Artistas gráficos de diferentes épocas. Gráficos en la galería de arte JAG

El arte de los gráficos es diverso. Incluye cartel político y dibujo de periódicos y revistas, ilustración y caricatura de libros, gráfica industrial aplicada y publicidad cinematográfica. Una gran parte de ella son gráficos de caballete: dibujos y grabados, ejecutados de forma independiente, fuera de un propósito práctico especial. Se llama así por analogía con la pintura de caballete, cuyas obras el artista crea en una máquina especial: un caballete; la palabra "gráficos" proviene del griego grapho (grafo) - escribo, dibujo. Por supuesto, los gráficos de caballete no están completamente desprovistos de propósito. Tomando un pincel, un lápiz o un buril de grabado, el artista siempre tiene un objetivo específico. Se esfuerza por transmitir a las personas sus pensamientos y sentimientos, su comprensión de la vida, para afirmar lo valioso y castigar lo negativo, para mostrar la belleza asombrosa y oculta del mundo que solo él ve. Pero, al mismo tiempo, el autor de un dibujo o grabado de caballete no siempre persigue con su obra un fin agitador o acusatorio, como maestro del cartel y la caricatura, no realiza labores publicitarias o utilitarias, como cartelista e industrial. gráficos, sus imágenes, finalmente, no están conectadas con héroes y situaciones literarias, como en las obras de los ilustradores.

De la misma manera, los maestros de la pintura y la escultura de caballete, a diferencia de los muralistas y decoradores, crean obras independientes que no están asociadas a ningún conjunto artístico: un edificio, una habitación, una plaza, un parque, etc.

Los gráficos de caballete tienen mucho en común con la pintura de caballete. Aunque sus principales medios artísticos son diferentes, ambos tipos de arte tienen grandes posibilidades, y en muchos aspectos similares, para representar la naturaleza, las personas y toda la riqueza del mundo material. Varios aspectos de la vida humana, que siempre ha sido el foco del arte, sugirieron la adición de sus diversos géneros: retrato, paisaje, composición cotidiana o de batalla, naturaleza muerta, etc. Estos géneros existen tanto en la pintura soviética como en los gráficos soviéticos. . El mundo del alma humana se muestra con particular profundidad en numerosas obras de pintura de caballete, escultura y gráfica. Por esta psicología, por una conversación multifacética y genial con el espectador sobre una persona, apreciamos especialmente el arte de caballete.

Al tener mucho en común con la pintura, la gráfica de caballete, al mismo tiempo, según el método de ejecución -principalmente sobre papel- se aproxima a todos los demás tipos de gráfica en cuanto a las técnicas de dibujo y grabado. Como toda la familia de las artes gráficas, se distingue por la relativa velocidad de ejecución de las cosas, así como por las buenas oportunidades para su reproducción. Gracias a ello, en primer lugar, la gráfica tiene grandes datos para ser un arte de actualidad, de rápida reacción a los acontecimientos de la vida pública, un arte que vive al ritmo de la modernidad. Estas posibilidades inherentes a los gráficos, como veremos a continuación, fueron más de una vez perfectamente aprovechadas por sus maestros. En segundo lugar, dado que una hoja gráfica generalmente se ejecuta más rápido que una pintura o una escultura (aunque no se requiere menos fuerza espiritual, talento y habilidad de un artista gráfico), conserva una especial inmediatez de comunicación con la naturaleza, la posibilidad de una fijación viva de eso. Si a esto le sumamos que la técnica de realización de la obra gráfica es muy diversa, se hace patente la riqueza ideológica y estética de este arte.

Muchas cosas interesantes esperan al espectador atento de obras gráficas. No inmediatamente, sino gradualmente, se le revela la originalidad y la belleza de cada técnica gráfica: la claridad plateada de un dibujo a lápiz de grafito y la negrura aterciopelada de un lápiz italiano, la fluidez precisa de los dibujos a pluma en tinta o tinta, la ternura de pasteles y sanguina. Gradualmente aprendemos a apreciar la rica gama de tonos grises-negros disponibles para dibujar en carboncillo, salsa, acuarela negra o tinta, la ligereza transparente de la acuarela coloreada y el lenguaje más pesado y material del gouache. Admiramos el lenguaje diverso y flexible de los grabados en madera, las formas generalizadas y concisas del linograbado, la expresividad del claroscuro y la profundidad del color en el aguafuerte, el libre, rico en matices de color, la suavidad del modelado, dibujando con un lápiz litográfico.

A menudo, los artistas también trabajan con técnicas mixtas, combinando en sus obras, por ejemplo, carboncillo, tiza y algún tipo de lápiz o acuarela y pastel, acuarela y gouache, etc.

Tanto en las técnicas de litografía como de grabado, el espectador ve el resultado final del trabajo del artista: una impresión o impresión, de lo contrario, un grabado. Muchas de estas impresiones se pueden obtener de una tabla o piedra, y todas ellas son obras de arte igualmente originales. Esta característica de las estampas -su circulación bastante grande manteniendo todos los méritos artísticos- es especialmente valiosa para nosotros.

Más y más círculos de personas soviéticas ahora se están uniendo al arte. Encuentran en la impresión la plenitud de pensamientos y experiencias estéticas que ofrece el gran arte genuino y, al mismo tiempo, la impresión no es un museo distante único que vemos solo ocasionalmente, sino algo con lo que la belleza entra en nuestro hogar, en la vida cotidiana.

Los gráficos de caballete soviéticos son una vasta área de nuestro arte, cuya historia aún no escrita incluye maravillosas páginas de grandes búsquedas y logros artísticos. Tiene sus propias tradiciones brillantes tanto en el arte ruso como en otras escuelas de arte nacionales. Casi todos los grandes pintores del pasado fueron también grandes maestros del dibujo y la acuarela. Las acuarelas de Alexander Ivanov y K. Bryullov, numerosos dibujos y acuarelas de Repin, los gráficos de V. Serov y Vrubel son obras maestras de nuestro arte llenas de encanto eterno. Como arte democrático, que lleva las imágenes y los pensamientos de los artistas al pueblo, la litografía apareció en Rusia a principios del siglo XIX. Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov, más tarde Perov, Shishkin, Vl. Makovsky, Levitan y otros artistas. En los años cuarenta del siglo XIX, Shchedrovsky en el álbum "Aquí están los nuestros" muestra al espectador el comercio, los artesanos, los tipos populares. Esta fue la primera experiencia de crear litografía en color en el arte ruso. Los principales artistas del siglo pasado aprecian el arte del grabado por su relativamente mayor accesibilidad al pueblo, porque acerca sus creaciones al público del pueblo. El clásico de la poesía ucraniana y el artista T. G. Shevchenko, que trabajaba en grabado, escribió en 1857: "De todas las bellas artes, ahora me gusta más grabar. Y no sin razón. sociedad". Shishkin también era un entusiasta del grabado. I. E. Repin recurrió repetidamente a varias técnicas de grabado. Toda la variedad de géneros -doméstico, escenas históricas, retrato y paisaje- se desarrolla en la litografía, el grabado y el dibujo del siglo pasado.

En la gráfica de principios del siglo XX, como en todo el arte, hay un entramado complejo de tendencias a veces opuestas. Los acontecimientos de la revolución de 1905 capturan los gráficos de las revistas con particular fuerza, pero también encuentran respuestas en las cosas de caballete: grabados de S. Ivanov, pasteles de V. Serov, testigos conmocionados de las represalias del zarismo contra los trabajadores. En estas obras, así como en las imágenes de mineros, mujeres trabajadoras, estudiantes de Kasatkin, en los dibujos de S. Korovin que representan soldados, en las hojas de Sergei Ivanov dedicadas a los migrantes pobres, hay un interés por la persona trabajadora. característica del arte ruso avanzado y simpatía por su destino difícil y, a menudo, trágico. Pero en la gráfica de estas décadas también hay una tendencia a alejarse de las complejidades y contradicciones de la realidad social. En algunos casos, esta tendencia impone una especie de contemplación pasiva de las obras de los artistas, en otros lleva a los artistas en su trabajo a salones de palacio y parques lejanos y ajenos a una amplia audiencia. Casi el género líder en los gráficos prerrevolucionarios es el paisaje. Emplea a grandes maestros como A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lansere y otros. Ven sutilmente la belleza de la naturaleza polifacética, sus diversos estados, la poesía de la arquitectura en su relación con el paisaje. Esta admiración por la belleza del mundo es el principal contenido eterno de sus obras, que nos emociona hasta el día de hoy. Pero a veces se siente un dejo de contemplación en sus sábanas.

