Métodos de enseñanza de la ejecución del instrumento. Formación de habilidades en ciencias mecánicas en la etapa inicial de formación en la clase de acordeón a botones.

creación de música instrumental(tocar instrumentos musicales): un tipo de actividad musical en la que los niños tocan varios instrumentos musicales. La importancia de la creación de música instrumental para el desarrollo musical y general de los niños difícilmente puede sobreestimarse. Maestros como K.Orff, B.Teplov, T.Tyutyunnikova, E. Medvedeva y otros notaron que en el proceso de tocar instrumentos, se desarrollan habilidades musicales y, sobre todo, todo tipo de oído musical: tono, metro-rítmico, armónico. , timbre, dinámica , un sentido de la forma musical. Además, la creación de música instrumental es una fuente importante de comprensión del sistema de medios de expresión musical, conocimiento de fenómenos y patrones musicales. Favorece el desarrollo de la sutileza y la emotividad de los sentimientos.

¿Dónde comienza el conocimiento y el desarrollo de este o aquel instrumento musical?

La teoría de la maestra-música Lyudmila Valentinovna Shkolyar se tomó como base de este trabajo, que dividió la actividad musical en los siguientes tipos:

• actividad del oyente (percepción);
• actividades del artista intérprete o ejecutante (interpretación),
• actividad del compositor (creatividad).

En las clases de música, este tipo de actividades musicales están presentes en una trinidad inseparable y se suelen realizar según el siguiente esquema: percepción - ejecución - creatividad, es decir, la percepción de la música precede a otros tipos. También acompaña el desempeño y la creatividad de los niños. La proporción de acciones reproductoras y creativas varía según la edad de los niños, el grado de retraso mental y el tipo mismo de actividad musical.

D. B. Kabalevsy argumentó que aquellos que no pueden escuchar música nunca aprenderán a ejecutarla (tocarla) realmente bien. Por lo tanto, inicialmente los estudiantes en las clases de música se convierten en oyentes. Primero, los niños escuchan los sonidos del mundo que los rodea: los sonidos de la naturaleza, las calles de la ciudad, las casas. Luego aprenden a distinguir entre los sonidos de madera, metal y vidrio hechos por objetos ordinarios. Luego hubo un conocimiento de los instrumentos musicales: sus tipos, apariencia, sonido, métodos de extracción de sonido. En esta etapa del trabajo, los niños estudiaron no solo herramientas hechas en fábrica, sino que también aprendieron a hacerlas con sus propias manos. Los muchachos crearon instrumentos de percusión caseros: tambores, ordinarios e indios. , palos de madera, xilófonos, batidores, campanas; instrumentos de ruido - mazos musicales, tirachinas musicales , instrumento japonés - bambusi, shamblers; instrumentos musicales de cuerda hechos en casa - salterio, guitarra (ver Figura 1). Los escolares los jugaron, escucharon los sonidos que hacen. Durante este período, hubo un conocimiento de las propiedades del sonido: tono (sonidos altos y bajos), ritmo (sonidos largos y cortos), dinámica (sonidos fuertes y bajos), timbre (diferente coloración de los sonidos). Para consolidar estas ideas musicales y auditivas de los estudiantes sobre los sonidos, se utilizaron varios juegos musicales y didácticos con instrumentos: "Acertijos musicales" (los niños adivinan el sonido de un instrumento musical), "Loto musical" (los niños determinan la dirección de la melodía hasta o hacia abajo por el sonido del instrumento) se llevaron a cabo pequeños experimentos con sonidos: por ejemplo, se vertió agua en varios vasos a diferentes niveles. Con una varilla de vidrio, los niños golpeaban sucesivamente todos los vasos y escuchaban su sonido. Como resultado, se concluyó que cuanto más vacío estaba el vaso, más alto era el sonido. Sobre la base de esta experiencia, los chicos tocaron melodías populares rusas en vasos "En el jardín, en el jardín", "Como debajo de una colina, debajo de una montaña", "Oh, tu dosel, mi dosel".

El siguiente tipo de actividad musical es actuación. Los niños tocaron instrumentos de ruido caseros y más tarde de verdad. Se utilizaron los juegos musicales y didácticos "Eco rítmico" (los niños repiten un patrón rítmico dado en un instrumento musical), "Eco melódico" (los niños repiten un patrón melódico dado en un instrumento musical).

Al aprender a tocar instrumentos musicales de percusión: bongs, sonajeros, un triángulo, se utilizaron varias figuras como notas: estrellas, rombos, rectángulos. Cada uno correspondía a un lote de un instrumento (ver Figura 2). Los muchachos miraron la partitura gráfica, determinaron en qué orden necesitaban tocar. Resultó ser una orquesta ruidosa muy bien coordinada.

Cuando se enseñaban otros instrumentos musicales, como campanas tintadas, se usaba sistema de notación de color, es decir, las notas fueron reemplazadas por triángulos de colores. La duración de los sonidos se indicó de la siguiente manera: sonidos largos, con triángulos grandes, cortos, con tamaños pequeños (ver Figura 3) Al aprender a tocar la armónica de viento, se pegaron cuadrados de colores en las teclas, así como en un hoja de cuaderno en una secuencia determinada. El niño miró este cuaderno y tocó el instrumento de acuerdo con las notas. Por lo tanto, los chicos aprendieron e interpretaron la melodía de Año Nuevo "Nació un árbol de Navidad en el bosque", la melodía popular rusa "Oh, me levanté temprano", la canción patriótica "Katyusha". Después de aprender a tocar instrumentos musicales acústicos, los muchachos se familiarizaron con un instrumento musical electrónico: un sintetizador MIDI (un sintetizador conectado a una computadora), que les permitió experimentar con sonidos electrónicos. Para los escolares, se abre una amplia gama de sonidos y combinaciones de varios instrumentos musicales. ¿Ayudó el editor de música con esto? GaragBand. Para el desarrollo de la notación musical también se utilizó el sistema de colores de grabación de notas + su nombre.

Al adquirir habilidades interpretativas para tocar instrumentos musicales acústicos y electrónicos, muchos estudiantes tienen la necesidad de improvisaciones creativas. Este es el nivel más alto de desarrollo de la actividad musical: actividad del compositor. Se pidió a los niños que crearan las canciones más simples de acuerdo con los textos dados, las marchas, canciones de cuna y canciones de baile más simples. Luego escribieron las melodías inventadas utilizando un sistema de notación de colores o varias imágenes gráficas: "Suena un cuento de hadas, un poema". Por ejemplo, en el concurso de lectura "Tierra natal", los alumnos de cuarto grado expresaron un poema sobre la naturaleza con la ayuda de instrumentos musicales: los sonidos de la lluvia se representaron con la ayuda de palos de madera, el sonido de un arroyo con la ayuda de una rumba, el susurro de las hojas - con el susurro del papel corrugado. Algunos chicos intentaron componer música y grabarla en una computadora usando un sintetizador MIDI. Entonces, una estudiante de octavo grado, Evgenia Danilochkina, compuso y grabó en una computadora su composición llamada "Gust" (Apéndice 1).

En el proceso de actividad creativa, se manifestó la individualidad de cada niño, tuvo lugar su autoexpresión, los niños experimentaron el placer de su propia creación musical, por lo que se formó una actitud emocionalmente positiva hacia la música.

Tal es el sistema de trabajo para enseñar a los estudiantes de un internado correccional a tocar varios instrumentos musicales.

Introducción

El método de enseñanza para tocar instrumentos de viento es una parte integral de la ciencia pedagógica musical, que considera los patrones generales del proceso de aprendizaje en varios instrumentos de viento. La ciencia pedagógica rusa en el campo de la ejecución de instrumentos de viento no tiene más de 80 años. Alcanzó nuevas fronteras asumiendo y desarrollando aún más todo lo mejor que era característico de la escuela rusa de tocar instrumentos de viento. Sus éxitos son conocidos no solo en nuestro país sino también en el exterior.

El compositor Gedicke escribió: la técnica de tocar instrumentos de viento ha avanzado tanto que si los mejores intérpretes, especialmente en metales, que vivieron hace 50-70 años, escucharan a nuestros músicos de viento, no creerían lo que escuchan y dirían que esto es imposible.

Cabe reconocer que la teoría de los métodos de enseñanza sobre instrumentos de viento como parte de la ciencia pedagógica entre otros métodos es la más joven. Cada generación de woodwinders contribuye a la técnica. El método de enseñanza en cualquier instrumento es parte de la pedagogía.

Palabra técnica origen griego traducido al ruso - camino a algo. Una técnica es un conjunto de métodos, es decir, métodos para realizar cualquier trabajo. (investigación, educación). En el sentido estricto de la palabra, una metodología es una forma de enseñar un tema particular basado en el análisis y la generalización de los mejores maestros, músicos e intérpretes.

La metodología estudia los patrones y técnicas de aprendizaje individual. La técnica contribuye a la educación de una cultura musical general, amplía los horizontes de los intérpretes. La técnica se acerca más a la especialidad. Un destacado intérprete y maestro que sentó las bases para el desarrollo de la metodología soviética fue Rozanov. Su trabajo Fundamentos de la enseñanza de instrumentos de viento Moscú 1935 fue el primer trabajo puesto sobre una base científica.

En su obra, formuló los principios que se convirtieron en los principales de la escuela metódica de los instrumentos de viento:

1. El desarrollo de habilidades técnicas en los estudiantes debe ir de la mano con el desarrollo artístico.
2. En el proceso de trabajo del alumno sobre una pieza musical, es necesario lograr su asimilación consciente y así será más fuerte.
3. La configuración correcta debe basarse en el conocimiento de la anatomía y fisiología de los órganos involucrados durante el juego.

