Compositores nacionales de la primera mitad del siglo XX. Grandes compositores rusos

20-09-2006

Tan pronto como me encontré "uniéndome" al delicioso almanaque SWAN, no desde el comienzo de su aparición en Internet, sino cinco años después, sin darme cuenta me interesé en los artículos sobre temas musicales publicados antes de mi llegada. Me interesó el artículo de Dmitry Gorbatov sobre Shostakovich en el número 194 del almanaque.

Lo que se escribió en el artículo sobre Shostakovich lo percibí como normal, y no clasificarlo como uno de los más grandes compositores del siglo XX, así como las explicaciones del autor sobre este asunto, no causó rechazo.

Pero el anexo 1 del artículo contiene una lista de los más grandes compositores del siglo XX, que me sorprendió y me hizo reír hasta el cólico. Al mismo tiempo, no solo yo solo, sino también mi amigo, un músico y compositor profesional.

De un artículo de D. Gorbatov

Una mirada a la lista fue suficiente para notar un encabezado que no coincidía con la lista. El caso es que conocemos los nombres de los compositores que son los más grandes. y la definicion mayor, es decir. el más grande, no se puede atar a ninguna edad. Bach, Mozart, Beethoven fueron y siguen siendo los más grandes compositores, pero vivieron en siglos diferentes. Por lo tanto, cualquier compositor tardío, para ser llamado el "más grande", debe tener los méritos que le permitan estar a la par de los compositores nombrados. Y todo tipo de compositores pigmeos del siglo XX, que encontraron o descubrieron algo ^nuevo^ en la Música, pero no revolucionaron en ella, sino que sólo dejaron huellas en alguna parte (a veces sucias) mayor llamar absolutamente ilegal e injusto.

En la lista anterior, ninguno de los compositores nombrados para el título mayor no tira, por lo que cada uno de ellos debe ser tratado y asignado el estado apropiado, a partir de estupendo y por debajo.

Pero antes de hacer este interesante negocio, intentemos tratar con el compositor ruso Modest Mussorgsky, quien fue trasladado por el autor del siglo XIX al siglo XX por algunos méritos especiales con la asignación del estado. mayor compositor del siglo XX.

A partir de 1908 en Occidente, durante casi un cuarto de siglo, se realizaron representaciones de "Boris Godunov" de Modest Mussorgsky con la participación del gran Chaliapin en el papel del zar Boris en los principales teatros de ópera de muchos países. La mala orquestación del propio compositor no tuvo éxito y la ópera fue interpretada con una orquestación brillante por el compositor Nikolai Rimsky-Korsakov. El éxito de la ópera en todas partes y siempre ha sido enorme. Y cuando la ópera en algunos teatros de ópera también estaba en un escenario lujoso, fue una sensación.

En la era soviética posterior a Shalyapin, también hubo magníficas representaciones de "Boris Godunov" en el Teatro Bolshoi con Alexander Pirogov en el papel principal e Ivan Kozlovsky como el Santo Loco.

Pero de pronto, en algunos ámbitos musicales, por obra de intrigantes y especuladores, se empezó a criticar la excelente orquestación de Rimsky-Korsakov, y algunos compositores pigmeos comenzaron a ofrecer sus propias versiones. Al mismo tiempo, comenzaron a acusar a Rimsky-Korsakov de que con su orquestación castró la hermosa música de Musogsky: música mejor que, supuestamente, no hay nada mejor en la música rusa.

Al frente, por supuesto, estaba Shostakovich, quien incluso hizo dos orquestaciones de Boris Godunov.

Asomó la cabeza hacia "Boris" con orquestación -
Perestroika soviética blasfema
Y paralizó la ópera bonita,
Poniendo grilletes a la música en una fila.

Ha pasado el tiempo y se ha solucionado mucho. Y solo las figuras de la ópera burro pueden darse el lujo de recurrir a la versión de Shostakovich durante la próxima producción de Boris. Incluso Rostropovich, a pesar de toda su celebridad, difícilmente habría podido superar esto.

Ahora sobre la verdadera grandeza de Mussorgsky como compositor ruso.

Ofrezco mi propia versión.

Sin duda, el gran compositor ruso Modest Mussorgsky no es mejor que Glinka, o Dargomyzhsky, o Rimsky-Korsakov, o Tchaikovsky, o Rachmaninov. Y Tchaikovsky, en mi opinión, es muy inferior.

Por la música en las óperas "Boris Godunov" y "Khovanshchina" no debe ser considerado innovador. En estas óperas, como quedará claro a partir de consideraciones posteriores, Mussorgsky se mostró excelente y bueno. compilador.

Mussorgsky sabía bien innovadorópera de Alexander Dargomyzhsky "The Stone Guest", y cuando el compositor la compuso, participó activamente como cantante. También conoció la ópera Il trovatore de Verdi, como lo demuestra N. Rimsky-Korsakov en su libro Crónica de mi vida musical. Debe suponerse que Mussorgsky también conocía la ópera Rigoletto.

Una relación muy larga (50 años) y la escucha frecuente de la ópera "Boris Godunov" me hicieron pensar que los excelentes recitativos de Godunov son una fusión artística rusa-italiana creativa de los estilos recitativos de "The Stone Guest" y

"Rigoletto". Por lo tanto, se pueden encontrar rastros del monólogo Pari siamo de Rigoletto, con una cuidadosa escucha repetida de los recitativos de Boris, a lo largo de la ópera, comenzando con el monólogo de Boris "He alcanzado el poder más alto".

Volviendo con un análisis similar a la siguiente ópera de Mussorgsky, Khovanshchina, uno puede notar la desviación significativa del compositor de la estructura musical de Boris Godunov en la dirección de una mayor ariosidad de la carne vocal. Al mismo tiempo, algunas arias, monólogos e incluso fragmentos individuales, incluso más que en Boris Godunov, se asemejan a algunas arias del Trovador de Verdi. Por ejemplo, el aria (^adivinación^) de Marfa en la primera parte se parece al aria Stride la vampa de Azucena, y en la cantilena (^la desgracia te amenaza^) tiene una estructura similar al solo de Azucena en el último acto de Si; la stanchezza mopprime; y la melodía del aria de Shaklovity ^...tienes mala suerte en el destino, querida Rusia^ está cerca de la melodía del aria de Manrico ¡Ah! Si, ben mio.

Pero resulta que no soy el único tan inteligente: en el libreto soviético con el texto completo de "Khovanshchina", publicado en 1929 (con un artículo introductorio y notas de Sergei Bugoslavsky), hay dos notas curiosas. Uno está antes del texto de la cantilena de la ^adivinación^ de Marfa: ^una amplia melodía lúgubre en estilo ruso-italiano^, y el otro es una nota al pie que hace referencia al texto del aria de Shaklovity: ^Aria de la italo-rusa. almacén a la manera de Glinka de la época de "Ivan Susanin"^.

También se puede agregar a todo lo escrito que Mussorgsky estaba tan interesado en componer frases con melodías al estilo italiano que el solo de Marfa en el skete (dirección a Andrey Khovansky): ^¿Has oído mucho, más allá de este bosque^ - un brillante ejemplo de Recitativo italiano, que bien podría encajar orgánicamente en la fiesta de Azucena en Il trovatore.

En relación con mi versión anterior del fenómeno Mussorgsky, rechazo completamente la afirmación del autor del artículo de que La ciencia musical y la estética atribuyen en gran medida razonablemente el trabajo de M.P. Mussorgsky al siglo XX. así como todos los argumentos del autor al respecto, expuestos en el artículo.

En mi opinión, en algún momento de la musicología soviética, se desarrolló una actitud patológicamente enfermiza hacia el gran compositor ruso Mussorgsky, atribuyéndole algunos méritos musicales especiales y talento innovador, que él no tenía. Según D. Gorbatov, algunos musicólogos incluso "encontraron" rastros del trabajo de Mussorgsky en las óperas de Verdi y la música de Hindemith, que de ninguna manera podrían necesitar préstamos.

Un análisis de la música de "Khovanshchina" muestra que en ella el compositor se desvió bruscamente del estilo recitativo de construir monólogos de "Boris Godunov", que se acercó con éxito al texto de Pushkin. Quizás Mussorgsky sintió la inconveniencia de la repetición.

Y esto confirma la ausencia de un principio innovador de composición, en cuya maestría no hay necesidad de cambios cardinales para pasar a la siguiente composición del mismo perfil y escala.

Una definición interesante que enfatiza la diferencia entre "Khovanshchina" y "Boris Godunov" se encuentra en el artículo introductorio antes mencionado de S. Bugoslavsky al libreto de la ópera: , canción que comienza ... ^. El "paso atrás" de tal compositor también refuta los intentos de presentar a Mussorgsky como un compositor innovador que pasó del siglo XIX al siglo XX.

Daré la bienvenida a aquellas figuras musicales que estén en condiciones de estar dispuestas a estar de acuerdo con mi versión, que también contiene un llamado a abandonar las ficciones sobre el pasado de la música rusa y los intentos absurdos de pervertir los valores culturales reales, por analogía con los intentos de presentar a Rusia. como la patria de los elefantes.

Y de acuerdo con esto, el reconocimiento de la enorme y brillante obra del gran compositor ruso Nikolai Rimsky-Korsakov, como la ÚNICA necesaria para las óperas de Modest Mussorgsky, y no sujeta a la interferencia ^creativa^-fraudulenta de nadie más.

Con base en lo anterior, me tomo la libertad de excluir a Mussorgsky de la lista de compositores del siglo XX. Pero al mismo tiempo, permítanme señalar que en el siglo XIX, el compositor aún creaba y, además, mayor, quien, de ser necesario (?), sería más digno que ningún otro, con todas sus composiciones, de estar entre los compositores del siglo XX. Este es Richard Wagner.

Me permito ahora revisar la lista de los restantes 18 ^más grandes^ compositores del siglo XX para establecer el nivel de su grandeza razonable: desde estupendo y por debajo. Intentaré evaluar el nivel de cumplimiento de cada uno de estos compositores con uno de tres valores: genial, sobre todo sobresaliente y sobresaliente.

En mi opinión, a la hora de establecer el nivel de grandeza de cualquier compositor, no se puede ignorar su popularidad entre los amantes de la música clásica. Al mismo tiempo, uno debe estar seguro de que la popularidad del compositor no es artificial, exagerada, similar a la de Shostakov, que sin duda se desvanecerá gradualmente a lo largo del siglo XXI. Para los compositores verdaderamente grandes, la popularidad solo debería aumentar a lo largo de los siglos.

Excelente compositores del siglo XX

• Bela Bartok (1881–1945) Hungría
• Benjamín Britten (1913-1976) Inglaterra
• Claude Debussy (1862-1918) Francia
• Maurice Ravel (1875-1937) Francia
• Alexander Scriabin (1871-1915) Rusia
• Ígor Stravinski (1882–1971) Rusia
• Arnold Schönberg (1874–1951) Austria
• Richard Strauss (1864-1949) Alemania

(Me tomé la libertad de agregar los nombres de tres grandes compositores, omitido por D. Gobatov, probablemente debido a la improcedencia de clasificarlos como los "más grandes").

Particularmente sobresaliente compositores del siglo XX

• Charles Ives (1874–1954) EE. UU.
• Alban Berg (1885–1935) Austria
• Antón Webern (1883–1945) Austria
• Paul Hindemith (1895–1963) Alemania

(Aquí he optado por no ampliar la lista, aunque me gustaría añadirles el nombre de Hans Pfitzner).

Estos compositores que he nombrado especialmente sobresaliente, en mi opinión, no se puede llamar estupendo solamente debido a la falta de popularidad. ¿Es posible considerar y llamar grandes a los compositores cuando la mayoría de los amantes de la música clásica no conocen ni sus nombres ni sus composiciones?

Sobresaliente compositores del siglo XX

• Witold Lutosławski (1913–1994) Polonia
• Olivier Messiaen (1908-1992) Francia
• Sergei Prokofiev (1891-1953) Rusia

(Aquí decidí limitarme a los nombres de la lista de D. Gorbatov, aunque sería muy posible agregar otras 2-3 docenas de nombres).

La música de Witold Lutosławski es sólida, aunque no brilla con especial originalidad (a veces se siente la influencia de Debussy, a veces Bartok o Stravinsky).

Especialmente para Fischer-Dieskau, escribió un concierto para barítono y orquesta.

Olivier Messiaen, educador de los "creadores" de la antimúsica (Xenakis, Stockhausen, Boulez), fue un músico de gran talento e inventor de nuevos sistemas tecnológicos de materia sonora. Sus composiciones musicales, principalmente de carácter religioso, son específicas y muy populares en Francia. Para los amantes inexpertos de los clásicos, escuchar la música de Messiaen es una tarea difícil. En su ópera-oratorio “St. Francisco de Asís” firmado Fischer-Dieskau.

