Impactantes obras maestras de la pintura clásica. Belleza sobrenatural: mujeres en la pintura de diferentes direcciones Artistas que trabajan en el género del desnudo.
La historia mundial de las bellas artes recuerda muchos incidentes sorprendentes relacionados con la creación y las aventuras posteriores de pinturas famosas. Esto se debe a que, para los verdaderos artistas, la vida y la creatividad están demasiado estrechamente relacionadas.
"El grito" de Edvard Munch
Año de creación: 1893
Materiales: cartulina, óleo, témpera, pastel
Dónde está: Galería Nacional,
El famoso cuadro “El Grito” del artista expresionista noruego Edvard Munch es un tema de discusión favorito entre los místicos de todo el mundo. Algunas personas piensan que el cuadro predijo los terribles acontecimientos del siglo XX con sus guerras, desastres ambientales y el Holocausto. Otros están seguros de que la imagen trae desgracias y enfermedades a sus autores.
La propia vida de Munch difícilmente puede considerarse próspera: perdió a muchos familiares, fue tratado repetidamente en una clínica psiquiátrica y nunca se casó.
Por cierto, el artista reprodujo el cuadro “El grito” cuatro veces.
Se cree que es el resultado de la psicosis maníaco-depresiva que padecía Munch. De una forma u otra, la visión de un hombre desesperado con una cabeza grande, la boca abierta y las manos en la cara todavía sorprende a todos los que hoy miran el lienzo.
"El gran masturbador" de Salvador Dalí
Año de creación: 1929
Materiales: óleo, lienzo
Dónde está ubicado: Centro de Arte Reina Sofía,
El público en general vio la pintura "El gran masturbador" sólo después de la muerte del maestro de la atrocidad y el surrealista más famoso Salvador Dalí. El artista lo conservó en su propia colección en el Teatro-Museo Dalí de Figueres. Se cree que una pintura inusual puede decir mucho sobre la personalidad del autor, en particular sobre su dolorosa actitud hacia el sexo. Sin embargo, sólo podemos adivinar qué motivos se esconden realmente en la imagen.
Esto es como resolver un acertijo: en el centro de la imagen hay un perfil angular mirando hacia abajo, similar al propio Dalí o a una roca en la costa de una ciudad catalana, y en la parte inferior de la cabeza una mujer desnuda. Se levanta una figura: una copia de la amante del artista, Gala. En la pintura también hay langostas, que provocaron un miedo inexplicable en Dali, y hormigas, símbolo de la descomposición.
"Familia" de Egon Schiele
Año de creación: 1918
Materiales: óleo, lienzo
Dónde está ubicado: Galería Belvedere,
En mi tiempo hermosa pintura El artista austriaco Egon Schiele fue acusado de pornografía y el artista fue enviado a prisión por supuestamente seducir a una menor.
A este precio se le concedió el amor del modelo de su maestro. Las pinturas de Schiele son uno de los mejores ejemplos de expresionismo, a la vez que son naturalistas y están llenas de una desesperación aterradora.
Los modelos de Schiele eran a menudo adolescentes y prostitutas. Además, el artista estaba fascinado por sí mismo: su legado incluye muchos autorretratos diferentes. Schiele pintó el lienzo “Familia” tres días antes de su propia muerte, representando a su esposa embarazada que murió de gripe y a su hijo por nacer. Quizás esta no sea la obra más extraña, pero sí la más trágica del pintor.
“Retrato de Adele Bloch-Bauer” de Gustav Klimt
Año de creación: 1907
Materiales: óleo, lienzo
Dónde está: Nueva Galería,
Historia de la creación pintura famosa El “Retrato de Adele Bloch-Bauer” del artista austriaco Gustav Klimt puede considerarse, con razón, impactante. La esposa del magnate azucarero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer se convirtió en la musa y amante del artista. Queriendo vengarse de ambos, el marido herido decidió recurrir a un método original: encargó a Klimt un retrato de su esposa y lo atormentó con interminables quejas, obligándolo a realizar cientos de bocetos. Al final, esto llevó a que Klimt perdiera el antiguo interés por su modelo.
El trabajo en la pintura continuó durante varios años y Adele observó cómo los sentimientos de su amante se desvanecían. El insidioso plan de Fernando nunca fue revelado. Hoy " Mona austriaca Lisa" es considerada un tesoro nacional de Austria.
“Cuadrado Supermático Negro” de Kazimir Malevich
Año de creación: 1915
Materiales: óleo, lienzo
Dónde está ubicado: Galería Estatal Tretyakov,
Han pasado casi cien años desde que el artista de vanguardia ruso Kazimir Malevich creó su famosa creación, y los debates y discusiones aún no cesan. Aparecida en 1915 en la exposición futurista “0.10” en la “esquina roja” de la sala destinada al icono, la pintura conmocionó al público y glorificó para siempre al artista. Es cierto que hoy pocas personas saben que las pinturas supermáticas son pintura no objetiva, en el que el color gobierna el espectáculo, y “Black Square” en realidad no es negro ni cuadrado en absoluto.
Por cierto, una de las versiones de la historia de la creación del lienzo dice: el artista no tuvo tiempo de terminar el trabajo en la pintura, por lo que se vio obligado a cubrir la obra con pintura negra, en ese momento llegó su amigo. Entré al taller y exclamé: “¡Brillante!”
"El origen del mundo" de Gustave Courbet
Año de creación: 1866
Materiales: óleo, lienzo
Dónde está ubicado: Museo de Orsay,
El cuadro del artista realista francés Gustave Courbet fue considerado durante mucho tiempo extremadamente provocativo y no fue conocido por el gran público durante más de 120 años. Una mujer desnuda acostada en una cama con las piernas extendidas aún hoy provoca reacciones encontradas en los espectadores. Por este motivo, en el Museo de Orsay el cuadro está custodiado por uno de los empleados.
En 2013, un coleccionista francés anunció que había tropezado con la parte del cuadro en la que se veía la cabeza del modelo en una de las tiendas de antigüedades de París. Los expertos confirmaron la suposición de que Joanna Hiffernan (Joe) posó para el artista. Mientras trabajaba en la pintura, mantuvo una historia de amor con el alumno de Courbet, el artista James Whistler. La imagen provocó su separación.
"Hombre y mujer frente a un montón de excrementos" de Joan Miró
Año de creación: 1935
Materiales: aceite, cobre
Dónde está ubicado: Fundación Joan Miró,
Un espectador raro, al mirar una pintura del artista y escultor español Joan Miró, tendría una asociación con los horrores de la guerra civil. Pero fue precisamente el período de ansiedad previo a la guerra en 1935 en España el que sirvió de tema para la película con el prometedor título “Hombre y mujer frente a un montón de excrementos”. Esta es una imagen de premonición.
Representa a una pareja absurda de “caverna” que se siente atraída el uno por el otro, pero no puede ceder. Genitales agrandados, colores venenosos, figuras dispersas sobre un fondo oscuro: todo esto, según el artista, predijo los trágicos acontecimientos que se avecinaban.
La mayoría de las pinturas de Joan Miró son obras abstractas y surrealistas, y el estado de ánimo que transmiten es alegre.
"Nenúfares" de Claude Monet
Año de creación: 1906
Materiales: óleo, lienzo
Dónde se encuentra: colecciones privadas.
pintura de culto impresionista francés Los "Nenúfares" de Claude Monet tienen mala reputación; no es casualidad que se les llame "peligrosos para el fuego". Esta serie de coincidencias sospechosas sigue sorprendiendo a muchos escépticos. El primer incidente ocurrió en el estudio del artista: Monet y sus amigos estaban celebrando la finalización de un cuadro cuando de repente se produjo un pequeño incendio.
El cuadro se salvó y pronto fue comprado por los propietarios de un cabaret en Montmartre, pero menos de un mes después, el establecimiento también sufrió un grave incendio. La siguiente “víctima” del lienzo fue el filántropo parisino Oscar Schmitz, cuya oficina se incendió un año después de que se colgaran allí los “Nenúfares”. Una vez más, la pintura logró sobrevivir. Este año, un coleccionista privado compró “Nenúfares” por 54 millones de dólares.
"Las señoritas de Aviñón" de Pablo Picasso
Año de creación: 1907
Materiales: óleo, lienzo
Dónde está el museo arte contemporáneo,
“Parece como si quisieras alimentarnos con estopa o darnos gasolina para beber”, dijo el amigo de Picasso, el artista Georges Braque, sobre el cuadro “Las señoritas de Aviñón”. El lienzo realmente se volvió escandaloso: el público adoraba las obras anteriores, tiernas y tristes del artista, y la abrupta transición al cubismo provocó alienación.
Las figuras femeninas con rostros masculinos toscos y brazos y piernas angulosos estaban demasiado lejos de la elegante "Chica del baile".
Los amigos le dieron la espalda a Picasso; Matisse estaba extremadamente insatisfecho con el cuadro. Sin embargo, fueron “Las señoritas de Aviñón” las que determinaron no sólo la dirección del desarrollo de la obra de Picasso, sino el futuro de las bellas artes en su conjunto. El título original del cuadro era “Burdel filosófico”.
"Retrato del hijo del artista" de Mikhail Vrubel
Año de creación: 1902
Materiales: acuarela, gouache, lápiz de grafito, papel
Dónde está ubicado: Museo Estatal Ruso,
El brillante artista ruso de principios del siglo XIX y XX, Mikhail Vrubel, triunfó en casi todos los tipos de bellas artes. Su primogénito, Savva, nació con "labio hendido", lo que molestó profundamente al artista. Vrubel representó al niño en uno de sus lienzos con franqueza, sin intentar ocultar su deformidad congénita.
Los tonos suaves del retrato no lo hacen sereno: en él se puede leer la conmoción. El propio bebé está representado con una mirada infantil sorprendentemente sabia. Poco después de terminar la pintura, el niño murió. A partir de ese momento en la vida del artista, que lloraba la tragedia, comenzó un período “negro” de enfermedad y locura.
Foto: thinkstockphotos.com, flickr.com
El artista y fotógrafo chino Dong Hong-Oai nació en 1929 y murió en 2004 a la edad de 75 años. Dejó obras increíbles creadas en el estilo del pictorialismo: fotografías asombrosas similares a las obras de la pintura tradicional china.
Dong Hong-Oai nació en 1929 en Guangzhou, provincia de Guangdong, China. Abandonó el país a los siete años tras la inesperada muerte de sus padres.
Como el menor de 24 hermanos, Dong se fue a vivir a la comunidad china en Saigón, Vietnam. Posteriormente visitó China varias veces, pero nunca volvió a vivir en ese país.
Al llegar a Saigón, Dong se convirtió en aprendiz en un estudio de fotografía de inmigrantes chinos. Allí aprendió los conceptos básicos de la fotografía. También se enamoró de fotografiar la naturaleza, algo que hacía frecuentemente con una de las cámaras del estudio. En 1950, a la edad de 21 años, ingresó en la Universidad Nacional de Artes de Vietnam.
En 1979 se abrió una sangrienta frontera entre la República Socialista de Vietnam y la República Popular China. El gobierno vietnamita inició una política represiva contra los chinos étnicos que viven en el país. Como resultado, Dong se convirtió en uno de los millones de "balseros" que huyeron de Vietnam a finales de los años 70 y principios de los 80.
A la edad de 50 años, sin hablar inglés y sin familiares ni amigos en los Estados Unidos, Dong llegó a San Francisco. Incluso pudo comprar una pequeña habitación para revelar fotografías.
Al vender sus fotografías en ferias callejeras locales, Dong pudo ganar suficiente dinero para regresar periódicamente a China para fotografiar.
Además, tuvo la oportunidad de estudiar durante algún tiempo bajo la dirección de Long Chin-San en Taiwán.
Long Chin-San, que murió en 1995 a la edad de 104 años, desarrolló un estilo fotográfico basado en representaciones tradicionales chinas de la naturaleza.
A través de los siglos artistas chinos Creó majestuosos paisajes monocromáticos utilizando pinceles y tintas simples.
Se suponía que estas pinturas no representaban exactamente la naturaleza, sino que debían transmitir la atmósfera emocional de la naturaleza. EN últimos años Durante el Imperio Song y principios del Imperio Yuan, los artistas comenzaron a combinar tres formas de arte diferentes en un lienzo... poesía, caligrafía y pintura.
Se creía que esta síntesis de formas permitía al artista expresarse plenamente.
Long Chin-San, nacido en 1891, estudió precisamente esta tradición clásica en la pintura. En algún momento de su dilatada carrera, Luhn comenzó a experimentar transfiriendo el estilo artístico impresionista a la fotografía.
Mientras mantenía un enfoque de escala en capas, desarrolló un método de superposición de negativos que correspondían a tres niveles de distancia. Lung le enseñó este método a Dong.
En un intento de imitar aún más el estilo tradicional chino, Dong añadió caligrafía a las fotografías.
Las nuevas obras de Dong, basadas en antiguas pinturas chinas, comenzaron a atraer la atención de la crítica en la década de 1990.
Ya no tuvo que vender sus fotografías en ferias callejeras; ahora estaba representado por un agente y su obra comenzó a venderse en galerías de Estados Unidos, Europa y Asia.
Ya no tenía que depender de clientes individuales; su obra ahora era buscada no sólo por coleccionistas de arte privados, sino también por compradores corporativos y museos. Tenía unos 60 años cuando alcanzó cierto nivel de éxito financiero por primera vez en su vida.
El pictorialismo es un movimiento en la fotografía que surgió alrededor de 1885 tras la extensa presentación del proceso fotográfico sobre planchas de impresión húmedas. El movimiento alcanzó su apogeo a principios del siglo XX, y el período de declive se produjo en 1914, después del surgimiento y difusión del modernismo.
Los términos "pictorialismo" y "pictorialista" se utilizaron ampliamente después de 1900.
El pictorialismo aborda la idea de que la fotografía artística debe imitar la pintura y el grabado de ese siglo.
La mayoría de estas fotografías estaban en blanco y negro o en tonos sepia. Entre las técnicas utilizadas se encuentran: enfoque inestable, filtros especiales y recubrimientos de lentes, así como exóticos procesos de impresión.
El objetivo de tales técnicas era lograr la "expresión personal del autor".
A pesar de este objetivo de autoexpresión, las mejores de estas fotografías transcurrieron en paralelo al estilo impresionista más que en sintonía con la pintura moderna.