Las preguntas principales de la metodología formulada por Rozanov fueron desarrolladas por los profesores Platonov, Usov, Pushechnikov, Dokshitser, G. Warwit.

La presencia de una base teórica sólida nos permite elevar la enseñanza de tocar varios instrumentos musicales a un nuevo nivel cualitativo.

Fundamentos psicofisiológicos del proceso interpretativo en instrumentos de viento.

La interpretación musical es un proceso creativo activo basado en la compleja actividad psicofisiológica de un músico.

Deberías conocer esta redacción como nuestro padre. Subraya esta frase directamente. Un jugador en cualquier instrumento debe coordinar las acciones de una serie de componentes:

• visión,
• audiencia,
• memoria,
• sentimiento motor,
• representaciones estéticas musicales,
• esfuerzo volitivo.

Este también es un punto muy importante. Es esta variedad de acciones psicofisiológicas realizadas por el músico en el proceso de tocar lo que determina la complejidad de la técnica de interpretación musical.

La vía adicional de la justificación científica del proceso de interpretación musical estaba relacionada con el estudio de la fisiología de las partes superiores del sistema nervioso central. Las enseñanzas del gran fisiólogo académico ruso I.P. Pavlov sobre la actividad nerviosa superior, sobre la conexión inseparable de todos los procesos de la vida, la enseñanza sobre la corteza cerebral como base material de la actividad mental ayudaron a los músicos avanzados a cambiar el enfoque para fundamentar la técnica de interpretación.

Los educadores y los artistas se han interesado más profundamente en cómo funciona el cerebro durante el juego. Comenzaron a prestar más atención a la asimilación consciente de metas y objetivos. Los principios básicos de la corteza cerebral son la actividad humana coordinada se lleva a cabo a través de procesos nerviosos complejos y sutiles que ocurren continuamente en los centros corticales del cerebro. Estos procesos se basan en la formación de un reflejo condicionado.

La actividad nerviosa superior consta de dos procesos muy importantes y fisiológicamente equivalentes:

1. excitación que subyace a la formación de reflejos condicionados;
2. la inhibición interna, que proporciona el análisis de los fenómenos;

Ambos procesos están en constante y compleja interacción. Influyéndose mutuamente unos a otros y regulando en última instancia toda la vida humana.

El proceso de tocar un instrumento musical como uno de los tipos de actividad laboral humana.

No olvides que trabajas, este es tu trabajo.

Estudiar en una escuela de música es como trabajar. Esta es toda una serie de funciones coordinadas complejas: (visual, auditiva, motora, volitiva) llevadas a cabo sobre la base de reflejos condicionados del segundo sistema de señalización del cerebro.

Tratemos de imaginar cómo sucede esto prácticamente en el proceso de tocar el instrumento.

Al mirar los signos musicales, el intérprete primero experimenta irritación en el área visual de la corteza (es decir, el cerebro). Como resultado, las señales primarias se transforman instantáneamente en una representación visual del texto musical. A través del pensamiento, el músico determina la posición de las notas en el pentagrama, la duración de los sonidos, su volumen, etc. La percepción visual del sonido por parte del jugador suele estar asociada a representaciones auditivas. La excitación de los centros visuales que se extienden captura el área auditiva de la corteza, lo que ayuda al músico no solo a ver el sonido, sino también a escuchar, es decir, a sentir su altura, volumen, timbre y similares. Las representaciones auditivas que han surgido en el interior evocan inmediatamente en el músico los correspondientes movimientos interpretativos necesarios para reproducir estos sonidos en el instrumento. Los impulsos motores se transmiten al aparato de ejecución: labios, lengua, respiración, movimiento de los dedos, audición. Y debido a la inhibición interna, provocan los movimientos necesarios: labios, lengua, dedos.

Así se lleva a cabo el sistema de propulsión, a raíz del cual nace el sonido.

Las vibraciones sonoras, a su vez, provocan la irritación del nervio auditivo que, debido a la posibilidad de establecer conexiones fisiológicas de retroalimentación, se transmite a la cola auditiva de la corteza y asegura la percepción adecuada de los sonidos interpretados, es decir. análisis auditivo. Por lo tanto, el proceso de formación del sonido en los instrumentos de viento se puede imaginar como varios eslabones interconectados de una sola cadena.

Signo musical - idea de sonido - sistema musculoesquelético - movimiento de ejecución - sonido real - análisis auditivo. En el curso de esta compleja relación refleja condicionada, el lugar central lo ocupan las sensaciones auditivas y las ideas del jugador.

Estos son los fundamentos psicofisiológicos de la extracción del sonido aplicados a la ejecución de cualquier instrumento musical, sin embargo, la interpretación con instrumentos de viento aún tiene una serie de características específicas.

Fundamentos acústicos de la formación del sonido en instrumentos de viento

A diferencia de los instrumentos de teclado, arco y percusión, donde los cuerpos sólidos actúan como vibrador (para cuerdas - cuerdas, placas especiales, piel para percusión) todos los instrumentos de viento pertenecen a instrumentos con un cuerpo sonoro gaseoso.

El motivo de la aparición del sonido aquí son las fluctuaciones de la columna de aire causada por las acciones especiales de los patógenos. Los detalles de la formación de sonido en los instrumentos de viento dependen del dispositivo de los instrumentos. La acústica musical moderna divide todos los instrumentos de viento en tres grupos:

• primer grupo label de la palabra latinalaba (labio) también se les llama silbidos (todos los tipos de tubos, flautas, algunos tubos de órgano pertenecen),
• segundo grupo caña, caña o lingual de la palabra latina lengua (idioma) (todos los tipos de clarinetes, todos los tipos de oboes, fagotes, todos los tipos de saxofones y trompas bajas),
• tercer grupo con una boquilla en forma de embudo se les suele llamar cobre(todo tipo de cornetas, trompetas, trompas, trombones, tubas, trompas, fanfarrias).

¿Cómo se forma el sonido?

En la flauta, que es un instrumento con un excitador gaseoso, el sonido se forma como resultado de la fricción de la corriente de aire exhalada contra el borde afilado del orificio de ladio ubicado en la cabeza de la flauta. En este caso, la velocidad del chorro de aire cambia periódicamente, lo que provoca la aparición de vibraciones de sonido en el canal de la flauta. Todos los instrumentos de lengüeta pertenecientes a instrumentos con un excitador sólido forman sonidos con la ayuda de vibraciones de placas de lengüeta especiales (lengüetas). El proceso oscilatorio de estas herramientas está regulado por las acciones de dos fuerzas que interactúan: movimiento de traslación de la corriente de aire exhalado y la fuerza elástica de la caña.

La corriente de aire exhalada dobla la parte delgada de la caña hacia afuera, y la fuerza de su elasticidad hace que la placa de caña regrese a su posición original. Estos movimientos de la lengüeta (reed) proporcionan una entrada espasmódica intermitente de aire en el canal del instrumento, donde se produce una oscilación recíproca de la columna de aire, por lo tanto, nace el sonido.

Aún mayor originalidad es la aparición del sonido en los instrumentos de viento con una boquilla en forma de embudo. Aquí, el papel de un excitador de sonido oscilante sólido es jugado por las áreas centrales de los labios cubiertas por la boquilla.

Tan pronto como la corriente de aire exhalado entra en la estrecha fisura labial, inmediatamente hace que los labios vibren. Estas fluctuaciones, que cambian el tamaño de la abertura de la fisura labial, crean un movimiento espasmódico periódico de aire hacia la boquilla del instrumento. El resultado de esto es la sucesiva condensación o rarefacción del aire en el canal del instrumento, lo que asegura la aparición del sonido.

Habiendo considerado los fundamentos acústicos de la formación del sonido, encontramos un fenómeno común: en todos los casos, la causa de la formación del sonido es la oscilación periódica de la columna de aire contenida en el instrumento causada por los movimientos específicos de varios dispositivos y excitadores de sonido.

Al mismo tiempo, los movimientos oscilatorios del chorro de aire, las placas de lengüeta o los labios solo son posibles si los diversos componentes del aparato de interpretación están coordinados.

El desarrollo de las habilidades musicales en el proceso de formación de un músico profesional

A pesar de que las habilidades mentales y el desarrollo físico de los estudiantes son aproximadamente iguales, tenemos diferentes resultados de su aprendizaje. El análisis de estos fenómenos indica que en la preparación del ejecutante, el principio intuitivo, es decir, la presencia de habilidades naturales, se vuelve decisivo. V. M. Teplov en su obra "Psicología de las habilidades musicales" literatura musical 1947 demuestra la posibilidad de desarrollar todas las habilidades musicales sobre la base de inclinaciones innatas. No puede haber habilidades que no se desarrollen en el proceso de educación y formación.

¿A qué nos referimos cuando hablamos de habilidad musical o inclinaciones musicales?

En primer lugar, nos referimos a la musicalidad. Esta acertada definición la hizo Alekseev en su método para aprender a tocar el piano. "Una persona musical debe llamarse una persona que siente la belleza y la expresividad de la música, es capaz de percibir un cierto contenido artístico en los sonidos de una obra, y si es un intérprete, entonces reproduce este contenido". La musicalidad se desarrolla en el proceso de un trabajo correcto y bien pensado, durante el cual el maestro revela de manera clara y completa el contenido de las obras estudiadas, ilustrando sus explicaciones con una exhibición en un instrumento o una grabación.

El complejo del concepto de musicalidad incluye una serie de componentes necesarios, a saber:

1. oído para la música,
2. memoria musical,
3. sentimiento rítmico musical.

oído para la música

oído para la música es un fenómeno complejo que incluye conceptos tales como:

• tono (entonación),
• melódico (modal),
• armónico,
• oído interno.