En el grabado prerrevolucionario, la ilustración de revistas y libros, más que en otras formas de arte, se sintió la influencia de la sociedad World of Art, quizás porque muchos de sus miembros eran artistas gráficos de alto nivel profesional. De estos artistas, esta sociedad incluía a Ostroumova-Lebedeva y Lansere. Sin embargo, todos los mejores aspectos de su trabajo se formaron en contra de las actitudes estéticas de los teóricos del "Mundo del Arte", quienes defendían el "arte puro" lejos de la vida. Las pinturas, acuarelas y dibujos de las principales figuras del "Mundo del Arte" A. Benois, K. Somov y otros resucitaron el mundo gallardo e inanimado de la vida cortesana de épocas pasadas, fueron un juego refinado y aprendido de la historia. Así, en la gráfica prerrevolucionaria se crean obras saturadas de todo el drama de las contradicciones sociales, aparece una masa de paisajes líricos de cámara y al mismo tiempo florece el retrospectivismo, es decir, el alejamiento de la modernidad, el esteticismo del mundo del arte. .

En los primeros años posteriores a la revolución, la apariencia de los gráficos de caballete cambió poco. Estos años duros fueron la época del arte militante del cartel en voz alta, la escultura monumental agitadora y el nuevo arte de decorar las fiestas de masas. En el contexto del rápido desarrollo de este tipo de arte, los gráficos de caballete a primera vista parecen especialmente tradicionales. Básicamente, los mismos maestros trabajan aquí como en los años prerrevolucionarios, y su trabajo, que ya ha sido determinado en gran medida, no sufre cambios complejos inmediatos y rápidos asociados con las influencias de la nueva realidad. El paisaje y el retrato se convirtieron en los principales géneros gráficos de caballete. Los artistas representan con amor los rincones antiguos de las ciudades, los monumentos arquitectónicos notables, la belleza eterna de la naturaleza, no sujeta a tormentas sociales. Hay mucha artesanía cautivadora en sus obras, admiración tranquila por la belleza del mundo. Pero este mundillo cerrado de paisaje retrospectivo vuelto al pasado parece estar protegido por un muro invisible de los acontecimientos que se desarrollan en el país.

Las obras del género doméstico, de las que se crearon pocas, representan la misma vida tranquila y modesta, al margen de cualquier agitación social, el simple trabajo doméstico.

La gráfica de estos años está dominada por grabados y litografías; el dibujo y la acuarela no son comunes. Los paisajes y retratos se publican a menudo en álbumes de grabados, y se trata de ediciones caras y de poca circulación para unos pocos conocedores.

La intimidad distingue las obras de retrato. Los modelos de retratistas suelen ser artistas, escritores, artistas, es decir, un círculo bastante estrecho de personas espiritualmente cercanas al autor. Su mundo interior se revela sutil y atentamente, pero aún no al nivel de las grandes generalizaciones que estarán disponibles para el arte soviético más adelante.

Y solo en los retratos realizados por N. A. Andreev, en particular en sus imágenes de V. I. Lenin, el género del retrato en gráficos adquiere inmediatamente nuevas cualidades, generalizando el poder, el sonido social. Estos dibujos están legítimamente incluidos entre los mejores logros del arte soviético, todavía nos deleitan hoy y participan en nuestras vidas. Pero en los años de su creación, estas hojas fueron, por así decirlo, una brillante excepción, que solo confirmaba la regla, es decir, el carácter general de cámara de la mayoría de los retratos. A partir de los dibujos de Andreev, como adelantados a su tiempo, comenzaremos a familiarizarnos con los gráficos de caballete soviéticos.

Para N. A. Andreev (1873 - 1932), un famoso escultor, autor de los monumentos de Moscú a Gogol, Ostrovsky, el Monumento a la Libertad, el dibujo no solo era una etapa preparatoria necesaria del trabajo, sino también un área independiente de creatividad. . A principios de la década de 1920, realizó una gran cantidad de retratos gráficos: Dzerzhinsky, Lunacharsky, Gorky, Stanislavsky, artistas del Teatro de Arte y otros.

Un hombre en toda la integridad de su carácter: eso es lo que le interesaba a Andreev, el retratista. En sus láminas, el mundo interior del modelo se perfila con claridad, confianza, detalle, pero sin medios tonos y riqueza de matices. Al familiarizarnos con los retratos de Andreev, obtenemos la suma de un conocimiento muy preciso y verificado sobre las personas representadas en ellos. Precisamente, la claridad de este conocimiento es una especie de patetismo del trabajo de Andreev, y la forma de realizar retratos también le obedece.

Gran parte de esta manera proviene de la visión escultórica de la forma del artista. Esta es la plasticidad enfatizada del dibujo, la búsqueda obligada de una línea de silueta expresiva, pero también la rigidez del color, la falta de aire. Pero lo principal aquí fue lo positivo que le dio al talento escultórico de Andreev: la capacidad de ver el modelo como un todo, lo principal en el contorno de la cabeza, para ver la especificidad de la apariencia, libre de líneas y giros aleatorios. Esta integridad de la silueta, combinada con el desarrollo más detallado de la cara, especialmente los ojos, constituye la forma única del artista. Estaba bien servida en manos de Andreev por los lápices sanguíneos, pastel, de colores, así como por el carbón o un lápiz italiano, con los que se delinearon los volúmenes principales.

De la misma manera, Andreev ejecutó varios retratos de VI Lenin, que forman parte de su famosa Leniniana, un gran ciclo de bocetos, dibujos, bocetos y esculturas, cuya creación fue el trabajo principal de la vida de Andreev durante los años del poder soviético. . Los retratos de Lenin de Andreev son para nosotros no solo el trabajo de un artista talentoso, sino también la preciosa revelación de un testigo presencial, una persona que observó repetidamente a Lenin en congresos y congresos y en su oficina del Kremlin. Andreev hizo muchos bocetos superficiales en el proceso de este trabajo, pero solo hay tres retratos pictóricos completos; el artista entendió perfectamente la complejidad y los detalles de sus tareas, con la aparente velocidad de ejecución posible.

En uno de estos retratos, un leve bizqueo de los ojos de Lenin, una sonrisa apenas perceptible insufló vida a la imagen, creando una imagen llena de calor humano. Al mismo tiempo, un sentido del significado social de la imagen del líder vive en el retrato, y por eso esta hoja es tan nueva en contenido para el arte del retrato gráfico de aquellos años (il. 1).