Mirando hacia atrás, también se puede ver un estrecho paralelo entre la composición y el tema pictórico de las pinturas y fotografías de género pictorialista.
Gil Elvgren (1914-1980) fue un importante artista pin-up del siglo XX. A lo largo de su carrera profesional, que comenzó a mediados de los años 30 y se extendió a lo largo de cuarenta años, se consolidó como un claro favorito entre los coleccionistas y aficionados al pin-up de todo el mundo. Y aunque Gil Elvgren es considerado principalmente un artista pin-up, merece ser considerado un ilustrador estadounidense clásico que supo abarcar varias áreas del arte comercial.
25 años de trabajo para la publicidad de Coca-Cola le ayudaron a consolidarse como uno de los grandes ilustradores del sector. Los anuncios de Coca-Cola presentaban imágenes de las “Chicas Elvgren”, la mayoría de las cuales representaban familias, niños y adolescentes típicos estadounidenses: gente común y corriente que se ocupaba de sus actividades diarias. Durante la Segunda Guerra Mundial y la Guerra de Corea, Elvgren incluso dibujó ilustraciones de temática militar para Coca-Cola, algunas de las cuales se convirtieron en “iconos” en Estados Unidos.
El trabajo de Elvgren para Coca-Cola reflejaba el sueño americano de una economía segura, vida cómoda, y algunas ilustraciones para artículos de revistas mostraban las esperanzas, miedos y alegrías de sus lectores. Estas imágenes se publicaron en las décadas de 1940 y 1950 en varias revistas estadounidenses famosas, como McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping y Woman's Home Companion. Además de Coca-Cola, Elvgren también ha trabajado con Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania y Napa Auto Parts.
Elvgren se destacó no sólo por sus pinturas y gráficos publicitarios: también era un fotógrafo profesional que manejaba una cámara con tanta destreza como un pincel. Pero su energía y talento no se detuvieron ahí: además, fue profesor, cuyos alumnos luego se convirtieron en artistas famosos.
Incluso en su primera infancia, Elvgren se inspiró en fotografías de ilustradores famosos. Cada semana arrancaba páginas y portadas de revistas con imágenes que le gustaban, como resultado de lo cual reunió una enorme colección que dejó su huella en la obra del joven artista.
La obra de Elvgren estuvo influenciada por muchos artistas, como Felix Octavius Carr Darley (1822-1888), el primer artista que cuestionó la superioridad de las escuelas de ilustración inglesa y europea sobre el arte comercial estadounidense; Norman Rockwell (1877-1978), a quien Elvgren conoció en 1947, encuentro que marcó el inicio de una larga amistad; Charles Dana Gibson (1867-1944), de cuyo pincel surgió La chica ideal, que combinaba la “vecina” (la chica de al lado) y la “chica-de-tus-sueños”, Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister ( 1870-1945) y otros.
Elvgren estudió de cerca las obras de estos artistas clásicos, como resultado de lo cual creó la base sobre la cual basar mayor desarrollo arte pin-up.
Entonces, Gil Elvgren nació el 15 de marzo de 1914 y creció en St. Paul Minneapolis. Sus padres, Alex y Goldie Elvgren, eran dueños de una tienda en el centro que vendía papel tapiz y pintura.
Después de graduarse de la escuela secundaria, Gil quería ser arquitecto. Sus padres aprobaron este deseo, ya que se dieron cuenta de su talento para el dibujo cuando, a la edad de ocho años, el niño fue expulsado de la escuela porque había dibujado en los márgenes de sus libros de texto. Elvgren finalmente asistió a la Universidad de Minnesota para estudiar arquitectura y diseño mientras tomaba cursos de arte en el Instituto de Arte de Minneapolis. Fue allí donde se dio cuenta de que dibujar le interesaba mucho más que diseñar edificios.
En el otoño del mismo año, Elvgren se casó con Janet Cummins. Etcétera Año Nuevo Los recién casados se mudaron a Chicago, donde había muchas oportunidades para los artistas. Por supuesto, podrían haber elegido Nueva York, pero Chicago estaba más cerca y era más segura.
A su llegada a Chicago, Gil intentó hacer todo lo posible para desarrollar su carrera. Asistió a la prestigiosa Academia Estadounidense de Bellas Artes del centro de la ciudad, donde se hizo amigo de Bill Mosby, un consumado artista y maestro que siempre estuvo orgulloso del desarrollo de Gil bajo su dirección.
Cuando Gil Elvgren llegó a la Academia, por supuesto, tenía talento, pero no se destacó entre la mayoría de los estudiantes que estudiaron allí. Pero sólo una cosa lo distinguía de los demás: sabía exactamente lo que quería. Sobre todo, soñaba con convertirse en un buen artista. En dos años de estudio dominó un curso diseñado para tres y medio: asistía a clases por la noche, en verano. En su tiempo libre siempre dibujaba.
Era un buen estudiante y trabajaba más duro que los demás. Gil asistió a todos los cursos en los que pudo adquirir al menos algunos conocimientos sobre pintura. En dos años hizo progresos fenomenales y se convirtió en uno de los mejores graduados de la Academia.
Gil es un artista increíble que pocos pueden igualar. De complexión fuerte, parece un jugador de fútbol; sus grandes manos no se parecen en nada a las manos de un artista: el lápiz literalmente se “hunde” en ellas, pero la precisión y minuciosidad de sus movimientos sólo pueden compararse con la habilidad de un cirujano.
Durante la universidad, Gil nunca dejó de trabajar. Sus ilustraciones ya adornaban folletos y revistas de la academia donde estudió.
Allí Gil conoció a muchos artistas que se convirtieron en sus amigos de toda la vida, por ejemplo: Harold Anderson, Joyce Ballantyne.
En 1936, Gil y su esposa regresaron a su ciudad natal, donde abrieron su propio estudio. Poco antes recibe su primer encargo remunerado: una portada para una revista de moda en la que aparece un hombre apuesto vestido con una chaqueta cruzada y unos pantalones ligeros de verano. Inmediatamente después de que Elvgren enviara su trabajo al cliente, el director de la empresa lo llamó para felicitarlo y encargar media docena de portadas más.
Luego vino otro encargo interesante, que fue pintar a las Dionne Quintillizas, cuyo nacimiento se convirtió en una sensación mediática. El cliente era Brown and Biglow, la editorial de calendarios más grande. Esta obra se imprimió en los calendarios 1937-1938, de los que se vendieron millones de ejemplares. Desde entonces, Elvgren comenzó a dibujar a las chicas más famosas de Estados Unidos, lo que le trajo un enorme éxito. Elvgren comenzó a ser invitado a cooperar con otras empresas, por ejemplo, el competidor de Brown y Biglow, Louis F. Dow Calendar Company. Las obras del artista comenzaron a imprimirse en folletos, naipes e incluso cajas de cerillas. Luego, muchas de sus pinturas de tamaño natural realizadas para Royal Crown Soda aparecieron en las tiendas de comestibles. Este año también se vuelve especialmente importante para Elvgren, ya que él y su esposa dieron la bienvenida a su primera hija, Karen.
Elvgren sigue recibiendo órdenes y decide regresar a Chicago con su familia. Pronto conoció a Haddon H. Sundblom (1899-1976), que era su ídolo. Sandblom tiene una gran influencia en el trabajo de Elvgren.
Gracias a Sundblom, Elvgren se convirtió en artista de los anuncios de Coca-Cola. A día de hoy, estas obras son iconos de la historia de la ilustración americana.
Inmediatamente después del bombardeo de Pearl Harbor, se le pidió a Elvgren que pintara cuadros para la campaña militar. Su primer dibujo para esta serie se publicó en 1942 en la revista Good Housekeeping bajo el título “Ella sabe lo que realmente es la 'libertad'” y representaba a una niña vestida con un uniforme de oficial de la Cruz Roja.
En 1942 nació Gil Jr. y en 1943 su esposa ya estaba esperando su tercer hijo. La familia de Elvgren creció, al igual que su negocio. Jill trabaja en proyectos publicitarios y también vende sus obras antiguas. Disfrutaba de la vida, porque él mismo ya era un artista respetado y un feliz hombre de familia. Cuando nació el tercer hijo de su familia, Elvgren ya recibía alrededor de 1.000 dólares por cuadro, es decir, unos 24.000 dólares al año, que era una cantidad enorme en aquel momento. Esto significó que Gil podría convertirse en el ilustrador mejor pagado de los Estados Unidos y, naturalmente, tener un lugar especial en Brown and Bigelow.
Antes de trabajar exclusivamente para Brown and Bigelow, aceptó su primer (y único) encargo de la firma de Joseph Hoover en Filadelfia. Para evitar problemas con Brown y Bigelow, aceptó la oferta con la condición de que el cuadro no fuera firmado. Por esta obra, titulada “La chica de los sueños”, recibió 2.500 dólares, porque... era el más grande que jamás había pintado (101,6 cm x 76,2 cm).
La colaboración con Brown y Bigelow le permitió a Elvgren continuar dibujando para Coca-Cola, sin embargo, podría trabajar para cualquier otra empresa que no tuviera conflictos con Brown y Bigelow. Así, en 1945, Elvgren, Brown y Bigelow iniciaron una colaboración que duraría más de treinta años.
El director de Brown y Bigelow, Charles Ward, hizo de Elvgren un nombre muy conocido. Invitó a Gil a hacer una pin-up desnuda, a lo que el artista accedió con gran entusiasmo. Esta pintura mostraba a una ninfa rubia desnuda en la playa, bajo la luz de la luna azul lila en los colores lila. Esta ilustración se publicó en una baraja de cartas, junto con el trabajo de otro artista: ZoÎ Mozert. Al año siguiente, Ward encargó otra pin-up desnuda a Elvgren para las siguientes tarjetas, pero esta vez realizada completamente solo por Elvgren. Este proyecto batió los récords de ventas de Brown y Bigelow y se denominó “Mais Oui de Gil Elvgren”.
Los tres primeros proyectos pin-up de Brown y Bigelow se convirtieron en los más vendidos de la empresa al cabo de tan sólo un par de semanas. Estas imágenes pronto se utilizaron para jugar a las cartas.
A finales de la década, Elvgren se había convertido en el artista más exitoso de Brown y Bigelow, gracias a los medios de comunicación su trabajo era ampliamente conocido por el público, las revistas incluso publicaban artículos sobre él. Las empresas con las que ha trabajado incluyen Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Whisky mezclado con rosas, General Electric Appliance y chocolates Pangburn's.
Ante tal demanda de su obra, Elvgren pensó en abrir su propio estudio, pues ya eran muchos los artistas que admiraban su obra y la llamada “pintura mayonesa” (el llamado estilo de Sundblom y Elvgren porque las pinturas sobre las obras parecían “cremosas” y suaves como la seda). Pero después de sopesar todos los pros y los contras, abandonó esta idea.
Gil Elvgren viajó mucho y conoció a muchas personas influyentes. Su salario en Brown and Bigelow pasó de cobrar 1.000 dólares por lienzo a 2.500 dólares y producir 24 cuadros al año, más un porcentaje de las revistas que publicaban sus ilustraciones. Trasladó a su familia a una nueva casa en los suburbios de Winnetka, donde comenzó a construir su propio estudio en el ático, lo que le permitió ser aún más productivo.
Gil tenía un gusto excelente y también era ingenioso. Sus obras son siempre interesantes en composición, combinación de colores y poses y gestos cuidadosamente pensados que las hacen vivaces y emocionantes. Sus pinturas son sinceras. Gil sintió la evolución de la belleza femenina, lo cual fue muy importante. Por lo tanto, Elvgren siempre tuvo una gran demanda por parte de los clientes.
En 1956, Gil se mudó con su familia a Florida. Estaba completamente satisfecho con su nuevo lugar de residencia. Allí abrió un excelente estudio donde estudió Bobby Toombs, quien con razón se convirtió en un artista reconocido. Dijo que Elvgren fue un excelente maestro que le enseñó a utilizar todas sus habilidades con atención.
En Florida, Gil pintó una gran cantidad de retratos, entre sus modelos se encontraban Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. En los años 1950-1960, a todas las aspirantes a modelo o actriz les gustaría que Elvgren dibujara una niña a su semejanza, que luego se imprimiría en calendarios y carteles.
Elvgren siempre estaba buscando nuevas ideas para sus pinturas. Aunque muchos de sus amigos artistas le ayudaron en esto, él dependía principalmente de su familia: discutía sus ideas con su esposa e hijos.
Elvgren trabajó en un círculo de artistas a quienes enseñó o, por el contrario, de quienes estudió; quiénes eran sus amigos con quienes tenía mucho en común. Entre ellos se encontraban Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham y otros.
Gil Elvgren vivió vida al máximo. Como un ávido amante de la naturaleza, disfrutaba pescando y cazando. Podía pasar horas en la piscina, le gustaban los coches de carreras y también compartía la pasión de sus hijos por coleccionar armas antiguas.
A lo largo de los años, Elvgren tuvo muchos asistentes de estudio, la mayoría de los cuales se convirtieron en artistas de éxito. Cuando Elvgren se vio obligado a rechazar la cooperación de las empresas debido a la enorme cantidad de trabajo, los directores de arte acordaron esperar un año, o incluso más, si Gil trabajara para ellos.
Pero todo el éxito de Gil se vio eclipsado en 1966 por una terrible tragedia que le sobrevino a su familia: la esposa de Gil, Janet, murió de cáncer. Después de eso, se sumergió aún más en el trabajo. Su popularidad se mantiene sin cambios, no tiene que preocuparse por nada más que por el resultado de su trabajo. Este fue el mejor período de la carrera de Elvgren, si no fuera por la muerte de su esposa.
La capacidad de pase de Elvgren belleza femenina fue insuperable. Mientras pintaba, normalmente se sentaba en una silla con ruedas para poder moverse fácilmente y mirar el dibujo desde diferentes ángulos, y un gran espejo detrás de él le permitía tener una visión general de toda la pintura. Lo principal en su trabajo eran las chicas: prefería modelos de entre 15 y 20 años que recién comenzaban su carrera, ya que tenían una espontaneidad que desaparece con la experiencia. Cuando se le preguntó sobre su técnica, dijo que agrega sus propios toques: alargar las piernas, agrandar el pecho, estrechar la cintura, hacer los labios más carnosos, los ojos más expresivos, la nariz chata, dando así a la modelo un mayor atractivo. Elvgren siempre trabajó cuidadosamente sus ideas de principio a fin: seleccionó el modelo, el atrezzo, la iluminación, la composición, incluso el peinado fue muy importante. Después de todo, fotografió la escena y empezó a pintar.