El prolífico compositor ruso-soviético Sergei Prokofiev, junto con sinfonías humanas, conciertos para piano y obras de teatro, compuso mucha, en mi opinión, música incolora, molesta y antivocal (las óperas "Ángel ardiente", "Semyon Kotko", " El jugador” y la Sinfonía clásica), así como la ahora inútil basura musical politizada soviética.

Ahora sobre los compositores de vanguardia restantes en la lista de Gorbatov:

Edgar Varese, quien ^actualizó^ el lenguaje musical con la ayuda de modernas técnicas de producción y ruidos musicales;

John Cage, quien creó la anarquía sónica;

Yanis Xenakis, quien usó. técnicas aleatorias, la naturaleza abstracta de las combinaciones de sonido (su música estaba destinada a una composición instrumental inusual y grabadoras);

Györde Ligeti, que experimentó en el campo del ^teatro del absurdo' instrumental musical;

Luigi Nono, que utilizó la técnica serial y aleatoria;

Steve Reiche, un compositor minimalista que ^creó^ música con dos grabadoras encendidas al mismo tiempo, ¿deberían siquiera atribuirse a algún grupo? real compositores del siglo XX? (La aleatoriedad es el principio del azar en el proceso de ^creatividad^ y actuación).

En 1951, Cage organizó conciertos en Nueva York usando 12 radios sintonizadas en 12 estaciones de radio diferentes.

Stravinsky llamó a los compositores aleatorios "los enemigos andantes del arte".

Esta es una observación muy correcta, según la cual, presumiblemente, no deberían ser considerados ni calificados como compositores del siglo XX.

Para terminar el artículo, me gustaría llamar la atención de los lectores sobre una circunstancia significativa: al compilar una lista de los ^más grandes^ compositores del siglo XX, D. Gorbatov, por alguna razón, omitió el nombre del único verdadero. mayor compositor de este siglo: Giacomo Puccini (1858-1924).

Giacomo Puccini es, con mucho, el más grande de todos los compositores del siglo XX.

Puccini es un innovador. Su principio altamente artístico de fusión orgánica del sonido de la orquesta y las voces ante él no fue logrado por ningún compositor.

Puccini es el mayor melodista del siglo XX. Es el compositor de las más bellas melodías del siglo.

Puccini es el creador de las óperas más populares del siglo XX, y sus óperas siempre traerán alegría a la gente. Su "Tosca" es la ópera más popular entre todas las óperas puestas en escena por los teatros de ópera más grandes del mundo.

Puccini es un verdadero compositor del siglo XX, y el cuarteto de Bohemia” y los tercetos de “Turandot” son obras maestras armónicas de la música del siglo XX.

Puccini es el compositor de los conjuntos más bellos de sus óperas.

Puccini, mejor que cualquiera de todos los compositores extranjeros, logró capturar el sabor nacional y crear música brillante en la ópera Madama Butterfly (se erigió un monumento en Japón en honor al compositor en agradecimiento por su creación) y la suya, típicamente Puccini, pero música country absolutamente estadounidense en la ópera The Girl from the West ".

Artista del Pueblo de la URSS,
laureado de lenin
y premios estatales

Cuando se le preguntó con qué sueña, Rodion Konstantinovich respondió: "Para que el Señor me dé una vida más, tantas cosas interesantes y maravillosas en el mundo".

Nacido el 16 de diciembre de 1932 en Moscú. Padre - Shchedrin Konstantin Mikhailovich, músico teórico, maestro, figura musical. Madre - Shchedrina Concordia Ivanovna (de soltera Ivanova). Esposa: Maya Plisetskaya, primera bailarina del Teatro Bolshoi de Rusia, Artista del Pueblo de la URSS, ganadora del Premio Lenin.

Shchedrin es uno de los compositores más grandes y famosos de la segunda mitad del siglo XX. Poseedor de un agudo lenguaje musical moderno, fue capaz de crear obras accesibles a una amplia gama de oyentes. Una actitud deliberadamente antivanguardista hacia el oyente impregna el trabajo de Shchedrin a lo largo de su vida: "la gran música debe tener una gran audiencia". Al mismo tiempo, más ampliamente que cualquiera de los compositores de su generación desarrolló temas rusos en su trabajo: sus óperas y ballets fueron escritos casi exclusivamente sobre las tramas de los escritores rusos más importantes: N. Gogol, A. Chekhov, L. Tolstoy, V. Nabokov, N. Leskova, es autor de la liturgia coral rusa "El ángel sellado", conciertos para orquesta "Canciones traviesas", "Anillos", "Bailes redondos", "Cuatro canciones rusas", etc. .

Como futuro músico y compositor ruso, Rodion Shchedrin estuvo decisivamente influenciado por su familia. Su abuelo era un sacerdote ortodoxo en la ciudad de Aleksin, provincia de Tula, y los feligreses apodaron el camino a la iglesia donde sirvió el servicio "Schedrinka". El padre del compositor, K. M. Shchedrin, nació en el pueblo de Vorottsy, provincia de Tula, pasó su infancia en Aleksin. Estaba dotado de raras habilidades musicales: una memoria de "cinta" (memorizó música de una época), oído absoluto. Sus habilidades fueron notadas por la actriz V. N. Pashennaya, que vino a la ciudad y envió al niño a sus expensas a Moscú, donde se graduó en el Conservatorio de Moscú.

R. Shchedrin estuvo rodeado de música desde la infancia: escuchó a su padre tocar el violín, un trío instrumental formado por su padre y sus hermanos. En 1941 fue enviado a la Escuela Central de Música de Diez Años en el Conservatorio de Moscú. En realidad, comenzó a estudiar piano de forma privada con M. L. Gekhtman. Pero comenzó la Gran Guerra Patriótica y se cerraron muchas escuelas en Moscú. En octubre de 1941, la familia Shchedrin fue evacuada a Kuibyshev, una ciudad de importancia administrativa altamente clasificada. También estuvo D. Shostakovich, quien completó su famosa Séptima Sinfonía; el joven Rodion tuvo la oportunidad de escucharlo en el ensayo general dirigido por S. Samosud. El Teatro Bolshoi también fue evacuado allí. D. Shostakovich y K. Shchedrin trabajaron en la Unión de Compositores, el primero, como presidente, el segundo, como secretario ejecutivo. Shostakovich ayudó cuidadosamente a la familia Shchedrin en circunstancias domésticas difíciles y de otro tipo.

Cuando surgió la oportunidad de regresar a Moscú, Rodion fue enviado nuevamente a la Escuela Central de Música (1943). Pero el chico ya había desarrollado sus propias ideas sobre la vida: no le interesaban las escalas de una escuela de música, sino los asuntos reales y serios. Se escapó dos veces al frente, y la segunda vez fue de Moscú a Kronstadt. Después de eso, los padres no encontraron nada mejor que asignar a su hijo a la Escuela Naval Nakhimov en Leningrado, y enviaron sus documentos allí.

Mientras tanto, ocurrió un evento que finalmente condujo a la aparición del compositor Rodion Shchedrin. A fines de 1944 y principios de 1945, se abrió una nueva institución educativa en la URSS: la Escuela de Coro de Moscú (niños). Su creador y primer director, el famoso maestro de coro A. Sveshnikov, invitó al padre R. Shchedrin a enseñar historia de la música y materias teórico-musicales, y él, a su vez, pidió llevar a su hijo a estudiar. Rodion tenía oído absoluto, una voz bastante aceptable y finalmente se decidió por la especialidad musical (diciembre de 1944).

En la Escuela Coral, para un niño que ya había visto algo, se abrió una esfera que no sospechaba. Más tarde, R. Shchedrin recordó: "Cantar en el coro me capturó, tocó algunas cuerdas internas profundas ... Y mis primeros experimentos de composición (así como los experimentos de mis camaradas) estaban conectados con el coro". (Rodion Shchedrin. Conversación con L. Grigoriev y J. Platek // Musical Life, 1975, No. 2, p. 6). Toda la historia de este arte se cantó en la clase de coro: desde los maestros del "estilo estricto" del siglo XVI Josquin de Pres, Palestrina, Orlando Lasso hasta la música sacra rusa: Chesnokov, Grechaninov, Kastalsky, Rachmaninov.

La composición musical no se enseñaba especialmente en la escuela, sin embargo, la alta formación musical total permitía a los estudiantes realizar experimentos en composición musical. Para alentar su trabajo, Sveshnikov le dio la oportunidad de realizar de inmediato sus composiciones. En 1947 se realizó un concurso de obras de composición en la Escuela Coral. El jurado, encabezado por A. Khachaturian, otorgó el primer premio a R. Shchedrin, y este fue su primer éxito notable en este campo.

En la Escuela Coral. Sentado (de derecha a izquierda): I. Kozlovsky, director de la escuela, A. V. Sveshnikov con profesores de la escuela. Extremo derecho (de pie): el padre del compositor, K. M. Shchedrin. Detrás del piano está el futuro compositor. 1947

Los alumnos de la Escuela Coral tuvieron la oportunidad de reunirse con los más grandes músicos: D. Shostakovich, A. Khachaturian, I. Kozlovsky, G. Ginzburg, S. Richter, E. Gilels, J. Flier. “En nuestra escuela había una pasión sofocante por la música, incluido el piano”, recordó Shchedrin. Su maestro de piano fue el famoso maestro G. Dinor, quien asignó a sus alumnos obras de complejidad deliberadamente sobreestimada. Como resultado, al final de la escuela, Rodion tenía un programa digno de un concertista de piano (fugas de Bach, piezas virtuosas de Chopin y Liszt, Rapsodia sobre un tema de Paganini de Rakhmaninov), pero no hecho correctamente. El maestro, pensando en la admisión de su alumno en el Conservatorio de Moscú, decidió mostrárselo al profesor J. Flier. De la ejecución del programa, no se deleitó, pero aprobó las composiciones de Shchedrin y acordó tomarlo como su alumno.

En 1950, Shchedrin ingresó al Conservatorio de Moscú al mismo tiempo en dos facultades: piano, en la clase de J. Flier, y teoría y composición, en la clase del profesor Yu. Shaporin en composición.

Las clases con Yakov Vladimirovich Flier, donde reinaba la "fiesta de la música", fascinaron tanto a Shchedrin que pensó en abandonar su especialidad como compositor, pero el profesor de piano no se lo aconsejó. En la clase de piano, el músico en ascenso no solo adquirió un arte pianístico de primer nivel, sino que también hizo un progreso significativo en sus gustos y conocimientos musicales generales. Shchedrin confiaba tanto en su maestro que fue el primero en demostrar sus nuevas obras tanto en sus años de estudiante como en años posteriores. Según el compositor, el piano de Flier soportó los "golpes" de todas sus grandes obras. Shchedrin siguió siendo un pianista profesional toda su vida, actuando con éxito en el escenario del concierto con la interpretación de sus obras técnicamente difíciles.

En la clase de composición de Yuri Alexandrovich Shaporin, su personalidad humana fue atractiva ante todo: un erudito en literatura y poesía rusas, un narrador e ingenio, un hombre que se comunicó con A. Blok, A. N. Tolstoy, M. Gorky, K. Fedin , A. Benois , K. Petrov-Vodkin. No impuso a sus alumnos un único camino, creyendo que en la música puede y debe haber todo tipo de opuestos.

Desarrollado intensamente en el Conservatorio de Moscú y un área tan fundamental de los intereses de Shchedrin como el folclore ruso. Fundamentalmente ajeno al enfoque etnográfico, Shchedrin supo utilizar elementos del folclore de una manera extremadamente original a lo largo de toda su carrera creativa, fusionándolos orgánicamente con los últimos descubrimientos del compositor en el mundo musical. Y en esta síntesis no tiene igual en su generación. El tema obligatorio para los estudiantes-compositores "Arte folclórico" requería la participación en expediciones folclóricas, con grabaciones independientes de canciones populares en una grabadora. R. Shchedrin hizo un viaje a las regiones del Óblast de Vologda, que resultó ser extremadamente rico en cancioncillas (el líder de la expedición registró más de mil). Después de todo, la cantinela no solo entretenía y desarrollaba la capacidad de improvisación instantánea, sino que era un feuilleton mordaz, un periódico popular: todo lo que vivía entre la gente, sin encajar en las formas oficiales de expresar opiniones. Shchedrin llevó su amor por la chastushka a lo largo de su vida: llamó a su Primer Concierto para Orquesta en 1963 "Naughty Chastushki", y en 1999 presentó su versión - "Chatushki", un concierto para piano solo.

