زمان ما با تغییر سریع چرخه های مد مشخص می شود. نشانه توسعه مد گردش فصلی آنها است: بهار - تابستان و پاییز - زمستان. در این راستا، شاهد تغییر سریع در روند مد، شکل گیری فرم های جدید لباس هستیم. منبع شناخت تغییر فرم ها و ساختارها، قبل از هر چیز، لباس تاریخی است که قرن ها شکل گرفته و مورد تایید قرار گرفته است. لباس محلی یک دارایی ارزشمند جدایی ناپذیر از فرهنگ مردم است که در طول قرن ها انباشته شده است. پوشاک که مسیری طولانی در توسعه خود طی کرده است، ارتباط تنگاتنگی با تاریخ و دیدگاه های زیبایی شناختی سازندگان دارد. هنر لباس مدرن نمی تواند جدا از سنت های عامیانه و ملی توسعه یابد. بدون مطالعه عمیق سنت ها، توسعه پیشرونده هر نوع و ژانر هنر معاصر غیرممکن است.

لباس محلی نه تنها یک عنصر اصیل روشن فرهنگ است، بلکه ترکیبی از انواع مختلف هنر تزئینی است که عناصر سنتی برش، تزئینات، استفاده از مواد و تزئینات را به ارمغان می آورد که از ویژگی های لباس روسی در گذشته تا اواسط می باشد. قرن بیستم

شکل گیری ترکیب، برش، ویژگی های تزئینات لباس روسی تحت تأثیر محیط جغرافیایی و شرایط آب و هوایی، ساختار اقتصادی و سطح توسعه نیروهای مولد بود. عوامل مهم فرآیندهای تاریخی و اجتماعی بود که به ایجاد فرم های خاص لباس کمک کرد، نقش سنت های فرهنگی محلی چشمگیر بود.

پیراهن به حق قدیمی ترین نوع لباس در نظر گرفته می شود. قبلاً در قرن VI. او در لباس اجداد ما - اسلاوها - جایگاه پیشرو را اشغال می کرد و گاهی اوقات تنها تکه لباس بود. پیراهن زنانه با پیراهن مردانه تفاوت داشت، در واقع فقط در طول و تریم پررنگ‌تر.

پیراهن ظاهراً از کلمه "مالش" گرفته شده است که در زبان اجدادی به معنای یک تکه، یک تکه پارچه بوده است، اما در عین حال به عنوان نام کل مجموعه بوده است. یک دهقان، یک شهرنشین و یک نجیب زاده پیراهن یکسانی می پوشیدند، تفاوت فقط در کیفیت پارچه بود.

رایج ترین مواد تا به امروز کتان باقی مانده است. در زبان روسی قدیمی دو اصطلاح وجود داشت: "hlast" - "بوم"، "tlstyna" - پارچه سفید نشده و "شارژ" - بوم سفید شده برای تعیین ماده اصلی. از قدیم الایام، زنان به ریسندگی و بافتن کتان مشغول بوده اند. آنها معتقد بودند که تنها دستان زن خوب که اسلحه در دست ندارند را می توان ساخت لباس، اولین مدافع انسان، سپرد. تقریباً همه زنان خانواده های روستایی و در ابتدا در خانواده های شهری صاحب این صنعت بودند.

قدیمی‌ترین پیراهن‌ها از یک کتانی بلند که روی شانه‌ها از وسط تا شده بود، دوخته می‌شدند. درج های گوه ای شکل که با برش یک مستطیل به صورت مورب به دست می آمدند به طرفین دوخته می شدند و سجاف را گسترش می دادند. سپس شکاف دروازه و در مرکز سینه را بریدند. بدین ترتیب پس از پایان برش، حتی یک تکه اضافی باقی نماند.

روش تزیین پیراهن نیز در دوران بت پرستی توسعه یافت و هنوز در لباس های عامیانه به شدت رعایت می شود.در روسیه باستان، مرواریدها، قطعاتی با سنگ های نیمه قیمتی و عینک های رنگی، قیطان ها و بند ناف های گران قیمت به عنوان تزئین برای لباس های اشراف خدمت می کردند. لباس‌های بخش عمده‌ای از مردم به‌طور سنتی با دست‌دوزی یا طرح‌بافی تزیین می‌شد. نوارهای زینتی و در زمان های بعدی روبان ها، قیطان ها، لوازم جانبی از پارچه های خریداری شده و توری های رنگی لزوماً در امتداد سجاف، لبه های آستین، روی شانه ها، در امتداد یقه و در امتداد برش روی سینه قرار داشتند. چنین سیستم عجیب و غریبی از خطوط محافظ، همراه با یک کمربند، که طبق باورهای باستانی بستن هر پیراهنی الزامی بود، از اعضای حیاتی بدن محافظت می کرد. در عین حال، زیور آلات واقع در امتداد لبه های لباس نیز از قسمت های در معرض بدن در برابر ارواح شیطانی محافظت می کرد.

پیراهن های جشن و مراسمی که در روزهای خاصی پوشیده می شدند به ویژه تزئین شده بودند. بنابراین، در اولین روز برداشت علف‌ها، قرار بود با یک نوار طرح‌دار پهن روی سجاف، در «مونگ» بیرون برود. در روز جشن برداشت، آنها پیراهن "درو" را پوشیدند. در آخرین هفته قبل از عروسی، دختران پیراهنی با 1 آستین بسیار بلند به نام "قاتل" پوشیدند. در آن، عروس قرار بود از ترس آینده زندگی خانوادگی در خانه ای غریب گریه کند. اما پیراهن عروسی به حق زیباترین در نظر گرفته شد. با نقوش چند رنگ گلدوزی شده بود که جای اصلی آن را رنگ قرمز اشغال کرده بود. همسر جوان آن را برای چندین سال در تعطیلات بزرگ پوشید و سپس با دقت آن را نگه داشت.

در لباس ملی روسیه، مانند لباس های ملیت های دیگر، برای قرن ها یک قانون نانوشته وجود دارد: توجه بیشتر به لباس زنان، زیرا در درجه اول برای محافظت از سلامت مولد خانواده طراحی شده است.

در مناطق جنوبی، برش مستقیم پیراهن ها پیچیده تر بود، آن را با کمک به اصطلاح پولیک انجام می دادند - جزئیات برش که جلو و پشت را در امتداد خط شانه به هم متصل می کرد. پولیک ها می توانند مستقیم و مایل باشند. پولکی مستطیل شکل چهار پانل بوم به عرض هر کدام 32-42 سانتی متر را به هم متصل می کند. پولک های مورب (به شکل ذوزنقه) با یک پایه پهن با آستین، یک باریک - با آستر گردن به هم متصل می شدند. هر دو راه حل سازنده از نظر تزئینی مورد تاکید قرار گرفتند.

سارافان (به فارسی سراپا، ترکی تاتاری «از سر تا پا») لباس ملی زنان روسیه است. روی پیراهنی با آستین های پف دار پوشیده می شود. اگر این کار از طریق سر انجام شود، تعدادی دکمه تزئینی روی سینه دوخته می شود. سارافون از جلو نیز باز می شود.

انواع مختلفی از سارافان شناخته شده است که شکل گیری برش و تزئین آن تحت تأثیر ویژگی های منطقه بوده است.

کهن ترین شکل آن به صورت مایل روی سوراخ بازو یا تسمه های پهن است. پانل های جلو و پشت این سارافون از طرفین با گوه های اضافی به هم متصل شده بودند. پانل مستقیم جلویی درز وسط نداشت. در استان Tver ، او را "kostolan" می نامیدند ، در مناطق شمالی - "Hunchback".

سارافون در استان های شمال غربی (نووگورود، اولونتس، پسکوف و غیره) برش متفاوتی داشت. او بیشتر بسته بود و به همین دلیل به او لقب «شوشون» یا «کاپرکایلی» داده بودند. ایمانداران قدیمی چنین سارافون می پوشیدند.

این سارافون از پارچه خمیده روی شانه ها با گوه های اریب در طرفین دوخته شده است. آستین های بلند و اغلب تقلبی از پشت دوخته می شد.

یک لباس کج با چاک در جلو با دکمه و حلقه.

در قرن نوزدهم در تمام استان های روسیه مرکزی توزیع شد. در استان های یاروسلاول و تور، او را "فریاز"، در مسکو - "سایان"، اسمولنسک - "سوروکوکلین" نامیدند. چنین نام هایی نیز وجود داشت - "kumashnik"، "آبی". این سارافون به صورت زیر دوخته می شد: دو پنل جلو و یک صفحه پشتی صاف بود، گوه هایی به شدت اریب دوخته شده بود که لباس ها را گسترش می داد. برش جلو را با توری قرمز، قیطان، حاشیه و... تزیین می کردند، گاهی برش جلو را می دوختند و دکمه ها و حلقه ها را به عنوان تزئین می گذاشتند. گاهی دختران جوان چنین سارافون هایی را با بند می دوختند.

یک سارافون مستقیم یا گرد از چندین پارچه مستقیم (از 4 تا 7) دوخته می شد، پارچه اضافی را در یک مجموعه کوچک از بالا جمع می کردند و با یک نوار یا روبان باریک می بستند. تسمه های کوتاه باریک در پشت به هم دوخته شده بود، و در جلو - به طور جداگانه. تزییناتی به صورت گلدوزی تزیینی، قیطان و ... در امتداد زیر و روی سارافون انجام می شد. در استان های مسکو و ولادیمیر به او کت خز می گفتند. چنین سارافونی هم زنان جوان و هم سالخورده می پوشیدند. تنها تفاوت در رنگ بود: جوان ها سارافون را از پارچه های روشن می دوختند، بزرگترها از رنگ های تیره استفاده می کردند.

یک سارافون با اندام متناسب در اواخر قرن 19 - اوایل قرن 20 ظاهر شد. و نوعی نیم لباس بود. بشکه های آن در امتداد یک نخ مورب بریده شده بود.

