Ilustración de jinete de bronce. Descripción y análisis de ilustraciones A

"El académico Alexander Benois es el mejor esteta, un artista maravilloso, una persona encantadora". AV. Lunacharski

la fama mundial Alejandro Nikoláyevich Benois adquirió como decoradora y directora de ballets rusos en París, pero esto es solo una parte de la actividad de una naturaleza adicta y en constante búsqueda, que tenía un encanto irresistible y la capacidad de iluminar a otros con sus cuellos. Historiador de arte, crítico de arte, editor de las dos revistas de arte más importantes "World of Art" y "Apollo", jefe del departamento de pintura del Hermitage y, finalmente, solo pintor.

Él mismo Benois Alejandro Nikoláyevich escribió a su hijo desde París en 1953 que "... la única obra digna de sobrevivir a mí... probablemente será" un libro de varios volúmenes " A. Benois recuerda", porque "esta historia sobre Shurenka es al mismo tiempo bastante detallada sobre toda una cultura".

En sus memorias, Benois se llama a sí mismo "el producto de una familia de artistas". De hecho, su padre Nicolás Benois fue un arquitecto famoso, el abuelo materno A.K. Kavos: arquitecto no menos importante, creador de los teatros de San Petersburgo. hermano mayor A.N. Benois-Albert es un acuarelista popular. Con no menos éxito, se puede decir que fue un "producto" de una familia internacional. Del lado del padre, un francés, del lado de la madre, un italiano, más precisamente un veneciano. Su parentesco con Venecia, la ciudad de la hermosa corrupción de las otrora poderosas musas, Alejandro Nikoláyevich Benois se sintió particularmente agudo. También tenía sangre rusa. La religión católica no interfirió con la asombrosa reverencia de la familia por la Iglesia ortodoxa. Una de las impresiones más fuertes de la infancia de A. Benois es la Catedral Naval de San Nicolás (San Nicolás del Mar), una obra de la época barroca, cuya vista se abrió desde las ventanas de la casa de la familia Benois. Con todo el cosmopolitismo comprensible, Benois era el único lugar en el mundo que amaba con todo su corazón y consideraba su patria: Petersburgo. En esta creación de Pedro, que atravesó Rusia y Europa, sintió "una fuerza grande y estricta, una gran predestinación".

Esa asombrosa carga de armonía y belleza, que A. Benois recibido en la infancia, ayudó a hacer de su vida algo así como una obra de arte, sorprendente en su integridad. Esto fue especialmente evidente en su novela de la vida. En el umbral de la novena década, Benoit admite que se siente muy joven, y explica esta "curiosidad" por el hecho de que la actitud de su adorada esposa hacia él no ha cambiado con el tiempo. Y " RecuerdosÉl le dedicó la suya, Querido Ate"- Anna Karlovna Benois (de soltera Kind). Sus vidas están conectadas desde los 16 años. Atya fue el primero en compartir su entusiasmo artístico, las primeras pruebas creativas. Ella fue su musa, sensible, muy alegre, artísticamente dotada. Al no ser una belleza, le parecía irresistible a Benois con su apariencia encantadora, gracia y mente viva. Pero la serena felicidad de los hijos enamorados iba a ser puesta a prueba. Cansados ​​de la desaprobación de los familiares, se separaron, pero la sensación de vacío no los abandonó durante los años de separación. Y, finalmente, con qué alegría se reencontraron y se casaron en 1893.

La pareja Benoit tuvo tres hijos, dos hijas: Anna y Elena, y su hijo Nikolai, quien se convirtió en un digno sucesor del trabajo de su padre, un artista de teatro que trabajó mucho en Roma y en el teatro de Milán ...

A. Benois a menudo se le llama " artista de Versalles". Versalles simboliza en su obra el triunfo del arte sobre el caos del universo.
Este tema determina la originalidad del retrospectivismo histórico de Benoit, la sofisticación de su estilización. La primera serie de Versalles aparece en 1896 - 1898. Ella fue nombrada " Los últimos paseos de Luis XIV". Incluye obras tan famosas como " El rey caminó en cualquier clima», « alimentación de peces". Versalles Benoit comienza en Peterhof y Oranienbaum, donde pasó sus años de infancia.

Sin embargo, la primera impresión de Versalles, donde llegó por primera vez durante su viaje de luna de miel, fue deslumbrante. Al artista le invadió la sensación de que "ya lo experimentó una vez". En todas partes en las obras de Versalles hay una personalidad ligeramente abatida, pero aún sobresaliente, de Luis XIV, el Rey: el Sol. El sentimiento de decadencia de una cultura otrora majestuosa estaba muy en consonancia con la era de finales de siglo, cuando vivía Benoit.

En una forma más refinada, estas ideas se plasmaron en la segunda serie de Versalles de 1906, en las obras más famosas del artista: "", "", " pabellón chino», « celoso», « Fantasía sobre un tema de Versalles". Lo grandioso en ellos convive con lo curioso y exquisitamente frágil.

Finalmente, pasemos a lo más significativo que fue creado por el artista en el teatro. Se trata principalmente de una puesta en escena del ballet "" con la música de N. Cherepnin en 1909 y el ballet " Perejil con la música de I. Stravinsky en 1911.

Benois en estas producciones se mostró no solo como un artista de teatro brillante, sino también como un autor de libretos talentoso. Estos ballets, por así decirlo, personifican dos ideales que vivían en su alma. "" - la encarnación de la cultura europea, el estilo barroco, su pompa y grandeza, combinado con la sobremadurez y el marchitamiento. En el libreto, que es una adaptación libre de la célebre obra de Torquato Tasso” Jerusalén liberada”, cuenta sobre cierto joven, el vizconde Rene de Beaugency, quien, durante una cacería, se encuentra en el pabellón perdido de un viejo parque, donde es transportado milagrosamente al mundo de un tapiz vivo: los hermosos jardines de Armida. Pero el hechizo se disipa y él, habiendo visto la más alta belleza, vuelve a la realidad. Lo que queda es la extraña impresión de una vida envenenada para siempre por el anhelo mortal de una belleza extinguida, de una realidad fantástica. En esta magnífica actuación, el mundo de las pinturas retrospectivas parece cobrar vida. Benoit.

A " Petrushka Pero se encarnó el tema ruso, la búsqueda del ideal del alma del pueblo. Esta actuación sonó aún más conmovedora y nostálgica porque las cabinas y su héroe Petrushka, tan querido por Benois, ya se estaban convirtiendo en el pasado. En la obra, muñecos animados por la mala voluntad del anciano, un acto de mago: Petrushka, un personaje inanimado, dotado de todas las cualidades vivas que tiene una persona que sufre y espiritualizada; su dama Colombina es símbolo de la eterna feminidad y el "arap" es rudo e inmerecidamente triunfante. Pero el final de este drama de marionetas Benoit no ve lo mismo que en el teatro de farsa habitual.

