Impactantes obras maestras de la pintura clásica. Ilustraciones de Valdemar Cosaco Dibujos y pinturas de desnudos

Hay temas eternos en el arte. Uno de ellos es el tema de la mujer, el tema de la maternidad. Cada era tiene su propio ideal de mujer, toda la historia de la humanidad se refleja en cómo la gente veía a una mujer, qué mitos la rodeaban y la ayudaban a crear. Exactamente una cosa - en todas las épocas y tiempos El carácter femenino ha atraído, atrae y atraerá la especial atención de los artistas.

Las imágenes de mujeres creadas en el arte del retrato llevan el ideal poético en la unidad armoniosa de sus cualidades espirituales y apariencia externa. A partir de los retratos, podemos juzgar cómo la apariencia de una mujer, su almacén mental, está influenciado por los acontecimientos sociales, la moda, la literatura, el arte y la pintura misma.

Te presentamos una variedad de imágenes de mujeres en la pintura en diferentes direcciones.

REALISMO

La esencia de la dirección es la fijación más precisa y objetiva de la realidad. El nacimiento del realismo en la pintura se asocia con mayor frecuencia con el trabajo del artista francés Gustave Courbet, quien inauguró su exposición personal "Pabellón del Realismo" en 1855 en París. Se opone al romanticismo y al academicismo. En la década de 1870, el realismo se dividió en dos áreas principales: el naturalismo y el impresionismo. Los naturalistas eran llamados artistas que buscaban capturar la realidad con la mayor precisión posible, fotográficamente.

Iván Kramskoy "Desconocido"

Serov "Niña con melocotones"

ACADEMISMO

El academicismo creció siguiendo las formas externas del arte clásico. El academicismo encarnó las tradiciones del arte antiguo, en el que se idealiza la imagen de la naturaleza. El academicismo ruso de la primera mitad del siglo XIX se caracteriza por temas sublimes, alto estilo metafórico, versatilidad, múltiples figuras y pomposidad. Las escenas bíblicas, los paisajes de salón y los retratos ceremoniales eran populares. A pesar del tema limitado de las pinturas, las obras de los académicos se distinguieron por su alta habilidad técnica.

Bouguereau "Pléyades"

Bouguereau "Estado de ánimo"

Cabanel "El Nacimiento de Venus"

IMPRESIONISMO

Los representantes del estilo buscaron capturar el mundo real en su movilidad y variabilidad de la manera más natural e imparcial, para transmitir sus fugaces impresiones. El impresionismo francés no planteó cuestiones filosóficas. En cambio, el impresionismo se enfoca en la superficialidad, la fluidez del momento, el estado de ánimo, la iluminación o el ángulo de visión. Sus pinturas representaban solo los aspectos positivos de la vida, no violaban los problemas sociales y evitaban problemas como el hambre, la enfermedad y la muerte. Se descartaron tramas bíblicas, literarias, mitológicas, históricas inherentes al academicismo oficial. Tomaron temas de coqueteo, baile, hospedaje en cafés y teatros, paseos en bote, en playas y en jardines. A juzgar por las pinturas de los impresionistas, la vida es una serie de pequeñas vacaciones, fiestas, pasatiempos agradables fuera de la ciudad o en un ambiente agradable.

Boldini "Moulin Rouge"

Renoir "Retrato de Jeanne Samary"

Manet "Desayuno en la hierba"

Mayonesa "Rosa Brava"

Lautrec "Mujer con paraguas"

SIMBOLISMO

Los simbolistas cambiaron radicalmente no solo varios tipos de arte, sino también la actitud misma hacia él. Su naturaleza experimental, el deseo de innovación, el cosmopolitismo se han convertido en un modelo para la mayoría de los movimientos artísticos contemporáneos. Usaron símbolos, subestimación, alusiones, misterio, misterio. El estado de ánimo principal era a menudo el pesimismo, llegando al punto de la desesperación. A diferencia de otras tendencias en el arte, el simbolismo sugiere la expresión de ideas "inalcanzables", a veces místicas, imágenes de la Eternidad y la Belleza.

Redon "Ofelia"

Franz von Stuck "Salomé"

Vatios "Esperanza"

Rosseti "Perséfone"

MODERNO

Art Nouveau se esforzó por combinar las funciones artísticas y utilitarias de las obras creadas, para involucrar todas las esferas de la actividad humana en la esfera de la belleza. De ahí el interés por las artes aplicadas: diseño de interiores, cerámica, gráfica de libros. Los artistas del Art Nouveau se inspiraron en el arte del antiguo Egipto y las civilizaciones antiguas. La característica más notable del Art Nouveau fue el rechazo de los ángulos rectos y las líneas en favor de líneas curvas más suaves. A menudo, los artistas modernos tomaron adornos del mundo vegetal como base para sus dibujos.

Klimt "Retrato de Adele Bloch-Bauer I"

Klimt "Dánae"

Klimt "Tres edades de la mujer"

Mosca "fruta"

EXPRESIONISMO

El expresionismo es uno de los movimientos artísticos más influyentes del siglo XX. El expresionismo surge como reacción a la crisis más aguda del primer cuarto del siglo XX, la Primera Guerra Mundial y los movimientos revolucionarios posteriores, la fealdad de la civilización burguesa, que desembocó en el afán de irracionalidad. Se utilizaron los motivos de dolor, gritos, el principio de expresión comenzó a prevalecer sobre la imagen.

Modigliani. Con la ayuda de los cuerpos y rostros de las mujeres, intenta penetrar en el alma de sus personajes. “Me interesa el ser humano. El rostro es la mayor creación de la naturaleza. Lo uso incansablemente”, repitió.

Modigliani "Desnudo dormido"

Schiele "Mujer con medias negras"

CUBISMO

El cubismo es una corriente modernista en las artes visuales (principalmente en la pintura) del 1er cuarto del siglo XX, que destacó la tarea formal de construir una forma tridimensional sobre un plano, minimizando las funciones figurativas y cognitivas del arte. El surgimiento del cubismo se fecha tradicionalmente en 1906-1907 y se asocia con el trabajo de Pablo Picasso y Georges Braque. En general, el cubismo supuso una ruptura con la tradición del arte realista que se desarrolló durante el Renacimiento, incluida la creación de una ilusión visual del mundo en un plano. El trabajo de los cubistas fue un desafío a la belleza estándar del arte de salón, a las vagas alegorías del simbolismo y la fragilidad de la pintura impresionista. Entrando en el círculo de los movimientos rebeldes, anarquistas, individualistas, el cubismo se destacó entre ellos por su gravitación hacia la ascética del color, hacia las formas simples, pesadas, tangibles y los motivos elementales.

Picasso "Mujer que llora"

Picasso "Tocando la mandolina"

Picasso "Las chicas de Aviñón"

SURREALISMO

El concepto básico del surrealismo, surrealidad- la combinación de sueño y realidad. Para ello, los surrealistas propusieron una combinación absurda y contradictoria de imágenes naturalistas a través del collage y el traslado del objeto del espacio no artístico al espacio artístico, gracias a lo cual el objeto se abre desde un lado inesperado, propiedades que no se advertían fuera del contexto artístico. aparecer en ella. Los surrealistas se inspiraron en la ideología de la izquierda radical, pero propusieron iniciar la revolución desde su propia conciencia. El arte fue concebido por ellos como el principal instrumento de liberación. Esta dirección se formó bajo la gran influencia de la teoría del psicoanálisis de Freud. El surrealismo tiene sus raíces en el simbolismo y fue influenciado inicialmente por artistas simbolistas como Gustave Moreau y Odilon Redon. Muchos de los artistas populares eran surrealistas, incluidos Rene Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.

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Este artista, que se graduó de la Tver Art College en 1994 con una licenciatura en diseño gráfico, golpea la imaginación con su extraordinario estilo y bellas composiciones.

Es creador de ilustraciones verdaderamente únicas con un toque retro. Waldemar Kazak es un artista con sentido del humor, tiene una visión especial de la vida cotidiana, sabe reírse de la vida cotidiana, a menudo se burla del significado de los cuentos de hadas de los niños, los políticos y la juventud moderna.

El ilustrador moderno trabaja en el género de la vida cotidiana con énfasis en la caricatura. Es difícil no notar y no recordar los personajes de las obras del cosaco. Todos ellos son muy coloridos, expresivos y brillantes.

Sus impresionantes composiciones están llenas del estilo de la estética de la posguerra que se hizo patente en los años 50 del siglo XX;

Esto es lo que dice el propio Waldemar Kazak sobre su estilo:

Como cualquier persona (o artista), tengo mi propia letra. Pero no lo alimento, porque tengo miedo de caer en manierismos. Además, el mercado demanda una letra individual brillante. Sí, esto es exactamente lo que todos saben.

¡Los dibujos de arte increíblemente brillantes, emocionantes y llamativos en el estilo retro de Waldemar Kazak no dejarán indiferente a nadie!

Aparecieron géneros de pintura, ganaron popularidad, se desvanecieron, surgieron otros nuevos, comenzaron a distinguirse subespecies dentro de las existentes. Este proceso no se detendrá mientras una persona exista y trate de capturar el mundo que lo rodea, ya sea la naturaleza, los edificios u otras personas.

Anteriormente (antes del siglo XIX), había una división de los géneros de la pintura en los llamados géneros "altos" (gran género francés) y géneros "bajos" (pequeño género francés). Tal división surgió en el siglo XVII. y se basó en qué tema y trama se representaron. En este sentido, los géneros altos incluían: batalla, alegórico, religioso y mitológico, y los géneros bajos incluían retrato, paisaje, naturaleza muerta, animalismo.

La división en géneros es bastante arbitraria, porque. elementos de dos o más géneros pueden estar presentes en la imagen al mismo tiempo.

Animalismo, o género animalista

Animalismo, o género animalista (del lat. animal - animal) - un género en el que el motivo principal es la imagen de un animal. Podemos decir que este es uno de los géneros más antiguos, porque. dibujos y figuras de pájaros y animales ya estaban presentes en la vida de los pueblos primitivos. Por ejemplo, en el conocido cuadro de I.I. "Mañana en un bosque de pinos" de Shishkin, la naturaleza es representada por el propio artista, y los osos son completamente diferentes, solo se especializan en representar animales.

yo Shishkin "Mañana en un bosque de pinos"

¿Cómo se puede distinguir una subespecie? genero ippio(del griego hipopótamos - caballo) - un género en el que la imagen de un caballo actúa como el centro de la imagen.

NO. Sverchkov "Caballo en el establo"

Retrato

Retrato (de la palabra francesa retrato) es una imagen en la que la imagen de una persona o un grupo de personas es central. El retrato transmite no solo un parecido externo, sino que también refleja el mundo interior y transmite los sentimientos del artista hacia la persona cuyo retrato pinta.

ES DECIR. Repin Retrato de Nicolás II

El género del retrato se subdivide en individual(imagen de una persona) grupo(imagen de varias personas), por la naturaleza de la imagen - al frente cuando se representa a una persona en pleno crecimiento sobre un fondo arquitectónico o paisajístico prominente y cámara cuando se representa a una persona con el pecho o la cintura sobre un fondo neutro. Un grupo de retratos, unidos según algún atributo, forma un conjunto o galería de retratos. Un ejemplo son los retratos de miembros de la familia real.

Asignado por separado Auto retrato en el que el artista se representa a sí mismo.

Autorretrato de K. Bryullov

El retrato es uno de los géneros más antiguos - los primeros retratos (escultóricos) ya estaban presentes en el antiguo Egipto. Tal retrato actuaba como parte de un culto sobre el más allá y era un "doble" de una persona.

Paisaje

El paisaje (del francés paysage - país, área) es un género en el que la imagen de la naturaleza es central: ríos, bosques, campos, mar, montañas. En un paisaje, el punto principal es, por supuesto, la trama, pero es igualmente importante transmitir el movimiento, la vida de la naturaleza circundante. Por un lado, la naturaleza es hermosa, admirada y, por otro lado, es bastante difícil reflejar esto en la imagen.