Cada uno de estos aspectos del oído musical es de gran importancia en el entrenamiento y en la práctica interpretativa. Es absolutamente necesario que el ejecutante tenga un oído relativo bien desarrollado, que le permita distinguir la proporción de sonidos en tono tomados simultáneamente o secuencialmente.

Esta cualidad es extremadamente importante para un músico orquestal. En la orquesta se valora un ejecutante que escucha bien a su grupo, participa activamente en él sin perturbar al conjunto. La capacidad de escuchar sonidos imaginarios, escribirlos en un papel y operar con ellos se llama audición interna. El oído musical se desarrolla en el curso de la actividad de un músico. Es necesario asegurarse de que todo el trabajo con el instrumento se realice con un control incansable de la audición.

La falta de estudiantes que no controlan su instrumento tocando de oído. Esta es la principal desventaja del trabajo independiente de los estudiantes. Un docente en la especialidad debe cuidar constantemente el desarrollo de todos los componentes del oído musical y, sobre todo, del oído melódico interno.

Desarrollo de la audición interna.

Además de las lecciones de solfeo y de hacer los deberes en esta materia, un profesor de la especialidad requiere la interpretación de memoria de pasajes musicales previamente familiares o recién escuchados ( recogiendo de oído), la transposición de melodías familiares a otras tonalidades, la improvisación, así como la composición musical si hay suficientes datos para ello.

Es útil enseñar a los estudiantes a analizar su propio desempeño o el de otros, evaluándolos críticamente. Por eso tienes que ir a conciertos no solo de tu especialidad: coro, orquesta de cámara, viento, variedades, conjuntos, solistas, violinistas.

Para desarrollar un oído melódico es necesario trabajar sistemáticamente una cantilena (pieza lenta). La cantilena (pieza lenta) también desarrolla resistencia porque hay una gran carga en los labios, respiras mucho. Mejorando el oído armónico, es útil analizar la textura de la obra musical que se estudia, para tocar más en conjunto, en orquesta. Textura es una palabra latina en sentido figurado de un dispositivo, la estructura de un tejido musical.

Un oído musical bien desarrollado es la condición más importante para el desarrollo de la memoria musical.

memoria musical- este es un concepto sintético que incluye auditivo, visual, motor, lógico. La memoria musical también se presta al desarrollo. Es importante que un músico haya desarrollado al menos tres tipos de memoria:

• el primer auditorio que sirve como base para un trabajo exitoso en cualquier campo del arte musical,
• el segundo es lógico, relacionado con la comprensión del contenido de la obra y las leyes del desarrollo del pensamiento musical,
• el tercer tipo de motor es extremadamente importante para los intérpretes instrumentales.

Para muchos, la memoria visual juega un papel importante en el proceso de memorización. Cuando trabaje en el desarrollo de la memoria del estudiante, recuerde: el sistema de memorización de la música es muy importante, el alumno debe tener en cuenta que la música fluye en el tiempo, en la creación de una obra como un todo es posible, siempre que se mantengan en la memoria sus partes. Como resultado del desempeño frecuente, la memorización puede ser intencional. La memorización también puede ser intencional cuando se memorizan específicamente pasajes individuales y luego toda la obra como un todo.

Aquí es necesario conocer la forma de la obra, su estructura armónica. Al aprender, es importante ser consciente de la similitud, la repetición de partes individuales de la forma musical, y la atención se fija en lo que distingue a estas partes y lo que las une. La memorización intencional implica: memoria visual, motora y auditiva interna más compleja. Comprobación de la corrección del trabajo musical aprendido: grabación de la música memorizada sin utilizar un instrumento (notas), transposición de la melodía a una tonalidad diferente y la posibilidad de empezar a tocar desde cualquier lugar. La capacidad de iniciar actuaciones desde cualquier lugar atestigua el conocimiento profundo y completo del intérprete de la música de la obra.

Medios expresivos cuando se ejecuta en instrumentos de viento.

Por lo general, los siguientes conceptos se refieren a los medios expresivos de un ejecutante de instrumentos de viento: sonido, timbre, entonación, trazos, vibrato, ritmo, métrica, tempo, agogía, articulación, fraseo, dinámica, matiz.

agógicos- Esta es una ligera desviación del ritmo. Los vocalistas y los intérpretes de instrumentos de viento se refieren aquí de la misma manera: realizar la respiración. Los pianistas incluyen: pedalear, tocar.

Touché es una forma específica de actuar. Los largueros incluyen: trazos, vibrato, digitación, técnica de dedos.

Intérpretes de instrumentos de viento Estos fondos también incluyen: técnica de labios, lengua, doble staccato, frulyato, glissando. Aunque el doble staccato es una técnica. Y frulyato y glissando ya pertenecen a los trazos. Todo esto sugiere que no existe un enfoque único, claro y distinto para definir los conceptos de medios escénicos o medios expresivos.

Los medios escénicos y los medios expresivos son dos caras de un mismo proceso creativo. Clasificamos como rendimiento todo lo que está relacionado con el lado tecnológico del rendimiento. El lado tecnológico es el estado del instrumento, boquilla, lengüeta; montaje del cuerpo, cabeza, manos, embocadura; realizar técnica de respiración, técnica de lenguaje (ataque duro, suave, auxiliar); la articulación es la pronunciación de vocales, consonantes durante el juego; técnica de dedos (fluidez, claridad, consistencia); conocimiento de digitación (básico, auxiliar, adicional).

Los medios expresivos incluyen todo lo que es el resultado artístico del uso de los medios interpretativos enumerados. Una de las herramientas de interpretación más importantes es el sonido. La expresividad del sonido como medio de encarnación interpretativa de la melodía determina más completamente la fuerza del impacto emocional de la música.

El jugador debe dominar un sonido hermoso, es decir, hacer que el sonido del instrumento sea claro, jugoso y dinámicamente diverso.

Al mismo tiempo, la naturaleza del sonido debe estar indisolublemente ligada al contenido de la música que se está interpretando. Para la expresividad del sonido, la pureza de la entonación es de particular importancia. Cuanto más fino y mejor desarrollado esté el oído del músico, menos errores cometerá al entonar durante el juego. La habilidad técnica es una importante herramienta de interpretación.

Las habilidades técnicas de un instrumentista de viento se componen de varios elementos: respiración bien desarrollada, elasticidad y movilidad de los labios, movilidad de la lengua, velocidad y coordinación del movimiento de los dedos. Cada uno de los instrumentos de viento tiene sus propios conceptos especiales de los elementos más complejos de la técnica interpretativa.

Para un grupo de instrumentos de viento madera, la técnica del movimiento de los dedos es muy compleja. Que para el grupo del cobre es la posesión de la técnica del trabajo de labios. De excepcional importancia es el fraseo musical, que caracteriza la capacidad del intérprete para determinar correctamente la estructura de una obra musical (motivos, frases, oraciones, períodos), establecer y ejecutar correctamente las cesuras, identificar y encarnar los clímax, transmitir correctamente las características estilísticas del género de música. El fraseo musical, que refleja el aliento vivo del pensamiento musical, es un medio para expresar el contenido artístico de una obra.

Un componente importante del fraseo musical es la dinámica.

El uso hábil de tonos dinámicos al tocar anima significativamente la interpretación musical, la priva de monotonía y monotonía. Cuando se tocan instrumentos de viento, se suelen utilizar dos tipos de dinámicas: la primera es la dinámica escalonada o terratnaya, que incluye un aumento o disminución gradual del sonido ( ppp, pp, mp, mf, f, ff ), el segundo tipo de dinámica se llama dinámica de contraste, que consiste en una fuerte oposición a la fuerza del sonido (piano - fuerte sostenido). Es importante señalar que los tonos dinámicos no son absolutos, sino relativos (forte para algunos y mezzo forte para otros), por lo que el músico tiene derecho a complementar o ampliar estos tonos.

Un elemento muy esencial del fraseo musical es agonía- este es un pequeño cambio notable en la velocidad del movimiento (desviación del ritmo). Los tonos agógicos, hábilmente aplicados, revelan la naturaleza creativa de la interpretación musical. El matiz agógico más complejo y difícil es el arte de tocar rubato (interpretación rítmicamente libre).

El fraseo musical está íntimamente relacionado con el uso de los trazos. Los trazos ayudan a potenciar la expresividad de la interpretación. Una variedad de herramientas de interpretación se puede dividir en tres grupos principales:

• primero medios relacionados con la calidad del sonido (timbre, entonación, vibración),
• segundo un grupo de medios de orden técnico (fluidez de dedos, técnica de respiración, técnica de lengua),
• tercera un grupo de medios de expresión musical general (fraseo musical, dinámica, agógica, trazos, digitación).

Tal división es condicional, ya que existe una relación orgánica muy estrecha entre los medios interpretativos en la música. Sin embargo, un sonido expresivo sirve como indicador de cierta habilidad técnica.

fraseo musical- esta es la posesión simultánea de habilidades tanto de sonido como técnicas. Un rasgo característico de todos los medios de interpretación de un músico no es solo su estrecha relación, sino también su completa subordinación a los objetivos artísticos, las tareas artísticas.

Aparatos de interpretación y técnica de extracción de sonido en instrumentos de viento.

