمبرداری قابل حمل به وجود آمد.

این تلاش دیگری است برای بازگشت هنر به
واقعیت، اما در حال حاضر با کمک ویدئو و فناوری کامپیوتری.
نام جون پیک آمریکایی از عبور پاپ از خیابان ها ویدئویی تهیه کرد
نیویورک و اولین هنرمند ویدیو شد.

آزمایشات نام جون پیک تحت تأثیر قرار گرفت
تلویزیون، موزیک ویدیو (او در انتهای کانال MTV ایستاد)،
جلوه های کامپیوتری در سینما کار جون پیک، بیل ویولا آن را ساخته است
جهت هنر میدانی از فعالیت برای آزمایش است. قرار دادند
آغاز «تندیس‌های تصویری»، «ویدئو اینستالیشن» و «اپراهای ویدیویی».

تماشا کردن:
ویدئو آرت از روانگردان تا اجتماعی
(محبوب در چین، Chen-che-yen در Youtube.com)

8. گرافیتی.

کتیبه ها و نقاشی هایی روی دیوار خانه ها که حامل پیامی جسورانه است.

برای اولین بار در دهه 70 در شمال ظاهر شد
آمریکا. گالری داران یکی از محله ها با ظاهرشان ارتباط داشتند
منهتن آنها حامی خلاقیت کسانی شدند که در همسایگی آنها زندگی می کردند.
پورتوریکویی ها و جامائیکایی ها. گرافیتی عناصر شهری را ترکیب می کند
خرده فرهنگ و قومیت

کیت هرینگ، نابغه هنر پاپ

اسامی از تاریخ گرافیتی: کیت هرینگ،
ژان میشل باسکیا، جان ماتوم، کنی شارف. شخصیت بدنام
بنکسی یک هنرمند گرافیتی بریتانیایی است. در همه جا کارت پستال هایی با آثار او وجود دارد
فروشگاه های سوغاتی بریتانیا

تماشا کردن:
موزه گرافیتی (نیویورک، ایالات متحده آمریکا)، آثار بنکسی - در banksy.co.uk.

9. ترانس ونگارد.
یکی از گرایش های نقاشی پست مدرن. گذشته، نقاشی جدید و بیان را ترکیب می کند.

اثر هنرمند ترانس‌آوانگارد الکساندر رویتبرد

نویسنده اصطلاح ترنساوانگارد -
بونیتو اولیوا منتقد معاصر. او با این اصطلاح خلاقیت را تعریف کرد
5 نفر از هموطنانش - ساندرو چیا، انزو کوچی، فرانچسکو
کلمنته، میمو پالادینو، نیکولو دی ماریا. ویژگی های کار آنها:
ترکیبی از سبک های کلاسیک، عدم دلبستگی به ملی
مدرسه، محیطی برای لذت زیبایی شناختی و پویایی.

فرانچسکو کلمنته در شرن (فرانکفورت)

تماشا کنید: موزه مجموعه پگی
گوگنهایم (ونیز، ایتالیا)، موزه هنر مدرن در پالاتزو
(ونیز، ایتالیا)، گالری هنر مدرن (میلان، ایتالیا)

10. هنر بدن.

یکی از جهت گیری های کنش گرایی. بدن به عنوان یک بوم عمل می کند.

هنر بدن یکی از مظاهر فرهنگ پانک دهه 70 است.
این ارتباط مستقیم با مد خالکوبی و برهنگی است که در آن زمان ظاهر شد.

تصاویر زنده درست در مقابل ایجاد می شوند
بینندگان، روی ویدئو ضبط شده و سپس در گالری پخش می شود. بروس
نائومان ادرار دوشان را در گالری به تصویر می کشد. دوئت گیلبرت و
جورج مجسمه های زنده هستند. آنها نوع یک انگلیسی متوسط ​​را به تصویر می کشیدند.

ببینید: به عنوان مثال، در وب سایت هنرمند Orlan orlan.eu.

11. استاکیسم.

انجمن هنری بریتانیایی نقاشی فیگوراتیو. در مقابل مفهوم گرایان.

اولین نمایشگاه در لندن در سال 2007 بود.
به عنوان اعتراضی علیه تیت. طبق یک روایت، آنها اعتراض کردند
ارتباط با خرید گالری آثار هنرمندان با دور زدن قانون. سر و صدا
توجه را به استکرها در مطبوعات جلب کرد. در حال حاضر در جهان وجود دارد
بیش از 120 هنرمند شعار آنها این است: هنرمندی که نقاشی نمی کشد، هنرمند نیست.

بیلی چیلدیش. لبه جنگل"

اصطلاح Stackism توسط تامسون پیشنهاد شد.
هنرمند تریسی امین بر سر دوست پسرش بیلی فریاد زد
کودکانه: نقاشی شما گیر کرده، گیر کرده، گیر کرده است! (انگلیسی گیر کرده!
گیر! پشته!)

تماشا کردن:
در وب سایت stackist stuckism.com.
آثار چارلی تامسون و بیلی چایلدیش در گالری تیت (لندن، بریتانیا).

12. نئوپلاستیسیزم.
هنر انتزاعی تقاطع خطوط عمود بر 3 رنگ.

ایدئولوگ کارگردان پیت هلندی است

موندریان او دنیا را یک توهم می دانست، بنابراین وظیفه هنرمند پاکسازی است
نقاشی از اشکال حسی (تصویری) به نام زیبایی شناسی
اشکال (انتزاعی)

هنرمند پیشنهاد انجام این کار را داد
تا حد امکان به طور خلاصه با کمک 3 رنگ - آبی، قرمز و
رنگ زرد. جاهای بین خطوط عمود را پر کردند.

پیت موندریان. قرمز، زرد، آبی و مشکی

نئوپلاستیسیسم هنوز الهام بخش طراحان، معماران و گرافیست های صنعتی است.

تماشا کردن:
آثار پیت موندریان و تئو وانا دوزبورگ در موزه شهرداری لاهه.

13. هنر خیابانی.

هنری که شهر برای آن نمایشگاه یا بوم نقاشی است

هدف یک هنرمند خیابانی این است که با کمک اینستالیشن، مجسمه، پوستر یا استنسیل خود، فوراً یک رهگذر را وارد گفتگو کند.

هنر، مانند کل جهان اطراف ما، دائماً در حال تحول است. هنرمندان مدرن قرن بیست و یکم و نقاشی های آنها به هیچ وجه شبیه به آنچه در قرون وسطی، رنسانس وجود داشت، نیست. نام ها، مواد، ژانرها، راه های ابراز استعدادهای جدید ظاهر می شود. در این رتبه بندی با ده هنرمند مبتکر زمان خود آشنا می شویم.

10. پدرو کامپوس.در جایگاه دهم اسپانیایی است که قلم موی او به راحتی می تواند با دوربین رقابت کند، او چنین بوم های واقع گرایانه ای را نقاشی می کند. او در بیشتر موارد، طبیعت‌های بی‌جان را خلق می‌کند، اما نه مضامین نقاشی‌های او که تحسین شگفت‌انگیزی را به همراه دارد، بلکه تجسم استادانه آن است. بافت ها، تابش خیره کننده، عمق، پرسپکتیو، حجم - همه اینها پدرو کامپوس تابع قلم موی او بود، به طوری که واقعیت، و نه خیال، از روی بوم به بیننده نگاه می کرد. بدون آراستگی، بدون رمانتیسم، فقط واقعیت، این معنای ژانر فتو رئالیسم است. به هر حال، هنرمند توجه خود را به جزئیات و دقت در کار یک مرمتگر به دست آورد.

9. ریچارد استس.یکی دیگر از ستایشگران ژانر فوتورئالیسم، ریچارد استس، با نقاشی معمولی شروع کرد، اما بعداً به نقاشی مناظر شهری رفت. هنرمندان امروزی و خلاقیت‌هایشان نیازی به تطبیق با کسی ندارند، و این عالی است، هرکسی می‌تواند خود را آنطور که می‌خواهد در آنچه می‌خواهد بیان کند. همانطور که در مورد پدرو کامپوس، آثار این استاد به راحتی با عکس اشتباه گرفته می شود، شهر بسیار شبیه به شهر واقعی است. شما به ندرت افرادی را در نقاشی های استس می بینید، اما تقریباً همیشه بازتاب ها، تابش خیره کننده، خطوط موازی و یک ترکیب ایده آل و عالی وجود دارد. بنابراین، او نه تنها از منظر شهری کپی نمی کند، بلکه کمال را در آن می یابد و سعی در نشان دادن آن دارد.

8. کوین اسلونتعداد باورنکردنی هنرمندان معاصر قرن بیست و یکم و نقاشی های آنها وجود دارد، اما هر یک از آنها ارزش توجه ندارند. کوین اسلون آمریکایی ارزشش را دارد، زیرا به نظر می رسد آثار او بیننده را به بعد دیگری سوق می دهد، دنیایی پر از تمثیل، معانی پنهان، اسرار استعاری. این هنرمند عاشق نقاشی حیوانات است، زیرا از نظر او آزادی بیشتری در این راه بدست می آورد تا با مردم برای گفتن داستان. اسلون تقریباً 40 سال است که "واقعیت ترفند" خود را با روغن ها خلق کرده است. اغلب اوقات، ساعت ها روی بوم ها ظاهر می شوند: یا یک فیل یا یک اختاپوس به آنها نگاه می کند؛ این تصویر را می توان به عنوان گذر زمان یا محدودیت های زندگی تفسیر کرد. هر تصویر اسلون شگفت انگیز است، من می خواهم آنچه را که نویسنده می خواست به او منتقل کند، باز کنم.

7. Laurent Parcelier.این نقاش متعلق به آن دسته از هنرمندان معاصر قرن بیست و یکم است که نقاشی‌هایشان حتی در دوران تحصیلشان زود شناخته شد. استعداد لورن در آلبوم های منتشر شده تحت عنوان کلی «دنیای عجیب» خود را نشان داد. او با رنگ روغن نقاشی می کند، سبک او سبک است، به سمت رئالیسم می کشد. از ویژگی های بارز آثار این هنرمند، نور فراوانی است که به نظر می رسد از بوم ها می ریزد. به عنوان یک قاعده، او مناظر، برخی مکان های قابل تشخیص را به تصویر می کشد. همه آثار به طور غیرعادی سبک و مطبوع هستند، مملو از آفتاب، طراوت، نفس.

6. جرمی مانیک بومی سانفرانسیسکو شهر خود را دوست داشت و اغلب آن را در نقاشی های خود به تصویر می کشید. هنرمندان معاصر قرن بیست و یکم می توانند از نقاشی های خود در هر جایی الهام بگیرند: زیر باران، سنگفرش خیس، تابلوهای نئونی، چراغ های شهری. جرمی مان مناظر ساده را با خلق و خو، تاریخ، آزمایش با تکنیک ها و انتخاب رنگ القا می کند. ماده اصلی مان روغن است.

5. هانس رودولف گیگر.در جایگاه پنجم، هانس گیگر بی نظیر، خالق بیگانه از فیلمی به همین نام، قرار دارد. هنرمندان امروزی و آثارشان متنوع هستند، اما هرکدام در نوع خود درخشان هستند. این سوئیسی غمگین طبیعت و حیوانات را نقاشی نمی کند، او نقاشی "بیومکانیکی" را ترجیح می دهد که در آن موفق شد. برخی این هنرمند را با بوش به خاطر تیرگی و خارق العاده بودن بوم هایش مقایسه می کنند. اگرچه نقاشی های گیگر بوی چیزی ماورایی ، خطرناک می دهد ، اما نمی توانید از نظر تکنیک ، مهارت از او امتناع کنید: او به جزئیات توجه دارد ، سایه ها را به درستی انتخاب می کند ، به همه چیز تا کوچکترین جزئیات فکر می کند.

4. ویل بارنتاین هنرمند سبک نویسنده منحصر به فرد خود را دارد، بنابراین آثار او به راحتی توسط موزه های بزرگ جهان پذیرفته می شود: موزه متروپولیتن هنر، گالری ملی هنر، موزه بریتانیا، موزه اشمولین، موزه واتیکان. هنرمندان معاصر قرن بیست و یکم و آثارشان برای اینکه شناخته شوند باید به نحوی از بقیه توده ها متمایز شوند. و ویل بارنت می تواند این کار را انجام دهد. آثار او گرافیکی و متضاد هستند، او اغلب گربه ها، پرندگان، زنان را به تصویر می کشد. در نگاه اول، نقاشی های بارنت ساده هستند، اما با بررسی بیشتر، متوجه می شوید که این سادگی دقیقاً نبوغ آنهاست.

3. نیل سایمون.این یکی از هنرمندان معاصر قرن بیست و یکم است که کارهایش آنقدرها هم که در نگاه اول به نظر می رسد ساده نیستند. بین طرح ها و آثار نیل سایمون، مرزها به نظر می رسد شسته شده است، آنها از یکی به دیگری می ریزند، بیننده را جذب می کنند، آنها را به دنیای وهم آلود هنرمند می کشانند. مشخصه خلاقیت های سایمون رنگ های روشن و اشباع شده است که به آنها انرژی و قدرت می دهد و واکنش احساسی را برمی انگیزد. استاد دوست دارد با پرسپکتیو، اندازه اشیاء، با ترکیبات غیرمعمول و اشکال غیرمنتظره بازی کند. هندسه زیادی در آثار این هنرمند وجود دارد که با مناظر طبیعی ترکیب شده است، گویی به درون می شتابد، اما تخریب نمی کند، بلکه به طور هماهنگ مکمل است.