سارافون عروسی به خصوص متفاوت بود. به عنوان مثال، در استان ریازان، عروس را با سارافان مشکی با روسری سفید بر سر، که معمولاً در عزاداری می پوشیدند، عقد می کردند. در اولین روز زندگی مشترکشان، زن جوان با بهترین سارافون خود ظاهر شد - اغلب از سایه های مختلف قرمز بود. در استان های Vologda و Kostroma، سارافان آبی-صورتی، زرشکی از پارچه های گران قیمت دوخته می شد. آنها با طلای تابیده، قیطان، مروارید تزئین شده بودند.

شرایط توسعه تاریخی، با شروع از قرن XII - XIII. مشخص ترین تقسیم بندی فرم های لباس روسی را به شمالی و جنوبی تعیین کرد. در قرن XIII - XV. مناطق شمالی (ولوگدا، آرخانگلسک، ولیکی اوستیوگ، نووگورود، ولادیمیر و غیره)، بر خلاف مناطق جنوبی، توسط حملات عشایری ویران نشدند. صنایع دستی هنری در اینجا به شدت توسعه یافت، تجارت خارجی رونق گرفت.

شروع از قرن هجدهم. معلوم شد که شمال از مراکز صنعتی در حال توسعه دور بود و بنابراین یکپارچگی زندگی و فرهنگ عامیانه را حفظ کرد. به همین دلیل است که در لباس روسی شمال، ویژگی های ملی عمیقاً منعکس شده است و تأثیرات خارجی را تجربه نمی کند.

لباس روسیه جنوبی (ریازان، تولا، تامبوف، ورونژ، پنزا، اورل، کورسک، کالوگا و غیره) از نظر لباس بسیار متنوع تر است. مهاجرت های متعدد ساکنان به دلیل حملات عشایری و سپس در طول تشکیل دولت مسکو، نفوذ مردم همسایه (اوکراینی ها، بلاروس ها، مردم منطقه ولگا) منجر به تغییر بیشتر لباس ها و تنوع انواع آن شد. .

در لباس روسیه جنوبی، به جای سارافون، پونوا بیشتر مورد استفاده قرار گرفت - لباس های کمربند ساخته شده از پارچه پشمی، گاهی اوقات با بوم اندود شده بود. پارچه مورد استفاده برای پونوا اغلب آبی تیره، سیاه، قرمز، با طرح چهارخانه یا راه راه (با نوار عرضی) است. پونف های روزمره با ملایمت پایین آمدند: قیطان (کمربند) طرح دار پشمی در قسمت پایین. پونف های جشن با گلدوزی، قیطان طرح دار، درج های چوبی، رنگرزی، توری قلع و قمع و جرقه تزئین شده بودند. یک نوار افقی گسترده از سجاف با درزها، درج های رنگی عمودی ترکیب شد. طرح رنگ پونی ها به دلیل پس زمینه تیره آنها بسیار روشن و رنگارنگ بود.

پونوا در واقع یک دامن نیز هست ، فقط کف آن معمولاً دوخته نمی شد. به آن راستوپولکا می گفتند، یعنی تاب. پونوا روی دریچه گاز (کمربند، طناب، طناب، قیطان) نگه داشته شد.

به عنوان یک قاعده، از پشم شطرنجی خانگی ساخته شده بودند، آنها "مهربان"، "مقدس"، "وقف" و "آخرین" بودند. و پونف ها با طرح به کبودی (آبی یکدست) و قرمز (قرمز) تقسیم شدند. پونوا بیشتر یادآور دامن های راسته ما است.

پیشبند

تزیینی ترین و پر تزئین ترین قسمت لباس زنانه شمالی و جنوبی، پیش بند یا پرده بود که چهره زن را از جلو می پوشاند. پیشبند را معمولاً از بوم می‌ساختند و با گلدوزی، نقش‌های بافته شده، تزئینات رنگی و نوارهای ابریشمی تزئین می‌کردند. لبه ی پیش بند را با دندانه ها، توری های سفید یا رنگی، حاشیه ای از نخ های ابریشمی یا پشمی و لبه ای با عرض های مختلف تزئین می کردند.

روح گرم

در لباس شمال روسیه، از لباس باستانی روسی، "epanechki" و dushegrey، کت های خز کوتاه، لحاف دار روی کتانی، با آستین حفظ شده است. Dushegreya - لباس سینه زنانه بدون آستین ساخته شده از پارچه های گران قیمت کارخانه. در این مکان ها دوشگری را از پارچه ابریشمی می دوختند. و به گونه ای برش داده می شود که پارچه در پشت به صورت چین های بزرگ قرار می گیرد و در جلو قفسه ها حالت ذوزنقه ای داشتند. هنگام برش، کلم بروکات را با پارچه بوم درشت محکم می کردند (چسب می کردند)، گاهی با روزنامه آستر می کردند، برای اینکه حالت صاف قفسه ها حفظ شود، پشت آن چین خورده بود. روی تسمه های باریک - یک گالن یا توری باریک. حمام حمام فقط با یک سنجاق بسته می شد که در بالا سنجاق می شد یا به کمانی از روبان های پهن بسته می شد. این نشان می دهد که قبلا با سارافون پوشیده شده است.

لایه بندی لباس، که دارای طول های مختلف از پیراهن های پوشیده همزمان، پونهوا، پیش بند، پیش بند بود، یک تقسیم افقی از شبح را ایجاد کرد و از نظر بصری شکل را گسترش داد.

کلاه

در لباس عامیانه روسی، روسری های باستانی و این رسم که یک زن متاهل موهای خود را پنهان می کند، برای یک دختر - که آن را بدون پوشش می گذارد، حفظ شده است. این رسم به دلیل شکل روسری زنانه به صورت کلاه بسته، دخترانه - به صورت حلقه یا بانداژ است. کوکوشنیک، "زاغی"، باند و تاج های مختلف گسترده است.

از جواهرات مروارید، مهره، کهربا، گردنبند مرجانی، آویز، مهره، گوشواره استفاده می شود.

پارچه، رنگ، زیور آلات

پارچه‌های اصلی مورد استفاده برای لباس‌های محلی دهقانی، بوم خانگی و پشم بافت ساده کتانی و از اواسط قرن 19 بود. - ابریشم، ساتن، پارچه ابریشمی کارخانه‌ای با تزئینی از گلدسته‌های گل‌های شاداب و دسته‌های گل، چلوار، چینتز، ساتن، ترمه رنگی.

بافی های طرح دار، گلدوزی و چاپ از راه های اصلی تزیین منسوجات خانگی بودند. طرح های راه راه و چهارخانه از نظر شکل و رنگ متنوع هستند. تکنیک بافندگی طرح‌دار عامیانه و همچنین گلدوزی با شمارش نخ‌ها منجر به خطوط هندسی مستطیل و عدم وجود خطوط گرد در الگو شد. رایج ترین عناصر زینت: لوزی ها، صلیب های مورب، ستاره های هشت ضلعی، گل سرخ، درختان کریسمس، بوته ها، چهره های تلطیف شده یک زن، پرنده، اسب، گوزن. نقوش، بافته شده و گلدوزی شده، با نخ های کتانی، کنفی، ابریشم و پشمی ساخته می شد که با رنگ های گیاهی رنگ آمیزی می شد و سایه های خاموش می داد. طیف رنگ ها چند رنگ است: سفید، قرمز، آبی، سیاه، قهوه ای، زرد، سبز. رنگ های چند رنگ اغلب بر اساس رنگ های سفید، قرمز و آبی (یا سیاه) تصمیم گیری می شد.

از اواسط قرن نوزدهم. پارچه‌های خانگی با پارچه‌های کارخانه‌ای با طرح‌های گل‌دار، شطرنجی و راه راه جایگزین می‌شوند.

سنت های عامیانه در لباس های مدرن

هنر عامیانه یک انبار واقعی ایده ها برای طراحان مد و طراحان باقی می ماند. در دهه 70 قرن گذشته، در مجموعه های طراحان مد، جلوه های "روح ملی" ارزش گذاری شد، اما نه به معنای قوم شناختی، بلکه در زمینه "سبک بین المللی": سبک روسی، سبک آسیایی و غیره. .

قرن 21 ام سنت های ملی جدید را به طراحی مد مدرن - زیبایی شناسی پست مدرنیسم - آورد. هنگام ایجاد مدل لباس، از روش "نقل ها" استفاده می شود. "نقل قول" می تواند جزییات یک لباس ملی، یک عنصر دکور، یک نقش برجسته زینتی بزرگ یا تغییر شکل یافته، برش یا طرح رنگ باشد. طراح با ترکیب «نقل‌ها» مختلف، ترکیب عناصر لباس‌های ملل مختلف، تصویری جدید با منبع خلاقانه‌ای خاص و قابل تشخیص خلق می‌کند.

لباس های نوجوان تا حدودی تحت تأثیر مد "بزرگسالان" است، اما با تغییرات مکرر و تحولات رادیکال مشخص نمی شود. پایدارتر است، که با ویژگی های بدن گروه های سنی کودکان مرتبط است. الزامات اصلی برای لباس های نوجوان (سادگی برش، حداکثر مصلحت فرم ها، صدا و طراوت طرح های رنگی) به طور کامل در لباس های عامیانه منعکس می شود، جایی که زیبایی و عملکرد به طور جدایی ناپذیری به هم مرتبط هستند.

هماهنگی رنگ

شرط لازم برای زیبایی لباس، هماهنگی رنگ در آن است، یعنی قوام، هماهنگی در ترکیب رنگها. برای ایجاد یک لباس (این انتخاب پارچه، مواد تکمیل است)، هماهنگی رنگ را مطالعه کردیم.

رنگ در لباس. شرط لازم برای زیبایی لباس، هماهنگی رنگ در آن است، یعنی قوام، هماهنگی در ترکیب رنگها.

برای ایجاد هارمونی رنگی یک کت و شلوار، نه تنها دانستن نحوه ترکیب رنگ ها، تشخیص رنگ های سازگار و ناسازگار، بلکه این مهم است که بتوان جزئیات لباس را با توجه به رنگ و نسبت رنگ در یک کل واحد مرتب کرد. .

