El romanticismo en el arte. Historia y desarrollo del romanticismo en la pintura.

El comienzo del siglo XIX: la época del auge cultural y espiritual en Rusia.. Si en el desarrollo económico y sociopolítico Rusia se quedó atrás de los estados europeos avanzados, entonces en los logros culturales no solo los mantuvo a la par, sino que a menudo los superó. El desarrollo de la cultura rusa en la primera mitad del siglo XIX se basó en las transformaciones de la época anterior. La penetración de elementos de las relaciones capitalistas en la economía aumentó la necesidad de personas alfabetizadas y educadas. Las ciudades se convirtieron en los principales centros culturales.

Nuevos estratos sociales fueron atraídos a los procesos sociales. La cultura se desarrolló en el contexto de la autoconciencia nacional cada vez mayor del pueblo ruso y, en este sentido, tuvo un carácter nacional pronunciado. Influencia significativa en la literatura, el teatro, la música, las artes visuales tuvo Guerra Patriótica de 1812 que en un grado sin precedentes aceleró el crecimiento de la autoconciencia nacional del pueblo ruso, su consolidación. Hubo un acercamiento con el pueblo ruso de otros pueblos de Rusia.

El comienzo del siglo XIX se llama con razón la edad de oro de la pintura rusa. Fue entonces cuando los artistas rusos alcanzaron el nivel de habilidad que puso sus obras a la par de los mejores ejemplos del arte europeo.

Tres nombres abren la pintura rusa del siglo XIX. Kiprenski , tropinina , Venetsianov. Todos tienen un origen diferente: terrateniente ilegítimo, siervo y descendiente de comerciante. Todos tienen su propia aspiración creativa: un romántico, un realista y un "letrista de pueblo".

A pesar de su temprana pasión por la pintura histórica, Kiprensky es conocido principalmente como un destacado retratista. Podemos decir que a principios del siglo XIX. se convirtió en el primer retratista ruso. Los viejos maestros, que se hicieron famosos en el siglo XVIII, ya no podían competir con él: Rokotov murió en 1808, Levitsky, que le sobrevivió 14 años, ya no pintaba debido a una enfermedad ocular, y Borovikovsky, que no vivió unos pocos. meses antes del levantamiento decembristas, trabajaba muy poco.

Kiprensky tuvo la suerte de convertirse en un cronista artístico de su tiempo. "Historia en rostros" pueden considerarse sus retratos, que retratan a muchos participantes en aquellos hechos históricos, de los que fue contemporáneo: los héroes de la guerra de 1812, representantes del movimiento decembrista. La técnica del dibujo a lápiz fue útil, cuya formación recibió una gran atención en la Academia de las Artes. Kiprensky creó, en esencia, un nuevo género: un retrato pictórico.

Kiprensky creó muchos retratos de figuras de la cultura rusa y, por supuesto, el más famoso de ellos es el de Pushkin. fue comisionado Delviga, un liceo amigo del poeta, en 1827. Los contemporáneos notaron la sorprendente similitud del retrato con el original. La imagen del poeta es liberada por el artista de las características cotidianas que son inherentes al retrato de Pushkin de Tropinin, pintado en el mismo año. Alexander Sergeevich fue capturado por el artista en el momento de la inspiración, cuando fue visitado por una musa poética.

La muerte se apoderó del artista durante su segundo viaje a Italia. En los últimos años, muchas cosas no han ido bien con el famoso pintor. Comenzó la depresión creativa. Poco antes de su muerte, su vida se vio ensombrecida por un trágico acontecimiento: según sus contemporáneos, el artista fue acusado falsamente de asesinato y tenía miedo de salir de casa. Incluso casarse con su alumno italiano no iluminó sus últimos días.

Pocas personas lloraron al pintor ruso que murió en una tierra extranjera. Entre los pocos que realmente entendieron qué tipo de maestro había perdido la cultura nacional estaba el artista Alexander Ivanov, que estaba en Italia en ese momento. En aquellos tristes días, escribió: Kiprensky "fue el primero en dar a conocer el nombre ruso en Europa".

Tropinin entró en la historia del arte ruso como un destacado retratista. Él dijo: "Se pinta un retrato de una persona para la memoria de las personas cercanas a él, que lo aman". Según sus contemporáneos, Tropinin pintó unos 3.000 retratos. Si esto es así es difícil de decir. En uno de los libros sobre el artista, hay una lista de 212 rostros identificados con precisión que retrató Tropinin. También tiene muchas obras llamadas "Retrato de un desconocido (Unknown)". Tropinin fue planteado por dignatarios estatales, nobles, guerreros, empresarios, pequeños funcionarios, siervos, intelectuales y figuras de la cultura rusa. Entre ellos: el historiador Karamzin, el escritor Zagoskin, el crítico de arte Odoevsky, los pintores Bryullov y Aivazovsky, el escultor Vitali, el arquitecto Gilardi, el compositor Alyabyev, los actores Shchepkin y Mo-chalov, el dramaturgo Sukhovo-Kobylin.

Una de las mejores obras de Tropinin es un retrato de su hijo.. Debo decir que uno de los "descubrimientos" del arte ruso del siglo XIX. había un retrato de un niño. En la Edad Media, el niño era visto como un pequeño adulto que aún no había crecido. Los niños incluso se vestían con atuendos que no eran diferentes a los de los adultos: a mediados del siglo XVIII. las chicas llevaban corsés ajustados y faldas anchas con fijma. Sólo a principios del siglo XIX. vieron un niño en un niño. Los artistas fueron de los primeros en hacer esto. Hay mucha sencillez y naturalidad en el retrato de Tropinin. El niño no está posando. Interesado en algo, se dio vuelta por un momento: su boca estaba entreabierta, sus ojos brillaban. La apariencia del niño es sorprendentemente encantadora y poética. Pelo dorado alborotado, cara abierta, infantilmente regordeta, mirada vivaz de ojos inteligentes. Uno puede sentir con qué amor el artista pintó el retrato de su hijo.