2. ایگور مورسکی.هنرمند قرن بیست و یکم امروزی و نقاشی هایش اغلب با نابغه بزرگ سالوادور دالی مقایسه می شود. آثار استاد لهستانی غیرقابل پیش بینی، اسرارآمیز، هیجان انگیز هستند، واکنش احساسی واضحی را برمی انگیزند و در جاهایی دیوانه کننده هستند. او مانند هر سوررئالیست دیگری به دنبال نشان دادن واقعیت آنگونه که هست نیست، بلکه جنبه هایی را نشان می دهد که هرگز در زندگی نخواهیم دید. غالباً قهرمان آثار مورسکی مردی است با تمام ترس ها، علایق و کاستی هایش. همچنین استعاره های آثار این سوررئالیست اغلب مربوط به قدرت است. البته این هنرمندی نیست که کارش را روی تخت آویزان کنید، بلکه آن هنرمندی است که قطعاً ارزش حضور در نمایشگاه را دارد.

1. Yayoi Kusama. بنابراین، در رتبه اول رتبه بندی ما یک هنرمند ژاپنی است که علیرغم داشتن برخی بیماری های روانی، موفقیت های باورنکردنی در سراسر جهان به دست آورده است. "ویژگی" اصلی هنرمند نقطه های پولکا است. او هر چیزی را که می‌بیند با دایره‌هایی با اشکال و اندازه‌های مختلف می‌پوشاند و همه آن را شبکه‌های بی‌نهایت می‌نامد. نمایشگاه‌ها و اینستالیشن‌های تعاملی کوساما موفقیت‌آمیز هستند، زیرا گاهی اوقات همه می‌خواهند (حتی اگر اعتراف نکنند) در دنیای روان‌گردان توهمات، خودانگیختگی کودکانه، فانتزی‌ها و محافل رنگارنگ باشند. در میان هنرمندان معاصر قرن بیست و یکم و نقاشی های آنها، Yayoi Kusama پرفروش ترین است.

رتبه بندی گران ترین آثار هنرمندان زنده ساختی است که از نقش و جایگاه هنرمند در تاریخ هنر بسیار کمتر از سن و سلامت صحبت می کند.

قوانین جمع آوری رتبه ما ساده است: اولاً، فقط معاملات با آثار نویسندگان زنده در نظر گرفته می شود. ثانیاً فقط فروش حراج عمومی در نظر گرفته می شود. و ثالثاً قاعده "یک هنرمند - یک اثر" رعایت می شود (اگر دو رکورد در رتبه بندی آثار متعلق به جونز باشد ، فقط گرانترین آنها باقی می ماند و مابقی در نظر گرفته نمی شود). رتبه بندی بر حسب دلار (به نرخ مبادله ای در تاریخ فروش) انجام می شود.

1. جف کونز خرگوش. 1986. 91.075 میلیون دلار

هر چه بیشتر کارنامه حراج جف کونز (1955) را تماشا کنید، بیشتر متقاعد می شوید که هیچ چیز برای هنر پاپ غیرممکن نیست. می‌توانید مجسمه‌های کونز را به شکل اسباب‌بازی‌های بادکنکی تحسین کنید، یا می‌توانید آنها را کیچ و بد سلیقه در نظر بگیرید - حق شماست. یک چیز را نمی توان انکار کرد: نصب های جف کونز هزینه های دیوانه کننده ای دارند.

جف کونز سفر خود را به سمت شهرت به عنوان موفق ترین هنرمند زنده جهان در سال 2007 آغاز کرد، زمانی که اینستالیشن فلزی غول پیکر او، Hanging Heart به قیمت 23.6 میلیون دلار در ساتبیز خریداری شد. این اثر توسط گالری لری گاگوسیان به نمایندگی از کونز خریداری شد (در مطبوعات نوشتند که این به نفع میلیاردر اوکراینی ویکتور پینچوک بود. این گالری نه تنها یک چیدمان، بلکه در واقع یک اثر هنری جواهرات را به دست آورد. حتی اگر این اثر از طلا ساخته نشده باشد (فولاد ضد زنگ به عنوان ماده استفاده می شود) و به وضوح از نظر اندازه بزرگتر از یک آویز معمولی است (مجسمه ای با ارتفاع 2.7 متر وزن 1600 کیلوگرم دارد)، اما هدفی مشابه دارد. بیش از شش و نیم هزار ساعت برای تولید یک ترکیب با قلب پوشیده شده از آن صرف شد. ده لایه رنگ در نتیجه پول هنگفتی برای "دکوراسیون" دیدنی پرداخت شد.

بعدی فروش گل بالون بنفش به قیمت 12.92 میلیون پوند (25.8 میلیون دلار) در کریستیز لندن در 30 ژوئن 2008 بود. جالب اینجاست که هفت سال قبل از آن، صاحبان قبلی «گل» این اثر را به قیمت 1.1 میلیون دلار خریداری کردند، به راحتی می توان محاسبه کرد که در این مدت قیمت آن در بازار تقریباً 25 برابر شده است.

رکود بازار هنر در سال های 2008-2009 به شکاکان دلیلی داد تا تهمت بزنند که مد کونز گذشته است. اما اشتباه کردند: همراه با بازار هنر، علاقه به آثار کونس دوباره زنده شد. جانشین اندی وارهول بر تاج و تخت پادشاه پاپ بهترین های شخصی خود را در نوامبر 2012 با فروش مجسمه لاله های رنگارنگ از سری Triumph در کریستی به قیمت 33.7 میلیون دلار با پورسانت به دست آورد.

اما «لاله» به معنای واقعی و مجازی «گل» بود. فقط یک سال بعد، در نوامبر 2013، فروش مجسمه سگ بادکنکی فولاد ضد زنگ (نارنجی) دنبال شد: قیمت چکش به 58.4 میلیون دلار رسید! مبلغی شگفت انگیز برای یک هنرمند زنده. اثر یک نویسنده معاصر به قیمت نقاشی ون گوگ یا پیکاسو فروخته شد. اینها توت ها بودند...

با این نتیجه کونز چندین سال در صدر رده بندی هنرمندان زنده سلطنت کرد. در نوامبر 2018، او برای مدت کوتاهی توسط دیوید هاکنی پیشی گرفت (مقام دوم را در رتبه بندی ما ببینید). اما تنها شش ماه بعد، همه چیز به حالت عادی بازگشت: در 15 می 2019، در نیویورک، در حراج آثار هنری پس از جنگ و معاصر، کریستیز مجسمه کتاب درسی را برای کونز در سال 1986 به فروش رساند - یک "خرگوش" نقره ای. ساخته شده از فولاد ضد زنگ، با تقلید از یک بالون به شکل مشابه.

کونز در مجموع 3 مجسمه از این دست به اضافه یک نسخه نویسنده خلق کرد. این حراج شامل یک نسخه از "خرگوش" شماره 2 - از مجموعه ناشر فرقه Cy Newhouse، مالک مشترک خانه انتشاراتی Conde Nast (مجلات Vogue، Vanity Fair، Glamour، GQ و غیره) بود. نقره ای "خرگوش" توسط "پدر زرق و برق" Cy Newhouse در سال 1992 به مبلغ قابل توجهی با استانداردهای آن سالها - 1 میلیون دلار خریداری شد. پس از 27 سال در جدال 10 مناقصه، قیمت چکش مجسمه 80 برابر قیمت فروش قبلی بود. و با کمیسیون خریدار حق بیمه، نتیجه نهایی رکورد 91.075 میلیون دلار برای همه هنرمندان زنده بود.

2. دیوید هاکنی پرتره هنرمند. استخر با دو رقم. 1972. 90,312,500 دلار

دیوید هاکنی (1937) یکی از مهم ترین هنرمندان بریتانیایی قرن بیستم است. در سال 2011، دیوید هاکنی در نظرسنجی از هزاران نقاش و مجسمه ساز حرفه ای بریتانیایی به عنوان تأثیرگذارترین هنرمند بریتانیایی در تمام دوران انتخاب شد. در همان زمان، هاکنی استادانی مانند ویلیام ترنر و فرانسیس بیکن را دور زد. کار او، به عنوان یک قاعده، به هنر پاپ نسبت داده می شود، اگرچه در کارهای اولیه اش بیشتر به سمت اکسپرسیونیسم در روح فرانسیس بیکن گرایش داشت.

دیوید هاکنی در انگلستان، یورکشایر به دنیا آمد و بزرگ شد. مادر هنرمند آینده خانواده را در سختگیری خالصانه نگه داشت و پدرش که یک حسابدار ساده بود که کمی در سطح آماتور نقاشی می کشید، پسرش را تشویق به نقاشی کرد. در اوایل بیست سالگی، دیوید به کالیفرنیا نقل مکان کرد، جایی که در مجموع حدود سه دهه در آنجا زندگی کرد. او هنوز دو کارگاه در آنجا دارد. هاکنی قهرمانان آثارش را ثروتمندان محلی ساخت، ویلاها، استخرها، چمن‌زارهایشان را در آفتاب کالیفرنیا غرق کرد. یکی از مشهورترین آثار او در دوره آمریکایی - نقاشی "Splash" - تصویری از یک نوار اسپری است که پس از پریدن شخصی به داخل آب از استخر بلند می شود. هاکنی برای به تصویر کشیدن این شیف، "زندگی" بیش از دو ثانیه، دو هفته کار کرد. به هر حال، این نقاشی در سال 2006 به قیمت 5.4 میلیون دلار در ساتبیز فروخته شد و برای مدتی گران ترین اثر او به حساب می آمد.

هاکنی (1937) در حال حاضر در دهه هشتاد خود است، اما او هنوز کار می کند و حتی تکنیک های هنری جدیدی را با استفاده از نوآوری های فنی ابداع می کند. زمانی که ایده ساخت کلاژهای عظیم از تصاویر پولاروید را به ذهنش خطور کرد، آثارش را روی دستگاه های فکس چاپ کرد و امروز هنرمند با اشتیاق در طراحی روی آی پد استاد می شود. نقاشی هایی که روی لوح کشیده شده اند، جایگاه شایسته خود را در نمایشگاه های او می گیرند.

در سال 2005، هاکنی سرانجام از ایالات متحده به انگلستان بازگشت. اکنون او در هوای آزاد و در استودیو مناظر عظیم (اغلب متشکل از چندین قسمت) از جنگل های محلی و زمین های بایر نقاشی می کند. به گفته هاکنی، در 30 سال اقامت خود در کالیفرنیا، او چنان به تغییر ساده فصل عادت نکرده است که واقعاً او را مجذوب و مجذوب خود می کند. تمام چرخه‌های آثار اخیر او، برای مثال، به یک چشم‌انداز در زمان‌های مختلف سال اختصاص دارد.

در سال 2018، نقاشی های هاکنی چندین بار مرز 10 میلیون دلار را شکست. و در 15 نوامبر 2018، یک رکورد مطلق جدید برای کار یک هنرمند زنده در کریستیز ثبت شد - 90،312،500 دلار برای نقاشی "پرتره هنرمند (استخر با دو شکل)".

3. گرهارد ریشتر نقاشی انتزاعی. 1986. 46.3 میلیون دلار

زندگی کلاسیک گرهارد ریشتر (1932)رتبه دوم را در رتبه بندی ما دارد. این هنرمند آلمانی تا زمانی که رکورد 58 میلیونی جف کونز به دست آمد، در میان همکاران زنده پیشتاز بود. اما بعید است که این شرایط بتواند اقتدار آهنین ریشتر را در بازار هنر متزلزل کند. بر اساس نتایج سال 2012، گردش مالی سالانه حراج این هنرمند آلمانی پس از اندی وارهول و پابلو پیکاسو در رتبه دوم قرار دارد.

برای سالیان متمادی، هیچ چیز موفقیتی را که اکنون بر روی ریشتر افتاده است، نشان نمی داد. برای دهه ها، این هنرمند جایگاه متوسطی در بازار هنر معاصر داشت و اصلاً آرزوی شهرت نداشت. می توان گفت که شهرت خود به خود از او پیشی گرفت. نقطه شروع به عقیده بسیاری خرید موزه موما نیویورک در سال 1995 از سری 18 اکتبر 1977 ریشتر است. موزه آمریکا 3 میلیون دلار برای 15 نقاشی در مقیاس خاکستری پرداخت و به زودی به فکر برگزاری یک نمایش گذشته نگر کامل از این هنرمند آلمانی افتاد. این نمایشگاه باشکوه شش سال بعد در سال 2001 افتتاح شد و از آن زمان علاقه به کارهای ریشتر به سرعت افزایش یافته است. از سال 2004 تا 2008 قیمت تابلوهای او سه برابر شد. در سال 2010، آثار ریشتر در حال حاضر 76.9 میلیون دلار درآمد داشته است، در سال 2011، طبق وب سایت Artnet، آثار ریشتر در حراج در مجموع 200 میلیون دلار درآمد داشته اند، و در سال 2012 (بر اساس Artprice) - 262.7 میلیون دلار - بیش از آثار هر کدام. هنرمند زنده دیگر

در حالی که، برای مثال، با جاسپر جانز، موفقیت چشمگیر در حراج عمدتاً تنها آثار اولیه را همراهی می‌کند، چنین تقسیم بندی دقیقی برای آثار ریشتر معمول نیست: تقاضا برای چیزهایی از دوره‌های خلاقانه مختلف، که تعداد زیادی از آنها در آثار ریشتر وجود داشت، به همان اندازه پایدار است. حرفه. در طول شصت سال گذشته، این هنرمند تقریباً در تمام ژانرهای نقاشی سنتی - پرتره، منظره، مارینا، برهنه، طبیعت بی جان و البته انتزاع تلاش کرده است.

تاریخچه رکوردهای حراج ریشتر با مجموعه ای از طبیعت بی جان "شمع" آغاز شد. 27 تصویر واقعی از شمع ها در اوایل دهه 1980، در زمان نگارش آنها، تنها 15000 مارک آلمان (5800 دلار) برای هر اثر هزینه داشتند. اما هنوز هیچ کس شمع را در اولین نمایشگاه خود در گالری Max Hetzler در اشتوتگارت خریداری نکرد. سپس موضوع نقاشی ها قدیمی نامیده شد. امروزه «شمع ها» آثاری برای همه زمان ها محسوب می شوند. و میلیون ها دلار هزینه دارند.