En 1918, Benois se convirtió en director de la galería de arte del Hermitage e hizo mucho para que el museo fuera el más grande del mundo. A fines de la década de 1920, el artista abandonó Rusia y vivió en París durante casi medio siglo. Murió en 1960 a la edad de 90 años. Unos años antes de la muerte Benoit escribe a su amigo I.E. Grabar, a Rusia: “Y cómo me gustaría estar donde mis ojos se abrieron a la belleza de la vida y la naturaleza, donde probé el amor por primera vez. ¡¿Por qué no estoy en casa?! Todos recuerdan algunos pedazos del paisaje más modesto, pero tan dulce.

SPb.: Comité para la Divulgación de las Publicaciones Artísticas, 1923. 73, p.: tsv. il., 1 l. frente, (il.). Circulación 1000 ejemplares. Las copias están numeradas, la edición está impresa en papel verjurado. En una portada editorial ilustrada a dos colores. 35x27 cm El conjunto fue realizado allá por 1917 en la antigua ortografía con una fuente decorativa especial. La circulación se imprimió en la imprenta que lleva el nombre de Ivan Fedorov (la antigua imprenta de los proveedores de la Corte de Su Majestad Imperial R. Golike y A. Vilborg, una de las mejores imprentas rusas) bajo la supervisión de las más autorizadas. impresor del primer cuarto del siglo XX V.I. Anisimov. La publicación está hecha en papel hecho a mano, antes de la revolución. Filigrana - "Sello de la Academia Imperial de Pintura, Escultura y Arquitectura" con un águila bicéfala. Edición bibliófila, que se ha convertido en una obra de arte impreso y artístico.

La publicación fue diseñada por el destacado acuarelista, talentoso crítico de arte Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960), fundador e inspirador de la famosa asociación de arte "World of Art". Los contemporáneos vieron en el artista una encarnación viva del espíritu del arte. En su obra, A. Benois se inspira en la estética del romanticismo francés del siglo XVIII, la arquitectura de Versalles y el antiguo San Petersburgo. Es en él donde radica el origen de una audaz revalorización del arte del siglo XVIII, que es uno de los mayores méritos del "Mundo del Arte" y de A. Benois personalmente. De gran importancia en la formación de las ideas artísticas de A. Benois fue la pasión por el teatro y el género dramático, una de cuyas expresiones más claras fue la producción de obras de A.S. Pushkin. La primera edición de las ilustraciones de El jinete de bronce se creó en 1903 en Roma y San Petersburgo. "La ilustración de la corona de Petersburgo", "el libro más notable del Comité", publicaciones, esto fue concebido por el Círculo de Amantes de las Ediciones Finas Rusas: ¡en 1903 por orden! Presidente del Círculo V.A. Vereshchagin A.N. Benois hizo 33 dibujos en tinta negra, pero fueron rechazados por "decadente". Las ilustraciones fueron adquiridas por S.P. Diaghilev y los publicó junto con el poema en la revista World of Art! (1904. Núm. 1). Los dibujos de Benoit "causaron un gran revuelo y fueron reconocidos por todos los conocedores del libro como una obra gráfica ideal". En 1905, el artista, mientras estaba en Versalles, reelaboró ​​seis de sus ilustraciones anteriores y completó el frontispicio de El jinete de bronce, para una edición publicada en 1912 por la Sociedad de Alfabetización de San Petersburgo, y luego en 1916, para la Comunidad de San Petersburgo. Eugenia. En 1916, 1921-1922, el ciclo fue revisado por tercera vez y complementado con nuevos dibujos, y ya en esta forma definitiva vio la luz. En el año de la publicación del libro, han pasado 20 años desde el inicio de los trabajos de este ciclo. En 1917, el libro fue mecanografiado en la imprenta de R.R. Golik y la IA Vilborg, pero esta empresa fue nacionalizada y el libro se publicó solo en 1923, bajo la marca del Comité para la Promoción de Publicaciones Artísticas.

Fue impreso en la Imprenta del Estado. Ivan Fedorov bajo la supervisión de su director V.I. Anisimov y con la asistencia de la sucursal de Petrogrado de la Editorial Estatal. El libro incluye 37 dibujos de Benois: un frontispicio, 29 ilustraciones a toda página (acompañaban cada página del texto en el pliego), 6 intros y finales en blanco y negro, y una viñeta argumental en la portada. Todos ellos, a excepción del famoso frontispicio, realizado para la primera edición del ciclo de 1905, fueron creados de nuevo. Usando lo mejor de los dibujos anteriores, Benoit los volvió a trabajar, aumentando el tamaño y delineando cada uno con una línea de contorno. Ejecutados en tinta y acuarela, los dibujos imitaban xilografías coloreadas. En el libro, todas las imágenes en color se reproducen por fotocromolitografía, negro - por zincografía, viñeta en la portada - por fototipia. En un esfuerzo por crear una armonía compositiva de dibujo y texto, el artista pensó cuidadosamente en el diseño del libro. Dibujos de diferentes tamaños, formas y proporciones, los dispuso horizontal o verticalmente, dando cada vez a la tirada una variedad visual.

Y aunque la opinión de la crítica no fue unánime, la mayoría sí coincidió en que “las ilustraciones de El jinete de bronce complementaron tanto la obra de Pushkin que la gráfica y la historia de San Petersburgo eran un todo inseparable y actualmente son impensables la una sin la otra”. " El texto de El jinete de bronce se imprimió por primera vez en la versión definitiva del poeta, sin distorsiones de la censura y según la grafía antigua (a partir de un juego realizado allá por 1917, para el que la editorial tuvo que obtener un permiso especial). La fuente de la publicación está estilizada como la fuente de la época de Pushkin, lo que completó el sentimiento de unidad orgánica de todos los elementos de la publicación y formó su estética única. El artículo introductorio de la publicación fue escrito por el famoso pushkinista P.E. Shchegolev. Al final del libro se colocó "Información sobre las ilustraciones para el Jinete de Bronce", que reseña brevemente la historia de la creación de esta serie gráfica. La edición se publicó con portada ilustrada y sobrecubierta. El título, el apellido del autor en la portada, la portada y los semitítulos, los textos del interior del libro fueron mecanografiados en tipografía tipográfica, estilizada como la tipología de la época de Pushkin. Como parte de la circulación se emitieron ejemplares nominales y numerados.

La mayor parte de la edición se imprimió en papel amarillento, el resto, en papel blanco con una marca de agua que representa un águila bicéfala, con una inscripción alrededor: “Impresión de Imi. Academia pintura, escultura y arquitectura. La edición se vendió bastante cara: 15 rublos cada una. La trascendencia de las ilustraciones de Benoit para El jinete de bronce está lejos de agotarse en su calidad puramente gráfica. El artista ha invertido en este trabajo y en su experiencia de vida. Es la "modernidad" de las ilustraciones de Benois lo que no es menos significativo en esta publicación que el sentido del estilo inherente del artista, la comprensión de la era Pushkin y la capacidad de teatralizar hábilmente la acción. En los dibujos de Benois, las imágenes del "Cuento de Petersburgo" de Pushkin están coloreadas por las reflexiones y experiencias de un hombre de principios del siglo XX, lo que convierte al "Jinete de Bronce" del KPI en una publicación históricamente significativa. La publicación de El jinete de bronce con ilustraciones de A. Benois marcó un hito en la historia de la edición y la gráfica de libros.