Tropinin escribió autorretratos dos veces. En uno posterior, fechado en 1846, el artista tiene 70 años. Se representó a sí mismo con una paleta y pinceles en sus manos, apoyado en un mastabl, un palo especial utilizado por los pintores. Detrás de él está el majestuoso panorama del Kremlin. En su juventud, Tropinin poseía una fuerza heroica y buen humor. A juzgar por el autorretrato, conservó la fuerza de su cuerpo incluso en la vejez. Una cara redondeada con gafas irradia buen carácter. El artista murió 10 años después, pero su imagen permaneció en la memoria de sus descendientes: un gran hombre amable que enriqueció el arte ruso con su talento.

Venetsianov descubrió el tema campesino en la pintura rusa. Fue el primero entre los artistas rusos en mostrar la belleza de su naturaleza nativa en sus lienzos. El género del paisaje no fue favorecido en la Academia de las Artes. Ocupó el penúltimo lugar en importancia, dejando atrás aún más despreciable - todos los días. Solo unos pocos maestros pintaron la naturaleza, prefiriendo paisajes italianos o imaginarios.

En muchas de las obras de Venetsianov, la naturaleza y el hombre son inseparables. Están conectados tan estrechamente como un campesino con la tierra, sus dones. Sus obras más famosas: "Heno", "Sobre la tierra cultivable. Primavera", "Sobre la cosecha. Verano", el artista crea en los años 20. Fue la cumbre de su creatividad. Nadie en el arte ruso ha podido mostrar la vida campesina y el trabajo de los campesinos con tanto amor y tan poéticamente como Venetsianov. En el cuadro "Sobre la tierra cultivable. Primavera" una mujer desgarra un campo. Este trabajo duro y agotador se ve sublime en el lienzo de Venetsianov: una mujer campesina con un elegante vestido de verano y kokoshnik. Con un rostro hermoso y un cuerpo flexible, se asemeja a una antigua diosa. Llevando de la brida a dos obedientes caballos enganchados a una grada, no camina, sino que parece flotar sobre el campo. La vida alrededor fluye con calma, medida, pacíficamente. Los árboles raros se vuelven verdes, las nubes blancas flotan en el cielo, el campo parece interminable, en cuyo borde se sienta un bebé esperando a su madre.

El cuadro "En la cosecha. Verano" parece continuar el anterior. La cosecha está madura, los campos son espigas de rastrojo dorado: es tiempo de cosecha. En primer plano, dejando a un lado la hoz, una campesina amamanta a un niño. El cielo, el campo, las personas que trabajan en él son inseparables para el artista. Pero aún así, el tema principal de su atención es siempre una persona.

Venetsianov creó toda una galería de retratos de campesinos. Esto era nuevo para la pintura rusa. En el siglo XVIII. la gente del pueblo, y más aún los siervos, interesaban poco a los artistas. Según los historiadores del arte, Venetsianov fue el primero en la historia de la pintura rusa en "capturar y recrear el tipo popular ruso". "Segadores", "Niña con acianos", "Niña con un ternero", "Pastor durmiente" son maravillosas imágenes de campesinos inmortalizados por Venetsianov. Los retratos de niños campesinos ocuparon un lugar especial en el trabajo del artista. ¡Qué bueno es "Zakharka": un niño de ojos grandes, nariz chata y labios grandes con un hacha en el hombro! Zakharka parece personificar una naturaleza campesina enérgica, acostumbrada al trabajo desde la infancia.

Alexey Gavrilovich dejó un buen recuerdo de sí mismo no solo como artista, sino también como un destacado maestro. Durante una de sus visitas a San Petersburgo, tomó como alumno a un artista novato, luego a otro, a un tercero... Así, surgió toda una escuela de arte, que entró en la historia del arte bajo el nombre de Venecia. Durante un cuarto de siglo, han pasado por él unos 70 jóvenes talentosos. Venetsianov trató de redimir a los artistas siervos del cautiverio y estaba muy preocupado si esto no funcionaba. El más talentoso de sus estudiantes, Grigory Soroka, nunca obtuvo su libertad de su terrateniente. Vivió para ver la abolición de la servidumbre, pero, desesperado por la omnipotencia del antiguo dueño, se suicidó.

Muchos de los estudiantes de Venetsianov vivían en su casa con sueldo completo. Comprendieron los secretos de la pintura veneciana: firme adhesión a las leyes de la perspectiva, atención cercana a la naturaleza. Entre sus alumnos había muchos maestros talentosos que dejaron una huella notable en el arte ruso: Grigory Soroka, Alexei Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. "Venecianos": llamaron cariñosamente a sus mascotas.

Por lo tanto, se puede argumentar que en el primer tercio del siglo XIX hubo un rápido aumento en el desarrollo cultural de Rusia y esta época se llama la edad de oro de la pintura rusa.

Los artistas rusos han alcanzado un nivel de habilidad que pone sus obras a la par de los mejores ejemplos del arte europeo.

La glorificación de la hazaña del pueblo, la idea de su despertar espiritual, la denuncia de las plagas de la Rusia feudal: estos son los temas principales de las bellas artes del siglo XIX.