Andreev desarrolló el tema de Lenin: el líder de las masas con una fuerza y ​​​​expresión aún mayores en el retrato de perfil de V. I. Lenin, a menudo fechado a principios de la década de 1920. El impulso y la energía de esta imagen inspirada, su heroísmo sublime conquista corazones. Al mismo tiempo, la comprensión del papel histórico de V. I. Lenin aquí es tan madura que este trabajo de Andreev parece estar muy por delante del alcance del arte de principios de la década de 1920. Con toda la riqueza y los logros del arte de estos años, no encontraremos en él tal sentido de la escala de los hechos de Lenin, el alcance del pensamiento de Lenin, tal comprensión histórica de su imagen. Y parece justa la suposición reciente del investigador de "Leniniana" L. Trifonova de que el retrato, que se conoció solo en la década de 1930, no se creó a principios de la década de 1920, sino más tarde. El lenguaje lacónico y el contenido interior le dan a esta hoja una verdadera monumentalidad. No en vano, este retrato ahora es familiar para una amplia audiencia no solo por muchas reproducciones: está hecho en mosaico, está pintado en paneles H: t, al decorar fiestas. Ampliado a un tamaño enorme, el dibujo no pierde nada en su lacónica expresividad,

G. S. Vereisky (nacido en 1886) también trabajó en el campo del retrato desde los primeros años de formación de los gráficos soviéticos. El momento de evaluar el significado social de una persona ocupará un lugar importante más adelante en sus cosas, pero el camino del artista hacia esto y especialmente la naturaleza de sus primeros trabajos fueron diferentes a los de Andreev. G. S. Vereisky recibió sus primeras habilidades en el arte en un estudio privado en Kharkov, estudió en la universidad, participó en un círculo estudiantil revolucionario y los eventos revolucionarios de 1905, en relación con esto, una prisión y luego varios años de emigración: estos son algunos momentos de la biografía del artista. A partir de 1918, durante varios años, Vereisky trabajó en el departamento de grabados del Hermitage. Llegó allí ya en posesión de una importante información de la historia del arte mundial, mientras que su dilatada labor en el Hermitage le enriqueció aún más en este sentido. No un libro, sino un conocimiento vivo de las obras maestras del arte mundial dejó su huella en la imagen creativa del artista; gran cultura, nobleza, sencillez, detrás de lo cual hay exigencia, distinguen sus numerosas obras. Vereisky comenzó con retratos litográficos, y aunque ahora lo conocemos como un excelente dibujante y grabador, lo hizo sobre todo en el campo de la litografía.

Desde el comienzo de su trabajo, Vereisky se caracterizó por la fidelidad a la naturaleza, la observación. Por eso, quizás, la larga trayectoria de este artista en el arte parece a primera vista suave y tranquila. De hecho, está marcado por búsquedas constantes, mejora de habilidades,

El primer álbum de Bereisky, "Artistas rusos", fue lanzado en 1922. Vemos aquí un grupo completamente representado de artistas de la sociedad "World of Art" desde los fundadores hasta su segunda generación. Vereisky conoce perfectamente sus modelos y captura con precisión el estado de ánimo espiritual, el carácter de cada uno de los artistas: la sombría seriedad y la incómoda soledad de Benois, la concentración sin alegría de Somov, la expresión espinosa, la tensión de la vida interior de Mitrokhin, etc. De estos hojas, así como de los retratos de Andreev, podemos aprender mucho sobre las personas representadas aquí, pero en los retratos de Vereisky no hay momento para evaluar a las personas, por así decirlo, desde la distancia, la caracterización se da en una cámara , plano íntimo-lírico, y la cuestión del significado social de sus actividades aún no se ha planteado. En álbumes posteriores de 1927 - 1928, Vereisky ya encuentra con mayor precisión la pose natural y relajada del modelo, dibuja con más confianza y libertad. Retratos exitosos de artistas Golovin, Zamirailr, arquitecto Shchuko, crítico Yaremich, Notgaft. Vereisky pudo transmitir la cultura interior, la vivacidad mental, el encanto de una gran educación, inherentes a las personas representadas por él.

En la década de 1930, Vereisky trabajó mucho en retratos de pilotos, admirando su coraje y coraje, tratando de enfatizar estas cualidades en su descripción. Y cuando, al comienzo de la Gran Guerra Patria, creó retratos de los valientes participantes en las batallas de Fisanovich, Meshchersky, Osipov y otros, parecían una continuación de la historia del artista sobre los valientes soldados soviéticos, iniciada por las obras. de la década de 1930.

Pero el principal logro de Vereisky durante este período y más allá fueron los retratos de figuras culturales. Durante los años de la guerra, el artista sintió con particular claridad que el tema de sus retratos era la creatividad, la capacidad, preciosa e inalienable de una persona de arte, de trabajar con perspicacia creativa incluso en un momento de gran dificultad. En estas láminas, la gran habilidad técnica de Vereisky parecía iluminarse por primera vez con una profunda excitación emocional, y sus retratos, siempre correctos y precisos, adquirían una viva emotividad. El director del Hermitage, el orientalista I. A. Orbeli y el poeta N. Tikhonov, fueron dibujados por él durante los días del sitio de Leningrado; sus penurias dejaron huella en la apariencia de estas personas, pero a pesar de las condiciones en las que trabajan y su profundidad creativa se transmite de manera tangible y clara. La misma poesía de búsquedas inspiradas se encuentra también en los retratos del artista E. E. Lansere, el director de orquesta E. A. Mravinsky, el pintor T. N. Yablonskaya (il. 2). Una vez más, aquí se presentan figuras culturales de diversas profesiones, pero cómo ha cambiado su mundo interior, su ardiente devoción por el arte se ha iluminado con un nuevo significado. La antigua intimidad de las obras de Vereisky desaparece, y la cuestión del papel social del arte suena con toda su fuerza en sus retratos de 1940-1950. Los métodos de su escritura psicológica no se volvieron diferentes, sino solo más precisos, pero a partir de la veracidad concienzuda habitual de sus características, los contornos de la gran cercanía interior de las personas representadas por él, la cercanía en lo principal: en comprender el sentido de su obra, como si por sí mismos estuvieran indicados.

Al decir el nombre de G. S. Vereisky, a menudo recordamos de inmediato las obras de M. S. Rodionov (1885 - 1956), un artista cuyo arte estaba en muchos aspectos internamente cerca de G. S. Vereisky. Y las principales áreas de trabajo: retrato y paisaje (que Vereisky también hizo mucho), y la estricta belleza de la forma y la consideración en el estudio de la naturaleza eran comunes a estos artistas. Realizado por M. S. Rodionov en 1944 - 1946, también en la técnica de la litografía, una serie de retratos de científicos y artistas - Abrikosov, Baranov, Vesnin y otros - establece en nuestros gráficos la misma línea de seriedad, sin ostentación externa, fuerte interna veracidad del arte del retrato, que también esbozan las obras de G. S. Vereisky.

Las obras de Vereisky y Rodionov nos alejaron de los primeros años posrevolucionarios. Volviendo a ellos, debemos complementar el círculo de obras de retratos que ya nos son familiares con las obras de B. M. Kustodiev (1878 - 1927). Un gran pintor, Kustodiev trabajó mucho en gráficos. Un interesante retrato de F. I. Chaliapin, realizado por él en 1921 en acuarela y lápiz. Si en la primera versión de este retrato, el sello de la vida cotidiana, por así decirlo, apaga la luz interior en el rostro de Chaliapin, más adelante el artista crea una imagen compleja y al mismo tiempo convincente; se intuye en él talento, amplitud, elegancia y algún pensamiento oculto (il. 3).

El segundo género generalizado en la gráfica de la década de 1920 fue el paisaje. Uno de sus más grandes maestros fue A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955). Su temprano interés por el arte la llevó a la Escuela Stieglitz de Dibujo Técnico, donde estudió bajo la dirección de un excelente maestro y grabador V. V. Mate, un gran maestro del grabado de tonos de reproducción. El perfil creativo de Ostroumova no se determinó de inmediato. Después de mudarse a la Academia de Artes, estudió allí con varios maestros y posteriormente fue aceptada como estudiante de I. E. Repin. Este fue un evento que dejó su huella en todas las actividades posteriores del artista. "En las profundidades, en el corazón de nuestro arte, el realismo alegre, fresco y eternamente vivo de Repinsky es la piedra angular de todos", escribió más tarde Ostroumova. Poco a poco, el interés del artista por el grabado, y en particular por las xilografías en color, se va consolidando cada vez más. Estudió finos ejemplos de este arte en varias colecciones durante su viaje a París. De todas las técnicas de grabado en Rusia, a principios del siglo XX, tenía el menor valor artístico independiente y existía principalmente como una forma de reproducir pinturas. Las xilografías coloreadas fueron completamente olvidadas. Por lo tanto, cuando Ostroumova-Lebedeva envió varios de sus grabados a la Academia para el concurso, incluido un grabado en madera en color de la pintura del artista flamenco Rubens "Perseo y Andrómeda", el jurado inicialmente incluso rechazó esta hoja, confundiéndola con una acuarela. .