پایه های تئوری رنگ ها توسط نیوتن پایه گذاری شد، که اولین کسی بود که سعی کرد با کشف رابطه بین شکست نور و رنگ، دنیای رنگ ها را نظام مند کند. او معتقد بود که نور سفید، که قبل از او به عنوان همگن در نظر گرفته می شد، پس از شکست در یک منشور به امواج نوری مختلف تجزیه می شود. نیوتن دور رنگ‌های طیف خود حلقه زد و سرخابی از دست رفته را اضافه کرد که از ترکیب رنگ‌های قرمز و بنفش به دست می‌آید و به انتقال هموار از بنفش به قرمز اضافه می‌شود. اگر رنگ های طیفی (از قرمز تا بنفش) به ترتیب در یک دایره مرتب شوند، یک دایره رنگی تشکیل می شود.

کل تنوع رنگ ها به دو گروه رنگی و رنگی تقسیم می شود.

رنگ های آکروماتیک سفید، سیاه و تمام سایه های خاکستری - از سفید تا سیاه هستند.

رنگ های کروماتیک رنگ های طیفی و سرخابی هستند.

سه گروه از رنگ ها بر اساس ترکیب وجود دارد - مرتبط، مرتبط با متضاد و متضاد.

رنگ های مرتبط حداقل یک رنگ مشترک (اصلی) در ترکیب خود دارند. چهار گروه از رنگ های مرتبط وجود دارد - زرد-قرمز، آبی-سبز و سبز-زرد. رنگ های مرتبط با دقت انتخاب شده فرصت های خوبی برای راه حل های ترکیب رنگ فراهم می کنند. به عنوان مثال، سبز و سبز-آبی رنگ های مرتبط هستند؛ آنها به خوبی در ترکیبات با اندازه های مختلف لکه های رنگی ترکیب می شوند. تعداد زیاد لکه های یک رنگ و مقدار کمی از رنگ دیگر راه حل خوبی است. هنگام استفاده از رنگ‌های مرتبط در ترکیب لباس، معمولاً از یک یا هر دوی آنها به صورت خاموش استفاده می‌شود. استحکام مناسب رنگ ها با انتخاب رنگ های مرتبط به گونه ای حاصل می شود که چندان روشن نباشند. زرد و زرد-سبز، سبز و سبز-آبی، آبی و بنفش، بنفش و قرمز، قرمز و نارنجی و ... رنگ های مرتبط هستند.

در یک ترکیب تن، یک اثر قوی از طریق روشنایی متفاوت رنگ های مورد استفاده به دست می آید - با معرفی رنگ های روشن و تیره در کنتراست. ترکیب های هماهنگ رنگ های مرتبط واکنشی، آرام، نرم هستند، به خصوص اگر رنگ ها کمی اشباع شده و از نظر سبکی نزدیک باشند.

رنگ‌های متضاد مرتبط. همچنین گروه هایی از رنگ های متضاد مرتبط وجود دارد - زرد-قرمز و قرمز-آبی، قرمز-آبی و آبی-سبز، آبی-سبز و سبز-زرد، سبز-زرد و زرد-قرمز. هارمونی رنگ های متضاد مرتبط در مقایسه با رنگ های مرتبط فعال تر و احساسی تر است.

رنگ های متضاد. اینها زرد-قرمز، آبی-سبز، زرد-سبز و آبی-قرمز هستند. ترکیب رنگ‌های متضاد هماهنگ به‌ویژه فعال است، زیرا رنگ‌ها با کیفیت‌های متضادشان متعادل می‌شوند. با این حال، همه رنگ های متضاد هماهنگ نیستند. به عنوان مثال، زرد-قرمز و سبز-آبی رنگ های متضاد ناهماهنگ هستند.

رنگ های آکروماتیک نیز در ایجاد ترکیب لباس نقش دارند: سفید، سیاه، آبی. سیاه و سفید به تنهایی یا در ترکیب به روشنی درک می شوند، زیرا در تضاد با پس زمینه هستند. هر دو - سیاه و سفید - نجیب و سودمند به نظر می رسند. خاکستری در ترکیب با سیاه و سفید دیدنی به نظر می رسد. رنگ سیاه تأثیر زیادی بر رنگی دارد، مخصوصاً در روشنایی متوسط ​​و رنگ‌های قرمز و سبز بسیار اشباع شده: این رنگ‌های رنگی روشن می‌شوند، اشباع آن‌ها افزایش می‌یابد، به نظر می‌رسد که می‌درخشند. سفید، به خصوص سکته های رنگی رنگی، به ترکیب طعمی خاص می بخشد: رنگ ها مطبوع، پاستلی می شوند. رنگ سفید به لباس ظرافت می بخشد.

رنگ‌بندی هماهنگ کت و شلوار نه تنها به ترکیب رنگ‌ها بستگی دارد، بلکه به این بستگی دارد که چه تعداد از این رنگ‌ها گرفته شده است، بافت پارچه چگونه است. با این حال، ترکیب رنگ های توصیه شده را نمی توان به عنوان الزام آور در نظر گرفت.

انتخاب پارچه برای کت و شلوار.

برای لباس صحنه "Sudarushka"، ما کرپ ساتن سفید را برای پیراهن انتخاب کردیم، زیرا رنگ سفید در هر ترکیب رنگی به خوبی می آید و در لباس قدیمی روسی پیراهن همیشه سفید بود.

یک رنگ آبی اشباع برای سارافن و رنگ های مرتبط برای کارهای تکمیلی اصلی انتخاب شد: آبی و آبی روشن.

برای درک احساسی تر از لباس، رنگ های متضاد به دکوراسیون اضافه شد: قرمز و سبز. کمی مشکی اشباع را به کل کت و شلوار اضافه می کند.

انتخاب و توجیه مطالب.

کرپ، کرپ ساتن. نام جمعی همه پارچه‌ها با سطح گره‌دار دانه‌ای که به دلیل پیچاندن نخ، درهم‌آمیزی نخ‌ها، برجسته کردن پارچه به دست آمده است.

کرپ ساتن: بافت ساتن، چین و چروک متوسط، پرده خوب، قابلیت تنفس، رطوبت کم، محافظت در برابر حرارت متوسط. ریزش متوسط ​​مقاومت می کند، زیرا دارای لغزش قوی و انبساط نخ زیاد در درزها است. در سازمان تجارت جهانی، باید رژیم حرارتی را در نظر گرفت، زیرا پارچه از الیاف مصنوعی و مصنوعی ساخته شده است و همچنین دارای سطح صاف براق است که پس از خیس شدن، لکه ها روی آن باقی می مانند.

دارای رنگ آمیزی رنگی خوب پارچه، دارای براقیت بیان شده، رنگ آمیزی قوی است.

تحلیل لباس.

پس از تجزیه و تحلیل لباس های محلی، پیراهن ها، سارافون ها، پونف ها را بررسی کردیم. آنها تصمیم گرفتند برش پیراهن را کهنه بگذارند، اما از مواد مدرن برای تزئین استفاده کنند. سارافون های پهن، پونیوف ها شکلی حجیم دارند و ما نمی خواهیم روی شکل دخترانه تأکید کنیم، ما یک سارافون با بشکه های زیر برش را انتخاب کردیم.

انتخاب مدل

پیراهن: برش پیراهن، آستین بلند، تریم توری.

سارافون: شبح نیمه مجاور، بشکه های زیر برش، تکمیل - کاربردی، قیطان دوزی، روبان ساتن، خاتم اریب.

تکمیل محصول

پیراهن: در امتداد خطوط سوراخ آستین، پایین آستین، یقه، پایان با دوخت توری، آبی.

سارافون: خط وسط جلو، خط پایین - یک نوار آبی از ساتن کرپ آبی. اپلیکه از خط وسط تا پایین دامن متقارن است. تزیینات متضاد با قیطان دوزی، قیطان دوزی، روبان ساتن.

ساخت و ساز

ساخت نقشه پایه یک محصول شانه با آستین یک تکه.

مدلسازی، تهیه الگوهای برش

آستین: از نقطه B2 در امتداد خط B2B5 طول شانه + طول آستین را اندازه بگیرید، از این نقطه یک زاویه قائمه ایجاد کنید. یک خط موازی از نقطه G1 تا محل تقاطع رسم کنید.

گردن: 2 سانتی متر از نقطه B2، 6 سانتی متر از نقطه B4 کنار بگذارید، آنها را با قوس به هم وصل کنید.

الگوها: آستین را از طریق نقاط B1 و G2 ببرید. خطوط B1B6 خط وسط و آستین چین. ما سه قسمت می گیریم: پشت، قفسه، آستین.

سوراخ بازو: 10 سانتی متر از نقطه B2 (عرض شانه) کنار بگذارید. نقطه حاصل را با یک خط صاف به نقطه T وصل کنید.

گردن: از نقطه B2 3 سانتی متر و از نقطه B4 10 سانتی متر کنار بگذارید با یک خط صاف وصل کنید. یقه پشت را 2 سانتی متر عمق دهید.

روی خط سینه از خط وسط الگو، اندازه مرکز سینه را کنار بگذارید. یک خط عمودی در میان نقطه از خط شانه تا خط پایین بکشید.

الگوها: جلو - قسمت میانی 1 قطعه، بشکه - 2 قطعه (برش در امتداد مورب)؛ پشت - قسمت وسط 1 قسمت، بشکه - 2 قسمت.

انبساط در امتداد خط پایین: قسمت های میانی جلو و پشت را در امتداد خط پایین از خط کمر گسترش دهید، جزئیات جانبی را در هر دو طرف گسترش دهید.

تکنولوژی ساخت

پیراهن: درزهای شانه های پشت و جلو را به هم وصل کنید، آنها را با آستین ها وصل کنید و یک درج توری درست کنید. قسمت پایین آستین را با توری جمع شده کوتاه کنید. دوخت پپلم برای نوار کش. یقه را با توری جمع شده به پایان برسانید. در امتداد خط کناری بدوزید، قسمت پایین را با یک درز سجاف با برش بسته پردازش کنید. نوار الاستیک را در امتداد خط پایین آستین قرار دهید.