در فوریه 2008 "شمع"،نوشته شده در سال 1983، به طور غیر منتظره به قیمت پوند خریداری شد 7.97 میلیون (16 میلیون دلار). این رکورد شخصی به مدت سه سال و نیم پابرجا بود. سپس در اکتبر 2011یکی دیگه "شمع" (1982)پیش از این به قیمت £ در حراج کریستی زیر چکش رفت 10.46 میلیون (16.48 میلیون دلار). با این رکورد، گرهارد ریشتر برای اولین بار وارد سه هنرمند برتر زنده شد و پس از جاسپر جانز و جف کونز جای خود را گرفت.

سپس راهپیمایی پیروزمندانه «نقاشی های انتزاعی» ریشتر آغاز شد. این هنرمند چنین آثاری را با تکنیک منحصر به فرد نویسنده نقاشی می کند: او مخلوطی از رنگ های ساده را روی زمینه ای روشن اعمال می کند و سپس آنها را با یک خراش بلند به اندازه سپر ماشین روی بوم می کشد. این منجر به انتقال رنگ، لکه ها و راه راه های پیچیده می شود. بررسی سطح "نقاشی های انتزاعی" او مانند حفاری است: بر روی آنها آثاری از "شکل های" مختلف از میان شکاف های لایه های رنگارنگ متعدد می نگرد.

9 نوامبر 2011در حراج هنر مدرن و پس از جنگ در مقیاس بزرگ ساتبی "نقاشی انتزاعی (849-3)" 1997 زیر چکش رفت برای 20.8 میلیون دلار (13.2 میلیون پوند). و شش ماه بعد، 8 مه 2012در حراج کریستیز پس از جنگ و هنر معاصر در نیویورک "نقاشی انتزاعی (798-3)" 1993 رکورد زد 21.8 میلیون دلار(از جمله کمیسیون). پنج ماه بعد - دوباره یک رکورد: "نقاشی انتزاعی (809-4)"از مجموعه موسیقی‌دان راک اریک کلاپتون در 12 اکتبر 2012 در ساتبی در لندن به قیمت پوند به فروش رفت. 21.3 میلیون (34.2 میلیون دلار). سد 30 میلیونی توسط ریشتر به راحتی برداشته شد، گویی در مورد نقاشی مدرن نیست، بلکه در مورد شاهکارهایی است که صد سال از عمر آنها می گذرد - نه کمتر. اگرچه در مورد ریشتر به نظر می رسد که گنجاندن در پانتئون "بزرگ" قبلاً در طول زندگی این هنرمند رخ داده است. قیمت های آلمان همچنان در حال افزایش است.

رکورد بعدی ریشتر به یک اثر فوتورئالیستی - یک منظره تعلق داشت "میدان کلیسای جامع، میلان (Domplatz، Mailand)" 1968. کار فروخته شد 37.1 میلیوندر حراج ساتبیز 14 مه 2013. نمای زیباترین میدان توسط یک هنرمند آلمانی در سال 1968 به سفارش زیمنس الکترو مخصوص دفتر این شرکت در میلان نقاشی شد. در زمان نگارش، این اثر بزرگ‌ترین اثر فیگوراتیو ریشتر بود (اندازه‌ای نزدیک به سه در سه متر).

رکورد میدان کلیسای جامع تقریباً دو سال پابرجا بود تا اینکه 10 فوریه 2015حرفش را قطع نکرد "نقاشی انتزاعی" ( 1986): قیمت چکش به پوند رسید 30.389 میلیون (46.3 میلیون دلار). نقاشی انتزاعی 300.5 × 250.5 سانتی‌متری که در حراج ساتبیز گذاشته شد، یکی از اولین کارهای بزرگ ریشتر در تکنیک خراش دادن لایه‌های رنگ توسط نویسنده خاص اوست. آخرین بار در سال 1999، این "نقاشی انتزاعی" در حراجی به قیمت 607 هزار دلار خریداری شد (از این سال تا زمان فروش فعلی، این اثر در موزه لودویگ در کلن به نمایش گذاشته شد). در حراجی در 10 فوریه 2015، یک مشتری آمریکایی خاص در مراحل حراج 2 میلیون پوندی به قیمت چکشی 46.3 میلیون دلار رسید، یعنی از سال 1999 تا کنون بیش از 76 برابر قیمت شده است!

4. Tsui Zhuzhuo "کوه های پوشیده از برف بزرگ." 2013. 39.577 میلیون دلار

برای مدت طولانی ما پیشرفت وضعیت در بازار هنر چین را از نزدیک دنبال نکردیم و نمی‌خواستیم خوانندگان خود را با مقدار بیش از حد اطلاعات در مورد هنر "نه ما" بارگذاری کنیم. به استثنای Ai Weiwei مخالف، که حتی به اندازه یک هنرمند پر طنین گران قیمت نیست، نویسندگان چینی به نظر ما بسیار زیاد و دور از ما به نظر می رسید که بتوانیم در مورد آنچه در بازار آنها در آنجا می گذرد تحقیق کنیم. اما آمار، همانطور که می گویند، یک خانم جدی است، و اگر ما در مورد موفق ترین نویسندگان زنده جهان صحبت می کنیم، پس نمی توانیم بدون داستانی در مورد نمایندگان برجسته هنر معاصر امپراتوری آسمانی کار کنیم.

بیایید با یک هنرمند چینی شروع کنیم کوی روژو. این هنرمند در سال 1944 در پکن متولد شد و از سال 1981 تا 1996 در ایالات متحده زندگی کرد. پس از بازگشت به چین، تدریس در آکادمی ملی هنر را آغاز کرد. Cui Ruzhuo سبک سنتی نقاشی با جوهر چینی را دوباره تفسیر می کند و بوم های طومار عظیمی را خلق می کند که تجار و مقامات چینی دوست دارند به عنوان هدیه به یکدیگر هدیه دهند. در غرب، اطلاعات کمی در مورد او وجود دارد، اگرچه بسیاری باید داستان طومار 3.7 میلیون دلاری را که توسط نظافتچیان یک هتل هنگ کنگ به اشتباه دور انداخته شد و آن را با زباله اشتباه گرفتند، به خاطر دارند. بنابراین، این طومار Cui Ruzhuo بود.

کوی روژو 70 ساله است و بازار کار او در حال رونق است. بیش از 60 اثر از این هنرمند از مرز یک میلیون دلار عبور کرده است که البته آثار او تاکنون تنها در حراجی های چین موفق بوده است. رکوردهای Cui Ruzhuo واقعاً چشمگیر است. ابتدا آن را "منظره در برف"در حراج پلی در هنگ کنگ 7 آوریل 2014به قیمت چکشی 184 میلیون دلار HK ( 23.7 میلیون دلار آمریکا).

دقیقا یک سال بعد 6 آوریل 2015در یک حراج ویژه پلی در هنگ کنگ که به طور انحصاری به کار Cui Ruzhuo اختصاص داده شده است. "منظره بزرگ برفی کوهستانی جیانگ نان"(جیانگ نان منطقه ای تاریخی در چین است که کرانه سمت راست پایین دست یانگ تسه را اشغال می کند.) از هشت منظره جوهر روی کاغذ به قیمت چکش 236 میلیون دلار هنگ کنگ رسید ( 30.444 میلیون دلار آمریکا).

یک سال بعد، تاریخ دوباره تکرار شد: در حراج انفرادی Cui Ruzhuo که توسط Poly Auctions در هنگ کنگ برگزار شد. 4 آوریل 2016چند لایه در شش قسمت "کوه های پوشیده از برف بزرگ"قیمت چکش 2013 (شامل کمیسیون خانه حراج) به 306 میلیون دلار هنگ کنگ رسید (39.577 میلیون دلار آمریکا). تاکنون این یک رکورد مطلق در میان هنرمندان زنده آسیایی است.

به گفته فروشنده آثار هنری جانسون چان، که 30 سال است با هنر معاصر چین کار می کند، تمایل بی قید و شرطی برای افزایش قیمت آثار این نویسنده وجود دارد، اما همه اینها در سطح قیمتی اتفاق می افتد که بعید است کلکسیونرهای باتجربه بخواهند. برای خریدن چیزی. جانسون چانگ در مورد Cui Ruzhuo می‌گوید: «چینی‌ها می‌خواهند با افزایش قیمت آثارشان در حراج‌های بین‌المللی بزرگ مانند آنچه توسط Poly در هنگ‌کنگ برگزار می‌شود، رتبه‌بندی هنرمندان خود را افزایش دهند، اما شکی نیست که این رتبه‌بندی‌ها کاملا ساختگی هستند. آخرین رکورد

البته این فقط نظر یک فروشنده است و ما یک رکورد واقعی در همه پایگاه های داده ثبت شده است. پس بیایید او را در نظر بگیریم. خود کوی روژو، با قضاوت بر اساس اظهاراتش، از فروتنی گرهارد ریشتر در مورد موفقیت او در حراجی دور است. به نظر می رسد که این رقابت برای رکوردها به طور جدی او را مجذوب خود می کند. «امیدوارم در 5 تا 10 سال آینده قیمت آثار من از قیمت آثار استادان غربی مانند پیکاسو و ون گوگ پیشی بگیرد. کوی روژو می گوید این رویای چینی است.

5 جاسپر جانز پرچم. 1983. 36 میلیون دلار

رتبه سوم در رده بندی هنرمندان زنده متعلق به یک آمریکایی است به جاسپر جانز (1930). رکورد فعلی قیمت کار جونز دلار است 36 میلیون. خیلی برای معروفش پرداخت شده است "پرچم"در حراج کریستیز 12 نوامبر 2014.

مجموعه ای از نقاشی های "پرچم" که توسط جونز در اواسط دهه 1950، بلافاصله پس از بازگشت این هنرمند از ارتش آغاز شد، به یکی از اصلی ترین آثار او تبدیل شد. این هنرمند حتی در جوانی خود به ایده یک آماده، تبدیل یک شیء روزمره به یک اثر هنری علاقه مند بود. با این حال، پرچم های جونز واقعی نبودند، آنها با رنگ روغن روی بوم نقاشی شده بودند. بنابراین، یک اثر هنری ویژگی های یک چیز را از زندگی معمولی به دست آورد، در عین حال تصویر پرچم و خود پرچم بود. مجموعه ای از آثار با پرچم شهرت جهانی یاسپر جانز را به ارمغان آورد. اما آثار انتزاعی او کمتر محبوب نیستند. برای سال‌ها، فهرست گران‌ترین آثار، که طبق قوانین فوق جمع‌آوری شده بود، توسط یک چکیده رهبری می‌شد. "شروع نادرست". تا سال 2007، این بوم بسیار روشن و تزئینی، که توسط جونز در سال 1959 نقاشی شده بود، صاحب قیمتی تقریبا غیرقابل دسترس برای یک هنرمند زنده (البته یک عمر کلاسیک) - دلار بود. 17 میلیون. این همان مبلغی بود که برای بازار هنر طلا پرداخت کردند 1988.

جالب اینجاست که تجربه جاسپر جانز به عنوان یک رکورددار مستمر نبود. در سال 1989، کار همکارش ویلم دی کونینگ او را قطع کرد: انتزاعی دو متری "میکس" در ساتبیز به قیمت 20.7 میلیون دلار فروخته شد. جاسپر جانز مجبور شد نقل مکان کند. اما پس از 8 سال، در سال 1997، دی کونینگ درگذشت. و "شروع کاذب" جونز دوباره به مدت تقریبا 10 سال در رتبه اول حراج هنرمندان زنده قرار گرفت.

اما در سال 2007 همه چیز تغییر کرد. رکورد شروع نادرست برای اولین بار توسط کار جوان و جاه طلب دیمین هرست و جف کونز تحت الشعاع قرار گرفت. سپس یک رکورد فروش به قیمت 33.6 میلیون دلار از نقاشی "بازرس مزایای خواب" اثر لوسین فروید (اکنون متوفی و ​​بنابراین در این رتبه بندی شرکت نمی کند) به ثبت رسید. سپس رکوردهای گرهارد ریشتر آغاز شد. به طور کلی تا کنون با رکورد فعلی 36 میلیون، جاسپر جانز، یکی از استادان هنر پس از جنگ آمریکا که در تلاقی نئو دادائیسم، اکسپرسیونیسم انتزاعی و هنر پاپ کار می کند، در جایگاه سوم قرار دارد.

6. اد راشی درهم کوبیدن. 1963. 30.4 میلیون دلار

موفقیت ناگهانی تابلوی "Smash" اثر یک هنرمند آمریکایی ادوارد روشا (متولد 1937)در حراج کریستیز 12 نوامبر 2014این نویسنده را به تعداد گران قیمت ترین هنرمندان زنده رساند. رکورد قبلی قیمت کار اد روشا (اغلب نام Ruscha در روسی به صورت "Rusha" تلفظ می شود، اما تلفظ صحیح آن Ruscha است) "فقط" 6.98 میلیون دلار بود: این مبلغی است که آنها برای بوم نقاشی او "Burning Gas" پرداختند. ایستگاه» در سال 2007. هفت سال بعد او درهم کوبیدنبا تخمین 15 تا 20 میلیون دلار به قیمت یک چکش رسید 30.4 میلیون دلار. بدیهی است که بازار آثار این نویسنده به سطح جدیدی رسیده است - بی جهت نیست که باراک اوباما کاخ سفید را با آثار خود تزئین می کند و خود لری گاگوسیان او را در گالری های خود به نمایش می گذارد.

اد روشا هرگز آرزوی نیویورک پس از جنگ را با شیفتگی اش برای اکسپرسیونیسم انتزاعی نداشت. در عوض، برای بیش از 40 سال، او به دنبال الهام گرفتن در کالیفرنیا بود، جایی که در 18 سالگی از نبراسکا نقل مکان کرد. این هنرمند در سرچشمه روند جدیدی در هنر به نام هنر پاپ ایستاد. ادوارد روشا همراه با وارهول، لیختنشتاین، وین تیباود و دیگر خوانندگان فرهنگ عامه، در نمایشگاه تصویر جدید از چیزهای معمولی موزه پاسادنا در سال 1962 شرکت کرد که اولین نمایشگاه موزه هنر پاپ آمریکا شد. با این حال، خود اد روشا وقتی کارش را به هنر پاپ، مفهوم گرایی یا گرایش های دیگر در هنر نسبت می دهند، آن را دوست ندارد.