A lo largo de su larga vida creativa, Ostroumova-Lebedeva mantuvo su compromiso con los grabados en madera y las acuarelas. Sobre el primero de ellos, la propia artista escribe con amor y poesía:

"Aprecio en este arte la increíble concisión y brevedad de la presentación, su laconismo y, debido a esto, su extrema nitidez y expresividad. Aprecio la certeza y claridad despiadadas de sus trazos en el grabado en madera... La técnica en sí misma no permite de enmiendas y por lo tanto no hay lugar para dudas y vacilaciones en el grabado en madera...

¡Y qué hermoso es el funcionamiento de la herramienta sobre madera dura! El tablero está tan pulido que parece terciopelo, y sobre esta brillante superficie dorada un cincel afilado corre rápidamente, ¡y todo el trabajo del artista es mantenerlo dentro de los límites de su voluntad!

Un momento maravilloso cuando, después de un trabajo duro y lento asociado con una atención intensa e incesante, no se equivoquen, rueda pintura con un rodillo, y todas las líneas que dejó en el tablero comienzan a brillar con pintura negra, y de repente aparece un dibujo. a bordo.

Siempre lamenté que después de un florecimiento tan brillante del grabado, que fue en los siglos XVI y XVII, este arte comenzó a marchitarse, se convirtió en un servicio, ¡en un oficio! ¡Y siempre soñé con darle la libertad!".

Incluso en los años anteriores a la revolución, Ostroumova creó muchas obras maravillosas: vistas de San Petersburgo y sus alrededores, paisajes pintados durante viajes en Italia, España, Francia,

Holanda. La precisión invariable y la fidelidad a la naturaleza se combinan ya en ellos con un gran don de generalización. El artista de San Petersburgo dibuja de manera especialmente penetrante y poética. La ciudad se levanta en sus sábanas majestuosas, llenas de armonía y belleza. La armonía de la composición, la claridad lineal, la pureza del color distinguen sus obras.

Después de la revolución, que provocó en la artista, según sus memorias, un surgimiento de energía creativa y un surgimiento alegre, Ostroumova todavía trabaja sobre todo en el género del paisaje arquitectónico. En sus sábanas, como antes, la ciudad no son calles concurridas que hierven con una multitud activa, sino sobre todo el reino de la bella arquitectura, su belleza perdurable.

Al mismo tiempo, a la artista se le revelan nuevas características en la apariencia de la ciudad, y la emotividad restringida de sus pinturas a veces se reemplaza por un sentimiento más tormentoso e impulsivo. En el marco de un único género paisajístico, Ostroumova crea cosas muy diversas y siempre internamente integrales. Recordemos, por ejemplo, su acuarela de 1918 "Petrogrado. Campo de Marte". Esta sábana con el rápido movimiento de las nubes en el cielo alto, la extensión de la plaza y la figura esbelta y progresista del monumento a Suvorov está llena de tensión y patetismo ocultos. La actitud de la artista aquí es valiente, alegre, los ritmos de la vida que escucha son claros, como una marcha y, como una marcha, musicales. Ostroumova pinta con pinceladas ligeras, de forma generalizada, utilizando los detalles con sabia moderación. Parecería que esta hoja está dibujada de manera bastante simple, pero la habilidad y el gran gusto artístico están detrás de su simplicidad. También se manifiesta en la nobleza de la paleta modesta y hermosa de esta cosa.

El grabado en madera "Smolny" está impregnado de una emocionalidad tormentosa inusual para Ostroumova. El soplo de la revolución, por así decirlo, sopla sobre este paisaje, y el edificio de tranquilas formas clásicas parece revivir, como en el hervor de octubre de 1917. El choque de blanco y negro parece duplicar el poder de cada uno de estos colores. Las columnas de los Propylaea, que marcan la entrada al Smolny, se vuelven amenazadoramente negras, la tierra brilla con una blancura brillante, los trazos se arremolinan en movimiento rápido, delineando el camino hacia el edificio en las profundidades, un árbol se inclina bajo un viento racheado, y oblicuamente las líneas que caen delinean ligeramente el cielo sobre Smolny. Se crea una imagen llena de impulso, de movimiento, de emoción romántica. Además, qué hermoso y pintoresco es este grabado en madera negra, qué grandes son sus méritos puramente decorativos.

El ciclo de pequeños grabados en madera que representan a Pavlovsk también se distingue por su decoración. El artista vio la decoratividad en los contornos de un grupo de árboles, la silueta de una estatua o una celosía, observada en vida y, por lo tanto, convincente.

Un ejemplo clásico de la gran habilidad de Ostroumova-Lebedeva es el paisaje "Jardín de verano en escarcha" (1929; il. 4).

La tranquilidad de un jardín desierto te llena cuando miras este grabado; usted, por así decirlo, se encuentra en su callejón: así es como el autor despliega la composición de la hoja. La puntada de las huellas en la nieve profunda y el ritmo de la rejilla negra cubierta de nieve perfilan el movimiento hacia las profundidades de la sábana, y allí es suavemente redondeado por la ligera silueta de un puente. El movimiento y las figuras lejanas de las personas animan toda la hoja, pero no rompen su encanto nevado. Es en la combinación de una paz asombrosa, el silencio con un sentido de la vida de una gran ciudad, fluyendo en algún lugar muy cercano, que nace el encanto especial de este grabado. La poesía del invierno, sus colores brumosos, el aire helado que sopla sobre las copas de los árboles en escarcha rosada quebradiza, es bellamente transmitida por el artista aquí.

Durante la Gran Guerra Patriótica, Ostroumova-Lebedeva, que ya tenía más de setenta años, no abandonó Leningrado. Compartió con todos los habitantes las increíbles penurias del bloqueo y no dejó de trabajar lo mejor que pudo. Las páginas de sus memorias relativas a estos años no son sólo una crónica de penurias y angustias espirituales, sino también testimonio de un eterno ardor creativo, de un incansable deseo de trabajar. Tal amor por el arte, gran devoción por él, siguen siendo un ejemplo para los artistas jóvenes, y los logros de Ostroumova-Lebedeva en el grabado y, en particular, el renacimiento de las xilografías artísticas en color por ella permanece como una contribución inquebrantable de un gran maestro a nuestro Arte.

Las obras de V. D. Falileev (1879 - 1948) se acercan en muchos aspectos a las obras de Ostroumova-Lebedeva en términos de actitud y estilística. También fue un maestro de la xilografía en negro y en color, y recurrió al aguafuerte y al linóleo en una búsqueda constante de nuevas posibilidades técnicas de su obra, en particular del color. Los paisajes de Falileev, que representan tanto a su país natal como a los extranjeros, nos atraen con la misma plenitud de sentimientos, la capacidad de ver la belleza en los motivos habituales de la naturaleza, como las obras de Ostroumova-Lebedeva, pero la armonía y la pureza clásica de las líneas son menos. común en sus grabados, la forma de su dibujo es más libre y de alguna manera más inquieta, el colorido es más cálido y más pintoresco. Al mismo tiempo, la capacidad de generalizar las propias impresiones, de crear una imagen artística de gran capacidad con un mínimo de medios, hace que Falileev se relacione con Ostroumova-Lebedeva. En este sentido, por ejemplo, es característico el álbum de linóleos en color de Falileev "Italia", donde el artista, dedicando solo una hoja a una u otra ciudad, en composiciones extremadamente lacónicas, a veces representa solo un fragmento de un edificio, como si concentra lo más característico en el aspecto de las ciudades italianas.

El artista también está interesado en la naturaleza tormentosa, crea una serie de aguafuertes "Lluvias", en una serie de hojas que varía, estudiando la apariencia cambiante del mar, los contornos de una ola tormentosa. En los paisajes con motivos de tormenta y lluvia, algunos investigadores ven una especie de respuesta gráfica a una tormenta revolucionaria, pero tal acercamiento todavía parece demasiado sencillo. Y con Falileev, no nos atreveremos a establecer una relación similar entre sus tramas y eventos sociales. Pero en la totalidad de sus obras, en la especial intensidad de su estructura interna, hay realmente un sentido de la complejidad del mundo social, y es más claro en sus hojas de paisaje que, por ejemplo, en el linograbado de Las Tropas. , porque Falileev fue principalmente un pintor de paisajes.