ILUSTRACIONES
Benois Alexander Nikoláyevich. Un juego de postales con ilustraciones del artista para el poema de A.S. Pushkin "El jinete de bronce" (Edición "Artista soviético". Moscú. 1966)

1916 ilustración

En la orilla de las olas del desierto
Se puso de pie, lleno de grandes pensamientos,
Y miró a lo lejos. Amplio ante él
El río corría...

1903 ilustración

Han pasado cien años, y la ciudad joven,
Belleza y maravilla de los países de medianoche,
De la oscuridad de los bosques, del pantano blat
Ascendió magníficamente, con orgullo;
Donde antes el pescador finlandés,
El triste hijastro de la naturaleza,
Solo por las costas bajas
Arrojado a aguas desconocidas
Tu vieja red, ahora ahí
A lo largo de las costas ocupadas
La multitud de masas delgadas
Palacios y torres; buques
Multitud de todos los rincones de la tierra
Se esfuerzan por puertos deportivos ricos;
El Neva está vestido de granito;
Los puentes colgaban sobre las aguas;
jardines de color verde oscuro
Las islas la cubrieron...

1916 ilustración

Te amo, creación de Peter,
Me encanta tu mirada estricta y esbelta,
Corriente soberana de Neva,
Su granito costero,
Tus cercas tienen un patrón de hierro fundido,
tus noches pensativas
Crepúsculo transparente, brillo sin luna,
cuando estoy en mi cuarto
escribo, leo sin lámpara,
Y las masas durmientes son claras
Calles desiertas y luz
aguja del almirantazgo,
Y, sin dejar que la oscuridad de la noche,
A cielos dorados
Un amanecer para reemplazar a otro
Date prisa, dándole media hora a la noche.

Ilustración 1903

Sobre el Petrogrado oscurecido
Noviembre respiraba frío otoñal.
Corriendo en una ola ruidosa
Al borde de su esbelta cerca,
Neva corría como un paciente
Inquieto en tu cama.
Ya era tarde y estaba oscuro;
La lluvia golpeaba furiosamente contra la ventana,
Y el viento sopló, tristemente aullando.
En el momento de la casa de huéspedes
El joven Eugene vino ...

Ilustración 1903

¡Día terrible!
Neva toda la noche
Corrió al mar contra la tormenta,
No haber superado su droga violenta...
Y ella no podía discutir...
Por la mañana sobre sus costas
Multitudes de personas abarrotadas
Admirando las salpicaduras, las montañas
Y la espuma de las aguas furiosas

Ilustración 1903

Y Petrópolis emergió como Tritón,
Sumergido en agua hasta la cintura.
¡Cerco! ¡Ataque! olas malvadas,
Como ladrones trepando por las ventanas. Chelny
Con una carrera inicial, el vidrio se rompe por la popa.
Bandejas bajo un velo húmedo,
Fragmentos de chozas, troncos, techos,
mercancía económica,
reliquias de pálida pobreza,
Puentes derribados por tormentas
Un ataúd de un cementerio borroso
¡Flota por las calles!

Ilustración 1916

Luego, en la plaza Petrova,
Donde la casa en la esquina se ha levantado nueva,
donde por encima del porche elevado
Con una pata levantada, como si estuviera vivo,
Hay dos leones guardianes.
En una bestia de mármol,
Sin sombrero, manos apretadas en cruz
Sentado inmóvil, terriblemente pálido
Evgeni….

Ilustración 1916

El agua se ha drenado, y el pavimento
Abierto, y mi Eugene
prisas, alma congelada,
En la esperanza, el miedo y el anhelo
A un río apenas tranquilo.
Pero, el triunfo de la victoria es pleno,
Las olas seguían hirviendo,
como si un fuego ardiera debajo de ellos,
Todavía su espuma cubierta,
Y Neva respiraba con dificultad,
Como un caballo que huye de una batalla.
Eugene mira: ve un barco;
Él corre hacia ella como si buscara un hallazgo;
Él llama al transportista...

Ilustración 1903

Y largo con olas tormentosas
Un remero experimentado luchó
Y esconderse en lo profundo de sus filas
Cada hora con atrevidos nadadores
El transbordador estaba listo...

Ilustración 1903

¿Qué es esto?...
Él se detuvo.
Volvió y volvió.
Mira... va... todavía mira.
Aquí está el lugar donde está su casa;
Aquí está el sauce. Había puertas aquí -
Los derribaron, ya ves. ¿Dónde está la casa?
Y, lleno de sombrío cuidado,
Todo el mundo camina, él camina...

Ilustración 1903

Pero mi pobre, pobre Eugene...
Por desgracia, su mente atribulada
Contra terribles golpes
No se resistió. Ruido Rebelde
Neva y vientos resonaron
En sus oídos. Pensamientos terribles
Silenciosamente lleno, deambuló.
... Pronto se encenderá
Se convirtió en un extraño. Caminé todo el día,
Y durmió en el muelle; comió
En la ventana archivada pieza.
la ropa le queda gastada
Se desgarró y ardió. niños malvados
Le tiraron piedras.

Ilustración 1903

Se encontró bajo los pilares
Casa Grande. En el pórtico
Con una pata levantada, como si estuviera vivo,
Había leones guardianes,
Y justo en el cielo oscuro
Por encima de la roca amurallada
Ídolo con la mano extendida
Se sentó en un caballo de bronce.
Eugenio se estremeció. aclarado
Tiene pensamientos terribles. Se enteró
Y el lugar donde jugó la inundación
donde las olas rapaces se amontonaban,
repugnante viciosamente a su alrededor,
Y los leones, y la plaza, y eso,
quien se quedo quieto
En la oscuridad con una cabeza de cobre,
Togo, cuya fatídica voluntad
La ciudad fue fundada bajo el mar...

Ilustración 1903

Alrededor del pie del ídolo
El pobre loco anduvo por ahí
Y trajo ojos salvajes
En el rostro del gobernante del semi-mundo.
Su pecho era tímido..

Ilustración 1903

y el esta vacio
Corre y escucha detrás de él -
Como si un trueno retumba -
Galopando con voz pesada
En el pavimento sacudido...
Y, iluminada por la luna pálida,
Estira tu mano hacia arriba
Detrás de él corre el Jinete de Bronce
En un caballo al galope...

Ilustración 1903

Y toda la noche el pobre loco
Dondequiera que gires tus pies
Detrás de él en todas partes está el Jinete de Bronce.
Saltó con un ruido sordo.

Ilustración 1903

Y desde entonces, cuando pasó
Ve a ese cuadrado hacia él.
Su rostro mostró
Confusión. Para tu corazón
Apresuradamente presionó su mano
Como si pacificara su tormento
Tapón Symal desgastado,
No levanté mis ojos confundidos
Y caminó hacia un lado.

En las primeras décadas del siglo XX se realizaron los dibujos de Alexander Nikolaevich Benois (1870 - 1960) para El jinete de bronce, los mejores que se crearon en toda la historia de la ilustración de Pushkin. En los dibujos de AN es esencial que el sentido del estilo del artista, la comprensión de la era Pushkin y la capacidad de teatralizar hábilmente la acción, habiendo desarrollado una serie de "puestas en escena magistralmente escenificadas".