سبک منحصر به فرد او «نقاشی متن» نام دارد. از اواخر دهه 1950، اد روشا شروع به نقاشی کلمات کرد. همانطور که برای وارهول یک قوطی سوپ به یک اثر هنری تبدیل شد، برای اد روشا، کلمات و عبارات معمولی که یا از یک بیلبورد یا بسته بندی در سوپرمارکت یا از تیتراژ یک فیلم گرفته شده بودند (هالیوود همیشه در کنار روشا بود و برخلاف بسیاری از هنرمندان دیگر، راشی به "کارخانه رویاها" احترام می گذاشت). کلمات روی بوم های او ویژگی های اشیاء سه بعدی را به دست می آورند، این ها طبیعت های بی جان واقعی هستند که از کلمات ساخته شده اند. هنگام نگاه کردن به بوم های نقاشی او، اولین چیزی که به ذهن می رسد درک بصری و صوتی کلمه ترسیم شده است و تنها پس از آن - معنای معنایی. دومی، به عنوان یک قاعده، نمی تواند بدون ابهام رمزگشایی شود. کلمات و عبارات انتخاب شده توسط Ruscha را می توان به روش های مختلف تفسیر کرد. همان کلمه زرد روشن "Smash" در پس زمینه آبی تیره را می توان به عنوان یک تماس تهاجمی برای خرد کردن چیزی یا کسی به smithereens درک کرد. به عنوان یک صفت تنها که از بافت خارج شده است (مثلاً بخشی از تیتر برخی روزنامه ها)، یا به سادگی به عنوان یک کلمه در جریان شهری از تصاویر بصری گرفتار شده است. اد روشا از این عدم قطعیت لذت می برد. او در مصاحبه ای گفت: "من همیشه برای چیزهای عجیب و غیرقابل توضیح احترام عمیقی قائل بودم... توضیحات، به یک معنا، یک چیز را می کشد."

7. کریستوفر وول بدون عنوان (RIOT). 1990. 29.93 میلیون دلار

هنرمند آمریکایی کریستوفر وول(1955) اولین بار در سال 2013 - پس از فروش آخرالزمان اکنون به قیمت 26.5 میلیون دلار - در رتبه بندی هنرمندان زنده قرار گرفت. این رکورد بلافاصله او را در رده جاسپر جانز و گرهارد ریشتر قرار داد. مبلغ این معامله تاریخی - بیش از 20 میلیون دلار - بسیاری را شگفت زده کرد، زیرا قبل از آن قیمت آثار این هنرمند از 8 میلیون دلار فراتر نمی رفت، اما رشد سریع بازار آثار کریستوفر وول تا آن زمان مشهود بود. : سابقه این هنرمند شامل 48 معامله حراج به ارزش بیش از 1 میلیون دلار است که 22 مورد از آنها (تقریبا نیمی) در سال 2013 انجام شده است. دو سال بعد، تعداد آثار کریس وول که بیش از 1 میلیون دلار فروخت، به 70 رسید و رکورد شخصی جدید دیری نپایید. در حراج اثر Sotheby's 12 مه 2015 "بدون عنوان (RIOT)"دلار فروخته شد 29.93 میلیوناز جمله حق بیمه خریدار.

کریستوفر وول بیشتر به خاطر حروف مشکی در مقیاس بزرگ روی ورق های آلومینیومی سفید شناخته شده است. این آنها هستند که به طور معمول در حراج ها رکورد می زنند. همه اینها مربوط به اواخر دهه 1980 و اوایل دهه 1990 است. همانطور که افسانه می گوید، یک روز عصر وول در حال قدم زدن در اطراف نیویورک در غروب بود و ناگهان گرافیتی با حروف سیاه را روی یک کامیون سفید جدید دید - کلمات sex و luv. این منظره آنقدر او را تحت تأثیر قرار داد که بلافاصله به استودیو بازگشت و نسخه خودش را با همان کلمات نوشت. سال 1987 بود و جستجوی بیشتر این هنرمند برای یافتن کلمات و عبارات برای آثار " تحت اللفظی" خود نشان دهنده روحیه متناقض این زمان است. این نام "خانه را بفروش، ماشین را بفروش، بچه ها را بفروش" که توسط وول از فیلم "اکنون آخرالزمان" گرفته شده است، و کلمه "FOOL" ("احمق") با حروف بزرگ و کلمه "RIOT" است. ("شورش")، که اغلب در عناوین روزنامه های آن زمان یافت می شود.

کلمات و عبارات پشم روی ورق های آلومینیومی با استفاده از شابلون هایی با رنگ های آلکیدی یا لعاب استفاده می شود و عمداً رگه ها، علائم شابلون و سایر شواهدی از فرآیند خلاقانه باقی می ماند. هنرمند کلمات را طوری تقسیم کرد که بیننده بلافاصله معنی را درک نکند. در ابتدا فقط مجموعه ای از حروف را می بینید، یعنی کلمه را به عنوان یک شیء بصری درک می کنید و تنها پس از آن معنی عبارت یا کلمه را می خوانید و رمزگشایی می کنید. وول از فونتی استفاده کرد که پس از جنگ جهانی دوم توسط ارتش ایالات متحده استفاده می شد، که تصور یک دستور، یک دستورالعمل، یک شعار را تقویت می کند. این آثار "نامه" به عنوان بخشی از منظر شهری، به عنوان گرافیتی غیرقانونی تلقی می شوند که تمیزی سطح برخی از اشیاء خیابانی را نقض کرده است. این سری از آثار کریستوفر وول به عنوان یکی از قله های انتزاع زبانی شناخته می شود و به همین دلیل مورد توجه دوستداران هنر معاصر قرار گرفته است.

8. پیتر دویگ روزدل. 1991. 28.81 میلیون دلار

بریتانیایی پیتر دوگ(1959)، اگرچه او به نسل پست مدرنیست های کونز و هیرست تعلق دارد، اما یک ژانر کاملاً سنتی از منظره را برای خود انتخاب کرد که برای مدت طولانی مورد علاقه هنرمندان پیشرفته نبود. پیتر دوگ با آثار خود علاقه محو شده عموم به نقاشی فیگوراتیو را زنده می کند. آثار او بسیار مورد توجه منتقدان و غیرمتخصصان قرار گرفته است و شاهد آن افزایش سریع قیمت آثار اوست. اگر در اوایل دهه 1990 مناظر او چندین هزار دلار قیمت داشتند، اکنون این صورت حساب به میلیون ها می رسد.

آثار دوگ اغلب به عنوان رئالیسم جادویی شناخته می شود. او بر اساس مناظر واقعی، تصاویری فانتزی، مرموز و اغلب غم انگیز خلق می کند. این هنرمند دوست دارد اشیایی را به تصویر بکشد که توسط مردم رها شده اند: یک ساختمان مخروبه که توسط لوکوربوزیه در وسط جنگل ساخته شده است یا یک قایق رانی سفید خالی روی سطح یک دریاچه جنگلی. علاوه بر طبیعت و تخیل، Doig از فیلم های ترسناک، کارت پستال های قدیمی، عکس ها، فیلم های آماتور و غیره الهام گرفته شده است. نقاشی های دوگ رنگارنگ، پیچیده، تزئینی و تحریک آمیز نیستند. داشتن چنین نقاشی خوب است. بهره وری پایین نویسنده نیز به علاقه مجموعه داران دامن می زند: هنرمندی که در ترینیداد زندگی می کند سالانه بیش از 12 نقاشی ایجاد نمی کند.

در اوایل دهه 2000، مناظر فردی این هنرمند به قیمت چند صد هزار دلار فروخته شد. در همان زمان، آثار دوگ در گالری ساعتچی، در بینال در موزه ویتنی و در مجموعه MoMA گنجانده شد. در سال 2006، نوار حراج 1 میلیون دلاری غلبه کرد و سال بعد، یک پیشرفت غیرمنتظره رخ داد: اثر "قایق رانی سفید" که در 7 فوریه 2007 در ساتبیز با برآورد 0.8 تا 1.2 میلیون دلار عرضه شد، پنج برابر شد. بیش از برآورد اولیه بود و به قیمت 5.7 میلیون پوند (11.3 میلیون دلار) فروخته شد. در آن زمان این یک رکورد قیمتی برای کار یک هنرمند زنده اروپایی بود.

در سال 2008، دوگ نمایشگاه های انفرادی در گالری تیت و موزه هنر مدرن پاریس برگزار کرد. برچسب‌های قیمت چند میلیون دلاری برای کارهای Doig به یک امر عادی تبدیل شده است. رکورد شخصی پیتر دوگ اخیراً چندین بار در سال به روز شده است - ما فقط زمان داریم تا تصویر و مکان این هنرمند را در رتبه بندی نویسندگان زنده خود تغییر دهیم.

گرانترین اثر پیتر دوگ تا به امروز، منظره برفی روزدل در سال 1991 است. جالب اینجاست که این رکورد نه در حراجی ساتبیز یا کریستیز، بلکه در حراج هنر معاصر فیلیپس به ثبت رسیده است. این اتفاق در 18 می 2017 رخ داد. منظره ای از روزدیل پوشیده از برف، یکی از محله های تورنتو، به قیمت 28.81 میلیون دلار به یک خریدار تلفن فروخته شد که حدود 3 میلیون دلار نسبت به رکورد قبلی (25.9 میلیون دلار برای «بلعیده در میر») بیشتر است. نقاشی Rosedale در نمایشگاه کلیدی Doig در گالری Whitechapel لندن در سال 1998 شرکت کرد و به طور کلی این اثر برای بازار تازه بود و به همین دلیل قیمت رکورد کاملاً شایسته است.

9. کاج کیپ FRANK STELLA. 1959. 28 میلیون دلار

فرانک استلا نماینده درخشان انتزاع پس از نقاشی و مینیمالیسم در هنر است. در مرحله خاصی از آن به عنوان سبک نقاشی لبه سخت یاد می شود. در ابتدا، استلا هندسی دقیق، تک رنگ زاهدانه و ساختار نقاشی های خود را با خودانگیختگی و تصادفی بودن بوم های اکسپرسیونیست های انتزاعی مانند جکسون پولاک مقایسه کرد.

در اواخر دهه 1950، این هنرمند توسط گالری دار معروف لئو کاستلی مشاهده شد و برای اولین بار برنده نمایشگاه شد. او روی آن به اصطلاح "نقاشی سیاه" را ارائه کرد - بوم هایی که با خطوط موازی سیاه رنگ شده اند و بین آنها شکاف های نازکی از بوم نقاشی نشده است. خطوط به اشکال هندسی شکل می‌گیرند که تا حدودی یادآور توهمات نوری هستند، همان عکس‌هایی که سوسو می‌زنند، حرکت می‌کنند، می‌پیچند و اگر برای مدت طولانی به آن‌ها نگاه کنید، احساس فضای عمیق را ایجاد می‌کنند. استلا موضوع خطوط موازی را با نوارهای جداکننده نازک در آثارش روی آلومینیوم و مس ادامه داد. رنگ ها، اساس تصویری و حتی شکل نقاشی ها تغییر کرد (از جمله آثاری به شکل حروف U، T، L برجسته می شود). اما اصل اصلی نقاشی او همچنان در وضوح کانتور، یادبود، فرم ساده، تک رنگ بود. در دهه‌های بعدی، استلا از چنین نقاشی‌های هندسی به سمت اشکال و خطوط صاف و طبیعی و از نقاشی‌های تک رنگ به تغییر رنگ‌های روشن و متنوع رفت. در دهه 1970، استلا مجذوب الگوهای عظیم مورد استفاده برای نقاشی کشتی ها شد. این هنرمند از آنها برای نقاشی های عظیم با عناصر مجموعه استفاده کرد - او قطعاتی از لوله های فولادی یا مش سیم را در آثار خود گنجاند.

فرانک استلا در مصاحبه‌های اولیه‌اش به صراحت درباره معانی وارد شده به آثارش، یا بهتر بگوییم، درباره غیبت آنها صحبت می‌کند: «آنچه می‌بینی همان چیزی است که می‌بینی». نقاشی به خودی خود یک شی است، نه بازتولید چیزی. استلا گفت: "این یک سطح صاف است که روی آن رنگ است و هیچ چیز دیگری."

خوب، با امضای فرانک استلا، این "سطح رنگ روی آن" می تواند امروز میلیون ها دلار ارزش داشته باشد. برای اولین بار در رتبه بندی هنرمندان زنده، فرانک استلا در سال 2015 با فروش گذرگاه دلاور (1961) به قیمت 13.69 میلیون دلار با احتساب کمیسیون به دست آورد.

چهار سال بعد، در 15 مه 2019، یک رکورد جدید توسط اثر اولیه (1959) "Cape of Pines" به ثبت رسید: قیمت چکش با احتساب کارمزد بیش از 28 میلیون دلار بود. این یکی از 29 "نقاشی سیاه" است - همان نقاشی هایی که استلا با آن ها اولین نمایشگاه خود را در نیویورک انجام داد. فرانک استلا فارغ التحصیل دانشگاه پرینستون در آن زمان 23 سال داشت. او اغلب پول کافی برای رنگ روغن برای هنرمندان نداشت. این هنرمند جوان به عنوان یک کار تعمیر مهتابی می کرد، او رنگ های خالص رنگ را بسیار دوست داشت و سپس این ایده به وجود آمد که با این رنگ روی بوم کار کند. استلا با رنگ مینای سیاه، نوارهای موازی را رنگ می کند و خطوط نازکی از بوم بدون پرایم را بین آنها باقی می گذارد. علاوه بر این، او بدون خط کش، با چشم، بدون طرح اولیه می نویسد. استلا هرگز نمی دانست دقیقا چند خط سیاه در یک نقاشی خاص ظاهر می شود. به عنوان مثال، در نقاشی "Cape of Pines" 35 مورد وجود دارد که عنوان اثر به نام شنل در خلیج ماساچوست اشاره دارد - Point of pines. در آغاز قرن بیستم دارای یک شهربازی بزرگ بود و امروزه یکی از مناطق شهر ریور است.