En el retrato, las características del romanticismo, la independencia de la personalidad humana, su individualidad, la libertad de expresar sentimientos, son especialmente distintas.

Se han creado muchos retratos de figuras de la cultura rusa, un retrato infantil. Se pone de moda el tema campesino, el paisaje, que mostraba la belleza de la naturaleza nativa.

Romanticismo(fr. romanticismo) - un fenómeno de la cultura europea en los siglos XVIII-XIX, que es una reacción a la Ilustración y al progreso científico y tecnológico estimulado por ella; dirección ideológica y artística en la cultura europea y americana de finales del siglo XVIII - primera mitad del siglo XIX. Se caracteriza por la afirmación del valor intrínseco de la vida espiritual y creativa del individuo, imagen de pasiones y caracteres fuertes (a menudo rebeldes), naturaleza espiritualizada y sanadora. Se extendió a diversas esferas de la actividad humana. En el siglo XVIII se llamaba romántico a todo lo extraño, fantástico, pintoresco, existente en los libros y no en la realidad. A principios del siglo XIX, el romanticismo se convirtió en la designación de una nueva dirección, opuesta al clasicismo y la Ilustración.

El romanticismo sucede al Siglo de las Luces y coincide con la revolución industrial, marcada por la aparición de la máquina de vapor, la locomotora de vapor, el barco de vapor, la fotografía y las afueras de las fábricas. Si la Ilustración se caracteriza por el culto a la razón ya la civilización basada en sus principios, entonces el romanticismo afirma el culto a la naturaleza, a los sentimientos ya lo natural en el hombre. Fue en la era del romanticismo que se formaron los fenómenos del turismo, el montañismo y los picnics, destinados a restaurar la unidad del hombre y la naturaleza. La imagen del "buen salvaje", armado con "sabiduría popular" y no estropeada por la civilización, está en demanda. Es decir, los románticos querían mostrar a una persona inusual en circunstancias inusuales.

El romanticismo surgió por primera vez en Alemania, entre los escritores y filósofos de la escuela de Jena (W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, los hermanos F. y A. Schlegel). La filosofía del romanticismo se sistematizó en las obras de F. Schlegel y F. Schelling. En el desarrollo posterior del romanticismo alemán, se distinguió el interés por los motivos de cuentos de hadas y mitológicos, que se expresó especialmente claramente en el trabajo de los hermanos Wilhelm y Jacob Grimm, Hoffmann. Heine, al iniciar su obra en el marco del romanticismo, lo sometió más tarde a una revisión crítica.

Inglaterra se debe en gran parte a la influencia alemana. En Inglaterra, sus primeros representantes son los poetas de la Escuela del Lago, Wordsworth y Coleridge. Establecieron los fundamentos teóricos de su dirección, habiéndose familiarizado con la filosofía de Schelling y las opiniones de los primeros románticos alemanes durante un viaje a Alemania. El romanticismo inglés se caracteriza por un interés por los problemas sociales: oponen a la sociedad burguesa moderna las viejas relaciones preburguesas, la exaltación de la naturaleza, los sentimientos simples, naturales.

Un destacado representante del romanticismo inglés es Byron, quien, según Pushkin, “vestida de un romanticismo aburrido y un egoísmo desesperado”. Su obra está impregnada del patetismo de la lucha y la protesta contra el mundo moderno, la glorificación de la libertad y el individualismo.

Además, el romanticismo inglés incluye el trabajo de Shelley, John Keats, William Blake.

El romanticismo también se extendió en otros países europeos, por ejemplo, en Francia (Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand), Italia (N. W. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi), Polonia ( Adam Mickiewicz, Juliusz Slowacki, Zygmunt Krasinski, Cyprian Norwid) y en Estados Unidos (Washington Irving, Fenimore Cooper, W. K. Bryant, Edgar Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville).

Stendhal también se consideraba un romántico francés, pero por romanticismo entendía algo diferente a la mayoría de sus contemporáneos. En el epígrafe de la novela "Rojo y negro", tomó las palabras "Verdadera, amarga verdad", enfatizando su vocación por un estudio realista de los personajes y acciones humanas. El escritor era adicto a las naturalezas románticas sobresalientes, por lo que reconoció el derecho de "ir a la caza de la felicidad". Él creía sinceramente que depende solo de la forma de la sociedad si una persona puede realizar su eterno anhelo de bienestar, dado por la naturaleza misma.

Generalmente se cree que en Rusia el romanticismo aparece en la poesía de V. A. Zhukovsky (aunque algunas obras poéticas rusas de los años 1790-1800 a menudo se atribuyen al movimiento prerromántico que se desarrolló a partir del sentimentalismo). En el romanticismo ruso, aparece la libertad de las convenciones clásicas, se crea una balada, un drama romántico. Se afirma una nueva idea de la esencia y el significado de la poesía, que se reconoce como una esfera independiente de la vida, una expresión de las más altas aspiraciones ideales del hombre; la antigua visión, según la cual la poesía era un pasatiempo vacío, algo completamente útil, ya no es posible.

La poesía temprana de A. S. Pushkin también se desarrolló en el marco del romanticismo. La poesía de M. Yu. Lermontov, el "Byron ruso", puede considerarse el pináculo del romanticismo ruso. Las letras filosóficas de F. I. Tyutchev son tanto la culminación como la superación del romanticismo en Rusia.

Literatura del modernismo, estilo moderno.