Todo el entorno sonoro del folclore resultó estar profundamente cerca de Shchedrin, que percibió tanto a través de viajes a Aleksin, una ciudad sobre el Oka, como a través de varios viajes "al interior", escuchando el canto de los campesinos y tocando la gaita. "Para mí, el arte popular es el grito de un pastor, el rasgueo monofónico de un acordeonista, improvisaciones inspiradas de los dolientes del pueblo, canciones masculinas agrias..." (Rodion Shchedrin. Conversación con L. Grigoriev y J. Platek // Vida musical, 1975 , N° 2 p.54).

El primer concierto para piano, creado por Shchedrin durante su época de estudiante (1954), fue, a su vez, la obra creadora de Shchedrin. Resaltó todo lo que fue la personalidad del autor en sus años de juventud y que brotó más tarde en su obra posterior, incluidas las habilidades motoras del ritmo y los "rusismos" mordazmente puntiagudos. En el conservatorio, parecía demasiado "formalista". Pero uno de los profesores recomendó a la Unión de Compositores incluir el concierto en el programa del próximo pleno. El autor la interpretó con brillantez y pronto recibió una carta de que él, un estudiante de cuarto año, fue aceptado en la Unión de Compositores (incluso sin una solicitud).

Se graduó del Conservatorio Shchedrin de Moscú en 1955, con honores, en dos especialidades: composición y piano. Además, hasta 1959, completó estudios de posgrado en composición con Y. Shaporin.

El año 1958 en la vida de Shchedrin se describió como el más romántico y verdaderamente fatídico: se casó con la bailarina Maya Mikhailovna Plisetskaya, que ya había ganado fama en ese momento. La historia de su relación fue la siguiente. El compositor visitó la casa de Lily Brik, la musa de Mayakovsky en el pasado, y su esposo, el escritor y crítico literario V. Katanyan, para cuya obra "Ellos conocían a Mayakovsky" escribió música. Una vez, como curiosidad, los dueños de la casa le dieron a escuchar una cinta, donde Plisetskaya cantaba (!) la música del ballet Cenicienta de Prokofiev. El compositor quedó asombrado: las melodías más difíciles fueron reproducidas exactamente y en las claves apropiadas.

Rodion y Maya se conocieron en persona cuando J. Philip fue recibido en la misma casa. Shchedrin tocó mucha de su música, lo que cautivó a la audiencia. Él, entonces un dueño raro de su propio automóvil (comprado con una tarifa para la película "Height"), tenía el valiente deber de llevar a los invitados de honor a casa. Plisetskaya, al despedirse, le pidió que escribiera el tema de la película "Ramp Lights" para un número de ballet del disco (el número no funcionó más tarde). Finalmente los reunió el ballet El caballito jorobado, que en 1958 decidió presentarse en el Teatro Bolshoi. Aquí, Shchedrin, de 25 años, vio por primera vez a Plisetskaya en un ensayo, donde ella, por su parte, le provocó "un huracán de motivos freudianos". Aunque Plisetskaya ya estaba ganando una notable fama artística, estaba bajo gran sospecha en la KGB, y el automóvil de vigilancia seguía constantemente al nuevo conocido de Shchedrin. Pero ningún poder fue capaz de separarlos. Después de un verano paradisíaco en Sortaval (Casa de la Creatividad de los Compositores) en el lago Ladoga, su viaje de luna de miel fue un viaje en el automóvil de Rodion desde Moscú a Sochi a través de Tula, Kharkov, Rostov-on-Don y otras ciudades. Debido a un matrimonio no registrado, se les negaron todos los hoteles y solo un automóvil sirvió como refugio. El matrimonio de Plisetskaya y Shchedrin se registró en Moscú el 2 de octubre de 1958. No hubo hijos en este matrimonio, tal fue el gran sacrificio de la gran bailarina. Pero el único "matrimonio en el arte" se conservó de por vida. Todos los ballets de Shchedrin están conectados con la danza de Plisetskaya, y esta es toda una cultura de ballet.

Al final de la escuela de posgrado en 1959, Shchedrin tenía en sus activos creativos el ballet El pequeño caballo jorobado (1955), composiciones para piano, coros y la Primera sinfonía (1958). Y estos no son sólo los hitos de su biografía. El pequeño caballo jorobado, en el que Plisetskaya bailó la doncella del zar, se ha convertido en un espectáculo regular para niños y todavía se presenta en el Teatro Musical Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko. En 1999, para una producción en el Teatro Bolshoi, el autor hizo una nueva versión del ballet, que lo convirtió en una deslumbrante extravagancia rusa (artista - B. Messerer). "Humoresque", infectando con un "lukavinka" puramente shchedriniano, casi medio siglo después se convirtió en un concierto favorito "encore" (también en arreglos para varios instrumentos). Gracias a tales obras, en un momento incluso la imagen de Shchedrin comenzó a tomar forma como la encarnación de la vitalidad exuberante, el humor y las bromas en la música. La conocida canción de Shchedrin de la música de la película "Vysota" (1957) - "La marcha alegre de los instaladores de gran altura", que se hizo ampliamente conocida, sonaba en ese tono y estaba firmemente arraigada en el rumor masivo. Estas ideas sobre el compositor fueron inesperadamente destruidas por la Primera Sinfonía, con su avance en una dura tragedia militar, que causó gran disgusto entre los críticos ("un Shostakovich es suficiente para nosotros").

Llegaron los convulsos años 60 de los “sesenta” domésticos. Durante esta década, Shchedrin creó su obra más interpretada: el ballet "Carmen Suite", primero convertido en ópera ("No solo amor"), comenzó una serie de obras en un género al que le dio un nuevo significado: conciertos para orquesta ( "Canciones traviesas" y "Ringings"), compuso dos grandes oratorios ("Poetoria" y "Lenin en el corazón del pueblo") y su obra más ambiciosa para piano solo - 24 preludios y fugas, llevó a cabo una audaz síntesis estilística en el Segundo Concierto para piano. Al mismo tiempo, trabajó con especial cuidado la polifonía, la técnica de las series y las combinaciones de muchos temas musicales. Paralelamente, actuó como pianista y enseñó en el Conservatorio de Moscú.

La ópera Not Only Love (1961, 2ª edición - 1971) fue escrita a partir de los cuentos de S. Antonov, con la inclusión de cancioncillas en el libreto; dedicado a M. Plisetskaya. "Estoy escribiendo una granja colectiva" Eugene Onegin ", dijo el autor y comparó al personaje principal incluso con Carmen. Al diseñar la ópera para el Teatro Bolshoi, buscó alejarse de los extras monumentales con pancartas que luego aceptaron en este escenario. en la esfera de la cámara, con las experiencias de la gente común. Pero aunque el estreno fue diseñado por el artista A. Tyshler, y dirigido por E. Svetlanov, todavía no fue posible romper las costumbres del teatro. Sin embargo, el las producciones de "No solo amor" se llevaron a cabo simultáneamente en Perm y Novosibirsk. La adecuación del concepto y la realización de la primera ópera de Shchedrin se lograron mucho más tarde: en la cámara, estudio, realizaciones estudiantiles. Un hito importante fue su aparición en el nuevo teatro. escenario: el Teatro Musical de Cámara de Moscú dirigido por B. Pokrovsky, como la primera actuación de este teatro (1972).

En la obra de Shchedrin, se establece una brillante vena de humor y sátira, peculiar a él por naturaleza: en 1963, los mencionados Travieso Chastushki (Primer Concierto para Orquesta) y Burocratiada (Spa Cantata) se publicaron de su pluma. En "Mischievous Chastushkas" el autor reprodujo por medios sinfónicos la cancioncilla de la entrada alternativa de un nuevo participante contra el fondo de una melodía continua de acordeón. Y era una nueva forma musical con una combinación compleja de no dos o tres temas, sino unos setenta. No del agrado de los músicos de orquesta académicos, Chastushki despertó un ardiente deleite entre el público en general, especialmente en la periferia. Entre los músicos extranjeros, fueron interpretados por el director y compositor estadounidense L. Bernstein. La cantata "Bureaucratiade", escrita sobre el texto de "Recordatorio al veraneante", llena de ingenio fresco, era una sátira de algo más que el orden restrictivo de la pensión. Al mismo tiempo, era una enciclopedia de composición moderna: absorbía técnicas que siguen siendo nuevas hasta el día de hoy.

El centro del trabajo polifónico del compositor fue un gran ciclo para piano: 24 preludios y fugas (1963-64 - volumen 1, 1964-70 - volumen 2). Un género puramente académico, establecido en su tiempo por J. S. Bach, continuado por D. Shostakovich, Shchedrin saturado de virtuosismo moderno y técnica de escritura sofisticada. Él mismo se convirtió en su primer intérprete.

Y como antes, el compositor tachó su verso humorístico con la Segunda Sinfonía puramente trágica (1965), con ecos de la guerra (el estruendo de los aviones, el traqueteo de las orugas de los tanques, los gemidos de los heridos), con un epígrafe de A. Tvardovsky "El día que terminó la guerra". Al mismo tiempo, volvió a introducir una nueva forma sinfónica: 25 preludios (subtítulo del autor).

En 1966, Shchedrin se embarcó en un experimento que superó en audacia todo lo demás en la música soviética. Poseedor de la técnica moderna del dodecáfono, decidió en el Segundo Concierto para piano (1966) combinarla con el diametralmente opuesto: la música de improvisación de jazz. La Unión de Compositores no apoyó ni a uno ni a otro, y la combinación en conjunto dio un contraste tan llamativo que hasta los colegas más de izquierda discutieron al respecto. La vida le ha dado la razón al autor: el Segundo Concierto se ha convertido en un clásico estudiado en la historia de la música. La misma técnica de poliestilística (y collage) utilizada allí se convirtió en una tendencia de la época para muchos autores rusos. Shchedrin recurrió a él en el futuro.

Gran Salón del Conservatorio. Estreno del Segundo Concierto para piano. Solista - autor. 1966

En 1964-69, Shchedrin enseñó composición en el Conservatorio de Moscú. Entre sus estudiantes estaban O. Galakhov (más tarde, el presidente del Comité de Investigación de Moscú), B. Getselev, el búlgaro G. Minchev. El maestro pudo "diagnosticar" con precisión las composiciones de sus alumnos, enseñó, entre otras cosas, a construir hábilmente la dramaturgia del conjunto. Es de destacar que consideró la velocidad de composición como una habilidad importante. Shchedrin dejó de trabajar en el conservatorio, habiendo entrado en conflicto con los líderes del partido del departamento teórico y de composición.

maya plisetskaya - carmen suite (1978)

El ballet “Carmen Suite” (1967) surge exteriormente a raíz de la ayuda de emergencia del compositor a su esposa, cuando ésta se encendió en un deseo irresistible de plasmar la imagen de Carmen en la coreografía del coreógrafo cubano A. Alonso. En 20 días, Shchedrin creó su famosa transcripción de números de la ópera "Carmen" de G. Bizet, utilizando no una orquesta sinfónica, sino cuerdas y 47 instrumentos de percusión, logrando un colorido sonoro fresco y moderno. Plisetskaya bailó el ballet unas 350 veces. "Carmen Suite" y ahora reina en todo el mundo, interpretada en el escenario, en concierto o en la radio casi todos los días.

La amistad de larga data de Shchedrin con el poeta A. Voznesensky, quien en la década de 1960 fue el ídolo de la juventud soviética, el parentesco de su cosmovisión artística llevó a la aparición de "Poetoria", un Concierto para un poeta, un coro mixto y una sinfonía. orquesta sobre sus textos (1968). El propio poeta actuó aquí como lector. Innovadores, con ricas aliteraciones, los poemas de Voznesensky ("Soy Goya, soy Woe. Soy una voz...") fueron respondidos por la orquesta y el coro de interpretación innovadora de Shchedrin, en métodos cercanos a los hallazgos polacos más izquierdistas. el estilo y concepto de la obra con sus propias técnicas musicales personales, especialmente la introducción de una especie de lamento folclórico basado en el famoso compositor L. Zykina. La discusión en el Reino Unido reveló las opiniones más controvertidas sobre la obra.

También se encontraba en una situación difícil como figura pública. En 1968, él (como K. Simonov y A. Tvardovsky) se negó a firmar una carta en apoyo de la entrada de tropas de los países del Pacto de Varsovia en Checoslovaquia. La estación de radio "La Voz de América" ​​​​comenzó a transmitir regularmente al respecto, llamando sus nombres. Shchedrin se vio obligado a comprometerse, en la forma del oratorio "Lenin en el corazón del pueblo" (1969), tal como Shostakovich escribió "Canción de los bosques" en su época. Pero a diferencia de Shostakovich, Shchedrin nunca se unió al PCUS. Evitando un tono pomposo, Shchedrin usó prosa cotidiana en su oratorio, la historia de un tirador letón, un trabajador de una fábrica, además, las palabras de un narrador contemporáneo M. Kryukova. Y en cuanto al lenguaje musical continuó "Poetoria". El talentoso oratorio para el centenario de V. I. Lenin enderezó tanto la posición oficial del autor sin partido que recibió el Premio Estatal de la URSS (1972) por él y la ópera No solo amor. En el extranjero, tuvo un gran éxito en París, Londres, Berlín.