10. YOSHITOMO NARA چاقوی پشت. 2000. 24.95 میلیون دلار

یوشیتومو نارا (1959) یکی از چهره های کلیدی هنر نئوپاپ ژاپنی است. ژاپنی - زیرا علیرغم شهرت جهانی و سالها کار در خارج از کشور، کار او هنوز با یک هویت ملی برجسته متمایز است. شخصیت های مورد علاقه نارا دختران و سگ ها به سبک کمیک های مانگا و انیمه ژاپنی هستند. تصاویری که او سال‌ها اختراع کرده بود «به دست مردم رفته است»: روی تی‌شرت‌ها چاپ می‌شوند، سوغاتی‌ها و «کالاهای» مختلفی با آنها ساخته می‌شود. او که در خانواده ای فقیر و دور از پایتخت به دنیا آمده است، نه تنها به خاطر استعدادش مورد علاقه اوست، بلکه به عنوان فردی که خودش را ساخته است مورد قدردانی قرار می گیرد. هنرمند سریع و رسا کار می کند. مشخص است که برخی از شاهکارهای او به معنای واقعی کلمه یک شبه تکمیل شد. نقاشی ها و مجسمه های یوشیتومو نارا، به عنوان یک قاعده، بسیار مختصر و حتی در وسایل بیانی کم هستند، اما همیشه دارای بار احساسی قوی هستند. دختران نوجوان در نارا اغلب با نگاهی ناخوشایند به بیننده نگاه می کنند. در چشم آنها - گستاخی، چالش و پرخاشگری. در دست - سپس یک چاقو، سپس یک سیگار. این عقیده وجود دارد که انحرافات رفتاری به تصویر کشیده شده واکنشی به اخلاق عمومی ظالمانه، تابوهای مختلف و اصول آموزشی اتخاذ شده توسط ژاپنی ها است. شدت قرون وسطایی و شرم باعث ایجاد مشکلات درونی می شود و زمینه را برای یک انفجار عاطفی تاخیری ایجاد می کند. "چاقو پشت سر" فقط یکی از ایده های اصلی هنرمند را منعکس می کند. در این اثر نگاه نفرت انگیز یک دختر وجود دارد و دستی تهدیدآمیز پشت او زخمی شده است. تا سال 2019، نقاشی‌ها و مجسمه‌های یوشیتومو نارا بیش از یک بار از مرز میلیون‌ها یا حتی چندین میلیون عبور کرده‌اند. اما بیست میلیون - برای اولین بار. نارا یکی از مشهورترین هنرمندان ژاپنی الاصل جهان است. و اکنون گرانترین زندگی است. در 6 اکتبر 2109، در ساتبی در هنگ کنگ، او این عنوان را از تاکاشی موراکامی گرفت و به طرز محسوسی از هنرمند آوانگارد 90 ساله یایو کوساما (حداکثر قیمت های حراج برای نقاشی های او در حال حاضر به 9 میلیون دلار نزدیک می شود) پیشی گرفت.

11. زنگ فنزی شام آخر. 2001. 23.3 میلیون دلار

در ساتبیز هنگ کنگ 5 اکتبر 2013بوم مقیاس سال "شام آخر"هنرمند پکن Zeng Fanzhi (1964)به مبلغ رکورد 160 میلیون دلار هنگ کنگ فروخته شد - 23.3 میلیون دلارایالات متحده آمریکا. هزینه نهایی کار فانژی که البته تحت تاثیر لئوناردو داوینچی نوشته شده بود دو برابر تخمین اولیه حدود 10 میلیون دلار بود. رکورد قبلی قیمت Zeng Fanzhi دلار بود. 9.6 میلیوندر حراج کریستیز هنگ کنگ در می 2008 برای این اثر پرداخت شد سری ماسک. 1996 شماره 6".

"شام آخر" بزرگترین نقاشی (2.2 × 4 متر) فانژی در مجموعه "ماسک ها" است که از سال 1994 تا 2001 را پوشش می دهد. این چرخه به تکامل جامعه چین تحت تأثیر اصلاحات اقتصادی اختصاص دارد. معرفی عناصر اقتصاد بازار توسط دولت PRC منجر به شهرنشینی و از هم گسیختگی چینی ها شد. فانژی ساکنان شهرهای مدرن چین را به تصویر می کشد که باید برای مکانی در زیر نور خورشید بجنگند. ترکیب شناخته شده نقاشی دیواری توسط لئوناردو در خواندن فانژی معنای کاملاً متفاوتی به خود می گیرد: صحنه از اورشلیم به کلاس درس یک مدرسه چینی با تابلوهای هیروگلیف معمولی روی دیوارها منتقل می شود. "مسیح" و "حواریون" با کراوات قرمز رنگ به پیشگامان تبدیل شده اند و فقط "یهودا" کراوات طلا می بندد - این استعاره ای از سرمایه داری غربی است که به شیوه زندگی معمول در یک کشور سوسیالیستی نفوذ کرده و از بین می برد.

آثار Zeng Fanzhi از نظر سبکی به اکسپرسیونیسم اروپایی نزدیک است و به همان اندازه دراماتیک است. اما در عین حال پر از نمادها و ویژگی های چینی هستند. این تطبیق پذیری کلکسیونرهای چینی و غربی را به آثار این هنرمند جذب می کند. تأیید مستقیم این موضوع منشأ شام آخر است: این اثر توسط مجموعه دار معروف آوانگارد چینی دهه 1980 و اوایل دهه 1990، بارون بلژیکی گای اولنز، به حراج گذاشته شد.

12. رابرت رایمن پل. 1980. 20.6 میلیون دلار

در حراج کریستیز 13 می 2015کار انتزاعی "پل"هنرمند 85 ساله آمریکایی رابرت رایمن(رابرت رایمن) فروخته شد 20.6 میلیون دلاربا در نظر گرفتن کمیسیون - دو برابر گران تر از برآورد پایین تر.

رابرت رایمن(1930) بلافاصله متوجه نشد که می خواهد هنرمند شود. در 23 سالگی از نشویل، تنسی به نیویورک نقل مکان کرد و می خواست ساکسیفونیست جاز شود. در این بین، او به یک موسیقیدان مشهور تبدیل نشد، او مجبور شد به عنوان یک نگهبان در MoMA درآمد اضافی کسب کند، جایی که با Saul LeWitt و Dan Flavin آشنا شد. اولی به عنوان منشی شب در موزه و دومی به عنوان نگهبان و آسانسور کار می کرد. رابرت رایمن با الهام از آثار اکسپرسیونیست های انتزاعی که در موما دید - روتکو، دی کونینگ، پولاک و نیومن - نقاشی را در سال 1955 آغاز کرد.

رایمن اغلب به عنوان یک مینیمالیست شناخته می شود، اما او ترجیح می دهد که او را "واقع گرا" خطاب کنند، زیرا او علاقه ای به ایجاد توهم ندارد، او فقط کیفیت موادی را که استفاده می کند نشان می دهد. بیشتر آثار او با رنگ هایی از تمام سایه های ممکن سفید (از مایل به خاکستری یا زرد تا سفید خیره کننده) بر اساس شکل مربع لاکونیک نقاشی شده اند. رابرت رایمن در طول زندگی حرفه ای خود مواد و تکنیک های بسیاری را امتحان کرد: او در رنگ های روغن، اکریلیک، کازئین، مینا، پاستل، گواش و غیره روی بوم، استیل، پلکسی گلاس، آلومینیوم، کاغذ، مقوای راه راه، وینیل، کاغذ دیواری و غیره نقاشی می کرد. دوست او، یک مرمتگر حرفه ای، اورین رایلی، به او در مورد خاصیت سوزندگی موادی که در نظر داشت استفاده کند، توصیه کرد. همانطور که یک هنرمند یک بار گفت: "من هرگز سوالی ندارم چیبنویس، نکته اصلی - چگونهنوشتن". همه چیز در مورد بافت، ماهیت ضربه ها، مرز بین سطح رنگارنگ و لبه های پایه و همچنین رابطه بین کار و دیوار است. از سال 1975، یک عنصر خاص از کار او وسایلی بود که رایمن خودش آنها را طراحی می‌کند و عمداً آنها را قابل مشاهده می‌کند و بر کار خود تأکید می‌کند "به اندازه واقعی بودن دیوارهایی که به آنها آویزان شده‌اند." رایمن ترجیح می دهد به آثار "نام" بدهد تا "عنوان". "نام" چیزی است که به تشخیص یک اثر از اثر دیگر کمک می کند و رایمن اغلب آثار خود را با برندهای رنگ، شرکت ها و غیره نام می برد و "عنوان" مدعی نوعی اشارات و معانی عمیقاً پنهان است که وجود آن در آثار او وجود دارد. آثاری که هنرمند مرتباً آن را انکار می کند. چیزی جز مواد و تکنیک مهم نیست.

13. دیمین هرست بهار خواب آلود 2002. 19.2 میلیون دلار

هنرمند انگلیسی به دیمین هرست (1965)قرار بود اولین کسی باشد که در این رتبه بندی در اختلاف با جاسپر جانز کلاسیک زنده مقام اول را کسب کند. اثر ذکر شده "شروع کاذب" می تواند برای مدت طولانی یک رهبر غرق نشدنی باقی بماند اگر 21 ژوئن 2007نصب در آن زمان هرست 42 ساله "بهار خواب آلود"(2002) در ساتبیز به قیمت پوند فروخته نشد 9.76 میلیون، یعنی 19.2 میلیون دلار. به هر حال، کار دارای قالب نسبتاً غیر معمولی است. از یک طرف، این یک کابینت نمایشگر با آدمک های قرص (6136 قرص)، در واقع یک نصب کلاسیک است. و از طرف دیگر، این ویترین به صورت مسطح (10 سانتی متر عمق) ساخته می شود، در یک قاب قرار می گیرد و مانند یک پانل پلاسما به دیوار آویزان می شود، بنابراین راحتی در اختیار داشتن ذاتی نقاشی ها را به طور کامل فراهم می کند. در سال 2002، خواهر اینستالیشن، Sleepy Winter، به قیمت 7.4 میلیون دلار، بیش از نیمی از قیمت، فروخته شد. کسی تفاوت قیمت را با این واقعیت که تبلت ها در زمستان محو تر می شوند "توضیح داد". اما واضح است که این توضیح کاملاً بی اساس است، زیرا مکانیسم قیمت گذاری برای چنین چیزهایی دیگر با اثر تزئینی آنها مرتبط نیست.

در سال 2007، بسیاری هیرست را به عنوان نویسنده گران ترین اثر در میان هنرمندان زنده شناختند. سوال اما از دسته "بسته به نحوه شمارش" است. واقعیت این است که هرست به پوندهای گران قیمت فروخته شد و جونز به دلارهایی که اکنون قیمتش کاهش یافته است و حتی بیست سال پیش. اما حتی اگر به ارزش اسمی حساب کنیم، بدون در نظر گرفتن تورم 20 ساله، کار هیرست به دلار و جونز به پوند گران‌تر بود. وضعیت مرزی بود و هرکسی آزاد بود تصمیم بگیرد که چه کسی گران‌ترین را در نظر بگیرد. اما هرست نه چندان طولانی در جایگاه اول ایستاد. در همان سال 2007 توسط کونز با «قلب معلق» از مقام اول جابه جا شد.

درست در آستانه کاهش جهانی قیمت ها برای هنر معاصر، هیرست اقدامی بی سابقه برای یک هنرمند جوان انجام داد - حراج انفرادی آثار او، که در 15 سپتامبر 2008 در لندن برگزار شد. خبر ورشکستگی بانک Lehman Brothers که روز قبل اعلام شد، اشتهای هنردوستان معاصر را خدشه دار نکرد: از 223 اثر ارائه شده توسط ساتبیز، تنها پنج اثر صاحب جدیدی پیدا نکردند (به هر حال، یکی از خریداران این بود. ویکتور پینچوک). کار کنید "ثور طلایی"- یک مجسمه بزرگ از یک گاو نر در فرمالدئید، تاج گذاری شده با یک دیسک طلایی، - آورده شد 10.3 میلیون پوند (18.6 میلیون دلار). این بهترین نتیجه هرست است اگر بر حسب پوند (به واحد پولی که معامله با آن انجام شده است) اندازه گیری شود. با این حال، ما از نظر دلار در رتبه بندی هستیم، بنابراین (ان شاالله گوساله طلایی ما را ببخشد) بهترین فروش هرست را Sleepy Spring در نظر می گیریم.

از سال 2008، هرست فروش Sleepy Spring و Golden Calf را نداشته است. رکوردهای تازه دهه 2010 - برای کارهای ریشتر، جونز، فانژی، وول و کونز - دیمین را به خط ششم رتبه بندی ما رساند. اما بیایید در مورد افول دوران هیرست قضاوت قاطعانه ای نکنیم. به گفته تحلیلگران، هرست به عنوان یک "سوپراستار" قبلاً در تاریخ ثبت شده است، به این معنی که آنها آن را برای مدت طولانی خریداری خواهند کرد. با این حال، بیشترین ارزش در آینده برای آثار خلق شده در نوآورانه ترین دوره زندگی حرفه ای او، یعنی در دهه 1990 پیش بینی می شود.