سارافون: قبل: قسمت وسط را با بشکه ها وصل کنید، یک نوار از پارچه تکمیلی را در امتداد خط وسط جلو بدوزید. اپلیکیشن را با یک نوار تکمیلی در دو طرف بکشید.

پشت: قسمت وسط را با بشکه ها وصل کنید.

جزئیات محصول را به هم وصل کنید، سوراخ های بازو و گردن را با یک تریم مورب قرمز پردازش کنید. قسمت پایین محصول را با یک نوار پارچه تکمیلی درمان کنید. در امتداد خط گردن در امتداد برش های نوارهای تکمیلی با قیطان دوزی، یک روبان ساتن قرمز بدوزید.

محاسبه اقتصادی

قیمت مواد مقدار هزینه

کرپ - ساتن 90 روبل. 3 متر 270 روبل.

دوخت توری 24 روبل. 4 متر 56 روبل

قیطان دوزی 8 مالش. 5 متر 40 روبل

روبان ساتن 4 مالش. 8 متر 32 مالش.

دوبلیرین 50 روبل. 1 متر 50 سانتی متر 75 مالش.

نخ ها (رنگ های مختلف) 10 مالش. 6 کویل 60 مالش.

مجموع: 533 روبل.

ما 533 روبل برای ساخت این لباس هزینه کردیم. جدول نشان می دهد که عمده هزینه ها برای خرید پارچه بوده است. برای اپلیک از فلاپ استفاده شده است که هنگام دوخت سایر محصولات باقی مانده است.

بخشی از دکور که در دست بازیگران است، لباس اوست.
دایره المعارف فرانسوی.

"لباس پوسته دوم بازیگر است، چیزی جدا نشدنی از وجود اوست، نقاب قابل مشاهده تصویر صحنه اوست که باید آنقدر با او ادغام شود تا جدا نشدنی شود..."
A. Ya. Tairov.

تئاتر یک هنر ترکیبی است که به ما اجازه می دهد نه تنها بشنویم، نه تنها تصور کنیم، بلکه نگاه کنیم، ببینیم. تئاتر به ما این فرصت را می دهد که شاهد درام های روانی و مشارکت کننده در کارها و رویدادهای تاریخی باشیم. تئاتر، اجرای تئاتر با تلاش بسیاری از هنرمندان از کارگردان و بازیگر گرفته تا طراح تولید خلق می‌شود، زیرا اجرا «تلفیقی از هنرهای مختلف است که هر کدام در این طرح دگرگون می‌شوند و کیفیت جدیدی پیدا می‌کنند. ...».

لباس تئاتر جزئی از تصویر صحنه ای بازیگر است، اینها نشانه ها و ویژگی های بیرونی شخصیتی است که به تصویر کشیده می شود که به تناسخ بازیگر کمک می کند. ابزار تأثیر هنری بر بیننده. برای یک بازیگر، لباس ماده است، فرمی که از معنای نقش الهام گرفته شده است.

همانطور که یک بازیگر در کلام و اشاره، حرکت و تن صدای خود جوهره جدیدی از تصویر صحنه را خلق می کند، با شروع از آنچه در نمایشنامه آمده است، هنرمند نیز با هدایت همان داده های نمایشنامه، تصویر را به وسیله آن تجسم می بخشد. وسیله هنر او

در طول تاریخ چند صد ساله هنر تئاتر، طراحی منظره پیوسته دستخوش یک دگرگونی تکاملی شده است که نه تنها به دلیل بهبود تکنولوژی صحنه، بلکه به دلیل همه فراز و نشیب‌های سبک و مد دوران مربوطه ایجاد شده است. این به ماهیت ساختار ادبی نمایشنامه، به ژانر دراماتورژی، به ترکیب اجتماعی مخاطب و سطح تکنیک صحنه بستگی داشت.

دوره‌های سازه‌های معماری پایدار دوران باستان جای خود را به مراحل ابتدایی قرون وسطی داد که به نوبه خود جای خود را به تئاترهای دربار سلطنتی با نمایش‌های تجملی خودکفا داد. اجراهایی در پارچه، در مناظر سازنده پیچیده، فقط در طراحی نور، بدون تزئین وجود داشت - روی صحنه برهنه، روی یک سکو، فقط روی یک سنگفرش.

نقش لباس به عنوان یک منظره «متحرک» همیشه غالب بوده است. دیدگاه «رابطه» او با بازیگر، زمان و تاریخ و در نهایت با «شریک» مستقیم - طراحی هنری صحنه تغییر کرد.

در روند پیشرفت پیشروی هنر تئاتر مدرن، نوآوری کارگردانی، دگرگونی روش طراحی هنری، نقش هنر لباس رو به کاهش نیست - برعکس. تئاتر با رشد همتایان جوانتر و انعطاف پذیرتر خود - سینما و تلویزیون - بدون شک در جستجو و عذاب اشکال جدیدی از فنون تماشایی به دست می آورد، دقیقاً آنهایی که از موقعیت تئاتر به عنوان ارزش ماندگار یک مستقل دفاع و تعریف می کنند. فرم هنری. لباس به عنوان متحرک ترین عنصر مناظر تئاتر در این جست و جو رتبه اول را به خود اختصاص داده است.

فرهنگ مدرن و بالای هنر تئاتر، کارگردانی ظریف و عمیق روی نمایش و اجرا، بازیگری با استعداد بازیگران، طراح صحنه و لباسی را که اجرا را طراحی می‌کند، می‌طلبد تا نفوذ ویژه‌ای به دراماتورژی اجرا داشته باشد، تماس نزدیک با جهت. طراحی مدرن توسط قوانین قدیس نیست. در هر مورد خاص فردی و مشخص است. «کار یک کارگردان از کار یک هنرمند جدایی ناپذیر است. ابتدا کارگردان باید پاسخ های خود را برای مشکلات اساسی طراحی صحنه بیابد. هنرمند نیز به نوبه خود باید وظایف محیط را احساس کند و دائماً به دنبال ابزارهای بیانی باشد ... ". لباس تئاتر ابتدا با وسایل بصری، یعنی طرحی خلق می شود.

هر اجرا یا نمایشی که روی صحنه اجرا می‌شود به گونه‌ای طراحی شده است که از جمله چیزهای دیگر، لذت زیبایی‌شناختی را از آنچه دیده است به بیننده برساند. به همین دلیل بسیار مهم است که شخصیت ها را در لباس های تئاتری مناسب بپوشانیم. آن وقت به راحتی می توان روح دوران کار را حس کرد، شخصیت شخصیت ها را گرفت و فقط از زیبایی منظره لذت برد.

لباس های تئاتر از دوران باستان تا امروز

لباس بازیگران از زمان ظهور تئاتر به این شکل و تا به امروز دستخوش تغییراتی شده است:

• آنها سعی می کردند در دوران باستان تصاویر صحنه ای ایجاد کنند و با مواد بداهه آزمایش می کردند. حتی در چین و ژاپن باستان، مشاهده بازیگران با لباس های خاص، به ویژه در نمایش های جشن یا آیینی امکان پذیر بود. در هند، در زمان‌های قدیم، رقصندگان خیابانی نیز برای جلب توجه، ساری‌های درخشان غیرمعمول می‌پوشیدند. و با ظهور هنر نقاشی با رنگ های طبیعی، ساری ها نه تک صدایی، بلکه طرح دار شدند.
• این "تئاتری" است که می توان آن را لباسی نامید که در یونان باستان ظاهر شد. از نقاب های گروتسک، گریم استفاده می شد و رنگ خاص لباس شخصیت ها نشان دهنده جایگاه یا حرفه قهرمان اجرا بود.
• سپس تئاتر اروپایی در دوران فئودالیسم شروع به توسعه کرد، زمانی که نمایش ها به اصطلاح. "رازها" توسط هنرمندان سرگردان - هیستریون ها داده شد. ظاهر شخصیت ها با ظرافت و عناصر غنی دکوراسیون متمایز بود.
• رنسانس، با کمدی های دل آرته اش، با گروتسک مشخص می شود. با کمک لباس، مدل مو و کلاه گیس، سرپوش، کفش، ماسک و آرایش، تصاویر شوخ‌آمیز خلق شد، بر ویژگی‌های ذاتی شخصیت‌های خاص که مورد تمسخر قرار می‌گرفت یا بیننده را به وجد می‌آورد (پرهای فانتزی روی کلاه، شلوارهای رنگارنگ) تأکید شد.
• در قرون بعدی در هر ایالت اروپایی و شرقی تعدادی تئاتر، سالن های موسیقی، اپرا، باله و غیره وجود داشت. لباس‌ها متنوع‌تر شدند، اغلب روح دوران تاریخی، لباس‌های مدرن را منتقل می‌کردند و خود را از سبک‌سازی بیش از حد آزاد می‌کردند. بنابراین، روی صحنه می‌توان هم تصاویر آشنا برای بیننده و هم لباس‌های تاریخی بازسازی‌شده، ظواهر طبیعت‌گرایانه و گریم‌های فانتزی را دید.

لباس تئاتر روسی سزاوار توجه ویژه است. بوفون ها اولین خالقان آن محسوب می شوند. پیراهن های روشن، کتانی با ارسی، کفش های بست، کلاه با زنگ، تکه های روی شلوار - همه این عناصر لباس شبیه لباس های دهقانی بود، اما به شکل طنز اغراق آمیز. یک سالن تئاتر کلیسا وجود داشت که در آن اجرا کنندگان لباس های سفید مانند فرشتگان پوشیده بودند. در تئاترهای مدرسه، شخصیت ها نشان های خاص خود را داشتند. و تحت تزار الکسی میخایلوویچ ، یک تئاتر حرفه ای کار می کرد. بنابراین، عناصر لباس فرمانروایی دارای نشانه هایی از وقار سلطنتی بود، از گلدوزی های سفارشی استفاده می شد، سنگ های گران قیمت و تزئینات نفیس با دست دوخته می شد.

