Orgía en Aviñón. Lo que el festival de teatro contó sobre Occidente

No podría haber sido mejor encontrar algo que uniera el posterior desfile de desviaciones morales y mentales, en cuyo espejo una persona se desmantelaba hasta los rincones más oscuros del alma. La glorificación de la muerte física o espiritual, como única salida posible, en el prólogo de la fiesta teatral en sí misma nos hizo pensar en la no aleatoriedad de la elección del argumento

Parte I Avignon IN

El miércoles 6 de febrero, el director del famoso Festival de Avignon, Olivier Pi, recibió la Legión de Honor por sus servicios a la cultura. La entrega tuvo lugar en presencia de la "primera dama" del estado francés, Brigitte Macron, y otros miembros de la élite. El ministro de Cultura, Frank Riester, saludó al nuevo miembro de la orden en Twitter con las palabras: “Querido Olivier Pi, gracias por la luz que traes cada vez que se levanta el telón. Gracias por vuestro incansable esfuerzo por cumplir la ambiciosa tarea que compartimos con vosotros: el deseo de abrir las puertas de la cultura a todos, tanto artistas como espectadores..

Pertenecer a la Orden de la Legión de Honor es la más alta distinción honorífica de la República Francesa, que se otorga por servicios destacados. Qué refleja la luz aportada por Olivier Py, cuáles son sus destacados servicios a Francia, y qué ha sido de un fenómeno cultural fundado en el siglo pasado sobre principios progresistas y democráticos, bajo su dirección, permitirá comprender una pequeña retrospectiva de la foro teatral organizado por Olivier Py el año pasado.

Del 6 al 29 de julio de 2018 se celebró por 72ª vez el mayor festival internacional de teatro de Avignon (Francia). Tradicionalmente, el foro se dividía en el Avignon IN oficial, en cuyo marco el público veía 40 producciones, y el Avignon OFF alternativo. A este último asistieron 1.000 teatros de aficionados y comunales, que mostraron 1.300 representaciones. El número de espectadores del foro teatral alcanzó las 50.000 personas. En términos de número de visitantes y prestigio, el Festival de Avignon realmente no tiene análogos en el mundo.

Si el tema del festival oficial está comprimido por ciertas pautas ideológicas, Avignon OFF es más democrático. No hay diferencias entre teatros profesionales y aficionados, excepto que estos últimos realizan funciones y corren por su cuenta. Para muchas compañías regionales, esta es una oportunidad única para recibir contratos y financiación, para expresarse a escala nacional e incluso internacional. 3500 productores, directores y periodistas llegaron al festival en busca de talentos. Según el sitio web principal de Avignon www.festival-avignon.com, el festival es "el mercado de arte más grande, durante el cual la ciudad se cubre con folletos y carteles, y las compañías invitan al espectador a las calles". Sin embargo, el espectador de alguna manera encuentra su camino en este caos, familiarizándose con el programa a partir de reseñas y anuncios, o confiando en su intuición.

El Festival de Avignon fue fundado en 1947 por el director y actor francés Jean Vilard, quien fue su director permanente hasta su muerte (1971). De 1951 a 1963 Jean Vilar también dirigió el Teatro Popular Nacional (TNP), que hizo mucho por democratizar el arte teatral en Francia. Buscó familiarizar al público en general con obras clásicas en un buen ambiente. Louis Aragon habló sobre el alto nivel del teatro. Al hacer que los precios de las entradas sean asequibles e introducir un sistema de suscripción, permitió que muchos de los que antes se habían visto privados de esta oportunidad se acercaran a la cultura. Jean Vilar creía que el teatro no podía estar al margen de la política y se opuso a la guerra de Argelia.

El festival sigue estando políticamente comprometido incluso hoy. Sólo su orientación ideológica ha cambiado más allá del reconocimiento.

El 24 de julio, en la clausura de la parte oficial, Olivier Pi dio una rueda de prensa detallada sobre los objetivos del festival. En particular, dijo que el principal problema que preocupa hoy a la intelectualidad francesa es el destino de varias, y especialmente de las "minorías de género", y tiene la intención de ampliar los límites de la discusión de este tema de tal manera que "tocar a todos" . Instó a prestar especial atención a la juventud.

Olivier Pi habló detalladamente sobre los principales, desde su punto de vista, problemas de nuestro tiempo que el arte debe abordar: “Este año hemos elegido el tema de género como tema principal del festival. … También luchamos por la mujer y el feminismo en muchas obras de teatro. …Luchamos por un tema de género que afecta a todos, y en especial por la identidad de las personas transgénero, por sus derechos. Luchamos por los derechos LGBT (CI? - este es un acrónimo de términos de una lista cada vez mayor de violaciones de identidad de género - ed.) Esta es una comunidad enorme que afecta a todos y que todavía es ilegal en varios países del mundo. Hemos luchado por los refugiados, que algunos llaman migrantes, muchas actuaciones han hablado de este problema. Esta lucha se cruzó con la lucha por las comunidades de LGBT y mujeres. Luchamos por Europa en un momento en que Europa no cree en sí misma. Naturalmente, luchábamos por una Europa cultural, y no por los dictados de los financieros. Hemos luchado y luchamos por la educación nacional. … Luchamos por un hombre llamado Kirill Serebrennikov, que está bajo arresto domiciliario pendiente de juicio, probablemente por razones políticas”. Además, según Olivier Pi, lucharon “por el pueblo de Gaza, contra las terribles condiciones carcelarias, contra el patriarcado y el capitalismo salvaje…” En general, este sería el habitual discurso izquierdista confuso, si no fuera por las colosales posibilidades administrativas en manos de esta persona. De particular preocupación fue el hecho de que se decidió dirigir la principal avalancha de propaganda a los jóvenes.

El tono beligerante del discurso del director de arte sonó algo inusual en un evento cultural, y la palabra repetida "lucha" implicaba la presencia de algún tipo de frente cultural.

Sin embargo, el director francés lleva tiempo librando su guerra y nunca ha ocultado sus posiciones. A pesar de la actitud a veces controvertida hacia su arte, Olivier Py alcanzó la fama como director, actor y fundador del teatro. "combinando el misticismo cristiano con la locura dionisiaca". Mostrando la versatilidad del talento, actuó en clubes de jazz y cabarets bajo el seudónimo de "Miss Knife" como drag queen. Los textos escritos por él están dedicados principalmente a "dificultades para vivir en este mundo", placeres, amores infelices y otros problemas personales. Publicó varios libros, el último de los cuales, La parisina, fue reconocido por algunos críticos literarios. "infantil e ilegible", mientras que las revistas de moda con un tema cultural la presentaron como la mejor novela de la temporada. Como periodista político, participó activamente en la campaña antiserbia, defendió la migración ilegal y los "matrimonios" homosexuales. Desde 2013 - director artístico permanente del festival de Avignon.

De acuerdo con las prioridades establecidas por él, una parte importante, si no la mayoría, de las funciones se dedicó al trágico destino de las personas con problemas de identidad sexual y otras desviaciones, así como a las feministas y migrantes, es decir, todo el conjunto de Temas políticamente correctos.