C. Monet "Campo de amapolas en Argenteuil"

La subespecie del paisaje es paisaje marino o puerto deportivo(del francés marino, italiano marina, del latín marinus - mar) - una imagen de una batalla naval, el mar u otros eventos que se desarrollan en el mar. Un destacado representante de los pintores marinos - K.A. Aivazovski. Es de destacar que el artista escribió muchos detalles de esta imagen de memoria.

yo Aivazovsky "La Novena Ola"

Sin embargo, a menudo los artistas también se esfuerzan por dibujar el mar de la naturaleza, por ejemplo, W. Turner para pintar la pintura “Tormenta de nieve. El vapor a la entrada del puerto da señal de socorro, golpeando aguas poco profundas, pasó 4 horas amarrado en el puente de mando de un barco que navegaba en medio de una tormenta.

W. Turner “Tormenta de nieve. El vapor a la entrada del puerto da una señal de socorro, golpeando las aguas poco profundas.

El elemento agua también se representa en el paisaje del río.

Asignar por separado paisaje urbano, en el que las calles y los edificios de la ciudad son el tema principal de la imagen. El paisaje urbano es Veduta- la imagen del paisaje urbano en forma de panorama, donde la escala y las proporciones ciertamente se mantienen.

A. Canaletto "Plaza San Marco"

Hay otros tipos de paisaje - rural, industrial y arquitectónico. En la pintura arquitectónica, el tema principal es la imagen del paisaje arquitectónico, es decir, edificios, estructuras; incluye imágenes de interiores (decoración de interiores). Algunas veces Interior(del francés intérieur - interno) se distingue como un género separado. En la pintura arquitectónica se distingue otro género — Capricho(del italiano capriccio, capricho, capricho) - un paisaje arquitectónico de fantasía.

Naturaleza muerta

La naturaleza muerta (del francés nature morte - naturaleza muerta) es un género dedicado a la representación de objetos inanimados que se colocan en un entorno común y forman un grupo. La naturaleza muerta apareció en los siglos XV y XVI, pero como género separado se formó en el siglo XVII.

A pesar de que la palabra "naturaleza muerta" se traduce como naturaleza muerta, en las imágenes hay ramos de flores, frutas, pescado, caza, platos: todo parece "ser vivo", es decir. como real Desde sus inicios hasta la actualidad, la naturaleza muerta ha sido un género importante en la pintura.

C. Monet "Jarrón con flores"

¿Cómo se puede distinguir una subespecie separada? vanitas(del latín Vanitas - vanidad, vanidad) - un género de pintura en el que el lugar central de la imagen lo ocupa un cráneo humano, cuya imagen pretende recordar la vanidad y la fragilidad de la vida humana.

La pintura de F. de Champagne presenta tres símbolos de la fragilidad del ser - Vida, Muerte, Tiempo a través de las imágenes de un tulipán, una calavera, un reloj de arena.

género histórico

Género histórico: un género en el que las pinturas representan eventos importantes y fenómenos socialmente significativos del pasado o del presente. Cabe destacar que la imagen se puede dedicar no solo a eventos reales, sino también a eventos de la mitología o, por ejemplo, descritos en la Biblia. Este género es muy importante para la historia, tanto para la historia de los pueblos y estados individuales, como para la humanidad en su conjunto. En las pinturas, el género histórico es inseparable de otros tipos de géneros: retrato, paisaje, género de batalla.

ES DECIR. Repin "Los cosacos escriben una carta al sultán turco" K. Bryullov "El último día de Pompeya"

género de batalla

El género de batalla (del francés bataille - batalla) es un género en el que las pinturas representan el clímax de la batalla, las operaciones militares, el momento de la victoria, escenas de la vida militar. La pintura de batalla se caracteriza por la imagen en el cuadro de una gran cantidad de personas.

AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Deineka "Defensa de Sebastopol"

genero religioso

El género religioso es un género en el que la trama principal de las pinturas es bíblica (escena de la Biblia y el Evangelio). Según la temática, la iconografía también pertenece a los religiosos, su diferencia radica en que las pinturas de contenido religioso no participan en los oficios que se realizan, y para el icono este es el objetivo principal. pintura de iconos traducido del griego. significa "imagen de oración". Este género estaba limitado por estrictos límites y leyes de la pintura, porque. diseñado no para reflejar la realidad, sino para transmitir la idea del comienzo de Dios, en el que los artistas buscan un ideal. En Rusia, la pintura de iconos alcanzó su apogeo en los siglos XII-XVI. Los nombres más famosos de los pintores de iconos son Teófanes el griego (frescos), Andrei Rublev, Dionisio.

A. Rublev "Trinidad"

Cómo destaca la etapa de transición de la pintura de iconos al retrato Parsuna(distorsionado de lat. persona - personalidad, persona).

Parsuna de Iván el Terrible. autor desconocido

género doméstico

Las pinturas representan escenas de la vida cotidiana. A menudo, el artista escribe sobre esos momentos de la vida, de los que es contemporáneo. Las características distintivas de este género son el realismo de las pinturas y la simplicidad de la trama. La imagen puede reflejar las costumbres, tradiciones, estructura de la vida cotidiana de un pueblo en particular.

La pintura doméstica incluye pinturas tan famosas como "Transportistas de barcazas en el Volga" de I. Repin, "Troika" de V. Perov, "Matrimonio desigual" de V. Pukirev.

I. Repin "Transportistas de barcazas en el Volga"

género épico-mitológico

Género épico-mitológico. La palabra mito proviene del griego. "mythos", que significa tradición. Las pinturas representan los eventos de leyendas, epopeyas, leyendas, mitos griegos antiguos, leyendas antiguas, tramas de folclore.

P. Veronese "Apolo y Marsias"

género alegórico

Género alegórico (del griego allegoria - alegoría). Las imágenes están escritas de tal manera que tienen un significado oculto. Ideas y conceptos intangibles, invisibles a los ojos (poder, bien, mal, amor), se transmiten a través de las imágenes de animales, personas, otros seres vivos con características tan inherentes que tienen un simbolismo ya fijado en la mente de las personas, y ayudan a comprender el sentido general de la obra.

L. Giordano "El amor y los vicios desarman la justicia"

Pastoral (del francés pastorale - pastor, rural)

Un género de pintura que glorifica y poetiza la vida rural sencilla y apacible.

F. Boucher "Pastoral de Otoño"

Caricatura (del italiano caricare - exagerar)

Un género en el que, al crear una imagen, se utiliza deliberadamente un efecto cómico al exagerar y acentuar los rasgos, el comportamiento, la ropa, etc. El propósito de una caricatura es ofender, a diferencia, por ejemplo, de una caricatura (del cargo francés), cuyo propósito es simplemente jugar una broma. Estrechamente relacionados con el término "caricatura" están conceptos tales como férula, grotesco.

Desnudo (del francés nu - desnudo, desnudo)

Género, en cuyas pinturas se representa un cuerpo humano desnudo, la mayoría de las veces una mujer.

Tiziano Vecellio "Venus de Urbino"

Engaño, o tromley (del fr. trampantojo - ilusión óptica)

Un género cuyos rasgos característicos son técnicas especiales que crean una ilusión óptica y permiten desdibujar la línea entre la realidad y la imagen, es decir. la impresión engañosa de que el objeto es tridimensional, mientras que es bidimensional. A veces, el enganche se distingue como una subespecie de la naturaleza muerta, pero a veces también se representan personas en este género.

Per Borrell del Caso "Huida de la crítica"

Para completar la percepción de los trucos, es deseable considerarlos en el original, porque. una reproducción no puede transmitir completamente el efecto que representa el artista.

Jacopo de Barberi "La perdiz y los guantes de hierro"

Cuadro temático de la trama

Una mezcla de géneros tradicionales de pintura (cotidiana, histórica, batalla, paisaje, etc.). De otra manera, este género se denomina composición figurativa, sus rasgos característicos son: el papel principal lo desempeña una persona, la presencia de una acción y una idea socialmente significativa, las relaciones (un conflicto de intereses / personajes) y los acentos psicológicos son necesariamente mostrado.

V. Surikov "Boyar Morozova"

El artista y fotógrafo chino Dong Hong-Oai nació en 1929 y murió en 2004 a la edad de 75 años. Dejó increíbles obras creadas en el estilo del pictorialismo: fotografías asombrosas, similares a las obras de la pintura tradicional china.

Dong Hong-Oai nació en 1929 en la ciudad de Guangzhou, provincia de Guangdong, China. Dejó el país a la edad de siete años tras la inesperada muerte de sus padres.

Como el menor de 24 hijos, Dong se fue a vivir a una comunidad china en Saigón, Vietnam. Más tarde visitó China varias veces, pero nunca volvió a vivir en ese país.

A su llegada a Saigón, Dong se convirtió en aprendiz en un estudio de fotografía de inmigrantes chinos. Allí aprendió las bases de la fotografía. También desarrolló una pasión por la fotografía de la naturaleza, que a menudo hacía con una de las cámaras del estudio. En 1950, a la edad de 21 años, ingresó a la Universidad Nacional de las Artes de Vietnam.

En 1979 se abrió una sangrienta frontera entre la República Socialista de Vietnam y la República Popular China. El gobierno vietnamita inició una política represiva contra los chinos étnicos que vivían en el país. Como resultado, Dong se convirtió en uno de los millones de "barqueros" que huyeron de Vietnam a finales de los 70 y principios de los 80.

A la edad de 50 años, sin hablar inglés y sin familia ni amigos en los EE. UU., Dong llegó a San Francisco. Incluso pudo comprar una pequeña habitación para revelar sus fotografías.

Al vender sus fotografías en ferias callejeras locales, Dong pudo ganar suficiente dinero para regresar periódicamente a China para tomar fotografías.

Además, tuvo la oportunidad de estudiar con Lung Ching-San en Taiwán durante algún tiempo.

Lung Ching-San, quien murió en 1995 a la edad de 104 años, desarrolló un estilo de fotografía basado en la representación tradicional china de la naturaleza.

Durante siglos, los artistas chinos han creado majestuosos paisajes monocromáticos utilizando pinceles y tinta simples.

No se suponía que estas pinturas representaran la naturaleza exactamente, se suponía que transmitían la atmósfera emocional de la naturaleza. Durante los últimos años del Imperio Song y el comienzo del Imperio Yuan, los artistas comenzaron a combinar tres formas de arte diferentes en un lienzo... poesía, caligrafía y pintura.

Se creía que esta síntesis de formas permitía al artista expresarse plenamente.

Lung Chin-San, nacido en 1891, estudió precisamente esta tradición clásica en pintura. En algún momento de su larga carrera, Lun comenzó a experimentar con la transferencia del estilo de arte impresionista a la fotografía.

Mientras mantenía un enfoque de escala en capas, desarrolló un método para colocar negativos en capas que correspondían a tres niveles de distancia. Long le enseñó este método a Dong.

Tratando de imitar aún más el estilo tradicional chino, Dong agregó caligrafía a las fotografías.

El nuevo trabajo de Dong, basado en la pintura china antigua, comenzó a atraer la atención de la crítica en la década de 1990.

Ya no necesitaba vender sus fotografías en ferias callejeras; ahora lo representaba un agente, y su obra comenzó a venderse en galerías de Estados Unidos, Europa y Asia.

Ya no tenía que depender de clientes individuales; su trabajo ahora era buscado no solo por coleccionistas de arte privados sino también por compradores corporativos y museos. Tenía alrededor de 60 años cuando alcanzó cualquier nivel de éxito financiero por primera vez en su vida.

El pictorialismo es un movimiento en la fotografía que surgió alrededor de 1885 después de la extensa presentación del proceso de la fotografía en una plancha de impresión no humedecida. El movimiento alcanzó su apogeo a principios del siglo XX y el período de declive llegó en 1914, después de la aparición y difusión del modernismo.

Los términos "Pictorialismo" y "Pictorialista" se hicieron de uso común después de 1900.

El pictorialismo entra en contacto con la idea de que la fotografía artística debe imitar la pintura y el grabado de ese siglo.

La mayoría de estas fotografías eran en blanco y negro o en tonos sepia. Entre los métodos utilizados se encontraban: enfoque inestable, filtros especiales y recubrimiento de lentes, así como exóticos procesos de impresión.

El propósito de tales técnicas era lograr la "expresión personal del autor".

A pesar de este objetivo de autoexpresión, lo mejor de estas fotografías se desarrolló en paralelo con el estilo impresionista, no en sintonía con la pintura contemporánea.

Mirando hacia atrás, también se puede ver un estrecho paralelismo entre la composición y el tema pictórico de las pinturas de género y las fotografías pictorialistas.

Tu cuerpo desnudo debe pertenecer solo a alguien que ame tu alma desnuda.