انواع

مرسوم است که سه نوع اصلی لباس را تشخیص دهیم:

1. شخصی.این نوع یک ترکیب بندی فیگوراتیو-پلاستیک است که بخشی مستقیم از کل تصویر مجری نقش است. در کت و شلوار، شکل اغلب کاملاً پنهان است. خود بازیگر آن را به حرکت در می آورد و صداگذاری می کند. بنابراین، برای اپرای پکن، تصاویر یک معبد مقدس یا یک اژدها مشخص بود.
2. بازی.این وسیله ای برای دگرگونی ظاهر هنرمند و عنصر مهم بازی او است. تغییر شخصیت‌ها در کنش‌های آیینی و فولکلور توسط شخصیت اغلب مبنایی در استفاده از گروتسک و پارودی داشت، برای مثال، زمانی که مردان جوان لباس دخترانه می‌پوشیدند.
3. مثل لباس شخصیت.این یکی از اصلی ترین در اجراهای مدرن است که اغلب دقیقاً شبیه لباس های سنتی یک دوره خاص از عمل در تولید است. بر اساس چنین کت و شلواری، دو نوع فوق ایجاد می شود.

ویژگی های خیاطی

خیاطی لباس صحنه یک فعالیت نسبتا پیچیده و خلاقانه است. انتخاب مواد، لوازم جانبی مناسب، ایجاد گلدوزی و در صورت لزوم ضروری است. لباس تئاتر باید شرایط زیر را داشته باشد:

• تجسم دوران با دقت، با در نظر گرفتن ویژگی های تاریخی، قوم نگاری، ملی اثر و شخصیت ها.
• هدف کارگردان برای بیان ماهیت شخصیت شخصیت را مطابقت دهید.
• جلوه دادن به تصویر بازیگر در چشم بیننده.
• خوب است مطابق شکل صاحبش بنشیند.
• راحتی پوشیدن لباس (به ویژه برای رقصندگانی که در اجراها شرکت می کنند).

از آنجایی که طراح صحنه و لباس یک لباس تئاتر را برای یک نقش خاص و یک بازیگر خاص انتخاب می کند، لازم است آن را مطابق با معیارها تنظیم کند. برای این کار بهتر است به متخصصان مراجعه کنید. کارخانه خیاطی یک تولید خیاطی در مسکو و منطقه مسکو است، در اینجا می توانید خیاطی لباس برای اجرا، اپرا و باله را سفارش دهید. بهترین مواد انتخاب می شود و از فناوری های مدرن دوخت استفاده می شود.

تئاتر یک شکل هنری مصنوعی است که به ما امکان می دهد نه تنها بشنویم، نه تنها تصور کنیم، بلکه نگاه کنیم و ببینیم. تئاتر به ما این فرصت را می دهد که شاهد درام های روانی و مشارکت کننده در کارها و رویدادهای تاریخی باشیم. تئاتر، اجرای تئاتر با تلاش بسیاری از هنرمندان از کارگردان و بازیگر گرفته تا طراح تولید خلق می‌شود، زیرا اجرا «تلفیقی از هنرهای مختلف است که هر کدام در این طرح دگرگون می‌شوند و کیفیت جدیدی پیدا می‌کنند. ...”

لباس تئاتر جزئی از تصویر صحنه ای بازیگر است، اینها نشانه ها و ویژگی های بیرونی شخصیتی است که به تصویر کشیده می شود که به تناسخ بازیگر کمک می کند. ابزار تأثیر هنری بر بیننده. برای یک بازیگر، کت و شلوار ماده است، فرمی الهام گرفته از معنای نقش.

همانطور که یک بازیگر در کلام و اشاره، حرکت و تن صدای خود جوهره جدیدی از تصویر صحنه را خلق می کند، با شروع از آنچه در نمایشنامه آمده است، هنرمند نیز با هدایت همان داده های نمایشنامه، تصویر را به وسیله آن تجسم می بخشد. وسیله هنر او

در طول تاریخ چند صد ساله هنر تئاتر، طراحی منظره پیوسته دستخوش یک دگرگونی تکاملی شده است که نه تنها به دلیل بهبود تکنولوژی صحنه، بلکه به دلیل همه فراز و نشیب‌های سبک و مد دوران مربوطه ایجاد شده است. این به ماهیت ساختار ادبی نمایشنامه، به ژانر دراماتورژی، به ترکیب اجتماعی مخاطب و سطح تکنیک صحنه بستگی داشت.

دوره‌های سازه‌های معماری پایدار دوران باستان جای خود را به مراحل ابتدایی قرون وسطی داد که به نوبه خود جای خود را به تئاترهای دربار سلطنتی با نمایش‌های تجملی خودکفا داد. اجراهایی در پارچه، در مناظر سازنده پیچیده، فقط در طراحی نور، بدون تزئین وجود داشت - روی صحنه برهنه، روی یک سکو، فقط روی یک سنگفرش.

نقش لباس به عنوان یک منظره «متحرک» همیشه غالب بوده است. دیدگاه «رابطه» او با بازیگر، زمان و تاریخ، و در نهایت، با «شریک» بلافصلش - طراحی هنری صحنه، تغییر کرد.

در روند پیشرفت پیشروی هنر تئاتر مدرن، نوآوری کارگردانی، دگرگونی روش طراحی هنری، نقش هنر لباس رو به کاهش نیست - برعکس. تئاتر با رشد همتایان جوان تر و انعطاف پذیرتر خود - سینما و تلویزیون - بدون شک در جستجو و عذاب اشکال جدیدی از تکنیک های تماشایی را به دست می آورد، دقیقاً آنهایی که از موقعیت تئاتر به عنوان ارزش ماندگار یک هنر مستقل دفاع و تعریف می کنند. فرم. لباس به عنوان متحرک ترین عنصر مناظر تئاتر در این جست و جو رتبه اول را به خود اختصاص داده است.

فرهنگ مدرن و بالای هنر تئاتر، کارگردانی ظریف و عمیق روی نمایشنامه و اجرا، بازی با استعداد بازیگران، هنرمندی را که اجرا را طراحی می‌کند، می‌طلبد که نفوذ ویژه‌ای به دراماتورژی اجرا داشته باشد، تماس نزدیک با جهت. طراحی مدرن توسط قوانین قدیس نیست. در هر مورد خاص فردی و مشخص است. «کار یک کارگردان از کار یک هنرمند جدایی ناپذیر است. ابتدا کارگردان باید پاسخ های خود را برای مشکلات اساسی طراحی صحنه بیابد. هنرمند نیز به نوبه خود باید وظایف تنظیم را احساس کند و پیگیرانه به دنبال ابزارهای بیانی باشد ... "

لباس تئاتر ابتدا با وسایل بصری، یعنی طرحی خلق می شود.

ارسال کار خوب خود در پایگاه دانش ساده است. از فرم زیر استفاده کنید

دانشجویان، دانشجویان تحصیلات تکمیلی، دانشمندان جوانی که از دانش پایه در تحصیل و کار خود استفاده می کنند از شما بسیار سپاسگزار خواهند بود.

• 3
• 2. لباس تئاتر باستانی 5
• 7
• 9
• 5. لباس تئاتر اروپا از شانزدهمکه در. تا دوران مدرن 13
• 17

1. لباس تئاتر چیست؟

تئاتر نوعی هنری است که بدون تماشاگر نمی تواند وجود داشته باشد، بنابراین همه چیز در آن برای یک اثر بیرونی طراحی شده است. لباس تئاتر (به همراه سبیل و ریش کاذب، کلاه گیس، لوازم آرایشی، ماسک) بخشی از گریم تئاتر است. گریم (از فرانسوی "grimer" - "نقاشی چهره") هنر تغییر ظاهر یک بازیگر برای یک نقش معین و ابزار لازم برای این کار است.

تئاتر (و گریم همراه با آن) در اعماق آیین جادویی ترکیبی دوران باستان متولد شد. مردم در آن نیروی شفابخشی می دیدند که بدن را از احساسات مختلف پاک می کند.

همه مردم جهان از زمان های قدیم دارای تعطیلات مرتبط با چرخه های سالانه مرگ و تولد دوباره طبیعت هستند. این تعطیلات به تئاتر جان داد.

یونانیان باستان خدای جوان دیونیسوس را دوست داشتند و به آن احترام می گذاشتند. خدای برتر - زئوس - آنها فقط هر چهار سال یک بار (بازی های المپیک) را گرامی داشتند. آتنا - هر دو سال یک بار؛ آپولو - هر دو سال یک بار؛ اما دیونیسوس سه بار در سال. این قابل درک است: دیونوسوس خدای شراب سازی بود.در ماه مارس مردم از تمام شهرهای یونان به آتن به دیونیزیای بزرگ آمدند. در طول هفته، آنها معامله کردند، اتحادهای سیاسی انجام دادند و فقط سرگرم شدند.

تعطیلات با واردات یک دیونیسوس چوبی در یک قایق روی چرخ آغاز شد. این قایق را یک گروه کر متشکل از ساتیرزها همراهی می کردند. بنابراین ظاهر این ایزد همیشه با آراستن و لباس های کارناوال همراه بوده است.

اوج تعطیلات در روز سوم فرا رسید. در این روز حیوانات نر برای دیونیزوس قربانی شدند ، زیرا او که از ران زئوس متولد شده بود با یک اصل کاملاً مردانه همراه بود. قربانیان می توانند خروس، گاو نر، اما اغلب بزها باشند. هنگامی که چنین "بزغاله" کشته شد، آنها یک "آواز بز" غمگین را خواندند - یک تراژدی. سپس سبدی با روده و فالوس بز را به مزرعه بردند تا زمین را بارور کند و به تدریج با شرابی که به دیونوسوس اختصاص داده شده بود مست شد. در بازگشت به خانه، حاملان سبد شخصی (مثلاً یک سیاستمدار محلی) را سرزنش کردند. با ورود به شهر، کوموس (روده بز) را نزدیک خانه آن مرد آویزان کردند. این عمل، این جمعیت و آن آهنگ های شاد. که او می خواند، کوموس ("عشق") نامیده می شد. کمدی از اینجا می آید. درست است، نسخه های دیگری از ظهور تئاتر وجود دارد.