La literatura del siglo XX, en su diversidad estilística e ideológica, no tiene parangón con la literatura del siglo XIX, donde sólo se podrían señalar tres o cuatro corrientes principales. Al mismo tiempo, la literatura moderna no ha producido más grandes talentos que la literatura del siglo pasado. La ficción europea del siglo XX se mantiene fiel a las tradiciones clásicas. En el cambio de dos siglos, se nota una galaxia de escritores, cuya obra aún no ha expresado las aspiraciones y búsquedas innovadoras del siglo XX: el novelista inglés Juan Galsworthy(1867-1933), autor de novelas sociales y cotidianas (la trilogía Forsyte Saga), los escritores alemanes Thomas Mann (1875-1955), autor de las novelas filosóficas La montaña mágica (1924) y Doctor Faustus (1947), moraleja reveladora, búsqueda espiritual e intelectual de un intelectual europeo, y Heinrich Belle (1917-1985), quien combinó la crítica social con elementos de lo grotesco y profundo análisis psicológico en sus novelas y cuentos, el francés Anatole France (1844-1924), quien dio una visión satírica Reseña de Francia a finales del siglo XIX. Romain Rolland(1866-1944), quien describió la búsqueda espiritual y el lanzamiento de un músico brillante en la novela épica "Jean Christophe", etc.

Al mismo tiempo, la literatura europea estuvo influenciada por el modernismo, que se manifiesta principalmente en la poesía. Así, los poetas franceses P. Eluard (1895-1952) y L. Aragon (1897-1982) fueron las principales figuras del surrealismo. Sin embargo, lo más significativo en el estilo Art Nouveau no fue la poesía, sino la prosa: las novelas de M. Proust ("En busca del tiempo perdido"), J. Joyce ("Ulysses"), f. Kafka ("Castillo"). Estas novelas fueron una respuesta a los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, que dio origen a una generación que recibió el nombre de "perdida" en la literatura. Analizan las manifestaciones espirituales, mentales y patológicas de una persona. Común a ellos es la técnica metodológica: el uso del método de análisis "flujo de conciencia" descubierto por el filósofo francés, representante del intuicionismo y la "filosofía de la vida" Henri Bergson (1859-1941), que consiste en describir el flujo continuo de pensamientos, impresiones y sentimientos de una persona. Describió la conciencia humana como una realidad creativa en continuo cambio, como una corriente en la que el pensamiento es solo una capa superficial, sujeta a las necesidades de la práctica y la vida social. En sus capas más profundas, la conciencia sólo puede ser comprendida por el esfuerzo de la autoobservación (introspección) y la intuición. La base del conocimiento es la percepción pura, y la materia y la conciencia son fenómenos reconstruidos por la mente a partir de los hechos de la experiencia directa. Su obra principal, Creative Evolution, le dio fama a Bergson no solo como filósofo, sino también como escritor (fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1927). Bergson también se mostró en los campos diplomático y pedagógico. Dicen que el reconocimiento al talento oratorio de Bergson, que conquistó a sus compatriotas con su magnífico francés, obligó en 1928 al Parlamento francés a plantearse específicamente el tema del traslado de sus conferencias desde el salón de actos del Collége de France, que no acogía a todo el mundo. al edificio de la Ópera de París y deteniendo el movimiento durante la duración de la conferencia a lo largo de las calles circundantes.

La filosofía de Bergson tuvo un impacto significativo en la atmósfera intelectual de Europa, incluida la literatura. Para muchos escritores de la primera mitad del siglo XX, la “corriente de la conciencia” pasó de ser un método filosófico de cognición a un dispositivo artístico espectacular.

Las ideas filosóficas de Bergson formaron la base de la famosa novela del escritor francés. Marcel Proust(1871-1922) "En busca del tiempo perdido" (en 14 tomos). La obra, que es un ciclo de novelas, sirve como expresión de sus recuerdos de infancia, emergiendo del subconsciente. Recreando el tiempo pasado de las personas, los más sutiles desbordamientos de sentimientos y estados de ánimo, el mundo material, el escritor satura el tejido narrativo de la obra con asociaciones bizarras y fenómenos de memoria involuntaria. La experiencia de Proust, la descripción de la vida interior de una persona como una "corriente de conciencia", fue de gran importancia para muchos escritores del siglo XX.

Destacado escritor irlandés, representante de la prosa modernista y posmoderna james joyce(1882-1941), apoyándose en la técnica bergsoniana, descubrió una nueva forma de escribir, en la que la forma artística ocupa el lugar del contenido, codificando en sí misma dimensiones ideológicas, psicológicas y de otro tipo. En el trabajo artístico de Joyce, no solo se utiliza la "corriente de la conciencia", sino también parodias, estilizaciones, dispositivos cómicos, capas mitológicas y simbólicas de significados. La descomposición analítica del lenguaje y del texto va acompañada de la descomposición de la imagen del hombre, una nueva antropología cercana a los estructuralistas y caracterizada por la exclusión casi total de los aspectos sociales. El discurso interior como forma de ser de una obra literaria entró en la circulación activa de los escritores del siglo XX.

Obras de un destacado escritor austriaco Franz Kafka(1883-1924) no despertó mucho interés entre los lectores durante su vida. A pesar de esto, es considerado uno de los escritores en prosa más famosos del siglo XX. En las novelas "El juicio" (1915), "El castillo" (1922) y cuentos en forma de grutescos y parábolas, mostró la trágica impotencia de una persona en su colisión con el absurdo del mundo moderno. Kafka mostró con una fuerza asombrosa la incapacidad de las personas para los contactos mutuos, la impotencia del individuo frente a complejos mecanismos de poder inaccesibles a la mente humana, mostró los vanos esfuerzos que las personas-peones hacían para protegerse de la presión ejercida sobre ellos. fuerzas ajenas a ellos. El análisis de las "situaciones límite" (situaciones de miedo, desesperación, angustia, etc.) acerca a Kafka a los existencialistas.

