Obras de arte teatral. Las principales características del teatro como forma de arte.

CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES

El arte (reflexión creadora, reproducción de la realidad en imágenes artísticas) existe y se desarrolla como un sistema de tipos interrelacionados, cuya diversidad se debe a la versatilidad del mismo (el mundo real, desplegado en el proceso de creación artística.

Los tipos de arte son formas históricamente establecidas de actividad creativa que tienen la capacidad de realizar artísticamente el contenido de la vida y difieren en las formas de su materialización (palabra en la literatura, sonido en la música, materiales plásticos y de color en las bellas artes, etc.).

En la literatura moderna de historia del arte se ha desarrollado un determinado esquema y sistema de clasificación de las artes, aunque todavía no existe uno único y todas son relativas. El esquema más común es su división en tres grupos.

El primero incluye las artes espaciales o plásticas. Para este grupo de artes es fundamental la construcción espacial en la divulgación de la imagen artística - Bellas Artes, Artes Decorativas y Aplicadas, Arquitectura, Fotografía.

El segundo grupo incluye las artes temporales o dinámicas. En ellas, la composición que se despliega en el tiempo -Música, Literatura- adquiere una importancia fundamental.El tercer grupo son los tipos espacio-temporales, también llamados artes sintéticas o espectaculares -Coreografía, Literatura, Arte teatral, Cinematografía.

La existencia de varios tipos de artes se debe al hecho de que ninguna de ellas, por sus propios medios, puede dar una imagen artística integral del mundo. Tal imagen solo puede ser creada por toda la cultura artística de la humanidad en su conjunto, que consiste en tipos individuales de arte.

TEATRO

El teatro es una forma de arte que domina artísticamente el mundo a través de una acción dramática llevada a cabo por un equipo creativo.

La base del teatro es la dramaturgia. El arte teatral sintético determina su naturaleza colectiva: la obra combina los esfuerzos creativos del dramaturgo, director, artista, compositor, coreógrafo, actor.

Las representaciones teatrales se dividen en géneros:

Tragedia;

Comedia;

musicales, etc

El arte teatral tiene sus raíces en la antigüedad. Sus elementos más importantes ya existían en los ritos primitivos, en las danzas totémicas, en la copia de los hábitos de los animales, etc.

El teatro es un arte colectivo (Zahava)

Lo primero que detiene nuestra atención cuando pensamos en las especificidades del teatro es el hecho esencial de que una obra de arte teatral, una representación, no es creada por un artista, como en la mayoría de las otras artes, sino por muchos participantes en el proceso creativo. proceso. Dramaturgo, actor, director, maquillador, decorador, músico, iluminador, diseñador de vestuario, etc. Todos contribuyen con su parte del trabajo creativo a la causa común. Por lo tanto, el verdadero creador en el arte teatral no es un individuo, sino un equipo, un conjunto creativo. El equipo en su conjunto es el autor de una obra de arte teatral terminada: una actuación. La naturaleza del teatro requiere que toda la representación esté impregnada de pensamiento creativo y sentimiento vivo. Deben estar saturados con cada palabra de la obra, cada movimiento del actor, cada puesta en escena creada por el director. Todas estas son manifestaciones de la vida de ese organismo vivo único e integral que, al nacer a través de los esfuerzos creativos de todo el equipo teatral, obtiene el derecho de ser llamado una verdadera obra de arte teatral: una actuación. La creatividad de cada artista individual involucrado en la creación de la actuación no es más que una expresión de las aspiraciones ideológicas y creativas de todo el equipo en su conjunto. Sin un equipo unido, ideológicamente cohesionado, apasionado por las tareas creativas comunes, no puede haber un desempeño completo. La creatividad teatral en toda regla presupone la presencia de un equipo que tiene una cosmovisión común, aspiraciones ideológicas y artísticas comunes, un método creativo común a todos sus miembros y sujeto a la más estricta disciplina. “La creatividad colectiva”, escribió K. S. Stanislavsky, “en la que se basa nuestro arte, requiere necesariamente un conjunto, y quienes la violan cometen un crimen no solo contra sus camaradas, sino también contra el mismo arte al que sirven”. La tarea de educar a un actor en el espíritu del colectivismo, que surge de la naturaleza misma del arte teatral, se confunde con la tarea de la educación comunista, que presupone el desarrollo de un sentimiento de devoción a los intereses de la colectividad en todas las formas posibles, y la lucha más amarga contra todas las manifestaciones del individualismo burgués.

El teatro es un arte sintético. Actor - portador de los detalles del teatro.

En la más estrecha conexión con el principio colectivo en el arte teatral se encuentra otra característica específica del teatro: su naturaleza sintética. El teatro es una síntesis de muchas artes que interactúan entre sí. Estas incluyen la literatura, la pintura, la arquitectura, la música, las artes vocales, el arte de la danza, etc. Entre estas artes hay una que pertenece únicamente al teatro. Este es el arte del actor. El actor es inseparable del teatro, y el teatro es inseparable del actor. Por eso podemos decir que el actor es el portador de las especificidades del teatro. La síntesis de las artes en el teatro -su combinación orgánica en la representación- sólo es posible si cada una de estas artes cumple una determinada función teatral. Al desempeñar esta función teatral, la obra de cualquiera de las artes adquiere para ella una nueva cualidad teatral. Porque la pintura teatral no es lo mismo que la mera pintura, la música teatral no es lo mismo que la mera música, etc. Sólo la actuación es de naturaleza teatral. Por supuesto, la importancia de la obra para la representación es inconmensurable con el valor del escenario. La escenografía está llamada a desempeñar un papel auxiliar, mientras que la obra es el fundamento ideológico y artístico de la futura representación. Y, sin embargo, no es lo mismo una obra de teatro que un poema o un cuento, aunque esté escrito en forma de diálogo. ¿Cuál es la diferencia más significativa (en el sentido que nos interesa) entre una obra de teatro y un poema, la escenografía de una pintura, la construcción escénica de una estructura arquitectónica? Un poema, una imagen tienen un significado independiente. El poeta, el pintor se dirigen directamente al lector o espectador. El autor de una obra de teatro como obra literaria también puede dirigirse directamente a su lector, pero sólo fuera del teatro. En el teatro, sin embargo, el dramaturgo, el director, el decorador y el músico hablan al público a través del actor o en conexión con el actor. En efecto, ¿suena en el escenario la palabra del dramaturgo, que el autor no ha llenado de vida, no ha hecho de ella su propia palabra, se percibe viva? ¿Pueden resultar convincentes para el espectador las instrucciones del director ejecutadas formalmente o la puesta en escena propuesta por el director pero no vivida por el actor? ¡Por supuesto que no! Puede parecer que la situación es diferente con la decoración y la música. Imagina que comienza la función, se abre el telón y aunque no hay un solo actor en el escenario, el auditorio aplaude la magnífica escenografía creada por el artista. Resulta que el artista se dirige al espectador de manera bastante directa y no a través del actor. Pero aquí salen los actores, surge un diálogo. Y comienzas a sentir que a medida que se desarrolla la acción, una irritación sorda se acumula dentro de ti contra el paisaje que acabas de admirar. Sientes que te distrae de la acción escénica, te impide percibir la actuación. Empiezas a comprender que existe algún tipo de conflicto interno entre el decorado y la actuación: o los actores no se comportan como deberían comportarse en las condiciones asociadas con este decorado, o el decorado caracteriza incorrectamente la escena. Uno no está de acuerdo con el otro, no hay síntesis de las artes, sin las cuales no hay teatro. A menudo sucede que el público, al encontrarse con entusiasmo con este o aquel escenario al comienzo del acto, lo regaña cuando termina la acción. Esto quiere decir que el público valoró positivamente la obra del artista, independientemente de esta performance, como obra de arte de la pintura, pero no la aceptó como escenografía teatral, como elemento de la performance. Esto significa que la escenografía no ha cumplido su función teatral. Para cumplir su finalidad teatral, debe reflejarse en la actuación, en el comportamiento de los personajes sobre el escenario. Si el artista coloca un magnífico telón de fondo en el fondo del escenario que representa perfectamente el mar, y los actores se comportan en el escenario como lo hacen las personas en la sala, y no en la orilla del mar, el telón permanecerá muerto. Cualquier parte de la escenografía, cualquier objeto colocado en el escenario, pero no animado por la actitud del borrador expresada a través de la acción, permanece muerto y debe ser retirado del escenario. Cualquier sonido que sonara a voluntad del director o del músico, pero que no fuera percibido por el actor de ninguna manera y no se reflejara en su conducta escénica, debe ser silenciado, porque no adquirió calidad teatral. Ser teatral a todo lo que está sobre el escenario, informa el actor. Todo lo que se crea en el teatro para recibir la plenitud de la propia vida a través del actor es teatral. Todo lo que pretende una significación independiente, un ser autosuficiente, es antiteatral. Este es el signo por el cual distinguimos una obra de teatro de un poema o una historia, una escenografía de una pintura, una construcción escénica de una estructura arquitectónica.

El teatro es un arte colectivo.

El teatro es un arte sintético. Actor-portador de las especificidades del teatro.

La acción es el material principal del arte teatral.

La dramaturgia es el componente principal del teatro.

La creatividad del actor es el material principal de la dirección de arte.

El espectador es el componente creativo del teatro ZAKHAVA!!!

TEATRO(del griego theatron - lugares para un espectáculo, espectáculo), el principal tipo de arte espectacular. El concepto genérico de teatro se divide en tipos de arte teatral: teatro dramático, ópera, ballet, teatro de pantomima, etc. El origen del término está relacionado con el antiguo teatro griego antiguo, donde los lugares en el auditorio se llamaban de esa manera (del verbo griego "teaomai" - miro). Sin embargo, hoy en día el significado de este término es sumamente diverso. Se utiliza adicionalmente en los siguientes casos:

1. Un teatro es un edificio especialmente construido o adaptado para mostrar representaciones ("El teatro ya está lleno, las cajas brillan" A.S. Pushkin).

2. Una institución, una empresa dedicada a la exhibición de representaciones, así como todo el equipo de sus empleados que alquilan representaciones teatrales (Teatro Mossovet; recorridos por el Teatro Taganka, etc.).

3. Un conjunto de obras dramáticas o escénicas estructuradas según uno u otro principio (teatro de Chéjov, teatro del Renacimiento, teatro japonés, teatro de Mark Zakharov, etc.).

4. En un sentido obsoleto (conservado solo en la jerga profesional teatral): escenario, escenario ("La pobreza noble es buena solo en el teatro" A.N. Ostrovsky).

5. En sentido figurado: el lugar de cualquier evento en curso (teatro de operaciones militares, teatro anatómico).

El arte teatral tiene características específicas que hacen que sus obras sean únicas, sin paralelo en otros géneros y tipos de arte.

En primer lugar, es la naturaleza sintética del teatro. Sus obras incluyen fácilmente casi todas las demás artes: literatura, música, bellas artes (pintura, escultura, gráfica, etc.), voz, coreografía, etc.; y también utilizar los numerosos logros de una amplia variedad de ciencias y campos de la tecnología. Así, por ejemplo, los desarrollos científicos de la psicología formaron la base de la creatividad de actuación y dirección, así como la investigación en el campo de la semiótica, la historia, la sociología, la fisiología y la medicina (en particular, en la enseñanza del discurso escénico y el movimiento escénico). El desarrollo de diversas ramas de la tecnología permite mejorar y pasar a un nuevo nivel de maquinaria escénica; economía de sonido y ruido del teatro; equipo de iluminación; la aparición de nuevos efectos escénicos (por ejemplo, humo en el escenario, etc.). Parafraseando el famoso dicho de Moliere, podemos decir que el teatro "toma su bien donde lo encuentra".