Charlie Chaplin

“Hermosas piernas femeninas dieron vuelta a más de una página de la historia”, dicen los franceses. Y tienen razón: al fin y al cabo, no se trata solo de la escala del estado. En la historia personal del destacado español Francisco José de Goya y Lucientes , esto es exactamente lo que sucedió. Los contemporáneos del artista, que sabían de su amor por el amor y la inconstancia, aseguraron: todo cambió cuando el maestro conoció a la bella duquesa María Teresia Cayetana del Pilar de Alba, heredera de una antigua familia aristocrática. Algunos la admiraban. belleza sobrenatural, llamada la reina de Madrid, comparada con Venus, asegurando: "¡Todos querían a sus hombres de España!" "Cuando iba por la calle, todos miraban por las ventanas, hasta los niños tiraban sus juegos para mirarla. Cada pelo de su cuerpo despertaba el deseo", les hacía eco la viajera francesa. Otros envidiaban la belleza y la riqueza, maldiciendo por la libertad de moral Pero "la duquesa prefirió no prestar atención a toda esta emoción. Ella misma eligió amigos y enemigos. Especialmente amantes, nada avergonzados por la presencia de un esposo. Aparentemente, el esposo no le dio mucha importancia a su los amores de su esposa. Por lo tanto, ella consideraba su nueva afición como pintora de la corte un capricho ordinario. Por cierto, la pareja patrocinaba conjuntamente a Goya, porque, además de una vida personal tormentosa, ella se dedicaba al mecenazgo y la caridad... Fue a base de arte que Cayetana conoció a Francisco.

Su relación ha resistido el paso del tiempo y la grave enfermedad del artista, que le provocó una pérdida de audición. Pintó sus retratos, capturando a la mujer que amaba en diferentes ángulos y atuendos. Uno de ellos, "Duchess Alba in black", según algunos, evidencia clara de su estrecha relación. El caso es que tras la restauración del cuadro, realizada en los años sesenta del siglo XX, se encontró en los anillos de la bella un grabado con los nombres de Alba y Goya. El dedo grácil de la duquesa señala la arena, donde se ve una elocuente inscripción: “Sólo Goya”. Se cree que el autor guardó este cuadro en casa “para uso personal” y nunca lo exhibió. Al igual que la propia Alba, otras dos, aún más picantes, nacieron tras la muerte de su marido legal. Existe la opinión de que, habiendo enterrado a su marido, la viuda “triste” fue a estar triste a una de sus fincas en Andalucía. Y para no sentirse sola en absoluto, invitó a Goya a hacerle compañía. Fue entonces cuando se escribieron "Makha desnuda" y "Makha vestida". (Mahami en ese momento era el nombre que se le daba a todas las chicas vestidas coquetamente de los estratos más bajos de la sociedad).

Francisco Goya. Auto retrato.

Es cierto que el hecho de que la persona representada en ambos lienzos sea la escandalosa duquesa misma todavía está en duda para muchos. Se cree que la magnífica dama en estilo desnudo es una de las amantes de la Primera Ministra, la Reina María Luisa Manuel Godoy: en su colección, "Mahi" apareció en 1808. Otras fuentes afirman que esta imagen es colectiva, y solo otros no dudan de que la musa de Goya es Cayetana, a la que pintó desnuda para fastidiar al darse cuenta de que a Alba le apasionaba otra. Sea como fuere, la representación de desnudos en la España del siglo XVIII podría haberle costado la vida a cualquier otro: al descubrir los lienzos en 1813, la policía del vicio, en la persona de la vigilante Inquisición, inmediatamente los calificó de “obscenos”. El autor, que compareció ante el tribunal, fue enviado a prisión, pero no reveló el nombre de su modelo. Quién sabe cómo habría resultado su destino si no fuera por la intercesión de un patrón de alto rango ...

Alba, por supuesto, habría apreciado su valiente acto, pero en ese momento ella misma había estado en otro mundo durante muchos años. La muerte de Cayetana, inesperada para todos, y en especial para Goya, conmocionó a Madrid. La duquesa fue encontrada en su palacio de Buena Vista en el verano de 1802 tras una magnífica recepción organizada el día anterior en honor a los esponsales de una joven sobrina (Alba no tenía hijos propios). Francisco estaba entre los invitados. Oyó a Cayetana hablar de pinturas, hablar de las más venenosas, bromear con la muerte. Y por la mañana corrió el rumor de la triste noticia. Fue entonces cuando todos los que conocían personalmente a la duquesa recordaron sus palabras de que quería morir joven y bella, tal como la capturó el pincel mágico de Goya.

Después de que la ciudad discutiera durante mucho tiempo las causas de la muerte de Alba. Se suponía que estaba envenenada: por desgracia, esta mujer tenía muchos enemigos. También se dijo que ella misma tomó el veneno. Pero para Goya, eso ya no importaba. Sobrevivió a su magnífica amada por casi un cuarto de siglo, llevándose consigo el secreto de "Mahi". Incluso los descendientes de Alba no lograron resolverlo. Para blanquear el nombre de Cayetana, realizaron un estudio, con la esperanza de probar por el tamaño de los huesos: en el lienzo se representa a otra dama. Pero en el proceso de la "operación" solo resultó que la tumba de la duquesa se abrió repetidamente durante la campaña napoleónica y, por lo tanto, tal examen no tiene ningún sentido ...

Encantadora e incomprensible la llamaron aquellos que tomaron con fe las historias entusiastas de Dalí sobre su musa, reina, diosa: Gala. Menos crédula aún hoy en día la consideran una valquiria depredadora que cautivó a un genio. Solo un hecho está fuera de toda duda: el misterio que rodeó la vida de esta mujer no ha sido resuelto.

Salvador Dalí "Leda atómica" 1947-1949 Teatro-Museo Dalí, Figueres, España

Desde que el artista Salvador Dalí la vio por primera vez en 1929, se inició en su historia personal una nueva era llamada Gala. Muchos años después, el maestro describió las impresiones de ese día en una de sus novelas autobiográficas. Sin embargo, las palabras impresas en tipografía tipográfica sobre las hojas blancas de los libros editados en miles de ejemplares no transmitían ni una centésima parte de las pasiones que bramaban en su alma aquel día soleado: “Fui a la ventana que daba a la playa. Ya estaba allí... Gala, la mujer de Eluard. ¡Fue ella! La reconocí por su espalda desnuda. Su cuerpo era tan suave como el de un niño. La línea de los hombros era casi perfectamente redondeada, y los músculos de la cintura, aparentemente frágiles, estaban atléticamente tensos, como los de un adolescente. Pero la curva de la espalda baja era verdaderamente femenina. La elegante combinación de un torso esbelto y enérgico, cintura de álamo y caderas tiernas la hacía aún más deseable. Décadas más tarde, no se cansaba de repetirle a la propia Galya que ella era su deidad, Galatea, Gradiva, Santa Elena... Y si los conceptos de santidad e impecabilidad no se correlacionaban con la amada de Salvador, el nombre de Elena tenía una relación directa con ella. . El caso es que así se llamó al nacer. Pero, como dice la leyenda familiar, contada más de una vez en las biografías de Elena Dyakonova, la futura Madame Dali, la niña de la infancia prefería llamarse ... Galina.

Así se presentó al poeta francés principiante Paul Eluard cuando la casualidad los reunió en uno de los balnearios suizos. “¡Ay Gala!” - como si exclamara, acortando el nombre y pronunciándolo a la manera francesa con énfasis en la segunda sílaba. Con su mano ligera, todos comenzaron a llamarla de esa manera: "una celebración, una fiesta", como suena Gala en la traducción. Después de cuatro años de correspondencia y encuentros poco frecuentes, ellos, en contra de los deseos de los padres de Paul, se casaron e incluso dieron a luz a una hija, Cecile. Pero, como saben, la libre moral, que es la base de las relaciones familiares, no es la mejor manera de salvar un matrimonio. Pasaron cuatro años más, y el artista Max Ernest apareció en la vida del matrimonio Eluard, que se instaló en la casa de los esposos como amante oficial de Gala. Dicen que ninguno de ellos trató de ocultar el triángulo amoroso. Y luego conoció a Dalí.

“Hijo mío, no nos volveremos a separar”, se limitó a decir Gala Eluard y entró para siempre en su vida. "Gracias a su amor sin igual e insondable, ella me curó de ... la locura", dijo, cantando en todos los sentidos el nombre y la apariencia de su amada: en prosa, poesía, pintura, escultura. La diferencia de diez años -según la versión oficial, ella nació en 1894 y él en 1904- no les molestaba. Esta mujer se convirtió para él en madre, esposa, amante, alfa y omega, sin la cual el artista ya no podía imaginar su existencia. “Gala soy yo”, aseguró a sí mismo y a los que le rodeaban, viéndose reflejado en él, y firmó la obra únicamente como “Gala - Salvador Dalí”. Es difícil decir cuál fue el secreto de su poder mágico sobre este hombre: probablemente, él mismo nunca trató de analizar, sumergiéndose en el sentimiento, como en un mar sin fin. Así como es imposible entender quién es realmente y de dónde viene: los investigadores cuestionaron recientemente los datos que todavía figuraban en todos los libros de referencia, y hay razones para ello. ¿Pero, es real mente tan importante? Después de todo, Gala es un mito creado por la imaginación de Dalí y su propio deseo de preservarlo.

Gala es mi única musa, mi genio y mi vida, sin Gala no soy nadie.

Salvador Dalí

En uno de las docenas de sus retratos desnudos, la artista retrató a su amado como una heroína mítica, dando un nuevo significado a una historia tan antigua como el mundo. Así nació su “Atomic Leda”.

Según la leyenda, Leda, la hija del rey Thestius, estaba casada con el gobernante de Esparta, Tyndareus. Cautivado por su belleza, Zeus sedujo a la mujer, descendiendo hasta ella en forma de... Cisne. Dio a luz a los mellizos Castor y Polydeuces y una hija, la bella Helena, conocida como Helena de Troya. Con tal comparación, el mago Dalí recordó a los demás el encanto sobrenatural de su amada Gala Elena: el propio Salvador no dudó ni un minuto de la exclusividad de sus datos externos, considerando a su esposa la más bella entre los mortales. Probablemente por eso este retrato de Gala, que fue el número uno, fue realizado de acuerdo con la “divina proporción” de Fra Luca Paccoli, y la matemática Matila Ghica hizo algunos cálculos para el cuadro a pedido del maestro. A diferencia de quienes creían que las ciencias exactas están fuera del contexto artístico, Dalí estaba seguro de que toda obra de arte significativa debía basarse en la composición y, por tanto, en el cálculo. Vale la pena señalar que verificó escrupulosamente no solo la proporción de objetos en el lienzo, sino también el contenido interno del dibujo, que representa la pasión de acuerdo con la teoría moderna ... del "no contacto" de la física intraatómica. Su Leda no toca el Cisne, no se apoya en un asiento que flota en el aire: todo vuela sobre el mar, que no entra en contacto con la orilla... “Atomic Leda” se completó en 1949, elevando a Gala, según a Dalí, al nivel de “la diosa de mi metafísica”. Posteriormente, nunca perdió la oportunidad de anunciar su papel excepcional en su vida.

Sin embargo, en sus años de decadencia, su relación se enfrió. Gala decidió establecerse por separado y le regaló un castillo en el pueblo español de Púbol, que no se atrevía a visitar sin antes obtener el permiso por escrito de su esposa. Y en el año en que ella murió, murió también Dalí: aunque después de su partida permaneció en la Tierra siete largos años, la existencia perdió sentido, porque la fiesta de su vida había terminado.

Karl Bryullov "Betsabé" 1832 Galería Estatal Tretyakov, Moscú

La historia de las complejidades del destino de la encantadora Betsabé ha atraído la atención de historiadores, poetas e incluso astrónomos durante siglos: un asteroide lleva su nombre en su honor. De una forma u otra, pero fueron los datos externos sobresalientes los que se convirtieron en la causa de todas las penas y alegrías para ella. Algunos acusaron a Betsabé de un comportamiento indigno, otros creían que el único delito de esta mujer era que era inaceptablemente hermosa.