Cercano a él, pero en una forma peculiar de buscar un nuevo lenguaje y un nuevo contenido poético, el poeta y prosista austriaco se trasladó Rainer María Rilke(1875-1926), quien creó un ciclo de poemas melódicos en la línea de la tradición simbolista e impresionista de las primeras décadas del siglo XX. En ellos, el poeta reflexiona sobre los problemas existenciales del hombre, su trágica dualidad, el deseo de comprensión mutua y el amor.

El arte del romanticismo se forma en polémicas con el clasicismo. En el aspecto social, el surgimiento del romanticismo se asocia con la Gran Revolución Francesa del siglo XVIII, surge como una reacción de entusiasmo general por su inicio, pero también como una profunda decepción en las capacidades de una persona cuando es derrotada. Además, el romanticismo alemán fue considerado más tarde una versión incruenta de la Revolución Francesa.

Como movimiento ideológico y artístico, el romanticismo se declara en la primera mitad del siglo XIX. Surge principalmente como una tendencia literaria: aquí la actividad de los románticos es alta y exitosa. La música de aquella época no es menos significativa: la voz, la música instrumental, el teatro musical (ópera y ballet) del romanticismo siguen siendo la base del repertorio actual. Sin embargo, en las artes visuales y espaciales, el romanticismo se manifestó con menor claridad tanto en el número de obras creadas como en el nivel de las mismas. La pintura romántica alcanza el nivel de obras maestras en Alemania y Francia, el resto de Europa se queda atrás. No se acostumbra hablar de la arquitectura del romanticismo. Solo el arte de la jardinería revela aquí algo de originalidad, e incluso entonces los románticos desarrollan aquí la idea de un paisaje inglés o parque natural. También hay lugar para algunas tendencias neogóticas del romance que vieron su arte en la serie: gótico - barroco - romanticismo. Hay mucho de ese neogótico en los países eslavos.

Bellas artes del romanticismo

En el siglo XVIII. el término "romántico" significaba "extraño", "fantástico", "pintoresco". Es fácil ver que las palabras "romance", "roman" (caballero) son etimológicamente muy cercanas.

En el siglo 19 el término fue interpretado como el nombre de un movimiento literario, opuesto en su configuración al clasicismo.

En las artes visuales, el romanticismo se manifestó de manera interesante en la pintura y la gráfica, con menos claridad en la escultura. La escuela de romanticismo más consistente se desarrolló en Francia, donde hubo una lucha obstinada contra el dogmatismo y el racionalismo abstracto en el arte oficial en el espíritu del clasicismo académico. El fundador de la escuela romántica de pintura fue Theodore Gericault (1791-1824). Estudió con los maestros del clasicismo, pero, habiendo retenido del clasicismo una tendencia a las imágenes heroizadas generalizadas, Géricault expresó por primera vez en la pintura un sentido del conflicto del mundo, el deseo de una expresión expresiva de los eventos significativos de nuestro tiempo. . Ya las primeras obras del artista revelan una alta emotividad, el "nervio" de la era de las guerras napoleónicas, en las que había mucha bravuconería ("Oficial de los guardabosques de la guardia imperial, al ataque", "Coracero herido abandonando el campo de batalla"). Están marcados por una actitud trágica, un sentimiento de confusión. Los héroes del clasicismo no experimentaron tales sentimientos o no los expresaron públicamente y no estetizaron el abatimiento, la confusión, la melancolía. Los lienzos pintorescos de los artistas románticos están pintados de forma dinámica, el colorido está dominado por un tono oscuro, que se anima con acentos de color intensos, trazos impetuosos de empaste.

Gericault crea una imagen increíblemente dinámica de "Corriendo caballos libres en Roma". Aquí sobresale en la persuasión de la transferencia de movimiento de todos los artistas anteriores. Una de las principales obras de Gericault es la pintura "La balsa de la medusa". En él describe hechos reales, pero con tal poder de generalización que los contemporáneos vieron en él no la imagen de un naufragio en particular, sino la de toda Europa desesperada. Y solo unos pocos, las personas más persistentes continúan la lucha por la supervivencia. El artista muestra una gama compleja de sentimientos humanos, desde la sombría desesperación hasta una tormentosa explosión de esperanza. La dinámica de este lienzo está determinada por la diagonal de la composición, el modelado espectacular de los volúmenes, los cambios de luz y sombra contrastantes.

Géricault logró demostrar su valía como un maestro del género del retrato. Aquí también actúa como un innovador, definiendo las especificidades figurativas del género del retrato. En el "Retrato de un Delacroix de veinte años" y en los autorretratos, se expresa la idea de un artista romántico como creador independiente, una personalidad brillante y emocional. Sentó las bases del retrato romántico, posteriormente uno de los géneros románticos de mayor éxito.

Géricault también se sumó al paisaje. Viajando por Inglaterra, quedó impresionado por su apariencia y rindió homenaje a sus bellezas, creando muchas pinturas de paisajes, pintadas tanto al óleo como a la acuarela. Son ricos en color, sutiles en la observación, no ajenos a la crítica social. El artista las llamó "Suites inglesas grandes y pequeñas". ¡Qué típico para un romántico llamar a un ciclo pictórico un término musical!

Desafortunadamente, la vida de Géricault fue corta, pero sentó las bases de una gloriosa tradición.