El honor de inaugurar el festival recayó en el director y actor francés de renombre internacional Thomas Jolly, que eligió para ello una de las tragedias más oscuras de Séneca, Fiesta. Con la llegada de la noche, la acción comenzó en el escenario principal del Festival de Avignon en el palacio papal.

Las tragedias de Séneca, que trabajó en los tiempos crueles de Calígula y Nerón, hablan de la imposibilidad de la victoria de la moral sobre las pasiones pecaminosas y los golpes del destino. La profunda decepción del filósofo se agudiza especialmente en esta tragedia, donde el autor sólo ve en la muerte una salida a la trágica contradicción. Exclamación del coro de la tragedia de Séneca - “Codicioso de vida es el que no quiere morir cuando el mundo se muere”- se convierte en el leitmotiv de todo el festival.

Cuando un periodista le preguntó sobre la elección de la trama y por qué los actores estaban interesados ​​en interpretar a los villanos, y el propio Tom Jolly eligió al peor de ellos, Atreus, el director respondió lo siguiente: “Cuando los actores interpretan a los monstruos, buscan algo humano en ellos... Al encontrar humanos en los monstruos, nos hacemos una pregunta y buscamos algo monstruoso en nosotros mismos”. Y, de hecho, la negrura del alma humana de Tom Jolly se transmitió por completo. La puesta en escena con magnífica escenografía, vestuario y efectos hizo estallar la sala del teatro al aire libre. Así es como uno de los críticos describió la actuación: “Thomas Jolly, que interpreta el papel del monstruo principal Atreus y director de Fiesta, reprodujo la tragedia crepuscular y negra del filósofo romano Séneca. Es una ópera rock con influencia kitsch, rebosante de redundancia loca y deprimente. Una odisea salvaje hasta lo más profundo de las raíces, el terrible mal que cada cual lleva dentro.

Se puede ver toda la actuación.

"Fiest" se convirtió en un evento y marcó la pauta para el festival que había comenzado. No podría haber sido mejor encontrar algo que uniera el posterior desfile de desviaciones morales y mentales, en cuyo espejo una persona se desmantelaba hasta los rincones más oscuros del alma. La glorificación de la muerte física o espiritual, como única salida posible, en el prólogo de la fiesta teatral en sí misma nos hizo pensar en la no aleatoriedad de la elección del argumento.

He aquí una breve descripción de algunas actuaciones del programa, que podrían caracterizar el ambiente general del foro. Juzga por ti mismo.

"Oda a probar"- coreografía de Jan Martens y "Ben y Lucas"- el sensual pas de deux de bailarines de Burkina Faso.

"Medusa"- narrativa naturalista sobre el canibalismo y la naturaleza animal del hombre, "la lucha con la que sera eterna". (Sobre el juicio de los que escaparon en la balsa de la fragata "Medusa").

"País lejano"- adaptación de Christoph Rauk de la novela autobiográfica de Jean-Luc Lagarce, quien murió de SIDA a los 38 años. A la producción asistieron graduados de la escuela de teatro de Lille. La trama de la historia: un joven homosexual consciente de la proximidad de la muerte quiere despedirse de sus seres queridos. Él, por así decirlo, regresa a su hogar paterno, donde sus inclinaciones no son aprobadas y "no lo entienden". En este "país lejano" hay una reunión no solo con parientes vivos, sino también con parientes muertos. Además, también está toda la hueste de sus ex amantes, con quienes continúa el enfrentamiento. Christoph Rauck dijo esto sobre la elección de la pieza: “No esperaba encontrarme con tanto humanismo en una obra de teatro. Todos hemos experimentado o experimentado las emociones y situaciones descritas por Jean-Luc Lagarce en un momento u otro. Me recuerda a Chéjov". Con mano ligera, el director Lagarce ahora es llamado el "Chéjov moderno".

"¿Y por qué debería hablar como tú?" Para preparar esta actuación, la actriz Anouk Greenberg fue en busca de "textos en bruto" en albergues, manicomios, en los círculos del infierno de los desamparados y olvidados. Encontró documentos antiguos archivados por el personal médico, cartas de los residentes de las casas de luto. Los lee con voz suave y bien situada. A veces los textos son simplemente desgarradores, similares a una oración, otras están llenos de esperanza, solo tienen una cosa en común: que nadie les responderá.

"Algunos nunca han visto el mar"- una saga sobre el dramático destino de las jóvenes japonesas que llegaron a los Estados Unidos para convertirse en esposas de inmigrantes japoneses. Estamos hablando de su vida privada de derechos y sin esperanza, que se volvió más complicada con el inicio de la guerra entre Japón y Estados Unidos.

Un director de Egipto trajo otra actuación sobre temas antipatriarcales. En un juego "Madre" se dice que siendo las guardianas del "Templo Patriarcal", las mujeres de la familia egipcia están sujetas a humillaciones diarias. Desde el punto de vista del autor, se entregan a una "esclavitud voluntaria" de la que no hay salida.

También atrajo la atención el trabajo del propio Olivier Pi: "Antígona" Sófocles, que realizó con los presos de la prisión de Avignon. Todos los papeles en la obra son interpretados por hombres. Como escriben los críticos, a pesar de la dicción poco profesional, los presos juegan con sinceridad, la lucha diaria por la "dignidad" en las terribles prisiones francesas está cerca de ellos.

"Trance"- Puesta en escena de Didier Ruiz. La palabra se presenta a siete transexuales que, a lo largo de la actuación, hablan del tránsito de un estado límite a otro.

"Él siempre puede decir que es por el amor del profeta" En un oratorio teatral dirigido por Irán, Gurshad Shaiman cuenta el drama de unos jóvenes que huyeron del Magreb y Oriente Medio a causa de su orientación sexual.

"Estación seca"- un duro ritual matriarcal en el que el líder de la troupe Nova nova Fia Menard, un hombre con una violación de identidad sexual, que después de la terapia tomó forma de mujer, declara la guerra a la norma y al patriarcado. La obra comienza con una escena en la que siete mujeres desnudas, con las piernas separadas, yacen bajo la presión de un techo bajo, que se mueve verticalmente sin importar su voluntad. Según la intención del director, esto debería simbolizar la esclavitud, la única manera de liberarse es la rebelión contra la sociedad.

Según un crítico francés: “En la escenografía visualmente deslumbrante de The Dry Season, se lleva a cabo un ritual de destrucción del hogar patriarcal. Decidida a acabar con la opresión masculina, Fia Menard demuestra una fuerza vengativa sin, sin embargo, evitar los estereotipos. "Te estoy abofeteando el coño": las primeras palabras de la actuación, pronunciadas por Fia Menard, suenan como una declaración de guerra. En respuesta a estas palabras obscenas, que probablemente muchas mujeres escucharon en el callejón, y que son un símbolo del dominio de los hombres que han convertido el espacio público en territorio hostil, la líder de la compañía Nova nova decidió abandonar el juego (cambiar de sexo). ). Artillería pesada, capaz de disparar bolas rojas al patriarcado… Ojo por ojo, diente por diente”..