Por lo tanto, la siguiente característica específica del arte teatral: la colectividad del proceso creativo. Sin embargo, las cosas no son tan simples aquí. No se trata sólo del trabajo conjunto del numeroso personal del teatro (desde el elenco de la función hasta los representantes de los talleres técnicos, cuyo trabajo bien coordinado determina en gran medida la "pureza" de la función). En cualquier obra de arte teatral, hay otro coautor de pleno derecho y más importante: el espectador, cuya percepción corrige y transforma la actuación, colocando acentos de diferentes maneras y, a veces, cambiando radicalmente el significado general y la idea de la actuación. . Una representación teatral sin un espectador es imposible: el mismo nombre del teatro está asociado con asientos para espectadores. La percepción de la audiencia de una actuación es un trabajo creativo serio, independientemente de si la audiencia es consciente de ello o no.

Por lo tanto, la siguiente característica del arte teatral es su naturaleza momentánea: cada representación existe solo en el momento de su reproducción. Esta característica es inherente a todo tipo de artes escénicas. Sin embargo, hay algunas peculiaridades aquí.

Así, en un circo, cuando se requiere el arte de los participantes de la actuación, la pureza técnica del truco sigue siendo un factor fundamental: su violación conlleva un peligro para la vida del artista circense, independientemente de la presencia o ausencia de espectadores. En principio, la coautoría activa con la audiencia es, quizás, solo un artista de circo: un payaso. De aquí vino el desarrollo de uno de los tipos de teatro, el clown teatral, que se desarrolla según leyes cercanas a las del circo, pero no obstante diferentes: el teatro general.

La interpretación del arte musical y vocal, con el desarrollo de la tecnología de grabación de audio, ganó la posibilidad de fijación y posterior reproducción múltiple, idéntica al original. Pero una adecuada grabación en video de una representación teatral es imposible en principio: la acción muchas veces se desarrolla simultáneamente en diferentes partes del escenario, lo que da volumen a lo que está sucediendo y forma la gama de tonos y semitonos de la atmósfera escénica. Con primeros planos de rodaje, los matices de la vida escénica general permanecen detrás de escena; los planes generales son demasiado pequeños y no pueden transmitir todos los detalles. No es casualidad que sólo la dirección, la televisión de autor o las versiones cinematográficas de representaciones teatrales realizadas según leyes transculturales se conviertan en éxitos creativos. Es como con una traducción literaria: la fijación seca de una representación teatral en el cine es similar a la interlineal: todo parece correcto, pero la magia del arte desaparece.

Cualquier espacio vacío se puede llamar un escenario vacío. el hombre se esta moviendo

en el espacio, alguien lo mira, y esto ya es suficiente para una representación teatral

acción. Sin embargo, cuando hablamos de teatro, normalmente nos referimos a otra cosa. Rojo

cortinas, focos, versos en blanco, risas, oscuridad - todo esto se mezcla al azar en

nuestra mente y crea una imagen borrosa, que designamos en todos los casos

en una palabra. Decimos que el cine mató al teatro, es decir, el teatro que

existía en el momento de la llegada del cine, es decir, un teatro con taquilla, foyer, plegable

butacas, candilejas, cambios de escena, intermedios y música, como si la palabra misma

"teatro" por definición significa eso y casi nada más.

Intentaré dividir esta palabra en cuatro formas y resaltar cuatro diferentes.

significados, por lo que hablaré del Teatro Muerto, el Teatro Sagrado, el Teatro Áspero.

y sobre el teatro como tal. A veces estos cuatro teatros existen en el barrio en algún lugar de

West End en Londres o cerca de Times Square en Nueva York. A veces están separados por cientos.

millas, y a veces esta división es condicional, ya que dos de ellos se combinan en

una noche o un acto. A veces por un solo momento los cuatro teatros -

Sagrado, Áspero, Inanimado y el teatro como tal se funden en uno. PAGS.Arroyo"Espacio vacio"

1. TEATRO Y VERDAD Oscar Remez "La Maestría del Director"

Si es cierto que "teatralidad" y "verdad" sonprincipalcomponentes de una representación dramática, tan cierto comoYel hecho de que la lucha de estos dos principios es la fuente del desarrolloexpresivosignifica en el arte teatral. Esta pelea es fáciladivinadocuando examinamos el pasado del teatro, y muchomás difícilse revela al considerar el creativo vivoprocesodesarrollándose ante nuestros ojos.

3. CICLO DE LA HISTORIA DEL TEATRO

Comparando el pasado conocido y el presente emergente, se puede llegar a la conclusión de un patrón especial de cambios en las tendencias teatrales, una naturaleza cíclica especial, estrictamente medida, de las eras teatrales.

La princesa Turandot fue reemplazada por un nuevo criterio de verdad escénica: el método de las acciones físicas. La nueva tradición teatral continuó en las obras de M. Kedrov. Al mismo tiempo y en la misma línea, funcionaban los teatros de A. Popov y A. Lobanov. Además, la "vitalidad" escénica cada vez más estricta y consistente es reemplazada por la teatralidad romántica de N. Okhlopkov. La síntesis de dos principios, el pináculo del teatro de finales de los años 40: "La Guardia Joven", una obra de N. Okhlopkov, que expresó la realidad de la manera más completa por medio del lenguaje artístico moderno. A mediados de los años 50, una nueva ola, el triunfo del método de análisis efectivo: las obras de M. Knebel, el nacimiento de Sovremennik, las actuaciones de G. A. Tovstonogov.

Como puede ver, cada dirección teatral se desarrolla como si fuera latente al principio, a menudo madura en las profundidades de la dirección anterior (y, como resulta más tarde, polar), surge inesperadamente, se desarrolla en conflicto con la tradición y pasa el camino condicionado por dialéctica - ascenso, plenitud de expresiones, crisis creativa. Cada período de la historia del teatro tiene su propio líder. Lo siguen, lo imitan, discuten con él ferozmente, por regla general, desde dos lados: los que se quedan atrás y los que están al frente.

Por supuesto, el camino de ascenso a la síntesis teatral es multicomplejo. Los puntos de inflexión en el arte teatral no están necesariamente asociados con los nombres de los directores mencionados aquí. La pedante división de los trabajadores del teatro en "grupos", "corrientes", "campos" tampoco está justificada. No lo olvidemos: durante el período de síntesis teatral de los años 20, nada menos que K. S. Stanislavsky creó actuaciones en las que la tendencia ganadora se expresó de manera más completa y vívida: "Corazón caliente" (1926) y "Las bodas de Fígaro" (1927). . Fue en estas obras que la brillante teatralidad se combinó con un profundo desarrollo psicológico.

Una continuación de este tipo de tradición en el Teatro de Arte fue una actuación como The Pickwick Club (1934), puesta en escena por el director V. Ya. Stanitsyn.

Uno podría tener la impresión de que el teatro se repite, siguiendo un círculo predeterminado. Un concepto muy cercano a este tipo de comprensión (con algún cambio y ambigüedad de terminología) fue propuesto por J. Gassner en su libro “Forma e idea en el teatro moderno”.

Sin embargo, el concepto de un desarrollo cíclico cerrado del teatroerróneo. Una imagen objetiva del desarrollo de la historia del teatro.movimienot, realizado en espiralbásico, ¿Qué pasa?cada casaen su nuevo turno, el teatro propone fundamentalmente nuevoscriterios verdad y teatralidad que coronando cada uno, de los ciclos de desarrollo, la síntesis surge cada vez sobre una base diferente. Al mismo tiempo, la nueva teatralidad no puede sino dominar (incluso a pesar de la polémica) la experiencia anterior, y este es el requisito previo inevitable en el futuro del equilibrio dinámico. Así, la lucha entre la teatralidad y la verdad se convierte en el contenido de la historia de la dirección de los medios expresivos, en una fuente de desarrollo de formas teatrales nuevas y modernas.

1. El teatro como forma de arte tiene una naturaleza sintética. Las representaciones teatrales incluyen posibilidades expresivas, medios de casi todos los tipos de arte (literario, música, bellas artes, coreografía, etc.). Al mismo tiempo, ninguna de las formas de arte tendrá un papel protagónico. En la actualidad, la síntesis del teatro se logra mediante el uso de los avances de la ciencia y la tecnología modernas (psicología, semiótica, tecnología).

2. El teatro es un proceso creativo colectivo. No se trata solo de la creatividad conjunta de los miembros de la compañía, sino de la interacción, la coautoría del espectador. La percepción del público puede corregir y modificar la actuación. La representación no es posible sin público. La percepción del público es un trabajo serio, creativo e intelectual, incluso si el espectador mismo no se da cuenta.

3. El teatro existe como una actuación momentánea. Cada actuación existe sólo en el momento de su reproducción. Esto permite comprender la idea de historicidad en la percepción del teatro. Es en el teatro donde el espectador tiene acceso directo, implicación en la obra. Independientemente de la época en la que estén actuando los actores.

4. Una obra teatral no se conserva por el momento, sólo existe en el momento actual. Toda transferencia al cine sólo permite fijar la acción. En este caso, la magia del arte desaparece.

5. El teatro, como cualquier tipo de arte, está sujeto a un tiempo artístico determinado, los acontecimientos en el escenario (el nacimiento de una obra) tienen lugar simultáneamente con el acto de percepción por parte del espectador. En el teatro, los llamados. tiempo escénico - durante el cual tiene lugar la actuación. Actualmente, la función es de 2,5 a 3 horas, pero algunas producciones sugieren una duración de 5 a 10 horas. A veces se tarda varios días.

6. El principal portador de la idea teatral, la acción, es el actor. La imagen del actor se crea en el marco de la idea establecida por la obra, su interpretación por parte del director, pero, a pesar de esto, el actor sigue siendo un artista que encarna de forma independiente imágenes vivas en el escenario.

7. El teatro como forma de arte está sujeto a interpretación. El problema de la interpretación surge en relación no tanto con los textos de la dramaturgia moderna como con los textos de los clásicos. La interpretación en el teatro es una variante de una nueva lectura de una obra conocida, en la que se puede rastrear la posición filosófica, política y moral del autor.

En el teatro, la interpretación permite correlacionar los problemas de la actualidad con los hechos históricos del pasado.

En el análisis de la interpretación teatral, la comprensión de las actitudes del director, su visión del mundo y la aclaración de algunos problemas eternos relacionados con la esencia del hombre juegan un papel importante. El espectador, al percibir una obra clásica en el teatro, entabla un diálogo no tanto con el autor, sino con el director, lo que le permite revelar la esencia de los conflictos de la sociedad moderna. Pero al mismo tiempo, el espectador dialoga con la época en la que se creó la obra. Los directores recurren a las obras clásicas, las interpretan, porque. en ellos el conflicto no se resuelve, es eterno. El director se encuentra en un estado de "apelación interpretativa" (W. Eco). La interpretación en el teatro es posible, es posible al nivel de un dramaturgo, al nivel de un director, actor, espectador, críticos de teatro (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich).

Escribe un ensayo sobre el tema: ¿Cuáles son las similitudes entre el teatro y la escultura? 1 pagina

EL TEATRO COMO UNA FORMA DE ARTE

Como cualquier otra forma de arte (música, pintura, literatura), el teatro tiene sus propias características especiales. Este arte es sintético: una obra teatral (performance) consiste en el texto de la obra, el trabajo del director, actor, artista y compositor. La música juega un papel decisivo en la ópera y el ballet.

En el último cuarto del siglo XIX. en toda Europa, pero principalmente en Francia, comenzaron a crearse teatros de cabaret , que combinó las formas de teatro, escenario, canto de restaurante. Los más famosos y populares fueron "El gato negro" en París, "Los once verdugos" en Munich, "Maldita sea todo" en Berlín, "Espejo torcido" en San Petersburgo.