Una característica distintiva de las obras de Gil era que, al mirar las pinturas, parecía que las niñas en ellas estaban a punto de cobrar vida, saludar u ofrecer una taza de café. Se veían lindos y llenos de entusiasmo. Siempre encantadores, armados con una sonrisa amistosa, incluso durante la guerra dieron a los soldados fuerza y esperanza de regresar a casa con sus hijas.
Muchos artistas soñaban con pintar como lo hacía Elvgren; todos admiraban su talento y su éxito.
Cada año pintaba con mayor facilidad y profesionalismo, y sus primeras pinturas parecían más “duras” en comparación con las posteriores. Ha alcanzado la cima de la excelencia en su campo.
El 29 de febrero de 1980, Gil Elvgren, un hombre que se dedicaba a llevar alegría a las personas con su creatividad, fallecía de cáncer a la edad de 65 años. Su hijo Drake encontró el último cuadro inacabado, pero aún así magnífico, para Brown y Bigelow en el estudio de su padre. Han pasado tres décadas desde la muerte de Elvgren, pero su arte sigue vivo. Sin duda, Elvgren pasará a la historia como un artista que hizo grandes aportes a arte americano siglo veinte.
Si crees que todos los grandes artistas pertenecen al pasado, entonces no tienes idea de lo equivocado que estás. En este artículo aprenderá sobre los artistas más famosos y talentosos de nuestro tiempo. Y créanme, sus obras permanecerán en su memoria no menos profundamente que las obras de maestros de épocas pasadas.
Wojciech Babski
Wojciech Babski es un artista polaco contemporáneo. Completó sus estudios en el Instituto Politécnico de Silesia, pero se asoció con él. EN Últimamente atrae principalmente a mujeres. Se centra en la expresión de emociones, se esfuerza por obtener el mayor efecto posible utilizando medios sencillos.
Le encanta el color, pero a menudo utiliza tonos de negro y gris para lograrlo. la mejor experiencia. Sin miedo a experimentar con diferentes técnicas nuevas. Últimamente ha ido ganando popularidad en el extranjero, principalmente en el Reino Unido, donde vende con éxito sus obras, que ya se pueden encontrar en muchas colecciones privadas. Además del arte, le interesan la cosmología y la filosofía. Escucha jazz. Actualmente vive y trabaja en Katowice.
Warren Chang
Warren Chang es un artista estadounidense contemporáneo. Nacido en 1957 y criado en Monterey, California, se graduó con honores en el Art Center College of Design de Pasadena en 1981, donde recibió un BFA. Durante las siguientes dos décadas trabajó como ilustrador para varias empresas en California y Nueva York antes de embarcarse en una carrera como artista profesional en 2009.
Sus pinturas realistas se pueden dividir en dos categorías principales: pinturas biográficas de interiores y pinturas que representan a personas trabajando. Su interés por este estilo de pintura se remonta a la obra del artista del siglo XVI Johannes Vermeer y se extiende a sujetos, autorretratos, retratos de familiares, amigos, estudiantes, interiores de estudios, aulas y hogares. Su objetivo es crear estado de ánimo y emoción en sus pinturas realistas mediante la manipulación de la luz y el uso de colores apagados.
Chang se hizo famoso después de pasarse a las bellas artes tradicionales. Durante los últimos 12 años, ha obtenido numerosos premios y honores, el más prestigioso de los cuales es el Master Signature de Oil Painters of America, la comunidad de pintura al óleo más grande de los Estados Unidos. Sólo una persona entre 50 tiene la oportunidad de recibir este premio. Warren actualmente vive en Monterey y trabaja en su estudio, y también enseña (conocido como un maestro talentoso) en la Academia de Arte de San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni es un artista italiano. Nacido en Blair, el 15 de octubre de 1955. Se licenció en escenografía en el Instituto de Arte de Spoleto. Como artista, es autodidacta, ya que de forma independiente “construyó una casa de conocimiento” sobre los cimientos de la escuela. Comenzó a pintar al óleo a los 19 años. Actualmente vive y trabaja en Umbría.
Las primeras pinturas de Bruni tienen sus raíces en el surrealismo, pero con el tiempo comienza a centrarse en la proximidad del romanticismo lírico y el simbolismo, potenciando esta combinación con la exquisita sofisticación y pureza de sus personajes. Los objetos animados e inanimados adquieren la misma dignidad y parecen casi hiperrealistas, pero al mismo tiempo no se esconden detrás de una cortina, sino que te permiten ver la esencia de tu alma. Versatilidad y sofisticación, sensualidad y soledad, reflexión y fecundidad son el espíritu de Aurelio Bruni, alimentado por el esplendor del arte y la armonía de la música.
Aleksander Balos
Alkasander Balos es un artista polaco contemporáneo especializado en pintura al óleo. Nacido en 1970 en Gliwice, Polonia, pero desde 1989 vive y trabaja en Estados Unidos, en Shasta, California.
Desde pequeño estudió arte de la mano de su padre Jan, artista y escultor autodidacta, por lo que desde temprana edad la actividad artística recibió todo el apoyo de ambos padres. En 1989, a la edad de dieciocho años, Balos dejó Polonia para ir a los Estados Unidos, donde su maestra de escuela y artista a tiempo parcial, Cathy Gaggliardi, animó a Alkasander a inscribirse en una escuela de arte. Luego, Balos recibió una beca completa para la Universidad de Milwaukee, Wisconsin, donde estudió pintura con el profesor de filosofía Harry Rosin.
Después de graduarse en 1995 con una licenciatura, Balos se mudó a Chicago para estudiar en la Escuela de Bellas Artes, cuyos métodos se basan en el trabajo de Jacques-Louis David. Realismo figurativo y pintura de retrato formó la mayor parte del trabajo de Balos en los años 90 y principios de los 2000. Hoy, Balos utiliza la figura humana para resaltar las características y carencias de la existencia humana, sin ofrecer ninguna solución.
Las composiciones temáticas de sus pinturas están destinadas a ser interpretadas de forma independiente por el espectador, sólo entonces las pinturas adquirirán su verdadero significado temporal y subjetivo. En 2005, el artista se mudó al norte de California, desde entonces el tema de su trabajo se ha expandido significativamente y ahora incluye métodos de pintura más libres, incluida la abstracción y varios estilos multimedia que ayudan a expresar ideas e ideales de existencia a través de la pintura.
Alyssa Monjes
Alyssa Monks es una artista estadounidense contemporánea. Nacido en 1977, en Ridgewood, Nueva Jersey. Empecé a interesarme por la pintura cuando aún era un niño. Estudió en The New School de Nueva York y en la Universidad Estatal de Montclair, y se graduó en el Boston College en 1999 con una licenciatura. Al mismo tiempo, estudió pintura en la Academia Lorenzo de' Medici de Florencia.
Luego continuó sus estudios en el programa de maestría de la Academia de Arte de Nueva York, en el departamento de Arte Figurativo, graduándose en 2001. Se graduó de Fullerton College en 2006. Durante algún tiempo dio conferencias en universidades e instituciones educativas de todo el país, enseñando pintura en la Academia de Arte de Nueva York, así como en la Universidad Estatal de Montclair y la Lyme Academy of Art College.
“Utilizando filtros como vidrio, vinilo, agua y vapor, distorsiono el cuerpo humano. Estos filtros le permiten crear grandes áreas de diseño abstracto, con islas de color asomando a través de ellas: partes del cuerpo humano.
Mis pinturas cambian la visión moderna de las posturas y gestos tradicionales ya establecidos de las mujeres bañistas. Podrían decirle mucho a un espectador atento sobre cosas aparentemente evidentes como los beneficios de nadar, bailar, etc. Mis personajes se presionan contra el cristal de la ventana de la ducha, distorsionando sus propios cuerpos, dándose cuenta de que así influyen en la notoria mirada masculina sobre una mujer desnuda. Se mezclan gruesas capas de pintura para imitar el vidrio, el vapor, el agua y la carne desde lejos. Sin embargo, de cerca, las sorprendentes propiedades físicas de la pintura al óleo se hacen evidentes. Al experimentar con capas de pintura y color, encuentro un punto en el que las pinceladas abstractas se convierten en algo más.
Cuando comencé a pintar el cuerpo humano, inmediatamente quedé fascinado e incluso obsesionado con él y creí que tenía que hacer mis pinturas lo más realistas posible. “Profesé” el realismo hasta que empezó a desmoronarse y revelar contradicciones en sí mismo. Ahora estoy explorando las posibilidades y el potencial de un estilo de pintura donde la pintura representacional y la abstracción se encuentran; si ambos estilos pueden coexistir al mismo tiempo, lo haré”.
Antonio Finelli
Artista italiano – “ Observador del tiempo”- Antonio Finelli nació el 23 de febrero de 1985. Actualmente vive y trabaja en Italia entre Roma y Campobasso. Sus obras han sido expuestas en varias galerías de Italia y del extranjero: Roma, Florencia, Novara, Génova, Palermo, Estambul, Ankara, Nueva York, y también se pueden encontrar en colecciones públicas y privadas.
Dibujos a lápiz " Observador del tiempo“Antonio Finelli nos lleva en un viaje eterno a través del mundo interior de la temporalidad humana y el análisis escrupuloso asociado de este mundo, cuyo elemento principal es el paso del tiempo y las huellas que deja en la piel.
Finelli pinta retratos de personas de cualquier edad, género y nacionalidad, cuyas expresiones faciales indican el paso del tiempo, y el artista también espera encontrar evidencia de la crueldad del tiempo en los cuerpos de sus personajes. Antonio define sus obras con un título general: “Autorretrato”, porque en sus dibujos a lápiz no sólo representa a una persona, sino que permite al espectador contemplar los resultados reales del paso del tiempo en el interior de una persona.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni es una artista italiana de 37 años, hija de un diplomático. Ella tiene tres niños. Vivió en Roma durante doce años y tres años en Inglaterra y Francia. Se licenció en historia del arte en la BD School of Art. Luego se graduó como restauradora de arte. Antes de encontrar su vocación y dedicarse por completo a la pintura, trabajó como periodista, colorista, diseñadora y actriz.
La pasión de Flaminia por la pintura surgió desde pequeña. Su principal medio es el óleo porque le encanta “peinar la paté” y también jugar con el material. Reconoció una técnica similar en las obras del artista Pascal Torua. Flaminia se inspira en grandes maestros de la pintura como Balthus, Hopper y François Legrand, así como en diversos movimientos artísticos: street art, realismo chino, surrealismo y realismo renacentista. Su artista favorito es Caravaggio. Su sueño es descubrir el poder terapéutico del arte.
Denis Chernov
Denis Chernov - talentoso artista ucraniano, nacido en 1978 en Sambir, región de Lviv, Ucrania. Después de graduarse de Jarkov escuela de Arte en 1998 permaneció en Jarkov, donde vive y trabaja actualmente. También estudió en el Departamento de Artes Gráficas de la Academia Estatal de Diseño y Artes de Jarkov, donde se graduó en 2004.
Participa regularmente en exposiciones de arte, actualmente hay más de sesenta, tanto en Ucrania como en el extranjero. La mayoría de las obras de Denis Chernov se conservan en colecciones privadas en Ucrania, Rusia, Italia, Inglaterra, España, Grecia, Francia, Estados Unidos, Canadá y Japón. Algunas de las obras se vendieron en Christie's.
Denis trabaja en una amplia gama de gráficos y técnicas de pintura. Los dibujos a lápiz son uno de sus métodos de pintura favoritos, una lista de sus temas. dibujos a lapiz También es muy diverso, pinta paisajes, retratos, desnudos, composiciones de género, ilustraciones de libros, reconstrucciones y fantasías literarias e históricas.
Tu cuerpo desnudo debe pertenecer sólo a quien ama tu alma desnuda.
Charlie Chaplin
"Las hermosas piernas femeninas han pasado más de una página de la historia", dicen los franceses. Y tienen razón: después de todo, no estamos hablando sólo de la escala del estado. En la historia personal del extraordinario español Francisco José de Goya y Lucientes, esto es exactamente lo que sucedió. Los contemporáneos del artista que conocían su amor e inconstancia, aseguraron: todo cambió cuando el maestro conoció a la bella duquesa María Teresia Cayetana del Pilar de Alba, heredera de una antigua familia aristocrática. belleza sobrenatural, la llamaron Reina de Madrid, la compararon con Venus y aseguraron: “Todos la querían”. ¡Hombres de España! "Cuando caminaba por la calle, todos miraban por las ventanas, incluso los niños abandonaban sus juegos para mirarla. Cada pelo de su cuerpo despertaba deseo", les hacía eco el viajero francés. Otros estaban celosos de su belleza y riqueza, maldiciendo ella por su libertad de costumbres. Pero la duquesa prefirió no prestar atención a todo este alboroto. Ella misma eligió amigos y enemigos, especialmente amantes, para nada avergonzados por la presencia de un marido. Al parecer, su marido no le dio significado especial amoríos esposas. Por tanto, consideró su nueva pasión por el pintor de la corte como un capricho cualquiera. Por cierto, la pareja patrocinó conjuntamente a Goya, ya que, además de su tormentosa vida personal, estaban involucrados en la filantropía y la caridad. Fue a través del arte de Cayetana que conocimos a Francisco.
Su relación resistió el paso del tiempo y la grave enfermedad del artista, que le provocó pérdida de audición. Pintó sus retratos, capturando a su amada mujer en diferentes ángulos y trajes. Una de ellas es "La duquesa de Alba de negro", según algunos, una clara evidencia de su estrecha relación. El caso es que tras la restauración del cuadro, realizada en los años sesenta del siglo XX, se descubrió en los anillos de la bella un grabado con los nombres de Alba y Goya. El elegante dedo de la duquesa señala la arena, donde se ve una elocuente inscripción: “Sólo Goya”. Se cree que el autor guardó este cuadro en casa “para uso personal” y nunca lo exhibió. Al igual que la propia Alba, otros dos, aún más picantes, nacieron tras la muerte de su legítimo marido. Existe la opinión de que, habiendo enterrado a su marido, la viuda “triste” se fue a una de sus fincas en Andalucía para estar triste. Y para no sentirse sola en absoluto, invitó a Goya a unirse a ella. Fue entonces cuando se escribieron "Makha Naked" y "Makha Dressed". (En ese momento todos se llamaban coquetamente Mahami chicas vestidas de los estratos más bajos de la sociedad).