El jinete de bronce (leído por I. Smoktunovsky)

mundo del arte

B. M. Kustodiev.

Historia

Característica

- "MUNDO DEL ARTE"

Alejandro Nikoláyevich Benois

Serie rusa (1907-1910)

"Eco del tiempo pasado" se escucha en la imagen del panorama de San Petersburgo a fines del siglo XVIII. El castillo de Mikhailovsky, aún sin terminar, aparece ante el espectador, en el que el emperador será asesinado más tarde. Mientras tanto, Pablo I, sentado sobre un caballo blanco, dirige el desfile de tropas. La predilección del rey por el ejercicio militar y la organización de ejércitos para desfiles y formaciones de aficionados que satisfacían su vanidad son ridiculizadas por el artista. La rigidez y disciplina del ambiente del desfile se dejan sentir en la gráfica y la linealidad indicada en los detalles -los pulidos pasos de la marcha con las piernas de los soldados levantadas al mando, el ritmo parejo de las verticales de armas y andamios en el antecedentes.

La solución compositiva del trabajo es interesante: Benois elimina la acción del desfile del espectador con el marco de la barrera, lo que le da al trabajo un sonido "pictórico" y no se sumerge en lo que está sucediendo. Los copos de nieve voladores traen un renacimiento y una especie de consuelo a la imagen del evento de una era pasada.

gráficos de libros

El artista entró en la historia de los gráficos de libros rusos con su libro "El alfabeto en las imágenes de Alexander Benois" (1905) e ilustraciones para "La dama de picas" de A. S. Pushkin, interpretadas en dos versiones (1899, 1910), así como como maravillosas ilustraciones para "El jinete de bronce", a cuyas tres variantes dedicó casi veinte años de trabajo (1903-22).

ABC en imágenes (1905)

Junto con los trabajos anteriores de Polenova, Malyutin y Bilibin, The ABC in Pictures se puede ubicar en los orígenes de una nueva variedad de gráficos rusos: la historia de las publicaciones ilustradas para niños comienza desde aquí.

Tanto en "Toys" como en "ABC" el sistema de ilustraciones trama-figurativo está desprovisto de edificación: su base debe buscarse en el campo lírico, en las memorias del artista sobre su propia infancia, sobre juegos infantiles, alegrías, vacaciones. Estas son memorias gráficas originales - no en vano, Benois es aquí al mismo tiempo el autor de la idea general, el texto y los dibujos. Por otro lado, debe señalarse como una tendencia generalmente característica de Benois (se manifestará con particular fuerza más adelante en sus obras teatrales) el deseo de combinar varias funciones creativas en nombre de la integridad estética de la obra. Prestemos atención a las tradiciones que utiliza el autor. Deben buscarse no en los gráficos de Europa occidental, como podría parecer, si cree en la leyenda sobre la orientación "pro-occidental" del maestro, sino en el arte popular ruso, en juguetes populares y grabados populares, en el representaciones del teatro de feria y del teatro de marionetas Petrushki. El lenguaje gráfico del libro ruso moderno, tal como lo imagina el artista, debe ser, ante todo, nacional.

Teatro

Hoy en día, los bocetos de escenografía y vestuario para las representaciones de Alexandre Benois son clásicos. Benois trabajó en estrecha colaboración con Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko durante mucho tiempo, trabajó como el primer diseñador de producción del Teatro de Arte de Moscú. Fue Benois quien primero tuvo la idea de que el artista, al montar una actuación, debería tener el mismo poder que el director.

Al analizar numerosas obras de A. Benois: “Arlequinada. Fantasía sobre el tema de la comedia italiana (1906, Museo Ruso), "Comedia italiana" (1901, Museo Ruso. Dos bocetos), "Figuras para comedias italianas" (1901, Museo Ruso), "Arlequinada" (1906, Galería Estatal Tretyakov ), "Comedia italiana. Nota de amor" (1905, Galería Estatal Tretyakov), "Comedia italiana" (1919, Museo Nacional de Arte), "Comedia italiana" (1905, IHM), "Arlequinada" (GMII) y otros. Vale la pena prestar atención a los recurrentes motivo, incluidos los personajes del teatro italiano de máscaras , con la ayuda del cual el artista transmite una danza efectiva con un gran papel de las expresiones faciales y los gestos. Los actores viven aquí, completamente inmersos en su juego. La acción es francamente teatral, dirigida al público. Los héroes no son personajes desarrollados psicológicamente, sino máscaras, figuras condicionales elevadas a la potencia de un símbolo. Probablemente, Benois no buscó hacer que sus héroes de la Commedia dell'Arte parecieran bailarines de ballet, pero los propios medios expresivos de la comedia italiana tienen muchos puntos de contacto con el teatro coreográfico.

Posteriormente, con la participación en la preparación de las representaciones para las estaciones rusas, el nuevo enfoque de Benois para el desarrollo de la escenografía y el vestuario teatral ayudó a la compañía Diaghilev a actuar triunfalmente en los escenarios de los teatros europeos.

Perejil

Bocetos de escenografía, vestuario y accesorios: "Bosquejo de escenografía para la primera, segunda y tercera escena del ballet "Petrushka" (todo - sincronización), bocetos de utilería: "Caballo", "Samovar", "Columpio", "Carrusel ” (all-timing), así como bocetos de vestuario (GRM, GTsTM) dan lugar a contrastes de color, emociones, imágenes. Incluso una mirada superficial a los bocetos de vestuario: "Bailarina callejera", "Gypsy", "Máscara enmascarada", "Enfermera", "Cochero", "Mercader", "Molinillo de órganos", "Tendero", "Mercader", "Mago ", etc. Representa los tipos de una multitud diversa, el bullicio de una ruidosa fiesta de feria, donde se desarrollaba un espectáculo de títeres de Petrushka, Bailarina y Moro. Aquí, el amor de A. Benois se manifestó no solo por la forma de vida antigua, sino también por la vigilancia de la mirada del artista, que sabe notar sus toques característicos en la vida real. El tema de los titiriteros recibe un desarrollo especial: revela una sed de diversidad, un anhelo por la diversidad de manifestaciones humanas. La concreción de la vida cotidiana aquí convive con la abstracción del símbolo, aunque con la fantasía, una fiesta popular con el lanzamiento de un alma solitaria, una estampa popular ingenua con el refinamiento del arte mundano.

Perejil Bailarina Arap

Konstantin Somov

Konstantin Somov nació en la familia de Andrei Ivanovich Somov, una conocida figura del museo y curador del Hermitage. Su madre, Nadezhda Konstantinovna (nee Lobanova) era una buena música, una persona bien educada. En 1879-1888 estudió en el gimnasio K. May. Desde septiembre de 1888 hasta marzo de 1897 estudió en la Academia de Artes de San Petersburgo: el curso principal, hasta 1892, luego, desde octubre de 1894, clases en el taller de I. Repin. En 1894, por primera vez, participó en la exposición de la Sociedad de Acuarelistas Rusos. En 1897 y 1898 estudió en la Académie Colarossi de París. Desde 1899 vivió en San Petersburgo.