Analizando la tecnología de extracción de sonido en instrumentos de viento, podemos establecer que está compuesta por:

1. representaciones visoauditivas: primero ves una nota, escuchaste internamente esta nota;
2. interpretación de la respiración: después de comprender qué es esta nota y dónde suena aproximadamente (en tu cabeza), respiras. Este es el aliento de rendimiento.
3. trabajo especial de los músculos de los labios y la cara: necesitas poner los labios y los músculos para poder tomar esta nota
4. movimientos específicos de la lengua: es decir, qué lengua es dura, blanda o doble;
5. movimiento coordinado de los dedos: qué tipo de digitación, etc.
6. análisis auditivo continuo: estos son todos los momentos hasta el último, todos están sujetos a análisis auditivo (continuo)

Estos componentes están inextricablemente unidos entre sí por una actividad neuromuscular compleja y constituyen el aparato de interpretación del músico.

Habrá una pregunta: ¿Cuáles son los componentes de la tecnología de extracción de sonido? Estos son los componentes de 6 piezas que tendrás que nombrar.

El más importante es el aparato labial. La pregunta será: ¿Qué es una boquilla? Todas estas formulaciones deben ser conocidas como nuestro padre.

aparato labial- este es un sistema de músculos de la membrana mucosa labial y facial, de los labios y la boca, glándulas salivales. La combinación de estos elementos se denomina aparato labial. El aparato labial a veces se llama de manera diferente embocadura.

El concepto de embocadura se utiliza en relación con todos los instrumentos de viento, pero se interpreta de diferentes maneras: unos creen que se refiere a la boca o boquilla, otros que se refiere a la fisura labial.

Según la edición de Moscú de 1966 del diccionario musical enciclopédico, la palabra embocadura francés y tiene dos conceptos:

• la primera forma de doblar los labios y la lengua al tocar instrumentos de viento. Así, es posible determinar con precisión esta posición, el grado de elasticidad de los músculos labiales y faciales del ejecutante, su entrenamiento, resistencia, fuerza, flexibilidad y movilidad cuando toca se denomina embocadura.
• Y la segunda definición en este diccionario es: es lo mismo que una boquilla.

El entrenamiento sistemático para el ejecutante es de suma importancia. El desarrollo del aparato labial debe realizarse en dos planos. El primer plano: este es el desarrollo de los músculos labiales, es decir, el desarrollo de la fuerza, la resistencia de los músculos labiales, faciales. Después de haber desarrollado la belleza del sonido aparece, su propio timbre peculiar, calidad de entonación del sonido. Para este propósito, debe tocar notas completas en una respiración completa durante 20-30 minutos.

Realización de la respiración. Su esencia. Sentido. y metodos de desarrollo

La técnica de respiración de un ejecutante de instrumentos de viento es, ante todo, una técnica de dominio del sonido que incluye toda la variedad de timbres, dinámicas, golpes y articulaciones. Si la respiración está bien configurada por el sonido, uno puede juzgar de inmediato que una persona tiene un timbre, una dinámica y una articulación. La cultura del sonar implica la presencia de una determinada escuela de respiración.

Si el lenguaje juega un papel decisivo en el origen del sonido, entonces en la conducción del sonido pertenece a la corriente de aire exhalada por el ejecutante en el instrumento. La naturaleza del chorro de aire es corregida, además de los músculos respiratorios, por los músculos labiales, los músculos de la lengua. Y todos ellos juntos están controlados por el oído. Convencionalmente, la interpretación de la respiración se puede comparar con el arco de un violinista.

Realizar la respiración es un medio expresivo activo en el arsenal de un jugador de viento.

La respiración profesional de un intérprete de instrumentos de viento está determinada principalmente por el control consciente y decidido de los músculos respiratorios, que funcionan completamente durante la inhalación y la exhalación. Los músculos están involucrados en el mecanismo respiratorio. inhalación y exhalación. La técnica de respiración del ejecutante depende del uso hábil de estos músculos antagonistas.

Los músculos inspiratorios incluyen: diafragma e intercostales externos.

Los músculos espiratorios incluyen: músculos abdominales e intercostales internos.

El ejecutante debe aprender a controlar la inhalación y exhalación activa a través del desarrollo y entrenamiento de los músculos respiratorios. La exhalación en interacción con los labios, la lengua y los dedos juega un papel principal en la formación del sonido, en su conducta y en varios tipos de su manifestación en la tecnología.

Una exhalación bien ubicada no solo afecta la calidad del sonido y las capacidades técnicas versátiles, sino que también abre un amplio campo para la actividad de otros componentes del aparato de interpretación: labios, lengua, dedos. Las dos fases de la respiración (inhalación y exhalación) se pueden usar de diferentes maneras en el proceso de interpretación.

En la respiración fisiológica natural de una persona, la inhalación es un acto activo en el que los pulmones se expanden, las costillas se elevan, la cúpula del diafragma desciende. La exhalación, por el contrario, es un acto pasivo: la cavidad pulmonar, el tórax y el diafragma vuelven a su posición original. Durante la respiración fisiológica, el ciclo continúa: inhalar, exhalar, pausar. La respiración profesional está sujeta a la conciencia del ejecutante e implica una inhalación y una exhalación activas. Inhalar - corto, exhalar - largo (largo).

La exhalación de calidad también depende de la inhalación correcta y completa.

La inhalación profesional del cuerno debe ser corto lleno y ruidoso. Tiene una serie de diferencias específicas de la respiración fisiológica humana normal.

• Primero, requiere el uso máximo de la capacidad pulmonar (3500-4000 mililitros de aire). Con respiración fisiológica, el volumen es de 500 mililitros.
• En segundo lugar, durante la respiración profesional, aumenta la carga sobre los músculos respiratorios. Es muchas veces mayor que con un soplo vital tranquilo.
• En tercer lugar, durante la respiración normal normal, la inhalación y la exhalación son aproximadamente iguales en el tiempo, es decir, la respiración rítmica.

Una persona en estado de calma realiza de 16 a 18 ciclos respiratorios en un minuto. El horno reduce el número de respiraciones a 3, 8 por minuto. En condiciones naturales, una persona respira por la nariz. Al tocar instrumentos de viento principalmente con la boca con poca ayuda de la nariz. Esto asegura la plenitud de la inspiración y su silencio.

La respiración cuando se tocan instrumentos de viento debe tomarse por las comisuras de la boca con poca ayuda de la nariz. La inhalación por la boca le permite reponer de forma rápida y silenciosa los pulmones con aire. Al inhalar, los músculos externos e intercostales del tórax y el diafragma están involucrados. Por lo tanto, el llenado uniforme de los pulmones con aire y la expansión en todas las direcciones del tórax depende del desarrollo, fuerza y ​​actividad de estos músculos.

En cuanto al diafragma, este músculo es uno de los más fuertes de nuestro cuerpo. Junto con la respiración, realiza 18 oscilaciones por minuto mientras se desplaza 4 centímetros hacia arriba y 4 centímetros hacia abajo. El diafragma hace un gran trabajo. Como una bomba de presión perfecta, el diafragma, con toda su impresionante área, desciende al inspirar, comprimiendo el hígado, el bazo y los intestinos, animando la circulación abdominal.

Al inhalar, los pulmones deben llenarse de aire de abajo hacia arriba, como un recipiente con agua en el que el líquido desde el principio cubre el fondo y, apoyándose en él, llena el recipiente hasta la parte superior. Por lo tanto, se forma una llamada columna de aire en los pulmones, que descansa en la parte inferior de los pulmones, en su base, es decir, en el diafragma.

Habrá una pregunta: ¿Cuál es la diferencia entre la respiración humana y la interpretación?

Dirás que la respiración de un ejecutante de instrumentos de viento no es rítmica, y la segunda opción es que la respiración está estancada. La respiración operada es la respiración ajustada correcta del trompetista.

Desventajas típicas de la puesta en escena para músicos novatos

Si imaginamos el proceso de aprendizaje de un músico en forma de un edificio que se construye gradualmente, entonces la producción desempeñará el papel de una fundación. La puesta en escena adecuada sirve como base sobre la cual se basa el desarrollo de las habilidades interpretativas del músico.

La práctica de enseñar a músicos jóvenes y principiantes muestra que se debe prestar atención a la puesta en escena desde los primeros pasos. Las deficiencias más típicas de los músicos principiantes están relacionadas con la posición incorrecta del instrumento, manos, dedos y cabeza.

Para los flautistas, lo más característico es la posición inclinada del instrumento en lugar de la necesaria recta, que es consecuencia de la bajada de la mano derecha. Para corregir esta deficiencia, el profesor debe asegurarse de que el alumno mantenga el codo de la mano derecha ligeramente levantado durante el juego. En este caso, ambas manos estarán al mismo nivel horizontal y la flauta quedará plana.

Los oboístas principiantes a menudo sostienen el instrumento demasiado alto, lo que se debe en parte a su excesiva inclinación hacia abajo. Corregir tal deficiencia no es difícil: solo necesita controlar la posición correcta de la cabeza y las manos, que no deben levantarse mucho.

El clarinetista suele desplazar el instrumento algo hacia un lado, y más a la derecha que a la izquierda, o le da al instrumento una posición vertical incorrecta (lo sujeta demasiado cerca del cuerpo) o, por el contrario, lo eleva. en exceso. Tales desviaciones de la norma (si no se deben a ninguna característica individual del músico) no deberían ocurrir porque esto deja una cierta huella en el carácter del sonido. Se sabe por la práctica que cuando el clarinete se inclina hacia abajo, el sonido se vuelve líquido y sordo, y cuando se eleva excesivamente hacia arriba, se vuelve más áspero.