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| Francisco Goya. Auto retrato. |
Es cierto que el hecho de que la persona representada en ambos lienzos sea la impactante duquesa todavía está en duda entre muchos. Se cree que la magnífica dama desnuda es una de las amantes del primer ministro de la reina María Luisa, Manuel Godoy: “Machs” acabó en su colección en 1808. Otras fuentes afirman que se trata de una imagen colectiva, y sólo otros no tienen dudas de que la musa de Goya es Cayetana, a la que pintó desnuda para molestarle cuando se diera cuenta de que Alba estaba apasionada por otra persona. Sea como fuere, representar desnudos en la España del siglo XVIII podría costarle la vida a cualquier otra persona: tras descubrir los lienzos en 1813, la policía moral, representada por la siempre vigilante Inquisición, inmediatamente los calificó de “obscenos”. El autor, que compareció ante el tribunal, fue enviado a prisión, pero nunca reveló el nombre de su modelo. Quién sabe cuál habría sido su destino si no fuera por la intercesión de un mecenas de alto rango...
Alba, por supuesto, lo agradecería. un acto valiente Sin embargo, en ese momento ella misma ya llevaba muchos años en el otro mundo. La muerte de Cayetana, inesperada para todos, y especialmente para Goya, conmocionó a Madrid. La duquesa fue encontrada en su palacio de Buena Vista en el verano de 1802 tras una magnífica recepción ofrecida el día anterior en honor del compromiso de su joven sobrina (Alba no tenía hijos propios). Francisco estaba entre los invitados. Oyó a Cayetana hablar de pinturas, hablar de las más venenosas, bromear sobre la muerte. Y por la mañana se difundió el rumor de la triste noticia. Fue entonces cuando todos los que conocieron personalmente a la duquesa recordaron sus palabras de que quería morir joven y bella, tal como la capturó el pincel mágico de Goya.
Posteriormente, la ciudad discutió durante mucho tiempo las causas de la muerte de Alba. Se suponía que había sido envenenada: desgraciadamente, esta mujer tenía muchos enemigos. También dijeron que ella misma tomó el veneno. Pero para Goya esto ya no importaba. Sobrevivió a su magnífica amada casi un cuarto de siglo, llevándose consigo el secreto de "Makha". Ni siquiera los descendientes de Alba lograron solucionarlo. Para limpiar el nombre de Cayetana, realizaron un estudio con la esperanza de demostrar, por el tamaño de los huesos, que el lienzo representa a otra dama. Pero durante la “operación” resultó sólo que la tumba de la duquesa fue abierta repetidamente durante la campaña napoleónica y, por lo tanto, tal examen no tiene ningún sentido...
Fue llamado encantador e incomprensible por aquellos que creyeron en las entusiastas historias de Dalí sobre su musa, reina y diosa: Gala. Los menos crédulos aún hoy la consideran una Valquiria depredadora que cautivó a un genio. Sólo hay un hecho que no deja dudas: el misterio que rodeaba la vida de esta mujer nunca ha sido resuelto.
Salvador Dalí “Leda Atómica”, 1947-1949 Teatro-Museo Dalí, Figueres, España
Desde que el artista Salvador Dalí la vio por primera vez en 1929, comenzó una nueva era llamada Gala en su historia personal. Muchos años después, el maestro describió las impresiones de ese día en una de sus novelas autobiográficas. Sin embargo, las palabras impresas en letras tipográficas en las hojas blancas de los libros editados en miles de ejemplares no transmitían ni una centésima parte de las pasiones que asolaban su alma en aquel día soleado: “Me acerqué a la ventana que daba a la playa. Ella ya estaba allí... Gala, la esposa de Eluard. ¡Fue ella! La reconocí por su espalda desnuda. Su cuerpo era tierno, como el de un niño. La línea de los hombros era casi perfectamente redonda y los músculos de la cintura, aparentemente frágiles, estaban atléticamente tensos, como los de un adolescente. Pero la curva de la espalda baja era verdaderamente femenina. La elegante combinación de un torso esbelto y enérgico, una cintura de avispa y unas caderas tiernas la hacían aún más deseable”. Incluso décadas después, no se cansaba de repetirle a la propia Gala que ella era su deidad, Galatea, Gradiva, Santa Elena... Y si los conceptos de santidad y impecabilidad no tenían ninguna relación con la amada de Salvador, el nombre Helena sí lo estaba directamente. a ella. El caso es que así la llamaron al nacer. Pero, como dice la leyenda familiar, contada más de una vez en las biografías de Elena Dyakonova, la futura Madame Dali, desde pequeña la niña prefirió que la llamaran... Galina.
Así se presentó al aspirante a poeta francés Paul Eluard cuando el azar los reunió en uno de los centros turísticos suizos. “¡Ay, Gala!” - pareció exclamar, acortando el nombre y pronunciándolo al estilo francés con énfasis en la segunda sílaba. Con su mano ligera, todos comenzaron a llamarla exactamente así: "triunfo, vacaciones", como suena Gala en la traducción. Después de cuatro años de correspondencia y encuentros poco frecuentes, contra los deseos de los padres de Paul, se casaron e incluso dieron a luz a una hija, Cecile. Pero, como saben, la moral libre, que constituye la base de las relaciones familiares, no es la mejor manera de salvar un matrimonio. Pasaron otros cuatro años y en la vida del matrimonio Eluard apareció el artista Max Ernest, quien se instaló en la casa del matrimonio como amante oficial de Gala. dicen esconderse triángulo amoroso Ninguno de ellos lo intentó. Y luego conoció a Dalí.
“Muchacho, nunca más nos separaremos”, dijo simplemente Gala Eluard y entró en su vida para siempre. “Gracias a su amor incomparable y sin fondo, ella me curó de... la locura”, dijo, cantando el nombre y la apariencia de su amada en todos los sentidos: en prosa, poesía, pintura, escultura. La diferencia es de diez años -según versión oficial, ella nació en 1894 y él nació en 1904; no se avergonzaron. Esta mujer se convirtió para él en madre, esposa, amante, alfa y omega, sin los cuales el artista ya no podía imaginar su existencia. “Gala soy yo”, se aseguró a sí mismo y a quienes lo rodeaban al ver su reflejo en ella, y firmó la obra como “Gala - Salvador Dalí”. Es difícil decir cuál era el secreto de su poder mágico sobre este hombre: probablemente él mismo nunca intentó analizarlo, inmerso en el sentimiento, como en un mar infinito. Del mismo modo que es imposible entender quién es realmente y de dónde viene: los datos que hasta ahora figuran en todos los libros de referencia han sido cuestionados recientemente por los investigadores, y hay razones para ello. ¿Pero, es real mente tan importante? Después de todo, Gala es un mito creado por la imaginación de Dalí y su propio deseo de preservarlo.
Gala es mi única musa, mi genio y mi vida, sin Gala no soy nada.
Salvador Dalí
En uno de las docenas de sus retratos, realizados al estilo desnudo, el artista representó a su amada como una heroína mítica, dando un nuevo significado a una historia tan antigua como el mundo. Así nació su “Atomic Leda”.
Según la leyenda, Leda, la hija del rey Testio, estaba casada con el gobernante de Esparta, Tindareo. Cautivado por su belleza, Zeus sedujo a la mujer, acercándose a ella en forma de... un cisne. Dio a luz a los gemelos Castor y Polideuces y a una hija, la bella Helena, conocida como Helena de Troya. Con esta comparación, el mago Dalí recordó a otros el encanto sobrenatural de su amada Gala-Elena: el propio Salvador no dudó ni un minuto de la exclusividad de sus datos externos, considerando a su esposa la más bella entre los mortales. Probablemente por eso este enésimo retrato de Gala se realizó según la “proporción divina” de Fray Luca Paccioli, y el matemático Matila Ghika realizó algunos cálculos para el cuadro a petición del maestro. A diferencia de quienes creían que las ciencias exactas estaban fuera del contexto artístico, Dalí estaba seguro: toda obra de arte significativa debe basarse en la composición y, por tanto, en el cálculo. Vale la pena señalar que verificó escrupulosamente no solo la relación de los objetos en el lienzo, sino también el contenido interno del dibujo, representando la pasión de acuerdo con teoría moderna... “sin contacto” de la física intraatómica. Su Leda no toca al cisne, no descansa sobre un asiento que flota en el aire: todo flota sobre el mar que no toca la orilla... "La Leda atómica" se completó en 1949, levantando a Gala, según Dalí, al nivel de "la diosa de mi metafísica " Posteriormente, nunca perdió la oportunidad de anunciar su papel excepcional en su vida.
Sin embargo, en sus últimos años su relación se enfrió. Gala decidió establecerse por separado y él le regaló un castillo en el pueblo español de Púbol, que no se atrevió a visitar sin obtener primero el permiso por escrito de su esposa. Y en el año en que ella murió, Dalí también falleció: aunque tras su partida permaneció en la Tierra siete durante largos años, la existencia ha perdido su sentido, porque la celebración de su vida ha terminado.
Karl Bryullov “Betsabé” 1832 Galería Estatal Tretyakov, Moscú
La historia de las complejidades del destino de la encantadora Betsabé ha atraído la atención de historiadores, poetas e incluso astrónomos durante siglos: un asteroide lleva su nombre. De una forma u otra, fueron precisamente sus extraordinarias características externas las que se convirtieron en la causa de todas sus tristezas y alegrías. Algunos acusaron a Betsabé de comportamiento inapropiado, otros creían que el único crimen de esta mujer fue ser inaceptablemente bella.
Y comenzó esta historia, que cambió por completo la vida de la heroína, alrededor del novecientos antes de Cristo... “Una noche, el rey David, levantándose de la cama, caminó sobre el techo de la casa real y vio... una mujer bañándose; y esa mujer era muy hermosa. Y David envió a averiguar quién era esta mujer. Y ellos le dijeron: Ésta es Betsabé, hija de Eliam, mujer de Urías el hitita. David envió siervos para llevársela; y ella vino a él...” - así describe el Libro de los Libros el momento en que se conocieron. Al parecer, la noticia de que la persona que le gustaba estaba casada con su comandante no molestó al rey. Qué sentimientos poseyó la propia Betsabé, la historia guarda silencio. Para eliminar a su marido, David ordenó “colocar a Urías donde habrá la batalla más fuerte, y retirarse de él, para que sea derrotado y muera”. Dicho y hecho. Pronto el embajador informó a David que su voluntad se había cumplido. Esto significa que nada más le impide tomar a Betsabé como su legítima esposa.
Después de la fecha prevista, dio a luz un hijo para el rey. El gobernante prudente calculó todo, despejando cuidadosamente el camino hacia la felicidad conyugal. No tuvo en cuenta una sola cosa: la violación de los mandamientos conllevaba castigo. Él y su amada respondieron plenamente por sus pecados: su primogénito vivió solo unos pocos días. El segundo heredero de la pareja fue Salomón, cuyo nombre está asociado con muchos mitos y leyendas. Pero esa es una historia completamente diferente.
Los pintores también prestaron atención a la trama y resaltaron de todas las formas posibles el fatídico momento para la mujer. Entre ellos se encuentra "El Gran Karl", como llamaban a Bryullov sus contemporáneos. Es cierto que el maestro de “la luz y el aire” no se sintió tan atraído narrativa bíblica, que oportunidad para lucir tu “regalo decorativo”. Una silueta iluminada, agua a sus hermosos pies, una libélula apenas perceptible con alas transparentes cerca de su mano... “La blancura jaspeada de la piel se realza con la figura de una doncella negra, añadiendo un ligero toque de erotismo al cuadro. ”, escriben críticos de arte sobre ella. Y recuerdan la sensualidad...
Se supone que el modelo de este cuadro, que quedó inacabado, fue la bella amante del artista, Yulia Samoilova, una condesa impactante, sobre quien no hay menos leyendas que sobre los participantes de esta epopeya histórica. ¡Temela, Karl! Esta mujer no es como las demás. No sólo cambia sus lealtades, sino también los palacios en los que vive. Pero estoy de acuerdo, y tú estarás de acuerdo, en que puedes volverte loco con ella”, dicen que el príncipe Gagarin, en cuya casa tuvo lugar el encuentro, advirtió a Bryullov: estaba lidiando con el fuego. Sin embargo, la llama de Yulia Pavlovna, que quemó los corazones de los demás, en el caso de Karl resultó ser vivificante. A lo largo de los años, se apoyaron mutuamente y siguieron siendo, entre otras cosas, amigos cercanos. “Te amo más de lo que puedo explicar, te abrazo y estaré espiritualmente devoto de ti hasta la tumba. Yulia Samoilova” - tales mensajes fueron enviados por el excéntrico millonario a su “querida Brishka” desde diferentes países hasta donde él mismo se encontraba en ese momento. Y le dio a la eternidad la apariencia de su amada, dotándola de los rasgos de las mujeres más bellas de sus numerosos lienzos. Quizás solo Samoilova logró frenar el temperamento duro y irascible del maestro; para él, al parecer, no había otras leyes. “Detrás de la aparición del joven dios helénico se escondía un cosmos en el que se mezclaban principios hostiles que estallaban en un volcán de pasiones o fluían con un dulce brillo. Era todo pasión, no hacía nada con calma, como lo hacen la gente común. Cuando las pasiones ardían en él, su explosión era terrible, y quien se acercaba, recibía más”, escribió un contemporáneo sobre Bryullov. Al propio Karl no le importaba lo que dijeran sobre su personaje, porque su talento estaba fuera de toda duda.
Por cierto, la señora Samoilova es una de las pocas que lo apoyó en un momento de desesperación, cuando, después de un matrimonio absurdo, el artista de cuarenta años se encontró en el centro de la atención y la cruel curiosidad de todos. Su esposa era Emilia Timm, de dieciocho años, hija del burgomaestre de Riga. “Me enamoré apasionadamente... Los padres de la novia, especialmente mi padre, inmediatamente hicieron un plan para casarme con ella... La muchacha desempeñó el papel de amante con tanta habilidad que no sospeché el engaño...” él dijo más tarde. Y luego “me calumniaron en público...” El verdadero motivo de la “disputa” con mi nueva esposa fue la sucia historia en la que ella estaba involucrada. “Sentí con tanta fuerza mi desgracia, mi vergüenza, la destrucción de mis esperanzas de felicidad doméstica... que tuve miedo de perder la cabeza”, escribió sobre las consecuencias de un matrimonio que duró sólo unos meses. En ese momento, Julia pareció arrancar una vez más a "Brichka" de sus pensamientos sombríos y arrastrarla al torbellino de bailes y mascaradas que el Conde Slavyanka ofrecía en su amada finca. Más tarde vendió "Slavyanka" y partió en busca de nuevos amores y nuevas aventuras. Bryullov tampoco se quedó mucho tiempo en su tierra natal: Polonia, Inglaterra, Bélgica, España, Italia; viajó mucho y pintó, pintó, pintó... Durante otro viaje murió, en la ciudad de Manziana, cerca de Roma.