در مورد لباس های شرکت کنندگان در تعطیلات، مشخص است که آنها پوست حیوانات بودند (برای شباهت بیشتر به ساترهای پا بز). بعدها به لطف رقابت شاعران روی صحنه، آهنگ های تراژیک و طنز به ژانرهای مستقل تئاتر تبدیل شدند.

2. لباس تئاتر باستانی

سال رسمی تولد تئاتر باستانی 534 قبل از میلاد است. e .. زمانی که تراژدی Thespides برای اولین بار در Dionysia بزرگ به صحنه رفت.

در آن زمان، لباس تئاتر از قبل بسیار متفاوت از روزمره بود. این هنرمند که در ابتدا تنها یک سال بود با لباسی باشکوه و درخشان روی صحنه رفت. روی صورت او ماسکی بود که به یک کلاه گیس متصل بود و مجهز به تشدید کننده صدای فلزی بود که در دهان قرار داشت. ماسک سوراخ برای چشم داشت. این بازیگر کفش های کوتورنی را روی یک سکوی بلند پوشید. همه اینها برای دور بودن بیننده محاسبه شده بود، زیرا تئاتر روباز یونان می توانست تا 17000 نفر را در خود جای دهد. یک لباس روشن، یک ماسک بزرگ، یک کفش بلند باعث می شد که مجری را بهتر ببینیم. تشدید کننده صدا را تقویت می کرد (اگرچه آکوستیک در تئاترهای باستانی به گونه ای بود که کلمه ای که در مرکز صحنه به زمزمه گفته می شد به ردیف های آخر می رسید).

تا هفتاد نوع مختلف ماسک وجود داشت. آنها همچنین ضروری بودند زیرا همه نقش ها توسط مردان بازی می شد. این بازیگر هنگام بازی در نقشی جدید و زمانی که تغییر در روحیه شخصیت خود را به بیننده نشان داد، در حین بازی، ماسک را تغییر داد. نقاب ها بیانی معمولی از شادی، غم، کلاهبرداری و غیره را نشان می دادند. آنها از چوب یا گچ ساخته می شدند و سپس رنگ می شدند.

نماد رنگ نقش مهمی ایفا کرد. حاکمان ردای بنفش داشتند: زنانشان سفید بودند. تبعیدیان سیاه یا آبی هستند. مردان جوان قرمز هستند. زنان معمولی زرد هستند. گیرنده ها رنگارنگ هستند

لباس ها با ویژگی های دائمی همراه بود تا مخاطب راحت تر شخصیت را بشناسد. فرمانروا عصایی داشت، سرگردان عصایی داشت، دیونوسوس شاخه ای گلدار از پلاس (تیرسوس)، آپولون تیر و کمان داشت، زئوس صاعقه داشت و غیره.

به لطف لباس‌های بلند و کفش‌های بلند، بازیگران غم‌انگیز به نظر می‌رسیدند و به آرامی حرکت می‌کردند. کمدین ها لباس های کوتاه تر و تنگ تر را ترجیح می دادند. به تصویر کشیدن ساتیرها و سیلنی ها به پشت دم اسبی چسبیده بودند، ماسک حیوانی (یا شاخ) می گذاشتند و این آرایش آنها را خسته می کرد. چنین لباس هایی به آنها اجازه می داد آزادانه در اطراف صحنه بپرند. در رم، ژانرهای سبک بیشتر دوست داشتند و تراژدی ها کمدی را ترجیح می دادند. در آنجا پانتومیم وارد صحنه شد. اجرای سیرک بسیار محبوب بود. تماشاگران به راحتی phlyaks (از یونانی "phlyax" - "شوخی") - تقلید از تراژدی ها و کمدی ها را درک می کنند. الگوهای رفتاری - صحنه های کوچک در موضوعات روزمره. atellani - بداهه های خنده دار.

لباس به لباس های روزمره نزدیک تر شده است. درست است، نماد رنگ هنوز حفظ شد. دیگر در میم ها ماسکی وجود نداشت و تماشاگران می توانستند حالات چهره بازیگران را مشاهده کنند. نه تنها مردان، بلکه زنان نیز در این اجراها بازی می‌کردند که باعث افزایش لحظات اروتیک و بهانه‌هایی برای استریپتیز عمومی شد.

لباس تئاتر یونانی-رومی در زمان‌های بعد همچنان بر لباس صحنه تأثیر گذاشت.

3. لباس تئاتر قرون وسطی اروپا

در قرون وسطی، مردم سرگرمی های دوران باستان را فراموش نمی کردند و تقریباً هر تعطیلات مسیحی با یک نمایش دلقک از درون همراه بود: تاج - شوخی، کلاه - پادشاه.

هیستریون ها در اروپا پرسه می زنند (از لاتین "histrio" - "بازیگر") که در فرانسه به آنها شعبده باز و در انگلیس - خنیاگر می گویند. در آلمان - shpilmans، و در روسیه - buffons. آنها تئاتر یک بازیگر هستند، چون می دانند چگونه بازی کنند، آواز بخوانند. روی طناب راه رفتن، شعبده بازی. لباس این افراد برای آکروباتیک راحت بود: لئوتارد، کفش نرم، تونیک کمربند کوتاه، ولگردها در کنار هیستریون ها سفر می کردند - "ولگردها": دانش آموزان نیمه تحصیل کرده، حوزویان، کشیشان-راشتریگی. مرزها به این شکل هنوز وجود نداشتند و زبان ها از یک مبنای واحد خیلی دور نبودند که درک آن را در همه جا ممکن می کرد. لباس Vagants با لباس روزمره یک فرد قرون وسطایی تفاوتی نداشت.

Vagants نمایش های سرگرم کننده ای را اجرا کردند - comu، که در آن کلیسا در تصویر مادر احمق مورد تمسخر قرار گرفت، به همین دلیل نمایندگان مذهب رسمی هنرمندان را مورد آزار و اذیت قرار دادند.

با این حال، کلیسا همچنین نیاز به افزایش تماشای "بازنمایی" خود داشت، بنابراین یک نمایش مذهبی درست در داخل معبد به وجود می آید. قسمت هایی از کتاب مقدس توسط خود کشیش ها با لباس هایشان به صحنه می رفت. اما هر چه لحظه بازی در این تولیدات بیشتر می‌شد، آنها در دیوارهای کلیسا «بی‌شایسته‌تر» می‌شدند. بنابراین اجرا ابتدا به ایوان و سپس به میدان منتقل شد. یک ژانر جدید ظاهر شد - معجزه ("معجزه") که نشان دهنده وقایع معجزه آسای مریم باکره و عیسی است. بر اساس معجزه، یک راز ("راز") ظاهر می شود - یک اقدام نمایشی، که از راه دور با داستان کتاب مقدس مرتبط است.

شخصیت های اسرار می توانند نه تنها مریم باکره، عیسی و پیامبران کتاب مقدس، بلکه شیاطین، شیطان و مردمان عادل شهر نیز باشند. بنابراین، لباس متنوع تر شد. مسیح، رسولان، انبیا در لباس روحانیت عمل می کردند. و خود اجرا کنندگان این نقش ها می توانند کشیش یا راهب باشند (این ممنوع نبود). بازرگانان، صنعتگران و قهرمانان دیگر لباس های مردم شهر زمان خود را داشتند. شخصیت‌های خارق‌العاده با لباس‌های پیچیده با ویژگی‌های ضروری مانند شاخ، دم و پوست گرگ یا قوچ برای شیاطین پوشیده شده‌اند. بیماری های شخصی شده (طاعون، آبله)، گناهان (شکم پرستی، چاپلوسی)، فضایل (راستی، امید) می توانند نقاب داشته باشند.

با این حال، اغلب هیچ لباس خاصی ساخته نمی شد (و همچنین مناظر). کتیبه های «بهشت»، «جهنم»، «خدای پدر» و ... کاملاً کافی بود.

نور مقوله اصلی زیبایی شناسی قرون وسطایی بود، بنابراین مهم ترین شخصیت های الهی در لباس های سفید و براق و فرزندان شیطان سیاه پوش بودند. ورا لباس سفید پوشیده بود. امید سبز است عشق قرمز است

همانطور که در لباس تئاتر باستانی، قهرمانان صفات ثابتی داشتند: ایمان یک صلیب داشت، امید یک لنگر داشت، عشق یک قلب یا گل رز داشت، بخل یک کیف پول داشت، لذت یک پرتقال داشت، چاپلوسی یک دم روباه داشت.

با گذشت زمان، لباس تئاتر بیشتر و بیشتر شبیه یک لباس معمولی خانگی شد و لباس خانگی بیشتر جنبه نمایشی پیدا کرد.

4 لباس تئاتر کشورهای جنوب شرقی آسیا

تلفیق فرهنگ بدوی (تفکیک ناپذیری انواع مختلف فعالیت های فرهنگی) در شهرهای جادویی خود را نشان داد، جایی که رقص ها، موسیقی، نقاشی، نمایش های تئاتر و غیره در اعماق اسطوره ها در کنار یکدیگر وجود داشتند. ه. رقص و پانتومیم بخشی از پرستش خدایان در هند باستان بود. حماسه های "مهاب هاراپ" و "رامایانا" که در هزاره اول قبل از میلاد ظاهر شدند. ه.، اساس تئاتر کلاسیک هند و کشورهایی را تشکیل داد که هندوئیسم در آنها وجود دارد، زیرا این حماسه ها کتاب های مقدس این دین هستند. در اشکال مختلف (تئاتر واقعی، تئاتر عروسکی، تئاتر سایه، باله) تولیدات قسمت های مهابهاراتا و رامایانا هنوز وجود دارد. و اکنون از لباس‌ها، ماسک‌ها یا آرایش ماسک‌مانند بسیار روشن و گران‌قیمت استفاده می‌کنند. هیچ منظره ای وجود ندارد، همه چیز در آغوش طبیعت باشکوه اتفاق می افتد.