I. N. Pavlov (1872 - 1951) también fue un representante del género paisajístico en gráficos. En su persona, Moscú tuvo un poeta tan devoto y no se cansaba de cantarlo, como Leningrado en la persona de Ostroumova-Lebedeva. Pavlov tenía casi la misma edad que Ostroumova, pero su camino en el arte comenzó en otras condiciones de vida más difíciles. Hijo de un paramédico de la prisión, luego vigilante de la Catedral de Cristo Salvador de Moscú, tuvo que "ir al pueblo" temprano, inscribiéndose como aprendiz en un taller artesanal de grabado. Las reproducciones de grabados de pinturas de V. Makovsky fueron las primeras obras que le trajeron el éxito. Posteriormente, Pavlov estudió en la Escuela de Dibujo Técnico Stieglitz y en el taller de Mate, así como en la escuela de la Sociedad para el Fomento de las Artes, pero no por mucho tiempo debido a la necesidad de trabajar. Al reproducir pinturas, el artista logra una gran habilidad, y sus grabados se publican en revistas populares de esos años, familiarizando a los lectores con las obras de los principales pintores, desde Repin hasta V. Makovsky. La fotomecánica, sin embargo, suplanta aún más este modo de reproducción. En las obras de Pavlov, aparece el tema principal de su trabajo: los rincones antiguos de Moscú y las ciudades provinciales, el paisaje de Rusia que se desvanece en el pasado.

La transición a la creación de grabados originales no fue fácil para el artista, pero su diligencia y amor por su tema hicieron mucho. Desde 1914, comenzaron a aparecer álbumes de grabados de paisajes de I. N. Pavlov. En el corazón de sus paisajes había impresiones de la naturaleza cerca de Moscú, de viajes a lo largo del Volga y el Oka. La percepción de cámara de la naturaleza, la búsqueda de una especie de intimidad en ella distinguió estas primeras obras. "Me esforcé por la selección de esquinas y esperaba ver mis grabados como verdaderos paisajes anímicos. A gran escala, en la imagen panorámica, me parecía que la intimidad y la claridad compositiva que intentaba lograr podían desaparecer por completo", dice el recordó el artista más tarde. Comenzando una gran serie de paisajes de Moscú, Pavlov también aquí busca principalmente motivos líricos de cámara, capturando la antigüedad. "Busqué los edificios antiguos más raros, los patios, los callejones sin salida, las casas de madera centenarias, las iglesias de arquitectura antigua; no ignoré muchos monumentos destacados de la antigüedad... A veces, lo antiguo se alternaba con lo nuevo, con el fin de enfatizar la tipicidad del pedazo tomado de la ciudad", leemos en sus memorias.

De año en año, se acumularon los grabados de Moscú de I. N. Pavlov, que formaron sus numerosos álbumes. Mucho ha cambiado en un período de tiempo relativamente corto en Moscú, los rincones tranquilos que pintó I. N. Pavlov en la gran ciudad moderna se han vuelto irreconocibles. Y estamos agradecidos al artista, que nos ha preservado el modesto confort de las callejuelas silenciosas, la amabilidad de las casitas (il. 5). Y en otras ciudades rusas, Kostroma, Uglich, Ryazan, Torzhok, Pavlov se siente atraído por la arquitectura antigua. Sintió muy bien su expresividad y originalidad. Pero en general, las obras de Pavlov son incomparablemente menos artísticas y plásticas que, por ejemplo, en los paisajes de Ostroumova-Lebedeva o Falileev. El rigor documental de su obra se convierte muchas veces en fotografía.

5. I. N. Pavlov. Hoja del álbum "Old Moscow". En Varvarka. 1924

El ciclo de paisajes modernos de Pavlov se repuso en 1920 - 1930, cuando, al unirse a la Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria, él, como muchos maestros del arte, realizó viajes de negocios creativos a los centros industriales del país. Linograbado en color "Astrakhan" con una bandada oscura de barcos y las luces de un gran edificio del Comisariado Popular de Transporte Acuático en la orilla, el paisaje "En el Volga" con siluetas negras nítidas de veleros y agua ligeramente temblorosa, "Bakú" , "Balakhna" y algunas otras láminas ejecutadas en estos años se encontraban entre las mejores obras del artista. La hoja "Zvenigorod. Afueras", creada por el maestro de 78 años en 1949, conquista con un estado de ánimo alegre y brillante.

El elogio inapropiado del trabajo de Pavlov por parte de los críticos a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950 oscureció las deficiencias de sus obras y, paradójicamente, dificultó determinar sus verdaderos méritos. La negación total de su trabajo no es infrecuente hoy en día. Pero apreciamos el gran trabajo del artista y su rica experiencia, que generosamente compartió con muchos maestros de la gráfica soviética al comienzo de su carrera.

El mérito de Pavlov, junto con V. D. Falileev, es la introducción del linóleo en la vida cotidiana de los artistas soviéticos y la invención de un nuevo método de impresión de grabados con acuarelas: los aquatipos.

De los estudiantes de I. N. Pavlov, M. V. Matorin, un maestro de grabados en madera en color y pintor de paisajes, trabaja fructíferamente como artista y maestro.

En su apelación al paisaje arquitectónico, a los monumentos de la antigüedad, IN Pavlov no estuvo solo en la década de 1920. Vl. IV. Sokolov, un estudiante de Levitan, a quien el mismo I. N. Pavlov logró interesar en las técnicas de grabado, lanzó varios álbumes en 1917 - 1925 dedicados a Sergiev Posad, la antigua Moscú, Rostov. Todos estos son buenos ejemplos del paisaje antiguo. En los álbumes de litografías de Yuon y Kustodiev en la década de 1920, también se pueden ver Sergiev Posad, paisajes rusos, imágenes de la antigua vida provinciana intacta. Los edificios clásicos de San Petersburgo se destacan en las líneas grabadas de los grabados en madera de P. A. Schillingovsky, cuyo álbum de paisajes, publicado en 1923, aunque llamado "Petersburg. Ruins and Revival", pero básicamente contenía solo imágenes tristes de las ruinas: la destrucción. causado a Petrogrado por la devastación militar. Una vez en Armenia, el veto de Schilling vuelve a ver solo las características de la antigüedad, publicando un álbum de grabados "Old Erivan" en 1927. Por lo tanto, el paisaje antiguo en los gráficos de la primera década no es un pasatiempo accidental de maestros individuales, sino todo un fenómeno.

Solo alrededor de 1927 se secó el interés por él, y el mismo Schillingovsky, un gran fanático de la antigüedad arquitectónica, en el año siguiente, 1928, creó el álbum "Nueva Armenia", como si notara en su obra un cambio característico que se produjo en el horario.

Lo nuevo, por supuesto, crece en las entrañas de lo viejo, y las obras dedicadas al paisaje moderno aparecieron en gráficos, por así decirlo, en sus profundidades, entre cosas que ya nos son familiares. Sus autores fueron artistas que ayer dedicaron su creatividad a la contemplación de las eternas bellezas de la arquitectura y la naturaleza. Así, por ejemplo, I. I. Nivinsky (1881-1933), el mayor maestro del grabado soviético, en el álbum "Crimea", publicado en 1925, transmite artística y fácilmente, aunque con un toque de contemplación, la fiesta cotidiana de la bella naturaleza del sur. Para el décimo aniversario de octubre, por orden del Consejo de Comisarios del Pueblo, Nivinsky crea varios grabados grandes "Zages", donde, representando una central eléctrica en Georgia, no solo introduce una nueva trama en sus paisajes, sino que también busca activamente nuevos formas de expresión para ello.

El grabado exitoso "Monumento a V. I. Lenin en Zagas" con su dibujo cuidadoso y el monumento a V. I. Lenin, naturalmente dominante en el paisaje industrial: la creación del escultor I. D. Shadr (il. 6). La belleza de este monumento, su majestuosa silueta espectacular se convierte aquí en el componente principal de la imagen del paisaje. La naturaleza ahora es concebida por el artista no solo como un objeto de admiración contemplativa, sino también como un campo de gran actividad humana. Las notas de una actitud activa ante la vida por primera vez sonaron claramente en el paisaje gráfico.