El trabajo de Shchedrin de las décadas de 1970 y 1980 estuvo marcado por su constante inventiva artística, pero no contenía esos bruscos giros estilísticos que dependían de la moda cambiante que se convirtió en el destino de muchos compositores en Occidente y en la URSS (saltos de vanguardia a " nueva simplicidad" y a los intentos de sintetizar extremos). Elementos tanto de sofisticación vanguardista como de sencillez folclórica siempre han coexistido en su música, y los sintetizó constantemente. Allá por los años 60, formuló la tesis sobre su propio camino: "En el arte, uno debe seguir su propio camino. Puede ser corto, largo, ancho y angosto, pero debe ser el propio" (Música soviética, 1963, N° 6, pág. 12). De acuerdo con la individualidad de su propio compositor, Shchedrin se mantuvo firme en el centro, todavía elevándose invisible por encima de los torrentes hirvientes de corrientes opuestas.

En 1973, Shchedrin fue elegido para un importante puesto de liderazgo: presidente de la Unión de Compositores de la Federación Rusa, a la que fue bendecido por D. Shostakovich, su fundador y primer presidente. En esta capacidad, trabajó hasta 1990, dejándolo voluntariamente, después de lo cual quedó en el cargo de presidente honorario del Comité de Investigación de Rusia. El hecho de que durante tantos años un compositor serio de orientación innovadora estuviera al frente de una enorme organización de compositores rusos jugó un papel extremadamente progresista. Grande fue su asistencia personal: a compositores, musicólogos, directores. "Durante mucho tiempo, Shchedrin encabezó la Unión de Compositores de Rusia, y pocas personas saben a cuántos jóvenes talentos, marginados, perseguidos por las autoridades, ayudó esta persona", dice Vladimir Spivakov sobre él (Rodion Shchedrin. Autorretrato. Folleto del festival de música por el 70 aniversario del compositor.M ., 2002).

El compositor escribe decenas de obras literarias, revelando un sentido vivo de la palabra. Crea libretos para sus obras escénicas: las óperas Almas muertas (más tarde también Lolita), los ballets La gaviota (junto a V. Leventhal), La dama del perro. Publica docenas de artículos: sobre J. Flier, Y. Shaporin, O. Messiaen, L. Bernstein, A. Sveshnikov, K. Eliasberg, A. Borodin, A. Webern, I. Stravinsky, prefacio de la novela de V. Orlov "Violista Danilov".

Su colaboración con M. Plisetskaya continúa: a ella están dedicados los ballets Anna Karenina, La gaviota y La dama del perro. En "Anna Karenina" después de L. Tolstoy (1971), solo se seleccionó una historia de amor y se le dio el subtítulo "Escenas líricas", como P. Tchaikovsky en su ópera "Eugene Onegin". La idea de Tchaikovsky también se reflejó en el estilo musical del ballet, hasta en las aplicaciones de sus composiciones, escritas en el mismo momento en que Tolstoi estaba trabajando en esta novela. En el ballet "La gaviota" de A. Chekhov (1979), Shchedrin apareció como compositor y libretista (coautor), y Plisetskaya bailó el personaje principal, Nina Zarechnaya, y encarnó la gaviota simbólica, y para el primera vez se convirtió en el único coreógrafo de la actuación. Usando la orquesta, el compositor creó el "grito de una gaviota", agudamente expresivo, que se extendió por todo el ballet, dándole una mayor tragedia. Los destinos de "disparo" de los personajes se adivinaron bien en él, y el drama teatral proyectó el "grito" en el tiempo. La forma musical del ballet se volvió innovadora: un ciclo de 24 preludios con la adición de tres interludios y un postludio. Cuando un grupo de cine inglés estaba preparando un programa de televisión sobre el desarrollo del arte musical, rodaron "La gaviota" para el papel de "Música del futuro".

Anna Karenina - Rodion Shchedrin (película de ballet)

Un hito significativo en el trabajo musical y teatral de Shchedrin fue la ópera "Dead Souls" después de N. Gogol (1976, puesta en escena en 1977), con libreto del compositor. El autor introdujo en la ópera una innovación como la sustitución de los violines de la orquesta por un (segundo) coro de cámara y, lo que es más importante, dividió el escenario en dos escenas paralelas, estratificando la ópera en dos óperas autónomas: "folk" y " profesional". Esta dramaturgia paralela de la actuación, representada por primera vez en el Teatro Bolshoi, formó el núcleo del concepto semántico de la obra: la oposición de la Rusia del pueblo y las "almas muertas" de los terratenientes. En la "ópera popular", el compositor usó textos del folclore ruso, timbres populares de voces, pero no citó melodías genuinas. Le dio un significado simbólico a las frases de los campesinos, especialmente a la pregunta "¿Llegará o no?" Al mismo tiempo, saturó los elementos folclóricos con las disonancias y agrupaciones modernas más agudas. "Ópera profesional" - el mundo grotesco de los terratenientes de Gogol - Shchedrin sostenido en un estilo cercano al trabajo con voces en las óperas de Rossini. Si la música del folclore ruso estaba en un canto de legato suave y prolongado, entonces en las partes de los terratenientes parodiados, el staccato rebotando se utilizó de manera bastante notable. Sus arias son sofisticadas y extremadamente difíciles de cantar: los pasajes virtuosos de Chichikov, el tamborileo de Korobochka, los saltos melódicos arrolladores de Sobakevich, etc. Los conjuntos vocales son impresionantes, a siete, ocho, diez y doce voces. Bajo la apariencia de dos óperas-antítesis, aparecieron entidades de un orden superior: el contraste de lo eterno, inmutable y vano, mortal.

"Dead Souls" puesta en escena por el Teatro Bolshoi de Moscú el 7 de junio de 1977 fue una obra maestra de la teatralidad. El director fue B. Pokrovsky, el escenógrafo fue V. Leventhal, el director de coro fue V. Minin, los cantantes participaron: A. Voroshilo (Chichikov), L. Avdeeva (Korobochka), V. Piavko (Nozdrev), A. Maslennikov (Selifan) y otros. El director Y. Temirkanov realizó 42 ensayos, después de lo cual transfirió la ópera al Teatro Kirov (Mariinsky) en Leningrado. La actuación nacional dirigida por Temirkanov, grabada por Melodiya, fue estrenada en el extranjero por BMG y ganó el Premio de la Crítica. "Encarnó la entonación única de Gogol en la música con una precisión extraordinaria y, al mismo tiempo, logró escribir una obra agudamente moderna. Era la música del país en el que vivíamos entonces: aguda, angulosa e increíblemente desesperanzada", escribe A. Voroshilo. (Rodion Shchedrin. Autorretrato Folleto del festival de música, Moscú, 2002).

Menuhin y Schedrin

El año 1981 de Shchedrin estuvo marcado por la creación de composiciones corales y para piano magistralmente perfeccionadas: "Eugene Onegin's stronzas" - seis coros con poemas de A. S. Pushkin de su novela en verso, "La ejecución de Pugachev" - un poema para coro a cappella con letra de "Historias de Pugachev" de A. S. Pushkin, "Cuaderno para jóvenes", 15 piezas para piano. Las obras corales también están acompañadas por "Concertino" de 1982 (sin letra). El compositor sigue inmerso en la literatura rusa y el tema En particular , la idea de las campanas rusas atraviesa todas las obras: al final de las "estrofas de Onegin", en los episodios de "La ejecución de Pugachev", en el n. ° 11 "Campanas rusas" de "Cuaderno para Juventud" y en el final de "Concertino" - "Campanas rusas".

Los planes de Shchedrin en 1983-84 se destacaron por su especial escala y seriedad, que también se asoció con dedicatorias a su santo nombre: JS Bach con motivo del 300 aniversario de su nacimiento (1985). En 1983, en su honor, erigió un monumento musical en forma de obra superlarga - de 2 horas y 12 minutos - "Ofrenda Musical" para órgano, tres flautas, tres fagotes y tres trombones. Este fue un concepto innovador de meditación musical, cuando las personas tenían que no solo escuchar música, sino también realizar un acto de adoración colectiva a la persona a quien estaba dedicada. En la primera versión, debido a la sobreextensión, la obra iba mucho más allá de las normas habituales de percepción concertística. El propio autor estaba convencido de ello, hablando como organista en el estreno en la Gran Sala del Conservatorio de Moscú (1983): el público empezó a abandonar la sala poco a poco. En otras condiciones, se percibió adecuadamente (por ejemplo, en el maratón de Bach en Alemania). El autor hizo una versión compacta de "Ofrenda" - durante una hora y media, con una grabación del sonido de la obra en un disco en la Catedral de Riga Dome (1987). Por el título, la obra de Shchedrin se asoció deliberadamente con la "Ofrenda musical" de Bach, que realizó en 1747 al rey y compositor prusiano Federico II. La reverencia de Shchedrin por Bach se expresó en muchas analogías con el gran compositor y su época: cita directa de los dos preludios de órgano del maestro, una textura como los preludios de Bach, varios dispositivos polifónicos, una ingeniosa "forma de crustáceo", el motivo-monograma de Bach -V-A-S- NORTE. En el espíritu de la época de Bach, "La ofrenda" está impregnada de símbolos, como ninguna otra obra de Shchedrin: los nombres de Bach, Berg y Shchedrin están codificados en forma de notas, incluso la fecha de nacimiento y la altura del compositor. , se cita la melodía del coral de R. Ale, utilizada tanto por Bach como por Berg, en cierto punto de la partitura se indica - "besar el instrumento" (para fagotes y trombones). Los solos de órgano que recorren toda la pieza crean un ambiente de oración y reminiscencia, y tres tríos de instrumentos de viento (3×3 también son números sagrados) dibujan algunas imágenes de la trama religiosa. El gigantesco fresco musical de Shchedrin no tiene paralelo entre las famosas dedicatorias musicales.

La otra composición de Shchedrin para el 300 aniversario de Bach fue "Echo Sonata" para violín solo (1984). El eco real aquí se expresó en forma de una técnica de tocar el violín, con su sonido tranquilo "sombra" separado del "discurso" musical del violinista, y breves aplicaciones de las obras famosas de Bach aparecieron como un eco simbólico: cristales de clásicos armoniosos, separados de la sonoridad musical moderna agudamente disonante. La sonata se convirtió en un repertorio para violinistas de diferentes países: fue interpretada por U. Hölscher, M. Vengerov, D. Sitkovetsky, S. Stadler y otros.

En 1984, Shchedrin escribió "Autorretrato" para una orquesta sinfónica. Psicológicamente, es diametralmente opuesto a la imagen establecida de Shchedrin como portador de energía emocionante, maestro del humor y las bromas. Esta es la obra más lúgubre y trágica del autor, por lo que su estreno en la gran inauguración del II Festival Internacional de Música de Moscú (1984) contradijo la atmósfera de las vacaciones del compositor. En el título de la obra, Shchedrin partió de la experiencia de pintar: "Me inspiré en el ejemplo de los pintores. Casi todos pintaron sus retratos: tal vez esto reflejaba su necesidad percibida de conocerse a sí mismos. marcos para un retrato // Música en la URSS, 1985, abril - junio, p. 15). En la anotación del autor, habla de "imitación de los sonidos lúgubres de una balalaika solitaria, el murmullo de un fagot "en los saltos" (como si cantara un viejo canto de transeúntes kalik), ... el interminable, incluso y triste paisaje de mi patria". Shchedrin reaccionó a lo que sucedía a su alrededor con todas las fibras de su alma. 1984 es el punto extremo del estancamiento soviético, que parecía insuperable. Un año después, al secretario general del Comité Central del PCUS, M. Gorbachov, se le ocurrió la idea de la perestroika bajo la amenaza del colapso económico y general del país.

Creado en 1985, el ballet "La dama del perro" basado en la historia del mismo nombre de A. Chekhov se inspiró en el 60 aniversario de M. Plisetskaya. El libreto fue escrito por R. Shchedrin y V. Leventhal, M. Plisetskaya fue tanto la coreógrafa como la protagonista Anna Sergeevna, para cuya parte el vestuario fue creado por el famoso modisto parisino P. Cardin. El lirismo puro de la trama se realizó como un ballet de un acto de 45 a 50 minutos, que consta de cinco dúos de baile extendidos: pas de deux. La estructura musical del ballet, que encarna el juego de los sentimientos líricos de los personajes, está impregnada de una melodía cautivadora, la orquesta es transparente: solo un grupo de cuerdas con la adición de dos oboes, dos trompas y una celesta, la forma musical del conjunto es armonioso. Con Shchedrin, esta es la obra de ballet más poética y lírica.