Julia sobrevivió a Karl veintitrés años, enterró a dos maridos: la ex esposa del Conde Nikolai Samoilov y la joven cantante Peri. “Los testigos que la vieron durante este período de su vida dijeron que el duelo de viuda le sentaba muy bien, enfatizando su belleza, pero ella lo usó de una manera muy original. Samoilova sentó a los niños en la cola más larga del vestido de luto, y ella misma... hizo rodar a los niños riendo de alegría por los suelos de parquet de espejos de sus palacios”. Algún tiempo después se volvió a casar.
Se desconoce qué prometió al cielo o a la gente la legendaria belleza Betsabé, cuyo nombre se traduce como "hija del juramento", pero podemos decir con seguridad: Yulia Samoilova, en su juventud, se hizo la promesa de no desanimarse y Quédatelo.
Rembrandt Harmens van Rijn “Danae” 1636 Hermitage, San Petersburgo
Durante siglos, la antigua belleza griega Dánae ha atraído la atención de los artistas. El holandés Rembrandt van Rijn tampoco se quedó al margen, dándole a la mítica princesa los rasgos de dos de sus mujeres favoritas.
Esta historia comenzó en tiempos inmemoriales, cuando los antiguos dioses griegos eran similares a las personas en todo y se comunicaban fácilmente con ellos, y en ocasiones incluso se involucraban. relación romántica. Es cierto que a menudo, habiendo disfrutado de las delicias de una encantadora terrenal, la dejaban a merced del destino y regresaban a la cima del Olimpo para, rodeados de amigos divinos, olvidarse para siempre de su fugaz enamoramiento. Esto es exactamente lo que le sucedió a Dánae, la hija del rey argivo Acrisio.
Posteriormente, los hombres más talentosos consideraron que era su deber contarle al mundo los altibajos de su vida: los dramaturgos Esquilo, Sófocles, Eurípides le dedicaron dramas y tragedias, e incluso Homero la mencionó en la Ilíada. Y Tiziano, Correggio, Tintoretto, Klimt y otros pintores lo plasmaron en sus lienzos. Y no es de extrañar: es imposible permanecer indiferente ante el destino de una niña que fue víctima del destino. El caso es que un día un oráculo predijo la muerte de su padre a manos de su nieto, el hijo que daría a luz Dánae. Para protegerse, Acrisio tomó todo bajo estricto control: ordenó encarcelar a su hija en un calabozo y le asignó una sirvienta. El prudente rey tuvo todo en cuenta, excepto una cosa: que no un simple mortal se enamoraría de ella, sino el propio Zeus, el principal de los dioses olímpicos, para quien todos los obstáculos resultaron ser nada. Tomó la forma de una lluvia dorada y entró en la habitación por un pequeño agujero... El momento de su visita fue el más atractivo para los artistas de esta complicada historia. La consecuencia del encuentro entre Zeus y Dánae fue el hijo de Perseo, cuyo secreto de nacimiento pronto se reveló: el abuelo Acrisio escuchó un llanto proveniente de las cámaras subterráneas... Luego ordenó meter a su hija y al bebé en un barril y arrojarlos a mar abierto... Pero esto no le ayudó a evitar la predicción: Perseo creció, regresó a su tierra natal y, mientras participaba en una competición de lanzamiento de disco, los golpeó accidentalmente en Acrisio... “Destino...” - suspiró los testigos de lo sucedido. ¡Si supieran que el destino de la propia “Dánae”, nacida del pincel de Rembrandt, no sería menos dramático!...
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| Retrato de Rembrandt Harmens van Rijn. 1648 |
“¿Cuál de las pinturas de tu colección es la más valiosa?” Dicen que ésta fue la pregunta que un visitante le hizo al conserje de una de las salas del Hermitage la mañana del 15 de junio de 1985. “Danae” de Rembrandt”, respondió la mujer, señalando el lienzo que representa a una lujosa dama desnuda. Cuando y cómo el hombre sacó la botella y derramó el líquido sobre el cuadro, ella no lo supo: todo sucedió de repente. Los empleados que acudieron corriendo al escuchar el grito solo vieron la pintura burbujear y cambiar de color: el líquido resultó ser ácido sulfúrico. Además, el atacante logró apuñalar la pintura dos veces con un cuchillo... El hecho de que Bronius Maigis, residente lituano de cuarenta y ocho años, fuera posteriormente reconocido como mentalmente inestable y enviado a recibir tratamiento no alivió la gravedad de su delito. “Cuando lo vi por primera vez durante el proceso de restauración, no pude contener las lágrimas”, admitió el director del Hermitage, Mikhail Piotrovsky. - En gran parte porque era una “Danae” diferente. Aunque después de la restauración, que duró doce años, el lienzo volvió al museo, el 27 por ciento de la imagen tuvo que ser recreada por completo: fragmentos enteros hechos con el pincel del maestro se perdieron irremediablemente. Pero fue este retrato el que pintó con especial amor: su adorada mujer, su esposa Saskia, le sirvió de modelo. Su matrimonio duró poco más de ocho años: después de haber dado a luz a su marido cuatro hijos, de los cuales sólo sobrevivió uno, Tito, ella murió. Unos años más tarde, Rembrandt se enamoró de la institutriz de su hijo, Gertje Dirks. Se supone que fue para complacerla que "Danae" adquirió nuevas características que han sobrevivido hasta el día de hoy: el rostro y la pose cambiaron, el "personaje principal" de la trama, la lluvia dorada, desapareció. Pero esta circunstancia no se reveló hasta mediados del siglo XX, cuando mediante fluoroscopia, bajo una capa de pintura, se encontró una imagen anterior de Saskia. Así, el artista combinó los retratos de ambas mujeres. Sin embargo, esta reverencia a Gertier no ayudó a salvar la relación con ella: pronto presentó una demanda contra Rembrandt, acusándolo de violar la obligación matrimonial (supuestamente, contrariamente a sus promesas, no se casó con ella). Se cree que el verdadero motivo de la ruptura fue la joven Hendrikje Stoffels, su nueva criada y amante. En ese momento, los asuntos del otrora exitoso, popular y rico pintor habían ido mal: los pedidos eran cada vez menos, su fortuna se había derretido y la casa se vendió por deudas. “Danae” permaneció con él hasta la venta en 1656, luego se perdió su rastro...
La pérdida no se descubrió hasta el siglo XVIII, en la colección del famoso coleccionista francés Pierre Croz. Después de su muerte en 1740, la obra, junto con otras obras maestras, pasó a manos de uno de los tres sobrinos del conocedor de arte. Y luego, por consejo del filósofo Denis Diderot, fue adquirido por la emperatriz rusa Catalina II, que en ese momento estaba seleccionando pinturas para el Hermitage.
"Era un excéntrico de primera clase que despreciaba a todos... Ocupado con el trabajo, no habría aceptado aceptar al primer monarca del mundo y habría tenido que irse", escribió el italiano Baldinucci sobre Rembrandt. cuyo nombre se conservó en la historia sólo gracias a que se convirtió en el biógrafo del “excéntrico” Rembrandt.
Amedeo Modigliani “Desnudo sentado en un sofá” (“Hermosa mujer romana”), 1917, Colección privada
Este cuadro, expuesto hace casi un siglo en una galería parisina entre otras obras de Modigliani que representan bellezas desnudas, provocó un gran escándalo. Y en 2010 se convirtió en uno de los lotes más caros de la subasta más prestigiosa.
“¡Te ordeno que retires toda esta basura inmediatamente!” - Con estas palabras, el comisario Rousslot se reunió con la famosa galerista Bertha Weil, quien fue convocada por él a la estación el 3 de diciembre de 1917. “Pero hay expertos que no comparten su opinión”, señaló Bertha, en cuya galería se encuentran algunos Hace unas horas se inauguró la primera exposición de Amedeo Modigliani, de 33 años, que ya atrajo a una gran multitud. El principal atractivo para los visitantes fueron las imágenes de mujeres desnudas colocadas en los escaparates. De hecho, esto fue lo que dijo el polaco Leopold Zborowski, El amigo y descubridor de Modi, que se convirtió en su nuevo agente artístico y en el iniciador de esta inauguración, contaba con lo siguiente: ¡¿Por más desnudo que esté, puede atraer la atención de los curiosos?! Leo no tuvo en cuenta que en la casa de enfrente había un policía estación y que sus habitantes estarían muy interesados en saber el motivo de tal aglomeración de gente: “¡Si no cumplen inmediatamente mi orden, ordenaré a mis policías que confisquen todo!” - gritó indignado el comisario. Y Berta, con dificultad para reprimir una sonrisa, pensó: "¡Qué idilio: cada policía con un hermoso desnudo en las manos!" Sin embargo, no se atrevió a discutir e inmediatamente cerró la galería, y los invitados la ayudaron a quitar las pinturas "obscenas" de las paredes. Hubo una treintena de lienzos encargados por Zborowski durante 1916-1917, pero pasó mucho tiempo antes de que Los expertos sofisticados y conocedores de la pintura las reconocieron como obras maestras y las llamaron "el triunfo de la desnudez". Sin embargo, ya entonces todo París hablaba de la exposición, y algunos coleccionistas franceses y extranjeros se interesaron seriamente por las obras de los "sin hogar". vagabundo” Dodo, como lo llamaban sus amigos.
Aunque, para ser justos, hay que decir que en ese momento no era un vagabundo: en el verano de 1917, Amedeo y su amada joven artista Jeanne Hebuterne, a quien conoció poco antes de los hechos descritos, alquiló un pequeño apartamento: dos habitaciones vacías. "Estoy esperando al único que se convertirá en mi amor eterno y que a menudo viene a mí en mis sueños", admitió una vez el artista a uno de sus amigos. Quienes conocieron personalmente a Modi dijeron que después de conocer a Zhanna, para Amedeo el sueño y la realidad se fusionaron. Un retrato con sombrero, contra el fondo de una puerta, con un suéter amarillo: en los cuatro años que vivimos juntos, se pintaron más de veinte cuadros con su imagen. El propio Dodo las llamó “declaraciones de amor sobre lienzo”. “Es una modelo ideal, sabe sentarse como una manzana, sin moverse y durante el tiempo que lo necesito”, le escribió a su hermano.
Jeanne se enamoró de Amedeo tal como era (ruidoso, desenfrenado, triste, desenfrenado, inquieto) y lo seguía con resignación a dondequiera que lo llamara. Así como Modi tomó posteriormente cualquier decisión sin dudarlo: ¿debería pintar tres docenas de hechiceras desnudas, permaneciendo cara a cara con cada una de ellas durante días y días? ¡Así es como debería ser! “Imagínese lo que les pasó a las damas cuando vieron al apuesto Modigliani caminando por el bulevar Montparnasse con un cuaderno de bocetos a su disposición, vestido con un traje de terciopelo gris con una valla llena de lápices de colores que sobresalían de cada bolsillo, con una bufanda roja y un gran sombrero negro. No conozco a ninguna mujer que se niegue a venir a su estudio”, recuerda Lunia Czechowska, amiga del pintor. Sirvieron de modelos para la impactante exposición.
Más tarde, Amedeo volvió más de una vez a su tema favorito: retratos de amigos y modelos aleatorios que posaron para él con trajes de Eva, por lo que la gente corriente le reprochaba su pasión. Pero no le dio ninguna importancia a esto, porque al propio Modi le pareció obvio que no se sentía atraído por la superficie de la "estructura corporal", sino por su armonía interna. ¿Puede la belleza ser descarada? Por cierto, sobre esta base, Dodo tuvo un conflicto con el anciano genio Auguste Renoir, quien, como maestro, se comprometió a darle un consejo a su hermano menor: “Cuando pintas una mujer desnuda, debes... suavemente, suavemente Mueve el pincel por el lienzo, como si lo acariciaras”. Modigliani se enfureció y, hablando bruscamente de la voluptuosidad del anciano, se fue sin despedirse.
De la “tentación lánguida única” y del “contenido erótico” de sus cuadros hablarán más tarde, cuando el cantante de carne desnuda ya no esté vivo. Habiendo llevado al autor a otro mundo, los agradecidos descendientes finalmente mirarán las obras del "mendigo Dodo" y comenzarán a valorarlas en millones de dólares, organizando batallas en subastas por el derecho a pagar más que sus competidores. “Sentada desnuda en un sofá” (“Hermosa mujer romana”) también causó un revuelo similar. Fue puesto a la venta en Nueva York el 2 de noviembre de 2010 en el famoso Sotheby's y pasó a formar parte de una colección privada por casi sesenta y nueve millones de dólares, "estableciendo un precio récord absoluto". “Como siempre, no publico el nombre del nuevo propietario.
"¿Por qué no intentas influir de alguna manera en él, ya que se está muriendo de embriaguez y tuberculosis progresiva?" - preguntó a Hebuterne uno de los amigos más cercanos de la pareja, al darse cuenta de lo enfermo que estaba Amedeo. “Modi sabe que tiene que morir. Será mejor para él. En cuanto muera, todos entenderán que es un genio”, respondió. El día después de la muerte de Modigliani, Jeanne lo siguió hasta la eternidad, saliendo por la ventana. Y uno de los que acudió a despedirse del artista y su musa recordó las palabras del maestro: “La felicidad es un hermoso ángel de cara triste”. “Sí”, informaron secamente los medios que siguieron la subasta de élite.
Pierre Auguste Renoir “Desnudo” 1876 Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A. S. Pushkin, Moscú
“Cantante de mujeres, desnudez, gobernante del reino de las damas”: así apodó uno de los biógrafos al artista por su magistral habilidad para transmitir desnudos en el lienzo. Sin embargo, no a todos sus contemporáneos les gustó el tema favorito del maestro.