Gente de arte se reunió en las instalaciones del café, y esto creó una atmósfera especial. El espacio para tales representaciones podría ser el más inusual, pero la mayoría de las veces se eligió el sótano, como algo ordinario, pero al mismo tiempo misterioso, un poco prohibido, subterráneo. Con las actuaciones de cabaret (escenas cortas, parodias o canciones), tanto para el público como para los artistas, se asoció una experiencia especial: una sensación de libertad sin restricciones. La sensación de misterio generalmente se veía reforzada por el hecho de que tales representaciones se realizaban tarde, a veces por la noche. Hasta el día de hoy, en diferentes ciudades del mundo existen verdaderos cabarets.

Un tipo especial de representación teatral - espectáculo de marionetas. En Europa, apareció en la era de la antigüedad. Las actuaciones caseras se jugaron en la antigua Grecia y Roma. Desde entonces, el teatro, por supuesto, ha cambiado, pero lo principal permanece: solo los títeres participan en tales actuaciones. Sin embargo, en los últimos años, las muñecas suelen "compartir" el escenario con los actores.

Cada nación tiene sus propios héroes títeres, en algunos aspectos similares, pero en otros diferentes. Pero todos tienen una cosa en común: en el escenario bromean, hacen bromas, ridiculizan las deficiencias de las personas. Las muñecas difieren entre sí, tanto en "apariencia" como en dispositivo. Los títeres más comunes son los que se controlan con la ayuda de hilos, títeres y títeres de caña. Las representaciones de teatro de marionetas requieren un equipo especial y un escenario especial. Al principio, era solo una caja con agujeros hechos desde abajo (o desde arriba). En la Edad Media, las representaciones se llevaron a cabo en la plaza; luego se corrió una cortina entre dos pilares, detrás de la cual se escondieron los titiriteros. En el siglo 19 Las actuaciones comenzaron a realizarse en salas especialmente construidas.

Una forma especial de teatro de títeres es el teatro de títeres, títeres de madera. Se escribieron escenarios especiales para el teatro de títeres. La historia del teatro mundial de marionetas conoce muchos nombres famosos. Las actuaciones fueron un gran éxito. Revaz Levanovich Gabriadze (nacido en 1936), titiritero y dramaturgo georgiano, ofrece nuevas soluciones en sus fantasías.

EL ORIGEN DEL TEATRO.

El teatro es un arte "evanescente", difícil de describir. La actuación deja una huella en la memoria del público y muy pocas huellas materiales, materiales. Por eso la ciencia del teatro -la ciencia del teatro- surge tardíamente, a fines del siglo XIX. Al mismo tiempo, aparecieron dos teorías sobre el origen del teatro. Según el primero, el arte de siena (tanto occidental como oriental) se desarrolló a partir de ritos y rituales mágicos. Siempre hubo un juego en tales acciones, los participantes a menudo usaban máscaras y disfraces especiales. El hombre "jugó" (representado, por ejemplo, como una deidad) para influir en el mundo que lo rodea: personas, naturaleza, dioses. Con el tiempo, algunos ritos se convirtieron en juegos seculares y comenzaron a servir para el entretenimiento; más tarde, los participantes en tales juegos se separaron de los espectadores.

Otra teoría conecta el origen del teatro europeo con el crecimiento de la autoconciencia del individuo. Una persona tiene la necesidad de expresarse a través del arte espectacular, que tiene un impacto emocional poderoso.

"JUEGA COMO ADULTO, SOLO MEJOR"

La idea de que se crearan teatros especiales para niños en ALA surgió hace mucho tiempo. Una de las primeras producciones "infantiles" fue obra del Teatro de Arte de Moscú. En 1908, representó la obra "El pájaro azul" del dramaturgo belga Maurice Maeterlinck, y desde entonces la famosa representación no ha dejado la siena del Teatro de Arte Gorki de Moscú. Esta producción determinó el camino del desarrollo de las artes escénicas para niños: dicho teatro debe ser comprensible para el niño, pero de ninguna manera primitivo, no unidimensional.

En Rusia, los teatros infantiles comenzaron a aparecer después de octubre de 1917. Ya en 1918, se inauguró en Moscú el Primer Teatro Infantil del Consejo de Moscú. Ella se convirtió en la organizadora y gerente, maravillosos artistas diseñaron las actuaciones y un conocido coreógrafo trabajó aquí. Natalya Ilyinichna Sats () dedicó toda su vida creativa al teatro para niños. En los años fue la directora artística del Teatro Infantil de Moscú (ahora el Teatro Infantil Central). Su última creación es el Teatro Musical Infantil de Moscú (lleva el nombre). En febrero de 1922, el Teatro de Jóvenes Espectadores de Leningrado recibió a sus primeros espectadores. Uno de sus fundadores y líder permanente fue el director Alexander Alexandrovich Bryaniev (). Creía que en el teatro es necesario unir artistas que puedan pensar como maestros y maestros que sean capaces de percibir la vida como artistas.

Han aparecido nuevos problemas puramente técnicos. Se necesitaba una luz especial en la sala, era necesario dar una "imagen" del fondo, que estaría ante los ojos del público durante varias horas de acción. Se insertaron marcos con lienzos en una composición arquitectónica real: se representaron otros edificios o interiores en ellos y, por lo tanto, se creó la ilusión de un espacio diferente en el patio de recreo. A veces, se pintaba un paisaje sobre lienzo, como si "atravesara" la pared y saliera al mundo bloqueado por el arquitecto.

En la Edad Media se volvieron a realizar representaciones al aire libre. Las formas de la gente medieval, el teatro callejero se conservaron en el Renacimiento, en el diseño del escenario de Shakespeare. El nombre del gran dramaturgo inglés se llama el tipo de construcción del espacio teatral que existió durante el reinado de la reina Eli Testaments I Tudor (gg.).

Una característica de la escena isabelina fue su división en tres patios de recreo. Tal escena (muy sobresaliente en el auditorio) estaba lista para recibir lo que la fantasía del dramaturgo le diera a luz. Facilitó la transferencia de la acción de la obra de un país a otro, para mover libremente los eventos en el tiempo. A veces los detalles de la situación se explicaban en el texto que sonaba desde el escenario. En las obras de Shakespeare y sus contemporáneos, uno no solo puede encontrar comentarios detallados, sino también aprender de los personajes mismos cómo se ve este o aquel paisaje. Los héroes de la obra "La Tempestad" que milagrosamente escaparon del naufragio, emergiendo del agua, dicen con sorpresa: "Nuestra ropa, empapada en el mar, sin embargo, no ha perdido ni la frescura ni los colores" o: "En mi opinión, nuestro vestido parece nuevo..." etc.

El teatro mismo establecía las convenciones y reglas por las cuales se conectaban las dos partes de un todo teatral: la obra y el público. Todo lo que entraba en el espacio de juego, en el escenario, se transformaba: un árbol en una tina se convertía en un bosque, un sillón se convertía en un trono real, la ropa común se convertía en un traje teatral. En el siglo XVI. en la ciudad de Vicenza, en el noreste de Italia, un destacado arquitecto (nombre real di Pietro di Padova) construyó el Teatro Olimpico (15). Este edificio fue completado por un seguidor de Palladio - Vincenzo Scamozzi (). El Teatro Olímpico tenía un techo sobre el patio de recreo y el auditorio. El espacio del teatro parecía cerrarse de golpe. Detrás de las espaldas de los actores, en las profundidades del escenario, se colocó una voluminosa escenografía arquitectónica. Allí, en las profundidades, el actor no podía entrar; de lo contrario, destruiría el espacio ilusorio. Pero en el piso inclinado de las "calles" originales era posible colocar figuras planas pintadas de personajes, talladas en la escala correcta, y ante los ojos de la audiencia, como en la antigüedad, apareció un mundo sin fin. Y en el techo de la sala, el pintor representó el cielo, tratando de mantener la antigua conexión con el mundo que rodea al teatro.

Mucho de lo que idearon los arquitectos y artistas teatrales durante el Renacimiento se ha conservado en el teatro hasta el día de hoy. La línea de rampa (fr. rampa), los límites entre el espectador y el espacio de juego, todavía se marca a menudo con pequeñas lámparas. Equipados con reflectores especiales, se colocan para iluminar intensamente el escenario y los rostros de los actores. Los cables (cuerdas) se tiraron de los soportes de la consola que se extendían desde la pared y, con la ayuda de un dispositivo especial, los personajes volaron sobre el escenario. A pesar de los últimos logros de la tecnología escénica moderna, el principio de este dispositivo todavía se considera el más confiable. A finales del siglo XVII. en la arquitectura teatral finalmente tomó forma la caja escénica, la misma que se encuentra ahora en el teatro. Se prestó especial atención a los artistas hasta finales del siglo XIX. enfocado en cómo mantener al espectador sintiendo que esta caja contiene un espacio enorme. Esta llamada escena italiana se ha convertido en la más extendida del teatro europeo.

Dentro de la escena italiana de la caja, el artista, siguiendo las instrucciones del dramaturgo, construyó el escenario de acuerdo con los planos: desde el primer plano (línea de la rampa) gradualmente "estiró" la imagen y la redujo al fondo - un plano telón de fondo pintoresco. En el backstage, alineado a ambos lados del escenario, en los planos de los setos, hay una imagen, por ejemplo, de un bosque. Troncos de árboles, pintados en las alas, ramas entrelazadas sobre la escena en la pintura de los padugs, forman una especie de arcos que descienden de planta en planta en profundidad y se funden con el paisaje boscoso del fondo. Este sistema de escenografía, que se desarrolló en el teatro barroco (finales del siglo XVI - mediados del siglo XVIII), se llamó así: kulisnoarochshya. Los pintores-decoradores hicieron verdaderos milagros en el escenario teatral. La técnica teatral, que se fue sofisticando con el tiempo, permitió disponer sobre el escenario incendios, inundaciones, erupciones volcánicas... Uno de los más grandes artistas teatrales de finales del siglo XVIII - principios del XIX. Pietro di Gottardo Gonzago (17) llamó a la escenografía teatral "música para los ojos".

Como forma de arte independiente, la decoración teatral toma forma solo a mediados del siglo XIX. La dramaturgia comenzó a establecer nuevas tareas para el teatro, no solo para designar una escena o una época histórica. Es difícil imaginar los acontecimientos que tienen lugar en El inspector del gobierno de Gogol, o El dolor del ingenio de Griboedov, o Boris Godunov de Pushkin sin signos específicos del tiempo, sin detalles característicos de la vida y el vestuario cotidianos. El teatro dramático avanzaba rápidamente hacia la creación de un entorno realista en el escenario.

En la primera producción de la obra "Late Love" en 1873, el artista del Teatro Maly P. Isakov en la sala del escenario instaló una estufa holandesa con azulejos ahumados cerca de la puerta de la cámara de combustión, como siempre sucede en la vida real. Este detalle provocó casi la indignación de la audiencia, acostumbrada a lo "bello y sublime". Los actores también agradecieron al artista que en su interior “no se puede jugar, pero se puede vivir”. "Paradas veraces" les ayudó a sentir la atmósfera específica de la acción.

El nacimiento del teatro de director a finales del siglo XIX y XX dio lugar a nuevas experiencias teatrales y a la escenografía de principios del siglo XX. experimentó un período de descubrimiento en su historia. Pequeñas cosas, elementos individuales de utilería ayudaron a resolver el mismo problema teatral básico de interacción entre los espacios de juego y de espectadores. Divididos por una línea de rampas, la actuación y el público se influyen mutuamente, el estado de ánimo general nace gracias a los esfuerzos del director, el artista, los actores y, por supuesto, el espectador.