Desde la década de 1820 se convirtió en el líder de los pintores románticos Fernando Víctor Eugenio Delacroix (1798-1863). Experimentó una fuerte influencia de Géricault, con quien entabló amistad desde el banquillo estudiantil. Estudió la pintura de los viejos maestros, especialmente Rubens. Viajó por Inglaterra, quedó fascinado por la pintura de Constable. Delacroix poseía un temperamento apasionado, poderosa imaginación creativa y alta eficiencia. Desde los pasos iniciales en el campo profesional, Delacroix sigue decididamente a los románticos. La primera pintura que exhibió fue de Dante y Virgilio en un bote cruzando el Styx ("Dante's Boat"). La imagen está llena de tragedia, patetismo sombrío. Con el siguiente lienzo, "Masacre en Quíos", respondió a hechos reales relacionados con el sufrimiento de los griegos por el yugo turco. Aquí expresó abiertamente su posición política, poniéndose del lado de los griegos en el conflicto, con los que simpatizaba, mientras el gobierno francés coqueteaba con Turquía.

La pintura provocó ataques tanto políticos como de crítica de arte, especialmente después de que Delacroix, influenciado por el trabajo de Constable, reescribiera la pintura en colores más claros. En respuesta a las críticas, el artista crea el lienzo "Grecia sobre las ruinas de Missolungi", en el que vuelve a referirse al tema candente de la lucha de Grecia por la liberación del yugo turco. Esta pintura de Delacroix es más simbólica, una figura femenina con la mano levantada en un gesto de maldecir a los invasores, o en un llamado a la lucha, personifica a todo el país. Parece anticipar la imagen de la Libertad en la próxima y más famosa obra del artista.

En busca de nuevos héroes, personalidades fuertes, Delacroix recurre a menudo a las imágenes literarias de Shakespeare, Goethe, Byron, Scott: "Tasso en un manicomio", "La muerte de Sardanápalo", "El asesinato del obispo de Lieja"; hace litografías para "Fausto", "Hamlet", expresando los matices más sutiles de los sentimientos de los personajes, lo que le valió el elogio de Goethe. Delacroix aborda la ficción de la misma manera que sus predecesores abordaron las Escrituras, convirtiéndolas en una fuente inagotable de temas para sus pinturas.

En 1830, bajo la impresión directa de la Revolución de julio, Delacroix pintó un gran lienzo "La libertad guiando al pueblo" ("Libertad en las barricadas"). Sobre las figuras representadas con realismo de los participantes en la lucha revolucionaria, pobres, en su mayoría jóvenes, inspirados por la lucha, se cierne una mujer magnífica, que recuerda a los "genios" de Veronese. Ella tiene una pancarta en sus manos, su rostro está inspirado. Esto no es solo una alegoría de la libertad en el espíritu del clasicismo, es un símbolo elevado del impulso revolucionario. Sin embargo, es imposible renunciar a la figura femenina viva y sensual, es tan atractiva. La imagen resultó ser compleja, encantadora, dinámica.

Como un verdadero romántico, Delacroix viaja a países exóticos: Argelia, Marruecos. Del viaje trae cinco cuadros, entre los que destaca "La caza del león en Marruecos", aparentemente un homenaje a su amado Rubens.

Delacroix trabaja mucho como decorador, creando obras monumentales en los palacios de Borbón y Luxemburgo, iglesias parisinas. Continúa trabajando en el género del retrato, creando imágenes de personajes de la época del romanticismo, como F. ​​Chopin. La creatividad Delacroix pertenece a las alturas de la pintura del siglo XIX.

Pintura y grafismo romanticismo alemán tiende a ser sentimental en su mayor parte. Y si la literatura romántica alemana realmente constituye toda una era, entonces no se puede decir lo mismo de las artes visuales: en la literatura hubo "Tormenta y embestida", y en las artes visuales, la idealización de la vida patriarcal familiar. En este sentido, la creatividad Luis Richter (1803-1884): "Primavera del bosque cerca de Aricci", "Procesión nupcial en primavera", etc. También posee numerosos dibujos sobre temas de cuentos de hadas y canciones populares, hechos de una manera bastante seca.

Pero hay una figura importante en el romanticismo alemán que no se puede pasar por alto. eso Gaspar David Friedrich (1774-1840). Fue paisajista y estudió en la Academia de Bellas Artes de Copenhague. Más tarde se instaló en Dresde y enseñó.

Su estilo de paisaje es original, las pinturas se recuerdan desde el primer encuentro, se siente en ellas que estos son los paisajes de un artista romántico: expresan constantemente los detalles de la cosmovisión romántica. Pintó paisajes del sur de Alemania y la costa báltica, rocas salvajes cubiertas de bosques, dunas del desierto y un mar helado. Las personas a veces están presentes en sus pinturas, pero rara vez vemos sus rostros: las figuras, por regla general, dan la espalda al espectador. Friedrich buscó transmitir el poder elemental de la naturaleza. Buscó y descubrió la armonía de las fuerzas naturales y los estados de ánimo y las búsquedas humanas. Y aunque refleja la vida con bastante precisión, el arte de Friedrich no es realista. Esto asustó a los críticos de arte soviéticos en el pasado reciente, se escribió poco sobre el artista, casi no hubo reproducciones de él. Ahora la situación ha cambiado, y podemos disfrutar de la profunda espiritualidad de sus pinturas, la contemplación melancólica y distante de los paisajes de Friedrich. El ritmo claro de la composición, la severidad del dibujo se combinan en sus obras con los contrastes del claroscuro, rico en juegos de luces. Pero a veces Friedrich llega en su emotividad a una dolorosa melancolía, un sentido de la fragilidad de todo lo terrenal, al estupor de un trance místico. Hoy estamos experimentando una oleada de interés en el trabajo de Friedrich. Sus trabajos más exitosos son "Muerte de Nadezhda en el hielo", "Cementerio monástico bajo la nieve", "Misa en una ruina gótica", "Puesta de sol en el mar" y otros.