در چین، تئاتر نیز از عناصر رقص و آکروباتیک که بخشی از مراسم مقدس بود، توسعه یافت. در قرن‌های 7-10، رقص‌هایی با موضوعات تاریخی و قهرمانانه همراه با میان‌آهنگ‌های نمایشی کوچک گسترش یافت. برای اولین بار، لباس های ویژه تئاتر ظاهر شد.

در قرن سیزدهم تا چهاردهم، تئاتر چینی به شکل زاجو به اوج خود رسید. این اجرای ترکیبی شامل موسیقی، آواز، رقص و آکروبات بود.

هیچ منظره ای وجود نداشت، بنابراین بازی بازیگران و ظاهر آنها از اهمیت ویژه ای برخوردار بود. همه نقش ها را مردان بازی می کردند. رقت انگیزترین صحنه ها به صورت اسلوموشن پخش شد.

همه جنبش ها به شدت مقدس شدند. خود بازیگران در مورد خود به عنوان قهرمان صحبت کردند، زمان و مکان عمل را تعیین کردند.

در قرون بعدی زاجو نمرده، بلکه به اشکال مختلف تبدیل شده است. مانند قبل، وسایل کمی روی صحنه وجود دارد، و آنچه وجود دارد به صورت چندکاره استفاده می شود: میز هم کوه است، هم یک محراب، و هم یک عرشه مشاهده. پرچم های سیاه نماد باد، پرچم های قرمز آتش، و غیره نماد رنگ در آرایش و لباس استفاده می شود: قرمز شجاعت، سفید پستی، زرد رنگ امپراتور است.

در ژاپن انواع مختلفی از نمایش های تئاتری نیز توسعه یافته اند که تا به امروز باقی مانده اند. Kan'ami Kpetsugu و پسرش Zeami در اواخر قرن 14 و 15 تئاتر Noh را از تعداد آهنگ و رقص متفاوت ایجاد کردند. آنها خودشان بازیگر، کارگردان صحنه، نویسنده و آهنگساز بودند (و زمی همچنین یک نظریه پرداز بدون تئاتر بود). کار آنها در زمانی به وجود آمد که شیوه زندگی ژاپنی ها به طور قابل توجهی نمایشی بود: افراد کم سن و سال فرمانروا شدند و مانند همه نوپایان به ویژه به این آیین پایبند بودند. ولع تماشایی باعث برگزاری مراسم عظیم چای یا جشن های تحسین برانگیز شکوفه های گیلاس شد (که به خودی خود پوچ است، زیرا این برای ژاپنی ها چیزی بسیار شخصی است). اجرای تئاتر نو به یکی از اجباری مراسم و پذیرایی ها تبدیل شده است. اغلب اجراهای چند ساعته (و حتی چند روزه) با موضوعات تاریخی و قهرمانانه شروع به تغییر مسیر رویدادهای واقعی (مثلاً دوره یک تعطیلات) کردند. حاکمان به تصاویر قهرمانان صحنه عادت کردند. و شوگون (دیکتاتور نظامی) تویوتومی هیدیوشی از یکی از طرفداران پر و پا قرص تئاتر نو به بازیگر آن تبدیل شد و در سال 1593 طی اجرای سه روزه به افتخار تولد پسرش در ده نمایش به برتری رسید. خودش بازی کرد.

تئاتر نو دارای ویژگی هایی است که قبلاً به آنها اشاره شد: کمبود صحنه، کندی حرکات در مکان های مهم اجرا، بازیگران مرد. صحنه ها قبل از تصویر درخت کاج بر روی پس زمینه طلایی آشکار شد. تصویر یک کاج به باستانی ترین نمادهای جادویی کشاورزی برمی گردد و طلا شخصیت خورشید و الهه آماتراسو را نشان می دهد. علاوه بر این، چنین پس زمینه ای نماد ادغام با طبیعت بود، به ویژه از آنجایی که اقدامات می توانست فراتر از صحنه رفته و در فضای واقعی یک پذیرایی یا تعطیلات ادغام شود.

لباس بازیگر تا قرن هفدهم. با لباس خانگی اشراف تفاوتی نداشت (بعدها با توجه به حکاکی ها و نمونه های قرون XIV-XV شروع به ساخت شد). یک سنت وجود داشت - دادن لباس های گران قیمت به بازیگران (مخصوصاً در زمان حاکم تئاتر تویوتومی هیدیوشی) گسترش یافت. در نتیجه، تئاتر نو نیز به موزه ای از لباس های مجلل تبدیل شد. در حال حاضر قدیمی ترین لباسی که در تئاتر نگهداری می شود، لباس شوگان قرن 15 است.

در سال 1615، حاکم Ieyasa Totkugawa آیین نامه ای را برای تنظیم رنگ و کیفیت پارچه ها صادر کرد. ممنوعیت مواد گران قیمت تئاتر نو را نیز تحت تأثیر قرار داد. کارگردانان شروع به جستجوی یک بیان فیگوراتیو متفاوت کردند، که دیگر به دلیل لباس های گران قیمت نبود. پارچه لباس به کتابی نمادین تبدیل شد که می‌توان آن را با اطلاعات پر کرد. اکنون لباس متعارف تلطیف شده تئاتر No تصویری مشخص را نشان می دهد. همه چیز در آن نمادین است - از برش گرفته تا گلدوزی.

رنگ نقش مهمی دارد. سفید به معنای اشراف، قرمز متعلق به خدایان و زیبایی ها، آبی کم رنگ با متانت، قهوه ای به معنای کم تولد است.

مردان در تئاتر نو بازی می کنند، بنابراین ماسک ها و طرفداران مهم هستند. اندازه، رنگ آمیزی، الگوی، حرکت فن شخصیت را مشخص می کند. ماسک ها ساده اما بسیار شیک هستند. آنها از سرو ساخته می شوند، آماده شده و سنباده می شوند. ماسک روی کلاه گیس پوشیده می شود و با کراوات بسته می شود. کوچکترین تغییر در نور یا زاویه جلوه جدیدی به آن می دهد. ماسک هایی با جنسیت، سن، شخصیت و حتی موجودات خارق العاده مختلف وجود دارد.

5. لباس تئاتر اروپا از قرن شانزدهم. تا دوران مدرن

در دوران رنسانس، اولین گروه های دائمی که به صورت حرفه ای کار می کردند در اروپا ظاهر شدند. آنها سرگردان هستند یا به یک مکان میخکوب می شوند. مردم خندیدن را بیشتر از گریه کردن دوست دارند، بنابراین بازیگران نور، تولیدات کمیک، مسخره‌ها و پارودی‌ها را اجرا می‌کنند. کمدین های سرگردان سنت های قرون وسطایی را ادامه دادند و (مانند کل فرهنگ رنسانس) به میراث باستانی روی آوردند. اول از همه، چنین گروه هایی در ایتالیا به وجود آمدند. آنجا بود که تئاتر کمدیا دل «آرته» یعنی «کمدی نقاب ها» ظاهر شد.

در commedia dell'arte یک مناظر وجود داشت - یک خیابان شهر. هیچ طرح دائمی وجود نداشت: رئیس گروه (کاپوکومیکو) آن را پرسید و بازیگران مانند آتلانی باستان بداهه می گفتند. آن ترفندها و سخناني كه باعث اقبال عمومي شد، تكرار و تثبيت شد. این عمل حول محور عشق جوان می چرخید که پیران مانع آن می شدند و خدمتکاران کمک می کردند.

مهمترین نقش در کمدی را نقاب بازی می کرد. یک ماسک سیاه می تواند کل صورت یا بخشی از آن را بپوشاند. گاهی دماغ چسبیده یا عینک احمقانه بود. نکته اصلی ایجاد یک چهره معمولی است که به یک کاریکاتور اشاره می کند.

دو شرط برای لباس وجود داشت: راحتی و طنز. بنابراین از یک طرف شبیه لباس هیستریون های قرون وسطایی بود و از طرف دیگر با جزئیات خنده دار مشخصه تکمیل شد.

به عنوان مثال، پانتالون - یک تاجر خسیس - همیشه با کیف پول خود بود. لباس‌های او شبیه لباس‌های بازرگانان ونیزی بود: ژاکتی که با ارسی بسته شده بود، شلوار کوتاه، جوراب ساق بلند، مانتو و کلاهی گرد. اما یک روز این هنرمند با شلوار گشاد قرمز روی صحنه رفت، تماشاگران این جزئیات مشخص را پسندیدند. در نتیجه پانتالون و شلوارش آنقدر در ذهن مردم ادغام شدند که به مرور زمان نام رایج کت و شلوار برای لباس زیر زنانه از یک نام شخصی شکل گرفت.

دکتر - یکی دیگر از قهرمانان کمدیا دل آرته - تقلید یک دانشمند را ارائه کرد و با لباس مشکی آکادمیک با یقه توری و سرآستین بیرون رفت. در دستانش همیشه طومارهای کاغذی روی سرش بود - یک کلاه پهن.

کاپیتان، یک ماجراجوی نظامی، چکمه‌های شکوفه‌دار، چکمه‌های روی زانو با خارهای بزرگ، شنل کوتاه و کلاهی با پر پوشیده بود. ویژگی دائمی او یک شمشیر چوبی بود که مطمئناً در صورت نیاز در غلاف گیر می کرد.

پرشمارترین و متنوع ترین شخصیت ها خدمتکاران (زانی) بودند، زیرا آنها بودند که به عنوان "موتورهای پیشرفت" در یک درگیری عشقی عمل کردند. پولسینلا بینی قلابی بزرگی داشت. هارلکین دارای تکه های زیادی است که به مرور زمان آنها را به شکل شطرنجی درآورده بودند، پیررو یک پیراهن سفید پهن با یقه برش و شلوار بلند دارد. بریگلا یک بلوز سفید پهن و شلوار همسان دارد.