Durante la primera mitad del siglo XX. los directores y escenógrafos analizaron constantemente todas las posibilidades de la escena del palco y experimentaron con la escena de la arena. Dominaron el volumen en vertical, en diagonal, haciendo cada vez más tangible su tridimensionalidad, extrayendo el máximo de expresividad figurativa del espacio escénico.

Artistas afines se unieron en torno a directores de diferentes escuelas y corrientes, que aportaron nuevas ideas plásticas al teatro. Un ejemplo es la unión creativa de Alexander Yakovlevich Tairov (), el director en jefe del Teatro de Cámara de Moscú, con la pintora Alexandra Alexandrovna Exter () y el arquitecto Alexander Alexandrovich Vesnin ().

Alexandra Exter llegó al Teatro de Cámara procedente de la pintura de caballete. En busca de nuevos ritmos, transformó el plano del escenario en escaleras de diferentes alturas, construyendo composiciones plásticas inusuales en las representaciones de Tairov. creó para la obra "Fedra" (1922; obra de Racine) una instalación de tarimas inclinadas, sobre las que salían personajes con coloridos trajes y coturnos, que venía del teatro antiguo a la representación del siglo XX.

Los actores lucieron grandes tocados, que recuerdan la terminación arquitectónica del templo. En tal atuendo, es imposible moverse rápidamente a lo largo de un plano inclinado, gesticular vigorosamente, girar la cabeza; en una palabra, el artista excluyó la plasticidad doméstica habitual. La necesidad de superar físicamente las dificultades escenográficas dio a los actores una fuerza inesperada para la máxima expresividad emocional y plástica.

A principios de los años 20. siglo 20 en los Talleres de Teatro Superior del Estado Vs. Meyerhold estudió y trabajó junto con actores, directores y escenógrafos. Esto era fundamental para su teatro. En las representaciones de Meyerhold, el escenógrafo construía una máquina escenográfica para el trabajador-actor. Todas las partes de la máquina herramienta, la "herramienta" del actor (su cuerpo, su voz) tenían que funcionar en perfecta armonía.

Las tradiciones teatrales del pasado son estudiadas y utilizadas por la dirección escénica moderna. Hoy en día, los escenógrafos trabajan constantemente con el director, cuyo papel en la preparación de las representaciones sigue creciendo.

Cuando el espectador acude hoy al teatro es claramente consciente de la convencionalidad de la acción teatral y no exige una vida absoluta de semejanza. El público está esperando impresiones que despierten sentimientos, evoquen asociaciones con lo que todos han experimentado en sus propias vidas.

Hay actuaciones cuando los asientos para los espectadores se colocan justo en el escenario. Así es como el director y el escenógrafo logran obligar a la audiencia a reconsiderar las nociones habituales de que "el teatro muestra y la audiencia mira". (Se pueden encontrar trucos similares en el pasado). En la actuación de 1998 del director Valery Vladimirovich Fokin (nacido en 1946) y el artista Sergei Mikhailovich Barkhin (nacido en 1938) "Tatyana Repina" (basada en una obra de parodia poco conocida), la acción tiene lugar en la iglesia, durante la boda. Los espectadores pueden sentarse en el escenario y aparecer como invitados en una ceremonia de boda o cumpleaños. La percepción del público se agudiza por el hecho de que se encuentra en un espacio destinado a la actuación.

El espacio del teatro hoy puede significar tanto el Universo como una habitación en un departamento común. Depende de qué tareas establezcan y resuelvan los creadores de la actuación.

TEATRO DE SHAKESPEARE

Las tragedias, comedias y crónicas de Shakespeare se representaron en el Globe Theatre (construido en 1599). El nombre se explica por la similitud externa: el auditorio cubría el escenario por tres lados y no se parecía a un globo terráqueo. Sin embargo, hay otro significado simbólico del nombre: el teatro es el mundo, y todas las tramas principales de la vida humana se presentan en las obras. Había un dosel sobre el siena del Globo, y sobre las cabezas de los espectadores había un cielo abierto.

Otros teatros ingleses se organizaron de manera similar. El edificio era un patio abierto donde el público, que compraba entradas baratas, paseaba, se paraba o se sentaba en palcos y cestas. Los asientos en las galerías que rodeaban el patio eran más caros: allí los espectadores estaban cómodamente sentados en bancos y estaban protegidos del clima. Sobre un sencillo escenario de tablones, cubierto con un dosel de la lluvia, se levantaba una torreta, en la que se colgaba una bandera el día de la función. Los teatros de Londres se construyeron fuera del centro de la ciudad, al otro lado del Támesis, y si los habitantes de la ciudad veían la bandera por la mañana, sabían que hoy habría una función. Sentados en botes, llevando consigo cestas de provisiones y capas cálidas, la gente cruzaba a nado el río y se dirigía al teatro, donde las representaciones duraban varias horas seguidas hasta que oscurecía.

La audiencia era muy diferente: artesanos con aprendices y estudiantes, soldados y vagabundos, detectives disfrazados, rastreando ladrones y estafadores, comerciantes sedantes con sus esposas. En los palcos de las galerías se podía ver a damas y caballeros nobles con máscaras que cubrían sus rostros; no eran aptos para estar entre ciudadanos comunes en una función de un teatro "público". La máscara en aquellos días era tan común en la vida cotidiana como los guantes o un sombrero. Se usaba para proteger la cara del frío y el viento, el polvo y el calor, para esconderse de las miradas inmodestas. En una palabra, la máscara en la cara no sorprendió a nadie.

TRAJE DE TEATRO

El actor siempre lució un vestido que no podía ser tan tradicional como el casual. No solo "cómodo", "calido", "hermoso": en el escenario también es "visible", "expresivo", "figurativo".

A lo largo de su historia, el teatro ha utilizado la magia del disfraz, que, sin embargo, también existe en la vida real. Los andrajos de un hombre pobre, el rico atuendo de un cortesano, la armadura militar muchas veces adelantada, ante un trato cercano con una persona, determinan mucho en nuestra actitud hacia ella. Una composición de vestuario compuesta por los detalles habituales de la vestimenta, pero de una manera especial, "hablante", puede enfatizar ciertos rasgos en el carácter del personaje, revelar la esencia de los eventos que tienen lugar en la obra, hablar sobre el tiempo histórico, etc. El vestuario teatral evoca en el espectador sus propias asociaciones, enriquece y profundiza la impresión tanto de la actuación como del héroe. El traje incorpora los símbolos de la cultura tradicional. Usar la ropa de otra persona significa usar la apariencia de otra persona. En las obras de Shakespeare o Goldoni, la heroína se viste con un vestido de hombre y se vuelve irreconocible incluso para las personas cercanas, aunque, aparte del disfraz, no ha cambiado nada en su apariencia. Aphelia en el cuarto acto de "Hamlet" aparece con una camisa larga, con cabello esponjoso (en contraste con el vestido y el peinado de la corte), y el espectador no necesita palabras, la locura de la heroína es obvia para él. Después de todo, la idea de que la destrucción de la armonía externa es un signo de la destrucción de la armonía interna existe en la cultura de cualquier nación.

El simbolismo del color (rojo - amor, negro - tristeza, verde - esperanza) también juega un cierto papel en la ropa de todos los días. Pero el teatro hizo del color en el vestuario una de las formas de expresar el estado emocional del personaje. Entonces, Hamlet en los escenarios de diferentes teatros siempre está vestido de negro. Por diseño, corte, textura, el vestuario teatral, por regla general, difiere del doméstico. En la vida, las condiciones naturales (cálido - frío) y la afiliación social de una persona (campesino, habitante de la ciudad) y la moda juegan un papel importante. En el teatro, mucho también está determinado por el género de actuación, el estilo artístico de la actuación. En el ballet, por ejemplo, en la coreografía tradicional, no puede haber ropa pesada. Y en una representación dramática saturada de movimiento, el vestuario no debe impedir que el actor se sienta libre en el espacio escénico.

A menudo, los artistas teatrales, dibujando bocetos de vestuario, distorsionan, exageran la forma del cuerpo humano. El vestuario en una actuación sobre un tema moderno, por extraño que parezca, es uno de los problemas más difíciles. Es imposible traer al escenario a un actor vestido de una tienda cercana. Solo la selección exacta de detalles, el esquema de color bien pensado, las correspondencias o los contrastes en la apariencia de los personajes ayudarán al nacimiento de una imagen artística.

EN CASA Y ALREDEDORES

En la primera producción de la obra "El jardín de los cerezos" en 1904, junto con el artista teatral Viktor Andreevich Simov (), escribió en papel un plano de casi toda la casa de campo, aunque en la actuación al espectador solo se le mostraron dos habitaciones. Pero si los actores imaginan la casa como un todo, saben por dónde entraron en la habitación de la siena, a dónde conduce cada puerta, dónde estaba la "habitación de los niños, mi querida habitación hermosa", sus sensaciones se transmiten inevitablemente a la audiencia. El espectador tiene un sentido de la realidad del espacio en el que la vida de los personajes pasa ante sus ojos. Cuando se abre el telón, según la obra de Chéjov, no hay nadie en la siena. Luego entran Dunyasha y Lopakhin, y comienza la acción. En el Teatro de Arte de Moscú, la acción comenzó de inmediato: al amanecer, los primeros rayos del sol colorean el espacio blanco helado fuera de las ventanas de la habitación. Después de la oscuridad y el silencio, roto sólo por los destellos del fuego y el crepitar de los leños detrás de la puerta entreabierta de la estufa, la siena se inunda con la luz del sol, y el canto de los pájaros cae sobre ella, como sucede en primavera al amanecer.

ARTISTA EN EL TEATRO

El concepto de manera creativa individual de un artista en la escenografía adquiere un significado especial. El artista teatral colabora con diferentes teatros y diferentes directores, y en cada obra es como un actor en Siena, y no como él mismo, y siempre reconocible. El director, a su vez, elige como coautor a un maestro cercano a él en estilo.

En el teatro ruso de la segunda mitad del siglo XX. uno de los más interesantes fue la unión creativa del director y escenógrafo David Lvovich Borovsky-Brodsky (nacido en 1934). Las mejores actuaciones de Borovsky en el Teatro Taganka son "Hamlet" (una tragedia de W. Shakespeare), "The House on the Embankment" (basada en la historia) y "The Dawns Here Are Quiet" (basada en la historia). La fantasía del artista da lugar en ellos a imágenes metafóricas complejas con la ayuda de texturas y cosas auténticas. Tierra, madera, hierro "chocan" en la siena, y esta interacción conflictiva se convierte en un símbolo. Las hojas forjadas en Hamlet perforan las tablas de la tablilla de siena, casi partiéndolas. Los sepultureros arrojan tierra real sobre Siena. Una enorme cortina tejida se mueve horizontalmente, gira alrededor de su eje, se convierte en un compañero casi animado de los héroes de la obra. En la obra "Los amaneceres aquí están tranquilos", el cuerpo de un camión militar, en el que viajan las niñas al comienzo de la acción, es luego "llevado" a los tableros, convirtiéndose en árboles en el bosque, luego en las paredes del casa en los recuerdos de las heroínas, luego rezagos arrojados a través del pantano.

La singularidad del pensamiento de este artista se manifestó en las actuaciones del Teatro de Arte de Moscú, en las producciones de las obras "Echelon" e "Ivanov". Las soluciones de Borovsky son similares a una fórmula matemática: escondida entre dos corchetes, puede expandirse en varias páginas y luego doblarse en una pequeña línea. Sus imágenes, compuestas de detalles cuidadosamente seleccionados, dan un extraordinario alcance a la imaginación del espectador.