Para los trompetistas, la posición incorrecta del instrumento es la siguiente: presionan con las falanges de los dedos, pero es necesario presionar con las yemas de los dedos; al tocar la corneta, el anillo sujeta el tubo. Al jugar, no es necesario sujetar el anillo. El anillo se mantiene solo cuando se giran notas o cuando necesita insertar un silenciador. Los trompetistas principiantes a menudo sujetan la campana del instrumento de forma incorrecta: la bajan demasiado o, por el contrario, la suben demasiado. No es raro que los trombonistas coloquen el instrumento en una posición incorrecta al mantener presionado el deslizador.

Las desventajas de la configuración asociadas con la posición de los dedos en el instrumento pueden ser muy diferentes:

Los músicos de viento de madera a menudo tienen los dedos levantados cuando tocan, innecesariamente movidos hacia un lado, además, se encuentran sobre el instrumento no en una curva redondeada, sino en una posición puramente recta, lo que provoca su tensión excesiva. Una posición incorrecta de la cabeza se manifiesta en el hecho de que algunos músicos bajan la cabeza mientras tocan, como resultado de lo cual la barbilla también cae, provocando una tensión adicional en los músculos del cuello y la barbilla.

Tal posición inclinada de la cabeza se puede encontrar entre los intérpretes de varios instrumentos de viento, pero ocurre con mayor frecuencia: trompetistas, oboístas, clarinetistas, trompetistas. La inclinación de la cabeza hacia un lado (hacia la derecha) es especialmente común entre los flautistas para quienes se ha convertido en una tradición y una mala costumbre.

Con el comienzo del aprendizaje del instrumento, es necesario monitorear sin descanso la corrección de las técnicas de puesta en escena del jugador. Al mismo tiempo, es necesario asegurarse de que el estudiante no solo conozca ciertos métodos de ajuste racional, sino que también comprenda la conveniencia de su aplicación práctica.

Es posible debilitar el control sobre la puesta en escena cuando las técnicas de puesta en escena correctas se convierten en habilidades consolidadas y aprendidas con precisión para los estudiantes.

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transcripción

1 Esquema de la lección abierta de la maestra Gorobtsova Galina Vyacheslavovna en la clase de piano. La lección se llevó a cabo con Georgy Gorobtsov, un estudiante de tercer grado del Departamento de Estética General. Se utilizó un programa de adaptación variable sobre el tema "Especial Piano". Todas las secciones que se aplican en la lección ayudan a resolver las tareas principales. Tema de la lección: "Formación de habilidades para leer notas de una hoja". El propósito de la lección: Desarrollo de horizontes musicales, activación del pensamiento, audición, coordinación al leer música de una partitura. Tareas: educativas: dominio por parte del estudiante de conocimientos teóricos y habilidades prácticas; desarrollo Tipo de ocupación: - desarrollo de gráficos musicales; - desarrollo de la coordinación; - desarrollo de un ojo musical; - desarrollo de habilidades rítmicas; - organización metrorítmica de la interpretación; - Adquisición de habilidades de control auditivo. Lección de consolidación y sistematización de conocimientos y habilidades. Métodos y tecnologías de enseñanza: - visuales; - verbal; - práctico; - emocionalmente cognitivo; - métodos de generalización; - tecnologías de juego; - Tecnologías salvadoras de la salud. Material didáctico: - instrumento musical; - material musical; - material didáctico; - material didáctico.

2 Plan de lección I. Etapa organizacional. a) saludo, estado de ánimo psicológico del estudiante; b) el mensaje del tema de la lección y sus tareas. II. Parte principal. 1. Dominio del alfabeto musical 2. Ejercicios para el desarrollo de la coordinación 3. Dominio de la notación musical 4. Ejercicios rítmicos 5. Desarrollo de la habilidad de "mirar-oír" hacia adelante 6. Formación de la habilidad de memorizar rápidamente el texto "fotografiando" 7. Realización de música en conjunto III. Parte final Resumen (evaluación de la eficacia de la lección). Tareas para el hogar. Curso de la lección II. Parte principal La formación de habilidades para leer música de una partitura está asociada con la solución consistente de una amplia gama de tareas prácticas y pedagógicas. Con la lectura a primera vista regular, los horizontes musicales del estudiante se expanden, se desarrolla su oído para la música, se desarrolla el pensamiento, la tarea de organizar el aparato pianístico se vuelve más fácil, se desarrolla una orientación rápida en el teclado, se desarrollan habilidades motoras complejas, la base para la práctica y ejecución del acompañante. en un conjunto se forma. ¿Dónde comienza la formación de habilidades de lectura de partituras? Del conocimiento del alfabeto musical. Utilizo tres círculos del alfabeto musical en mi trabajo: - el primer círculo son siete secuencias de notas dispuestas en orden, donde cada una de las siete notas puede ser la primera. Pronunciamos el primer círculo del alfabeto musical a partir de los sonidos dados. -el segundo círculo del alfabeto musical son las secuencias "terts", donde cada una de las notas también puede ser la primera. Pronunciamos el segundo círculo del alfabeto musical a partir de los sonidos dados. - Hoy nos familiarizaremos con el tercer círculo del alfabeto musical, estas son secuencias de "cuartos". Pregunta al alumno: dime, ¿qué es un “cuarto”? Respuesta: Un cuarto es un intervalo con un ancho de cuatro pasos. - Ahora tocarás y nombrarás las notas, recorriendo este intervalo desde la tecla “a” de la primera octava hasta llegar a la tecla “a” de la cuarta octava. Y luego, retrocederá en orden inverso, continuando nombrando cada tecla tocada. El alumno toca y pronuncia el tercer círculo del alfabeto musical. - Tengo una tarjeta en la que están escritas todas las opciones para la tercera ronda, en casa seguirás estudiándola. Las acciones relacionadas con la motricidad son el eslabón más elemental en la formación de la lectura de partituras. La formación de tal orientación, el desarrollo de la representación visual del teclado del piano, comienza en el proceso de estudio de escalas y ejercicios. Aprendemos la escala con una técnica non legato de una octava, y luego tocamos con diferentes golpes, sin mirar las manos. Lo mejor es elegir una escala usando teclas negras como: D, A, E, B mayor, y luego menor: C, G, D. Son las teclas negras las que servirán como una guía confiable para los dedos privados del apoyo de la visión.

3 Se invita al estudiante a tocar cualquiera de las escalas nombradas con trazos non legato y staccato. Al mismo tiempo, tratamos de concentrar toda su atención en el sonido y la articulación. Desde las primeras lecciones se desarrolla la gráfica musical con el estudio de dos claves a la vez, numerando cada línea tanto en la clave de sol como en la de fa con los números 1,2,3,4 y 5. La línea adicional de la nota “a” de la primera octava recibió el número cero. Contrariamente a la tradición, las líneas de clave de fa se cuentan de arriba hacia abajo. - Encuentra y toca la clave que está escrita en la cuarta línea de la clave de sol; en la primera línea de la clave de fa; línea cero con la mano derecha, entre la quinta y la cuarta en la clave de fa con la mano izquierda al mismo tiempo. - Y ahora toque la tecla fa de la segunda octava y diga en qué regla está escrito; tecla mi de una octava pequeña y nombre su ubicación en el pentagrama. Tocar según las notas presenta nuevas dificultades para el niño. Es aconsejable reducir al mínimo el abanico de problemas. Tocar en la etapa inicial con un dedo le permite concentrarse en la correcta extracción del sonido, las piezas no deben ser complicadas, el niño debe jugar, mirando las notas. - Ahora tocaremos el ejercicio Pathfinder (de la guía de estudio "To Music with Joy" de O. Getalova e I. Vizna). Y si en las lecciones pasadas "seguiste el camino" ya sea en el violín o en la clave de fa , entonces hoy haremos ejercicios usando dos teclas al mismo tiempo. Pregunta: ¿En qué nota comenzarás el juego? Respuesta: de nota a. - Tu tarea es mirar las notas, para determinar dónde y cómo se mueve la melodía: en saltos, movimiento paso a paso hacia arriba o hacia abajo. Se sabe que las habilidades metrorítmicas se desarrollan en los niños mucho más rápido y más fácilmente que las habilidades de tono, por lo que algunos maestros no prestan suficiente atención a la educación metrorítmica. Para facilitar que los estudiantes naveguen en ritmo, no se crearon dificultades rítmicas al leer notas de una hoja, es recomendable utilizar ejercicios rítmicos especiales, aislar y calcular por separado las proporciones de varias figuras rítmicas. En la etapa inicial del entrenamiento, dos figuras rítmicas son suficientes (la mitad y dos cuartos, o un cuarto y dos octavos). Pregunta: si yo camino en cuartos y tú caminas en octavos, ¿cuántas veces más rápido debes moverte? Respuesta: dos veces. - Vamos a caminar tú en octavos, y yo en cuartos. - Y ahora cambiemos, yo soy el octavo, y tú eres el cuarto. Pregunta: en la última lección, tú y yo cantamos la canción “Nuestro gatito” con letra. ¿Cuáles son las duraciones aquí?

4 Respuesta: cuarto y medio. - ¿Has notado que las palabras te ayudan a sentir el patrón rítmico de esta canción? Marca el ritmo pronunciando sílabas rítmicas. - Y ahora analicemos la canción popular rusa "Karavai". P: ¿Cuál es el tamaño de la canción? Respuesta: 4/4 Pregunta: mira atentamente el primer compás, ¿qué puedes decir al respecto? Respuesta: tiene dos tiempos en lugar de cuatro, lo que significa que es un sobretiempo. P: ¿Recuerdas lo que es un backbeat?