Nuevos motivos aparecen en la segunda mitad de la década de 1920 en la obra del artista I. A. Sokolov (n. 1890). Desde el comienzo de su trabajo, I. A. Sokolov, estudiante y gran admirador de V. D. Falileev, representa escenas de trabajo en grabado. Al principio, este es el trabajo doméstico duro y molesto de una mujer en el hogar, el trabajo artesanal, un mundo estrecho y limitado, que se muestra con calidez y amor. Un zapatero inclinado sobre su trabajo, una lavandera, una abuela con sus nietos en una habitación poco atractiva y atestada por la noche, una esbelta silueta de una encajera sobre un fondo de tela ligera con un patrón intrincado, obviamente conectado por ella: estas son las primeras obras. de Sokolov (il. 7).

Por su naturaleza, están muy cerca de las obras de I. Pavlov, Vl. Sokolov y otros artistas que nos mostraron los rincones no oficiales de las grandes ciudades, su antigüedad intacta. "Entonces parece que la vida, reflejada en los grabados de I. A. Sokolov, transcurrió detrás de las paredes de esas pequeñas casas que representó I. N. Pavlov", escribe correctamente el biógrafo de I. A. Sokolova M. Z. Kholodovskaya.

Obviamente, debido a que las imágenes del trabajo siempre han estado cerca del artista, fue él quien fue uno de los primeros en expandir el alcance estrecho de su tema y comenzar a representar el nuevo mundo del trabajo industrial: el trabajo en una gran planta metalúrgica. Para 1925, pertenecen sus primeras hojas que representan la planta de Moscú "Hoz y martillo". En ese momento, el artista ya había dominado la técnica del linóleo de tableros múltiples de colores, y los tipos de talleres, el entretejido de poderosas armaduras de acero, la iluminación compleja de escenas con deslumbrante metal al rojo vivo son reproducidos por él con precisión y minuciosidad. Más tarde, ya un maestro maduro, Sokolov vuelve a una fábrica familiar y en 1949 crea una serie de grabados dedicados a él. Esta vez introduce láminas de retratos en la serie; uno de ellos, que representa al trabajador siderúrgico F. I. Sveshnikov, fue especialmente exitoso para el artista. Bajo la apariencia de Sveshnikov, que observa atentamente la fundición, logró transmitir la modestia, la sencillez y el encanto de una persona con una gran experiencia de vida y trabajo. Pero incluso las primeras hojas de "fábrica" ​​de Sokolov conservan su significado para nosotros; contienen la precisión concienzuda de los primeros pasos por un camino desconocido por el propio autor y otros artistas.

A lo largo de su vida, I. Sokolov también trabajó mucho en el campo del paisaje. Sus paisajes de las décadas de 1920 y 1930 se hicieron ampliamente conocidos; el frescor frío de la primavera temprana y el atavío ardiente del otoño están siempre impresos en ellos con un patrón claro y preciso, colores claros y puros. Mejorando la técnica del linograbado en color, logrando una transferencia libre de una rica gama de colores, el artista usa una gran cantidad de tablas y, a veces, rueda sobre la tabla no uno, como de costumbre, sino varios colores. Su conocido grabado "Kuzminki, Otoño", cautivador con colores cálidos y pintorescos, por ejemplo, fue ejecutado en siete tablas en nueve colores.

Los acontecimientos de la guerra fueron reflejados por el artista en las grandes series "Moscú en 1942" y "Lo que el enemigo destruyó". En el primero de ellos, pintando tanques que salen al frente por las calles de Moscú, rebaños llevados a la retaguardia, huertas en los patios, etc., el artista satura sus láminas con motivos de género, pero sigue siendo ante todo un paisajista en la resolución la composición en su conjunto. En la segunda serie, el paisaje, la tarea documental se destaca deliberadamente, pero la tristeza también tiñe estas hojas, que representan la dolorosa destrucción de los hermosos conjuntos de los suburbios de Leningrado. A la misma tarea documental se enfrenta el artista en su serie de años de posguerra, en la que reprodujo con esmero y meticulosidad lugares memorables asociados a la vida y obra de V. I. Lenin y A. M. Gorki.

Las primeras obras sobre la nueva vida, como las hojas de Nivinsky o Sokolov, no fueron numerosas. Sin embargo, su número está aumentando gradualmente. Durante los años del primer plan quinquenal, se organizaron viajes de negocios de pintores y artistas gráficos a los nuevos edificios más importantes, gigantes industriales y las primeras granjas colectivas. Los artistas estaban entusiasmados con estas nuevas tareas para ellos. Y aunque entre las obras creadas a raíz de estos viajes aún quedaban pocas cosas de alto valor artístico, con esta obra entra en la gráfica un nuevo torrente fresco, el soplo de la gran vida del país.

La complejidad de esta obra consistió tanto en el insuficiente conocimiento de la vida cotidiana de la construcción socialista por parte de los artistas, como en la discutibilidad de muchas cuestiones del arte característico de esos años. Numerosos grupos de arte a menudo salieron con plataformas teóricas opuestas, y en las disputas que surgieron en ese momento, a veces se cuestionó el derecho a existir del arte de caballete. No hay que olvidar que estos años fueron un período de búsquedas encontradas en el campo de la educación artística. A menudo, la formación inadecuada de los artistas en las universidades los privó de las bases sólidas de las habilidades profesionales, y el joven artista gráfico tuvo que recuperarse mucho más tarde. Es cierto que las obras de varios maestros excelentes de la generación anterior, así como los consejos que dieron a los jóvenes, a menudo fuera de los muros oficiales de la universidad, fueron muy instructivos para ella. También hubo estudios como, por ejemplo, el estudio de Kardovsky, en el que los artistas pasaron por una fructífera escuela de dibujo y composición realistas. Y, sin embargo, las condiciones de trabajo de los artistas eran difíciles. Mejoraron solo con la eliminación de agrupaciones artísticas a principios de la década de 1930 y la unificación de todas las fuerzas creativas sanas en una única plataforma realista.

Al dibujar gráficos para temas modernos, se desarrollaron rápidamente varias áreas principales de trabajo para los artistas. Uno de ellos fue, como vimos en los grabados de I. Sokolov, mediante una reproducción precisa, algo descriptiva, casi documental, de las condiciones laborales vistas, principalmente industriales. En obras de este tipo, hubo mucho deseo ingenioso y honesto de los autores de informar al espectador de la manera más precisa y completa posible sobre nuevos edificios y fábricas. No en vano, los artistas muchas veces no se limitan a una hoja, sino que en toda una serie de ellas plasman vistas de una fábrica, construcción, etc.

La segunda dirección se puede llamar aquella calentada por un sentimiento lírico, lacónico, que conserva la vivacidad del boceto, pero también su reticencia, el arte del paisaje industrial, que fue creado a fines de la década de 1920 y principios de la de 1930 por N. N. Kupreyanov (1894 - 1933), alumno de artistas tan diferentes como Kardovsky, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebedeva, Kupreyanov recorrió un camino corto pero difícil en el arte, lleno de búsquedas constantes. Curiosamente, trabajó no solo en gráficos de caballete, sino también en la ilustración de libros. Uno de los primeros Kupreyanov dedicó sus cosas a la revolución, y sus grabados en madera "Vehículo blindado" (1918) y "Crucero" Aurora "(1923), algo deliberados en su angularidad acentuada o movimiento rápido de líneas, llevaron una partícula de genuino espíritu espiritual. uplift, una respuesta animada a los eventos de octubre. Dejando pronto los grabados en madera, Kupreyanov trabaja principalmente en forma de transiciones de luz y sombra libres, llenas de luz y misteriosas en dibujos a tinta y acuarela. constituyen uno de los lados de su trabajo. Pero Kupreyanov El arte también se adentra tempranamente en las extensiones de un vasto país. En la serie "Railway Tracks" (1927), su pincel rápido llena hoja tras hoja con el estruendoso movimiento de los trenes, y en su ritmo apresurado se puede escuchar el eco de los negocios del país. vida ciclos "Báltico", que comenzó a crearse en 1931, y "Pesca del Mar Caspio", que surgió como resultado de los viajes del artista allí: la misma ligereza es exteriormente descuidada Oh, la forma incompleta de dibujar. Detrás de él, uno puede sentir la búsqueda lejos de completarse de imágenes de modernidad, combinando la expresión de lo fugaz y el contenido espacioso de la característica.