El "Echelon" cuenta cómo mujeres, niños, ancianos van a la retaguardia durante la Gran Guerra Patria. En siena se encuentra una estructura ensamblada a partir de rieles de ferrocarril, postes de telégrafo y puertas de una caravana. El sonido de las ruedas en los cruces de los rieles, los postes que parpadean fuera de la ventana, el sonido de la puerta del vagón, el ritmo monótono de las historias de la carretera dan lugar a una imagen compleja y expresiva de la actuación, con sencillez exterior y sin pretensiones.

Leventhal (nacido en 1938) trabaja mucho en el teatro musical, y no solo en Rusia. El pensamiento pintoresco, un oído absoluto para la música y un sutil sentido del estilo permiten que este escenógrafo sea muy diferente en las actuaciones, y siempre reconocible.

Con el director, Leventhal representó óperas. "Música para los ojos" sonidos de la siena en la pintura, texturas, plasticidad de las formas escénicas. Para transmitir las imágenes complejas de las obras de Prokofiev, el artista utiliza todos los medios a disposición del teatro. En la ópera The Gambler, la pintura cuelga literalmente sobre la siena en postes de tul. La luz del escenario se llena de aire, hace que esta pintura sea "sonora". En el teatro moderno interactúan las técnicas y métodos de diferentes tipos de arte. La experiencia del notable artista checo Josef Svoboda puede llamarse innovadora. A finales de los años 50 y 60, utilizando la proyección de cine y televisión (es decir, la tecnología de otras artes), creó la famosa Laterna Mágica, un espectáculo en el que un actor interactuaba con una proyección en movimiento. Pero todo tipo de trucos sobre el teatro siena no son nuevos. Svoboda trajo al teatro el entendimiento de que es necesario comprender artísticamente cualquier técnica utilizada por el escenógrafo. Simples a primera vista, las instalaciones escénicas de este maestro ocultan la posibilidad de transformaciones inesperadas, cada una de las cuales revela con mayor profundidad la solución figurativa de la performance.

El afán de Svoboda por la diversidad del lenguaje escenográfico lleva a la perfección la propia técnica teatral. Los efectos lumínicos y técnicos en sus performances, sin llegar a ser un fin en sí mismo, hacen más ricas y expresivas las "palabras" del artista. Las técnicas escenográficas y los métodos de trabajo de un artista de teatro moderno son diversos. Pintura, luz, texturas y cosas auténticas, nuevas tecnologías de audio, video e informática: todo se puede utilizar para crear una imagen artística de la actuación.

MAGIA DETRÁS.

Sonó la tercera campana. La sala se sumerge lentamente en la oscuridad, la cortina se abre silenciosamente y una imagen emerge gradualmente de la oscuridad ante los ojos de la audiencia: una soleada mañana de otoño, un viejo parque cubierto de maleza, un pequeño cenador de madera a la izquierda, un banco en el centro; a lo lejos, sobre un altozano, parte un camino, y detrás de los troncos de los árboles, a través de sus copas ralas, se ve un bosque y un cielo azul claro. El salón está en silencio. Comienza la obra.

Este mundo casi real fue inventado por el director y el artista. Por medio del teatro, pudieron transmitir de manera veraz y poética la belleza de la naturaleza otoñal, poner al espectador en el estado de ánimo adecuado. Y les ayudó gente a la que el espectador no ve, pero que, junto a los actores, el director y el artista, aplaude. El backstage teatral es un mundo asombroso. El espíritu de creatividad colectiva siempre reina aquí. Muchas personas de diversas profesiones, a veces inusuales y raras, participan en la creación de la actuación.

Primero, el diseñador de producción, que ha estado trabajando con el director durante mucho tiempo en la solución artística de la representación, trae bocetos de escenarios al teatro. Pero los bocetos son una imagen bidimensional plana, y una escena es un espacio tridimensional. Por lo tanto, el artista de teatro puede evaluar correctamente los resultados de su trabajo solo completando el diseño del escenario. En esta etapa necesaria y de suma importancia, el maquetador acude en ayuda del artista. La singularidad de la profesión de escenógrafo teatral radica en el hecho de que es artista, carpintero, cerrajero y pañero al mismo tiempo. El maestro trabaja en cierta escala: 1:20. Cada teatro tiene un submodelo: una imagen del escenario reducida a veinte veces. En esta "caja" y "evoca" el modelador. Primero, generalmente hace el llamado corte: "descifra" el paisaje del papel normal. Esto es como un borrador, a partir del cual puede hacer un diseño completo, sin errores, de madera, cartón, tela y otros materiales.

El diseño, así como los bocetos de escenografía, vestuario, mobiliario y utilería se presentan al consejo artístico del teatro. Los actores principales, directores y otros empleados autorizados discuten y aprueban la solución propuesta para la actuación. Entre los presentes en la reunión del consejo artístico siempre está el jefe del puesto. Entonces, en el teatro, se abrevia el jefe de la parte de producción artística, es decir, un grupo de trabajadores artísticos y técnicos que se dedican al diseño de la representación. El jefe del puesto es un puesto de responsabilidad. Dirige el proceso de creación de escenarios y supervisa su funcionamiento posterior.

En la reunión técnica, que lleva a cabo el jefe de la publicación, se compila un inventario de montaje: una descripción detallada de cada detalle de la decoración y la tecnología para su fabricación.

Utilice decoraciones de varios tipos. Rígidos, o construidos, de madera (tableros, barras, contrachapados) y metal. Deben ser a la vez fuertes y ligeros, de rápida instalación en el escenario. El escenario rígido se hace plegable, por lo que es conveniente almacenarlo y transportarlo durante el recorrido. El paisaje suave es una alfombra que se usa para cubrir el plano del escenario (piso), el backstage que cubre los lados del escenario, las crestas que cubren la parte superior del escenario, así como los fondos que crean un fondo. También se describen cuidadosamente los muebles, los accesorios de iluminación (candelabros, lámparas de mesa, de pared y otras lámparas) y los accesorios. El mismo inventario detallado se hace para los disfraces.

Antes de comenzar a trabajar en cualquier producción, ya sea una fábrica o un sitio de construcción, debe determinar cuánto dinero necesita gastar, es decir, calcular el presupuesto. Lo mismo ocurre en el teatro. Este documento es elaborado por el responsable de los talleres. Él toma en cuenta todos los costos futuros y ordena los materiales para los decorados y el vestuario del departamento de suministros.

Con el director, el puesto de cabecera coordina el cronograma de suministro de escenografía al escenario. El director indica qué detalles de diseño necesita antes, y el jefe de puesto calcula el tiempo de trabajo. Los dibujos de escenografía son realizados por el diseñador. A menudo, el diseñador, y algunas veces el propio artista, tiene que hacer plantillas: dibujos o dibujos precisos de tamaño natural. Y por último, en los talleres de producción artística del teatro se inicia la producción de escenografía. El taller de carpintería está equipado con máquinas que se pueden usar para aserrar y procesar tableros, aserrar piezas con un contorno complejo de madera contrachapada. Aquí se fabrican paredes decorativas (armazones de barrotes revestidos de tela), escaleras, máquinas herramienta (plataformas plegables de diferentes alturas sobre el escenario), columnas, cornisas, puertas, ventanas, relieves, etc.

Entre los trabajadores de este taller hay ebanistas: este es el nombre de los maestros en la fabricación de muebles. Los ayuda un tornero y un tallador.Si las maderas de coníferas se utilizan principalmente para la decoración, es mejor obtener muebles de abedul, roble o haya, y el tilo suave es bueno para los detalles tallados. Las mesas teatrales, las sillas y los sofás son diferentes de los domésticos comunes. El diseño es liviano, pero los detalles están muy conectados; después de todo, en el teatro, los muebles se transfieren con mucha más frecuencia de un lugar a otro que en el hogar.

Si necesita decoraciones especialmente duraderas, los marcos se preparan en el taller de metalistería. También aquí realizan el montaje de accesorios metálicos - "hardware": bucles para conectar partes del escenario, ojales para colgar, soportes, ganchos y mucho más. Además de cerrajeros, el taller incluye un soldador, un hojalatero, un tornero. Aquí pueden soldar una pantalla de lámpara de forma compleja con alambre, hacer un candelabro, una copa vieja o espadas falsas.

Telones, backstage, padugas, manteles, fundas de muebles son cosidos en el taller de soft decorations. Los trabajadores de este taller realizan decoraciones de apliques en tul y mallas para cortinas. Aquí, en marcos largos y anchos, se teje una malla especial de un tejido especial llamado "insecto" a partir de un hilo grueso. Mantiene bien su forma y también sirve como base para aplicaciones. Un maestro de una especialidad muy antigua trabaja en el taller de escenografía suave: un tapicero, un pañero... Él sabe cómo tapizar y adornar una silla de estilo antiguo con una trenza, apretarla con tela de seda y adornar una pantalla. Sabe confeccionar y coser suntuosos cortinajes con festones, cenefas y borlas "para aposentos reales".

No siempre es posible comprar telas del color requerido, por lo que es bueno que los talleres tengan su propio equipo para teñir telas: grandes calderas en las que se tiñen las telas, un baño de enjuague, rodillos escurridores y una secadora. Por cierto, simultáneamente con la pintura, el material para decoraciones se trata con un compuesto especial: impregnación ignífuga.

Para el procesamiento final, los detalles del diseño se envían al taller de pintura y decoración. La etapa más importante del trabajo es la pintura de decoraciones suaves según los bocetos del artista. Los locales comerciales son amplios, luminosos, con techos altos y galerías. Es más conveniente transferir una imagen de un boceto a un fondo de manera simple: "por celdas". Para hacer esto, el fondo primero se dibuja con líneas finas en la cuadrícula, y en el boceto, para no estropear el trabajo del autor, las líneas se marcan con hilos estirados de acuerdo con la escala. En el arsenal del artista sobre los artistas intérpretes o ejecutantes: pinceles de diferentes tamaños. Todos los pinceles tienen mangos largos, porque los maestros escriben de pie. En su trabajo, los artistas usan pinturas de anilina (a base de agua), pinturas adhesivas (como gouache), etc. Para escribir, por ejemplo, nubes con bordes aireados y borrosos, el artista usa un rociador de pintura eléctrico. De cerca, la pintura teatral es un cúmulo continuo de trazos de color, puntos, líneas. Puedes ver el trabajo desde lejos solo subiendo a la galería, que es lo que hacen los maestros de vez en cuando.

Los pintores de telas hacen maravillas. Convierten arpillera barata en brocado: la pila de terciopelo de algodón se alisa con adhesivo de almidón en una plantilla estampada, pintada con pintura "dorada", y una vieja tela preciosa está frente al espectador. Tales texturas creadas artificialmente se ven mucho más impresionantes desde el escenario que las naturales. El trabajo de la tienda de utilería también es importante. Los accesorios son productos que representan objetos reales que, por una u otra razón, son difíciles o imposibles de usar en el escenario. El artista de utilería es un experto en todos los oficios. Toma diversos materiales para su trabajo: madera, madera contrachapada, alambre, hojalata, espuma plástica, gomaespuma, tela, papel, etc. y coser El propósito del trabajo es hacer tal cosa que sea difícil distinguirla de la real, incluso de cerca. El material falso favorito se llama papel maché. Se trata de una masa que se obtiene a partir de una mezcla de papel o cartón con cola, almidón, yeso, etc.

En algunos talleres teatrales se conserva hasta nuestros días el antiguo oficio de hacer flores artificiales. Por supuesto, puedes llevar flores hechas de forma artesanal. ¿Y si necesitas decorar un sombrero? Entonces la tienda no ayudará. En el mismo teatro se hará un pequeño ramo elegante. El taller de costura se ocupa del vestuario teatral. El trabajo de los sastres en este taller es aparentemente similar al trabajo en un taller ordinario: las mismas máquinas de coser, maniquíes, tablas de planchar, planchas pesadas, mesas grandes. Pero en los maniquíes, en lugar de los trajes modernos de moda, hay una camisola vieja con botones dorados, un lujoso vestido largo con enaguas hinchadas o un atuendo inusual de un personaje de cuento de hadas.