Y aquí se nota involuntariamente que a pesar de las imágenes enfáticamente victimizadas de la mayoría de las producciones teatrales, ya se escucha el rugido de alguien detrás de ellas, permitiéndose amenazar a la sociedad en el lenguaje de la puerta de entrada. Alguien declara la guerra a la cultura moderna ya la imagen del hombre en ella, pide la victoria de los instintos arcaicos sobre la esencia humana, se deleita en el pecado y el vicio. Este tema, similar a los personajes de las pinturas de Hieronymus Bosch, crea una orgía de "retorno". Luchando con el patriarcado, se dedica a la destrucción de esa fina capa cultural, en cuya creación la humanidad ha pasado decenas de miles de años. Cabe señalar que este proyecto de gran envergadura se está realizando con el pleno apoyo de las élites, la confusión de la intelectualidad humanista y la no resistencia del pueblo.

Si la agenda del foro teatral más grande está agotada por el "género" y cómo vive el interior teatral, sobre esto en la segunda parte del artículo de Avignon OFF.

El festival de teatro más antiguo de Europa nunca deja de sorprender al público con ideas frescas y nuevos talentos.

El Festival de Avignon, fundado por el destacado director de teatro Jean Vilard, ha sido el evento principal del calendario cultural de verano francés durante medio siglo. En su escenario, el público se familiariza con los estrenos de los mayores estudios de Europa y conoce las últimas tendencias del arte teatral.

El centro del Festival d "Avignon es tradicionalmente el área al aire libre Courdoneur en el patio del legendario Palacio Papal, con capacidad para 2000 espectadores. El programa principal del festival de teatro también se muestra en varios escenarios adicionales en las cercanías del Antiguo Ciudad. Alrededor de 20 compañías de arte de todo el mundo actúan aquí cada año. Además del drama, aquí se presentan otras formas de arte teatral: danza moderna, musicales, pantomimas, espectáculos de marionetas. El precio de la entrada para el Festival de Avignon es desde 10 euros.

Además del programa principal, los invitados del Festival de Avignon se familiarizan con las actuaciones de la feria de teatro Festival du Off, similar a la famosa. Muestra anualmente el trabajo de grupos pequeños y experimentales, mostrando sus creaciones en plazas, parques, centros nocturnos, iglesias, comercios e instituciones culturales de toda la ciudad.

La forma más cómoda de llegar a Aviñón es en tren de alta velocidad desde París (3 horas de trayecto).

Avignon es muy buena, casi tan buena como Avignon, que no me canso de admirar. La ciudad de Avignon es el centro administrativo del departamento de Vaucluse, ubicado en Provenza, este es el sur de Francia. Dedicamos solo medio día a esta ciudad, durante - esto es muy poco para una ciudad tan pintoresca con una historia muy rica, muchos museos importantes.

La mayor atracción de Aviñón es, por supuesto, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, como todo el centro histórico, dediqué un artículo aparte al palacio. Pero la ciudad vieja en sí es muy, muy pintoresca e interesante.

En Avignon, los antiguos muros de tres metros de los siglos XIII-XIV se han conservado casi en su totalidad, solo en algunos lugares se hicieron roturas en ellos por conveniencia. Las murallas se construyeron durante el cautiverio de los Papas en Aviñón, para proteger a la curia durante ese difícil período.

Murallas de Aviñón

Me encantaría simplemente caminar a lo largo de las paredes a pie en otras circunstancias, son muy buenas y también las numerosas puertas son buenas. macizos de flores e incluso instalaciones de estilo moderno frente a las paredes. Lástima que no tomé fotos de todo.

Desde 1947, se han celebrado festivales de teatro en Avignon, simplemente encontramos el festival. Esta es probablemente una de las mejores adiciones a la magnífica arquitectura y rica historia. El festival de teatro trae un sentimiento indescriptible de celebración y diversión.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

El arte de domar: el "Festival de Avignon - 2017" ha terminado

En el sur de Francia, terminó uno de los festivales de teatro más grandes e importantes del planeta, el Festival d "Avignon. Según los resultados resumidos de los organizadores, se mostraron 300 funciones en 39 lugares en el festival en 20 días, en total, 152 mil espectadores de todo el mundo visitaron el formulario, entre ellos el corresponsal de Fontanka.

Festival d "Avignon no es solo el más grande, sino también el más antiguo festival internacional de teatro europeo con una rica historia. Fue organizado en 1947 por el famoso director francés Jean Vilar, partidario del teatro popular, teatro para el pueblo - como un arteterapia para la depresión de la posguerra que se extendía por aquel entonces en Europa, por lo mismo se instaló precisamente en el sur de Francia, en los primeros años sólo se reunían teatros franceses y a la vez más o menos tradicionales. el festival Por lo que Vilar fue acusado primero de crítica revolucionaria del "nacionalismo" e incluso del "estalinismo", y luego, cuando comenzó a invitar activamente a teatros de otros países europeos, en "cosmopolitismo". Mientras tanto, los revolucionarios teatrales decidieron organizar su fuera de programa en Avignon -en contraposición a la "rutina"- y lo hicieron en 1967 en el patio del monasterio carmelita del siglo XIV, a pesar de que la sede principal de las fiestas de Vilar era la Cour d "Honneur of el Palacio Papal (Avignon es considerada la sede oficial sede de los papas desde 1308). Así que hubo un programa doble del festival: el programa In y el programa off.

Tras la muerte de Vilar, la fiesta no se extinguió, sino que siguió desarrollándose. Tuvo su florecimiento más significativo cuando durante 10 años -hasta 2013 inclusive- los directores de programación del programa oficial fueron Vincent Baudrillet y Hortense Archambault, quienes recogieron la flor y nata del teatro mundial moderno, además, fue de carácter revolucionario, es decir , las actuaciones de directores que participaron activamente en la búsqueda de nuevas formas radicales y un nuevo lenguaje. Bajo Baudrier y Arshabmaud, Romeo Castellucci, Cathy Mitchell, Jan Fabre, Krzysztof Warlikowski, el grupo Rimini Protokoll y muchos otros cabezas de cartel del proceso teatral mundial se convirtieron en habituales del Festival d'Avignon, y el espontáneo fuera del programa fue recopilado anualmente por solo "teatros para el pueblo", según su propia iniciativa, llegando a Aviñón, comprando espacios publicitarios, alquilando locales para representaciones a su cargo e invitando a la gente a sus representaciones.

Entonces, si uno de tus amigos del teatro te dice que participó en el Festival de Avignon, no te apresures a admirar y felicitar, primero pregunta en qué programa participó: In u Off.