La perestroika de Gorbachov, que comenzó en 1985, cambió drásticamente la vida de toda la intelectualidad soviética, en particular, abrió oportunidades sin precedentes para contactos con países extranjeros. En 1988, se llevó a cabo un nuevo tipo de evento: el festival soviético-estadounidense "Hacer música juntos". Al principio, los estadounidenses querían celebrar un festival de Shchedrin solo, pero el Ministerio de Cultura de la URSS no dio su consentimiento. Luego se organizó un foro internacional con la máxima representación de la URSS. Unas 300 personas llegaron a Massachusetts, incluidos A. Schnittke, S. Gubaidulina, A. Petrov, G. Kancheli, B. Tishchenko, V. Laurushas. Cantantes negros participaron en la producción de "Dead Souls" de Shchedrin. La resonancia mundial del festival, tanto artística como política, fue enorme.

La ola de la perestroika llevó a personas tan activas como Shchedrin a subir al poder. El compositor también se convirtió en un político eficaz. En 1989, procedente de la Unión de Compositores, fue elegido miembro del Soviet Supremo de la URSS. Además, al tener su propio programa político, se unió al conocido Grupo Interregional de Diputados del Pueblo por la Perestroika en la URSS, cuyos miembros eran el académico A. Sakharov, el futuro primer presidente de Rusia B. Yeltsin, el futuro alcalde de Moscú G Popov, filósofo Y. Afanasyev. En particular, exigieron un sistema multipartidista y elecciones alternativas, lo que no convenía en absoluto a las autoridades del partido. Por televisión se podía ver la pelea entre Shchedrin, que se dirigía al podio, y Gorbachov, que no le cedió la palabra. Shchedrin participó en la rehabilitación en el hogar de M. Rostropovich y G. Vishnevskaya, expulsados ​​​​del país.

Con el inicio de otra fecha significativa, el 1000 aniversario de la adopción del cristianismo en Rusia, Shchedrin escribió ensayos que mostraron todo el significado profundo de este tema para él, el nieto de un sacerdote y él mismo, bautizado en la infancia: "Stichera para el Milenio del Bautismo de Rusia" (1987) y "El Ángel Sellado" (1988).

La orquestal "Stichera para el milenio del bautismo de Rusia" se escribió sobre la base de una antigua fuente primaria grabada con ganchos: la stichera para la fiesta del icono de Vladimir del zar Iván el Terrible, que el compositor expuso en su interpretación. . Shchedrin recreó el mundo del antiguo canto ruso: su tranquilidad, calma y tranquilidad, su reflejo del paisaje plano ruso, que afectó la suavidad de la melodía, que fluye sin pausas y la variabilidad de los coros. La partitura indica los momentos de canto junto con las voces de los músicos a sus partes. El compositor envió la obra para su estreno en EE. UU. a Rostropovich, a quien se la dedicó. Consideró tal acto como una hazaña cívica y pudo hacer el estreno en el Washington Kennedy Center (1988). El primer CD ruso se lanzó en casa, con una grabación de Stikhira de Shchedrin y stichera de Iván el Terrible.

La liturgia rusa "El ángel sellado", o música coral según N. Leskov a los textos canónicos del eslavo eclesiástico para coro mixto a cappella con un tubo (flauta) en 9 partes, fue interpretada por primera vez en Moscú por dos coros: la Cámara de Moscú. y el Coro Académico Ruso bajo la dirección de V. Minin. La composición de 60 minutos es una obra maestra coral que tiene un impacto no solo musical, sino también espiritual y ético, como un servicio para los feligreses. También se señaló oficialmente: en 1992, se le otorgó el Premio Estatal de la Federación Rusa, uno de los primeros en la nueva Rusia.

La historia de Leskov "El ángel sellado" no sirvió como programa para la música de Shchedrin, se tomaron elementos separados: el título, el texto del n. ° 1 ("El ángel del Señor"), la imagen de la flauta, el trama "círculo de purificación": el ícono está limpio, quemado con un sello y nuevamente limpio. A petición del director, se podrían insertar textos de Leskov (tal es la grabación en un CD en los EE. UU.). Y en relación con la liturgia, el compositor no pretendió reproducir toda su secuencia, sino que seleccionó solo una serie de textos (de La vida cotidiana, Menaia, Triodion) con reordenaciones y abreviaturas. Estilísticamente, los principios del canto ruso Znamenny se utilizan en la música: la suavidad del canto, la "planitud" de la melodía y la ausencia de pausas. En términos de técnicas corales, esta es una enciclopedia de la escritura coral rusa, que, además de la melodía tipo znamenny, también incluía matices folclóricos, un almacén de acordes sonoros, el color de los octavistas del bajo, un solo de chico de agudos, el "eco del templo". ” efecto e imitación de campanada. "El ángel sellado" se convirtió en una destacada obra coral del siglo XX y de la música sacra rusa.

Desde finales de la década de 1980, Shchedrin comenzó a recibir cada vez más propuestas creativas del extranjero, respondiendo a ellas creando composiciones sobre su tema ruso favorito, distribuyéndolo así ampliamente en diferentes partes del mundo: su musical "Nina y 12 meses". se representó en Japón (1988) y se interpretó "Khorovody" (Cuarto Concierto para Orquesta, 1989), para el centenario de la Orquesta Sinfónica de Chicago, se escribió "Música antigua de los circos provinciales rusos" (Tercer Concierto para Orquesta, 1989), Se compusieron piezas de cámara para Finlandia y París. Con respecto a "Música de los circos", Shchedrin señaló (en la anotación): "En este trabajo, me esfuerzo deliberadamente por el colorido, por la pintura musical, el humor, por lo espectacular, externo, entretenido ... "Circo" fue escrito durante los años de la perestroika, en los años de esperanzas y fe en la emancipación y reorganización de la sociedad rusa. ¿Quizás el sentimiento de esperanza por los buenos cambios me cargó de energía y optimismo? Los profesionales lo llaman orquesta moderna, lo que significa máxima expresividad sonora con máxima concentración. y ahorro de costos": así habla M. Rostropovich de Shchedrin (Rodion Shchedrin. Autorretrato. Folleto del festival de música, 2002).

El comienzo de la década de 1990, junto con la ruptura de toda la estructura social del país, el colapso de la URSS, la formación de un nuevo estado, la Federación Rusa, trajo cambios significativos en la vida de Shchedrin. La economía debilitada y los graves problemas materiales crearon una amenaza tan clara para la creatividad que el compositor se vio obligado a mudarse a Alemania, a Munich (1991-92). Le siguió su esposa, M. Plisetskaya. Ambos conservaron la ciudadanía rusa. Los lazos con las editoriales y los artistas occidentales comenzaron a fortalecerse. Al mismo tiempo, el compositor retuvo y fortaleció las propiedades más importantes de su estilo: la amplitud democrática y la orientación rusa del tema. Pero la elección de los géneros musicales se volvió diferente: no aparecieron nuevos ballets (solo música de equipo), solo apareció una ópera: "Lolita", pero los conciertos para solistas con orquesta florecieron inusualmente: para piano, violín, viola, violonchelo, trompeta como un fruto de los contactos con los principales músicos de la paz. La gran mayoría de las obras resultaron estar relacionadas con el tema ruso y aumentó la importancia del comienzo lírico. En relación con los aniversarios de Shchedrin, se llevaron a cabo importantes festivales en su honor, en casa y en muchos países del mundo. Se convirtió en un clásico reconocido de la música rusa y mundial.

La ópera "Lolita" basada en la novela homónima de V. Nabokov con libreto del propio compositor (1994) no pudo ser representada en los principales idiomas del mundo por un problema de derechos de autor, y entonces surgió la idea de puesta en escena en la Royal Swedish Opera - en sueco. El estreno tuvo lugar en Estocolmo el 14 de diciembre de 1994: director - M. Rostropovich, Lolita - L. Gustafson, Humbert Humbert - P.-A. Wahlgren, Quilty - B. Howgan. El ambiente escandaloso que siempre acompañó a este complot de Nabokov se expresó aquí en manifestaciones públicas por la cancelación de la función y llamamientos a los artistas para que se negaran a participar en ella. Pero la producción fue un gran éxito, con reseñas en la prensa de todo el mundo.

Aunque es la ópera la que tiene la capacidad de quitar el naturalismo a cualquier trama, Shchedrin trató de profundizar en el lado moral de la novela tanto en el libreto como en la música. En el Prólogo, Humbert ya está sentado en una celda de prisión, y un coro de Jueces culpándolo recorre toda la ópera, y en contraste, el coro de Muchachos en la iglesia canta una oración iluminadora. Para apaciguar la tensión trágica del drama, se insertan en contraste los animados dúos del Anuncio. El alto espíritu de la ópera reina en las largas y lentas escenas de amor de los dos personajes principales, en el sublime sonido musical de la escena "Humbert's Sin". Shchedrin creó partes vocales brillantes: la joven Lolita, con su canto en un registro plateado alto, el anciano seductor Quilty con su falsete o grito animal. La ópera termina con un epílogo catártico que profundiza el final de Nabokov. Según el hijo del escritor, D. Nabokov, "si mi padre viera esto, sería feliz".

La ansiedad y el dolor por las penurias de Rusia dieron vida a la música de cuerdas "Fotos rusas", dedicada a la orquesta "Moscow Virtuosi" dirigida por V. Spivakov (1994). Estas son imágenes de la vida rusa en diferentes momentos. 1 hora - "La ciudad vieja de Aleksin", en memoria del abuelo y la infancia, 2 horas - "Cucarachas en Moscú", cuando realmente ocurrió el ataque, aunque la música no es pictórica, 3 horas - "Stalin Cocktail", con la imagen de trinos de tambores, gemidos de víctimas, ecos de ejecuciones, con citas de la cantata sobre Stalin de A. Aleksandrov y "Marcha de entusiastas" de I. Dunayevsky, 4 horas - "Evening Bells", con un ambiente de desolación, confusión en el corazón y cantando las palabras "Memoria eterna".

En el centro del período de los años 90 hay tres importantes conciertos, para violonchelo, violín y viola, dedicados a destacados músicos contemporáneos.

El concierto para violonchelo "Sotto voce concerto" (dedicado a M. Rostropovich, 1994) según el concepto pertenece a obras con un tema eterno: la vida y la muerte. El subtítulo hace referencia a la idea favorita de Shchedrin del drama que se escucha a través de la pared, así como a un pianissimo especial interpretado por Rostropovich. En la música se registran vívidos episodios trágicos, pero se da una innovadora superación de la tragedia terrenal, como salida al mundo no humano gracias al uso de flautas dulces con su sonido de caña, como una flauta rusa.

Concierto para violín y orquesta de cuerdas "Concerto cantabile" (dedicado a M. Vengerov, 1997) es una obra neorromántica, estilísticamente no similar al Shchedrin "temprano" y "medio". Solo es comparable con la letra de su "La dama del perro". "Por la palabra" cantabile "Me refiero, en primer lugar, al tono del estado del alma, en parte, a la forma del sonido. Además de entrelazar, cruzar, fusionar, acordar, disputar, contramovimiento de las líneas de canto. del solista y de la orquesta" (del resumen del autor). Como "mi diario de sentimientos", el compositor describió su concierto en la película suiza sobre él de J. Gachot.
"Concerto dolce", un concierto para viola acompañado por una orquesta de cuerdas y un arpa (1997), fue preparado tanto por mi padre tocando este instrumento, y el prefacio de Shchedrin a "Violist Danilov" por V. Orlov y, por supuesto, por la habilidad única de Yu. Bashmet, a quien se ha hecho la dedicatoria. Aunque el concierto se llama "Dolce", no comienza ni termina con este personaje. El gran episodio de dolce está ubicado en el centro de la forma y está especialmente reservado para la repetición. Elementos puramente rusos están incrustados en la música, designados como "balalaika" y como "cascabeles de trineo"; ambos se incluyeron en la obra para viola por primera vez. Es característico que Shchedrin cierre los conciertos "Dolce" y "Cantabile" con una enérgica coda de voluntad fuerte.

Las obras de cámara de mediados de los 90 están marcadas por las invenciones de Shchedrin en la naturaleza del sonido musical: "Música de lejos" para dos flautas dulces y la Segunda Sonata para piano (1996), "Balalaika" para violín solo sin arco (1997), continuando con la idea de "Melodías rusas" para violonchelo solo (1990).

En 1997, con motivo del 65 cumpleaños del compositor, se realizaron festivales de su música en Finlandia, Francia, Alemania, y en Rusia se realizaron celebraciones durante 19 días en cuatro ciudades: Moscú, San Petersburgo, Nizhny Novgorod, Samara.