Incluso en el gimnasio, Somov conoció a A. Benois, V. Nouvel, D. Filosofov, con quien más tarde participó en la creación de la sociedad World of Art. Somov participó activamente en el diseño de la revista "World of Art", así como en el periódico "Art Treasures of Russia" (1901-1907), publicado bajo la dirección de A. Benois, creó ilustraciones para "Count Nulin". de A. Pushkin (1899), historias de N. Gogol "La nariz" y "Nevsky Prospekt" (1901), pintó las portadas de las colecciones de poesía de K. Balmont "El pájaro de fuego". Pipe Slav”, V. Ivanov “Cor Ardens”, la portada del libro de A. Blok “Teatro”, etc.

La primera exposición personal de pinturas, bocetos y dibujos (162 obras) se realizó en San Petersburgo en 1903; 95 obras se mostraron en Hamburgo y Berlín en el mismo año. En 1905 comienza a colaborar en la revista "Vellocino de Oro".

Junto con la pintura y la gráfica de paisajes y retratos, Somov trabajó en el campo de las pequeñas artes plásticas, creando exquisitas composiciones de porcelana "Count Nulin" (1899), "Lovers" (1905), etc.

En enero de 1914 recibió el estatus de miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes.

En 1918, la editorial de Golike y Vilborg (San Petersburgo) publicó la edición más famosa y completa con dibujos e ilustraciones eróticas de Somov: "El libro de la marquesa" ("Le livre de la Marquise"), donde el artista creó no sólo todos los elementos del diseño del libro, sino que también recogió textos en francés. Hay una versión rara de esta edición, el llamado "Gran "Libro de la Marquesa"" complementado con ilustraciones aún más frívolas.

En 1918 se convirtió en profesor en los Talleres Educativos de Arte Libres del Estado de Petrogrado; Trabajó en la escuela de E. N. Zvantseva.

En 1919, su exposición individual de aniversario tuvo lugar en la Galería Tretyakov.

En 1923, Somov partió de Rusia hacia Estados Unidos como representante de la "Exposición Rusa"; en enero de 1924, en una exposición en Nueva York, Somov recibió 38 obras. No volvió a Rusia. A partir de 1925 vivió en Francia; en enero de 1928 compró un apartamento en Boulevard Exelmans (fr. Boulevard Exelmans) en París.

Murió repentinamente el 6 de mayo de 1939 en París. Fue enterrado en el cementerio de Sainte-Genevieve-des-Bois, a 30 km de París.

Somov se hizo especialmente cercano a Benois, quien escribió el primer artículo sobre él, que apareció en la revista "World of Art" en 1898. En este artículo, el crítico de arte enfatizó la influencia de los gráficos alemanes en el trabajo de Somov (O. Beardsley, S . Konder, T. Heine), así como la influencia de la pintura francesa del siglo XVIII. (A. Watteau, N. de Largilliere), "pequeña pintura holandesa" y rusa de la primera mitad del siglo XIX.

Al regresar a Rusia, Somov rindió homenaje al género del retrato. Creó retratos de su padre (1897), N. F. Ober (1896), A. N. Benois (1896) y A. P. Ostroumova (1901)

.

Retrato de Ostroumova Retrato de N.F. Ober

El pináculo de la creatividad en este período fue el retrato del artista E. M. Martynova (" dama de azul", 1897-1900), representado en el contexto de un paisaje con flautistas. El refinamiento y la ruptura, la espiritualidad y la poesía de la imagen correspondían completamente al credo estético del "Mundo del Arte", que encarna la armonía de los sueños y la realidad. Los retratos gráficos de la intelectualidad creativa realizados por Somov ocupan un lugar especial. Son puramente reales, con su energía intelectual, las imágenes de personas creativas creadas por él (retratos de poetas A.A. Blok, M.A. Kuzmin, V.I. Ivanov, pintado en técnica mixta), los artistas E.E. Lansere (1907), M.V. Dobuzhinsky (1910), etc., que con razón se consideran extremadamente objetivos. Realizados a lápiz con realce en acuarela, gouache, lápices de colores o cal, se distinguen por su técnica virtuosa , laconismo de composición y sutileza de soluciones colorísticas.

Retrato de AA Blok (1907)

Retrato de MA Kuzmin (1909)

Además del retrato, Somov también trabajó en el campo de la ilustración de libros. A principios del siglo XX. los artistas del "Mundo del Arte", entre los que se encontraba Somov, revivieron esta forma de arte después de un largo olvido. El diseño del libro, todos sus elementos -fuente, formato, borde, portada, pantallas de presentación y viñetas- debían formar un todo único.

León Bakst (1866 - 1924)

Lev Rosenberg nació el 8 de febrero (27 de enero) de 1866 en Grodno en una familia judía pobre de un erudito talmúdico. Después de graduarse del gimnasio, estudió como voluntario en la Academia de las Artes, trabajando como ilustrador de libros.

En su primera exposición (1889) adoptó el seudónimo de Bakst, un apellido abreviado de su abuela (Baxter). A principios de la década de 1890 expuso en la Sociedad de Acuarelistas. En 1893-1897 vivió en París, regresando a menudo a San Petersburgo. Desde mediados de la década de 1990, se unió al círculo de escritores y artistas que se formó en torno a Diaghilev y Alexander Benois, que luego se convirtió en la asociación World of Art. En 1898, junto con Diaghilev, participó en la fundación de la publicación del mismo nombre. Los gráficos publicados en esta revista dieron fama a Bakst.

Continuó dedicándose a la pintura de caballete, creando retratos de Malyavin (1899), Rozanov (1901), Andrei Bely (1905), Zinaida Gippius (1906). También enseñó pintura a los hijos del Gran Duque Vladimir. En 1902, en París, recibió una orden de Nicolás II para una reunión de marineros rusos.

En 1898, Bakst mostró su trabajo en la "Primera Exposición de Artistas Rusos y Finlandeses" organizada por Diaghilev; en exposiciones del "Mundo del Arte", en la exposición "Secesión" en Munich, exposiciones del Artel de Artistas Rusos, etc.

En 1903, se convirtió al luteranismo por matrimonio con la hija de P. M. Tretyakov, L. P. Gritsenko.

Durante la revolución de 1905, Bakst trabajó para las revistas Zhupel, Infernal Mail, Satyricon y más tarde en la revista de arte Apollo.

En 1907, junto con Serov, viajó a Grecia, donde estudió los hallazgos arqueológicos del período cretense-micénico. Bakst descubrió para sí mismo (y más tarde para toda Europa) que la Grecia arcaica no es el color blanco que todo el mundo ha popularizado durante siglos, sino un derroche de colores. Fue entonces cuando se determinaron las bases del estilo de Bakst: la holgura griega arcaica del traje, combinada con el lujo de Oriente.

Desde 1907, Bakst vivió principalmente en París y trabajó en la escenografía teatral, en la que hizo una verdadera revolución. Creó escenografías para tragedias griegas, y desde 1908 pasó a la historia como autor de escenografías para los Ballets Rusos de Diaghilev (Cleopatra 1909, Scheherazade 1910, Carnaval 1910, Narciso 1911, Dafnis y Cloe 1912). En 1910 se divorció de Gritsenko y volvió al judaísmo. Todo este tiempo vivió en Europa, porque, siendo judío, no tenía permiso de residencia fuera del Pale of Settlement.