Por otro lado, son estos carteles los que cubren por completo las paredes de los edificios medievales, vistiendo los bolardos de las aceras, haciendo el papel de manteles en las mesas de los cafés, así como grupos de personas con diversos disfraces, organizando mini-espectáculos frente a los restaurantes. , poner volantes en tus manos en calles estrechas, distraerte de tu café matutino en una cafetería con un sinfín de historias sobre actuaciones, y crear esa atmósfera especial del festival de Avignon que no encontrarás en ningún otro lugar del mundo. La ciudad vive una vida festiva las 24 horas del día (ver reportaje fotográfico), las multitudes en las calles no se secan hasta las cinco de la mañana, el transporte público no deja de funcionar hasta aproximadamente la misma hora, y es completamente incomprensible la regularidad estándar. Los buses logran maniobrar en calles angostas e incluso entre filas de autos estacionados a cada lado. Todas las noches, al regresar de la última función, generalmente comenzaba a las 10-11 p. los patios de los monasterios medievales, las iglesias, los liceos... Observé las maniobras del autobús desde la ventana, y fue un espectáculo no menos emocionante que una buena acción de Hollywood.

Domadores de palabras, o Caminos de exilios

En cuanto al programa principal, con la llegada del exdirector del teatro parisino Odeon, director y dramaturgo Olivier Pi, como director artístico del Festival d'Avignon, se volvió más tranquila en términos de experimentos. Y, obviamente, no en El último lugar para Monsieur Pi, al compilar el cartel de Avignon 2017, resultó ser el problema de la corrección política, es decir, el problema de los inmigrantes.

Solo una actuación está directamente dedicada a este tema: "Saigon" de una joven directora de escena francesa de origen vietnamita, Carolina Gwiela Nguyen. Se trata de una producción de su propia compañía, Les Hommes Approximatifs (La gente aproximada), que existe desde hace siete años. Carolina y su gente de ideas afines están recopilando historias íntimas y profundamente personales de personas asociadas con cataclismos geopolíticos. "Saigón" está dedicada a la historia familiar de la propia Carolina, que nació en París de un matrimonio mixto de un inmigrante vietnamita que huyó de Saigón después de que los franceses la dejaran en 1954, y un francés nativo. La idea de crear tal espectáculo nació cuando la directora y su madre fueron a su patria histórica y le pidieron que regateara en el mercado. La madre habló en su lengua materna, a lo que los vendedores respondieron con risas bonachonas, y le explicaron a Karolina que el idioma en el que habla su madre ya no existe. “Me sorprendió”, dijo Carolina Nguyen al periódico Liberation, “que mi madre no piense ni hable en un idioma diferente, sino en un tiempo diferente”. Otra frase que llamó la atención de la directora la escuchó de uno de los refugiados entrevistados en París: "Mi hijo es mi primer extranjero cercano en mi vida". “Somos realmente extranjeras para nuestras madres, hay un profundo drama en esto”, enfatizó Carolina. Y la obra "Saigon", según ella, nació porque de repente quiso ver a los vietnamitas en el escenario, escuchar su idioma.

El escenario de la actuación es un pabellón en el que encaja un restaurante vietnamita llamado "Saigon", recreado de la manera más detallada, al detalle: una cocina encaramada a la izquierda y un espacioso salón para los visitantes. La trama recuerda a una serie de televisión mexicana -la gente se pelea, se reconcilia, se casa, los hijos no entienden a sus padres y viceversa-, pero la directora no pierde un tema clave para ella en ningún episodio: el hijo no solo no entiende su madre, no entiende a la madre, que de repente se vuelve hacia él -vietnamita-, y otra joven vietnamita se pone histérica cuando accidentalmente ve que su novio canta desde el escenario del restaurante en francés y para los franceses. El punto aquí es que un joven que ha olvidado su lengua materna es un personaje de los 90, y una heroína patriótica es de los 50. La acción salta entre mediados y finales del siglo pasado. Y, a pesar de que entre los artistas vietnamitas hay aficionados (la directora, según ella, no pudo encontrar tantos profesionales del teatro étnico como necesitaba), los actores interpretan con maestría. Llevando a la audiencia el dolor, la desesperación y la impotencia de la gente común frente a los trastornos políticos globales. Uno de los mejores papeles de la obra es la imagen de una anciana cocinera llamada María, que espera durante toda la actuación a que su hijo, de quien el destino los divorció durante la fuga, sea encontrado, pero más cerca del final aprende de uno de los visitantes del restaurante, una mujer francesa, esposa de un gran funcionario, que murió su hijo, interpretada solo por una actriz amateur, que en realidad trabaja como cocinera. Carolina Gwiela Nguyen cuenta una historia curiosa: durante todo el tiempo que dura la actuación, no logra convencer a la intérprete de que después de la escena en la que el marido celoso de la dueña del restaurante irrumpe en la cocina y la pone patas arriba, ella no se apresura a limpiar. esta cocina, que los instaladores la harán. “No, destruyó mi cocina”, se lamenta la intérprete, e inmediatamente se encarga de eliminar el desorden.

Los tolerantes franceses no usan este término para los inmigrantes, y tampoco se les llama refugiados. Para enfatizar la naturaleza pasiva de las situaciones de estas personas (en el sentido en que hay “participios pasivos”, participios que describen una acción realizada sobre un objeto por otra persona), usan la combinación en exil - en el exilio, expulsado. Es esta expresión la que se encuentra en la traducción francesa (NB: no hay otras traducciones además del francés en el Festival de Avignon, sucedió históricamente, solo este año por primera vez se probaron gafas en algunas funciones, lo que le permite leer el texto de la traducción en inglés, pero tuvieron que encargarse con mucha antelación y se utilizan hasta ahora en modo de prueba) durante la actuación de Katie Mitchell "The Maids" basada en la conocida (incluso en Rusia puesta en escena por Roman Viktyuk) obra de Jean Genet sobre dos criadas que planearon envenenar a su amante, pero no tuvieron éxito en esta empresa, como resultado de lo cual una de sus propias elecciones fue al otro mundo y la otra a prisión.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