Una muerte temprana interrumpió en medio la obra del artista.

La tercera dirección en el trabajo de los artistas gráficos sobre temas contemporáneos surgió con una tendencia temprana de interpretación románticamente optimista de la trama. Convierte motivos industriales en un espectáculo majestuoso, a veces encantador. Parecería que tales obras tienen el enfoque más creativo y emocional de la naturaleza. Y, de hecho, entre ellos, las cosas significativas y muy hermosas en la ejecución no son infrecuentes. Pero su euforia romántica a menudo tiene un carácter un tanto abstracto y subjetivo, como la precisión descriptiva de otras obras, es el resultado solo del primer contacto del artista con el tema. No sin razón, llevados por las vistas generales de la construcción, los talleres de las fábricas, etc., los autores de todas las primeras obras industriales todavía dan un lugar muy modesto a las personas en ellas. Un ejemplo de obras de un plan romántico puede ser la hoja de N. I. Dormidontov "Dneprostroy" (1931; il. 8). Dormidontov (nacido en 1898) es también uno de los primeros artistas del tema moderno en gráficos. Ya desde mediados de la década de 1920, aparecieron sus hojas de trabajo dedicadas al trabajo, al principio rígidamente precisas y secas, luego más libres y encontradas en la composición. En el dibujo "Dneprostroy", el artista está fascinado por la enorme escala de la estructura, la imagen encantadora del trabajo nocturno, iluminada por la luz nítida de numerosas bombillas. En su dibujo, el trabajo se convierte en un espectáculo que sorprende a la imaginación, misterioso, grandioso y un poco fantástico.

Una interpretación similar del trabajo se puede ver en una serie de grabados de AI Kravchenko (1889 - 1940), también dedicados a la construcción de los Dneproges (1931). Fue creado por el artista ya en la época madura de la creatividad, y su habilidad espectacular se manifestó claramente en él,

En los grabados de este ciclo, las enormes estructuras de la presa se apilan, suben, las flechas de las grúas se alzan muy cerca de ellas, el cielo alto se arremolina con nubes y el sol envía sus deslumbrantes rayos hacia arriba. Los contrastes de los colores blanco y negro dan lugar a una gama de grabados luminosa e inquieta. El espectáculo de la construcción cerca de Kravchenko es grandioso e impresionante. Y las personas que crean un nuevo gigante industrial en condiciones difíciles se dan solo como grupos que se repiten rítmicamente de figuras de siluetas idénticas, como portadores abstractos de movimiento. Sin embargo, muchos artistas en ese momento se sintieron atraídos principalmente por la expresividad panorámica general del sitio de construcción, el taller, etc. Y en los grabados de Kravchenko, solo se expresa con mayor talento.

Creatividad Kravchenko generalmente hace una página brillante y original en la historia de nuestros gráficos. Maestro de la xilografía, el grabado y el dibujo, muy sensible a los temas de coloración social nítida en las cosas de caballete, escritor de ciencia ficción y mago de las ilustraciones, Kravchenko ganó rápidamente una gran popularidad en el país y en el extranjero. Proveniente de una familia campesina, fue educado en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Sus maestros fueron los famosos pintores rusos S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov. Kravchenko comenzó su carrera como pintor, pero en el campo del dibujo y el grabado, al que recurrió durante los años del poder soviético, su obra es especialmente interesante. Numerosos viajes a India, Francia, Italia, Estados Unidos y la Unión Soviética completaron la educación artística de Kravchenko y ampliaron sus horizontes. Kravchenko trabajó muy duro. Creó un bizarro mundo de imágenes en ilustraciones de libros, combinando fantasía y lo grotesco, la magia estremecedora de los sentimientos y la energía de la obsesión. Trabajó constantemente en el campo del paisaje, sus diversas hojas capturan la armonía, la belleza y la naturaleza modesta de la región de Moscú y las ciudades famosas de Europa. Es uno de los primeros artistas gráficos en crear series de historias, respondiendo a temas públicos. El ciclo de grabados dedicado al funeral de V. I. Lenin, realizado en el mismo año de 1924, fue un triste relato testimonial, y ahora ha adquirido la significación de una obra histórica. Posteriormente, el artista volvió al tema leninista una vez más, habiendo realizado en 1933 un grabado estricto y solemne "Mausoleo". También realizó un ciclo de grabados "La vida de una mujer en el pasado y el presente" para el pabellón soviético en la Exposición Internacional de París. En pinturas contrastantes, el artista reprodujo el destino de una mujer-madre en la Rusia zarista y soviética; actuó aquí como un narrador, cuyo discurso es emotivo y vivo, pero sin una gran expresividad interna y plástica en sus imágenes. Después de la serie "Dneprostroy", Kravchenko no abandonó el tema industrial y en 1938, basándose en los materiales de un viaje creativo, creó dibujos y grabados dedicados a la planta de Azovstal.

En el aguafuerte que representa el vertido del acero (il. 9), el artista sigue fascinado por el poder de las enormes estructuras técnicas, la majestuosidad de la imagen del trabajo. Compone libremente una escena compleja, la ilumina eficazmente con chorros de luz y chispas. Además, aparece aquí un verdadero ritmo de trabajo, y con él la conveniencia de todo lo que sucede, en lugar del patetismo un tanto abstracto de Dneproetroy. Además del entretenimiento espectacular, la hoja también adquiere un gran contenido.

Este grabado monumental fue realizado por Kravchenko para la exposición de toda la Unión "Industria del socialismo". Esta exhibición de arte soviético está asociada con el atractivo masivo de los artistas en el presente. Se crearon obras para él durante varios años, a partir de 1936. Poco antes del inicio de este trabajo, 1.500 bateristas de una de las fábricas más grandes escribieron en las páginas de Pravda, dirigiéndose a los artistas:

"Esperamos grandes pinturas de usted. Queremos que no sean simples fotografías. Queremos que se invierta pasión en ellas. Queremos que nos entusiasmen a nosotros y a nuestros hijos. Queremos que nos inculquen la alegría de la lucha y la sed. para nuevas victorias Queremos que le muestres a la gente de nuestro país: los héroes y los participantes ordinarios en nuestra construcción ".

Estas ardientes palabras no sólo formulaban bien las tareas de nuestro arte, sino que también reflejaban el ambiente del amor exigente del pueblo por el arte, ese sublime interés por él del hombre trabajador que ayudaba a los artistas en su trabajo. Organizada por iniciativa de Sergo Ordzhonikidze e inaugurada durante los días del 18º Congreso del Partido, la exposición cubrió ampliamente la vida del país soviético. Aquí se exhibieron más de 1000 obras, de las cuales unas 340 estaban en el departamento gráfico (a excepción de la sátira). Pocas de estas hojas fueron obras de gran habilidad, pocas de ellas han sobrevivido hasta nuestros días. Pero los nuevos temas traídos por ellos, vistos por los artistas en vida -en los andamios de los nuevos edificios, en los talleres de la fábrica- fueron una gran conquista para el arte de la gráfica. Dneprostroy y el trabajo en las minas de potasa de Solikamsk, la construcción de un metro y el desarrollo del Ártico, la extracción de oro en la taiga y el trabajo de un minero: cuán diferentes son estos temas del círculo vicioso de los fenómenos de la vida al que pertenece el mundo de la gráfica de caballete era limitada antes, ¡qué poco apego a la antigüedad, fundamental retrospectivismo! Todavía había muchos paisajes industriales aquí. Pero además de ellos, también aparecen escenas de trabajo; y una persona que trabaja en una fábrica, en un campo, en un laboratorio, en una mina se convierte por primera vez en el héroe de la obra gráfica. Los artistas aún no conocen bien su mundo interior, al principio solo se sienten bien y son capaces de transmitir su confianza en el trabajo, la plasticidad de los movimientos profesionales. Por lo tanto, el gesto de trabajo en los dibujos es más convincente que la expresión en la cara, y algunas buenas obras se estropean por la rudeza externa de los personajes.