Durante las visitas a San Petersburgo, enseñó en la escuela Zvantseva. En el período 1908-1910, uno de sus alumnos fue Marc Chagall, pero en 1910 rompieron relaciones. Bakst prohibió a Chagall ir a París porque, en su opinión, esto dañaría el arte de Chagall y llevaría financieramente al joven artista a la inanición (Chagall no pintó escenarios teatrales). Chagall, sin embargo, fue, no murió de hambre y encontró su propio estilo de pintura.

En 1914, Bakst fue elegido miembro de la Academia de las Artes.

En 1918, Bakst finalmente rompió relaciones con Diaghilev y los Ballets Russes. El 27 de diciembre de 1924 murió en París de un edema pulmonar.

Terror antiguo ("Terror Antiquus") (1908)

En la cosmovisión pagana, el “antiguo horror” es el horror de la vida en el mundo bajo el dominio de un Destino lúgubre e inhumano, el horror de la impotencia de una persona esclavizada por él y sumisa sin remedio (Fatum); así como el horror del caos como abismo de inexistencia, cuya inmersión es desastrosa. Se señala que el cristianismo con su nuevo concepto de destino liberó al hombre del poder del antiguo horror, pero la descristianización de la cultura significa su retorno.

Un gran lienzo de formato casi cuadrado está ocupado por una panorámica del paisaje, escrita desde un punto de vista elevado. El paisaje está iluminado por un relámpago. El espacio principal del lienzo lo ocupa el mar embravecido, que destruye barcos y golpea contra los muros de las fortalezas. En primer plano hay una figura de una estatua arcaica en un corte de generación. El contraste del rostro tranquilo y sonriente de la estatua es especialmente llamativo en comparación con la violencia de los elementos a sus espaldas. Quizás se represente la destrucción de la Atlántida.

La estatua femenina representada es un tipo de kora arcaica, que sonríe con una enigmática sonrisa arcaica y sostiene un pájaro azul (o una paloma, el símbolo de Afrodita) en sus manos. Tradicionalmente, se acostumbra llamar a la estatua representada por Bakst - Afrodita, aunque aún no se ha establecido qué diosas fueron representadas por la corteza. El prototipo de la estatua fue una estatua encontrada durante las excavaciones en la Acrópolis. La esposa de Bakst posó para la mano sin preservantes. Es curioso que Maximilian Voloshin señale la similitud del rostro de la arcaica Afrodita en la imagen con el rostro del propio Bakst.

El paisaje de la isla que se desarrolla detrás de la espalda de la diosa es una vista desde la Acrópolis de Atenas. Al pie de las montañas en el lado derecho de la imagen en primer plano hay edificios, según Pruzhan: la Puerta del León de Micenas y los restos del palacio en Tirinto. Estos son edificios que pertenecen al período Creta-micénico temprano de la historia griega. A la izquierda, un grupo de personas que huyen despavoridas entre los edificios característicos de la Grecia clásica; lo más probable es que se trate de la Acrópolis con sus propileos y sus enormes estatuas. Detrás de la Acrópolis hay un valle iluminado por un relámpago, cubierto de aceitunas plateadas.

En 1907, Bakst diseñó los Conciertos Rusos organizados por Chaliapin y Diaghilev en París. En 1908, Bakst terminó el trabajo de la pintura "Antique Terror" (premio en la Exposición Internacional de Bruselas en 1910).

En 1909, exiliado de San Petersburgo, Bakst se unió a la compañía de ballet del "Ballet Ruso" de S. P. Diaghilev. Junto con A. N. Benois y M. M. Fokin, fue su colaborador más cercano con Diaghilev, y desde 1911 fue el director artístico de la empresa. Su talento como escenógrafo se desplegó al máximo en las representaciones: Cleopatra (Noches egipcias) con música de Arensky, S. I. Taneyev y M. I. Glinka (1909), Scheherazade con música de Rimsky-Korsakov (1910), El pájaro de fuego de Stravinsky ( 1910), Carnaval (1910), Narciso de Tcherepnin (1910), Visión de una rosa de K. M. Weber (1911), "Dafnis y Cloe" de Ravel (1912), "El Dios azul" de R. Hahn (1912), " Tarde de fauno" con la música de C. Debussy (1912), "Tamara" con la música de M. A. Balakirev (1912), "Peri" (esta actuación no estaba destinada a ver la luz), "Mariposas" (1914), "Juegos" (1913), "La leyenda de José" de R. Strauss (1914), "Guasones" con la música de D. Scarlatti (1917), "La bella durmiente" de P. I. Tchaikovsky (1921).

Escenografía para la primera producción de Dafnis y Cloe (foto 2).

Es él quien inventa el saludo que deslumbró al público de la Ópera Garnier con motivo del estreno del ballet Scherezade. Las "Temporadas Rusas" en París dejaron una impresión inolvidable no solo por la habilidad de los bailarines de ballet, sino también por la amplitud y el color, el exotismo y la expresión del vestuario y la escenografía creados por Bakst. El vestuario diseñado por Bakst, remitiendo a la audiencia a los colores y formas del orientalismo y el gran estilo de Louis, fue tan llamativo que comenzó a ir más allá del teatro y el ballet. "París estaba realmente borracho con Bakst", escribió Levinson más tarde. Mstislav Dobuzhinsky escribió sobre este período de la siguiente manera: "La penetración del arte en la vida a través de la rampa, el reflejo del teatro en la vida cotidiana, su influencia en el campo de la moda, se reflejó en la profunda impresión que acompañó a los brillantes triunfos de Diaghilev. Temporadas rusas en París. El cambio de gusto del público que siguió a estos triunfos se debió en mayor medida a Bakst, a esas nuevas revelaciones que dio en sus producciones de excepcional belleza y encanto, que impactaron no sólo a París, sino a todo el mundo cultural de Occidente.

Escenografía para el ballet La siesta de un fauno. 1911

Las técnicas de diseño desarrolladas por Bakst marcaron el comienzo de una nueva era en la escenografía de ballet. El nombre de Bakst, el artista principal de las estaciones rusas, retumbó junto con los nombres de los mejores intérpretes y coreógrafos famosos. Las órdenes de los teatros llovían sobre él desde todos los lados.

Nijinsky. 1912

Colabora activamente con Ida Rubinstein: escenografía y vestuario para El martirio de San Sebastián de C. Debussy (1911), Tamar (1912), El dios azul (1912), Faun Noon (1912) d.), "Helena de Esparta" de D. de Severac (1912), "Pisanella" (1913) "Artemisa confundida" (1922), "Fedra" (1923), "Istar" (1924 G.).

Diseño de vestuario de Ida Rubinstein para el ballet "Helena of Sparta"

Para Anna Pavlova, Bakst diseña escenografía y vestuario para las representaciones "Oriental Fantasy" (con música de M. M. Ippolitov-Ivanov y M. P. Mussorgsky, 1913) y "The Big Show", representada en 1916 en el Hippodrome Theatre de Nueva York.