La directora inglesa Cathy Mitchell lleva dos décadas demostrando una excelente forma creativa casi sin fallos, trabajando principalmente en Alemania. Se hizo famosa, en particular, por su uso original del video, que en sus actuaciones no es una transmisión en línea de lo que sucede en el escenario, ni una ampliación de planes ni una oportunidad para que el espectador mire esos rincones y grietas. de espacio que son inaccesibles a la mirada de la audiencia desde la audiencia. Mitchell comenzó a filmar videos como una realidad paralela, estrechamente relacionada con la realidad de las representaciones, como un montaje de asociaciones -a veces los personajes, a veces el propio director- que ilustran los planes ocultos de los acontecimientos, personales y situacionales. Sin embargo, la propia Kathy puso fin a estos experimentos, declarando oficialmente su finalización. En The Maids, dirigida por Mitchell en Holanda, no hay video en absoluto en la compañía de teatro Toneelgroep Amsterdam, pero hay giros inesperados en la trama. Las criadas resultan ser inmigrantes polacas y Madame es una travesti con una disposición repugnante. La ausencia de un video no anuló en absoluto el asombroso don de Katie Mitchell para sacar a relucir los profundos dramas internos de los personajes: el ritual escenificado de convertir a un hombre en una mujer es impresionante no solo en joyería, sino también en la sensación de absoluta naturalidad. de lo que está pasando -con apretar el corsé, establecer un seno artificial y "desaparecer" la parte más sobresaliente del cuerpo masculino-, pero también los inevitables y también bastante naturales tormentos de dos doncellas venidas de uno de los países más religiosos del mundo. mundo y sumergido en un belén uniforme. Insisto: no hay patetismo, hipocresía, fanatismo: hay un rechazo genético muy comprensible del estilo de vida excéntrico de otra persona, al que Claire y Solange están condenadas a servir. El exilio existencial se ve reforzado por el hecho de que el director somete a Claire a la tisis, de modo que su decisión de beber el té de tilo envenenado preparado para Madame, y el monólogo pronunciado por Solange sobre su amiga que se marcha, vestida con un vestido blanco de ama y recostada en el el lecho de plumas de la anfitriona, se percibe inequívocamente como un rito de liberación. Inclusive, y gracias al excelente trabajo de los actores, quienes aprendieron el idioma polaco para una mayor autenticidad de las imágenes.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

Por cierto, sobre el idioma. Vale la pena señalar que el teatro europeo se está moviendo de manera bastante tangible y segura hacia la verbalidad desde la excesiva visualidad. Casi no hay actuaciones "sin discurso" y "pocos discursos" en el cartel, si no son creaciones de un sentido plástico, como las obras de la directora siciliana Emma Dante y el director griego Dimitris Papaioannou, que se analizan a continuación. En su mayor parte, los escritores teatrales han dejado de rehuir las palabras: el texto del escenario suena tanto que la línea de ejecución de la traducción no les sigue el ritmo. Pero hay que admitir que no solo los invitados del festival que no conocen el idioma, sino también los franceses nativos admiten que leen solo un tercio de la traducción en promedio, prefiriendo mirar “hablar poses, gestos, mise- en-escenas”. Por supuesto, no está mal entender que en la obra “La Cábala de los Santos. La vida de Monsieur de Molière” basada en los textos de Bulgakov del clásico vivo del teatro alemán Frank Castorff, que lo puso bajo los ojos de su reinado en la Volksbühne de Berlín, Luis XIV, provocando y humillando al arzobispo de todas las formas posibles, también lo presiona con el texto de Molière de "El viaje loco" - el mismo en el que el héroe idiota es ayudado a hacer el "gran descubrimiento" que habla en prosa. Pero incluso sin eso, la secuencia de video no deja dudas sobre las interpretaciones. Y el juego de actores técnicos e irónicos, presentado por Castorf, te permite ver de una vez una acción de seis horas sobre un artista brillante: un mártir eterno y exiliado, que es recompensado tanto por las autoridades como por los hipócritas. niveles, y de mujeres, y de admiradores sólo "un millón de tormentos". "La Cábala de los Santos" se interpretó en el pabellón Parc des Expositions, a veinte minutos en coche del centro de Aviñón: en un escenario gigante sembrado de serrín (lo que las autoridades no pensaron que el artista debía ser domesticado como animales de circo) , tres pabellones en estilo barroco, pero la acción comienza con el hecho de que Stalin llama al personaje principal y lo envía al infierno. Molière, Bulgakov, el mismo Castorff, con quien las autoridades de Berlín ni siquiera pensaron en renovar el contrato, motivando sus acciones por la edad de jubilación del director y destruyendo bárbaramente el mejor teatro de Alemania, todos resultan ser hermanos gemelos en el espectáculo, y los siglos distantes entre sí se pliegan como las páginas de un libro de armónicas de cuna, y resultan ser un solo tiempo del artista, incómodo para él, no aceptando sus profecías, terca e invariablemente expulsándolo del teatro, fuera del estado, e incluso fuera de la vida por completo. Cuando Castorf fue a saludar, el público -después de seis, repito, horas de acción- estalló en una ovación de media hora, y cuando Castorf caminó largo rato tras bastidores por el espacio adimensional del escenario, sin darse la vuelta, muchos tomaron pañuelos de sus bolsas y se secaron las lágrimas. Hubo una completa coincidencia de teatro y realidad, lo que ocurre sólo con los grandes Maestros.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

Algo menos de tiempo -casi cinco horas- fue la actuación de Ibsen Huis del australiano Simon Stone, un director novato, pero ya advertido por el público y la crítica. La Casa de Ibsen, como Las criadas de Katie Mitchell, es un producto de Toneelgroep Amsterdam. Stone hizo un gran trabajo minucioso, recopilando el texto de su propia obra de las numerosas tramas del dramaturgo noruego Ibsen, que son inmediatamente leídas por los conocedores del teatro, y el resto bien puede omitirse: la trama es bastante valiosa en sí misma. Una actuación de medio siglo de duración sobre la historia de una familia (esta es la tercera actuación en la que el tiempo salta de un lado a otro a través de décadas como una pulga, lo que solo aumenta la tensión dramática) está empaquetada en una casa de dos pisos que gira alrededor de su eje frente al público, abriendo a los ojos del público -como una cámara de vídeo Castorfa en la función anterior- todos los interiores y todos los secretos de familia, sobre los que se tuerce la trama. Crimen, reconocimiento, suicidio, incesto, triángulo amoroso, etc., serían suficientes para cinco series, pero la actuación de Stone no es como una serie. La actuación detallada te permite explorar destinos, construir relaciones causales de generación en generación y hablar sobre el género de la saga.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

El teatro también ha dejado de temer a los grandes géneros, al igual que ha dejado de temer a la abundancia de textos, al contrario, se apoya en ellos. Incluso un cuento infantil llamado "Tristezas y alegrías en la vida de las jirafas" basado en una obra de teatro del director y dramaturgo portugués Thiago Rodríguez se escenifica como un juego de materialización de palabras, en el que se plantean cuestiones bastante globales. Es con la ayuda de las palabras en esta actuación que las cosas y los héroes en general se convierten en cosas y héroes muy concretos. Un personaje llamado Chéjov lee desde el escenario una mini conferencia sobre "no una gaviota en general, sino algo muy específico que es muy importante para mí y, por lo tanto, se convirtió en mi trabajo", y los actores a lo largo de la actuación encarnan sus lecciones. - hablan de algo muy importante para ellos, desde la política hasta la pedofilia, comenzando con las palabras: “Soy yo. Soy una jirafa” - y no hace falta nada más, ni escenografía, ni vestuario: los personajes y la escena se visten directamente de palabras, despertando la imaginación del espectador. Bueno, tal vez por una broma teatral, uno de los artistas se pondrá de repente un absurdo mono de oso de una matiné infantil.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