"Todavía no sabía caminar, pero ya me encantaba pintar damas", repetía a menudo Auguste. "Si Renoir decía: "Amo a las mujeres", esta afirmación no contenía el menor indicio lúdico que la gente empezó a poner en la palabra "amor" del siglo XIX. Las mujeres entienden todo perfectamente. Con ellas el mundo se vuelve completamente simple. Llevan todo a su verdadera esencia y saben perfectamente que su lavado no es menos importante que la constitución del Imperio Alemán. Te sientes más ¡Confianza alrededor de ellos! No fue difícil para él darme una idea del consuelo y la dulzura del cálido nido de su infancia: yo mismo crecí en el mismo ambiente afectuoso”, escribió el famoso director francés Jean Renoir en sus memorias sobre su padre, asegurando que su rica experiencia amorosa llevó a su padre a que al final de su vida creara su propio “concepto de amor” original. Su esencia se reducía a lo siguiente: “Haces estupideces mientras' "Eres joven. No importan si no tienes obligaciones".
Renoir padre sabía lo que decía: él mismo se casó por primera vez a los cuarenta y nueve años y desde entonces, según los relatos de sus seres queridos, se convirtió en el marido más ejemplar y el padre cariñoso de sus tres hijos. a quien dio a luz su amada mujer Alina Sherigo. Cuando se conocieron, la niña tenía poco más de veinte años y el artista se preparaba para celebrar su cuadragésimo cumpleaños. La bella modista Alina, a quien conocía todos los días en un café cerca de su casa, resultó ser absolutamente de su agrado: piel fresca y joven, mejillas sonrosadas, ojos brillantes, cabello hermoso, labios deliciosos. Y aunque Sherigo no entendía de pintura, y el propio maestro no era rico ni guapo, y tuvo que esperar casi diez años para recibir una propuesta oficial, esto no impidió que la belleza viera en él a su futuro esposo, el único. Y el propio Renoir encontró en ella no sólo una esposa devota, sino también la mejor modelo del mundo: a menudo posaba para Auguste y admitía: "No entendía nada, pero me gustaba verlo escribir". “Renoir se sentía atraído por las mujeres del tipo “gato”. Alina Sherigo era la perfección en este género”, escribió su hijo Jean. Y el misógino Edgar Degas, al verla en una de las exposiciones, dijo que parecía una reina visitando a acróbatas errantes.
El modelo debe estar ahí para encenderme, para obligarme a inventar algo que no se me habría ocurrido sin él, para mantenerme dentro de unos límites si me dejo llevar demasiado.
Pierre Auguste Renoir
“Siento pena por los hombres que conquistan a las mujeres. ¡Su trabajo es duro! Día y noche de guardia. Conocí artistas que no crearon nada digno de atención: en lugar de pintar damas, las sedujeron”, se “quejó” una vez el tranquilo Renoir ante sus colegas. Prefirió guardar silencio sobre las relaciones que lo vincularon en su juventud con numerosas Paletas, Cosettes y Georgettes. Sin embargo, fueron ellos, no agobiados por la excesiva escrupulosidad del habitante de Montmartre, quienes posaron a menudo para el pintor. Una de ellas, Anna Leber, fue llevada a su estudio por un amigo y, algún tiempo después, reconoció fácilmente rasgos familiares en el cuadro "Desnudo a la luz del sol": el artista expuso este cuadro en la segunda exposición de los impresionistas. Algunos historiadores del arte creen que Anna se convirtió en el modelo del famoso "Desnudo"; también la llaman "Bañista" y, gracias a su especial interpretación cromática, "Perla". Si las conjeturas de los expertos son correctas, entonces el destino de esta mujer lujosa "en esencia" resultó ser poco envidiable: después de haber contraído la viruela, murió en la flor de la vida y la belleza...
Sin embargo, en 1876, ni Anna ni Auguste, que aún no conocían a Alina, sabían lo que les esperaba en el futuro. Por lo tanto, podía, sin vergüenza, mirar las curvas de las líneas de su cuerpo durante todo el día para darle tangibilidad al retrato (así se llama esta obra). No es de extrañar que confesara: “Sigo trabajando en desnudos hasta que quiero pellizcar el lienzo”.
Por cierto, sus pinturas comenzaron a ser llamadas "sinfonías pintorescas" y "obras maestras del impresionismo", entre las que se encontraba "Desnudo", solo años después. El día de la inauguración de esos años, el crítico de arte Albert Wolff, después de haber visto uno de los desnudos de Renoir, estalló en las páginas del periódico Le Figaro con una diatriba airada: “Inculque al señor Renoir que el cuerpo femenino no es un montón ¡De carne en descomposición con manchas verdes y moradas que indican que el cadáver ya se está pudriendo en pleno apogeo! El propio maestro, dotado de la feliz característica de percibir el mundo en colores brillantes, no dio mucha importancia a su ataque y continuó escribiendo de una manera que sólo le era característica para el deleite de sus admiradores, presentes y futuros. Después de todo, además del amor por su familia, su alma estuvo dominada hasta el final de sus días por una sola pasión: la pintura. E incluso cuando, a consecuencia de una enfermedad, sus dedos no podían sujetar el pincel, continuó pintando, atándolo a su mano.
“¡Hoy me di cuenta de algo!” - Dicen que estas palabras las pronunció Renoir, de setenta y ocho años, antes de ir a último camino- reunirse con su amada Alina, fallecida cuatro años antes.
Diego Velázquez Venus con espejo (Rokeby Venus) 1647–1651 La Galería Nacional, Londres
Los contemporáneos de Diego Velázquez lo consideraban el favorito del destino: el artista no solo tuvo suerte en todos sus esfuerzos, sino que también tuvo la suerte de evitar el fuego de la Inquisición por representar la desnudez femenina. Pero su escandaloso cuadro no logró escapar de la “retribución”...
"¡¿Donde esta la foto?!" - exclamó el poeta romántico francés Théophile Gautier, admirando una de las pinturas del español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Y el Papa Inocencio X comentó: "Demasiado veraz". Sin embargo, el coraje y la capacidad de no embellecer la realidad, que con el tiempo se convirtieron en tarjeta de visita No a todos les agradaron los maestros: el séquito del rey Felipe IV, que apreciaba regalo divino Diego lo consideraba un advenedizo arrogante y narcisista. Pero Velázquez, apasionado de su arte, no desperdició sus energías en argumentos verbales, por lo que la calidad de su obra no hizo más que mejorar y su educación despertó la admiración de sus admiradores. Por ejemplo, uno de los biógrafos, Antonio Palomino, escribió que incluso en su juventud, Diego “se dedicó al estudio de las bellas letras y en su conocimiento de las lenguas y la filosofía superó a muchas personas de su tiempo”. Ya el primer retrato, para el cual el rey fue convencido de posar por el poderoso cortesano y natural de Sevilla, el duque de Olivares, agradó tanto al gobernante que invitó a Velázquez, de veinticuatro años, a convertirse en artista de la corte. Y él, por supuesto, estuvo de acuerdo. Pronto se estableció entre ellos. relaciones amistosas. El pintor y teórico del arte Francisco Pacheco, cuyo alumno Diego fue en su juventud, escribió más tarde que “el gran monarca resultó ser sorprendentemente generoso y solidario con Velázquez. El estudio del artista estaba ubicado en los aposentos reales, donde se instaló un sillón para Su Majestad. El rey, que tenía la llave, venía aquí casi todos los días para supervisar las obras”. La historia guarda silencio sobre cómo reaccionó Pacheco ante el hecho de que su talentoso pupilo comenzó a dejar a su familia durante mucho tiempo, yendo a otros países como cortesano. Aunque se sabe muy poco sobre la esposa de Velázquez, Juana Miranda, y sólo es innegable el hecho de que era hija de Pacheco. Juana le dio a su marido sus hijas Francisco e Ignacia. Por cierto, Francisca repitió el destino de su madre: también se casó con el alumno favorito de su padre, Juan Batista del Mazo. Es cierto que Diego, aparentemente, participó mucho menos en la vida de sus seres queridos que en los asuntos estatales.
“Un hombre excelentemente educado, educado y con sentido de autoestima”, dijo sobre él el artista y escritor veneciano Marco Boschini. Semejante enviado era un excelente representante de la corte española fuera de su patria. Aunque Felipe soltó a regañadientes a su mascota, Velázquez tuvo la oportunidad de realizar largos viajes al extranjero más de una vez. En 1629 realizó su primer viaje a Italia y descubrió encantado todo el mundo de la pintura italiana. El segundo viaje a este país duró de 1648 a 1650: por encargo de Felipe, Diego se dedicó a la selección de obras de arte para la colección real. Se cree que la aparición de uno de los más famosos y pinturas asombrosas Velázquez: la creación de una obra maestra "desvergonzada" supuestamente se inspiró en las pinturas de los grandes italianos Miguel Ángel, Tiziano, Giorgione, Tintoretto, quienes con su coraje inherente capturaron las delicias de las bellezas míticas desnudas.
“Venus y Cupido”, “Venus con espejo”, “Venus Rokeby”: ¡cualquiera que sea el nombre del lienzo durante siglos! Pero su singularidad no reside sólo en la habilidad del autor: es el único desnudo de Velázquez que se conserva. Como saben, los grandes inquisidores, cuya crueldad y actitud intransigente hacia quienes violaban las leyes que establecían adquirieron triste fama, consideraban inaceptables tales libertades. “Al crear voluptuosos desnudos sobre lienzo, los pintores se convierten en guías del diablo, le proporcionan seguidores y habitan el reino del infierno”, dijo uno de los ardientes predicadores de la fe, José de Jesús María. En este caso, la belleza -con o sin espejo- fue la mejor ilustración de lo dicho. Y Diego habría sido quemado, si no en el infierno, ciertamente en la hoguera, si todos los participantes en el “crimen” no hubieran mantenido en secreto todo lo relacionado con esta imagen. Es posible que su creador se salvara del castigo gracias al más alto patrocinio. Presuntamente, la obra fue encargada por uno de los personajes más nobles de España, y la primera mención de ella se remonta a 1651: fue descubierta durante un inventario de la colección de un pariente del influyente Olivares, el Marqués del Carpio. Todavía hay debate sobre cuál de las damas sirvió de modelo. Según una versión, Diego fue posado por la famosa actriz y bailarina madrileña Damiana, quien era la amante del marqués, una apasionada coleccionista, conocedora de arte y mujeres bonitas. Según otra suposición, un italiano entregó su cuerpo a Venus. Quizás fuera la amante secreta de Velázquez: dicen que el romance realmente ocurrió, de lo que supuestamente hay pruebas. Además de evidencia de que al poco tiempo de partir el artista a España, tuvo un hijo, para cuyo mantenimiento Diego envió fondos.
Y este no es el último secreto de “Venus”. Los amantes del misticismo afirman que cada propietario posterior quebró y se vio obligado a poner el cuadro a la venta. Así, vagó de mano en mano hasta encontrarse en la finca inglesa de Rokeby Park, en el condado de Yorkshire, que le dio uno de sus nombres. Y en 1906, el cuadro fue adquirido por la The National Gallery de Londres: allí, el 10 de marzo de 1914, tuvo lugar la siguiente historia...
¿Dónde está el cuadro? Todo parece real en tu foto, como en un espejo.
francisco de quevedo
Una chica corriente entró al pasillo donde se encontraba el lienzo. Al acercarse a la obra maestra, agarró un cuchillo de su pecho y, antes de que los guardias pudieran detenerla, la golpeó siete veces. Durante la investigación, Mary Richardson explicó su acto de esta manera: “Venus con espejo” se convirtió en objeto de deseo para los hombres. Estos machistas la miran como una postal pornográfica. ¡Las mujeres de todo el mundo me agradecen haber puesto fin a esto!” Más tarde resultó que la señorita Richardson era una sufragista, una participante en el movimiento para otorgar a las mujeres el derecho al voto. Y de una forma tan poco original intentó llamar la atención del público sobre la suerte de Emmeline Pankhurst, la líder de este movimiento, que se encontraba nuevamente en prisión, donde se declaró en huelga de hambre.
Y “Venus” fue restaurada: tres meses después volvió a la galería. Y allí, como hace siglos, admira su reflejo.
Edouard Manet “Olympia” 1863 Museo de Orsay, París
Este cuadro, pintado hace exactamente 150 años, hoy se considera una obra maestra del impresionismo y muchos coleccionistas sueñan con tenerlo en su colección. Sin embargo, su primera aparición en una prestigiosa inauguración en el siglo XIX provocó uno de los mayores escándalos de la historia del arte.
Probablemente previendo una mala acogida, Édouard Manet no tenía prisa por exponer su obra al público. De hecho, en el mismo 1863, ya logró distinguirse al presentar al jurado "Desayuno sobre la hierba", que fue inmediatamente condenado al ostracismo: su modelo fue acusado de vulgaridad, llamándolo una moza callejera desnuda, colocada descaradamente entre dos dandies. El propio autor fue acusado de inmoralidad y no se esperaba de él nada digno. Pero los amigos, entre los que se encontraba el famoso poeta y crítico francés Charles Baudelaire, convencieron al maestro de que su nueva creación no tendría igual. Y el poeta Zachary Astruc, admirando a Venus (se cree que la obra fue escrita bajo la influencia de la "Venus de Urbino" de Tiziano y originalmente llevaba el nombre de la diosa del amor), inmediatamente nombró a la belleza Olimpia y dedicó el poema "Hija de la isla." Sus líneas fueron colocadas debajo del lienzo cuando dos años más tarde, en 1865, Manet finalmente decidió exponerlo en el Salón de París, uno de los más prestigiosos de Francia. ¡Pero qué empezó aquí!..
“Tan pronto como Olimpia tenga tiempo de despertarse del sueño,
Un mensajero negro con una brazada de primavera ante ella;
Ese es el mensajero de un esclavo que no puede ser olvidado,
Convirtiendo la noche del amor en días florecientes” -
Los primeros visitantes leyeron el pie de foto del cuadro. Pero en cuanto miraron la imagen, se alejaron indignados. Por desgracia, el encaje poético que despertó su favor no afectó en lo más mínimo su actitud hacia la obra en sí. "Lavandera de Batignolles" (el taller de Edouard estaba en el barrio de Batignolles), "un cartel para un stand", "una odalisca de vientre amarillo", "trucos sucios": estos epítetos resultaron ser los más suaves de todos los que la multitud ofendida Olimpia premiada. Además, más: “Esta morena es repugnantemente fea, su cara es estúpida, su piel es como la de un cadáver”, “Una gorila hembra hecha de goma y representada completamente desnuda”, “Su mano parece estar en un espasmo obsceno, “Vino de todos lados. Los críticos se volvieron más sofisticados en su ingenio, afirmando que “el arte que ha caído tan bajo ni siquiera es digno de condena”. A Mana le pareció que el mundo entero se había vuelto contra él. Incluso aquellos que estaban bien dispuestos no pudieron resistirse a comentar: "Te daré una espada de una baraja de cartas, ahora mismo".