Y comenzó esta historia, que cambió por completo la vida de la heroína, allá por el año 900 a.C... y esa mujer era muy hermosa. Y envió David a averiguar quién era esta mujer. Y le dijeron: Esta es Betsabé, hija de Eliam, mujer de Urías heteo. David envió siervos para tomarla; y ella vino a él ... ”- así es como el Libro de los Libros describe el momento de su conocimiento. Como puede ver, al rey no le avergonzó la noticia de que la persona que le gustaba estaba casada con su comandante. Qué sentimientos poseyó la propia Betsabé, la historia no dice nada. Para eliminar a su esposo, David ordenó "poner a Urías donde sería la batalla más fuerte y retirarse de él para que lo derribaran y muriera". Dicho y hecho. Pronto el embajador le informó a David que se había hecho su voluntad. Esto significa que nada más le impide tomar a Betsabé como su esposa legal.

Después de la fecha prevista, dio a luz a un hijo del rey. El gobernante prudente calculó todo, despejando cuidadosamente el camino hacia la felicidad conyugal. No tomé en cuenta una sola cosa: la violación de los mandamientos implicaba castigo. Él y su amado respondieron por completo por sus pecados: su primogénito vivió solo unos días. El segundo heredero de la pareja fue Salomón, cuyo nombre está asociado a muchos mitos y leyendas. Pero esa es una historia completamente diferente.

La trama no fue ignorada por los pintores, que superaron en todos los sentidos el fatídico momento de una mujer. Entre ellos se encuentra el "Gran Karl", como llamaron a Bryullov sus contemporáneos. Es cierto que el maestro de la "luz y el aire" no se sintió atraído tanto por la narración bíblica como por la oportunidad de mostrar su "don decorativo". Una silueta iluminada, agua a unos pies encantadores, una libélula apenas perceptible con alas transparentes cerca del brazo... “La figura de una criada negra contrasta con la blancura marmórea de la piel, aportando un ligero toque de erotismo al cuadro”, arte los historiadores escriben sobre ella. Y recuerda sobre la sensualidad...

Se supone que el modelo de este lienzo, que quedó sin terminar, fue la hermosa amada de la artista Yulia Samoilova, una condesa impactante, no hay menos leyendas sobre ella que sobre los participantes en esta epopeya histórica. ¡Témele, Carl! Esta mujer no es como las demás. Cambia no solo los apegos, sino también los palacios en los que vive. Pero estoy de acuerdo, y usted estará de acuerdo en que puede volverse loco con ella ”, dicen, por lo que el príncipe Gagarin, en cuya casa tuvo lugar el conocido, advirtió a Bryullov: está lidiando con fuego. Sin embargo, la llama de Yulia Pavlovna, que quemó los corazones de los demás, en el caso de Karl resultó ser vivificante. A lo largo de los años, se apoyaron mutuamente, siendo, entre otras cosas, amigos cercanos. “Te amo más de lo que sé explicar, te abrazo y te estaré sinceramente dedicado hasta la tumba. Yulia Samoilova”: tales mensajes fueron enviados por el excéntrico millonario a la “querida Brishka” desde diferentes países donde él mismo se encontraba en ese momento. Y dio a la eternidad la apariencia de su amada, dotándola de los rasgos de las mujeres más bellas de sus numerosos lienzos. Quizás solo Samoilova logró contener el temperamento agudo y de mal genio del maestro; para él, al parecer, no había otras leyes. “Detrás de la aparición del joven dios helénico, había un cosmos en el que los principios hostiles se mezclaban y o bien hacían erupción con un volcán de pasiones, o bien se derramaban con un dulce fulgor. Era todo pasión, no hacía nada con calma, como hace la gente común. Cuando las pasiones hervían en él, su explosión era terrible, y quien se acercaba más, obtenía más ”, escribió un contemporáneo sobre Bryullov. Al mismo Karl no le importaba lo que se dijera del personaje, pues su talento no estaba en duda.

Por cierto, la Sra. Samoilova es una de las pocas que lo apoyó en un momento de desesperación, cuando, después de un matrimonio absurdo, el artista de cuarenta años se encontró en el centro de la atención y la curiosidad desagradable de todos. Emilia Timm, de dieciocho años, hija del alcalde de Riga, se convirtió en su esposa. "Me enamoré apasionadamente ... Los padres de la novia, especialmente el padre, inmediatamente hicieron un plan para casarme con ella ... La niña desempeñó el papel de amante con tanta habilidad que no sospeché el engaño ..." - dijo más tarde. Y luego "me calumniaron en público..." La verdadera razón de la "pelea" con la esposa recién acuñada fue una historia sucia en la que ella estaba involucrada. “Sentí tanto mi desgracia, mi vergüenza, la destrucción de mis esperanzas de felicidad doméstica... que tuve miedo de perder la cabeza”, escribió sobre las consecuencias de un matrimonio que duró solo unos meses. En ese momento, Julia apareció una vez más para arrancar a "Brishka" de los pensamientos sombríos y arrastrarla al torbellino de bailes y disfraces que el Conde Slavyanka dio en su amada propiedad. Más tarde, vendió el "Slavyanka" y partió hacia un nuevo amor y nuevas aventuras. Bryullov tampoco se quedó mucho tiempo en su tierra natal: Polonia, Inglaterra, Bélgica, España, Italia; viajó mucho y pintó, pintó, pintó ... Durante el siguiente viaje, murió, en la ciudad de Manziana, cerca de Roma.

Julia sobrevivió a Karl por veintitrés años, enterró a dos esposos: la ex esposa del conde Nikolai Samoilov y el joven cantante Peri. “Testigos presenciales que la vieron en este período de su vida dijeron que el luto de viuda era muy adecuado para ella, enfatizando su belleza, pero lo usaba de una manera muy original. En la cola más larga de un vestido de luto, Samoilova plantó a los niños, y ella misma ... hizo rodar a los niños riendo con deleite sobre los parquets de espejo de sus palacios. Algún tiempo después, se volvió a casar.

No se sabe qué prometió el cielo o la gente la belleza legendaria Virsavia, cuyo nombre se traduce como "hija de un juramento", pero podemos decir con confianza: Yulia Samoilova, en su juventud, se prometió a sí misma no desanimarse. y lo guardó.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn “Danaë” 1636 Hermitage, San Petersburgo

Durante siglos, la antigua belleza griega Dánae ha atraído la atención de los artistas. El holandés Rembrandt van Rijn tampoco se quedó al margen, dotando a la mítica princesa de los rasgos de dos de sus mujeres favoritas a la vez.

Esta historia comenzó en la antigüedad, cuando los antiguos dioses griegos eran como personas en todo y se comunicaban fácilmente con ellos y, a veces, incluso comenzaban relaciones románticas. Es cierto que a menudo, después de haber disfrutado de los encantos de la hechicera terrenal, la dejaron a merced del destino, regresando a la cima del Olimpo, para olvidarse para siempre de su pasión fugaz, rodeados de amigos divinos. Esto es exactamente lo que le sucedió a Danae, la hija del rey de Argos Acrisius.

Posteriormente, los hombres más talentosos consideraron su deber contar al mundo los altibajos de su vida: los dramaturgos Esquilo, Sófocles, Eurípides le dedicaron dramas y tragedias, e incluso Homero mencionado en la Ilíada. Y Tiziano, Correggio, Tintoretto, Klimt y otros pintores representados en sus lienzos. Y no es de extrañar: es imposible permanecer indiferente ante el destino de una niña que se ha convertido en víctima del destino. El hecho es que una vez un oráculo predijo la muerte de su padre a manos de su nieto, el hijo que Danae daría a luz. Para protegerse, Acrisius tomó todo bajo estricto control: ordenó que encarcelaran a su hija en un calabozo y le asignó una criada. El rey prudente tuvo todo en cuenta, excepto una cosa: que no un simple mortal se enamoraría de ella, sino el mismo Zeus, el principal de los dioses olímpicos, para quien todos los obstáculos resultaron ser nada. Asumió la forma de lluvia dorada y entró en la habitación por un pequeño agujero... El momento de su visita fue el momento más atractivo de esta complicada historia para los artistas. La consecuencia de la cita de Zeus y Dánae fue el hijo de Perseo, cuyo secreto de nacimiento pronto se reveló: el abuelo Acrisio escuchó un llanto proveniente de cámaras subterráneas... Luego ordenó poner a su hija y al bebé en un barril y arrojarlos al agua. el mar abierto ... Pero esto no lo ayudó a evitar la predicción: Perseo creció, regresó a su tierra natal y, participando en una competencia de lanzamiento de disco, los aterrizó accidentalmente en Acrisia ... "Fatum ..." - testigos de la incidente suspiró. ¡Si supieran que el destino de la propia “Danaë”, nacida del pincel de Rembrandt, no sería menos dramático!..

Retrato de Rembrandt Harmensz van Rijn. 1648

“¿Cuál de las pinturas de su colección es la más valiosa?” Dicen que fue con esta pregunta que un visitante se dirigió al conserje de uno de los salones del Hermitage en la mañana del 15 de junio de 1985. “Danae” de Rembrandt”, respondió la mujer, señalando el lienzo que representaba a una lujosa dama desnuda. Cuándo y cómo el hombre sacó la botella y salpicó el líquido sobre la imagen, ella no lo supo: todo sucedió de repente. Los empleados que acudieron corriendo al grito solo vieron cómo la pintura burbujeaba y cambiaba de color: el líquido resultó ser ácido sulfúrico. Además, el atacante logró apuñalar la pintura dos veces... El hecho de que el lituano Bronius Maigis, de cuarenta y ocho años, fuera reconocido más tarde como un desequilibrado mental y enviado a recibir tratamiento no alivió la gravedad de su crimen. “Cuando la vi por primera vez durante el proceso de restauración, no pude contener las lágrimas”, admitió el director del Hermitage, Mikhail Piotrovsky. - En gran parte porque era una “Danae” diferente. Aunque después de la restauración, que duró doce años, el lienzo volvió al museo, hubo que recrear por completo el 27 por ciento de la imagen: fragmentos enteros, realizados por el pincel del maestro, se perdieron irremediablemente. Pero fue este retrato el que pintó con especial amor: la mujer adorada, su esposa Saskia, le sirvió de modelo. Su matrimonio duró poco más de ocho años: habiendo dado a luz a su esposo cuatro hijos, de los cuales solo sobrevivió uno, Titus, ella murió. Unos años más tarde, Rembrandt se interesó por la institutriz de su hijo Gertier Dirks. Se supone que fue para complacerla que “Danae” adquirió nuevos rasgos que han sobrevivido hasta el día de hoy: el rostro y la postura han cambiado, el “protagonista” de la trama, la lluvia dorada, ha desaparecido. Pero esta circunstancia se reveló solo a mediados del siglo XX, cuando, con la ayuda de fluoroscopia debajo de una capa de pintura, se encontró una imagen anterior de Saskia. Así, el artista combinó los retratos de ambas mujeres. Sin embargo, esta reverencia a Gertier no ayudó a salvar las relaciones con ella: pronto presentó una demanda contra Rembrandt, acusándolo de violar una obligación matrimonial (supuestamente, contrariamente a las promesas, no se casó con ella). Se cree que el verdadero motivo de la brecha fue la joven Hendrikje Stoffels, su nueva criada y amante. En ese momento, los asuntos del pintor una vez exitoso, popular y rico salieron mal: hubo menos pedidos, la fortuna se derritió, la casa se vendió por deudas. "Dánae" permaneció con él hasta la venta en 1656, luego se perdió su rastro...

La pérdida se descubrió solo en el siglo XVIII, en la colección del famoso coleccionista francés Pierre Crozat. Después de su muerte en 1740, ella, junto con otras obras maestras, fue heredada por uno de los tres sobrinos del conocedor del arte. Y luego, siguiendo el consejo del filósofo Denis Diderot, fue adquirido por la emperatriz rusa Catalina II, quien en ese momento estaba seleccionando pinturas para el Hermitage.

“Era un excéntrico de primera que despreciaba a todo el mundo... Ocupado en el trabajo, no estaría de acuerdo en aceptar al primer monarca del mundo, y tendría que irse”, escribió el italiano Baldinucci sobre Rembrandt, cuyo nombre era conservado en la historia solo porque se convirtió en el biógrafo del "excéntrico" Rembrandt.

Amadeo Modigliani “Desnuda sentada en un sofá” (“Hermosa mujer romana”), 1917, Colección particular

Este cuadro, exhibido hace casi un siglo en una de las galerías parisinas, entre otras obras de Modigliani que representan bellezas desnudas, causó un gran escándalo. Y en 2010 se convirtió en uno de los lotes más caros de la subasta más prestigiosa.