El nombre del autor de la obra infantil no se menciona por casualidad. Fue Thiago Rodríguez, quien dirigió hace relativamente poco tiempo el Teatro Nacional de Lisboa, quien realizó la actuación más conceptual del Festival d "Avignon - 2017: Sopro (francés Suffle, un sustantivo con la misma raíz que la palabra "apuntador", ruso. Aliento). Se trata de una simbiosis de documental y teatro de escritura, una curiosa, aunque quizás, un poco dilatada reflexión sobre el teatro en general. La protagonista de la obra, Christina Vidal, una corpulenta dama de pantalón negro, camisa y con una sábana blanca en sus manos, no se sale del escenario desde el principio hasta el final de la acción, además es una verdadera apuntadora El Teatro Nacional -sigue haciendo su trabajo directo- para dar pistas a los personajes, pero en el curso de acción de una unidad puramente funcional se convierte en un demiurgo, cambiando los textos de los clásicos de acuerdo con las situaciones de vida de los artistas de su teatro, cuyos destinos son vistos por el apuntador como una meta-obra.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

En los momentos clave de la acción, según la idea del director, los truenos deberían retumbar y relámpagos sobre el escenario, y fue en este momento en el espacio abierto, el patio del monasterio Karmalite ya mencionado, que el mistral más fuerte, familiar. a varias ciudades del sur de Francia, explotó. El viento levantó las ligeras cortinas blancas del escenario hasta las rejas, abriendo el backstage, y como si actuara de concierto con el apuntador, como el héroe de una obra muy universal, en la que los propios espectadores se convertían inesperadamente en participantes.

Una magia de las palabras más obvia, la magia teatral, es generalmente difícil de imaginar.

¡Gente desnuda, o deconstrucción Vivat!

Sin embargo, también hubo dos actuaciones significativas en el festival sin palabras, pero expresándose con mucha elocuencia en el lenguaje plástico, muy original. Se trata de "Monsters of the Stage" de una experimentada directora de Sicilia, Emma Dante, y "The Great Tamer" de un artista de Grecia, Dimitris Papaioannou. En ambas obras, hay personas desnudas en el escenario, ambos directores usan estos cuerpos como material de origen para nuevas estructuras, profesando el principio de "deconstrucción inventiva" proclamado por el filósofo clave contemporáneo Jacques Derrida, pero lo hacen de maneras completamente diferentes. . Al mismo tiempo, cada uno a su manera (y nuevamente, siguiendo la lógica de Derrida) están luchando con el principal vicio de la conciencia actual: el dogmatismo.

Emma Dante priva inmediatamente a su equipo de actores de cualquier protección: tan pronto como suben al escenario con ropa brillante, inmediatamente se quitan esta ropa y permanecen en lo que su madre dio a luz, pero como los personajes están en el escenario y no, digamos , en una casa de baños, la desnudez, por muy paradójica que parezca, se convierte inmediatamente en su “ropa”, provocando un flujo de asociaciones correspondientes. Personas desnudas en un escenario desnudo, y tampoco hay escenario ni música en la actuación, con su impotencia se asemejan a animales, niños o tontos, e inmediatamente encienden el reflejo de la manada, que la mayor parte del tiempo en el escenario parece una luz de carnaval y gracioso. Pero la idea principal de la obra de Emma Dante no tiene nada de graciosa: todas las reacciones de estas personas en el escenario son las reacciones de la manada, hasta la escena final, cuando los personajes están de pie, aferrados unos a otros, no saber dónde esperar el peligro: las reacciones de las personas reducidas a un estado animal, que en nuestra realidad moderna, por desgracia, no son tan raras.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

El "Gran domador" de Dimitris Papaioannou es quizás el espectáculo más apolítico de este festival. Y quizás el más ingenioso. Aquí los principios de deconstrucción y antidogmatismo alcanzan un límite absurdo en el sentido más positivo. Algo, pero el ingenio de Papaioanna definitivamente no debe ser ocupado. El escenario, cubierto con alfombras rectangulares que se entrecruzan como escamas de dragón, revela muchas escotillas ocultas en el curso de la acción. A partir de ahí no aparecen ni cuerpos, sino partes de cuerpos. El director los utiliza como constructor, cubriendo con ropas negras las partes del cuerpo de los actores que no son necesarias para ninguna figura. Entonces, de dos piernas de diferentes hombres y un cuerpo femenino, se obtiene un magnífico centauro, y las piernas y los brazos de una persona que ha aparecido de las entrañas de la tierra pueden "rodar" a una distancia de varios metros entre sí y deslice durante mucho tiempo y lentamente.

Al mismo tiempo, el propio director galopa a través de las épocas. Le toma unos minutos enviar el cuerpo perfecto de un anciano joven al teatro anatómico del Renacimiento, donde se refresca de manera segura al preparar una comida desde sus entrañas. Hay innumerables chistes de este tipo repartidos por toda la representación, y debo decir que esta es quizás la única ocupación correcta y noble en el teatro en este momento: ser un domador de cualquier dogma y tradición, desgarrar sus entrañas sin piedad, desmembrar en mil piezas de este "Lego" para construir una nueva realidad teatral.

Zhanna Zaretskaya, Aviñón - Petersburgo, Fontanka.ru

1. INICIO

En 1947, el famoso actor y director francés Jean Vilar organizó la primera "Semana del Arte Dramático" en Aviñón e, inspirado por su éxito, pensó en el festival anual. Soñaba con crear un nuevo teatro, más democrático, gratuito, accesible a todos los sectores de la población (incluso ahora, los organizadores de la revista Avignon, conscientes de sus preceptos, no suben el precio de las entradas por encima de los 40 euros) y la aparición de otro espectador: inteligente, moderno, con puntos de vista progresistas y psique estable, capaz de "digerir" cualquier experimento. Vilar estuvo algo cerca de los posmodernos, que acercaron el arte elitista a las masas. Soñaba con “renovar el teatro… para abrir aire fresco al arte para que no se asfixiara en salones y sótanos; reunir la arquitectura con el drama". Desde entonces, el festival se lleva a cabo al aire libre y las actuaciones se realizan en escenarios naturales (y, a menudo, resultan inimaginables sin ellos y no se muestran en ningún otro lugar).

Vilar invitó al festival a los jóvenes Gerard Philippe y Maria Cazares, que brillaron en el Orfeo de Jean Cocteau, y a su compañía del Teatro Nacional Popular, rebajó drásticamente el precio de las entradas, construyó con esmero un repertorio que, además de clásicos franceses, incluía actuaciones de Kleist, Buchner y Brecht, y atrajo a los mejores artistas y compositores para participar en las producciones. En ese momento, Francia vivía un auge espiritual e intelectual, y el Festival de Teatro de Avignon se convirtió en su reflejo. Jean Vilar permaneció al frente de la empresa hasta 1971.