5 Respuesta: En la obra, la medida una vez vivió, La primera medida fue, Pero le sucedió una desgracia, Se partió en dos partes. El latido de este comienzo, Detrás de toda la obra se puso de pie. Y el final de la misma medida Subió al principio, se convirtió en la introducción. Por tanto, ahora la cuenta se lleva en ella al revés. - Yo tocaré el acompañamiento, y tú le pegas al ritmo de la melodía: Es recomendable comenzar directamente con la lectura de obras de vista al inicio del entrenamiento con una tarea más fácil de lectura de la melodía (jugar con palmas, voz, etc.). También es posible utilizar ejercicios especiales: el profesor toca una pieza y el alumno dice las notas en voz alta:

6 El profesor comienza a tocar la frase, el alumno la continúa, nombrando las notas en voz alta, pero manteniendo la continuidad del movimiento. Por lo tanto, se desarrolla la capacidad de seguir cuidadosamente las notas y "ver y escuchar" por delante. Entre los ejercicios que desarrollan la habilidad de percepción acelerada del texto, el llamado fotografiar juega un papel importante. Al estudiante se le muestra un fragmento de texto (motivo, frase, oración), que debe recordar, mentalmente presente en sonido y juego. En el momento de la ejecución, el alumno lee y memoriza el siguiente fragmento. Primer fragmento: Segundo fragmento: Es muy útil utilizar formas de hacer música en conjunto en todas las etapas de la formación. Tal juego introduce al estudiante a sonidos relativamente complejos que son inaccesibles para él en la interpretación en solitario, disciplina la voluntad, entrena la atención, ayuda a sentir el movimiento rítmico de la música. - Ahora tú y yo leeremos a primera vista un conjunto llamado "Toy Bear". Trata de mirar hacia adelante, escucha atentamente la segunda parte, sigue el desarrollo rítmico de la pieza.

7III. La parte final La formación de la habilidad de análisis rápido y lectura de textos musicales está estrechamente interconectada con el desarrollo musical y pianístico general del niño. Los mejores resultados de la habilidad de lectura a primera vista se logran cuando esta habilidad se forma desde los primeros pasos de la formación del pianista. La experiencia muestra que incluso los estudiantes débiles, jugando sistemáticamente desde una hoja, avanzan mucho más rápido y con más confianza. Desarrollan un interés en tocar el instrumento. El maestro debe usar todas las oportunidades disponibles para inculcar en su alumno el amor por la lectura a primera vista y la creación musical independiente. Pregunta: ¿Qué aprendiste en la lección de hoy? Respuesta: el tercer círculo del alfabeto musical, se familiarizó con nuevas canciones. Tarea para repetir el primero, segundo y aprender el tercer círculo del abecedario musical, tocar escalas y leer de vista. Evaluación del trabajo realizado por el estudiante: ¿se ha logrado el objetivo de la lección (dominar las habilidades de lectura de una hoja?) ¿Ha comenzado a comprender mejor cómo trabajar en casa?

Manusova Elena Alexandrovna profesora de disciplinas teóricas Institución presupuestaria municipal de educación adicional escuela de arte infantil 12 Ulyanovsk RESUMEN DE UNA LECCIÓN DE SOLFEGIO SOBRE EL TEMA

CURRÍCULO TEMÁTICO 2 CLASE I. Tareas generales: Inculcar en los niños el amor e interés por la música Acumulación de impresiones musicales y educación del gusto musical y artístico Identificación y desarrollo integral

1 1. RESULTADOS PREVISTOS DEL DOMINIO DE LA ASIGNATURA "SOLFEGIO"

1 Nota explicativa La educación musical como una faceta de la estética prevé el desarrollo sistemático y decidido de las habilidades musicales de los niños, la formación de la capacidad de respuesta emocional

Krenholm School of Music Técnicas para desarrollar la habilidad de lectura a primera vista en clases de piano Vera Aliyeva, profesora de piano Narva, 2015 Habilidad de lectura a primera vista Hay dos tipos principales de interpretación

Nota explicativa El programa de desarrollo general educativo general adicional "Baby at the Piano" se compila de acuerdo con: Ley Federal del 29 de diciembre de 2012 273-FZ "Sobre la educación en la Federación Rusa";

Sinopsis de una lección abierta sobre el tema: "Formación de habilidades de lectura a primera vista en la clase de piano" (primer año de estudio) Completado por: Anfimova Veronika Yuryevna, profesora de piano p. Borovoye, 2016

INSTITUCIÓN PRESUPUESTARIA MUNICIPAL DE EDUCACIÓN ADICIONAL "ESCUELA DE ARTE INFANTIL RURAL MSTERSKAYA" MBUDO "Escuela de arte infantil rural Msterskaya" Plan de una lección abierta Tema: Donotny período de estudio. formas de trabajo

INSTITUCIÓN EDUCATIVA AUTÓNOMA MUNICIPAL DE CULTURA DE EDUCACIÓN ADICIONAL “ESCUELA DE MÚSICA PARA NIÑOS 11 NOMBRADA EN LUGAR M.A. BALAKIREV" Programa de desarrollo general adicional "Preparación para el entrenamiento

Tarea 1 1) Contesta las preguntas oralmente: - ¿Cuántos pasos hay en la escala menor? ¿Qué paso está debajo del primero? - ¿Entre qué pasos de la menor se encuentran los semitonos? - Donde en la escala van dos inestables seguidos

Zarubina I. A. Piano para principiantes Ayuda didáctica 2015 Lección - introducción Hay un mundo hermoso, no simple Todavía desconocido para ti Solo abres un poco la puerta Escucha la música en ti mismo Vamos

Institución educativa presupuestaria municipal de cultura de educación adicional de niños Escuela de arte infantil 8 llamada así por n.a. Kapishnikov del distrito municipal de Tashtagol Desarrollo metodológico "DESARROLLO

Programa de desarrollo general educativo general adicional "FLAUTA" Enfoque del programa: artístico Nivel del programa: introductorio Período de implementación del programa: 1 año Número de horas: 104

Ministerio de Cultura de la Región de Moscú MOUDOD "Escuela de Música para Niños", Dubna "Acordado" "Aceptado" por el Consejo Pedagógico Actas L de "/3" y 20O&g "Aprobado" OUDOD d msh.) Experimental

La estructura del programa de la asignatura I. Nota explicativa. Características de la asignatura, su lugar y papel en el proceso educativo. 2. El plazo para la realización de la materia. 3. Forma de tenencia

Sobre la formación de la habilidad de leer notas de una hoja Profesor de la Escuela de Artes para Niños Tliap A.K. 2017-2018 1. Introducción 2. Condiciones necesarias para la formación de la habilidad de tocar a partir de una partitura 3. La etapa inicial de adquisición de la habilidad de leer música

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Rodygina Elena Ivanovna profesora de clase de piano Institución educativa presupuestaria municipal de educación adicional para niños "Escuela de arte infantil 1" Autónoma de Uray Khanty-Mansiysk

Trimestre Número de horas Fecha Institución educativa presupuestaria estatal de San Petersburgo de educación adicional para niños "Escuela de música para niños de San Petersburgo 24"

Anotación al programa de desarrollo general educativo general adicional de educación general básica de orientación sociopedagógica "Formación musical individual" para estudiantes en los grados 5-7

LECCIÓN ABIERTA maestra Maleeva E.V. con estudiantes de la clase preparatoria sobre el tema: "El uso de formas de juego en el estudio de duraciones en lecciones de solfeo" Nota explicativa. esta abierto

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REGLAS DEL SOLFEGIO. 1 CLASE. 1. Sonido y nota 2. Registro 3. Nombres de los sonidos, octavas 4. Ubicación de las notas en el pentagrama 5. Clave de sol 6. Duración de los sonidos 7. Mayor y menor. Tónica 8. Clave 9. Gamma

Programa educativo sobre el tema "Solfeggio" Este programa se centra en el programa del maestro metodólogo T.A. Kaluga en solfeo, compilado en 1984 con un período de entrenamiento de 5 años. Volumen

MAU DO "Escuela de Artes para Niños" distrito de Motovilikhinsky de Perm "Desarrollo de la estabilidad rítmica entre los jóvenes músicos de acordeón" Informe metodológico Compilado por: profesor de educación adicional

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1 1. Nota explicativa Tradicionalmente, el solfeo es una parte obligatoria de la educación musical y se considera una de las materias principales de la educación y formación musical. Este artículo representa

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Aprender a leer partituras en acordeón a botones (Recomendaciones metodológicas) Introducción La mejor manera de aprender a leer rápidamente es leer tanto como sea posible. I.Hoffman. Hace cien años, la lectura a primera vista era la norma en casa.

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Plan de estudios (1er año de estudio) n / n Título de la sección, tema Número de horas Formularios de certificación / control Total Teoría Práctica 1. Lección introductoria 1 1 0 encuesta 2. Familiarización con la herramienta 3. Elemental

Una característica de la organización del proceso educativo del primer año de estudio es que la capacitación se lleva a cabo sobre el tema "Pop Vocal". Esta asignatura está dirigida al estudio de los fundamentos prácticos de la vocalización.

Sección: Alfabeto musical o donde viven las notas (5 horas) Tema: Familiarización con el teclado del piano: aprendizaje de los registros del piano. La ubicación de las notas de la primera octava en el pentagrama y el teclado. Actividades:

Programa Solfeggio (período de estudio de 5 años) Grado 1. 2 Habilidades vocales y de entonación. Posición correcta del cuerpo. Respiración tranquila y sin estrés. Inhalación simultánea antes de cantar. Trabajando

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Plan de estudios Nombre de las materias y materias Estructura y volumen del programa educativo Clases presenciales (en horas) Clases grupales Clases individuales Distribución por años

Ivashov Anatoly Ivanovich 1 maestro de MBUDO "Escuela de Artes para Niños", Solikamsk. FORMAR LAS HABILIDADES DE LEER NOTAS DE LA PÁGINA EN EL BAYAN Uno de los temas centrales de la técnica del acordeón a botones es el desarrollo de

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Agencia Federal para la Cultura y la Cinematografía

Conservatorio Estatal de Saratov llamado así por

Departamento de Piano Especial

programa de trabajo

"MÉTODO DE ENSEÑANZA DEL JUEGO

EN EL INSTRUMENTO"

Especialidad 070101

"Interpretación instrumental" (piano)

Sarátov, 2006

El programa está diseñado de acuerdo con

El programa de trabajo se desarrolla sobre la base de un programa estándar,

aprobado por el Ministerio de Cultura de la URSS, 1977.