"¡Te ordeno que elimines toda esta basura de inmediato!" - Con estas palabras, el comisario Rousseau se reunió con la célebre galerista Bertha Weil, a quien llamó a la estación el 3 de diciembre de 1917. “Pero hay expertos que no comparten su opinión”, señaló Berta, en cuya galería se realizó la primera exposición de Amedeo Modigliani, de treinta y tres años, abrió hace unas horas y ya Leopold Zborowski, polaco, amigo y descubridor de Modi, que se convirtió en el nuevo agente de arte de Modi e iniciador de esta inauguración, contaba con este como principal atractivo para los visitantes. : por muy desnudo que esté, lo que Leo no tuvo en cuenta fue que había una comisaría en la casa de enfrente y que sus vecinos estarían muy interesados ​​en saber el motivo de semejante multitud. —gritó indignado el comisario, mientras Berta, reprimiendo a duras penas una sonrisa, pensaba: «¡Qué idilio: cada policía con un bello desnudo en las manos!» Sin embargo, ella no se atrevió a discutir e inmediatamente cerró la galería, y los invitados allí la ayudaron a quitar lienzos "obscenos" de las paredes. Los conocedores de la pintura los reconocieron como obras maestras y los llamaron "un triunfo de la desnudez". todo París empezó a hablar de la exposición, y algunos coleccionistas franceses y extranjeros se interesaron seriamente por la obra del “vagabundo sin hogar” Dodo, como le llamaban sus conocidos.

Aunque, para ser justos, hay que decir que en ese momento no estaba sin hogar: en el verano de 1917, Amedeo y su amada joven artista Jeanne Hebuterne, a quien conoció poco antes de los hechos descritos, alquilaron un pequeño apartamento: dos habitaciones vacías. “Estoy esperando al único que se convertirá en mi amor eterno y que muchas veces me llega en sueños”, admitió una vez el artista a uno de sus amigos. Quienes conocieron a Modi personalmente dijeron que después de reunirse con Jeanne, el sueño y la realidad de Amedeo se fusionaron. Un retrato con sombrero, contra el fondo de una puerta, con un suéter amarillo: hubo más de veinte lienzos con su imagen en los cuatro años que vivieron juntos. El propio Dodo las llamó "declaraciones de amor sobre lienzo". “Es una modelo ideal, sabe sentarse como una manzana, sin moverse y durante el tiempo que lo necesito”, le escribió a su hermano.

Jeanne se enamoró de Amedeo por lo que era: ruidoso, desenfrenado, triste, temerario, inquieto, y lo siguió con resignación dondequiera que lo llamara. Así como posteriormente, sin dudarlo, Modi aceptaba cualquier decisión: ¿debía pintar tres docenas de hechiceras desnudas, quedándose con cada una de ellas cara a cara durante días y días? ¡Por lo que es necesaria! “Imagínese lo que les pasó a las damas al ver al guapo Modigliani caminando por el Boulevard Montparnasse con un cuaderno de bocetos en ristre, vestido con un traje de terciopelo gris con una empalizada de lápices de colores sobresaliendo de cada bolsillo, con un pañuelo rojo y un gran sombrero negro. No conozco a una sola mujer que se negaría a venir a su estudio”, recordó Lunia Chejovska, amiga del pintor. Sirvieron como modelos para la escandalosa exposición.

Más tarde, Amedeo volvió más de una vez a su tema favorito: retratos de amigos y modelos aleatorios que posaron para él con los disfraces de Eve, por la pasión por la que la gente del pueblo lo regañaba. Pero no le dio ninguna importancia a esto, porque le pareció al mismo Modi: es obvio que no se sintió atraído por la superficie de la "estructura corporal", sino por su armonía interna. ¿Puede la belleza ser desvergonzada? Por cierto, sobre esta base, Dodo tuvo un conflicto con el anciano genio Auguste Renoir, quien, como maestro, se comprometió a dar un consejo a un joven colega: "Cuando pintas una mujer desnuda, debes ... suavemente, suavemente cepillar el lienzo, como acariciando.” A lo que Modigliani se encendió y, hablando tajantemente de la voluptuosidad del anciano, se fue sin despedirse.

La “singular tentación atormentadora” y el “contenido erótico” de sus pinturas serán discutidos más adelante, cuando el cantor de carnes desnudas ya no esté vivo. Habiendo escoltado al autor a otro mundo, los descendientes agradecidos finalmente verán las obras del "pobre Dodo" y comenzarán a valorarlas en millones de dólares, organizando batallas de subastas por el derecho a pagar más que los competidores. Un revuelo similar causó “Desnudo sentado en el sofá” (“La hermosa mujer romana”). Se puso a la venta en Nueva York el 2 de noviembre de 2010 en el famoso Sotheby's y pasó a una colección privada por casi sesenta y nueve millones de dólares, "estableciendo un precio récord absoluto". “El nombre del nuevo propietario, como es habitual, no se anuncia

“¿Por qué no tratas de influir en él de alguna manera, porque se está muriendo de borrachera, de tuberculosis progresiva?” uno de los amigos cercanos de la pareja le preguntó a Hebuterne, al darse cuenta de lo enfermo que estaba Amedeo. “Modi sabe que debe morir. Eso será mejor para él. Tan pronto como muera, todos entenderán que es un genio”, respondió ella. El día después de la muerte de Modigliani, Jeanne lo siguió a la eternidad, saliendo por una ventana. Y algunos de los que se acercaron a despedir al artista y su musa recordaron las palabras del maestro: “La felicidad es un hermoso ángel de cara triste”. etsya”, - informaron secamente los medios, siguiendo los oficios de élite.

Pierre Auguste Renoir Desnudo 1876 ​​Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, Moscú

"El cantante de mujeres, la desnudez, el gobernante del reino de las damas": así es como uno de los biógrafos apodó al artista por su habilidad virtuosa para transmitir la desnudez en el lienzo. Sin embargo, el tema favorito del maestro no fue del gusto de todos sus contemporáneos.

"Todavía no sabía caminar, pero ya me encantaba pintar damas", repetía a menudo Auguste. "Si Renoir decía: 'Amo a las mujeres', no había la menor insinuación lúdica en esta afirmación, que la gente comenzó a poner en la palabra "amor" del siglo XIX. Las mujeres entienden todo muy bien. Con ellas el mundo se vuelve muy simple. Llevan todo a su verdadera esencia y saben muy bien que su ropa no es menos importante que la constitución del Imperio alemán. ¡Te sientes más seguro a su alrededor! No le resultó difícil darme una idea sobre el confort y la dulzura del cálido nido de su infancia: yo mismo crecí en el mismo ambiente afectuoso”, escribió el famoso director francés Jean Renoir en sus memorias sobre su padre, asegurando que su rica experiencia amorosa llevó a su padre a que al final de su vida creara su propio “concepto de amor” original. Su esencia se reducía a lo siguiente: “Haces estupideces”. mientras seas joven. No importan si no tienes ninguna obligación ".

Renoir Sr. sabía lo que decía: él mismo se casó por primera vez a la edad de cuarenta y nueve años y desde entonces, según las historias de los familiares, se ha convertido en el esposo más ejemplar y padre cariñoso de tres hijos, a quienes su amada mujer que Alina Sherigo dio a luz. Cuando se conocieron, la chica tenía poco más de veinte años y el artista se disponía a celebrar su cuadragésimo cumpleaños. La linda modista Alina, a quien encontraba todos los días en un café cerca de su casa, resultó ser absolutamente de su agrado: piel joven y fresca, mejillas sonrosadas, ojos chispeantes, cabello hermoso, labios jugosos. Y aunque Sherigo no entendía la pintura, y el maestro mismo no era ni rico ni guapo, además, tuvo que esperar casi diez años para recibir una oferta oficial, esto no impidió que la belleza viera en él a su futuro esposo, el único. . Y para que el mismo Renoir encontrara en ella no solo a una esposa devota, sino también a la mejor modelo del mundo, a menudo posaba para Auguste y confesaba: "No entendía nada, pero me gustaba mirar cómo escribe". “Renoir se sentía atraído por las mujeres tipo gato. Alina Sherigo fue la perfección en este género”, escribió su hijo Jean. Y el misógino Edgar Degas, al verla en una de las exposiciones, dijo que parecía una reina visitando acróbatas errantes.

El modelo tiene que estar allí para encenderme, para hacerme inventar cosas que no se me habrían ocurrido sin él, para mantenerme en línea si me dejo llevar demasiado.

Pedro Auguste Renoir

“Lo siento por los hombres que conquistan a las mujeres. ¡Tienen un trabajo duro! Día y noche de servicio. Conocí a artistas que no creaban nada digno de atención: en lugar de pintar damas, las seducían”, sentenció Renoir una vez “se quejó” a sus colegas. Prefirió guardar silencio sobre qué tipo de relación tuvo en su juventud con numerosas Palettes, Cosettes, Georgettes. Sin embargo, fueron ellos quienes, no agobiados por la excesiva escrupulosidad de los habitantes de Montmartre, posaron a menudo para el pintor. Una de ellas, Anna Leber, fue llevada a su estudio por un amigo, y después de un tiempo reconoció fácilmente las características familiares en la pintura "Desnudo a la luz del sol": el artista exhibió este lienzo en la segunda exposición de los impresionistas. Algunos historiadores del arte creen que Anna se convirtió en modelo para el famoso "Desnudo"; también se la llama "Bañista" y, debido a la reproducción cromática especial, "Perla". Si las conjeturas de los expertos son correctas, entonces el destino de esta mujer lujosa "en el mismo jugo" resultó ser poco envidiable: contrajo viruela, murió en la flor de la vida y la belleza ...

Sin embargo, en 1876, ni Anna ni Auguste, que aún no conocían a Alina, sabían lo que les esperaba en el futuro. Por lo tanto, podía asomarse sin vacilar día y noche a las curvas de las líneas de su cuerpo para dar tangibilidad al retrato (así se llama esta obra). No es de extrañar que fuera franco: “Sigo trabajando en desnudos hasta que tengo ganas de pellizcar el lienzo”.

Por cierto, "sinfonías pintorescas" y "obra maestra del impresionismo", que incluía "Desnudo", sus pinturas comenzaron a llamarse solo años después. En la inauguración de esos años, el crítico de arte Albert Wolff, al ver uno de los desnudos de Renoir, prorrumpió en una diatriba enojada en las páginas del periódico Figaro: “Inspire al Sr. Renoir que el cuerpo femenino no es un montón de carne en descomposición con manchas verdes”. y manchas moradas, que indican que el cadáver ya se está descomponiendo a toda velocidad!” El propio maestro, dotado de un rasgo de carácter feliz para percibir el mundo en colores brillantes, no le dio mucha importancia a su ataque y continuó escribiendo a su manera para el deleite de los admiradores, presentes y futuros. De hecho, además del amor por la familia, solo una pasión poseyó su alma hasta el final de sus días: la pintura. E incluso cuando, a causa de la enfermedad, sus dedos no podían sostener el pincel, seguía dibujando, atándolo a su mano.

“¡Hoy aprendí algo!” - Dicen que Renoir, de setenta y ocho años, pronunció estas palabras antes de emprender su último viaje - para encontrarse con su adorada Alina, que se había ido a otro mundo cuatro años antes.

Diego Velázquez Venus con espejo (Venus Rokeby) 1647-1651 La Galería Nacional, Londres

Los contemporáneos de Diego Velásquez lo consideraban un favorito del destino: el artista no solo tuvo suerte en todos sus esfuerzos, sino que también tuvo la suerte de evitar el fuego de la Inquisición por representar la desnudez femenina. Pero su lienzo escandaloso no pudo escapar a la "retribución"...