14. مائوریتزیو کاتلان به او. 2001. 17.19 میلیون دلار

Maurizio Cattelan ایتالیایی (1960) پس از کار به عنوان نگهبان، آشپز، باغبان و طراح مبلمان وارد هنر شد. این نویسنده خودآموخته به دلیل مجسمه ها و چیدمان های کنایه آمیز خود به شهرت جهانی رسیده است. او یک شهاب سنگ روی پاپ انداخته است، همسر مشتری را به جایزه شکار تبدیل کرده است، کف موزه استادان قدیمی را سوراخ کرده، انگشت وسط غول پیکری را به سمت بورس اوراق بهادار میلان گرفته است، یک الاغ زنده را به نمایشگاه فریز آورده است. . در آینده نزدیک، Cattelan قول می دهد که یک توالت طلایی در موزه گوگنهایم نصب کند. در پایان، شیطنت‌های مائوریتزیو کاتلان به طور گسترده در دنیای هنر شناخته شد: او به دوسالانه ونیز دعوت شده است (نصب «دیگران» در سال 2011 - گله‌ای از دو هزار کبوتر که از همه لوله‌ها و پرتوها به انبوه بازدیدکنندگان نگاه می‌کنند. از زیر عبور کنید)، ترتیبی دهید که او در موزه گوگنهایم نیویورک (نوامبر 2011) نگاهی به گذشته داشته باشد و در نهایت، پول کلانی برای مجسمه‌های او پرداخت شود.

از سال 2010، گران‌ترین اثر مائوریتزیو کاتلان، مجسمه‌ای مومی از مردی است که از سوراخی در کف بیرون می‌بیند، که ظاهراً شبیه خود هنرمند است ("بی عنوان"، 2001). این مجسمه-نصب که در تعداد سه نسخه به اضافه نسخه نویسنده وجود دارد، برای اولین بار در موزه Boijmans van Beuningen روتردام به نمایش درآمد. سپس این شخصیت شیطون از سوراخی در کف سالن با نقاشی های نقاشان هلندی قرن 18 و 19 به بیرون نگاه کرد. مائوریتزیو کاتلان در این اثر خود را با یک جنایتکار جسور که با نقاشی های استادان بزرگ به فضای مقدس تالار موزه هجوم می آورد، مرتبط می داند. بنابراین، او می خواهد هنر را از هاله تقدسی که دیوارهای موزه به آن می دهد، محروم کند. این اثر، به خاطر نمایشی که هر بار مجبور به ایجاد سوراخ در زمین می‌شوید، به قیمت 7.922 میلیون دلار در ساتبیز فروخته شد.

این رکورد تا 8 مه 2016 پابرجا بود، زمانی که اثر تحریک‌آمیزتر کاتلان، او، که هیتلر زانو زده را به تصویر می‌کشید، به قیمت 17.189 میلیون دلار زیر چکش فرو رفت. اسمش عجیبه انتخاب شخصیت خطرناک است. مانند هر چیز دیگری با Cattelan. منظور او چیست؟ «حضرت» یا «عظمت جهنمی او»؟ واضح است که ما قطعاً در مورد شعار دادن تصویر پیشوا صحبت نمی کنیم. در این اثر، هیتلر به شکلی درمانده و رقت انگیز ظاهر می شود. و به طور پوچ - تجسم شیطان به اندازه یک کودک ساخته شده است، در لباس پسر مدرسه ای پوشیده شده و با حالتی فروتن بر روی صورت خود زانو زده است. برای Cattelan، این تصویر دعوتی برای تأمل در ماهیت شر مطلق و راهی برای رهایی از ترس است. به هر حال، مجسمه «او» برای مخاطبان غربی کاملاً شناخته شده است. برادران او در این مجموعه بیش از 10 بار در موزه های پیشرو در سراسر جهان از جمله مرکز پمپیدو و موزه سولومون گوگنهایم به نمایش گذاشته شده اند.

15. MARC GROTJAN بدون عنوان (S III Released to France Face 43.14). 2011. 16.8 میلیون دلار

در 17 می 2017، یکی از قدرتمندترین نقاشی های مارک گروتیان که تا به حال به حراج گذاشته شده بود، در حراج شبانه کریستیز نیویورک ظاهر شد. تابلوی "بدون عنوان (S III Released to France Face 43.14)" توسط کلکسیونر پاریسی پاتریک سگوین با تخمین 13 تا 16 میلیون دلار به نمایش گذاشته شد و از آنجایی که فروش لات توسط شخص ثالث تضمین شده بود، هیچ کس به طور خاص مورد توجه قرار نگرفت. از ثبت رکورد جدید حراج شخصی توسط این هنرمند 49 ساله شگفت زده شد. قیمت چکش 14.75 میلیون دلاری (16.8 میلیون دلار با خریدار پرمیوم) بیش از 10 میلیون دلار از رکورد قبلی حراج گروتجان فراتر رفت و به او اجازه داد وارد باشگاه هنرمندان زنده ای شود که آثارشان هشت رقمی به فروش می رسد. نتایج هفت رقمی یکسان (فروش بیش از 1 میلیون دلار، اما نه بیشتر از 10 میلیون دلار) در قلک حراج مارک گروتیان برای حدود سی.

مارک گروتجان (1968) که کارشناسان در آثارش تأثیر مدرنیسم، مینیمالیسم انتزاعی، پاپ و آرت اوپ را می بینند، در اواسط دهه 1990 پس از نقل مکان با دوستش برنت پترسون به لس آنجلس و افتتاح یک گالری در آنجا، به هویت سازمانی خود رسید. "اتاق 702". همانطور که خود هنرمند به یاد می آورد ، در آن زمان او شروع به فکر کردن در مورد آنچه برای او در هنر اول بود شروع کرد. او به دنبال انگیزه ای بود که بتواند با آن آزمایش کند. و متوجه شدم که او همیشه به خط و رنگ علاقه داشت. آزمایش‌هایی که در روح رایونیسم و ​​مینیمالیسم با چشم‌انداز خطی، نقاط ناپدید متعدد و اشکال مثلثی انتزاعی چند رنگی در نهایت باعث شهرت جهانی گروتجان شد.

از مناظر انتزاعی و رنگارنگ با افق های متعدد و نقاط ناپدید شدن، او با اشکال مثلثی که یادآور بال های پروانه است، به پایان رسید. نقاشی های گروتجان 2001–2007 آنها به آن "پروانه" می گویند. امروزه جابجایی نقطه ناپدید شدن یا استفاده همزمان از چندین نقطه ناپدید، با فاصله از هم در فضا، یکی از قدرتمندترین تکنیک های هنرمند به حساب می آید.

سری بزرگ بعدی آثار «چهره‌ها» نام داشت. در خطوط انتزاعی این مجموعه می توان ویژگی های صورت انسان را حدس زد که به حالت ماسک در روح ماتیس، جاولنسکی یا برانکوزی ساده شده است. محققان در مورد ساده‌سازی و تلطیف نهایی فرم‌ها، درباره راه‌حل ترکیبی نقاشی‌ها، زمانی که خطوط پراکنده چشم‌ها و دهان به نظر می‌رسد از بیشه‌زار جنگل به ما نگاه می‌کنند، به ارتباط «چهره‌های» گروتجان با هنر اشاره می‌کنند. از قبایل بدوی آفریقا و اقیانوسیه، در حالی که خود هنرمند به سادگی "چشم های تصویری را دوست دارد که از جنگل به بیرون نگاه می کنند. من گاهی اوقات چهره بابون ها یا میمون ها را تصور می کردم. نمی توانم بگویم که من آگاهانه یا ناخودآگاه تحت تأثیر هنر بدوی آفریقا بودم، بلکه تحت تأثیر هنرمندانی قرار گرفتم که تحت تأثیر آن بودند. پیکاسو بارزترین نمونه است."

به آثار مجموعه «چهره ها» خشن و ظریف، چشم نواز و دلنشین می گویند. با گذشت زمان، بافت این آثار نیز تغییر می کند: برای ایجاد جلوه فضای داخلی، هنرمند از خطوط گسترده رنگ غلیظ استفاده می کند، حتی به سبک پولاک پاشیده می شود، اما سطح نقاشی به گونه ای تراز می شود که با بررسی دقیق تر. ، کاملا صاف به نظر می رسد. تابلوی حراج رکورددار بدون عنوان (S III Released to France Face 43.14) متعلق به این مجموعه مشهور اثر مارک گروتجان است.

16. تاکاشی موراکامی کابوی تنهای من 15.16 میلیون دلار

ژاپنی تاکاشی موراکامی (1962)با مجسمه سازی وارد رتبه ما شد "کابوی تنهای من"، در ساتبیز در می 2008 به قیمت دلار فروخته شد 15.16 میلیون. با این فروش، تاکاشی موراکامی مدت ها به عنوان موفق ترین هنرمند زنده آسیایی شناخته می شد - تا اینکه با فروش شام آخر توسط Zeng Fanzhi تحت الشعاع قرار گرفت.

تاکاشی موراکامی به عنوان هنرمند، مجسمه ساز، طراح مد و انیماتور کار می کند. موراکامی می‌خواست چیزی واقعاً ژاپنی را اساس کار خود قرار دهد، بدون وام‌گیری غربی یا دیگر. در سال های دانشجویی، او شیفته هنر سنتی ژاپنی نیهونگا بود، بعدها هنر محبوب انیمه و مانگا جایگزین آن شد. به این ترتیب آقای DOB روان‌گردان متولد شد، الگوهایی از گل‌های خندان و مجسمه‌های فایبرگلاس درخشان و براق، گویی تازه از صفحات کمیک ژاپنی بیرون آمده‌اند. برخی هنر موراکامی را فست فود و تجسم ابتذال می دانند، برخی دیگر این هنرمند را اندی وارهول ژاپنی می نامند - و در ردیف دومی، همانطور که می بینیم، افراد بسیار ثروتمند زیادی وجود دارند.

موراکامی نام مجسمه‌اش را از کابوی‌های تنها اثر اندی وارهول (1968) به عاریت گرفت که ژاپنی‌ها، همانطور که خودش اعتراف کرده بود، هرگز آن را تماشا نکرده بودند، اما او واقعاً ترکیب کلمات را دوست داشت. موراکامی با یک مجسمه طرفداران کمیک های اروتیک ژاپنی را خوشحال کرد و به آنها خندید. با افزایش اندازه، و علاوه بر این، همچنین سه بعدی، قهرمان انیمه به یک فتیش از فرهنگ انبوه تبدیل می شود. این بیانیه هنری کاملاً مطابق با روح هنر پاپ کلاسیک غربی است (ست مبلمان آلن جونز یا پلنگ صورتی کونز را به خاطر بیاورید)، اما با یک پیچش ملی.

17. KAWS. آلبوم KAWS. 2005. 14,784,505 دلار

KAWS نام مستعار هنرمند آمریکایی برایان دونلی از نیوجرسی است. او جوان ترین شرکت کننده در رتبه بندی ما است که متولد 1974 است. دانلی به عنوان انیماتور در دیزنی (طراحی پس زمینه برای کارتون "101 Dalmatians" و دیگران) شروع به کار کرد. من از جوانی به گرافیتی علاقه داشتم. در ابتدا، طرح امضای او جمجمه ای بود که "X" در جای حدقه های چشم قرار داشت. کارهای این نویسنده جوان مورد علاقه اهالی تجارت نمایش و صنعت مد قرار گرفته است: او جلد آلبوم کانیه وست را ساخت، همکاری هایی برای نایک، Comme des Garçons و Uniqlo منتشر کرد. با گذشت زمان، KAWS به یک چهره شناخته شده در دنیای هنر معاصر تبدیل شده است. مجسمه میکی موس امضای او به موزه ها، فضاهای عمومی و مجموعه های خصوصی راه پیدا کرده است. یک بار KAWS یک اسباب‌بازی وینیل نسخه محدود با نام تجاری My Plastic Heart منتشر کرد و ناگهان مورد توجه کلکسیونرها قرار گرفت. یکی از کلکسیونرهای پرشور این "اسباب بازی ها"، بنیانگذار بلک استار، رپر تیماتی است: او تقریباً کل مجموعه "Cavs Companions" را جمع آوری کرد.

آثار KAWS در حراجی Sotheby's هنگ کنگ در تاریخ 1 آوریل 2019 رکوردی را برای آثار یک هنرمند - 14.7 میلیون دلار - به ثبت رساند. قبلا در مجموعه طراح مد ژاپنی نیگو بود. بوم متری آلبوم KAWS ادای احترامی است به جلد آلبوم معروف بیتلز "گروهبان Pepper's Lonely Hearts Club Band" در سال 1967. فقط به جای مردم، کیمپسون ها را دارد - شخصیت های سبک شده از سری کارتونی سیمپسون ها با "X" به جای چشم.

18. جین شان عروس تاجیک. 1983. 13.89 میلیون دلار

در میان هنرمندان نسبتاً جوان و معاصر چین، که همگی متعلق به به اصطلاح "موج جدید" اواخر دهه 1980 در هنر چین هستند، رتبه ما به طور کاملاً غیر منتظره شامل نماینده یک نسل کاملاً متفاوت و یک مکتب متفاوت است. جین شان (جین شانگی) که اکنون بیش از 80 سال دارد، متعلق به نمایندگان درخشان نسل اول هنرمندان در چین کمونیستی است. نظرات این گروه از هنرمندان تا حد زیادی تحت تأثیر نزدیکترین متحد کمونیست - اتحاد جماهیر شوروی شکل گرفت.

هنر رسمی شوروی، رئالیسم سوسیالیستی، نقاشی رنگ روغن که هنوز برای چین غیرمعمول بود (برخلاف نقاشی مرکب سنتی چینی) در دهه 1950 در اوج محبوبیت بود و کنستانتین هنرمند شوروی به مدت سه سال در دانشگاه هنر پکن تدریس کرد. (از 1954 تا 1957) متدیویچ ماکسیموف. جین شانی که در آن زمان جوان ترین گروه بود، وارد کلاس خود شد. این هنرمند همیشه از معلم خود با گرمی زیادی یاد می کرد و می گفت که این ماکسیموف بود که به او آموخت که مدل را به درستی درک و به تصویر بکشد. ماکسیموف کل کهکشان رئالیست های چینی را مطرح کرد که اکنون کلاسیک هستند.