Compilado por:

Profesor del Departamento de Piano Especial en el Conservatorio Estatal de Saratov. , Doctorado en Historia de las Artes,

Revisores:

, Candidato a Historia del Arte, Profesor

, Candidato a Ciencias Pedagógicas, Profesor Asociado

Nota explicativa

Metas y objetivos del curso.

Metas del curso universitario, los métodos de enseñanza para tocar el piano en las condiciones modernas consisten en educar a un generalista capacitado para dirigir una clase especial en una escuela de música (colegio, liceo), clases de piano para vocalistas e instrumentistas, clases de concertino y de cámara, metodología , práctica pedagógica, para la enseñanza del piano en escuelas de música e instituciones culturales y educativas. Este curso está diseñado para dotar a los estudiantes de los conocimientos, destrezas y habilidades necesarias para esta labor, formar un sistema integral de puntos de vista sobre el proceso musical y pedagógico, promover el desarrollo del interés por la labor pedagógica, la necesidad de considerarla desde el punto de vista de los requisitos modernos para figuras culturales avanzadas.

El curso de metodología se conecta sucesivamente con otras disciplinas del ciclo pedagógico cursado en la universidad y el colegio y, sin duplicarlas, resuelve los problemas de teoría y práctica de la enseñanza en relación con la enseñanza del piano en un nivel superior. Al leer el curso, la experiencia adquirida por los estudiantes en una clase especial se generaliza y sistematiza, y su conocimiento en el campo de la historia y la teoría de la interpretación y la pedagogía, obtenido en el curso de la historia del arte del piano, continúa profundizándose. Se presta especial atención a lograr una unidad orgánica entre el curso de metodología y la práctica pedagógica de los estudiantes.

La pedagogía musical es un área compleja de la cultura moderna, donde la co-creación, cooperación profesor y alumnos. Las formas y métodos propuestos para organizar el proceso educativo se centran en identificar la posición independiente de los estudiantes. Se enfatiza la efectividad de las formas móviles de contacto entre un docente y los estudiantes, que crean un campo potencial para la manifestación y desarrollo de las cualidades personales de los estudiantes. Los seminarios se construyen utilizando elementos de situaciones de juego, incluidas entrevistas preliminares, discusiones de discusión, resumen de control. El sistema de preguntas del test cumple el mismo propósito, permitiendo conocer la necesidad y suficiencia de los conocimientos adquiridos por los estudiantes en el proceso de aprendizaje. La información teórica obtenida se proyecta sobre una composición específica o sobre el proceso de lecciones individuales de los pianistas. La atención de los estudiantes se dirige al hecho de que deben aprender a operar con términos y conceptos modernos, introducirlos en la práctica del trabajo escénico y pedagógico.

Un medio efectivo para aumentar el contenido del proceso educativo es la saturación del curso de lectura de la metodología. elementos problemático, situaciones problema construidas sobre la contradicción, es decir, sobre el estudio de la “contradicción en la esencia misma de los objetos”. Esto tiene en cuenta el hecho de que los estudiantes no deben enfrentarse a un problema irresoluble. Es importante encontrar la manera de resolver la contradicción entre el conocimiento y la ignorancia, entre la experiencia individual del estudiante, que puede ser limitada, y la teoría, que es un concentrado general de conocimiento probado por la práctica, entre el conocimiento ordinario y el científico. Como resultado, el pensamiento del estudiante participa activamente en el trabajo, se le exige que piense y razone con la ayuda del conocimiento existente para llegar a un nuevo conocimiento basado en la generalización del material ya conocido. Como resultado, los estudiantes desarrollan la capacidad de ver los problemas de forma independiente en la teoría y la práctica, para estar lo suficientemente preparados para resolverlos.

Casi cualquier tema del curso de metodología se puede presentar en oposición a varias posiciones teóricas y puntos de vista, en el choque de opiniones alternativas de destacados músicos y profesores. Esta forma de presentación del material anima a los estudiantes a buscar la solución óptima, aumenta su actividad individual en la determinación de la respuesta. En este caso, los jóvenes especialistas se forman por la forma misma de presentar la información, la riqueza y la ambigüedad del material en consideración. El futuro maestro no debe seguir sin pensar el camino estándar y estereotipado, que puede conducir a una situación de "callejón sin salida". El factor decisivo en la pedagogía musical es individual aspecto entrenamiento en habilidades profesionales. Esta declaración no significa un rechazo a los principios generales del arte pedagógico, sino que destaca un perfil personal, un enfoque personal para el desarrollo de los estudiantes. Las actitudes pedagógicas generalmente aceptadas y positivamente comprobadas deben refractarse a través del prisma de la individualidad, la disimilitud de los diferentes alumnos.

Este curso presenta una prioridad estilo aspecto en la educación musical de los alumnos. Aquí se actualiza la posición sobre la significación determinante de la actividad interpretativa, que puede influir fructíferamente en la eficacia del futuro trabajo pedagógico de un egresado de una universidad de música. Con la comprensión de las pautas estilísticas y la orientación estilística del arte musical, las posibilidades de comprender y descifrar los métodos compositivos del desarrollo musical, la motivación y el razonamiento en el uso de medios expresivos de interpretación cambian cualitativamente.

Prestando atención al proceso pedagógico de educar a los jóvenes músicos, se destacan los problemas de comprensión y reproducción del estilo del autor, el trabajo con el texto del autor, la interpretación de la lectura de la notación musical, el análisis comparativo de las ediciones y las interpretaciones para que los estudiantes puedan trabajar deliberadamente en el desarrollo. de habilidades profesionales, mientras mejoran su "educación de estilo" y nivel musical general. En algunos casos, los estudiantes dotados con intuición artística sienten las peculiaridades del estilo del autor en un nivel mental subconsciente. Por regla general, estos son pianistas que tienen una amplia erudición musical, que conocen bien la música de un determinado autor, que han "retocado" un número suficiente de sus composiciones. Pero tal propiedad de la percepción de la música en vivo por parte de un estudiante es rara. Por el contrario, más a menudo hay un malentendido cuando el intérprete piensa que toca todo lo que está escrito en el texto, cumple con el tempo, la dinámica, las prescripciones articulatorias del autor o (más a menudo) del editor y no entiende lo que cuestiona. puede tener sobre el estilo del compositor o la ejecución. El curso de metodología está diseñado para superar este malentendido y superar la inercia dependiente del pensamiento de los jóvenes músicos.

Recientemente, en la literatura especializada, Rviejo intuitivo comienzo en las artes escénicas y la enseñanza. De hecho, el aspecto personal en cualquier tipo de actividad creativa está predestinado. Entendiendo que, por un lado, el poder especial del impacto de la habilidad pedagógica radica en la singularidad del proceso, cuando a los presentes en la clase les parece que la obra “cobra vida” ante sus ojos sin ningún “efecto científico” especial. ” esfuerzos, sería un error pensar que la erudición artística por sí sola, la emotividad, la intuición y el temperamento son suficientes para transmitir el significado significativo de una obra musical. Es necesario no solo tener un conocimiento serio y profundo en diversas áreas de la creatividad artística, sino también dominar ciertos métodos, el sistema de educación y crianza, que permite resolver de manera óptima los problemas que surgen en el proceso de ejecución o creatividad pedagógica.

El arte musical, por su emotividad directa e incluso irracionalidad, no permite aplicarse a sí mismo equivalentes verbales estrictos. Como acertadamente se ha señalado, “la música es precisamente ese “caso puro” que está enteramente diseñado, en primer lugar, para intuitivo comprensión” y “aquellos que se comunican con la música desarrollan un “órgano” especial que no solo responde adecuadamente a diversas características del sonido, no solo es capaz de decodificar su lenguaje, sino que también puede entender lo que dice, aunque esta comprensión se desarrolla sobre la base de operando no conceptual elementos» . En este caso, la intuición se forma en el campo del pensamiento artístico e imaginativo del músico, se alimenta de representaciones auditivas, que consisten en la memoria de interpretaciones memorables tradicionales e inusuales y el volumen total del conocimiento musical, se basa en los resultados de uno. propias búsquedas creativas, y se enriquece con impresiones emocionales y psicofisiológicas.

Al trabajar en una pieza musical, el maestro se comunica con el alumno, estando en un contexto cultural e histórico completamente diferente en relación con el autor de la composición. Están orientados a un sistema de valores diferente, tienen una educación artística y musical general diferente. Una obra creada por el autor en una época, pero interpretada en otro tiempo, es percibida por un músico moderno en un halo asociativo diferente. En las lecciones sobre la metodología, es poco apropiado hablar sobre la identidad o la adecuación de las posiciones del compositor y de la interpretación en el sentido de la imagen artística de una composición musical. El objetivo del curso es preparar y orientar a los futuros docentes en la solución de un doble problema: trasladar las coordenadas del estilo del autor y formar el estilo individual del pianista moderno.