Al borde del milenio (1999), Shchedrin recibió una honrosa oferta de Alemania: escribir un Preludio orquestal para la Novena Sinfonía de Beethoven, una obra histórica para toda la cultura alemana. Para su aniversario, la Orquesta de Radio de Baviera encargó un ensayo, que se convirtió en "Symphonie con-certante" (Tercera sinfonía) "Rostros de los cuentos de hadas rusos" (2000), que refleja las imágenes de "Tubos de dos cuernos", "La hermana de Alyonushka y El hermano de Ivanushka", "Princesa-ranas" y otros. En 1999, Shchedrin creó uno de sus conciertos más impresionantes, el Quinto Concierto para piano (dedicado al pianista finlandés O. Mustonen), que, tras su estreno en Los Ángeles (1999), inició su viaje confiado por la música pop mundial. Encargado por la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, nació "Lolita Serenade" de Opera Music (2001).

El 70 cumpleaños del compositor en 2002 estuvo marcado por un magnífico festival en Moscú y San Petersburgo, que demostró la vitalidad de su trabajo a lo largo de los años y el potencial inagotable en la creación de nuevas obras (entre los estrenos rusos se encuentran "Parabola concertante", "Concert parábola" para violonchelo, orquesta de cuerdas y timbales, 2001). El estreno de los estudios sinfónicos para orquesta "Diálogos con Shostakovich" (2002) tuvo lugar en el Carnegie Hall. El Lincoln Center de Nueva York acogió el estreno mundial de la ópera de Shchedrin para el escenario del concierto "El vagabundo encantado" basada en la novela de N. Leskov (19 de diciembre de 2002): la Orquesta Filarmónica de Nueva York, coro, cantantes - A. Anger , L. Paasikivi, E Akimov, director L. Maazel.

"Soy una persona rusa, todas mis raíces están aquí. Incluso si estuviera en algún lugar de Tierra del Fuego, lo seguiría siendo", dice Shchedrin sobre sí mismo (R. Shchedrin. Alguien decidió reeducar a los rusos ... Conversación con S. Biryukov. // Trabajo, 22.12.95). Con gran ingenio, fue y es capaz de introducir elementos rusos en su lenguaje musical, reproduciendo stichera, oraciones, cancioncillas, melodías de pastores, repique de campanas, voces de duelo, música circense, rasgueos de balalaika, gusell busting, una canción gitana, aplicaciones de Tchaikovsky, etc. Al mismo tiempo, todo el aura de sus composiciones es típicamente moderna: la nitidez de los emparejamientos de sonidos disonantes, el juego de los espacios escénicos musicales, la técnica del collage, la articulación extremadamente diversa y los métodos innovadores de interpretación en todos los instrumentos.

La música de Shchedrin está cargada de esa soleada vitalidad, de la que el arte del siglo XX carecía en gran medida para la gente. Por eso la respuesta humana en todo el mundo a su "ofrenda musical" es tan grande. A lo largo de su vida, siguiendo su propio camino, ocupó una posición estable en el centro mismo de la cultura musical y, en palabras de R. W. Emerson, "el héroe es aquel que permanece inmóvil en el centro".

COMPOSITORES: Rodion Shchedrin (Vídeo)

Los méritos creativos de R. K. Shchedrin recibieron numerosos títulos honoríficos y premios: Artista del Pueblo de la URSS (1981), Premio Lenin (1984), Premio Estatal de la URSS (1972), Premio Estatal de Rusia (1992), Orden al Mérito por la Patria III grados (2002). Ganador del Premio D. D. Shostakovich (Rusia, 1992), Premio Crystal del Foro Económico Mundial (Davos, 1995), Profesor Honorario del Conservatorio de Moscú (1997), "Compositor del Año" de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh (2002).

Miembro correspondiente de la Academia Bávara de Bellas Artes (1976), miembro de honor de la Sociedad F. Liszt (EE.UU., 1979), miembro de honor de la Academia de Bellas Artes de la RDA (1982), miembro de honor del Consejo Internacional de la Música ( 1985), miembro de la Academia de las Artes de Berlín (1989).

Los libros están dedicados a él: I. Likhachev. Teatro Musical de Rodion Shchedrin (Moscú, 1977); V. Komissinsky. Sobre los Principios Dramáticos de R. Shchedrin (Moscú, 1978); M. Tarakanov. Creatividad de Rodion Shchedrin (M., 1980); H. Gerlach. Zum Schaffen von Rodion Schtschedrin (Berlín, 1982); Y. Paisov. Coro en la obra de Rodion Shchedrin (Moscú, 1992); V. Jolopova. Camino del centro. el compositor Rodion Shchedrin (M., 2000); ella está en la versión alemana - V. Cholopova. Der Weg im Zentrum (Mainz, Schott, 2002) y otros. En 2002, se publicó un libro del propio compositor: R. Shchedrin. Monólogos de diferentes años (M., 2002).

6. (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Skryabin es un compositor y pianista ruso, una de las personalidades más brillantes de la cultura musical rusa y mundial. La obra original y profundamente poética de Scriabin se destacó por su innovación incluso en el contexto del nacimiento de muchas nuevas tendencias en el arte asociadas con los cambios en la vida pública a principios del siglo XX.
Nacido en Moscú, su madre murió temprano, su padre no pudo prestar atención a su hijo, ya que se desempeñó como embajador en Persia. Scriabin fue criado por su tía y su abuelo, desde niño mostró habilidades musicales. Primero estudió en el cuerpo de cadetes, tomó lecciones privadas de piano, después de graduarse del cuerpo ingresó al Conservatorio de Moscú, su compañero de clase fue S.V. Rakhmaninov. Después de graduarse del conservatorio, Scriabin se dedicó por completo a la música: como concertista de piano y compositor, realizó giras por Europa y Rusia, pasando la mayor parte de su tiempo en el extranjero.
El apogeo de la creatividad compositiva de Scriabin fueron los años 1903-1908, cuando la Tercera Sinfonía ("Poema Divino"), el "Poema del Éxtasis" sinfónico, los poemas para piano "Trágico" y "Satánico", las sonatas 4 y 5 y otras obras fueron liberado. "El poema del éxtasis", que consta de varios temas-imágenes, concentró las ideas creativas de Sryabin y es su brillante obra maestra. Combinó armoniosamente el amor del compositor por el poder de una gran orquesta y el sonido lírico y etéreo de los instrumentos solistas. La colosal energía vital, la pasión ardiente y el poder de la voluntad fuerte encarnados en el "Poema del éxtasis" causan una impresión irresistible en el oyente y hasta el día de hoy conservan la fuerza de su influencia.
Otra obra maestra de Scriabin es "Prometeo" ("Poema de fuego"), en el que el autor actualizó por completo su lenguaje armónico, partiendo del sistema tonal tradicional, y por primera vez en la historia se suponía que esta obra iba acompañada de música en color. , pero el estreno, por razones técnicas, se llevó a cabo sin efectos de luz.
El último "Misterio" inacabado fue la idea de Scriabin, un soñador, romántico, filósofo, de apelar a toda la humanidad e inspirarla a crear un nuevo orden mundial fantástico, la unión del Espíritu Universal con la Materia.

Cita de AN Scriabin: “Les voy a decir (a las personas) que... no esperan nada de la vida excepto lo que pueden crear por sí mismos... Les voy a decir que no hay nada que lamentar sobre, que no hay pérdida Para que no teman la desesperación, que es la única que puede dar lugar al verdadero triunfo Fuerte y poderoso es el que ha experimentado la desesperación y la ha vencido.

Cita sobre AN Scriabin: "El trabajo de Scriabin fue su tiempo, expresado en sonidos. Pero cuando lo temporal, lo transitorio encuentra su expresión en el trabajo de un gran artista, adquiere un significado permanente y se vuelve perdurable". G. V. Plejánov

AN Scriabin "Prometeo"

7. (1873 - 1943)

Sergei Vasilyevich Rachmaninov es el mayor compositor mundial de principios del siglo XX, un talentoso pianista y director de orquesta. La imagen creativa de Rachmaninoff como compositor a menudo se define con el epíteto "el compositor más ruso", enfatizando en esta breve formulación sus méritos al unir las tradiciones musicales de las escuelas de compositores de Moscú y San Petersburgo y al crear su propio estilo único. que se destaca aisladamente en la cultura musical mundial.
Nacido en la provincia de Novgorod, desde los cuatro años comenzó a estudiar música bajo la guía de su madre. Estudió en el Conservatorio de San Petersburgo, después de 3 años de estudio se transfirió al Conservatorio de Moscú y se graduó con una gran medalla de oro. Rápidamente se hizo conocido como director de orquesta y pianista, componiendo música. El desastroso estreno de la revolucionaria Primera Sinfonía (1897) en San Petersburgo provocó una crisis de compositores creativos, de la que surgió Rachmaninoff a principios del siglo XX con un estilo que combinaba la composición de canciones de la iglesia rusa, el romanticismo europeo menguante, el impresionismo moderno y el neoclasicismo, todo saturado de simbolismo complejo. Durante este período creativo, nacieron sus mejores obras, incluidos 2 y 3 conciertos para piano, la Segunda Sinfonía y su obra favorita: el poema "Las campanas" para coro, solistas y orquesta.
En 1917 se vio obligado a abandonar nuestro país y radicarse en los Estados Unidos. Casi diez años después de su partida, no compuso nada, pero realizó numerosas giras por América y Europa y fue reconocido como uno de los más grandes pianistas de la época y el mejor director de orquesta. A pesar de toda la actividad tormentosa, Rachmaninoff siguió siendo una persona vulnerable e insegura, que luchaba por la soledad e incluso la soledad, evitando la atención intrusiva del público. Amaba y añoraba sinceramente a su patria, preguntándose si había cometido un error al dejarla. Estaba constantemente interesado en todos los eventos que tenían lugar en Rusia, leía libros, periódicos y revistas, ayudaba financieramente. Sus últimas composiciones, Symphony No. 3 (1937) y "Symphonic Dances" (1940) se convirtieron en el resultado de su camino creativo, absorbiendo todo lo mejor de su estilo único y el sentimiento de tristeza por la pérdida irreparable y la nostalgia.

Cita de S.V. Rachmaninov:
"Me siento como un fantasma vagando solo en un mundo que le es ajeno".
"La cualidad más alta de cualquier arte es su sinceridad".
“Los grandes compositores siempre y sobre todo han prestado atención a la melodía como el principio rector de la música. La melodía es la música, la base principal de toda la música… El ingenio melódico, en el más alto sentido de la palabra, es el objetivo principal de la vida del compositor. ... Por eso, los grandes compositores del pasado mostraron tanto interés por las melodías populares de sus países.

Cita sobre S.V. Rachmaninov:
"Rakhmaninov fue creado a partir de acero y oro: acero en sus manos, oro en su corazón. No puedo pensar en él sin lágrimas. No solo me incliné ante el gran artista, sino que amaba al hombre que hay en él". yo.hoffman
"La música de Rakhmaninoff es el Océano. Sus olas, musicales, comienzan tan lejos más allá del horizonte, y te elevan tan alto y te bajan tan lentamente... que sientes este Poder y Aliento". A. Konchalovsky

Un dato interesante: durante la Gran Guerra Patria, Rachmaninov dio varios conciertos benéficos, cuyo dinero recaudado envió al fondo del Ejército Rojo para luchar contra los invasores nazis.

S. V. Rakhmaninov. Concierto para piano n.° 2

8. (1882-1971)
Igor Fyodorovich Stravinsky es uno de los compositores mundiales más influyentes del siglo XX, líder del neoclasicismo. Stravinsky se convirtió en un "espejo" de la era musical, su obra refleja la multiplicidad de estilos, constantemente entrecruzados y difíciles de clasificar. Combina libremente géneros, formas, estilos, eligiéndolos de siglos de historia musical y subordinándolos a sus propias reglas.
Nacido cerca de San Petersburgo, estudió en la Facultad de Derecho de la Universidad de San Petersburgo, estudió disciplinas musicales de forma independiente, tomó lecciones privadas de N. A. Rimsky-Korsakov, esta fue la única escuela de composición de Stravinsky, gracias a la cual dominó la técnica de composición a la perfección. Comenzó a componer profesionalmente relativamente tarde, pero el ascenso fue rápido: una serie de tres ballets: El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913) lo llevaron de inmediato al número de compositores de primera magnitud. .
En 1914 abandonó Rusia, como resultó casi para siempre (en 1962 hubo giras en la URSS). , obligado a cambiar varios países: Rusia, Suiza, Francia, finalmente se quedó para vivir en los Estados Unidos. Su trabajo se divide en tres períodos: "ruso", "neoclásico", "producción en serie" estadounidense, los períodos no se dividen por el tiempo de vida en diferentes países, sino por la "escritura" del autor.
Stravinsky era una persona muy educada, sociable y con un gran sentido del humor. El círculo de sus conocidos y corresponsales incluía músicos, poetas, artistas, científicos, empresarios, estadistas.
El último logro más alto de Stravinsky - "Requiem" (Cantos para los muertos) (1966) absorbió y combinó la experiencia artística anterior del compositor, convirtiéndose en una verdadera apoteosis del trabajo del maestro.
En el trabajo de Stavinsky, se destaca una característica única: la "singularidad", no sin razón lo llamaron "el compositor de mil y un estilos", el cambio constante de género, estilo, dirección de la trama: cada una de sus obras es único, pero constantemente volvía a los diseños en los que se ve el origen ruso, escuchó raíces rusas.