"¡¿Dónde está la pintura?!" - exclamó el poeta romántico francés Theophile Gauthier, admirando uno de los cuadros del español Diego Rodríguez de Silva y Velásquez. Y el Papa Inocencio X remarcó: “Demasiado verídico”. seña de identidad del Maestro, no gustó a todo el mundo: el séquito del rey Felipe IV, que agradecía el don divino de Diego, lo consideraba un advenedizo arrogante y narcisista. Pero Velásquez, apasionado de su arte, no malgastaba sus energías en disputas de palabras, lo que hizo que solo ganara la calidad de la obra, y se admirara su educación. Por ejemplo, uno de los biógrafos, Antonio Palomino, escribió que ya en su juventud, Diego “se dedicó al estudio de las bellas letras y al conocimiento de idiomas. ​​y la filosofía superó a muchas personas de su tiempo ". Ya el primer retrato, por el que el poderoso cortesano y duque de Olivares, natural de Sevilla, gustó tanto al gobernante que ofreció veinticuatro ehletny Velásquez para convertirse en pintor de la corte. Y él, por supuesto, accedió. Pronto, se establecieron relaciones amistosas entre ellos. El pintor y teórico del arte Francisco Pacheco, cuyo alumno fue Diego en su juventud, escribió más tarde que “el gran monarca resultó ser sorprendentemente generoso y solidario con Velásquez. El estudio del artista estaba ubicado en los apartamentos reales, donde se instaló una silla para Su Majestad. El rey, que tenía la llave, venía aquí casi todos los días para supervisar el trabajo”. Cómo reaccionó Pacheco ante el hecho de que su talentoso pupilo comenzó a dejar a su familia durante mucho tiempo, yendo a otros países como cortesano, la historia no dice nada. Aunque se sabe muy poco sobre la esposa de Velázquez, Juan Miranda, y solo es innegable el hecho de que era hija de Pacheco. Juana le dio a su esposo las hijas Francisca e Ignacia. Por cierto, Francisca repitió el destino de su madre: también se casó con el alumno favorito de su padre, Juan Batista del Mazo. Es cierto que en la vida de los seres queridos, aparentemente, Diego participó mucho menos que en los asuntos estatales.

“Un hombre maravillosamente educado y bien educado que tenía un sentido de su propia dignidad”, dijo el artista y escritor veneciano Marco Boschini sobre él. Tal mensajero fue un excelente representante de la corte española fuera de su tierra natal. Aunque Philip soltó a regañadientes a su mascota, Velásquez tuvo la oportunidad de realizar viajes largos al extranjero más de una vez. La primera vez que hizo un viaje a Italia en 1629 y con admiración descubrió todo el mundo de la pintura italiana. El segundo viaje a este país duró de 1648 a 1650: por encargo de Felipe, Diego se dedicó a la selección de obras de arte para la colección real. Se cree que la aparición de una de las pinturas más famosas y sorprendentes de Velázquez está relacionada con este viaje: supuestamente se inspiró para crear una obra maestra "desvergonzada" en las pinturas de los grandes italianos Miguel Ángel, Tiziano, Giorgione, Tintoretto, quien capturó los encantos de bellezas míticas desnudas con su coraje inherente.

"Venus y Cupido", "Venus con un espejo", "Venus Rokeby", ¡tan pronto como se ha llamado al lienzo durante siglos! Pero su singularidad no está sólo en la habilidad del autor: este es el único desnudo sobreviviente de Velázquez. Como saben, los grandes inquisidores, cuya crueldad y actitud intransigente hacia quienes violaban las leyes establecidas por ellos, ganó notoriedad, consideraron inaceptables tales libertades. “Al crear voluptuosas figuras desnudas sobre lienzo, los pintores se convierten en guías del diablo, le proporcionan seguidores y habitan el reino del infierno”, dijo uno de los ardientes predicadores de la fe, José de Jesús María. En este caso, la belleza -con o sin espejo- fue la mejor ilustración de lo dicho. Y Diego ardería, si no en el infierno, ciertamente en la hoguera, si todos los participantes en el “crimen” no mantuvieran en secreto todo lo que se refería a esta imagen. Es posible que el máximo patrocinio salvó a su creador del castigo. Presuntamente, la obra fue encargada por una de las personas más nobles de España, y la primera mención de ella data de 1651: fue descubierta durante un inventario de la colección de un pariente del influyente Olivares, el marqués del Carpio. Sobre cuál de las damas sirvió como modelo, todavía discuten. Según una versión, Diego fue posado por la famosa actriz y bailarina madrileña Damiana, quien era la amante del marqués, apasionado coleccionista, conocedor del arte y de las mujeres bonitas. Según otra suposición, una mujer italiana entregó su cuerpo a Venus. Quizás el amante secreto de Velásquez se convirtió en ella: dicen que el romance realmente se llevó a cabo, lo que supuestamente tiene evidencia. Así como evidencia de que poco después de que el artista partiera a España, tuvo un hijo, para cuya manutención Diego envió fondos.

Y este no es el último misterio de Venus. Los amantes del misticismo aseguran: cada propietario posterior quebró y se vio obligado a poner el cuadro en venta. Así, deambuló de mano en mano hasta encontrarse en la finca inglesa de Rokeby Park, en Yorkshire, que le dio uno de los nombres. Y en 1906, la National Gallery de Londres adquirió el cuadro: el 10 de marzo de 1914, allí tuvo lugar la siguiente historia...

¿Dónde está la pintura? Todo parece real en tu cuadro, como en un espejo de cristal.

Francisco de Quevedo

Una chica corriente entró en el pasillo donde se encontraba el lienzo. Al acercarse a la obra maestra, sacó un cuchillo de su pecho y, antes de que los guardias pudieran detenerla, asestó siete golpes. Durante la investigación, Mary Richardson explicó su acto de la siguiente manera: “Venus con un espejo” se convirtió en objeto de deseo para los hombres. Estos machistas la miran como una postal pornográfica. ¡Las mujeres del mundo me están agradecidas por poner fin a esto!”. Más tarde se supo que la señorita Richardson era sufragista, miembro del movimiento por la concesión del derecho al voto a las damas. Y de una manera tan poco original, trató de llamar la atención pública sobre el destino de Emmeline Pankhurst, la cabeza de este movimiento, que una vez más estaba en prisión, donde se declaró en huelga de hambre.

Y se restauró “Venus”: tres meses después volvió a la galería. Y allí, como hace siglos, admira su reflejo.

Edouard Manet "Olympia" 1863 Musée d'Orsay, París

Este cuadro, pintado hace exactamente 150 años, es hoy considerado una obra maestra del impresionismo, y muchos coleccionistas sueñan con tenerlo en su colección. Sin embargo, su primera aparición en una inauguración autorizada en el siglo XIX provocó uno de los escándalos más ruidosos en la historia del arte.

Probablemente no anticipando la mejor recepción, Edouard Manet no tenía prisa por mostrar su trabajo al público. De hecho, en el mismo 1863, ya logró distinguirse al presentar "Desayuno en la hierba" al jurado, que fue inmediatamente condenado al ostracismo: su modelo fue acusada de vulgaridad, llamándolo una chica de la calle desnuda, ubicada descaradamente entre dos dandis. El propio autor fue acusado de inmoralidad y no se esperaba nada digno de él. Pero amigos, entre los que se encontraba el célebre poeta y crítico francés Charles Baudelaire, convencieron al maestro de que su nueva creación no sería igual. Y el poeta Zachary Astruc, admirando a Venus (se cree que la obra fue escrita bajo la influencia de la "Venus de Urbino" de Tiziano y originalmente llevaba el nombre de la diosa del amor), inmediatamente llamó a la bella Olimpia y dedicó el poema "Hija de la isla". Sus líneas se colocaron debajo del lienzo, cuando dos años más tarde, en 1865, Manet decidió mostrarlo en la exposición del Salón de París, una de las más prestigiosas de Francia. ¡Pero qué empezó aquí!

“Tan pronto como Olympia se despierta del sueño,

Heraldo negro con un ramo de primavera delante de ella;

Ese es el mensajero de un esclavo que no se puede olvidar,

Convirtiendo la noche del amor en el florecimiento de los días,

los primeros visitantes leyeron el pie de foto. Pero tan pronto como vieron la imagen, se marcharon indignados. Por desgracia, el encaje poético, que despertó su favor, no afectó en lo más mínimo la actitud hacia la obra en sí. "Lavandera de Batignolles" (el taller de Edouard estaba ubicado en el barrio de Batignolles), "cartel para un puesto", "odalisca de vientre amarillo", "peculiaridades sucias": tales epítetos resultaron ser los más suaves de todos los que la multitud ofendida otorgó. Olimpia. Más - más: "Esta morena es asquerosamente fea, su cara es estúpida, su piel es como la de un cadáver", "Una gorila hecha de goma y representada completamente desnuda", "Su brazo parece tener calambres obscenamente", vino desde todos lados. Los críticos sobresalieron en ingenio, asegurando que "el arte, que ha caído tan bajo, no es ni siquiera digno de condena". A Manet le pareció que todo el mundo se volvía contra él. Incluso aquellos que fueron benévolos no pudieron resistirse a comentar: “la reina de picas de una baraja de cartas, simplemente

Artista Eduardo Manet.

fuera del baño”, llamó su colega Gustave Coubret. “El tono del cuerpo es sucio, y no hay modelado”, le hizo eco el poeta Theophile Gautier. Pero el artista se limitó a seguir el ejemplo de su amado pintor, reconocido por todo Diego Velázquez, y transmitió distintas tonalidades de negro... Sin embargo, las tareas colorísticas que se propuso y resolvió brillantemente no molestaron mucho al público: el rumor sobre quien sirvió de modelo para su obra, provocó tal ola de enfado general que el “Olympia” tuvo que ser resguardado. Tiempo después, la dirección de la sala de exposiciones se vio obligada a elevarla a una altura donde no llegaran las manos y bastones del “público virtuoso”. Los críticos de arte y los pintores estaban indignados por la desviación de los cánones: era costumbre representar a las damas desnudas exclusivamente como diosas míticas, y su contemporáneo se adivinaba claramente en el modelo de Edward, además, el autor se permitió el uso libre del color e invadió sobre las normas estéticas. Los habitantes franceses estaban preocupados por otra cosa: el hecho fue que corrió por la ciudad un rumor, recogido con gusto por la multitud, de que la famosa cortesana parisina y amante del emperador Napoleón III, Marguerite Bellanger, había dado su apariencia a Olimpia. Por cierto, el propio Napoleón, un conocedor del arte, adquirió en el mismo 1865 la "pintura principal del Salón": "El nacimiento de Venus" del metro y académico Alexander Cabanel. Al final resultó que, su modelo no avergonzó al emperador con nada más que una pose frívola o formas borrosas, porque cumplía plenamente con las leyes del género. A diferencia de la deshonrada "Olympia" con su escandalosa "biografía".

Según la versión oficial, no fue Margarita quien posó para la foto, sino la modelo favorita de Manet, Quiz-Louise Meuran: no dudó en desnudarse para "Desayuno en la hierba", y apareció en sus otros lienzos. Otros artistas también la invitaron a menudo como modelo, gracias a lo cual Quiz se captura en las pinturas de Edgar Degas y Norbert Gonett. Es cierto que esta niña no difería en buen humor y castidad: no fue en vano que uno de sus conocidos la llamó "una criatura descarriada que hablaba como las mujeres de la calle parisinas". Con el tiempo, se despidió del sueño de convertirse en actriz, y luego en artista (sus pocas obras talentosas se conservaron), se volvió adicta al alcohol, comenzó una aventura con una tal Marie Pellegri, en sus últimos años adquirió un loro, con a quien paseaba por las calles de la ciudad, cantando canciones con una guitarra por limosna, - eso es lo que cazaba.

¿Quién te esculpió de la oscuridad de la noche, qué clase de Fausto nativo, el demonio de la sabana? Hueles a almizcle y tabaco de La Habana, Niño de la medianoche, mi ídolo fatal...