2. LABORATORIO PREMIER

Ahora, el Festival de Avignon es un foro teatral a gran escala, que los profesionales del arte consideran un laboratorio creativo abierto. Aquí se esfuerzan directores actuales de diferentes países, aquí nacen nuevas tendencias y se forma el proceso teatral. Los hallazgos descubiertos se replican posteriormente en todo el mundo. A menudo, lo que parece ultramoderno en casa ya no encaja en el formato del Festival de Avignon. El programa oficial del festival incluye alrededor de 40 funciones, el no oficial, más de 300, y también hay exposiciones, conferencias, debates públicos y mesas redondas sobre teatro y política cultural, encuentros con actores, lecturas de obras y guiones. No existe una sola línea general a la que todos estén obligados a adherirse, entre los participantes hay personas de puntos de vista y creencias opuestas: politizados y poco politizados, cínicos y soñadores, satíricos y filósofos, misántropos y altruistas - 3500 profesionales en el campo de la artes escénicas anualmente.

Durante el reinado de Vilar, la fiesta era nacional, pero a partir de 1971 se perfiló una vía de interiorización, y artistas de todo el mundo acudieron al Aviñón medieval. Como resultado, el festival reporta a la ciudad un beneficio de hasta 25 millones de euros al año.

3. CULTURA CARNAVAL

Además del programa oficial altamente artístico, rigurosamente seleccionado y aprobado por expertos, Aviñón también cuenta con el llamado programa OFF: decenas de compañías de teatro organizan giras a su cargo, con la esperanza de obtener ingresos por la venta de entradas, adquiriendo el estatus de "participante del Festival de Aviñón" y reconocimiento público. Aquí, nadie garantiza la calidad, y el público elige las actuaciones bajo su propio riesgo y riesgo, sucumbiendo a la persuasión de los ladradores oa su propia curiosidad. Pero es precisamente gracias a la presencia de un gran número de artistas abigarrados, desconocidos, arrogantes y molestos, temerarios y talentosos del programa no oficial que Avignon se transforma durante tres semanas de festival, como Venecia durante el carnaval, y se vuelve tan atractiva para turistas Es imposible ver las paredes de las casas debido a los carteles pegados unos encima de otros, los titiriteros, los titiriteros y los mimos deambulan por las calles, los "carros musicales" deambulan por los bulevares: no hay tal atmósfera en ningún otro lugar, y la audiencia asombrada también. se convierte en parte de esta mascarada teatral.

El Festival de Avignon siempre ha enfatizado su democracia e independencia: no tiene patrocinadores, calificaciones ni premios. E incluso el propio director de arte Olivier Pi recorre la ciudad con una camisa blanca en una bicicleta: encantador, simple y accesible para todos.

4. AL AIRE LIBRE

“El reencuentro de la arquitectura con el drama” Jean Vilar lo entendió literalmente, y propuso representar espectáculos en el enorme patio del Palacio Papal, que sigue siendo el escenario principal del Festival de Avignon. La Iglesia Católica Romana se estableció en el sur de Francia a principios del siglo XIV, y siete pontífices legítimos gobernaron aquí, el llamado cautiverio de los papas en Aviñón de 1309 a 1378. Durante todo este tiempo, el Palacio Papal se estuvo completando, y ahora es el edificio gótico más grande de Europa. Muchas de las actuaciones que se mostraron dentro de estas paredes son inimaginables sin ellas.

En total, el Festival de Aviñón cuenta con una veintena de escenarios diferentes: este es el patio del Monasterio Carmelita; y la cantera de Boulbon, una cantera abandonada en las montañas, a 15 kilómetros de la ciudad, donde Peter Brook mostró por primera vez su Mahabharata de ocho horas, que terminó con un verdadero amanecer; y el Convento de San Luis, donde se encuentra la sede del festival, y la Casa de Jean Vilar, y la Iglesia de los Celestinos, que se convirtió en escenario natural del cuadro "Paraíso" de la "Divina Comedia" de Romeo Castellucci. La foto del templo inundado, en medio del cual hay un piano quemado, ha corrido por todas las publicaciones teatrales del mundo. Y hace unos 15 años, Henrietta Yanovskaya mostró La tormenta aquí, y la aspiración hacia arriba, a Dios de la religiosa Katerina, que lamenta que las personas no vuelen como pájaros, se hizo comprensible y la actuación adquirió una dimensión y escala diferente.

5. disturbios

La historia del festival no está despejada: varias veces en su historia estuvo en peligro. En el rebelde año 1968, jóvenes rebeldes de toda Francia se reunieron en Avignon. Los estudiantes expulsaron del teatro al gran mimo Jean-Louis Barrot, estuvieron a punto de provocarle un infarto a Jean Vilar con acusaciones infundadas y desbarataron la actuación de Maurice Béjart vertiéndola sobre el escenario en pleno acto. Al mismo tiempo, el programa del festival incluía a los rebeldes Godard y Truffaut, así como las actuaciones del culto American Living Theatre.

El segundo gran escándalo se produjo en 2003, cuando los trabajadores del teatro francés se rebelaron contra la reforma salarial del gobierno. El director del festival, Bernard Favre d'Arcier, apoyó a los huelguistas y trató personalmente de resolver el conflicto con el Ministerio de Cultura. El Estado no hizo concesiones, el espectáculo fue cancelado y el director perdió su cargo. Durante una conferencia de prensa, Bernard Favre d La voz de Arcier tembló y sus oyentes lloraron. Y Avignon volvió a sufrir pérdidas en 2014, cuando un nuevo proyecto de ley confirmó los términos de los acuerdos laborales de 2003. Una ola de protestas barrió Francia: en La Rochelle, Arles, Marsella, Aix-en-Provence, Montpellier. Sin embargo, Olivier Pi, que en ese momento tomó las riendas de la revisión, aunque sacrificó seis funciones de la primera semana, se negó a cancelarla por completo.

6 BAILARINAS CON SÍNDROME DE DOWN Y EL CAMPEONATO DE MASTURBACIÓN

El público del Festival de Avignon es resistente, educado y no demasiado agresivo: nadie escribe denuncias al Ministerio de Cultura y no pone cabezas de cerdo a las puertas del teatro. Los gritos de "bu" y las salidas demostrativas son una expresión de descontento bastante civilizada. Y a menudo provocan al público: luego Thomas Ostermeier hace que su hinchado Hamlet con barriga cervecera exuda maldiciones y se coma la tierra; luego Olivier Pi subirá al escenario una moto apestosa, Cordelia en tutú, con la boca tapada con esparadrapo negro, Lear y Gloucester desnudos, a los que les han arrancado los ojos con una cuchara; luego Angelica Liddell mostrará a mujeres cortándose las rodillas con un cuchillo; luego Jerome Belle pondrá en escena un ballet sobre personas con síndrome de Down, provocando una conversación incómoda entre el público, luego Alain Platel montará un cabaret de travestis con hombres mayores vestidos de mujer, explorando los rasgos de la identidad sexual, luego Jan Fabre en " Orgy of Tolerance" pondrá a prueba la fuerza de la audiencia con la ayuda de un campeonato de masturbación fisiológicamente creíble y deprimentemente largo. Los directores del Festival de Avignon no tienen reparos en plantear temas difíciles, estudiar las fobias y las perversiones bajo una lupa y dar la vuelta a los valores europeos.