El taller también cuenta con un taller para la fabricación de sombreros. Los sombrereros del sombrerero eligen plumas, cintas de seda, trenzas, encajes, bisutería, flores artificiales, etc. para los productos de acabado. En la zapatería, los bloques de madera se colocan cuidadosamente en los estantes a lo largo de las paredes, en los que se colocan botas, botas y zapatos. están cosidos. Hay una máquina especial para procesar tacones y suelas. Pero el zapatero hace la mayor parte del trabajo a mano, sentado frente a una mesa baja, un banco de trabajo, en un taburete bajo.

El taller más numeroso es el departamento de decoración de máquinas, que está dirigido por el maquinista jefe. El escenario está equipado con una variedad de mecanismos complejos (en los viejos tiempos se los llamaba "maquinaria"), y el gerente de la tienda debe saber cómo funcionan. En su sumisión - trabajadores de la escena, o montadores. El administrador del puesto, junto con el artista, prepara el diseño (un dibujo que muestra la ubicación del escenario) y los trabajadores instalan el diseño. En primer lugar, llenan la alfombra del tablero de escena. Después de eso, bajan los elevadores de cerca necesarios y les atan decoraciones suaves. Después de eso, se retiran las decoraciones duras y se adhieren a la tableta. El taller de iluminación eléctrica "gestiona" los equipos con los que se ilumina el escenario. Se coloca una variedad de focos en una rampa, en contrafuertes, en torres de portales, en cajas de iluminación; utilizar equipos portátiles en trípodes e instalaciones de proyección. También está a cargo de este taller electroprops - candelabros, lámparas de mesa, candelabros y candelabros (la llama de una vela es imitada por la luz de una pequeña bombilla). Antes de la función, los iluminadores colocan los focos en su lugar, verifican los filtros de luz (películas especiales resistentes al calor de diferentes colores), conectan los accesorios eléctricos. Para cada actuación, se elabora un plano de distribución que fija la ubicación del equipo. Además, cada actuación tiene su propia partitura de luz, que registra cómo cambia la luz en las pinturas. El iluminador conduce la actuación detrás del panel de control.

No menos importante que la luz es el diseño sonoro. En un taller especial, bajo la dirección del director, se crea una banda sonora de la actuación. En la biblioteca de música del teatro (una colección de discos) puedes encontrar cualquier cosa: el sonido de las olas, el silbido de una ventisca y el ladrido de un perro. Las grabaciones terminadas se montan.

La consola del ingeniero de sonido generalmente se encuentra en la caja frente al escenario. La partitura de sonido (una grabación similar a la partitura de luz) le dice al operador esos momentos durante la actuación cuando debe encender y apagar la banda sonora. Para que el sonido sea voluminoso, los altavoces están ubicados a ambos lados del escenario, y en las profundidades, y en el auditorio. Hay un taller en el teatro donde no se hace nada: aquí se almacenan muebles, alfombras, grandes cortinas para ventanas y puertas, cornisas para ellos. Antes de la actuación, el trabajador pone todo en el escenario en su lugar. Para no equivocarse, se hacen pequeñas marcas en la alfombra: sellos.

El departamento de propiedad se encarga de los pequeños detalles de la situación y de aquellos objetos con los que trabaja el actor. Se almacenan en cómodos gabinetes espaciosos, en cuyas puertas hay etiquetas con los nombres de las actuaciones. A menudo existe la necesidad de comprar cosas reales, no falsas; después de todo, en cada actuación hay un accesorio "saliente": comida, fósforos, cigarrillos y mucho más, que se "destruye" en el curso de la acción. Por cierto, los "accesorios en vivo" (un perro, un gato o un espantapájaros en una jaula) también son la preocupación de los accesorios. Inmediatamente antes de la función, se traen los disfraces de la tienda. Para esto, hay carros de metal especiales con marco: los zapatos se doblan en la parte inferior y los trajes se cuelgan en una percha. Los maestros vestidores ayudan a los artistas a vestirse.

Antes del comienzo de la actuación, los actores están preocupados detrás de escena. Ahora solo hay una persona en el escenario. Rápidamente, pero con cuidado, examina el paisaje. Necesito revisar todo por última vez. Esta persona es un asistente de dirección. Dirige el curso de la actuación: da las llamadas al comienzo, abre y cierra el telón, llama a los actores al escenario, notifica a los servicios escénicos sobre el próximo cambio de escenario. Así es como el arte del teatro se crea y vive del trabajo creativo conjunto de profesionales y entusiastas en los talleres y entre bastidores.

POR QUÉ NECESITAS UN DIRECTOR

La audiencia no ve al director en el escenario durante la acción, solo puede aparecer después de la actuación, para inclinarse junto con los actores y saludar a la audiencia. Durante siglos el teatro vivió sin siquiera intentar hacer una pregunta. ¿Por qué necesitas un director? Y en nuestro tiempo, al ir a ver una nueva actuación, las personas a menudo se interesan por quién organizó la actuación.

Siempre ha habido una persona en el teatro que trabajó con actores, artistas, resolvió una variedad de tareas, creativas y técnicas. Pero durante mucho tiempo este "personaje" permaneció en las sombras, incluso la definición para él no se encontró de inmediato. Solo a principios del siglo XIX, en el entorno teatral, comenzó a mencionarse a alguien que fue el principal en la preparación de la actuación: el creador del mundo escénico. A la vuelta de los siglos XVIII-XIX. apareció un nuevo concepto en las páginas de las publicaciones teatrales alemanas: "dirección". Sin embargo, en diferentes países la nueva figura del proceso teatral fue denominada de manera diferente, y en un principio las tareas y formas de trabajo dependen del nombre.

En el idioma ruso, el concepto de "dirigir" proviene del alemán: regiehen - "administrar". Por tanto, el director es el que dirige, gestiona. En francés, el nombre tiene una connotación profesional: el director se llama el "maestro de la puesta en escena" (fr. metteur enscene). Mise-en-scene (del francés mise enscene - "escenificación en el escenario") es la ubicación de los actores en el escenario en cada momento de la actuación. La alternancia de puestas en escena en el orden en que prescribe la obra da lugar a la acción escénica.

En Inglaterra, el director fue llamado el que "produce" la actuación: realiza el trabajo organizativo que precede al creativo. Con la llegada del cine, los creadores de una representación teatral comenzaron a llamarse director, es decir, el que dirige la acción y es responsable de todo. A veces se usa otro término: director. El origen de este nombre también tiene una explicación. El proceso de trabajar en una actuación implica la traducción, la transposición de un texto literario a un lenguaje escénico especial. El director reproduce, es decir, pone en escena, la obra en el escenario con la ayuda de actores, decorador, compositor, etc.

El director tiene muchas tareas: debe ser tanto el organizador como el maestro y el intérprete del texto de la obra, una especie de líder, "maestro" de la actuación. Tanto la gente del teatro como el público se dieron cuenta del papel principal del director no de inmediato, sino gradualmente. A lo largo del siglo XIX se cuestionó la existencia misma de una nueva profesión, y los autores, ya veces los actores, no querían obedecer al director. Los creadores de las actuaciones suelen repartir responsabilidades. Uno trabajaba con los actores, el segundo decidía cómo se encuadraría la escena, el tercero explicaba a la compañía la intención del dramaturgo, etc. No es casualidad que en el siglo XIX surgieran conceptos como la buena dirección (los productores se dedicaban a resolver los espacio escénico) y dirección verbal (transformación de la palabra escrita en palabra hablada).

Algunos historiadores creen que el director existe desde la aparición del teatro, y en parte tienen razón: siempre ha habido alguien involucrado en la preparación de la obra. Hay otra opinión: la dirección surgió solo con el advenimiento de un tipo especial de dramaturgia, que requería una construcción compleja de la acción escénica, el trabajo con un conjunto (fr. conjunto - literalmente "juntos") de actores y la creación de un escenario. atmósfera. Tal drama apareció en el último cuarto del siglo XIX, y se llamó así: el nuevo drama. Fue entonces cuando los intérpretes de este drama llegaron al teatro: los directores; buscaron crear un mundo artístico especial en el escenario. La actuación ahora se entendía como algo integral, debía confirmar la unidad de la intención del director y la actuación. El concepto mismo de "intención" también nació a fines del siglo XIX.

Sin embargo, la idea de dirigir apareció casi un siglo antes: los románticos alemanes de finales del siglo XVIII - primera mitad del XIX hablaban de una representación teatral como un mundo independiente creado por el artista-creador. El escritor y dramaturgo ruso Nikolai Vasilyevich Gogol () creía que en el teatro alguien debería "manejar" tanto la tragedia como la comedia. Llamó a tal "actor de artista" "estamos esperando los coros" (¡una analogía obvia con el director!). “Solo un verdadero actor-artista puede escuchar la vida contenida en una obra y hacer que esta vida sea visible y viva para todos los actores; solo él puede escuchar la medida legal de los ensayos: cómo producirlos, cuándo parar y cuántos de ellos. son suficientes para que la obra pueda presentarse en toda su perfección ante el público”, argumentó Gogol, definiendo con mucha precisión y detalle el significado del trabajo de dirección, puesta en escena. Pero en el teatro ruso entonces, en los años 40. Siglo XIX, estas declaraciones del escritor parecían solo sueños irrealizables, utopías. La idea misma de la necesidad de dirigir en Rusia llegó más tarde que en otros países europeos, solo a fines del siglo XIX.

El director crea una actuación, una obra teatral especial: tal idea echó raíces en la mente de los teóricos y practicantes del teatro a finales del siglo XIX y XX. Aunque en el teatro musical el coreógrafo (o coreógrafo) apareció mucho antes. Creadores de ballet del siglo XVIII. y especialmente en el siglo XIX, cuando el ballet romántico conquistó los escenarios, son claros antecesores de los directores modernos. Finales del siglo XIX - principios del siglo XX. - el momento de la aparición de los principales directores. Ahora el éxito de la representación empieza a depender de la intención del director, de su comprensión de la obra. Los actores finalmente reconocen su papel subordinado. Sin embargo, la paradoja (más precisamente, incluso la regla que no admite excepciones) es que una actuación exitosa, una obra verdaderamente artística, solo puede crearse si el actor y el director son iguales en talento, en la capacidad de comprender el texto de el juego. Y un buen actor obedece en última instancia a la voluntad del director, porque la actuación es su creación común.

Desde principios del siglo XX. en todas partes, con la excepción de Italia y los Estados Unidos de América, donde la formación del teatro difería de la paneuropea, los directores comenzaron a determinar el desarrollo del arte escénico. Muy pronto, el debate sobre la necesidad de dirigir casi cesó, pero surgió otra controversia: sobre las tareas de dirigir el arte. No hay duda de que esto es arte. Uno de los fundadores del Teatro de Arte de Moscú, Vladimir Ivanovich Nemirovich Danchenko (), creía: el director debe morir en el actor, es decir, el director debe poner su idea en la conciencia del actor, es a través de él para expresar todo lo que pretende decirse a sí mismo. Para cada obra, el director está obligado a encontrar una forma especial de vida en el escenario, a penetrar profundamente en las intenciones del autor y comprender las formas de su pensamiento. El famoso experimentador en el campo del arte teatral, Vsevolod Emilievich Meyerhold, argumentó con este enfoque. Creía que el director es el "autor de la obra" y por lo tanto debe sentirse libre. El texto de autor, según Meyerhold, impone ciertos límites a la libertad de la intención del director, pero el director no puede ni debe ser esclavo del texto en ningún caso.