Carlos Baudelaire

Y ridiculizada, acusada de vulgaridad y desvergüenza, "Olympia" comenzó una vida independiente. Tras el cierre del Salón, pasó casi un cuarto de siglo en el taller de Manet, donde solo los conocidos de Edward podían admirarla, porque museos, galerías y coleccionistas no veían en ella valor artístico y se negaban rotundamente a comprarla. La opinión pública no se vio influenciada por ninguna protección en la persona de un destacado crítico de arte y periodista, Antonin Proust, quien, como amigo de su juventud, escribió: "Eduard nunca logró volverse vulgar, sintió la raza". Ni la convicción del escritor Emile Zola, quien advirtió en uno de los artículos publicados en un diario parisino que el destino le tenía preparado un lugar en el Louvre. Sin embargo, sus palabras se hicieron realidad, pero la belleza tuvo que esperar casi medio siglo. En ese momento, el propio autor no había estado en este mundo durante mucho tiempo, y su creación favorita casi se fue, junto con otras obras, a un amante del arte estadounidense. La situación fue salvada por el amigo del maestro Claude Monet: para que la obra maestra, y no tenía dudas al respecto, no abandonara Francia para siempre, organizó una suscripción, gracias a la cual se recaudaron veinte mil francos. Esta cantidad fue suficiente para comprar el lienzo a la viuda Manet y donarlo al estado, que durante tantos años se había negado a tal adquisición. Los funcionarios de las artes aceptaron el presente y se vieron obligados a exhibirlo, pero no en el Louvre (¡como sea posible!), sino en uno de los salones del Palacio de Luxemburgo, donde el cuadro permaneció durante dieciséis años. Fue transferido al Louvre solo en 1907. Exactamente cuarenta años después, en 1947, cuando se inauguró el Museo del Impresionismo en París (sobre cuya base se creó posteriormente la colección del Musée d'Orsay), Olympia se instaló allí. Y ahora los conocedores se congelan de admiración ante la mujer, a quien, en palabras de Zola, el artista “arrojó sobre el lienzo toda su belleza juvenil”.

Rafael Santi "Fornarina" 1518-1519 Galleria Nazionale d'Arte Antica. Palacio Barberini, Roma

Se cree que fue Rafael quien la capturó en la imagen de la famosa "Madonna Sixtina". Es cierto que dicen que en la vida Margarita Luti no fue en absoluto sin pecado ...

Para cuando esta mujer apareció en el destino de Rafael Santi, éste ya era famoso y rico. En cuanto a la fecha exacta de su reunión, los historiadores del arte y los historiadores aún no se ponen de acuerdo, pero las leyendas se transmiten por escrito y oralmente, que a lo largo de los últimos siglos se han complementado con muchos detalles. Algunos de los biógrafos del artista afirman que se conocieron por casualidad cuando una tarde Rafael paseaba por las orillas del Tíber. Cabe señalar que fue durante este período que trabajó por encargo de Agostino Chigi, un noble banquero romano, quien invitó al eminente pintor a pintar las paredes de su palacio Farnesino. Las tramas de "Tres Gracias" y "Galatea" ya las han engalanado. Y con el tercero, "Apolo y Psique", surgió una dificultad: Rafael no pudo encontrar un modelo para la imagen de la antigua diosa. Y así se presentó la oportunidad. "¡La encontre!" - exclamó el artista al ver a una chica caminar hacia él. Se cree que fue con estas palabras que comenzó una nueva era en su vida personal. Resultó que la joven belleza se llamaba Margherita y era hija del panadero Francesco Luti, quien se mudó de la pequeña y soleada Siena a Roma hace muchos años. "¡Oh, sí, eres una hermosa fornarina, una panadera!" - dijo Raphael (traducido del italiano fornaro o fornarino - panadero, panadero) e inmediatamente la invitó a posar para una futura obra maestra. Pero Margarita no se atrevió a dar su consentimiento sin obtener el permiso de su padre. Y él, a su vez, es el prometido de la hija de Tomaso. Como ha demostrado la experiencia, la sólida cantidad entregada por Rafael al padre de Luti tuvo un efecto más elocuente que cualquier palabra: habiendo recibido tres mil piezas de oro, con gusto permitió que su niña sirviera al arte día y noche. La propia Margarita-Fornarina obedeció gustosa a su voluntad paterna, pues aunque era muy joven (se cree que apenas tenía diecisiete años), la intuición femenina sugería que el famoso y acaudalado artista estaba enamorado de ella. Y pronto la niña se mudó a una villa (presumiblemente en Via di Porta Settimiana), que Rafael alquiló especialmente para ella. Desde entonces, dicen, no se han separado. Por cierto, ahora el hotel Relais Casa della Fornarina se encuentra en esta dirección, cuyo sitio web afirma que el amado de Raphael vivió aquí en el siglo XVI. Es cierto, no por mucho tiempo: dado que el deseo de pasar tiempo en su compañía interfirió con el trabajo, Chigi sugirió que el maestro instalara a Margarita junto a él en Farnesino. Y así lo hizo.

Cupido, muere resplandor cegador

Dos ojos maravillosos enviados por ti.

Prometen frío o calor de verano,

Pero no tienen ni una gota de compasión.

Tan pronto como supe su encanto,

Cómo perder la libertad y la paz.

rafael santi

Hoy es difícil decir qué es verdad y qué es ficción en esta historia, pues según algunas fuentes, comenzó en 1514, es decir, hace casi medio milenio. Tampoco hay confirmación de si esta mujer está representada en otros lienzos del artista, por ejemplo, "Donna Valeta". Aunque los estudiantes participaron en la creación de muchas de las obras monumentales de Rafael, se puede suponer que escribió la Fornarina, como la Madonna Sixtina, personalmente. Probablemente, por lo tanto, de pie frente a la "Madonna" muchos años después en el salón de la Galería de Arte de Dresde, el poeta ruso Vasily Zhukovsky comentó: "Una vez que el alma humana tuvo tal revelación, no puede suceder dos veces". Uno solo puede adivinar que el lienzo fue pintado por Margherita Luti, como dicen muchas fuentes: en las "Biografías", compiladas por el biógrafo autorizado del Renacimiento, Giorgio Vasari, este nombre no se menciona. Sólo existe una frase así: “Marcantonio hizo muchos más grabados para Rafael, que regaló a su alumna Baviera, que le fue asignada a la mujer que amó hasta su muerte, cuyo retrato más bello, donde parece viva, está ahora con el el noble Matteo Botti, comerciante florentino; trata este retrato como si fuera una reliquia, por amor al arte y a Rafael en particular”. Y más - ni una palabra. Siglos después, uno de los lectores de Vasari escribió en el margen opuesto a estas líneas que su nombre era Margarita: la dama fue bautizada como Fornarina en el siglo XVIII.

Pero el rumor no se puede detener. “¡Hermosa como la Madonna de Rafael!” - y ahora dicen aquellos que quieren describir la verdadera belleza. Pero los contemporáneos de Rafael aseguraban que el encantador en cuestión no se distinguía por la castidad: en aquellos días en que el maestro ocupado en el trabajo estaba ausente, ella le encontraba fácilmente un reemplazo, mientras pasaba el tiempo en brazos de uno de sus alumnos o del banquero. él mismo. Los conciudadanos del maestro estaban convencidos, y luego aseguraron al mundo entero de esto, que Rafael murió justo en sus brazos por un paro cardíaco. Ocurrió el 6 de abril de 1520, el artista tenía solo treinta y siete años.

Nos guste o no, es poco probable que lo sepa. Pero se sabe con certeza que Rafael no respondió a la propuesta de su amigo el cardenal Bernardo Divizio di Bibbiena, quien, según Vasari, le suplicaba desde hacía muchos años que se casara con su sobrina. Sin embargo, Raphael, “sin negarse a cumplir directamente el deseo del cardenal, prolongó el asunto. Mientras tanto, poco a poco se entregó a más de lo debido en los placeres del amor, y luego, un día, después de cruzar las fronteras, regresó a casa con una fiebre violenta. Los médicos pensaron que se había resfriado y sin darse cuenta lo sangraron, por lo que se debilitó mucho”. La medicina era impotente.

“Fornarina” emprendió un viaje independiente: por primera vez, se menciona una obra que representa a una mujer desnuda a partir de las palabras de una persona que la vio en la colección de Sforza Santa Fiora. En su hombro izquierdo luce un brazalete con la inscripción “Rafael de Urbinsky”, que dio lugar a la identificación de la modelo con el legendario amante. Ha estado en los fondos del Palacio Barberini desde 1642. Los estudios de rayos X mostraron que este lienzo fue "corregido" más tarde por el alumno de Rafael, Giulio Romano.

“Raphael habría logrado un éxito brillante en la coloración, si su adición ardiente, que lo atraía constantemente al amor, no le hubiera causado una muerte prematura”, escribió uno de los admiradores de su obra. “Aquí yace el gran Rafael, durante cuya vida la naturaleza tuvo miedo de ser derrotada, y después de su muerte tuvo miedo de morir”, dice el epitafio grabado en su lápida en el Panteón.

Gustav KLIMT “Leyenda” 1883 Wien Museum Karlsplatz, Viena

Gustav Klimt es famoso por sus extrañas representaciones de damas desnudas: a principios del siglo XX, sus pinturas, que se distinguen por un franco erotismo, sorprendieron al refinado público vienés y los guardianes de la moral las calificaron de pornográficas.

Pero no siempre fue así: uno de los primeros encargos que el artista novato recibió de la editorial Martin Gerlach -para realizar ilustraciones para el libro "Alegorías y emblemas"- fue realizado por el joven Gustav por su cuenta y, probablemente, en su totalidad. de acuerdo con sus requisitos e ideas sobre la belleza. En cualquier caso, no se ha conservado información sobre las denuncias de Gerlach. Aunque el centro de la trama es una belleza desnuda. Tales críticos de la desnudez llamaron casi casto. “Incluso en sus primeras pinturas, Klimt le dio un lugar de honor a la Mujer: desde entonces, nunca ha dejado de cantarla. Bestias obedientes se colocan para decorar a los pies de una heroína increíble y sensual que da por sentada su obediencia”, se deleitaron con su propia elocuencia. Y aclararon, dicen, que el autor necesitaba los animales sólo para mostrar esta primera Eva voluptuosa bajo la luz más favorable. Fábula: este es el nombre de la imagen en el original. En la traducción rusa, se conoce con diferentes nombres: "Leyenda", "Cuento de hadas", "Fábula". Lo único que permanece invariable es la reacción del público, al que le cuesta creer que pertenezca al pincel de ese mismísimo Gustav Klimt, un erotómano escandaloso, un genio y un “pervertido decadente”, como le llamaban sus conciudadanos. . Pero mucho ha cambiado desde entonces, incluido su estilo artístico.

“Él mismo parecía un plebeyo torpe que no podía conectar dos palabras. Pero sus manos eran capaces de convertir a las mujeres en orquídeas preciosas que emergían de lo más profundo de un sueño mágico”, recordó uno de los conocidos del artista. Es cierto que no todos los contemporáneos de Klimt compartían su opinión. Después de todo, fue la imagen “obscena” del desnudo femenino la que provocó uno de los escándalos más ruidosos en el arte. Tuvo lugar en Viena siete años después de la creación de Fable, en vísperas de 1900, cuando el joven pintor presentó al público, y lo más importante, a los clientes, respetados profesores de la Universidad de Viena, las pinturas "Filosofía", "Medicina " y "Jurisprudencia": se suponía que debían decorar el techo del edificio principal del Templo de las Ciencias. Al mirar los lienzos, los expertos se sorprendieron por la "fealdad y la desnudez" e inmediatamente acusaron al autor de "pornografía, perversión excesiva y demostración del triunfo de la oscuridad sobre la luz". ¡El caso atroz fue discutido incluso en el Parlamento! Las exhortaciones del profesor de arte Franz von Wickhoff, la única persona que trató de defender a Klimt en la legendaria conferencia “¿Qué es feo?”, nadie hizo caso. Como resultado, los lienzos no se exhibieron en el edificio de la universidad. Sin embargo, esta historia ayudó a Gustav a sacar una conclusión importante: la independencia creativa es la única manera de preservar la originalidad. “Basta de censura. Me las arreglaré por mi cuenta. Quiero ser libre. Quiero deshacerme de todas estas pequeñas cosas tontas que frenan mi trabajo y recuperar mi trabajo. Rechazo cualquier ayuda y orden del gobierno. Renuncio a todo”, dijo unos años después en una entrevista. Y se dirigió al gobierno con una solicitud para que le permitiera redimir el trabajo deshonrado. “Todos los ataques de la crítica apenas me tocaron en ese momento, y además, era imposible quitarme la felicidad que experimenté mientras trabajaba en estos trabajos. En general, no soy muy sensible a los ataques. Pero me vuelvo mucho más receptivo si entiendo que quien ordenó mi trabajo está insatisfecho con él. Como en el caso de que se tapen los cuadros”, explicó en una entrevista con un periodista vienés. Su solicitud fue concedida por el gobierno. Más tarde, las pinturas terminaron en colecciones privadas, pero al final de la Segunda Guerra Mundial fueron quemadas por las tropas de las SS en retirada en el castillo de Immerhof, donde luego fueron almacenadas. El propio Klimt no sabía nada de esto, porque todo esto sucedió cuando el maestro ya no estaba vivo.