Cita de I.F. Stravinsky: "He estado hablando ruso toda mi vida, tengo una sílaba rusa. Tal vez en mi música esto no sea inmediatamente visible, pero es inherente a ella, está en su naturaleza oculta".

Cita sobre I. F. Stravinsky: "Stravinsky es un compositor verdaderamente ruso... El espíritu ruso es indestructible en el corazón de este gran talento multifacético, nacido en la tierra rusa y conectado vitalmente con ella..." D. Shostakovich

Dato interesante (bicicleta):
Una vez en Nueva York, Stravinsky tomó un taxi y se sorprendió al leer su nombre en el cartel.
- ¿No eres pariente del compositor? le preguntó al conductor.
- ¿Existe un compositor con tal apellido? - el conductor se sorprendió. - Escucharlo por primera vez. Sin embargo, Stravinsky es el nombre del dueño del taxi. No tengo nada que ver con la música - mi nombre es Rossini...

I. F. Stravinski. Suite "Pájaro de fuego"

9. (1891—1953)

Sergei Sergeevich Prokofiev - uno de los más grandes compositores rusos del siglo XX, pianista, director de orquesta.
Nacido en la región de Donetsk, desde niño se unió a la música. Prokofiev puede ser considerado uno de los pocos (si no el único) "niño prodigio" musical ruso, desde los 5 años se comprometió a componer, a los 9 años escribió dos óperas (por supuesto, estas obras aún son inmaduras, pero muestra un deseo de creación), a la edad de 13 años pasó los exámenes en el Conservatorio de Petersburgo, entre sus maestros estaba. El inicio de su carrera profesional provocó una tormenta de críticas y una incomprensión de su estilo individual fundamentalmente antirromántico y extremadamente modernista, la paradoja es que, habiendo destruido los cánones académicos, la estructura de sus composiciones se mantuvo fiel y posteriormente se convirtió en una fuerza de contención de escepticismo modernista que lo niega todo. Desde el comienzo de su carrera, Prokofiev actuó y realizó muchas giras. En 1918, realizó una gira internacional, incluida la visita a la URSS, y finalmente regresó a su tierra natal en 1936.
El país ha cambiado y la creatividad "libre" de Prokofiev se ha visto obligada a dar paso a las realidades de las nuevas demandas. El talento de Prokofiev floreció con renovado vigor: escribe óperas, ballets, música para películas, música aguda, de voluntad fuerte y extremadamente precisa con nuevas imágenes e ideas, sentó las bases de la música clásica y la ópera soviéticas. En 1948 se produjeron casi simultáneamente tres trágicos hechos: bajo sospecha de espionaje, su primera esposa española fue detenida y exiliada a campos; se emitió el Decreto del Poliburó del Comité Central del Partido Comunista de los Bolcheviques de toda la Unión en el que Prokofiev, Shostakovich y otros fueron atacados y acusados ​​​​de "formalismo" y los peligros de su música; hubo un fuerte deterioro en la salud del compositor, se retiró al campo y prácticamente no lo dejó, sino que siguió componiendo.
Algunas de las obras más brillantes del período soviético fueron las óperas "Guerra y paz", "La historia de un hombre real"; los ballets "Romeo y Julieta", "Cenicienta", que se han convertido en un nuevo estándar de la música de ballet mundial; "En guardia del mundo"; música para las películas "Alexander Nevsky" e "Ivan the Terrible"; sinfonías No. 5,6,7; trabajo pianístico.
El trabajo de Prokofiev llama la atención por su versatilidad y amplitud de temas, la originalidad de su pensamiento musical, la frescura y la originalidad conformaron toda una era en la cultura musical mundial del siglo XX y tuvieron un poderoso impacto en muchos compositores soviéticos y extranjeros.

Cita de S. S. Prokofiev:
"¿Puede un artista estar al margen de la vida?.. Estoy convencido de que un compositor, como un poeta, un escultor, un pintor, está llamado a servir al hombre y al pueblo... Él, ante todo, debe ser un ciudadano en su arte, cantar a la vida humana y conducir al hombre a un futuro mejor...
"Soy una manifestación de la vida, que me da la fuerza para resistir todo lo no espiritual"

Cita sobre S.S. Prokofiev: "... todas las facetas de su música son hermosas. Pero hay una cosa completamente inusual aquí. Aparentemente, todos tenemos algún tipo de fallas, dudas, simplemente mal humor. Y en esos momentos, incluso si No juego y no escucho a Prokofiev, pero solo pienso en él, recibo un increíble impulso de energía, siento un gran deseo de vivir, de actuar” E. Kissin

Un hecho interesante: a Prokofiev le gustaba mucho el ajedrez y enriqueció el juego con sus ideas y logros, incluido el ajedrez "nueve" que inventó: un tablero de 24x24 con nueve juegos de piezas colocados en él.

SS Prokofiev. Concierto nº 3 para piano y orquesta

10. Dmitry Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Dmitri Dmitrievich Shostakovich es uno de los compositores más importantes e interpretados del mundo, su influencia en la música clásica moderna es inconmensurable. Sus creaciones son verdaderas expresiones del drama humano interior y los anales de los difíciles acontecimientos del siglo XX, donde lo profundamente personal se entrelaza con la tragedia del hombre y la humanidad, con el destino de su país natal.
Nacido en San Petersburgo, recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo, al ingresar su rector Alexander Glazunov lo comparó con Mozart, por lo que impresionó a todos con su excelente memoria musical, oído agudo y habilidad de compositor. regalo. Ya a principios de la década de 1920, al finalizar el conservatorio, Shostakovich tenía un bagaje de obras propias y se convirtió en uno de los mejores compositores del país. La fama mundial llegó a Shostakovich después de su victoria en 1927.
Hasta cierto período, es decir, antes de la producción de la ópera "Lady Macbeth del distrito de Mtsensk", Shostakovich trabajó como artista independiente - "vanguardia", experimentando con estilos y géneros. La dura denuncia de esta ópera en 1936 y las represiones de 1937 marcaron el inicio de la posterior lucha interna de Shostakovich por el deseo de expresar sus opiniones por sus propios medios frente a la imposición estatal de tendencias en el arte. En su vida, la política y la creatividad están muy entrelazadas, fue elogiado por las autoridades y perseguido por ellas, ocupó altos cargos y fue apartado de ellos, fue premiado y estuvo a punto de arrestarse a sí mismo y a sus familiares.
Persona suave, inteligente, delicada, encontró su forma de expresión de los principios creativos en las sinfonías, donde podía decir la verdad sobre el tiempo lo más abiertamente posible. De todas las vastas obras de Shostakovich en todos los géneros, son las sinfonías (15 obras) las que ocupan un lugar central, las más dramáticas son las sinfonías 5,7,8,10,15, que se convirtieron en el pináculo de la música sinfónica soviética. Un Shostakovich completamente diferente se abre en la música de cámara.
A pesar de que el propio Shostakovich era un compositor "casero" y prácticamente no viajaba al extranjero, su música, de esencia humanista y de forma verdaderamente artística, se difundió rápida y ampliamente por todo el mundo, interpretada por los mejores directores. La magnitud del talento de Shostakovich es tan inmensa que la comprensión completa de este fenómeno único del arte mundial aún está por llegar.

Cita de D. D. Shostakovich: "La música real es capaz de expresar solo sentimientos humanos, solo ideas humanas avanzadas".

D. Shostakóvich. Sinfonía No. 7 "Leningradskaya"

D. Shostakóvich. Vals No. 2

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Muchos de nosotros logramos pasar del siglo XX al XXI sin una máquina del tiempo. Como dicen, vivimos a la vuelta de dos siglos. Por tanto, a la hora de hablar de quiénes son los compositores modernos y a qué siglo pertenecen, hay que tener esto en cuenta. Más recientemente, el siglo XX fue considerado la modernidad. Pero cuando llegó el siglo XXI, el siglo anterior se convirtió automáticamente en pasado.

Terminología

Antes de iniciar una conversación sobre el tema mencionado, debe decidir la terminología necesaria. En primer lugar, ¿qué es la música clásica como tal? En segundo lugar, ¿quiénes son los compositores contemporáneos? La interesante opinión de Stephen Fry ayudará a comprender estas cuestiones. Sus libros sobre la historia de la música clásica son tan deliciosos que a veces es imposible separarse de ellos. Él define muy clara y extremadamente claramente las preguntas planteadas.

Música clásica. Si consideramos este término en el sentido estricto de la palabra, queda claro que se refiere a un período bastante corto de clasicismo, que dominó desde 1750 hasta 1830. En un sentido amplio, clásica es cualquier música seria que requiere atención para escuchar y algún esfuerzo emocional.

compositores contemporáneos. En general, se acepta que la música clásica ha resistido la prueba del tiempo. En consecuencia, ¿cómo puede ser moderno? Una cierta metamorfosis acaba de ocurrir cuando entramos en el siglo XXI, dejando el siglo XX en el pasado. Entonces resultó que los compositores clásicos modernos pertenecen al siglo XX. ¿Cómo estar entonces con la música clásica en el siglo XXI? Lo que se quiere decir aquí es que se usa en el sentido amplio de la palabra: como música seria que te hace pensar y requiere un esfuerzo emocional.

Grandes compositores rusos del siglo XX. Lista

La lista a continuación no está ordenada cronológicamente, sino alfabéticamente. Por supuesto, uno puede destacarse de él, y uno puede señalar especialmente destacados. Pero dado que todas estas personalidades son los representantes más brillantes de su siglo, se les puede llamar así con seguridad: los grandes compositores modernos del siglo XX. No se enumeran solo compositores nacidos a principios del siglo XX. Sus trabajos durante este período de tiempo ya eran conocidos, o su apogeo creativo cayó en el siglo XX.

Compositores extranjeros del siglo XX. Lista

Compositores rusos del siglo XXI

Es imposible atribuir a algunos creadores musicales a un siglo en particular. Después de todo, muchas obras de compositores contemporáneos se publicaron y merecieron una atención digna tanto en el siglo 20 como en el 21. Esto es especialmente cierto para los compositores vivos que lograron hacerse famosos por sus creaciones altamente artísticas en el siglo pasado y continúan componiendo música. En el presente. Estamos hablando de Rodion Konstantinovich Shchedrin, Sofia Asgatovna Gubaidulina y otros.

Sin embargo, también hay compositores rusos poco conocidos del siglo XXI que crearon composiciones maravillosas, pero sus nombres no tuvieron tiempo de volverse populares.

• Batagov Antón.
• Bakshi Alejandro.
• Ekimovskiy Víctor.
• Karmanov Pavel.
• Korovitsyn Vladimir.
• Markelov Pavel.
• Martínov Vladimir.
• Pavlova alla.
• Panadero Marcos.
• Savalov Yuri.
• Saveliev Yuri.
• Sergeeva Tatiana.

Esta lista se puede ampliar mucho.

Sobre compositores contemporáneos

Pekarsky Mark (n. 1940). Se hizo famoso por su conjunto de instrumentos de percusión. El ambiente en sus conciertos es propicio para la risa, ya que el compositor en el proceso de interpretación de la música (y durante los descansos) puede bromear con éxito.

Martynov Vladimir (n. 1946) es un compositor minimalista. Combina religiosidad y "progreso". El maestro moderno de la música seria es capaz de transmitir mucho con medios mínimos.

Yekimovsky Victor (n. 1947). Llama la atención sus composiciones programáticas con títulos brillantes. Estos son "B" (música escrita para flautas y fonogramas), "Siam Concerto" (destinado a dos pianos), "Sublimation" (para orquesta sinfónica), "27 Destructions" (para instrumentos de percusión) y muchos otros.

(n. 1951). En sus obras se puede sentir la influencia de la música de A. Scriabin. Mucho vuelo, fluctuaciones, fuego. El segundo concierto para piano atrae la atención de los oyentes con su desarrollo dinámico y su repentino final, que lleva al oyente a la Edad Media y luego lo devuelve.