Trabajando en bocetos de vestuario teatral, Leon Bakst, sin saberlo, comenzó a influir en la moda parisina y luego europea. Esto lo lleva a probar suerte en el arte de la "alta costura". En 1912, crea "Fantasía sobre el tema del traje moderno" para Paquin, que recibió una gran respuesta en el mundo de la moda parisina. “Al comprender y sentir, por raro que sea cualquier estilista, toda la magia de los adornos y el encanto de las combinaciones de colores, creó su propio estilo bakstiano especial. Este fabuloso Oriente picante cautivó con un extraordinario alcance de la imaginación. La sofisticación de los colores brillantes, el lujo de los turbantes con plumas y telas tejidas con oro, la magnífica abundancia de adornos y decoraciones: todo esto fue tan sorprendente para la imaginación, tan acorde con la sed de lo nuevo que percibió la vida. . Worth y Paken, los creadores de tendencias de la moda parisina, comenzaron a hacer propaganda de Bakst ”(M. Dobuzhinsky). “Bakst logró capturar ese nervio esquivo de París que rige la moda, y su influencia ahora se siente en todas partes en París, tanto en vestidos de dama como en exposiciones de arte” (Maximilian Voloshin). Los motivos de Bakstian son visibles en las obras de las casas de moda parisinas Paquin, Callot Soeurs, Drecoll y Babani: estos son bombachos, turbantes, corpiños de mujer, almohadas orientales. Los baños, hechos según sus bocetos, asombraron con el brillo de los colores, la armonía de los colores y la sofisticación de la decoración, las cortinas, una acertada selección de abalorios y perlas.

Diseño de vestuario para danza judía con pandereta. 1910

El trabajo de Bakst tuvo un impacto significativo en el arte de la escenografía en Rusia y Francia.

En su trabajo se manifestó un deseo de sofisticación y estilización. Las obras del artista se caracterizan por una composición audaz, colores brillantes y un sentido del ritmo.

Un maestro del vestuario escénico, Bakst en sus bocetos dispuso filas de patrones de colores que se repetían rítmicamente de tal manera que no solo caracterizaban la imagen escénica, sino que también enfatizaban la dinámica de la danza y los movimientos del actor.

Evgeny Evgenievich Lansere (1875-1946)

Evgeny Evgenievich Lansere es un artista polifacético. Autor de pinturas monumentales y paneles que decoran las estaciones de metro de Moscú, la estación de tren Kazansky, el hotel Moskva, paisajes, pinturas sobre el tema de la historia rusa del siglo XVIII, también fue un maravilloso ilustrador de obras clásicas de la literatura rusa (" Dubrovsky” y “Shot” A S. Pushkin, “Hadji Murad” de L. N. Tolstoy), el creador de agudas caricaturas políticas en revistas satíricas en 1905, artista teatral y decorativo.

Emperatriz Elizaveta Petrovna en Tsarskoe Selo - Yevgeny Evgenievich Lansere. 1905. Papel pegado sobre cartón, gouache. 43,5x62

La imagen da testimonio de la comprensión misma de la pintura histórica en el arte de principios del siglo XX. Así, la atmósfera de la época se revela aquí a través de las imágenes del arte plasmadas en la arquitectura y los conjuntos del parque, los trajes y peinados de las personas, a través del paisaje, mostrando la vida de la corte, los rituales. El tema de las procesiones reales se volvió especialmente favorito. Lansere representa la salida solemne de la corte de Elizabeth Petrovna en su residencia de campo. Como en el escenario del teatro, una procesión pasa frente al espectador. Una corpulenta emperatriz nada majestuosamente, vestida con ropas tejidas de asombrosa belleza. Le siguen damas y caballeros con magníficos vestidos y pelucas empolvadas. En sus rostros, poses y gestos, el artista revela diferentes personajes y tipos. Vemos ahora cortesanos humillados y tímidos, ahora altivos y rígidos. En el despliegue de Isabel y su corte no se puede dejar de notar la ironía del artista e incluso algo grotesco. Lansere contrasta las personas representadas por él con la noble austeridad de la estatua de mármol blanco y la verdadera grandeza encarnada en la magnífica arquitectura del palacio Rastrelli y la belleza del parque regular.

mundo del arte

"Retrato de grupo de los miembros de la asociación "Mundo del Arte".1916-1920.
B. M. Kustodiev.

El Mundo del Arte (1890-1924) es una asociación artística formada en Rusia a finales de la década de 1890. Bajo el mismo nombre se editó una revista, editada desde 1898 por miembros del grupo.

Historia

Los fundadores del "Mundo del Arte" fueron el artista de San Petersburgo A. N. Benois y la figura del teatro S. P. Diaghilev.

Se declaró en voz alta al organizar la "Exposición de artistas rusos y finlandeses" en 1898 en el Museo de la Escuela Central de Dibujo Técnico del Barón A. L. Stieglitz.

El período clásico en la vida de la asociación cayó entre 1900 y 1904. - en este momento, el grupo se caracterizó por una unidad especial de principios estéticos e ideológicos. Los artistas organizaron exposiciones bajo los auspicios de la revista World of Art.

Después de 1904, la asociación se expandió y perdió su unidad ideológica. En 1904-1910, la mayoría de los miembros del Mundo del Arte formaban parte de la Unión de Artistas Rusos. En la reunión de fundación del 19 de octubre de 1910, se revivió la sociedad artística "World of Art" (N. K. Roerich fue elegido presidente). Después de la revolución, muchos de sus líderes se vieron obligados a emigrar. La asociación dejó de existir en 1924.

Característica

Los artistas del Mundo del Arte consideraron prioritario el principio estético en el arte y apostaron por la modernidad y el simbolismo, oponiéndose a las ideas de los Wanderers. El arte, en su opinión, debe expresar la personalidad del artista.

S. Diaghilev escribió en uno de los números de la revista:

“Una obra de arte es importante no en sí misma, sino sólo como expresión de la personalidad del creador”

- "MUNDO DEL ARTE"

Alejandro Nikoláyevich Benois

Alexander Nikolaevich Benois (21 de abril (3 de mayo de 1870, San Petersburgo - 9 de febrero de 1960, París) - Artista ruso, historiador del arte, crítico de arte, fundador y principal ideólogo de la asociación World of Art. De la familia de famosos arquitectos Benois: hijo de N. L. Benois, hermano de L. N. Benois y A. N. Benois y primo de Yu. Yu. Benois.

Alexander Benois (Alexandre Benois) nació el 21 de abril (3 de mayo) de 1870 en San Petersburgo, en la familia del arquitecto ruso Nikolai Leontyevich Benois y Camilla Albertovna Benois (hija del arquitecto A.K. Cavos). Se graduó del prestigioso segundo gimnasio de San Petersburgo. Durante algún tiempo estudió en la Academia de las Artes, también estudió bellas artes por su cuenta y bajo la tutela de su hermano mayor Albert.

En 1894, comenzó su carrera como teórico e historiador del arte, escribiendo un capítulo sobre artistas rusos para la colección alemana Historia de la pintura del siglo XIX. En 1896-1898 y 1905-1907 trabajó en Francia.

Se convirtió en uno de los organizadores e ideólogos de la asociación artística "World of Art", fundó la revista del mismo nombre.