7. NOMBRES PRINCIPALES

Según los cabezas de cartel del Festival de Avignon, se puede estudiar la historia del teatro europeo y mundial. En la década de 1960, hubo actuaciones de Jean Vilar, en las que brillaron Gerard Philippe y Maria Cazares, y obras progresistas de jóvenes directores creados bajo la influencia de la nueva ola francesa. En 1967, Maurice Béjart, que dio la vuelta a nuestra idea de ballet clásico, presentó Misa para los días presentes en Aviñón. A mediados de la década de 1970, el estadounidense Robert Wilson saltó a la palestra con su habilidad para mezclar magistralmente diferentes estilos y géneros y una imaginería visual impresionante ("Einstein on the Seashore"). En 1980, John Neumeier conmovió al público con el ballet "blasfemo" "St. Matthew Passion" con la música de Bach, en el que él mismo apareció en el escenario, y solo una educación filológica impecable, incluso de los sacerdotes de los jesuitas. orden, lo salvó. Pina Bausch trajo a Avignon sus claveles incomprensibles, absurdos y revolucionarios, lo que conmocionó al público. En 1988, Luke Bondi representó aquí a su amado Shakespeare, en la década de 2000 Peter Brook descubrió las posibilidades de la cantera de Boulbon y Thomas Ostermeier convirtió el majestuoso Palacio Papal en el patio trasero de una metrópoli llena de basura ("Woyzeck"). en 2010 Christoph Marthaler evocó el éxtasis religioso con la ayuda de la soldadura ordinaria en "Papperlapapp" - la saga de la "captura de los papas" de Avignon, basada en hechos reales.

8. TEMA RUSO

Actuaciones basadas en clásicos rusos, desde Dostoievski hasta Bulgakov, aparecen en el cartel del Festival de Avignon todo el tiempo, pero los directores rusos no son los favoritos en el sur de Francia. "Estaciones rusas" sucedió en Aviñón solo una vez: en 1997, Pyotr Fomenko, Anatoly Vasilyev, Sergey Zhenovach, Evgeny Kamenkovich, Valery Fokin, Kama Ginkas, Ivan Popovsky y Rezo Gabriadze fueron invitados allí para formar su propia idea de u200bel teatro ruso moderno. Solo Anatoly Vasiliev "se acostumbró" al festival como invitado permanente. En 2006, cuando, debido a desacuerdos con el alcalde de Moscú, Yuri Luzhkov, se le pidió que dejara vacante el puesto de director artístico de la Escuela de Arte Dramático, Vasiliev llevó Canto 23 a Aviñón. Entierro de Patroclo. Juegos "y" Mozart y Salieri ", y nunca regresó a Rusia. Más interesante ahora es el hecho de que después de casi una década de ausencia de rusos en Aviñón, Kirill Serebrennikov ha estado yendo allí por segundo año consecutivo. En 2015, sus "Idiotas", basados ​​en el guión de la película del mismo nombre de Lars von Trier, cuya acción se trasladó al Moscú moderno, se mostraron con gran éxito en la revisión. Y para el festival actual, aniversario, 70º, el creador del Centro Gogol está tomando Dead Souls de Gogol, donde Chichikov es interpretado por el estadounidense Odin Byron y el judío Semyon Steinberg. Si una vez todavía puede considerarse un accidente, dos veces ya es una tendencia, y esto significa que Serebrennikov está "en la jaula" y es reconocido como uno de los líderes de la vanguardia teatral europea.

9. MODA PARA LA RESPETABILIDAD

También hubo una crisis creativa en la historia del Festival de Avignon, no relacionada con los eventos del Mayo Rojo o las guerras por la oportunidad de vivir del bienestar durante 11 meses al año. Tras la dimisión de Bernard Faivre d'Arcier, Hortense Archambault y Vincent Baudrillet pasan a la dirección, rumbo a un teatro no verbal y rígidamente social. El cartel tiene más danza moderna (Josef Naj, Jan Fabre), que ni siquiera se puede llamar danza: provocaciones, esbozos plásticos sobre el tema de la violencia, la agresión, el estado apocalíptico del mundo. Los críticos hablaron de cómo los experimentos con el movimiento como tal y la visualidad electrónica están reemplazando al teatro de palabras y grandes ideas. El público ansiaba profundidad y metafísica, y se les ofrecieron actuaciones sombrías con cuerpos desnudos rodando por el suelo.Los directores, respondiendo con sensibilidad al descontento, comenzaron a invitar a nuevos directores artísticos cada año para formar el programa del festival.Primero fue el productor de noticias teatral número 1 alemán Thomas Ostermeier, luego la actriz de "gran estilo", Comédie-Française prima Valerie Drevil y el director Romeo Castellucci, de espíritu posvanguardista, pero no alienado por la sensualidad, la emotividad y la belleza cautivadora. El actual director Ol Ivie Pi forma el cartel en solitario, pero también prefiere la formación clásica y el trabajo significativo con la palabra a los experimentos plásticos radicales. Con su llegada, hubo más estrellas en el cartel (Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Hanna Shigula), y ahora la respetabilidad está empujando el arte contemporáneo fuera del escenario.

10. FESTIVAL DE AVIÑÓN - ¡70!

Este año, el festival de teatro más prestigioso del mundo celebra su 70 aniversario. A fines de marzo, Olivier Pi hizo una declaración política ("¿Cómo vivir cuando la política demuestra continuamente su traición?", "Cuando la revolución es imposible, el teatro permanece") y presentó las principales funciones de la revista, que se llevará a cabo en Avignon del 6 al 24 de julio. Entre los temas principales se encuentran la política, el auge del nacionalismo, el Medio Oriente y las mujeres artistas. El festival se inaugurará con una versión escénica de la histórica Muerte de los dioses de Visconti, interpretada por el director belga Ivo van Hove. También en el programa hay una serie sobre la historia del Festival de Avignon de la compañía itinerante italiana La Piccola Familia, un maratón de 12 horas "2666" de Julien Gosselin, famoso por su producción de "Partículas elementales" de Michel Houellebecq, "El Karamazovs" de Jean Bellorini, "La balsa de la Medusa" de Thomas Jolly, "Crónicas del asesinato de Rabin" de Amos Gitai con la "musa de Fasbinder" Hanna Shigula y la famosa actriz palestina, "Plaza de los Héroes", para la que Christian Lupa, la heroína nacional de Polonia, ya recibió todos los premios posibles, una nueva actuación de Angelica Liddell y un ballet de Sidi Laby Sherkaoui " Bible 7.16" y mucho más. El propio Olivier Pi está trabajando en la tragedia de Esquilo Prometheus Bound. En total, el programa oficial incluye 26 representaciones teatrales, 7 de danza y 14 interdisciplinares. Franceses y extranjeros, por igual. Y el símbolo de la fiesta será el caballo de Turín (aquel por cuyo sufrimiento, según la leyenda, lloró Nietzsche antes de caer en la locura), representado en el cartel del artista Adel Abdessemed, que o bien lanza a los infractores, bien supera un obstáculo. con un salto.