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| Artista Édouard Manet. |
“Salida del baño” así la llamó su colega Gustave Coubret. “El tono del cuerpo es sucio y no hay modelado”, se hizo eco el poeta Théophile Gautier. Pero el artista simplemente siguió el ejemplo de su pintor favorito, el universalmente reconocido Diego Velázquez, y transmitió diferentes tonos de negro... Sin embargo, las tareas coloristas que se propuso y resolvió brillantemente preocuparon poco al público: los rumores sobre quién sirvió como modelo para su obra, provocó tal ola de ira universal que hubo que asignar seguridad al Olimpia. Tiempo después, la dirección de la sala de exposiciones se vio obligada a elevarla a una altura donde las manos y los bastones del “público virtuoso” no pudieran alcanzar. Los críticos de arte y los pintores estaban indignados por la desviación de los cánones: era costumbre representar a las damas desnudas exclusivamente como diosas míticas, y en el modelo de Eduardo su contemporáneo era claramente discernible, además, el autor se permitió el libre uso del color e invadió sobre normas estéticas. Los habitantes franceses estaban preocupados por otra cosa: el hecho es que se extendió por toda la ciudad el rumor, felizmente recogido por la multitud, de que Olimpia había recibido su apariencia de la famosa cortesana parisina y amante del emperador Napoleón III, Marguerite Bellanger. Por cierto, el propio Napoleón, conocedor del arte, adquirió en el mismo 1865 “ imagen principal Salón” - “El nacimiento de Venus” del maestro y académico Alexander Cabanel. Al final resultó que, su modelo no confundió al emperador con nada más que una pose frívola o formas borrosas, porque cumplía plenamente con las leyes del género. A diferencia de la deshonrada "Olympia" con su escandalosa "biografía".
Según la versión oficial, no fue Margarita quien posó para el cuadro, sino la modelo favorita de Manet, Quiz-Louise Meurand: no dudó en desnudarse para “Desayuno sobre la hierba” y apareció en otros de sus lienzos. Otros artistas también la invitaban a menudo como modelo, gracias a lo cual Victorina apareció en las pinturas de Edgar Degas y Norbert Gonette. Es cierto que esta chica no se distinguía por su buen comportamiento y castidad: no en vano uno de sus conocidos la llamó "una criatura descarriada que hablaba como mujeres de la calle parisinas". Con el tiempo, se despidió de su sueño de convertirse en actriz y luego en artista (varias de sus talentosas obras han sobrevivido), se volvió adicta al alcohol, comenzó una aventura con una tal Marie Pellegri y en sus últimos años adquirió un loro. , con el que caminaba por las calles de la ciudad, cantando canciones con una guitarra pidiendo limosna, para eso vivía.
¿Quién te esculpió en la oscuridad de la noche? ¿Qué clase de Fausto nativo, demonio de la sabana? Hueles a almizcle y tabaco de La Habana, hija de Medianoche, mi ídolo fatal...
Carlos Baudelaire
Y ridiculizada, acusada de vulgaridad y desvergüenza, "Olympia" comenzó una vida independiente. Después del cierre del Salón, pasó casi un cuarto de siglo en el estudio de Manet, donde sólo los conocidos de Eduardo podían admirarlo, porque los museos, galerías y coleccionistas no vieron su valor artístico y se negaron rotundamente a comprarlo. La opinión pública no se dejó influenciar por la defensa del destacado crítico de arte y periodista Antonin Proust, quien, como amigo de su juventud, escribió: "Edward nunca logró volverse vulgar; se podía sentir la raza en él". Ni la convicción del escritor Emile Zola, quien señaló en uno de los artículos publicados en un periódico parisino que el destino le tenía preparado un lugar en el Louvre. Sin embargo, sus palabras se hicieron realidad, pero la belleza tuvo que esperar casi medio siglo. En ese momento, el propio autor ya se había ido de este mundo durante mucho tiempo, y su amada creación casi fue entregada, junto con otras obras, a un amante del arte estadounidense. La situación fue salvada por el amigo del maestro, Claude Monet: para que la obra maestra, y de esto no tenía ninguna duda, no abandonara Francia para siempre, organizó una suscripción, gracias a la cual se recaudaron veinte mil francos. Esta cantidad fue suficiente para comprar el lienzo a la viuda de Manet y donarlo al Estado, que durante tantos años se había negado a tal adquisición. Los funcionarios del arte aceptaron el regalo y se vieron obligados a exponerlo, pero no en el Louvre (¡qué posible!), sino en una de las salas del Palacio de Luxemburgo, donde el cuadro permaneció durante dieciséis años. No fue trasladado al Louvre hasta 1907. Exactamente cuarenta años después, en 1947, cuando se inauguró el Museo del Impresionismo en París (sobre esta base se creó posteriormente la colección del Museo de Orsay), "Olympia" se instaló allí. Y ahora los conocedores se quedan helados de admiración ante la mujer que, en palabras de Zola, el artista “arrojó sobre el lienzo en toda su belleza juvenil”.
Rafael Santi “Fornarina” 1518-1519 Galería Nacional de Arte Antiguo. Palacio Barberini, Roma
Se cree que fue Rafael quien la capturó en la imagen de la famosa "Madonna Sixtina". Es cierto que dicen que en vida Margarita Luti no estuvo nada libre de pecado...
Cuando esta mujer apareció en la vida de Rafael Santi, él ya era famoso y rico. Acerca de fecha exacta Los críticos de arte e historiadores todavía no se ponen de acuerdo en sus encuentros, pero transmiten leyendas por escrito y oralmente, que a lo largo de los últimos siglos se han ido complementando con muchos detalles. Algunos biógrafos del artista afirman que se conocieron por pura casualidad, cuando Rafael paseaba una tarde por la orilla del Tíber. Cabe señalar que fue durante este período que trabajó por orden de Agostino Chigi, un noble banquero romano que invitó al eminente pintor a pintar las paredes de su palacio Farnesino. Las tramas de “Las Tres Gracias” y “Galatea” ya las han adornado. Y con el tercero, "Apolo y Psique", surgió una dificultad: Rafael no pudo encontrar un modelo para representar a la antigua diosa. Y entonces se presentó la oportunidad. "¡La encontre!" - exclamó el artista al ver a la chica acercarse a él. Se cree que fue con estas palabras que comenzó una nueva era en su vida personal. Resultó que la joven belleza se llamaba Margherita y era hija del panadero Francesco Luti, quien hace muchos años se mudó de la pequeña y soleada Siena a Roma. "¡Oh, eres una fornarina maravillosa, panadero!" - dijo Raphael (traducido del italiano fornaro o fornarino - panadero, panadero) e inmediatamente la invitó a posar para la futura obra maestra. Pero Margarita no se atrevió a dar su consentimiento sin obtener el permiso de su padre. Y él, a su vez, es el novio de la hija de Tomaso. Como ha demostrado la experiencia, la importante suma entregada por Rafael al padre Luti tuvo un efecto más elocuente que cualquier palabra: después de recibir tres mil monedas de oro, permitió felizmente que su muchacha sirviera al arte día y noche. La propia Margarita-Fornarina se sometió gustosa a la voluntad de sus padres, pues aunque era muy joven (se cree que apenas tenía diecisiete años), la intuición femenina la incitó: el famoso y rico artista estaba enamorado de ella. Y pronto la niña se mudó a una villa (presumiblemente en Via di Porta Settimiana), que Rafael alquiló especialmente para ella. Desde entonces, dicen, no se han separado. Por cierto, en esta dirección se encuentra ahora el hotel Relais Casa della Fornarina, cuyo sitio web afirma que la amada de Rafael vivió aquí en el siglo XVI. Es cierto que no por mucho tiempo: dado que el deseo de pasar tiempo en su compañía interfería con el trabajo, Chigi invitó al maestro a instalar a Margarita junto a él en Farnesino. Así lo hizo.
Cupido, detén la luz cegadora
Dos ojos maravillosos enviados por ti.
Prometen frío o calor de verano,
Pero no hay en ellos una pequeña gota de compasión.
Apenas conocía su encanto,
Cómo perdí mi libertad y mi paz.
rafael santi
Hoy en día es difícil decir qué es verdad y qué es ficción en esta historia, porque según algunas fuentes, comenzó en 1514, es decir, hace casi medio milenio. Tampoco se puede confirmar si esta mujer aparece en otros cuadros del artista, por ejemplo en “Donna Valeta”. Aunque los alumnos de Rafael participaron en la creación de muchas de sus obras monumentales, se puede suponer que él escribió personalmente Fornarina, al igual que la Virgen Sixtina. Probablemente porque, muchos años después, frente a la “Madonna” en la sala de Dresde galería de arte, señaló el poeta ruso Vasily Zhukovsky: “El alma humana tuvo tal revelación una vez, no puede suceder dos veces”. Sólo se puede suponer que la pintura fue escrita por Margherita Luti, como dicen muchas fuentes: en las "Biografías" compiladas por el autorizado biógrafo del Renacimiento Giorgio Vasari, este nombre no se menciona. Sólo existe esta frase: “Marcantonio hizo muchos más grabados para Rafael, que regaló a su alumna Baviera, asignados a la mujer que amó hasta su muerte, cuyo retrato más hermoso, donde parece viva, está ahora en posesión. del muy noble Matteo Botti, comerciante florentino; Trata este retrato como una reliquia, por amor al arte y a Rafael en particular”. Y ni una palabra más. Siglos más tarde, uno de los lectores de Vasari escribió en el margen de estas líneas que su nombre era Margherita: la dama fue bautizada como Fornarina en el siglo XVIII.
Pero el boca a boca no se puede detener. “¡Hermosa, como la Madonna de Rafael!” - y ahora dicen los que quieren describir la verdadera belleza. Pero los contemporáneos de Rafael aseguraron que la encantadora mujer en cuestión no se distinguía por la castidad: en los días en que el maestro estaba ocupado con el trabajo, ella fácilmente encontraba un sustituto para él, pasando el tiempo en brazos de uno de sus alumnos o del banquero. él mismo. Los conciudadanos del maestro estaban convencidos, y luego aseguraron al mundo entero, que Rafael había muerto en sus brazos a causa de un fallo cardíaco. Esto sucedió el 6 de abril de 1520, cuando el artista acababa de cumplir treinta y siete años.
Es poco probable que se sepa si esto es cierto o no. Pero se sabe con certeza que Rafael no respondió a la propuesta de su amigo el cardenal Bernardo Divizio di Bibbiena, quien, según Vasari, le pedía desde hacía muchos años que se casara con su sobrina. Sin embargo, Rafael, “sin negarse directamente a cumplir los deseos del cardenal, retrasó el asunto. Mientras tanto, poco a poco se entregó a los placeres amorosos en mayor medida de lo que debería, y un día, tras haber cruzado los límites, regresó a casa con una fiebre intensa. Los médicos pensaron que estaba resfriado y lo sangraron descuidadamente, como resultado de lo cual quedó muy débil”. La medicina era impotente.
“Fornarina” emprende su propio viaje: por primera vez se menciona una obra que representa a una mujer desnuda a partir de las palabras de una persona que la vio en la colección Sforza Santa Fiora. En su hombro izquierdo luce una pulsera con la inscripción “Rafael de Urbino”, que dio lugar a la identificación de la modelo con el legendario amante. Forma parte de las colecciones del Palacio Barberini desde 1642. Los estudios de rayos X mostraron que esta pintura fue posteriormente “corregida” por el alumno de Rafael, Giulio Romano.
“Rafael habría logrado un éxito brillante en la coloración si su constitución ardiente, que constantemente lo atraía al amor, no le hubiera causado una muerte prematura”, escribió uno de los admiradores de su obra. “Aquí yace el gran Rafael, durante cuya vida la naturaleza temía ser derrotada, y después de su muerte temía morir”, dice el epitafio tallado en su lápida en el Panteón.
Gustav KLIMT “Leyenda” 1883 Museo de Viena Karlsplatz, Viena
Gustav Klimt es famoso por sus extrañas representaciones de mujeres desnudas: a principios del siglo XX, sus pinturas, caracterizadas por un franco erotismo, conmocionaron al refinado público vienés y los guardianes morales las llamaron pornográficas.
Pero no siempre fue así: uno de los primeros pedidos que recibió el aspirante a artista del editor Martin Gerlach fue realizar ilustraciones para el libro "Alegorías y emblemas"; el joven Gustav lo completó de forma independiente y, probablemente, en total conformidad con su Requisitos e ideas sobre la belleza. En cualquier caso, no hay información sobre quejas de Gerlach. Aunque en el centro de la trama hay una belleza desnuda. Los críticos calificaron esta desnudez como casi casta. “Ya en sus primeros cuadros, Klimt dio un lugar de honor a la Mujer: desde entonces no dejó de glorificarla. Animales obedientes son colocados como decoración a los pies de una heroína asombrosa y sensual que da por sentada su obediencia”, se deleitaron con su propia elocuencia. Y aclararon que el autor necesitaba los animales sólo para mostrar a esta primera Eva voluptuosa bajo la luz más favorable. Fábula: este es el título de la película en el original. En la traducción rusa se le conoce como diferentes nombres: “Leyenda”, “Cuento de hadas”, “Fábula”. Lo que permanece inalterable es la reacción del público, a quien le cuesta creer que pertenezca al pincel del mismo Gustav Klimt, un erotómano impactante, un genio y un "pervertido decadente", como lo llamaban sus conciudadanos. Pero muchas cosas han cambiado desde entonces, incluido su estilo artístico.