Tales disputas continúan hasta el día de hoy, ya que con la aparición de la figura del director en el proceso teatral, la interpretación, es decir, la comprensión, la explicación de la obra por parte del director comenzó a jugar un papel importante. ¿Hasta qué punto es libre el director en la interpretación de un texto literario? ¿Qué le interesa principalmente al director de la obra: la obra o la oportunidad de expresar sus ideas repensando o incluso distorsionando la intención del dramaturgo? Por supuesto, todo depende de la individualidad del director, su voluntad, su comprensión de los problemas esenciales del ser, por lo tanto, de su visión del mundo. Por supuesto, existen límites a la libertad de interpretación en la dirección del arte, pero cada uno decide esta cuestión por sí mismo. Cuando la dirección se consolidó como una profesión escénica y una forma especial de pensamiento teatral, surgió inevitablemente la cuestión del estilo de dirección. ¿Qué papel juegan los principios de la semejanza de la vida en el trabajo de tal o cual director cuando la escena se convierte en un "recorte de la vida"? ¿Con qué frecuencia y extensión utiliza el director metáforas? ¿Cómo se relaciona con la tradición teatral? El concepto de metáfora en las artes escénicas es bastante complicado, algo confuso. Sin embargo, el lenguaje del escenario es el lenguaje del arte; en consecuencia, el director debe dominar las formas del pensamiento precisamente artístico, crear su propia imagen del mundo.

Dirigir arte, como cualquier otro, es ante todo pensamiento imaginativo. En la representación, las imágenes se componen de actuación, ritmo, tempo y dependen de la construcción del espacio escénico. La historia de las artes escénicas del siglo XX. conoce las impresionantes imágenes del mundo del director, que reflejan las peculiaridades de la cosmovisión artística de varios maestros. Los creadores reconocidos de metáforas escénicas fueron Craig (), Vsevolod Emilievich Meyerhold, George Strehler (1), Yuri Petrovich Lyubimov (nacido en 1917), los coreógrafos Maurice Bejart (nombre real Berger, nacido en 1927) y Mate Egk, así como Robert Wilson y Luke Bondy trabajando con éxito en los escenarios de la ópera. La metáfora escénica, compuesta por el director, ayuda a comprender la esencia de cualquier fenómeno o evento. En el escenario, las metáforas, a diferencia de las literarias, suelen ser espaciales, son creadas por el director de escena de la representación junto con el escenógrafo. A veces sucede que es difícil determinar quién posee esta o aquella solución espacial: el director o el escenógrafo. Sin embargo, esto realmente no importa. El resultado es importante: el impacto en el público, la expresión más viva de la esencia de la intención del director.

Así, el manto dorado de la pirámide entró en la historia del arte teatral, que convirtió al séquito del rey en un monstruo peligroso. Fue diseñado especialmente para la obra "Hamlet" de Gordon Craig, representada en el Teatro de Arte de Moscú (1911). El pesado telón de punto en el mismo "Hamlet" representado por Yuri Lyubimov en 1971 simbolizaba el destino.

Tan pronto como el director obtuvo una posición dominante en el teatro, el problema de la comprensión mutua entre los participantes en la representación se volvió importante. Diferentes estilos, diferentes pasiones creativas pueden chocar en el escenario. El director está llamado a combinar todos los elementos en un todo, teniendo en cuenta las peculiaridades de los personajes de los actores y los gustos del artista, entendiendo la dualidad de su papel en la preparación de la actuación. Los actores y el escenógrafo son al mismo tiempo independientes y sujetos a la voluntad del director. En su trabajo, debe recordar la doble, o más bien, incluso triple, subordinación del actor. El participante en la acción escénica debe guiarse por el texto de la obra (en todo caso, pronunciar las palabras escritas por el dramaturgo), seguir las instrucciones del director y dominar el espacio construido por el escenógrafo.

La historia del teatro del siglo XX. mostró que a pedido del director y con la ayuda de actores que encarnan su idea en el escenario, incluso el género de la obra subyacente a la representación puede cambiarse. El texto de comedia, a voluntad del director, adquiere los rasgos de una tragedia, la trama trágica se trata como satírica y el personaje dramático parece divertido. Una genuina obra de arte teatral nace sólo de la colaboración creativa de todos los participantes en la acción escénica, pero ciertamente debe preservarse el papel protagónico del director.

EFECTOS DE LUZ EN SCEHE

Los efectos de iluminación se crean no solo con la ayuda de aparatos eléctricos en el teatro. Es interesante utilizar algunos tejidos en combinación con la luz. Los efectos especialmente inusuales dan tul y terciopelo negro. El tul tiene una propiedad maravillosa: se vuelve invisible si el espacio se ilumina desde atrás y se convierte en una "pared" opaca cuando se ilumina desde el frente. Mira las cortinas de tul caseras ordinarias. Podemos ver perfectamente lo que ocurre en la calle si miramos a través de ellos hacia la ventana cuando la habitación está a oscuras. Pero vale la pena encender la luz y las cortinas pierden su transparencia. Es cierto que debe tenerse en cuenta que el tul casero suele ser blanco y el tul teatral es negro (el blanco está teñido de gris o pintado). Si se colocan varios fondos de tul frente a un fondo pintoresco a cierta distancia entre sí e iluminados, el espectador tendrá una mayor sensación de profundidad espacial: aparecerá una ligera neblina, que es especialmente importante en el paisaje. El terciopelo negro absorbe los rayos de luz y te permite crear el efecto de invisibilidad. Por ejemplo, un personaje "desaparecerá" fácilmente sobre un fondo de terciopelo negro, cubierto con la misma tela. Esta técnica es especialmente buena en una actuación de cuento de hadas.

RUIDOS FUERA DEL ESCENARIO

Y hoy en algunos teatros usan dispositivos para imitar sonidos, inventados hace muchos años, cuando la gente no tenía dispositivos de grabación y reproducción de sonido. Los silbatos de varios diseños representan el canto de los pájaros, los golpes en una lámina de hierro suspendida en un marco: truenos, fricción en la tela estirada de un tambor de madera acanalado, el sonido del viento ... Es imposible enumerar todo. Ahora tales dispositivos no se usan con tanta frecuencia. Y trabajar con ellos es un arte especial. Pero el sonido en vivo creado por estos dispositivos simples es incomparable en confiabilidad con el sonido proveniente de los parlantes.

MAQUILLAJE CEX

Un detalle importante de la apariencia escénica de un actor es el maquillaje. Le permite al artista cambiar la apariencia, ayuda a crear una imagen. El actor está buscando un dibujo de maquillaje junto con un maquillador. Especialmente difíciles son los llamados maquillajes de retratos, cuando el artista debe volverse como una persona famosa. Pero el maquillaje puede ser ligero, solo enfatizar los rasgos faciales, hacerlos más expresivos.

El deber de los trabajadores de la tienda de maquillaje también incluye el trabajo posterior al peinado: la fabricación de pelucas y superposiciones (bigote, barba, patillas). Las almohadillas se pegan a la cara con pegamento especial y cada actor tiene su propia barba y bigote. Para que sea conveniente trabajar, el estilista fija un "sombrero" en una pieza de madera, cosido de tul de acuerdo con la forma de la cabeza y cosido con una trenza de algodón estrecha para mayor resistencia y forma.

DESDE LA SELECCIÓN DE UNA OBRA HASTA EL ESTRENO

En diferentes épocas, las actuaciones se prepararon de diferentes maneras. Gradualmente, se desarrolló la práctica del proceso de ensayo, común a los teatros de todos los países. Todo comienza con la elección de una obra de teatro. El director lee el texto a los actores, luego distribuye los roles y luego se realiza la lectura de acuerdo a los roles. La siguiente etapa son los ensayos de "mesa" (del latín repetitio - "repetición"). Al mismo tiempo, el director trabaja con el diseñador de producción: discuten la construcción del espacio escénico en el que se desarrollará la obra. La palabra decisiva siempre pertenece al director: los actores siguen sus instrucciones.

Cuando la escenografía y el vestuario están preparados, los ensayos de una sala especial (de ensayo) se transfieren al escenario. Los participantes del espectáculo, ya maquillados y disfrazados, se instalan en el espacio de la siena. Por lo general, la actuación se prepara para dos, tres y, a veces, cinco meses. Hay que coordinar la actuación de los actores con los extras, con los matracas, pensar en la iluminación. Los ensayos de edición se llevan a cabo sin actores: preparan el escenario, resuelven el cierre y la apertura de la cortina. Finalmente, llega el día del ensayo general (a veces denominado espectáculo de "papá y mamá"). Ahora la actuación se puede mostrar al público: el día del estreno está por venir.

EN EL TEATRO MUSICAL

Cuando se organiza una representación de ópera, también hay una etapa de ensayos escénicos. Al principio - en el aula, debajo del piano, en recintos (pantallas, escalones, rampas - plataformas inclinadas, máquinas - plataformas que se elevan sobre el piso) con muebles (mesas, bancos, sofás, sillones, sillas, etc.), con accesorios, accesorios (samovar, ramos de flores, tintero, papel, un recipiente para cocinar mermelada, abanicos, etc.). Props en latín significa "necesario". Ahora, tras largos ensayos escénicos al piano, comenzará una nueva etapa de ensayos con la orquesta. Todas las disputas, aclaraciones, búsquedas de conveniencia para el canto, audibilidad del texto, autenticidad de la conducta terminan con los ensayos principales, que se denominan "carreras", "ensayos generales". Ahora traen disfraces de los camerinos, "acomodan". Antes del ensayo general, hay una sesión "ligera", de "montaje".

En un teatro musical, todo el encendido de los dispositivos de iluminación (focos, focos) ocurre exactamente de acuerdo con las frases musicales, y los iluminadores hacen esto. Toda la preparación de la iluminación puede tener lugar en el escenario con o sin personas. El cambio del diseño de una imagen a otra se realiza a las órdenes del asistente de dirección bajo la guía del maquinista de la siena. El cambio de escena tiene lugar con el telón cerrado durante los "intermedios sentados" cuando el público está sentado. lugar (esto se llama "pausa limpia"), o durante un largo intermedio. Si mira detrás de la cortina cerrada, puede ver qué tan rápido se agotan todos los involucrados en la reorganización: accesorios, accesorios, iluminación, sienas en funcionamiento. Alya para que no chocaran y cada uno, sin entrometerse, hizo su trabajo, y hay ensayos de montaje. En la ópera, además de los actores, el coro está necesariamente involucrado, que consta de varios grupos de voces: mujeres - sopranos y altos, hombres - tenores, barítonos, bajos. Pueden ejecutarse simultáneamente y por voces, es decir, según lo disponga el compositor. El director de coro prepara el coro para la actuación, aprende las partes con ellos. Fruto de la unión de esfuerzos nace un espectáculo operístico en el que se combina lo audible con lo visible.

suite de arte teatral

Como cualquier otra forma de arte (música, pintura, literatura), el teatro tiene sus propias características especiales. Este arte es sintético: una obra teatral (performance) consiste en el texto de la obra, el trabajo del director, actor, artista y compositor. La música juega un papel decisivo en la ópera y el ballet.

El teatro es un arte colectivo. El espectáculo es el resultado de la actividad de muchas personas, no solo de las que aparecen en el escenario, sino también de las que cosen el vestuario, confeccionan la utilería, encienden la luz, se encuentran con el público. No es de extrañar que exista una definición de "trabajadores del taller teatral": una representación es a la vez creatividad y producción.

El teatro ofrece su propia forma de entender el mundo circundante y, en consecuencia, su propio conjunto de medios artísticos. La actuación es a la vez una acción especial que se desarrolla en el espacio del escenario y un pensamiento figurativo especial, diferente de, digamos, la música.