Análisis y convirtiéndose nuevo ejecutando tradiciones esta es también la tarea del curso de metodología, y por lo tanto del maestro moderno. Trabajando en la mejora de las competencias profesionales de sus alumnos, el docente dirige y corrige este proceso. En cierto sentido, amplía los límites de comprensión del texto del autor, muestra su versatilidad, revela cada vez más nuevos significados de su existencia en el mundo moderno. Una de las tareas cardinales de la clase de piano es que los jóvenes músicos deben traer al texto del autor las características del contexto figurativo y semántico de la cultura moderna y la originalidad individual de la forma misma de interpretación. Como resultado, una composición musical creada en un pasado lejano o cercano se vuelve comprensible para el oyente moderno, enriquecida con una nueva capa de información, dotándose de una genuina inmortalidad artística.

El camino hacia la comprensión más profunda de una composición musical pasa por recurrir a todo lo valioso que se ha acumulado en la historia de la comprensión de la música: a los textos y ediciones, a las diversas lecturas interpretativas - "ediciones sonoras". El predominio de un punto de vista para crear una interpretación propia o cuando se trabaja con un alumno en la clase de piano es improductivo. Actitud negativa indeseable y demasiado crítica hacia el deseo individual de músicos destacados de reflejar su propia comprensión de los problemas del trabajo pianístico de varios compositores. Existe una necesidad real de complementar el trabajo con el conocimiento de las tradiciones culturales generales y escénicas de diferentes épocas históricas ("ediciones verbales").

adquirir las habilidades de discusión colectiva de lecciones abiertas;

aprenda a trabajar con literatura especial, resumen, elabore un esquema del plan, elabore la documentación necesaria;

Formas y tipos de clases.

El curso de metodología se lleva a cabo en forma de conferencias y seminarios. Los primeros de ellos están dedicados principalmente a la consideración de problemas teóricos de la enseñanza, el segundo, a su estudio práctico y solución en el proceso de aprendizaje. Las lecciones abiertas y los debates se utilizan como formas activas de aprendizaje. Tipos de clases independientes: análisis del repertorio, resúmenes de literatura científica y metodológica, redacción de documentación de varios tipos, incluidos planes de repertorio según el nivel de desarrollo de los estudiantes, "modelado" del proceso de clases, elaboración de un plan general, creando tus propias ediciones, asistiendo a clases de profesores del departamento de piano especial

Organización de la actual, intermedia y final

control del conocimiento.

durante un año cada estudiante está obligado a escribir un trabajo final, en el que los conocimientos teóricos deben combinarse orgánicamente con su propia experiencia escénica y pedagógica. Como temas para los resúmenes, se pueden recomendar los siguientes: análisis analítico y revisión de la literatura pedagógica del piano, trabajos metodológicos, escuelas y medios de enseñanza; análisis interpretativo y metodológico de una obra musical; registros de lecciones en la clase en la especialidad con comentarios metodológicos y generalizaciones. Para determinar la fuerza del conocimiento de los estudiantes, consolidar las habilidades educativas y metodológicas, probar la capacidad de trabajar de forma independiente con la literatura educativa, se llevan a cabo seminarios sobre temas relevantes. La duración de los seminarios está determinada por el currículo temático. A petición del profesor o alumno, el resumen del curso puede presentarse en forma de informe y leerse en uno de los seminarios.

Al finalizar el primer semestre, lección de control, donde el profesor da una valoración “preliminar” basada en la actividad o pasividad del trabajo de los alumnos durante los seis meses, que sirve de guía e incentivo para el trabajo posterior de los alumnos.

Resultados el trabajo anual de los estudiantes se resume en el examen. Los estudiantes responden en un boleto de examen, que incluye dos preguntas. El primero está dedicado al problema teórico del curso, el segundo, al tema relacionado con el desarrollo práctico del repertorio pedagógico y la literatura metodológica. Al contestar la segunda pregunta, el estudiante debe hacer un análisis interpretativo y metodológico de una de las obras del repertorio pedagógico de la escuela de música, escuela de música o universidad, ilustrando lo dicho interpretando fragmentos de la composición o la obra completa.

A la hora de derivar la nota final se tiene en cuenta la calidad del trabajo y el grado de actividad de los alumnos en el aula durante el curso.

La estructura del plan temático de la disciplina académica.

nombrenova sección pesca y temas	alumno	El número de horas de clase para tiempo completo forma de educacion	autosuficiencia alumno
		Seminarios		Grupo. Lecciones	Bueno. trabajar
Metodología aprendizaje piano

ESQUEMA TEMÁTICO DEL CURSO

en orden	Nombre de los temas	Número de horas
	Seminarios	Trabajo independiente de los estudiantes.
	Introducción: técnica pianística, historia y etapas de desarrollo: las principales tendencias de la pedagogía musical moderna
	Habilidad musical: general, musical y especial (pianista): propiedades psicológicas de la personalidad, necesarias para la actividad pianística
	Los problemas más importantes del trabajo. profesora de pianista en infantil escuela de música: primeras lecciones: dificultades y características del trabajo con principiantes: organización de los movimientos del juego: y sus principios de puesta en escena
	"Técnica pianística individual basada en voluntad creadora de sonido" (complejo de prodigio)
	Lecciones abiertas: con un pianista novato, estudiantes de las clases junior y senior de la escuela de música
	Planificación del proceso de aprendizaje, elaboración de planes individuales, características: política de repertorio como componente importante habilidades pedagógicas: enseñando y organizando tarea del estudiante
	Trabaja en el musical trabajar
	lectura de rendimiento
	Técnica pianística: pensamiento artistico y forma motriz del pianista
	Clasificación de tipos de equipos: escalas, arpegios, octavas, acordes, tremolo y trinos, saltos: trabajo tecnico diario pianista
	Discusión: la técnica del ejercicio como proceso de trabajo en el logro de las habilidades escénicas
	E. Timakin "Trabajo en tecnología" E. Lieberman "Trabajo en tecnología"
	Elementos formadores habilidades de desempeño en el proceso de trabajar en una pieza musical: trabajo sonoro; ornamentación
	Digitación
	Lección de control sobre el material tratado
	Pedal: significado y variedades; estilos y pedales
	ritmo, métrica, tempo, polirritmia, agógicos, ritmos complejos: grandes dificultades rítmicas y errores, formas de eliminar

Asociación Banda de Música Infantil. G.Chertoka

Conjunto de trompetas

"Armónico"

Abrir plan de lección

profesor Doshlov Mijaíl Rudolfovich

(Grupo 3, 4 años de estudio)

Tema: Trabaja en obras de teatro.

Objetivo: Trabajo sobre texto musical, trazos y dinámicas.

Tareas:

YO.Tareas educativas:

1. Estudiar la forma y naturaleza de la obra.
2. Estudia el fraseo en la obra, respirando frases.
3. El uso del sonido puro en el conjunto.
4. Explore los trazos y los matices dinámicos de una pieza musical.

Yo. Tareas de desarrollo:

1. Favorecer el desarrollo del interés cognitivo por la materia.
2. Aprende a analizar, comparar, explicar conceptos.
3. Promover el desarrollo de la memoria.
4. Ayudar a desarrollar la independencia.

tercero. Tareas educativas:

1. Inculcar en los estudiantes el respeto por los mayores, los docentes y sus compañeros.

2. Fortalecer rasgos de personalidad tales como: perseverancia, diligencia, autodisciplina.

Equipo metodológico de la lección:

• clase de orquesta;
• instrumentos musicales,
• material musical;
• tablero de madera
• diapasón, sintonizador

Métodos de enseñanza:

Verbal, práctica, ilustración, situación problema.

Tipo de lección: aplicación compleja de conocimientos y habilidades.

Progreso de la lección:

1. Momento organizativo:

Saludos;

Verificar la preparación de los estudiantes para la lección;

Comunicar el plan de lección a los estudiantes.

2. Aprender material nuevo:

Enarmonismo en la música

3. Consolidación del material cubierto:

La capacidad de entonar como parte de un conjunto.

Capacidad para jugar a un ritmo determinado.

Habilidad para realizar trazos y dinámicas en una obra.

4. Trabajo práctico.

Inicio de sonido simultáneo

Respiración por frase

Desarrollo de matices dinámicos en ciencia sólida.

1. Trabaja en el sistema musical.

Construyendo un acorde

El concepto de consonancia y disonancia.

Lograr una entonación precisa al interpretar una pieza musical

Cambio en la tensión de los labios y la respiración, que sube y baja parcialmente el sonido

1. Fizkultminutka.

1. Trabajar en una pieza musical: O. Langle "Duet" parte 1

Mensaje introductorio del profesor sobre la pieza musical.

análisis de juegos

Análisis de patrones rítmicos

Coherencia de actuación (conjunto)

Ejecución conjunta de una obra

ocho . Resumiendo la lección:

Mensaje del maestro sobre el logro de los objetivos de la lección;

Evaluación objetiva de los resultados del trabajo colectivo e individual de los estudiantes;

9. Reunión informativa sobre la tarea.

Literatura para prepararse para la lección:

• "Escuela de Tocar para Banda de Música". Compilado por: N.M.Mikhailov, E.S.Aksenov, V.M.Khalilov, S.A.Surovtsev, D.A. Braslavsky.
• B. Dikov "Sobre el trabajo en escalas" Métodos de enseñanza para tocar los instrumentos de viento. Música 1966
• V. Popov “Vientos. Sobre la entonación (y no sólo) en la orquesta.
• Dikov B. Métodos de enseñanza para tocar instrumentos de viento. M.: Música, 1973
• Levin S. Instrumentos de viento en la historia de la cultura musical. L.: Música, 1973
• Usov Yu Historia de la interpretación doméstica en instrumentos de viento. M.: Música, 1986