“Él mismo parecía un plebeyo torpe que no podía juntar dos palabras. Pero sus manos eran capaces de convertir a las mujeres en preciosas orquídeas que surgían de las profundidades de un sueño mágico”, recordó uno de los amigos del artista. Es cierto que su opinión no fue compartida por todos los contemporáneos de Klimt. Al fin y al cabo, fue la representación “obscena” de la desnudez femenina lo que provocó uno de los escándalos más sonados del arte. Tuvo lugar en Viena siete años después de la creación de Fable, en vísperas de 1900, cuando el joven pintor presentó al público, y lo más importante, a los clientes, los venerables profesores de la Universidad de Viena, los cuadros "Filosofía", “Medicina” y “Jurisprudencia”: debían decorar el techo del edificio principal del Templo de las Ciencias. Al observar las pinturas, los expertos se sorprendieron por la “fealdad y desnudez” e inmediatamente acusaron al autor de “pornografía, perversidad excesiva y demostración del triunfo de la oscuridad sobre la luz”. ¡El escandaloso caso fue discutido incluso en el parlamento! Nadie hizo caso de las advertencias del profesor de arte Franz von Wickhoff, la única persona que intentó defender a Klimt en la legendaria conferencia "¿Qué es feo?" Como resultado, las pinturas no se exhibieron en el edificio de la universidad. Sin embargo, esta historia ayudó a Gustav a llegar a una conclusión importante: la independencia creativa es la única forma de preservar la originalidad. “Basta de censura. Me las arreglaré solo. Quiero ser libre. Quiero deshacerme de todas estas tonterías que me frenan y recuperar mi trabajo. Rechazo cualquier ayuda y orden del gobierno. Lo renuncio a todo”, dijo en una entrevista varios años después. Y se dirigió al gobierno para pedirle que le permitiera recomprar las obras deshonradas. “Todos los ataques de crítica casi no me tocaron en ese momento, y además, era imposible quitarme la felicidad que sentí mientras trabajaba en estas obras. En general no soy muy sensible a los ataques. Pero me vuelvo mucho más receptivo si entiendo que la persona que encargó mi trabajo no está satisfecha con él. Como cuando se tapan cuadros”, explicó en una entrevista con un periodista vienés. Su solicitud fue concedida por el gobierno. Más tarde, las pinturas acabaron en colecciones privadas, pero al final de la Segunda Guerra Mundial fueron quemadas por las tropas de las SS en retirada en el castillo de Immerhof, donde luego se conservaron. El propio Klimt no lo sabía, porque todo esto sucedió cuando el maestro ya no estaba vivo.
Todo arte es erótico.
Adolfo Loos
Afortunadamente, en el siglo XX, la reacción del público no enfrió su ardor: confió en las damas: ellas fueron las que le brindaron la libertad deseada. Aunque el deseo de "retratar audazmente a Eva, el prototipo de todas las mujeres, en todas las poses imaginables, para quien el objeto de tentación no es la manzana, sino su cuerpo", nunca desapareció de él, Gustav prefirió ganar dinero con creando retratos de los compañeros de vida de los magnates vieneses. Así apareció la famosa "Galería de las esposas", que le dio a Klimt no solo dinero, sino también fama: Sonya Knieps, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer: el maestro supo complacer a los prósperos ciudadanos de Viena. Retrataba a sus seres queridos como infinitamente encantadores, pero con cierto toque de arrogancia. Habiendo dado una vez a una dama de alta sociedad Estos rasgos, repitió la técnica más de una vez. Entonces " mujeres fatales, erótica y estética” se convirtió en la tarjeta de presentación de Klimt.
Afortunadamente, al artista no le faltaron modelos, desnudos o vestidos con ropa lujosa. Aunque se hicieron leyendas sobre su carácter amoroso, durante veintisiete años la fiel compañera de Gustav fue Emilia Flöge, diseñadora de moda y propietaria de una casa de moda. Es cierto que dijeron que solo los unía una amistad conmovedora y que la relación de pareja era exclusivamente platónica. Y, sin embargo, se cree que fue ella y él mismo quien capturó en el famoso "Beso".
Probablemente seguirá siendo un misterio quién inspiró los rasgos de la belleza de Fable, uno de esos que a Klimt le encantaba crear. "Cualquiera que quiera saber algo sobre mí como artista, y eso es todo lo que me interesa, debería mirar atentamente mis pinturas", aconsejó. Quizás las respuestas a todas las preguntas estén realmente escondidas en ellas.
Dante Gabriel Rossetti “Venus Verticordia” 1864–1868 Galería de arte y museo Russell-Cotes, Bournemouth
Dante Gabriel Rossetti se hizo famoso como uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita, un poeta y artista original que creó una serie de obras eróticas. retratos de mujeres. Y también con payasadas impactantes que hicieron estallar a la sociedad puritana.
"Si lo conocieras, lo amarías y él te amaría a ti; todos los que lo conocieron se dejaron llevar por él. Era completamente diferente de otras personas", dijo Jane Burden Morris sobre Rossetti, quien durante muchos años ocupó el lugar de la amada mujer y modelo de Dante. Pero no sólo ella...
Esta historia comenzó en octubre de 1857, cuando Jane y su hermana Elizabeth fueron al Teatro Drury Lane de Londres. Allí Rossetti y su colega Edward Burne-Jones la notaron. Los contemporáneos notaron que Jenny, como comenzaron a llamarla sus amigos prerrafaelitas, no se distinguía por la belleza tradicional, pero llamaba la atención por su diferencia con los demás. “¡Qué clase de mujer es esta! Ella es hermosa en todo. Imagínese a una dama alta y delgada, con un vestido largo de tela de color púrpura apagado, hecho de material natural, con una mata de cabello negro y rizado que cae en grandes ondas a lo largo de sus sienes, un rostro pequeño y pálido, grandes ojos oscuros, profundo... con espesas cejas negras y arqueadas. Un cuello alto y abierto cubierto de perlas y, al final, pura perfección”, admiraba uno de sus conocidos. Ella era sorprendentemente diferente de las jóvenes seculares "clásicas": esto es lo que excitó la imaginación de los prerrafaelitas, quienes declararon su renuencia a seguir las leyes de la pintura académica. Cuentan que al verla, Rossetti exclamó: “¡Qué vista impresionante! ¡Espléndido!" Y luego invitó a la niña a posar. Otros artistas apreciaron su elección y comenzaron a competir entre sí para invitar a Jane, de soltera Burden, a sus sesiones. No es difícil adivinar cómo reaccionó ante esto la musa oficial de los prerrafaelitas, Elizabeth Siddal, que llevó este título durante muchos años. Después de todo, Lizzie también era Concubina Rossetti: prometió legitimar su relación. Todos conocían este apasionado y doloroso romance para ambos. Así como el hecho de que el amoroso Dante estuvo “inspirado” todos estos años en brazos de otras modelos. Las experiencias socavaron la mala salud de Siddal, que sacrificó en el pleno sentido de la palabra al arte. Se dice que, mientras posaba en 1852 para el famoso cuadro de John Millais “Ofelia”, pasó muchas horas seguidas en un baño de agua, representando a Ofelia ahogada. Sucedió en invierno y se apagó la lámpara que calentaba el agua. La niña se resfrió y enfermó gravemente. Se cree que le recetaron un medicamento a base de opio como tratamiento. Hay que reconocer que Dante cumplió su palabra y se casó con Lizzie en mayo de 1860. Y en febrero de 1862 ya no estaba. Isabel murió por una sobredosis de opio, que tomaba para aliviar el dolor: poco antes había perdido a su hijo y su relación con Rossetti se había roto. Nunca fue posible saber si su muerte fue sólo un accidente fatal.
Pero el tiempo pasó: Jane Burden estaba cerca. Y aunque ya era esposa de William Morris, su “tierna” amistad con Rossetti continuó. El cónyuge legal estaba por encima de las convenciones y no interfería en la relación. ¿Quizás él mismo los “profetizó”? Después de todo, el único cuadro completado por Morris es Jane en la imagen de la "Reina Ginevra": como saben, esta dama era la esposa del rey Arturo, quien, según una versión, se convirtió en la amada de su caballero Lancelot. Sea como fuere, fue Jane quien devolvió la vida a Dante, despertando en él el deseo de crear. Unos años más tarde decidió publicar sus primeras creaciones poéticas. Por desgracia, no quedaron borradores de los sonetos, y luego cometió un acto del que todo Londres había estado hablando durante mucho tiempo: exhumó y sacó a la luz los manuscritos una vez perdidos. "Sus sonetos están imbuidos de contenido místico y erótico", respondieron los críticos y los lectores los aceptaron con deleite.
La vida continuó y ahora Jane, como alguna vez Elizabeth, apareció en casi todos los lienzos, gracias a lo cual entró en la historia de la pintura. Sin embargo, sigue siendo un misterio si la famosa "Venus Verticordia" - "Venus que convierte los corazones" - aún conserva sus rasgos. En ese momento, Rossetti tenía otra modelo favorita: la niña se llamaba Alexa Wilding, aunque todos la llamaban Alice. Se cree que en enero de 1868 esta pintura fue reescrita con el rostro de Wilding, aunque la ama de llaves del artista, Fanny Cornforth, originalmente posó para "Venus". ¿Es esto así? Un misterio, uno de esos que Rossetti se llevó consigo. Otra cosa es sorprendente: Venus Verticordia es el nombre del antiguo culto romano y las imágenes de la diosa Venus, que "convierte" los corazones de las personas "de la lujuria a la castidad". Y la obra del mismo nombre es casi el único ejemplo de desnudez en la obra de Rossetti. Por cierto, la señorita Alexa Wilding es también una de las pocas musas de Dante con la que el maestro no tuvo una relación amorosa.
Tiziano Vecellio Venus de Urbino 1538 Galería de los Uffizi, Florencia
Venus Pudica - "Venus Casta", "tímida", "modesta" - los contemporáneos de Tiziano llamaron imágenes similares de la diosa del amor. “Una chica que lleva sólo un anillo, una pulsera y pendientes, aunque se sienta un poco avergonzada, es plenamente consciente de su belleza”, dicen sobre la belleza actual. Y esta historia comenzó hace 475 años.
Cuando el duque Guidobaldo II della Rovere envió un correo a Venecia en la primavera de 1538, recibió instrucciones claras: no regresar sin los lienzos encargados a Tiziano. Por la correspondencia del duque se sabe que hablaban de un retrato del propio Guidobaldo y de una tal la donna nuda, “una mujer desnuda”. Como puede ver, el sirviente hizo frente bien a la tarea: Guidobaldo, quien más tarde se convirtió en duque de Urbino, adquirió lienzos y la gracia desnuda en la pintura recibió un nuevo nombre: "Venus de Urbino".
En Venecia: ¡toda la perfección de la belleza! Doy el primer lugar a su cuadro, del que Tiziano es el abanderado.
Diego Velázquez
En ese momento, Tiziano Vecellio, que tenía unos cincuenta años, era conocido desde hacía mucho tiempo como un maestro famoso y llevaba el título de primer artista de la República de Venecia. Conciudadanos famosos hicieron cola, queriendo tener su propio retrato en su ejecución. "Con una perspicacia asombrosa, el artista retrató a sus contemporáneos, capturando los rasgos más diversos, a veces contradictorios, de sus personajes: confianza en sí mismo, orgullo y dignidad, sospecha, hipocresía, engaño", señalaron los críticos de arte del siglo XIX. “Cuando intentas imaginar a Tiziano, ves persona feliz, el más feliz y próspero que jamás haya existido entre los de su especie, que sólo recibió del cielo favores y buena fortuna... Que acogió las casas de reyes, dux, el Papa Pablo III y todos los soberanos italianos, fue bombardeado con pedidos, ampliamente pagados. , recibiendo pensiones y aprovechando hábilmente su felicidad. Dirige su casa a lo grande, viste magníficamente, invita a su mesa a cardenales, nobles, los más grandes artistas y científicos más talentosos de su tiempo”, escribió sobre él el historiador francés Hippolyte Taine a principios del siglo XIX. Esta era probablemente la opinión de los venecianos ricos. Probablemente se preguntarían por qué este favorito del destino tenía tan pocas aventuras amorosas. De hecho, por larga vida A Tiziano se le asocia sólo con tres nombres femeninos. Y aun así, dos de ellos, muy probablemente, sólo para crear una hermosa historia romántica. Se sabe con certeza: su única esposa fue Cecilia Soldano, con quien se casó en 1525, habiendo vivido con ella durante varios años en “matrimonio civil” antes de la boda. Y en 1530 murió, dejando a su marido con hijos. Es difícil decir si pintó retratos de Cecilia reales o en forma de bellezas míticas, pero conservó el recuerdo de esta mujer. Fue hacia él, el ilustre y célebre Vecellio, amante de la vida, sabio por la experiencia de victorias y derrotas, a quien el duque Guidobaldo se dirigió...
En el casi medio milenio transcurrido desde el nacimiento de la diosa de Tiziano, los historiadores del arte probablemente han estudiado cada trazo de su lujoso cuerpo, pero nunca descubrieron quién sirvió de modelo. Algunos creen que el lienzo representa a la joven esposa de Guidobaldo, Julia Varano. Otros no tienen dudas: el maestro posó... la madre del duque, Eleanor Gonzaga. En sus suposiciones, se refieren a la similitud entre “Venus” y el retrato de Leonor de Tiziano y al hecho de que ambos lienzos representan “el mismo perro acurrucado en una bola”. Algunos de ellos distinguen cada elemento del entorno de la dama y todo esto, en su opinión, personifica los vínculos del matrimonio. Un ramo de rosas en la mano es un atributo de Venus, un perro a los pies es un símbolo de devoción y las doncellas cerca del cofre con ropa y una flor en la abertura de la ventana, para crear una atmósfera de intimidad y calidez. Estuvieron felices de llamar a la obra “un retrato alegórico de un famoso aristócrata, una “diosa doméstica”, que transmite el lujo y la sensualidad venecianas. Probablemente Tiziano quiso hablar de sexualidad en su cuadro, combinando el erotismo apasionante con las virtudes del matrimonio y, sobre todo, con la fidelidad que representa el perro”, argumentan. Otros afirman cínicamente que sobre la cama del interior de los aposentos ducales se encuentra una dama de la clase media: una cortesana. Los representantes de esta profesión en el siglo XVI ocuparon una alta posición social y, gracias al esfuerzo de los pintores, a menudo permanecieron en la eternidad. Pero ahora no importa. Otra cosa es importante: la obra de Tiziano dio origen a seguidores talentosos: Alberti, Tintoretto, Veronese. La propia "Venus de Urbino", 325 años después, en 1863, inspiró a su colega más joven, Edouard Manet, a crear la asombrosa "Olympia". Y el resto -incluso quinientos años después- admira el talento de un genio besado por Dios.
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