در کار جین شان می توان تأثیر «سبک شدید» شوروی و مکتب نقاشی اروپایی را احساس کرد. این هنرمند زمان زیادی را به مطالعه میراث رنسانس و کلاسیک اختصاص داد، در حالی که حفظ روح چینی را در آثار خود ضروری می دانست. تابلوی "عروس تاجیک" که در سال 1983 کشیده شد، به عنوان یک شاهکار شناخته شده جهانی، نقطه عطف جدیدی در کار جین شان محسوب می شود. این او بود که در نوامبر 2013 در حراج چین گاردین قرار گرفت و چندین برابر گرانتر از تخمین زده شد - به قیمت 13.89 میلیون دلار با احتساب کمیسیون.

19. BANKSY پارلمان پوسیده. 2008. 12.14 میلیون دلار

نقاشی های دیواری با برچسب بنکسی در اواخر دهه 1990 روی دیوارهای شهرها (ابتدا در بریتانیا و سپس در سراسر جهان) ظاهر شدند. گرافیتی های فلسفی و در عین حال تند او به مشکلات حمله دولت به آزادی شهروندان، جنایات علیه محیط زیست، مصرف غیرمسئولانه و غیرانسانی بودن سیستم مهاجرت غیرقانونی اختصاص داشت. با گذشت زمان، "سرزنش" دیوار بنکسی محبوبیت رسانه ای بی سابقه ای به دست آورد. در واقع، او به یکی از سخنگویان اصلی افکار عمومی در محکومیت ریاکاری دولت ها و شرکت ها تبدیل شد که بی عدالتی فزاینده ای را در نظام سرمایه داری ایجاد کرد.

اهمیت بنکسی، حس "عصب زمان" و دقت استعاره های او نه تنها توسط مخاطبان، بلکه توسط مجموعه داران قدردانی شد. در دهه 2010 صدها هزار یا حتی بیش از یک میلیون دلار برای آثار او اهدا شد. کار به جایی رسید که گرافیتی های بنکسی به همراه تکه های دیوار شکسته و به سرقت رفت.

در عصر نظارت دیجیتالی پیشرفته، بنکسی همچنان ناشناس باقی می ماند. نسخه ای وجود دارد که این دیگر یک نفر نیست، بلکه گروهی متشکل از چندین هنرمند به سرپرستی یک زن با استعداد است. اون به مقدار زیادی توضیح میدهد. و عدم تشابه ظاهری نویسندگان گرفتار در لنزهای دوربین شاهدان و روش استفاده از شابلون غیرشخصی (سرعت بالا می دهد و نیازی به مشارکت مستقیم نویسنده ندارد) و رمانتیسم لمس کننده موضوعات نقاشی ها. (توپ ها، دانه های برف و غیره). به هر حال، افراد پروژه بنکسی، از جمله دستیاران او، می دانند چگونه دهان خود را بسته نگه دارند.

در سال 2019، گران‌ترین اثر بنکسی به‌طور غیرمنتظره‌ای به یک بوم چهار متری پارلمان واگذار شد (مجلس «تحقیر شده»، «فاسد» یا «مجلس تفویض شده»). به نظر می رسد شامپانزه هایی که در مجلس عوام بحث می کنند، در سال رسوایی برگزیت، تماشاگران را مسخره می کنند. جای تعجب است که این نقاشی 10 سال قبل از این نقطه عطف تاریخی کشیده شده است و بنابراین شخصی آن را نبوی می داند. در حراجی ساتبی در 3 اکتبر 2019، یک خریدار ناشناس نفت را به قیمت 12143000 دلار در یک مناقصه شدید خریداری کرد - شش برابر قیمت تخمین اولیه.

20. جان کورن "شیرین و ساده." 1999. 12.007 میلیون دلار

هنرمند آمریکایی جان کوران (1962)به خاطر نقاشی های فیگوراتیو طنز خود در زمینه های جنسی و اجتماعی تحریک آمیز شناخته شده است. کار Curren موفق می‌شود تکنیک‌های نقاشی استادان قدیمی (به‌ویژه لوکاس کراناخ بزرگ و آداب‌گرایان) و عکاسی مد را از مجلات براق ترکیب کند. کارن با دستیابی به غم انگیزتر، اغلب تناسبات بدن انسان را تحریف می کند، تک تک اجزای آن را بزرگ یا کوچک می کند، قهرمانان را در حالت های شکسته و منظم به تصویر می کشد.

Curren در سال 1989 با پرتره های دخترانی که از یک آلبوم مدرسه دوباره ترسیم شده بودند شروع کرد. در اوایل دهه 1990 با تصاویری از زیبایی های تنومند الهام گرفته شده از عکس های Cosmopolitan و Playboy ادامه یافت. در سال 1992، پرتره هایی از خانم های مسن ثروتمند ظاهر شد. و در سال 1994، کرن با مجسمه ساز ریچل فاینشتاین ازدواج کرد که سال ها به موزه و مدل اصلی او تبدیل شد. در اواخر دهه 1990، مهارت فنی کورین، همراه با کیچ و گروتسک نقاشی هایش، محبوبیت او را به ارمغان آورد. در سال 2003، لری گاگوسیان تبلیغ این هنرمند را بر عهده گرفت و اگر فروشنده ای مانند گاگوسیان نویسنده را به عهده بگیرد، موفقیت تضمین شده است. در سال 2004، یک نمایش گذشته نگر جان کوران در موزه ویتنی برگزار شد.

تقریباً در این زمان، کار او شروع به فروش شش رقمی کرد. رکورد فعلی نقاشی جان کوران متعلق به Sweet and Simple است که در 15 نوامبر 2016 در کریستیز به قیمت 12 میلیون دلار فروخته شد. اکنون بیش از 50 سال دارد، این قطعاً یک پیشرفت شغلی است. رکورد قبلی او در سال 2008 5.5 میلیون دلار بود (به هر حال، برای همان کار "ناز و ساده" پرداخت شد).

21. بریس ماردن شرکت کنندگان. 1996-1999 10.917 میلیون دلار

یکی دیگر از هنرمندان انتزاعی آمریکایی زنده در رتبه بندی ما برایس ماردن (1938) است. آثار ماردن به سبک مینیمالیسم، و از اواخر دهه 1980 - نقاشی ژست، با پالت منحصر به فرد نویسنده و کمی خاموش متمایز می شود. ترکیب رنگ در آثار ماردن از سفرهای او به سراسر جهان - یونان، هند، تایلند، سریلانکا الهام گرفته شده است. از جمله نویسندگانی که بر شکل گیری ماردن تأثیر گذاشتند جکسون پولاک (در اوایل دهه 1960 ماردن به عنوان نگهبان در موزه یهودی کار می کرد، جایی که شخصاً چکیدن های پولاک را مشاهده می کرد)، آلبرتو جاکومتی (با کارهای او در پاریس آشنا شد) و رابرت راشنبرگ (برخی زمانی که ماردن به عنوان دستیار او کار می کرد). مرحله اول کار ماردن به بوم های کلاسیک مینیمالیستی، متشکل از بلوک های مستطیلی رنگی (افقی یا عمودی) اختصاص دارد. برخلاف بسیاری از مینیمالیست‌های دیگر که به دنبال کیفیت ایده‌آل آثار بودند، گویی توسط یک ماشین چاپ می‌شدند و توسط یک شخص طراحی نمی‌شدند، ماردن با ترکیب مواد مختلف (موم و رنگ روغن) ردپایی از آثار هنرمند را حفظ کرد. از اواسط دهه 1980، تحت تأثیر خوشنویسی شرقی، انتزاع هندسی جای خود را به خطوط پرپیچ و خم و پر پیچ و خم داد که زمینه آن همان زمینه های رنگی تک رنگ بود. یکی از این آثار "پیچان" - "حضور" - در حراج ساتبی در نوامبر 2013 به قیمت 10.917 میلیون دلار با احتساب کمیسیون فروخته شد.

22. پیر سولاژ پینچر 186 x 143 سانتی متر، 23 دسامبر 1959. 10.6 میلیون دلار

23. ژانگ شیائوگانگ عشق ابدی. 10.2 میلیون دلار

یکی دیگر از نمایندگان هنر معاصر چین یک نمادگرا و سوررئالیست است ژانگ شیائوگانگ (1958). در ساتبیز هنگ کنگ 3 آوریل 2011، جایی که آوانگارد چینی از مجموعه بارون بلژیکی گای اولنز فروخته شد، سه‌گانه‌ای از ژانگ شیائوگانگ "عشق ابدی"دلار فروخته شد 10.2 میلیون. در آن زمان، این یک رکورد نه تنها برای این هنرمند، بلکه برای کل هنر معاصر چین بود. گفته می شود که کار شیائوگانگ توسط همسر میلیاردر وانگ وی خریداری شده است که در شرف افتتاح موزه خود است.

ژانگ شیائوگانگ که به عرفان و فلسفه شرق علاقه دارد، داستان «عشق ابدی» را در سه بخش زندگی، مرگ و تولد دوباره نوشت. این سه‌گانه در نمایشگاه نمادین چین/آوانگارد 1989 در موزه ملی هنر به نمایش گذاشته شد. همچنین در سال 1989، تظاهرات دانشجویی در میدان تیان‌آن‌من توسط ارتش سرکوب شد. به دنبال این رویداد غم انگیز، پیچ ها شروع به سفت شدن کردند - نمایشگاه در موزه ملی پراکنده شد، بسیاری از هنرمندان مهاجرت کردند. در پاسخ به رئالیسم سوسیالیستی تحمیل شده از بالا، جهتی از رئالیسم بدبینانه به وجود آمد که یکی از نمایندگان اصلی آن ژانگ شیائوگانگ بود.

24. BRUCE NAUMAN هنری مور درمانده 1967. 9.9 میلیون دلار

آمریکایی بروس نائومن (1941)، برنده جایزه اصلی چهل و هشتمین بینال ونیز (1999) مدت هاست که به کارنامه خود رفته است. نائومان کار خود را در دهه شصت آغاز کرد. خبره ها او را همراه با اندی وارهول و جوزف بیویز یکی از تأثیرگذارترین چهره های هنر نیمه دوم قرن بیستم می نامند. با این حال، روشنفکری غنی و غیر تزیینی مطلق برخی از آثار او آشکارا مانع از شناخته شدن و موفقیت سریع او نزد عموم مردم شد. نائومان اغلب با زبان آزمایش می کند و معانی غیرمنتظره عبارات آشنا را کشف می کند. کلمات به شخصیت اصلی بسیاری از آثار او تبدیل می‌شوند، از جمله تابلوها و تابلوهای نئونی. خود نائومان خود را یک مجسمه ساز می نامد ، اگرچه در طول چهل سال گذشته او خود را در ژانرهای کاملاً متفاوت - مجسمه سازی ، عکاسی ، ویدئو آرت ، اجراها ، گرافیک امتحان کرده است. در اوایل دهه نود، لری گاگوسیان این کلمات پیشگویانه را بیان کرد: "ارزش واقعی کار نائومان هنوز مشخص نشده است." و چنین شد: 17 مه 2001در کریستیز توسط نائومان در سال 1967 "هنری مور بی پناه (نمای عقب)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) رکورد جدیدی را در بخش هنری پس از جنگ به ثبت رساند. یک قالب از دستان نائومان که از پشت بسته شده بود، ساخته شده از گچ و موم، به قیمت دلار زیر چکش رفت. 9.9 میلیوندر مجموعه نجیب فرانسوی فرانسوا پینو (طبق منابع دیگر، فیلیس واتیس آمریکایی). برآورد کار فقط 2-3 میلیون دلار بود، بنابراین نتیجه برای همه شگفت‌انگیز بود.

قبل از این فروش افسانه ای، تنها دو اثر از نومان از مرز میلیون دلار عبور کرده بودند. و در کل کار حراجی او تاکنون، تنها شش اثر، علاوه بر «هنری مور...»، به مبلغ هفت رقمی رفته است، اما نتایج آنها هنوز با نه میلیون قابل مقایسه نیست.

«هنری مور درمانده» یکی از مجموعه آثار جدلی نومان در مورد شخصیت هنری مور (1898–1986)، هنرمند بریتانیایی است که در دهه شصت در زمره بزرگترین مجسمه سازان قرن بیستم به شمار می رفت. نویسندگان جوان که خود را در سایه استاد شناخته شده ای می دیدند، سپس با انتقاد شدید به او حمله کردند. آثار نائومان پاسخی به این انتقاد و در عین حال تأملی در موضوع خلاقیت است. عنوان اثر تبدیل به یک جناس می شود، زیرا دو معنای کلمه انگلیسی bound - محدود (به معنای واقعی کلمه) و محکوم به سرنوشت را به هم متصل می کند.

توجه! تمام مطالب سایت و پایگاه داده نتایج حراجی سایت، از جمله اطلاعات مرجع مصور در مورد آثار فروخته شده در حراج، صرفاً مطابق با هنر در نظر گرفته شده است. 1274 قانون مدنی فدراسیون روسیه. استفاده برای مقاصد تجاری یا در نقض قوانین تعیین شده توسط قانون مدنی فدراسیون روسیه مجاز نیست. سایت هیچ مسئولیتی در قبال محتوای مطالب ارسال شده توسط اشخاص ثالث ندارد. در صورت تضییع حقوق اشخاص ثالث، مدیریت سایت این حق را برای خود محفوظ می دارد که بنا به درخواست مرجع مجاز، آنها را از سایت و از پایگاه داده حذف نماید.

مرسوم است که هنر معاصر را به همه انواع جنبش های هنری که در پایان قرن بیستم توسعه یافته اند می گویند. در دوره پس از جنگ، این یک نوع خروجی بود که یک بار دیگر به مردم آموخت که رویاپردازی کنند و واقعیت های جدیدی از زندگی ابداع کنند.