این تئاتر فولکلور، به لطف طرح‌های سبکش، بسیار محبوب‌تر از تئاترهای شکسپیر یا لوپ دو وگا بود که بیشتر به تماشایی ترجیح نمی‌دادند، بلکه به عمق محتوا ترجیح می‌دادند. به عنوان مثال، برای آثار لوپه د پگا، حتی نام "کمدی های شنل و شنل" ظاهر شد، زیرا هنرمندان واقعاً در آنها فقط در لباس های روزمره مدرن برای نویسنده بازی می کردند.

به موازات گروه‌های سرگردان، تئاترهای درباری نیز وجود داشت که تعداد لباس‌هایشان به صدها نفر می‌رسید و به دلیل هزینه‌های بالایشان متمایز بودند. آنها جدا از اجرای نمایش به نمایش درآمدند.

در قرن هفدهم تا هجدهم، توسعه لباس تئاتر کاهش یافت. حرف به میان می آید، دیالوگ ها تمام توجه مخاطب را به خود جلب می کند. در صحنه، از یک لباس خانگی استفاده می شود، بدون تاریخ گرایی. این کت و شلوار شیک معمول آن زمان است. درست است، در نمایشنامه شما یک خدمتکار ژنده پوش یا یک چوپان بد لباس نخواهید دید. لباس نجیب است. این نتیجه تئاتری شدن زندگی است. تئاتر چنان عمیقاً در زندگی روزمره جا افتاده است که مرز "تئاتر - لباس روزمره" پاک می شود. لازم به ذکر است که در قرون XVII-XVIII، لباس تئاتر اغلب مد را تعیین می کند (که قبلاً در فصل های قبلی ذکر شده است). بازیگران نسبت به دیگران بهتر و ولخرج‌تر لباس می‌پوشیدند. در قرن هفدهم برای Monsieur a la fashion، صندلی های ویژه تماشاگران روی صحنه چیده شده بود، جایی که آنها نه تنها اجرا را تماشا می کردند، بلکه در مورد هنرمندان و لباس هایشان بحث می کردند.

در قرن های 17-18، ژانرهای مصنوعی شکوفا شد: اپرا، باله، سیرک (اگرچه قبلا شناخته شده بودند). این ژانرها شامل اکشن دراماتیک، بدلکاری، موسیقی، آواز، و گریم روشن و به یاد ماندنی است. ژانرهای مصنوعی عناصر زندگی روزمره را جذب می کنند. به عنوان مثال، رقص رقص رقص رقص کانکان (کانکان فرانسوی) با پرتاب بالا و مشخصه پاها در حدود دهه 70 قرن 18 به وجود آمد. به تدریج، به بخشی جدایی ناپذیر از اپرت تبدیل می شود - یک ژانر کمدی موزیکال و رقص.

در قرن نوزدهم، علاقه به تاریخ در تمام زمینه های فرهنگی احیا شد. به لطف یافته‌های باستان‌شناسی و ادبی، آشنایی بیشتر با لباس‌های دوران باستان امکان‌پذیر شد، بنابراین در نمایش‌های تاریخی برای اولین بار تلاش می‌شود لباس‌های اصلی گذشته بازتولید شود.

توسعه رئالیسم انتقادی به عنوان یک روش هنری و راهی برای درک جهان منجر به این واقعیت می شود که دیگر در صحنه، زنان دهقان را در لباس های پینیار و خدمتکاران نشاسته ای نخواهید دید. چنین وسایلی در تئاتر ظاهر می شود که قبلاً در جامعه مؤدب با صدای بلند از آنها صحبت نمی شد. جستجو برای اشکال جدید بیان منجر به آرایش طبیعت گرایانه می شود. در اینجا چیزی است که V. A. Gilyarovsky در مقالات خود در مورد مسکو و مسکوئی ها می نویسد:

"در سال 1879، پسری در پنزا با آرایشگر تئاتر شیشکوف، دانش آموز میتیا کوچک بود. او مورد علاقه کارآفرین پنزا V.P. Dalmatov بود، که فقط به او اجازه می داد موهایش را لمس کند و به او آرایش می داد. "یادداشت های یک دیوانه" را روی صحنه برد. و به میتیا دستور داد که یک کلاه گیس تهیه کند که یک مثانه گاوی خیس را به اجرا آورد و شروع به گذاشتن آن روی موهای مرتب دالماتوف کرد ... بازیگران با گریه بازیگر به سمت رختکن دویدند.

- تو هنرمند بزرگی هستی، واسیلی پانتلیمونوویچ، اما بگذار من یک هنرمند کار خودم باشم! - پسر در حالی که سرش را به سمت V.P. Dalmatov بلند کرد، خود را توجیه کرد. - فقط آن را امتحان کنید!

V.P. Dalmatov سرانجام موافقت کرد - و چند دقیقه بعد حباب کشیده شد، در بعضی جاها چرب شد و چشمان B.P. Dalmatov از لذت می درخشید: یک جمجمه کاملاً برهنه با چشمان سیاه و آرایش رسا او تأثیر قوی گذاشت.

در آغاز قرن 19 و 20، روند مدرنیسم شکل‌های جدیدی از لباس‌های تئاتر را به وجود آورد. لباس ها تلطیف شده و به نماد تبدیل می شوند. اروپایی ها تئاترهای شرق را کشف کردند که در لباس صحنه منعکس شد.

در سالهای اول پس از انقلاب اکتبر، لباس تئاتر به طور کامل ناپدید شد، "کلاس" جایگزین آن شد، زیرا بازیگران "کارگران کار تئاتر" هستند.

کم کم همه چیز به حالت عادی برگشت و لباس تئاتر دوباره به صحنه بازگشت. علاوه بر این، در قرن XX. منظره جدیدی مانند تئاتر مد وجود داشت. نمایش های مدل به نمایش های درام موزیکال تبدیل شده است. بنابراین لباس خانگی در نهایت آشکارا با تئاتر "ازدواج" کرد.

فهرست ادبیات استفاده شده

2. Gelderod M. de. تئاتر: شنبه: پر. از fr. / پس از آخر. L. Andreva, p. 653-694

3. نظر دهید. S. Shkunaeva; هنری N. Alekseev. -م.: هنر، 2003. -717 ص.

4. De Filippo E. Theatre: نمایشنامه ها: Per. با آن. /بعد. L. Vershinina، ص. 759-775; هنری N. Alekseev. -م.: هنر، 2007. -775 ص.

اسناد مشابه

ویژگی های لباس تئاتر. الزامات طرح او تجزیه و تحلیل تصویر یک انسان؛ تکنیک ها و ابزارهای مورد استفاده در منابع گرافیکی. استفاده از تکنیک های گرافیکی لباس تئاتر در توسعه یک مجموعه لباس.

مقاله ترم، اضافه شده در 2013/09/28


خصوصیات آنتروپومرفولوژیکی شکل. تحلیل لباس تاریخی ویژگی های کت و شلوار مردانه. دلیل انتخاب مدل پایه تحلیل هنری و ترکیبی مدل های آنالوگ. محاسبه و ساخت نقشه های محصول طراحی شده.

مقاله ترم، اضافه شده در 2015/04/28


لباس به عنوان یک موضوع تحلیل اجتماعی-فرهنگی: تاریخچه توسعه، معنا، نقش، کارکردها و گونه شناسی. شرح جنبه های نشانه شناختی لباس، ویژگی ها، لوازم جانبی، مبنای اجتماعی و روانی. تجزیه و تحلیل نمادگرایی لباس شیک پوش.

پایان نامه، اضافه شده در 2010/01/24


مفهوم هنر تزئینی به عنوان وسیله ای برای بیان هنر نمایشی. ابزار اصلی بیان هنر تئاتر: نقش منظره، لباس، گریم در آشکار ساختن تصویر شخصیت ها، طراحی بصری-اپتیکی اجرا.

کار کنترل، اضافه شده در 12/17/2010


تاریخچه لباس اروپایی قرن نوزدهم. تفاوت بین سبک امپراتوری و کلاسیک ویژگی های ترکیب لباس. ایده آل زیبایی شناختی زیبایی انواع اصلی لباس، راه حل های طراحی آن. لباس مهمانی، کفش، کلاه، مدل مو، جواهرات.

مقاله ترم، اضافه شده در 2013/03/27


ویژگی های تاریخی سلسله مینگ. لباس های ملی چین به عنوان بخشی از تاریخ چین. تزئینات، ویژگی های تزئینی و نمادهای لباس. اصول طراحی هنری لباس، اصالت آن. ماهیت کلی طرح رنگ.

چکیده، اضافه شده در 2014/05/23


نقش و اهمیت لباس در دنیای باستان: مصر، یونان، ریما، هند و بیزانس. لباس اروپای غربی در قرون وسطی. لباس رنسانس: ایتالیایی، اسپانیایی، فرانسوی، آلمانی، انگلیسی. سبک امپراتوری و رمانتیسم، روکوکو و باروک.

مقاله ترم، اضافه شده در 2013/12/26


ویژگی های توسعه لباس دوران باروک، آرمان زیبایی شناختی زیبایی و ویژگی های پارچه ها، رنگ ها، زیور آلات. ویژگی های خاص لباس، کفش و مدل موی زنانه و مردانه. ویژگی های سیستم برش دوران باروک، انعکاس آنها در مد مدرن.

مقاله ترم، اضافه شده در 12/07/2010


ویژگی های کلی فرهنگ و هنر ژاپن. شرح اصول شکل گیری لباس ژاپن. انواع کیمونو، برش و لوازم جانبی. تفسیر مدرن از لباس ژاپنی در آثار طراحان معروف (جی. گالیانو، آ. مک کوئین، ایس. میاکه، ام. پرادا).

چکیده، اضافه شده در 1392/01/07


مدل موی زنانه امپراتوری بیزانس. ویژگی های مشخصه مدل موهای مردانه قرن XV-XVI. تکامل لباس دادگاه در روسیه در قرن هجدهم. سبک "رومانسک" در یک تصویر زنانه مدرن. تأثیر لباس نجیب بر لباس های طبقات دیگر.