Pavlova Alla (n. 1952) es una compositora emigrante. Actualmente vive en América. Su música es melódica ya la vez triste y lúgubre. Escribió seis sinfonías en tonos menores, que son tragedias completas.

Como ves, la música de los compositores modernos es diversa, sorprendente y atractiva. Muchos de los creadores aman los experimentos, buscan nuevas formas. Estos incluyen a Bakshi Alexander (n. 1952). Entre sus composiciones destaca "Llamada sin respuesta", escrita para violín, teléfonos móviles 6-7 y orquesta de cuerdas.

Markelov Pavel (n. 1967). Una de sus direcciones favoritas es la música sacra. Escribió sinfonías para orquesta, sonatas en verso libre para piano, sinfonías de 20 campanas.

Compositores infantiles contemporáneos

Los representantes destacados son Yuri Savalov, Vladimir Korovitsyn, Yuri Saveliev.

Yuri Savalov fue un compositor talentoso, un excelente maestro y un maravilloso arreglista. Dirigió con entusiasmo la orquesta en la Escuela de Música Infantil. También era un buen intérprete. Tocaba teclados e instrumentos de viento. Cada una de sus nueve piezas para piano tiene un subtítulo: "Madre", "Confesión", "Viento de andanzas", "Inspiración", "Baile en el Castillo del Príncipe", "Preludio", "Marcha", "Vals", " Canción de cuna". Todos ellos son muy interesantes, diversos y hermosos.

Vladimir Korovitsyn nació en 1955. Su obra consta de música escrita en varios romances, obras espirituales escritas para coro, cámara y orquesta sinfónica. Para los niños, escribió una colección de canciones infantiles llamada "Rejoice in the Sun" y "Children's Album" para piano. Las obras son una excelente adición al repertorio de los estudiantes. Los títulos de las obras reflejan con precisión su carácter y estado de ánimo: "Thumbelina", "Zapatos de madera", "Hombre con variaciones de acordeón", "Emelya monta en la estufa", "La princesa triste", "Baile redondo de niñas".

canciones para niños

Las canciones infantiles de compositores modernos están llenas de optimismo y alegría. A pesar de que algunos de ellos fueron creados hace medio siglo, siguen siendo no solo relevantes, sino también bastante modernos. V. Shainsky, I. Dunaevsky, D. Kabalevsky, G. Gladkov se consideran los más. Escuchamos con mucho gusto sus alegres y fervorosos cantos, los cantamos nosotros mismos y junto con los niños.

No todos saben que es G. Gladkov quien posee las melodías de películas y dibujos animados tan populares como "Caperucita Roja", "Sobre Fedot el arquero", "Los niños del Capitán Grant", "Por Pike", "Plasticine Crow" y otros.

Otro legendario creador de canciones modernas para niños es V. Shainsky. Tiene más de trescientos de ellos. Basta escuchar a Blue Wagon, Piggy, Chung-Chang, Antoshka y muchos otros para comprender el talento de este compositor.

Entonces, los compositores modernos son considerados no solo compositores vivos o recientemente fallecidos del siglo XXI, sino también maestros del siglo XX. Ambos han creado música multigénero y diversa que merece la atención de oyentes y musicólogos.

Las melodías y canciones del pueblo ruso inspiraron la obra de famosos compositores de la segunda mitad del siglo XIX. Entre ellos estaban P.I. Chaikovski, M.P. Mussorgsky, M. I. Glinka y A.P. Borodin. Sus tradiciones fueron continuadas por toda una galaxia de destacadas figuras musicales. Los compositores rusos del siglo XX siguen siendo populares.

Alexander Nikoláyevich Skryabin

Creatividad A.N. Scriabin (1872 - 1915), compositor y pianista de talento ruso, maestro, innovador, no puede dejar indiferente a nadie. A veces se pueden escuchar momentos místicos en su música original e impulsiva. El compositor se siente atraído y atraído por la imagen del fuego. Incluso en los títulos de sus obras, Scriabin repite a menudo palabras como fuego y luz. Trató de encontrar una manera de combinar el sonido y la luz en sus obras.

El padre del compositor, Nikolai Alexandrovich Scriabin, era un conocido diplomático ruso, asesor inmobiliario. Madre - Lyubov Petrovna Scriabina (nee Shchetinina), era conocida como una pianista muy talentosa. Se graduó con honores del Conservatorio de San Petersburgo. Su carrera profesional comenzó con éxito, pero al poco tiempo del nacimiento de su hijo, murió de tisis. En 1878, Nikolai Alexandrovich completó sus estudios y fue asignado a la embajada rusa en Constantinopla. La educación del futuro compositor fue continuada por sus parientes cercanos: la abuela Elizaveta Ivanovna, su hermana Maria Ivanovna y la hermana del padre Lyubov Alexandrovna.

A pesar de que a la edad de cinco años, Scriabin dominó el piano y un poco más tarde comenzó a estudiar composiciones musicales, según la tradición familiar, recibió una educación militar. Se graduó del 2º Cuerpo de Cadetes de Moscú. Al mismo tiempo, tomó clases particulares de piano y solfeo. Posteriormente ingresó al Conservatorio de Moscú y se graduó con una pequeña medalla de oro.

Al comienzo de su actividad creativa, Scriabin siguió conscientemente a Chopin, eligiendo los mismos géneros. Sin embargo, incluso en ese momento, su propio talento ya era evidente. A principios del siglo XX, escribió tres sinfonías, luego "El poema del éxtasis" (1907) y "Prometeo" (1910). Curiosamente, el compositor complementó la partitura de "Prometheus" con una parte de teclado ligero. Fue el primero en utilizar música ligera, cuyo propósito se caracteriza por la divulgación de la música por el método de la percepción visual.

La muerte accidental del compositor interrumpió su trabajo. Nunca se dio cuenta de su plan para crear el "Misterio" - una sinfonía de sonidos, colores, movimientos, olores. En esta obra, Scriabin ha querido transmitir a toda la humanidad sus pensamientos más íntimos e inspirarle para crear un mundo nuevo, marcado por la unión del Espíritu Universal y la Materia. Sus obras más significativas fueron sólo un prefacio de este grandioso proyecto.

Famoso compositor ruso, pianista, director de orquesta S.V. Rachmaninov (1873 - 1943) nació en una rica familia noble. El abuelo de Rachmaninoff era músico profesional. Las primeras lecciones de piano se las dio su madre, y posteriormente invitaron al profesor de música A.D. Ornátskaya. En 1885, sus padres lo asignaron a un internado privado al profesor del Conservatorio de Moscú N.S. Zverev. El orden y la disciplina en la institución educativa tuvieron un impacto significativo en la formación del futuro carácter del compositor. Más tarde se graduó del Conservatorio de Moscú con una medalla de oro. Cuando aún era estudiante, Rachmaninoff era muy popular entre el público de Moscú. Ya ha creado su "Primer Concierto para piano", así como algunos otros romances y obras de teatro. Y su "Preludio en do sostenido menor" se convirtió en una composición muy popular. Gran P.I. Tchaikovsky llamó la atención sobre el trabajo de graduación de Sergei Rachmaninov: la ópera "Oleko", que escribió bajo la impresión de A.S. Pushkin "gitanos". Pyotr Ilyich lo hizo representar en el Teatro Bolshoi, trató de ayudar con la inclusión de este trabajo en el repertorio del teatro, pero murió inesperadamente.

Desde los veinte años, Rachmaninov enseñó en varios institutos, dio lecciones privadas. Por invitación del famoso filántropo, figura teatral y musical Savva Mamontov, a la edad de 24 años, el compositor se convierte en el segundo director de la Ópera Privada Rusa de Moscú. Allí se hizo amigo de F.I. Chaliapin.

La carrera de Rachmaninov fue interrumpida el 15 de marzo de 1897 debido al rechazo de su innovadora Primera Sinfonía por parte del público de San Petersburgo. Las críticas a este trabajo fueron verdaderamente devastadoras. Pero el compositor estaba más molesto por la crítica negativa que dejó N.A. Rimsky-Korsakov, cuya opinión Rachmaninoff apreció mucho. Después de eso, cayó en una depresión prolongada, de la que logró salir con la ayuda de un hipnotizador N.V. Dahl.

En 1901, Rachmaninoff completó su Segundo Concierto para piano. Y a partir de ese momento comienza su activa labor creativa como compositor y pianista. El estilo único de Rachmaninoff combinó himnos de la iglesia rusa, romanticismo e impresionismo. Consideraba que la melodía era el principal principio rector de la música. Esto encontró su máxima expresión en la obra favorita del autor: el poema "Las campanas", que escribió para la orquesta, el coro y los solistas.

A fines de 1917, Rachmaninoff salió de Rusia con su familia, trabajó en Europa y luego se fue a América. El compositor estaba muy molesto por la ruptura con la Patria. Durante la Gran Guerra Patriótica, dio conciertos benéficos, cuyas ganancias se enviaron al Fondo del Ejército Rojo.

La música de Stravinsky se destaca por su diversidad estilística. Al comienzo de su actividad creativa, se basó en las tradiciones musicales rusas. Y luego en las obras se puede escuchar la influencia del neoclasicismo, característico de la música de Francia de ese período y la dodecafonía.

Igor Stravinsky nació en Oranienbaum (ahora la ciudad de Lomonosov) en 1882. El padre del futuro compositor Fyodor Ignatievich es un famoso cantante de ópera, uno de los solistas del Teatro Mariinsky. Su madre era la pianista y cantante Anna Kirillovna Kholodovskaya. Desde los nueve años, los maestros le dieron lecciones de piano. Después de completar el gimnasio, a pedido de sus padres, ingresa a la facultad de derecho de la universidad. Durante dos años, de 1904 a 1906, tomó lecciones de N.A. Rimsky-Korsakov, bajo cuya dirección escribió las primeras obras: el scherzo, la sonata para piano, el fauno y la suite de la pastora. Sergei Diaghilev apreció mucho el talento del compositor y le ofreció su cooperación. El trabajo conjunto resultó en tres ballets (escenificados por S. Diaghilev): El pájaro de fuego, Petrushka, La consagración de la primavera.

Poco antes de la Primera Guerra Mundial, el compositor se fue a Suiza y luego a Francia. Comienza una nueva etapa en su obra. Estudia los estilos musicales del siglo XVIII, escribe la ópera Edipo Rey, música para el ballet Apolo Musagete. Su letra ha cambiado varias veces a lo largo del tiempo. Durante muchos años, el compositor vivió en los Estados Unidos. Su última obra famosa es Requiem. Una característica del compositor Stravinsky es la capacidad de cambiar constantemente estilos, géneros y direcciones musicales.

El compositor Prokofiev nació en 1891 en un pequeño pueblo de la provincia de Ekaterinoslav. El mundo de la música le fue abierto por su madre, una buena pianista que a menudo interpretaba obras de Chopin y Beethoven. También se convirtió en una verdadera mentora musical para su hijo y, además, le enseñó alemán y francés.

A principios de 1900, el joven Prokofiev logró asistir al ballet de la Bella Durmiente y escuchar las óperas Fausto y el Príncipe Igor. La impresión recibida de las representaciones de los teatros de Moscú se expresó en su propio trabajo. Escribe la ópera "The Giant", y luego la obertura de "Desert Shores". Los padres pronto se dan cuenta de que ya no pueden enseñar música a su hijo. Pronto, a la edad de once años, el compositor novato conoció al famoso compositor y maestro ruso S.I. Taneyev, quien personalmente le preguntó a R.M. Gliera para dedicarse a la composición musical con Sergei. S. Prokofiev a la edad de 13 años aprobó los exámenes de ingreso al Conservatorio de San Petersburgo. Al comienzo de su carrera, el compositor realizó numerosas giras y actuaciones. Sin embargo, su trabajo causó incomprensión entre el público. Esto se debió a las características de las obras, las cuales se expresaron en lo siguiente:

• estilo modernista;
• destrucción de los cánones musicales establecidos;
• extravagancia e inventiva de las técnicas de composición

En 1918, S. Prokofiev se fue y regresó solo en 1936. Ya en la URSS, escribió música para películas, óperas y ballets. Pero después de ser acusado, junto con otros compositores, de "formalismo", prácticamente se mudó a vivir al campo, pero continuó escribiendo obras musicales. Su ópera "Guerra y paz", los ballets "Romeo y Julieta", "Cenicienta" se convirtieron en propiedad de la cultura mundial.

Los compositores rusos del siglo XX, que vivieron en el cambio de siglo, no solo conservaron las tradiciones de la generación anterior de intelectuales creativos, sino que también crearon su propio arte único, para el cual las obras de P.I. Chaikovski, M.I. Glinka, N. A. Rimsky-Korsakov.