هنرمندان جوان خسته از قید قوانین سخت گذشته، تصمیم گرفتند هنجارهای هنری قدیمی را بشکنند. آنها به دنبال ایجاد شیوه های جدید و ناشناخته قبلی بودند. آنها با مخالفت با مدرنیسم، به راه های جدیدی برای افشای داستان های خود روی آوردند. هنرمند و مفهوم آفرینش او بسیار مهمتر از نتیجه فعالیت خلاقانه شده است. تمایل به دور شدن از چارچوب ساخته شده منجر به ظهور ژانرهای جدید شد.

در مورد معنای هنر و شیوه های بیان آن اختلافات بین هنرمندان شروع شد. هنر چیست؟ با چه ابزاری می توان به هنر اصیل دست یافت؟ مفهوم گرایان و مینیمالیست ها پاسخ خود را در این عبارت یافتند: "اگر هنر می تواند همه چیز باشد، پس می تواند هیچ باشد." برای آنها، دور شدن از وسایل بصری معمول منجر به اعمال، اتفاقات و اجراهای مختلف شد. ویژگی هنر معاصر در قرن بیست و یکم چیست؟ این همان چیزی است که در مقاله در مورد آن صحبت خواهیم کرد.

گرافیک سه بعدی در هنر قرن بیستم

هنر قرن بیست و یکم در گرافیک سه بعدی مشهور است. با توسعه فناوری رایانه، هنرمندان به ابزارهای جدیدی برای خلق هنر خود دسترسی پیدا کردند. ماهیت گرافیک سه بعدی ایجاد تصاویر با مدل سازی اشیاء در فضای سه بعدی است. اگر بیشتر اشکال هنر مدرن را در قرن بیست و یکم در نظر بگیریم، خلق تصاویر سه بعدی سنتی ترین خواهد بود. گرافیک سه بعدی به معنای واقعی کلمه جنبه های زیادی دارد. هنگام ایجاد برنامه ها، بازی ها، تصاویر و فیلم ها در رایانه استفاده می شود. اما می توان آن را درست زیر پای شما - روی سنگفرش - نیز دید.

گرافیک سه بعدی چندین دهه پیش به خیابان ها نقل مکان کرد و از آن زمان به عنوان یکی از مهم ترین اشکال هنر خیابانی باقی مانده است. بسیاری از هنرمندان بر روی "تصاویر" خود تصاویر سه بعدی می کشند که می توانند با واقع گرایی خود شگفت زده شوند. ادگار مولر، ادواردو رولرو، کرت ونر و بسیاری دیگر از هنرمندان معاصر امروزه هنری خلق می کنند که می تواند هر کسی را شگفت زده کند.

هنر خیابانی قرن بیست و یکم

پیش از این، شغل بسیاری از افراد ثروتمند بود. قرن‌ها در میان دیوارهای مؤسسات ویژه پنهان بود، جایی که دسترسی به افراد ناآشنا بسته بود. بدیهی است که قدرت بزرگ او نمی تواند برای همیشه در داخل ساختمان های خفه شده از بین برود. پس از آن بود که بیرون آمد - به خیابان های تاریک خاکستری. برای تغییر تاریخچه شما برای همیشه انتخاب شده است. اگرچه در ابتدا این کار چندان آسان نبود.

همه از تولد او خوشحال نبودند. بسیاری آن را نتیجه یک تجربه بد می دانستند. حتی برخی از توجه به وجود آن خودداری کردند. در همین حال، زاده فکری به رشد و توسعه ادامه داد.

هنرمندان خیابانی در این مسیر با سختی هایی مواجه شدند. با تمام اشکال گوناگونش، تمایز هنر خیابانی از وندالیسم گاهی دشوار بود.

همه چیز در دهه 70 قرن گذشته در نیویورک آغاز شد. در این زمان هنر خیابانی در ابتدای راه بود. و جولیو 204 و تاکی 183 از زندگی او حمایت کردند.آنها پس از گسترش قلمرو توزیع در نقاط مختلف منطقه خود کتیبه هایی از خود به جای گذاشتند. بچه های دیگر تصمیم گرفتند با آنها رقابت کنند. پس از آن بود که جالب ترین شروع شد. اشتیاق و تمایل به خودنمایی منجر به نبرد خلاقیت شد. همه مشتاق بودند که برای خود و دیگران راه اصلی تری برای نشان دادن نشان خود کشف کنند.

در سال 1981 هنر خیابانی توانست از اقیانوس عبور کند. او در این کار توسط یک هنرمند خیابانی از فرانسه BlekleRat کمک کرد. او را یکی از اولین هنرمندان گرافیتی در پاریس می دانند. او را پدر گرافیتی استنسیل نیز می نامند. لمس امضای او نقاشی هایی از موش ها است که به نام خالق آنها اشاره دارد. نویسنده متوجه شد که پس از تنظیم مجدد حروف در کلمه موش، هنر (هنر) به دست می آید. بلک یک بار اظهار داشت: موش تنها حیوان آزاد در پاریس است که همه جا می رود، درست مانند هنر خیابانی.

مشهورترین هنرمند خیابانی بنکسی است که BlekleRat را معلم اصلی خود می نامد. کار موضوعی این بریتانیایی با استعداد می تواند همه را ساکت کند. او در نقاشی های خود که با استفاده از شابلون خلق شده است، جامعه مدرن را با رذیلت هایش محکوم می کند. بنکسی تمایل به سنتی بودن دارد و به شما این امکان را می دهد که تأثیر بیشتری بر مخاطب بگذارید. یک واقعیت جالب این است که تاکنون هویت بنکسی در هاله ای از ابهام قرار دارد. هنوز کسی موفق به حل معمای شخصیت این هنرمند نشده است.

در همین حال، هنر خیابانی به سرعت در حال افزایش است. زمانی که هنر خیابانی به جریان‌های حاشیه‌ای تنزل پیدا کرد، به صحنه حراجی‌ها ارتقا یافته است. آثار هنرمندان با مبالغ هنگفتی توسط کسانی به فروش می رسد که زمانی حاضر به صحبت در مورد او نبودند. آن چیست، نیروی حیات بخش هنر یا جریان های اصلی؟

تشکیل می دهد

تا به امروز، چندین جلوه نسبتا جالب از هنر معاصر وجود دارد. مروری بر غیر معمول ترین اشکال هنر معاصر در زیر مورد توجه شما قرار خواهد گرفت.

آماده

اصطلاح آماده از انگلیسی گرفته شده است که به معنای "آماده" است. در واقع هدف از این جهت ایجاد چیزی مادی نیست. ایده اصلی در اینجا این است که بسته به محیط یک شی، درک شخص و خود شی تغییر می کند. جد جریان مارسل دوشان است. معروف ترین اثر او «چشمه» است که یک ادرار با خودکار و تاریخ است.

آنامورفوس ها

آنامورفوس به تکنیک ایجاد تصاویر به گونه ای گفته می شود که مشاهده کامل آنها فقط از یک زاویه خاص امکان پذیر است. یکی از برجسته ترین نمایندگان این روند، برنارد پراس فرانسوی است. او با استفاده از هر چیزی که به دستش می رسد، تاسیسات ایجاد می کند. او به لطف مهارت خود موفق به خلق آثار شگفت انگیزی می شود که البته فقط از زاویه ای خاص قابل مشاهده است.

سیالات بیولوژیکی در هنر

یکی از بحث برانگیزترین جریانات هنر مدرن قرن بیست و یکم، طراحی است که با سیالات انسانی نقاشی شده است. اغلب پیروان این هنر مدرن از خون و ادرار استفاده می کنند. رنگ نقاشی ها در این مورد اغلب ظاهری غم انگیز و ترسناک به خود می گیرد. برای مثال هرمان نیچ از خون و ادرار حیوانات استفاده می کند. نویسنده استفاده از چنین مواد غیرمنتظره ای را در دوران کودکی دشواری که در طول جنگ جهانی دوم رخ داد توضیح می دهد.

نقاشی قرن XX-XXI

تاریخچه مختصری از نقاشی حاوی اطلاعاتی است که پایان قرن بیستم نقطه شروع بسیاری از هنرمندان فرقه زمان ما شد. در سال های سخت پس از جنگ، این حوزه تولد دوباره خود را تجربه کرد. هنرمندان به دنبال کشف جنبه های جدیدی از قابلیت های خود بودند.

برتری طلبی

کازیمیر مالویچ را خالق سوپرماتیسم می دانند. او به عنوان نظریه پرداز اصلی، سوپرماتیسم را راهی برای پاکسازی هنر از هر چیز زائد اعلام کرد. هنرمندان با رد روش های معمول انتقال تصویر، به دنبال رهایی هنر از غیر هنری بودند. مهم ترین اثر در این ژانر، «مربع سیاه» معروف مالویچ است.

هنر پاپ

پاپ آرت ریشه در ایالات متحده دارد. در سال های پس از جنگ، جامعه تغییرات جهانی را تجربه کرده است. مردم اکنون می توانستند بیشتر هزینه کنند. مصرف به بخشی ضروری از زندگی تبدیل شده است. مردم شروع به تبدیل شدن به یک فرقه و محصولات مصرفی - به نمادها کردند. جاسپر جانز، اندی وارهول و دیگر پیروان جریان به دنبال استفاده از این نمادها در نقاشی های خود بودند.

آینده پژوهی

آینده پژوهی در سال 1910 کشف شد. ایده اصلی این روند میل به یک جدید، تخریب چارچوب گذشته بود. هنرمندان این میل را با کمک تکنیکی خاص به تصویر کشیدند. ضربات تند، هجوم، اتصالات و تقاطع ها نشانه های آینده نگری هستند. معروف ترین نمایندگان آینده پژوهی مارینتی، سورینی، کارا هستند.

هنر معاصر در روسیه در قرن بیست و یکم

هنر معاصر در روسیه (قرن بیست و یکم) به آرامی از هنر زیرزمینی و "غیر رسمی" اتحاد جماهیر شوروی سرازیر شده است. هنرمندان جوان دهه 90 به دنبال راه های جدیدی برای تحقق جاه طلبی های هنری خود در کشوری جدید بودند. در این زمان اکشنیسم مسکو متولد شد. پیروان او گذشته و ایدئولوژی آن را به چالش کشیدند. تخریب مرزها (به معنای واقعی و مجازی کلمه) این امکان را فراهم کرد که نگرش نسل جوان به وضعیت کشور به تصویر کشیده شود. هنر معاصر قرن بیست و یکم بیانگر، ترسناک و تکان دهنده شده است. همان که جامعه برای مدت طولانی از آن بسته شد. اقدامات آناتولی اسمولوفسکی ("مایاکوفسکی - اسمولوفسکی"، "علیه همه"، "سدود بر بولشایا نیکیتسایا")، جنبش "ETI" ("ETI-text")، اولگ کولیک ("خوکک هدایا توزیع می کند"، "سگ دیوانه یا آخرین تابو که توسط یک سربروس تنها محافظت می شود»)، آودی تر اوگانیان («آرت پاپ») برای همیشه تاریخ هنر معاصر را تغییر داد.

نسل جدید

اسلاوا ATGM یک هنرمند معاصر اهل یکاترینبورگ است. برخی از کارهای او ممکن است یادآور کار بنکسی باشد. با این حال، آثار اسلاوا حاوی ایده ها و احساساتی است که فقط برای یک شهروند روسی آشناست. یکی از برجسته ترین کارهای او کمپین «سرزمین فرصت ها» است. این هنرمند کتیبه ای ساخته شده از چوب زیر بغل بر روی ساختمان یک بیمارستان متروکه در یکاترینبورگ ایجاد کرد. اسلاوا از ساکنان شهر که زمانی از آن استفاده می کردند عصا خرید. این هنرمند در صفحه خود در شبکه اجتماعی این اقدام را با فراخوانی از همشهریان تکمیل کرد.

موزه های هنر مدرن

شاید زمانی هنرهای تجسمی معاصر قرن بیست و یکم محیطی حاشیه‌ای به نظر می‌رسید، اما امروزه افراد بیشتری برای پیوستن به عرصه جدیدی از هنر تلاش می‌کنند. موزه های بیشتر و بیشتری درهای خود را به روی ابزارهای جدید بیان باز می کنند. نیویورک رکورددار هنر معاصر است. همچنین دو موزه وجود دارد که از بهترین های جهان هستند.

اولین مورد MoMA است که مخزن نقاشی های ماتیس، دالی، وارهول است. دومی یک موزه است.معماری غیرمعمول ساختمان در مجاورت آثار پیکاسو، مارک شاگال، کاندینسکی و بسیاری دیگر است.

اروپا همچنین به خاطر موزه های باشکوه هنر معاصر قرن بیست و یکم مشهور است. موزه KIASMA در هلسینکی به شما اجازه می دهد تا اشیاء نمایشگاه را لمس کنید. این مرکز در پایتخت فرانسه با معماری غیرمعمول و آثار هنرمندان معاصر تحت تأثیر قرار می گیرد. موزه Stedelijk در آمستردام بزرگترین مجموعه نقاشی های Malevich را در خود جای داده است. در پایتخت بریتانیای کبیر تعداد زیادی اشیاء هنری مدرن وجود دارد. موزه هنر مدرن وین دارای آثاری از اندی وارهول و دیگر هنرمندان با استعداد معاصر است.

هنر مدرن قرن بیست و یکم (نقاشی) - مرموز، غیرقابل درک، جادوگر، برای همیشه بردار توسعه نه تنها یک حوزه جداگانه، بلکه کل زندگی بشر را تغییر داد. مدرنیته را هم منعکس می کند و هم خلق می کند. هنر مدرنیته که دائماً در حال تغییر است به فردی که دائماً عجله دارد اجازه می دهد لحظه ای توقف کند. مکث کنید تا احساسات عمیق درون را به خاطر بسپارید. توقف کنید تا دوباره سرعت خود را افزایش دهید و به تندباد حوادث و امور بشتابید.