En 1916-1918, el artista creó ilustraciones para el poema de A. S. Pushkin "El jinete de bronce". En 1918, Benois dirige la Galería de Arte del Hermitage y publica su nuevo catálogo. Continuó trabajando como artista de libros y teatro, en particular, trabajó en el diseño de espectáculos BDT. En 1925 participó en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de París.

En 1926, Benois abandonó la URSS sin regresar de un viaje de negocios al extranjero. Vivió en París, trabajó principalmente en bocetos de escenografía y vestuario teatral. Alexandre Benois desempeñó un papel importante en las producciones del ballet entreprise de S. Diaghilev "Ballets Russes", como artista y autor - director de espectáculos. Benois murió el 9 de febrero de 1960 en París.

Serie Versalles (1905-1906)

Paseo del rey - Alexander Nikolaevich Benois. 1906. Papel sobre lienzo, acuarela, gouache, pintura bronce, pintura plata, lápiz grafito, pluma, pincel. 48x62

En el campo de la pintura de caballete, Benois continúa trabajando en dos géneros, el paisaje y la composición histórica, adquiriendo en su interpretación el carácter de una especie de "fantasía histórica". Aún aficionado a la acuarela, sin embargo, con particular persistencia, además, por primera vez (y, añadimos, única vez en su larga carrera) se vuelve hacia la pintura al óleo.

Sus numerosos bocetos de 1905 y 1906, realizados en la localidad costera de Primel, están pintados con energía, con una pincelada libre, sencilla y realista en todo su espíritu.

El paisaje real del parque de Versalles se convierte aquí en la base en la que la imaginación del artista "incrusta" siluetas nítidas y nerviosas: el rey, los cortesanos, los sirvientes. En estos originales "bocetos-pinturas" pequeñas figuras complementan irónicamente, animan el paisaje, hacen más claro y vivo su tema principal. En otros casos, los personajes de marionetas de las composiciones de Benoit crecen, se vuelven hacia el espectador y, suprimiendo el paisaje, comienzan a desempeñar un papel dominante en la imagen ("Rey"). El maestro intenta ver en la imagen majestuosa del antiguo Versalles un monumento idílico del florecimiento de las artes. Todas las personas son mortales. Solo hay un arte para siempre. Sobre esto, las pinturas "Fantasía sobre el tema de Versalles" y "El paseo del rey".

En la "Serie de Versalles" la vida se entiende como un juego ocioso y sin sentido, junto al cual reina el arte. Omnipotente, omnipresente y poderoso. Pero también tiene fallas: en la época de Louis, el arte, "a pesar de toda su fuerza y ​​belleza, tenía una sombra de pomposidad y pomposidad: era falso". No es de extrañar que la vida aquí sea como una actuación ("Pabellón chino", "Baño de marquesa").

Los límites del teatro y la realidad se desdibujan. El artista mira a sus héroes con la mirada evaluadora, ligeramente irónica, de un director que monta otro episodio de una gran actuación, donde el viejo parque aparece como escenario en el que se representó uno de los actos de la “gran comedia humana”. afuera.

Serie rusa (1907-1910)

Acuarelas y gouaches sobre un tema histórico, como siempre con Benois, se combinan en una serie, pero dedicada exclusivamente a la historia nacional; en ellos más fuerte que antes, “suena el sentimiento de la patria”. Se hicieron durante 1907-1910 por orden del editor de libros I. P. Knebel, quien publicó la edición más interesante "Historia rusa en imágenes" con la participación de Serov, S. Ivanov, Lansere, Kustodiev, Dobuzhinsky, Kardovsky, Roerich. Esto determinó la originalidad del género: estamos hablando de ilustraciones estrictamente documentadas, "pinturas para imprimir".

Knebel ordenó pinturas de Benois sobre el siglo XVIII, "de Pedro a Pablo".

En la "Serie rusa" de Benois, tres composiciones están dedicadas a Peter y su época ("En el barrio alemán", "Petersburg Street under Peter I" y "Peter I in the Summer Garden"), otras cuatro hablan sobre el final del siglo XVIII ("Mañana del terrateniente", "Campamento Suvorov", "Salida de Catalina II en el Palacio Tsarskoye Selo" y "Desfile bajo Pablo I"). Los episodios de género representados aquí se interpretan desde el punto de vista de un testigo presencial, y surge un vivo y agudo sentido de autenticidad histórica sobre la base del cuidadoso trabajo de reconstrucción del artista, a partir del estudio del material de grabado, el vestuario, la arquitectura y los elementos cotidianos. . El autor es partidario del principio narrativo de la composición.

Desfile en el reinado de Pablo I - Alexander Nikolaevich Benois. 1907. Gouache sobre papel. 59,6x82

En las primeras décadas del siglo XX se realizaron los dibujos de Alexander Nikolaevich Benois (1870 - 1960) para El jinete de bronce, los mejores que se crearon en toda la historia de la ilustración de Pushkin.
Benoist comenzó a trabajar en El jinete de bronce en 1903. Durante los siguientes 20 años, creó un ciclo de dibujos, intros y finales, así como una gran cantidad de opciones y bocetos. La primera edición de estas ilustraciones, que fueron preparadas para una edición de bolsillo, se realizó en 1903 en Roma y San Petersburgo. Diaghilev las imprimió en un formato diferente en el primer número de la revista "World of Art" de 1904. El primer ciclo de ilustraciones constó de 32 dibujos realizados en tinta y acuarela.
En 1905, AN Benois, mientras estaba en Versalles, reelaboró ​​seis de sus ilustraciones anteriores y completó el frontispicio de El jinete de bronce. En los nuevos dibujos de El jinete de bronce, el tema de la persecución de un hombrecito por parte del jinete se convierte en el principal: el jinete negro sobre el fugitivo no es tanto la obra maestra de Falcone como la personificación de la fuerza brutal, el poder. Y Petersburgo no es el que cautiva con su perfección artística y el alcance de las ideas de construcción, sino una ciudad sombría: un grupo de casas sombrías, galerías comerciales, cercas. La ansiedad y la ansiedad que se apoderaron del artista durante este período se convierten aquí en un verdadero grito sobre el destino de una persona en Rusia.
En 1916, 1921-1922, el ciclo fue revisado por tercera vez y complementado con nuevos dibujos.

En los dibujos de A. N. Benois, las imágenes del "Cuento de Petersburgo" de A. S. Pushkin están, por así decirlo, coloreadas por las reflexiones y experiencias de una persona a principios del siglo XX.
Por lo tanto, fue la "modernidad" de las ilustraciones de Benois lo que llamó la atención de los conocedores del arte a principios del siglo XX, les pareció no menos significativo que el sentido del estilo inherente del artista, la comprensión de la era Pushkin y la capacidad de teatralizar hábilmente la acción, habiendo desarrollado una serie de “puestas en escena magistralmente escenificadas”. El artista y crítico de arte Igor Emmanuilovich Grabar en ese momento le escribió a Benois sobre estas ilustraciones suyas: "Son tan buenas que todavía no puedo recuperarme de la novedad de las impresiones. La época y Pushkin están malditamente transmitidos, mientras que no hay absolutamente ningún olor". de material de grabado, sin pátina. Son terriblemente modernos, y esto es importante..."