A romanticismo ruso hay mucha contradicción en la pintura. Además, durante muchos años se creyó que un buen artista es realista. Probablemente por eso se estableció la opinión de que O. Kiprensky y A. Venetsianov, V. Tropinin e incluso A. Kuindzhi son realistas, lo que nos parece incorrecto, son románticos.

El arte del período del romanticismo tiene en el centro de su idea el valor espiritual y creativo del individuo, como tema principal de filosofía y reflexión. Apareció a finales del siglo XVIII y se caracteriza por motivos románticos asociados a diversas rarezas y acontecimientos o paisajes pintorescos. En el fondo, la aparición de esta tendencia fue una oposición al clasicismo, y el precursor de su aparición fue el sentimentalismo, que se expresó con bastante claridad en la literatura de la época.

A principios del siglo XIX, el romanticismo floreció y se sumergió por completo en imágenes sensuales y emotivas. Además, un hecho muy importante fue el replanteamiento de la actitud hacia la religión en esta época, así como el surgimiento del ateísmo expresado en la obra. Los valores de los sentimientos y las experiencias sentidas se ponen a la cabeza, y también hay un reconocimiento público gradual de la intuición de una persona.

romanticismo en la pintura

La dirección se caracteriza por la asignación de temas sublimes, que es el principal de este estilo en cualquier actividad creativa. La sensualidad se expresa de cualquier manera posible y aceptable, y esta es la diferencia más importante en esta dirección.

(Christiano Banti "Galileo ante la Inquisición Romana")

Entre los fundadores del romanticismo filosófico se pueden distinguir Novalis y Schleiermacher, pero en la pintura Theodore Gericault se destacó en este sentido. En la literatura, se pueden observar escritores especialmente brillantes del período del romanticismo: los hermanos Grimm, Hoffmann y Heine. En muchos países europeos, este estilo se desarrolló bajo una fuerte influencia alemana.

Las características principales se pueden llamar:

• notas románticas claramente expresadas en creatividad;
• notas fabulosas y mitológicas incluso en prosa completamente ajena a los cuentos de hadas;
• reflexiones filosóficas sobre el sentido de la vida humana;
• profundizando en el tema del desarrollo de la personalidad.

(Friedrich Caspar David "Salida de la luna sobre el mar")

Se puede decir que el romanticismo se caracteriza por notas del cultivo de la naturaleza y la naturalidad de la naturaleza humana, y la sensualidad natural. También se glorifica la unidad del hombre con la naturaleza, y también son muy populares las imágenes de la época caballeresca, rodeadas de un aura de nobleza y honor, así como los viajeros que se embarcan con facilidad en viajes románticos.

(Juan Martín "Macbeth")

Los acontecimientos en la literatura o la pintura se desarrollan en torno a las pasiones más fuertes que experimentan los personajes. Los héroes siempre han sido personalidades propensas al aventurerismo, jugando con el destino y la predeterminación del destino. En pintura, el romanticismo se caracteriza perfectamente por fenómenos fantásticos que demuestran el proceso de convertirse en persona y el desarrollo espiritual de una persona.

Romanticismo en el arte ruso

En la cultura rusa, el romanticismo fue especialmente pronunciado en la literatura, y se cree que las primeras manifestaciones de esta tendencia se expresan en la poesía romántica de Zhukovsky, aunque algunos expertos creen que sus obras se acercan al sentimentalismo clásico.

(V. M. Vasnetsov "Alyonushka")

El romanticismo ruso se caracteriza por la libertad de las convenciones clásicas, y esta tendencia se caracteriza por tramas dramáticas románticas y baladas largas. De hecho, esta es la última comprensión de la esencia del hombre, así como la importancia de la poesía y la creatividad en la vida de las personas. En este sentido, la misma poesía adquiere un significado más serio y significativo, aunque antes escribir poesía se consideraba una diversión vacía ordinaria.

(Fedor Alexandrovich Vasiliev "Descongelar")

La mayoría de las veces, en el romanticismo ruso, la imagen del protagonista se crea como una persona solitaria y que sufre profundamente. Es el sufrimiento y las experiencias emocionales lo que más atención prestan los autores tanto en la literatura como en la pintura. De hecho, este es un movimiento eterno junto con varios pensamientos y reflexiones, y la lucha de una persona con cambios constantes en el mundo que lo rodea.

(Orest Kiprensky "Retrato de la vida Coronel de húsares E.V. Davydov")

El héroe suele ser bastante egocéntrico y se rebela constantemente contra los objetivos y valores vulgares y materiales de las personas. Promueve deshacerse de los valores materiales en favor de los espirituales y personales. Entre los personajes rusos más populares y llamativos creados en el marco de esta dirección creativa, se puede destacar al personaje principal de la novela "Un héroe de nuestro tiempo". Es esta novela la que demuestra muy claramente los motivos y notas del romanticismo en ese período.

(Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Pescadores en la orilla del mar")

La pintura se caracteriza por motivos de cuentos de hadas y folclore, románticos y llenos de sueños variados. Todas las obras son lo más estéticas posibles y tienen construcciones y formas correctas y hermosas. En esta dirección, no hay lugar para líneas duras y formas geométricas, así como para tonos demasiado brillantes y contrastantes. En este caso, se utilizan estructuras complejas y muchos detalles pequeños y muy importantes en la imagen.

romanticismo en la arquitectura

La arquitectura de la era romántica es similar en sí misma a los castillos de cuentos de hadas y se distingue por un lujo increíble.