El teatro, como ninguna otra forma de arte, tiene la mayor "capacidad". Absorbe la capacidad de la literatura para recrear la vida en una palabra en sus manifestaciones externas e internas, pero esta palabra no es narrativa, sino vivaz, sonora, directamente efectiva. Al mismo tiempo, a diferencia de la literatura, el teatro recrea la realidad no en la mente del lector, sino como imágenes objetivamente existentes de la vida (representación) ubicadas en el espacio. Y en ese sentido, el teatro se acerca a la pintura. Pero la acción teatral está en constante movimiento, se desarrolla en el tiempo, y esto está cerca de la música. La inmersión en el mundo de las experiencias del espectador es similar al estado que experimenta un oyente de música, inmerso en su propio mundo de percepción subjetiva de los sonidos.

Por supuesto, el teatro no sustituye de ninguna manera a otras formas de arte. La especificidad del teatro es que lleva las “propiedades” de la literatura, la pintura y la música a través de la imagen de un actor vivo. Este material humano directo para otras formas de arte es solo el punto de partida de la creatividad. Para el teatro, la "naturaleza" no sólo sirve como material, sino que también se conserva en su vivacidad inmediata.

El arte del teatro tiene una asombrosa capacidad para fusionarse con la vida. La puesta en escena, aunque se desarrolla al otro lado de la rampa, en momentos de alta tensión desdibuja la línea entre el arte y la vida y es percibida por el público como la realidad misma. El poder atractivo del teatro radica en el hecho de que la "vida en el escenario" se afirma libremente en la imaginación del espectador.

Tal giro psicológico ocurre porque el teatro no sólo está dotado de las características de la realidad, sino que en sí mismo es una realidad creada artísticamente. La realidad teatral, que crea la impresión de realidad, tiene sus propias leyes especiales. La verdad del teatro no puede medirse con los criterios de plausibilidad de la vida. La carga psicológica que el héroe del drama asume sobre sí mismo no puede ser soportada por una persona en la vida, porque en el teatro hay una compactación extrema de ciclos completos de eventos. El héroe de la obra a menudo experimenta su vida interior como un montón de pasiones y una alta concentración de pensamientos. Y todo esto es dado por sentado por la audiencia. "Increíble" según las normas de la realidad objetiva no es en absoluto un signo de arte poco confiable. En el teatro, “verdad” y “falsedad” tienen criterios diferentes y están determinados por la ley del pensamiento figurativo. “El arte es experimentado como una realidad por la plenitud de nuestros “mecanismos” mentales, pero al mismo tiempo es evaluado en su cualidad específica como un juego hecho por el hombre “no real”, como dicen los niños, desdoblamiento ilusorio de la realidad.

El visitante del teatro se convierte en espectador teatral cuando percibe este doble aspecto de la acción escénica, no sólo viendo un acto vital concreto frente a él, sino también comprendiendo el significado interior de este acto. Lo que sucede en el escenario se siente tanto como la verdad de la vida como su recreación figurativa. Al mismo tiempo, es importante señalar que el espectador, sin perder el sentido de lo real, comienza a vivir en el mundo del teatro. La relación entre la realidad real y la teatral es bastante complicada. Hay tres fases en este proceso:

1. La realidad de la realidad objetivamente mostrada, transformada por la imaginación del dramaturgo en obra dramática.

2. Una obra dramática, encarnada por el teatro (director, actores) en la vida escénica: una actuación.

3. La vida escénica, percibida por el público y convertida en parte de sus vivencias, se fundió con la vida del público y, así, volvió de nuevo a la realidad.

La ley básica del teatro, la complicidad interna de la audiencia en los eventos que tienen lugar en el escenario, implica la excitación de la imaginación, la creatividad interna e independiente en cada uno de los espectadores. Esta fascinación por la acción distingue al espectador del observador indiferente, que también se encuentra en las salas de teatro. El espectador, a diferencia del actor, el artista activo, es un artista contemplativo.

La imaginación activa de los espectadores no es en absoluto una propiedad espiritual especial de los amantes del arte elegidos. Por supuesto, el gusto artístico desarrollado es de gran importancia, pero se trata del desarrollo de esos principios emocionales que son inherentes a cada persona.

La conciencia de la realidad artística en el proceso de percepción es más profunda, cuanto más se sumerge el espectador en la esfera de la experiencia, más arte de múltiples capas ingresa al alma humana. Es en esta unión de dos esferas: la experiencia inconsciente y la percepción consciente del arte donde existe la imaginación. Es inherente a la psique humana inicialmente, orgánicamente, accesible a cada persona y puede desarrollarse significativamente en el curso de la acumulación de experiencia estética.

La percepción estética es la creatividad del espectador, y puede alcanzar una gran intensidad. Cuanto más rica es la naturaleza del propio espectador, más desarrollado su sentido estético, más completa su experiencia artística, más activa su imaginación y más ricas sus impresiones teatrales.

La estética de la percepción se orienta en gran medida hacia el espectador ideal. En realidad, el proceso consciente de educar la cultura teatral probablemente hará avanzar al espectador a adquirir conocimientos sobre el arte y dominar ciertas habilidades de percepción.

En el teatro sintético de los tiempos modernos, la correlación tradicional de los principios dominantes -verdad y ficción- aparece en una especie de unidad indisoluble. Esta síntesis tiene lugar tanto como un acto de experiencia (percepción de la verdad de la vida) como un acto de placer estético (percepción de la poesía teatral). Entonces, el espectador se convierte no solo en un participante psicológico de la acción, es decir, una persona que "absorbe" el destino del héroe y se enriquece espiritualmente, sino también en un creador que realiza una acción creativa en su imaginación, simultáneamente con lo que está sucediendo. en el escenario. Este último momento es sumamente importante, y en la educación estética de la audiencia ocupa un lugar central.

Por supuesto, cada espectador puede tener su propia idea de la actuación ideal. Pero en todos los casos se basa en un cierto "programa" de requisitos para el art. Este tipo de “conocimiento” presupone una cierta madurez de la cultura de la audiencia.

La cultura del espectador depende en gran medida de la naturaleza del arte que se ofrece al espectador. Cuanto más difícil sea la tarea que se le encomendó: estética, ética, filosófica, más se intensificó el pensamiento, más aguda la experiencia, más sutil la manifestación del gusto del espectador. Porque lo que llamamos la cultura del lector, oyente, espectador está directamente relacionado con el desarrollo de la personalidad misma de una persona, depende de su crecimiento espiritual y afecta su crecimiento espiritual posterior.

La importancia de la tarea que el teatro plantea al espectador en términos psicológicos radica en el hecho de que la imagen artística, dada en toda su complejidad e inconsistencia, es percibida por el espectador primero como un personaje real, objetivamente existente, y luego, a medida que te acostumbras a la imagen y reflexionas sobre sus acciones, revela (como si fuera independiente) su esencia interna, su significado generalizador.

En términos estéticos, la complejidad de la tarea radica en que el espectador percibe la imaginería escénica no sólo según criterios de verdad, sino que sabe (aprendió) a descifrar su sentido poético metafórico.

Entonces, la especificidad del arte teatral es una persona viva, como un héroe que experimenta directamente y como un artista-artista que crea directamente, y la ley más importante del teatro es un impacto directo en el espectador.

El "efecto teatro", su claridad está determinada no solo por la dignidad del arte mismo, sino también por la dignidad, la cultura estética del auditorio. Sin embargo, el despertar del artista en el espectador sólo se produce si el espectador es capaz de percibir plenamente el contenido inherente a la actuación, si es capaz de ampliar su rango estético y aprender a ver lo nuevo en el arte, si, manteniéndose fiel a su estilo artístico favorito, no resulta sordo y a otras direcciones creativas, si es capaz de ver una nueva lectura de una obra clásica y es capaz de separar la intención del director de su implementación por parte de los actores ... Hay hay muchos más como "si". En consecuencia, para que el espectador se involucre en la creatividad, para que el artista despierte en él, en la etapa actual de desarrollo de nuestro teatro, es necesario un aumento general de la cultura artística del espectador.

La representación teatral se basa en un texto, como una obra de teatro para una representación dramática. Incluso en aquellas puestas en escena donde la palabra como tal está ausente, el texto es necesario; en particular, el ballet y, a veces, la pantomima tienen un guión: un libreto. El proceso de elaboración de una representación consiste en trasladar el texto dramático al escenario; se trata de una especie de "traducción" de un idioma a otro. Como resultado, la palabra literaria se convierte en la palabra escénica.

Lo primero que ve el espectador después de que se abre (o sube) el telón es el espacio escénico en el que se sitúa la escenografía. Indican el lugar de la acción, tiempo histórico, reflejan el sabor nacional. Con la ayuda de construcciones espaciales, incluso se puede transmitir el estado de ánimo de los personajes (por ejemplo, en un episodio del sufrimiento del héroe, sumerja la escena en la oscuridad o ajuste su fondo con negro). Durante la acción, con la ayuda de una técnica especial, el escenario cambia: el día se convierte en noche, el invierno en verano, la calle en una habitación. Esta técnica ha evolucionado junto con el pensamiento científico de la humanidad. Los mecanismos de elevación, los escudos y las escotillas, que en la antigüedad se operaban manualmente, ahora se elevan y bajan electrónicamente. Las velas y las lámparas de gas se sustituyen por lámparas eléctricas; a menudo se utilizan láseres.

Ya en la antigüedad se formaron dos tipos de escenario y auditorio: el palco y el anfiteatro. El palco proporciona gradas y platea, y el público rodea el escenario del anfiteatro por tres lados. Ahora en el mundo se usan ambos tipos. La tecnología moderna hace posible cambiar el espacio teatral: colocar una plataforma en el centro del auditorio, sentar al espectador en el escenario y representar la representación en la sala. Siempre se le ha dado gran importancia al edificio del teatro. Los teatros solían construirse en la plaza central de la ciudad; los arquitectos querían que los edificios fueran hermosos, que llamaran la atención. Al llegar al teatro, el espectador renuncia a la vida cotidiana, como si se elevara por encima de la realidad. Por lo tanto, no es casualidad que una escalera decorada con espejos a menudo conduzca al vestíbulo.

La música ayuda a realzar el impacto emocional de una actuación dramática. A veces suena no solo durante la acción, sino también durante el intermedio, para mantener el interés del público. El protagonista de la obra es el actor. El espectador ve a una persona frente a él, misteriosamente convertida en una imagen artística, una especie de obra de arte. Por supuesto, una obra de arte no es el artista mismo, sino su papel. Ella es la creación de un actor, creada por la voz, los nervios y algo imperceptible: espíritu, alma. Para que la acción en el escenario se perciba como un todo, es necesario organizarla de manera reflexiva y coherente. Estas funciones en el teatro moderno son realizadas por el director. Por supuesto, mucho depende del talento de los actores en la actuación, pero, sin embargo, están sujetos a la voluntad del líder: el director. La gente, como hace muchos siglos, acude al teatro. Desde el escenario se escucha el texto de las obras, transformado por las fuerzas y sentimientos de los intérpretes. Los artistas conducen su propio diálogo, y no solo verbal. Esta es una conversación de gestos, posturas, miradas y expresiones faciales. La fantasía del decorador con la ayuda del color, la luz y las estructuras arquitectónicas en el sitio hace que el espacio del escenario "hable". Y todo junto se encierra en un marco estricto de la intención del director, lo que le da a los elementos heterogéneos plenitud e integridad.

El espectador evalúa conscientemente (ya veces inconscientemente, como en contra de su voluntad) la actuación y la dirección, la conformidad de la solución del espacio teatral con el plan general. Pero lo principal es que él, el espectador, se suma al arte, a diferencia de otros, creado aquí y ahora. Al comprender el significado de la actuación, comprende el significado de la vida.