Cualquier arte es erótico.

adolf loos

Afortunadamente, entonces, en la década de 1900, la reacción del público no enfrió su ardor: apostó por las damas: fueron ellas quienes le trajeron la codiciada libertad. Aunque el deseo de "pintar audazmente a Eva, el prototipo de todas las mujeres, en todas las poses imaginables, para las cuales no es la manzana la que es objeto de la tentación, sino su cuerpo", nunca desapareció, Gustav prefirió ganar dinero creando retratos de los compañeros de vida de los magnates vieneses. Así apareció la famosa "Galería de esposas", que le dio a Klimt no solo dinero, sino también fama: Sonya Knips, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer: el maestro supo complacer a los prósperos ciudadanos de Viena. Retrató a sus seres queridos como infinitamente encantadores, pero con un toque de altanería. Habiendo dado una vez estos rasgos a una dama de la alta sociedad, repitió la técnica más de una vez. Así que “femme fatales, erótica y estética” se convirtió en el sello distintivo de Klimt.

Afortunadamente, al artista no le faltaron modelos, desnudos o vestidos con ropa lujosa. Aunque se hicieron leyendas sobre su carácter amoroso, durante veintisiete años la fiel compañera de Gustav fue Emilia Flöge, diseñadora de moda y propietaria de una casa de moda. Es cierto que dijeron que solo estaban conectados por una amistad conmovedora, y que la relación de la pareja era exclusivamente platónica. Y, sin embargo, se cree que fue ella y él mismo los que capturó en el famoso "Beso".

Probablemente seguirá siendo un misterio quién inspiró los rasgos de la belleza de Fable, uno de esos que a Klimt le encantaba crear. “Todos los que quieran saber algo sobre mí como artista, y eso es todo lo que me interesa, deben mirar detenidamente mis pinturas”, aconsejó. Quizás realmente ocultan las respuestas a todas las preguntas.

Dante Gabriel Rossetti "Venus Verticordia" 1864-1868 Museo y galería de arte Russell-Cotes, Bournemouth

Dante Gabriel Rossetti se hizo famoso como uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita, un poeta y artista original que creó una serie de retratos eróticos de mujeres. Y también - travesuras escandalosas que hicieron estallar la sociedad puritana.

"Si lo conocieras, lo amarías, y él te amaría a ti, todos los que lo conocieron estaban apasionados por él. Era completamente diferente a otras personas", dijo Jane Burden Morris sobre Rossetti, quien durante muchos años tomó el lugar de la mujer y modelo amada de Dante, pero no sólo ella...

La historia comenzó en octubre de 1857 cuando Jane y su hermana Elizabeth fueron al Drury Lane Theatre de Londres. Allí fue notada por Rossetti y su colega Edward Burne-Jones. Los contemporáneos notaron que Jenny, como comenzaron a llamarla sus amigos prerrafaelitas, no difería en la belleza tradicional, pero atraía la atención por su diferencia con los demás. "¡Qué mujer! Ella es maravillosa en todo. Imagínense una dama alta y delgada, con un vestido largo de tela púrpura apagado, de materia natural, con una melena negra y rizada que cae en grandes ondas sobre sus sienes, un rostro pequeño y pálido, grandes ojos oscuros, profundos... con cejas gruesas y negras arqueadas. Un cuello alto abierto en perlas, y al final, la perfección misma ”, admiró uno de los conocidos. Era sorprendentemente diferente de las jóvenes seculares "clásicas", y esto excitó la imaginación de los prerrafaelitas, quienes declararon su falta de voluntad para seguir las leyes de la pintura académica. Dicen que, al verla, Rossetti exclamó: “¡Una vista increíble! ¡Precioso!" Y luego invitó a la chica a posar. Otros artistas apreciaron su elección y compitieron entre sí para invitar a Jane, de soltera Burden, a sus sesiones. Es fácil adivinar cómo reaccionó ante esto la musa oficial de los prerrafaelitas Elizabeth Siddal, quien durante muchos años llevó este título. Después de todo, Lizzy también era la esposa de hecho de Rossetti: prometió legitimar su relación. Todos sabían de este apasionante y doloroso romance para ambos. Así como el hecho de que el amoroso Dante todos estos años se “inspiró” en los brazos de otros modelos. Las experiencias paralizaron la mala salud de Siddal, que ella, en el pleno sentido de la palabra, sacrificó al arte. Se dijo que, posando en 1852 para el famoso cuadro de John Millais "Ofelia", pasó muchas horas seguidas en un baño de agua, representando a la Ofelia ahogada. Sucedió en invierno, y la lámpara que calentaba el agua se apagó. La niña se resfrió y enfermó gravemente. Se cree que le recetaron un fármaco a base de opio para el tratamiento. Para crédito de Dante, vale la pena decir que cumplió su palabra al casarse con Lizzie en mayo de 1860. Y en febrero de 1862 se fue. Elizabeth murió de una sobredosis de opio, que tomó para calmar su dolor: poco antes había perdido un hijo y su relación con Rossetti había ido mal. No fue posible averiguar si su muerte fue solo un accidente fatal.

Pero pasó el tiempo: Jane Burden estaba cerca. Y aunque ya era la esposa de William Morris, la amistad “tierna” con Rossetti continuaba. El cónyuge legal estaba por encima de las convenciones y no interfería en la relación. ¿Quizás él mismo los “profetizó”? Después de todo, la única imagen completada por Morris es Jane en la imagen de la "Reina Ginevra": como saben, esta dama era la esposa del Rey Arturo, quien, según una versión, se convirtió en la amada de su caballero Lancelot. Sea como fuere, fue Jane quien devolvió la vida a Dante, despertando en él el deseo de crear. Unos años más tarde, decidió publicar sus primeras creaciones poéticas. Por desgracia, no quedaron borradores de sonetos, y luego cometió un acto del que todo Londres habló durante mucho tiempo: llevó a cabo una exhumación y sacó a la luz del día los manuscritos una vez perdidos. “Sus sonetos están imbuidos de un contenido místico-erótico”, respondieron los críticos y los lectores aceptaron con deleite.

La vida siguió y ahora Jane, como una vez Elizabeth, apareció en casi todos sus lienzos, gracias a los cuales entró en la historia de la pintura. Sin embargo, sigue siendo un misterio si la famosa "Venus Verticordia" - "Venus que gira corazones" mantiene sus rasgos. En ese momento, Rossetti tenía otra modelo favorita: el nombre de la niña era Alexa Wilding, aunque todos la llamaban Alice. Se cree que en enero de 1868 este cuadro fue repintado con el rostro de Wilding, aunque el ama de llaves del artista, Fanny Cornforth, posó para Venus. ¿Es así? Un misterio, uno de esos que Rossetti se llevó consigo. Otra cosa es sorprendente: Venus Verticordia es el nombre del antiguo culto romano y las imágenes de la diosa Venus, "cambiando" los corazones de las personas "de la lujuria a la castidad". Y la obra del mismo nombre es casi el único ejemplo de desnudez en la obra de Rossetti. Por cierto, la señorita Alexa Wilding también es una de las pocas musas de Dante con las que el maestro no tuvo una relación amorosa.

Tiziano Vecellio Venus de Urbino 1538 Galería de los Uffizi, Florencia

Venus Pudica - "Venus casta", "vergonzosa", "modesta" - tales imágenes de la diosa del amor fueron llamadas por los contemporáneos de Tiziano. "Una niña que usa solo un anillo, un brazalete y aretes de ropa, si está un poco avergonzada, entonces es plenamente consciente de su belleza", dicen sobre la belleza de hoy. Y esta historia comenzó hace 475 años.

Cuando el duque Guidobaldo II della Rovere envió un correo a Venecia en la primavera de 1538, recibió instrucciones claras de no regresar sin las pinturas encargadas a Tiziano. Se sabe por la correspondencia del duque que se trataba de un retrato del propio Guidobaldo y de cierta la donna nuda, "una mujer desnuda". Como puede ver, el sirviente hizo un buen trabajo: Guidobaldo, quien luego se convirtió en el duque de Urbino, adquirió lienzos y la gracia desnuda en la imagen, un nuevo nombre: "Venus de Urbinsky".

En Venecia, ¡toda la perfección de la belleza! Doy el primer lugar a su pintura, cuyo abanderado es Tiziano.

Diego Velázquez

En ese momento, Tiziano Vecellio, que tenía unos cincuenta años, era conocido desde hacía mucho tiempo como el maestro más famoso y ostentaba el título de primer artista de la República de Venecia. Conciudadanos eminentes se alinearon, queriendo poseer su propio retrato en su actuación. “Con una perspicacia asombrosa, el artista representó a sus contemporáneos, capturando las características más diversas, a veces contradictorias, de sus personajes: confianza en sí mismo, orgullo y dignidad, sospecha, hipocresía, engaño”, señalaron los críticos de arte del siglo XIX. “Cuando tratas de imaginar a Tiziano, ves a un hombre feliz, el más feliz y próspero que jamás haya existido entre los de su especie, que recibió sólo favores y buena suerte del cielo... Recibió en casa a reyes, duxes, el Papa Pablo III y todos los soberanos italianos, bombardeados con órdenes, ampliamente pagados, recibiendo pensiones y hábilmente usando su felicidad. Mantiene la casa a gran escala, viste magníficamente, invita a su mesa a cardenales, nobles, los más grandes artistas y los científicos más talentosos de su tiempo ”, escribió sobre él el historiador francés Hippolyte Taine a principios del siglo XIX. Esta, probablemente, era la opinión de los venecianos ricos. Probablemente se preguntaron por qué este favorito del destino tenía tan pocas aventuras amorosas. De hecho, durante la larga vida de Tiziano, solo se le asocian tres nombres femeninos. E incluso entonces dos de ellos, muy probablemente, solo para crear una hermosa historia romántica. Se sabe con certeza que su esposa fue únicamente Cecilia Soldano, con quien se casó en 1525, habiendo vivido con ella varios años antes de la boda en un “matrimonio civil”. Y en 1530 murió, dejando hijos a su marido. Es difícil decir si pintó retratos de Cecilia reales o en forma de bellezas míticas, pero guardó el recuerdo de esta mujer. A él, el ilustre y célebre Vecellio, enamorado de la vida, sabio por la experiencia de las victorias y de las derrotas, se dirigió el duque Guidobaldo...

Durante casi medio milenio que ha pasado desde el nacimiento de la diosa Tiziano, los historiadores del arte probablemente han estudiado cada trazo de su lujoso cuerpo, pero nunca descubrieron quién le sirvió de modelo. Alguien cree que la joven esposa de Guidobaldo Giulia Varano está representada en el lienzo. Otros no tienen dudas: el maestro posó... la madre del duque, Eleonora Gonzaga. En sus suposiciones, se refieren a la similitud entre "Venus" y el retrato de Leonor de Tiziano y al hecho de que ambos lienzos representan "el mismo perro hecho un ovillo". Algunos de ellos colocan cada elemento del entorno de la dama en los estantes, y todo esto, en su opinión, personifica los lazos del matrimonio. Un ramo de rosas en la mano es un atributo de Venus, un perro a los pies es un símbolo de devoción y una doncella cerca del cofre con ropa y una flor en la ventana que se abre, para crear una atmósfera de intimidad y calidez. También llamaron con gusto a la obra “un retrato alegórico de un famoso aristócrata, una “diosa del hogar”, que transmite el lujo y la sensualidad venecianos. Probablemente, Tiziano quiso hablar en su cuadro sobre la sexualidad, combinando el erotismo excitante con las virtudes del matrimonio y, sobre todo, con la fidelidad que representa el perro”, argumentan. Otros cínicamente aseguran, dicen, sobre una cama en el interior de las cámaras ducales - una dama de demimonde: una cortesana. Los representantes de esta profesión en el siglo XVI ocupaban una alta posición social y, gracias a los esfuerzos de los pintores, a menudo permanecían en la eternidad. Pero ahora no importa. Otra cosa es importante: el trabajo de Tiziano dio a luz a seguidores talentosos: Alberti, Tintoretto, Veronese. La propia Venus de Urbinskaya, 325 años después, en 1863, inspiró a su colega más joven, Edouard Manet, a crear la asombrosa Olimpia. Y el resto - y quinientos años después, admirar el talento de un genio, besado por Dios.