(Palacio de Blenheim, Inglaterra)

Los edificios más llamativos y famosos de esta época se caracterizan por:

• el uso de estructuras metálicas, que fue un nuevo invento durante este período, y representó una innovación bastante singular;
• siluetas y diseños complejos que involucran increíbles combinaciones de hermosos elementos, incluyendo torreones y ventanales;
• la riqueza y variedad de formas arquitectónicas, la abundancia de varias combinaciones de tecnologías para el uso de aleaciones de hierro con piedra y vidrio;
• el edificio adquiere ligereza visual, las formas delgadas le permiten crear incluso edificios muy grandes con un volumen mínimo.

El puente más famoso de este período se construyó en 1779 en Inglaterra y se arrojó sobre el río Severn. Tiene una longitud bastante corta, poco más de 30 metros, pero fue la primera estructura de este tipo. Más tarde, se crearon puentes de más de 70 metros y, después de unos años, comenzaron a utilizarse estructuras de hierro fundido en la construcción de edificios.

Los edificios tenían hasta 4-5 pisos y los diseños interiores se caracterizaban por formas asimétricas. La asimetría también se puede ver en las fachadas de esta época, y las celosías forjadas en las ventanas permiten enfatizar el estado de ánimo apropiado. También puede usar vidrieras, lo cual es especialmente cierto para iglesias y catedrales.

La era del clasicismo y la Ilustración, que dominó la filosofía, la literatura y el arte durante dos siglos, terminó con ideas progresistas que degeneraron rápidamente en terror sangriento, fusilamientos e impaciencia ideológica. La respuesta a contradicciones tan tangibles entre las ideas elevadas y la realidad muy poco atractiva a la que dieron lugar fue el surgimiento de un fenómeno cultural muy extenso y completo: el romanticismo, la última dirección en la historia del arte en su alcance y profundidad de ideas, que Encontró una expresión vívida en la literatura, la música y la pintura.

El romanticismo en la literatura y el arte se convirtió en el punto más alto de las ideas del humanismo, que apareció durante el Renacimiento. Fue entonces cuando surgió la atención cercana al hombre terrenal, con sus defectos y debilidades, se convirtió en la medida de todas las cosas. Los resultados, que dieron lugar a agudas contradicciones en la mente de los jóvenes y mostraron toda la inconsistencia de las ideas de la Ilustración, los obligaron a prestar atención nuevamente al mundo interior del individuo, a su originalidad y profundidad, rechazando la racionalidad. ideas sociopolíticas de armonía y prosperidad universales.

El romanticismo en la literatura y el arte presentó el mundo que rodea a una persona como un misterio y un enigma, que solo puede ser comprendido por los sentimientos, las emociones y el corazón. La realidad racional es reemplazada por mundos fantásticos que la mente no puede conocer. Solo los sentimientos fuertes pueden resistir al mundo, y en fuerza y ​​profundidad son tan poderosos como el Universo.

Un héroe romántico siempre desafía audazmente al mundo que lo rodea, es muy consciente de su exclusividad, orgulloso de ello, al mismo tiempo que se da cuenta de que su muerte es inevitable, porque está en conflicto no con los individuos o las circunstancias sociales, sino con todo el Universo. El romanticismo en la literatura y el arte representa al héroe profundamente y con gran amor, sus fuertes experiencias emocionales. Además, estas experiencias son interminables, porque los héroes románticos son una apretada bola de contradicciones. Rebelándose contra el mundo imperfecto, algunos de ellos se lanzan hacia arriba, tratando de alcanzar la perfección igual a Dios, mientras que otros, por el contrario, se sumergen en la profundidad aterradora del mal y el vicio.

El romanticismo en la literatura se construye de la misma manera diferente, algunos escritores románticos intentan encontrar un ideal en la Edad Media, donde ven un tiempo más puro y sin complicaciones, otros diseñan utopías, creando modelos ideales del futuro. Pero todos están tratando de alejarse del presente, donde no hay nada más que la miserable realidad burguesa.

El romanticismo en la literatura se convirtió en el fundador de nuevas formas y formuló nuevas tareas que siguen siendo relevantes hoy. Los escritores románticos crearon nuevos contenidos, propusieron otros nuevos, donde lo principal es la rebelión contra el aburrimiento y la rutina, y el héroe se convierte en una persona completa y armoniosa, que comprende y abraza con su personalidad inusual y poderosa no solo las leyes de la existencia terrenal, sino también ideales celestiales.

El romanticismo en el arte y la literatura formó los principios de nacionalidad e historicismo, que se volvieron fundamentales en el desarrollo posterior del arte. Otra empresa interesante en esta dirección fue la teoría de la ironía romántica, formulada por el teórico, el filósofo alemán F. Schlegel. Proclamó el gran papel del arte como herramienta perfecta para comprender y transformar el mundo, respectivamente, los artistas del romanticismo son grandes creadores, iguales a Dios. Pero también quedó claro que cualquiera, incluso el artista más talentoso, es solo una persona, y su visión del mundo es subjetiva y limitada. La teoría de la ironía romántica se convirtió en la respuesta a esta contradicción entre el ideal del arte romántico y la realidad. Schlegel argumentó que la ironía debe estar necesariamente presente en la visión del artista no solo del mundo que lo rodea, sino también de sí mismo, del proceso creativo y su resultado. Así, el creador admite su imperfección y la imposibilidad de crear un ideal, ya que es incapaz de resolver el enigma del mundo y del universo.