El artista A. Samokhvalov (n. 1894), por ejemplo, en una serie de acuarelas mostró bien el vigor y el optimismo de las "Chicas Metrostroy", pero también enfatizó su rudeza. Tal énfasis, por así decirlo, pone un límite a nuestro conocimiento de las heroínas de Samokhvalov y empobrece su trabajo, aunque en su tono mismo, en su atmósfera, hay características que se ven correctamente en la vida. El hombre de trabajo se caracteriza más cuidadosamente en la acuarela de S. M. Shor (n. 1897) "La niña cabra" de la serie "Cualificaciones antiguas y nuevas del Donbass" (1936; il. 10). Aquí se crea la imagen de una mujer inteligente y enérgica, se adivina con sensibilidad su almacén espiritual, la fuerza moral. No en vano, S. Shor se convierte en una maestra del retrato gráfico, la mayoría de las veces realizada por ella en la técnica del grabado.

En los años anteriores a la guerra, aparecieron hojas dedicadas a los trabajadores por I. A. Lukomsky (nacido en 1906). En su dibujo en sepia "Obrero" (1941; il. 11), el énfasis se transfiere de la característica individual a lo típico, archivado subrayado, como si fuera un primer plano. La libertad interior, el orgullo por el trabajo se pueden leer en el rostro del trabajador.

En la década de 1930, un acontecimiento importante para la gráfica fue la preparación de una exposición de ilustraciones para la historia del partido. Centró el interés de muchos artistas en temas históricos, les hizo repensar el camino recorrido por nuestro estado. El tema histórico-revolucionario comenzó su vida en gráficos ya a principios de la década de 1920. Sin embargo, en ese momento estos eran solo trabajos separados, principalmente grabados, en los que la decoración y el esquematismo a menudo abstractos todavía se consideraban como una parte integral de la técnica del grabado. Más tarde, en 1927, como todo lo contrario a estas obras, aparece una imagen del héroe de las batallas de Perekop avivada con patetismo revolucionario bajo el cincel del artista ucraniano VI Kasiyan. V. I. Kasiyan (nacido en 1896), nativo de Ucrania occidental, educado en la Academia de Bellas Artes de Praga, un artista que busca un alma, una manera temperamental brillante. Su lista es luminosa, emotiva, pero sigue estando solo en la agenda de estos años.

La mayoría de las obras creadas para la citada exposición adquirieron más un carácter de caballete que ilustrativo. Inaugurada en 1941, antes de la guerra, se llamaba "Exposición de nuevas obras de gráficos soviéticos" e incluía una serie de buenas obras. Muchos de ellos pertenecían a maestros de la gráfica editorial. Los ilustradores introdujeron en la esfera del dibujo de caballete la naturaleza psicológica de las imágenes y la precisión de la situación histórica, que entonces eran logros recientes y sorprendentes de su arte. Tales fueron las hojas del grupo de artistas Kukryniksy - "Sobre las barricadas", "Chkalov en la isla de Udd", "Pistas políticas", Kibrik - "Khalturin y Obnorsky", Shmarinov "El funeral de Bauman" y otros.

El interés de los artistas gráficos por los temas históricos en las décadas de 1920 y 1930 tuvo otro aspecto relacionado con la literatura.

Las imágenes inspiradas de Pushkin y Lermontov atrajeron la atención creativa de los artistas durante muchos años. N. P. Ulyanov (1875 - 1949) puso mucho trabajo en su serie Pushkin. Uno de los principales pintores soviéticos de la generación anterior, alumno cercano de V. A. Serov, Ulyanov fue un maestro de la pintura histórica y el retrato, así como un artista de teatro.

Los dibujos de Ulyanov hablan de varios períodos de la vida del gran poeta, desde los días del liceo hasta los últimos meses trágicos; se completan en diversos grados: algunos son más grandes, otros parecen bocetos, como páginas de búsquedas intensas e inconclusas, pero en todos ellos lo principal para el artista es la vida ardiente del alma de Pushkin. Uno de los mejores es un dibujo realizado en relación con la pintura "Pushkin y su esposa frente a un espejo en un baile de la corte". La imagen orgullosa y hermosa de Pushkin aparece aquí en las líneas lacónicas del dibujo inspirado de Serov.

El tema de Pushkin recibe otra interpretación en gráficos: en el paisaje de lugares memorables. El artista L. S. Khizhinsky (nacido en 1896) actúa en este género. En sus xilografías de joyería realizadas con gran habilidad, que representan lugares de Pushkin y Lermontov, logra una difícil combinación de precisión documental y comienzo poético emocional. Sin esta combinación, el éxito del paisaje conmemorativo, que siempre se construye sobre un subtexto sutil, asociaciones individuales, es imposible.

En la década de 1930, los nuevos momentos en el desarrollo de gráficos se sienten con mucha fuerza. Consisten no sólo en nuevos rumbos en la obra de los artistas, que, como hemos visto -¡apoyados por la actividad expositiva!-, están ganando gran escala, sino también en el nuevo contenido de los géneros tradicionales del retrato y el paisaje, y en la aparición de obras significativas de artistas de las repúblicas de la Unión. Entonces, V. I. Kasiyan, ya mencionado anteriormente, crea grabados dedicados a Shevchenko llenos de pensamientos serios durante estos años. El artista también puso mucho fuego espiritual en su trabajo posterior sobre el gran kobzar, representando al enojado Shevchenko contra el telón de fondo de los episodios de la lucha popular (il. 12).

Entre las obras más importantes de estos años se encuentran paisajes y retratos del maestro armenio M. Abegyan, litografías dedicadas a Moldavia por el ucraniano G. Pustovite, un grabado monumental del artista georgiano D. Kutateladze que representa a S. Ordzhonikidze y S. M. Kirov. Durante este período, el conocido artista azerbaiyano A. Azimzade, dibujante, dibujante y cartelista, creó las cosas más interesantes en el campo de los gráficos de caballete. Imágenes del pasado se reproducen en sus láminas a la manera original de un dibujo detallado, con un toque ornamental. ¿Qué hay de nuevo en el retrato y el paisaje de la década de 1930? La antigua intimidad de estos géneros desaparece, y sus maestros salen cada vez más audaces hacia la vida, conociendo gente nueva, ampliando el alcance geográfico de las obras de paisaje. Este último se aplica no solo a los maestros de lo industrial, sino también al paisaje ordinario. Si antes solo E. E. Lansere, que estudió incansablemente la naturaleza y la vida de los pueblos del Cáucaso, y Schillingovsky, que pintó Armenia, se apartaron de la tradición establecida de Moscú-Leningrado en el paisaje, ahora toda una galaxia de maestros crea sus obras fuera de su límites estrechos. Los artistas representan la naturaleza de Rusia central, el norte, Crimea, el Cáucaso y Asia central. El paisaje se convierte en un ámbito de brillante aplicación de la técnica de la acuarela. Las obras de los artistas gráficos L. Bruni, A. Ostroumova-Lebedeva, los pintores S. Gerasimov, A. Deineka, P. Konchalovsky dan testimonio del verdadero florecimiento del paisaje de acuarela. La actividad de la cosmovisión del autor es una característica nueva de estas obras. Tal vez, con particular claridad, sea visible en los paisajes de aquellos artistas que casualmente visitaron el extranjero durante estos años.

Una aguda visión de los contrastes de la realidad extranjera es inherente, por ejemplo, a los paisajes parisinos y romanos de A. A. Deineka (il. 13). El artista no puede rendirse al encanto tranquilo de la arquitectura y las estatuas majestuosas, como fue el caso más de una vez en las series de gráficos extranjeros prerrevolucionarios; contra este hermoso fondo, su ojo advierte tanto la figura de un hombre desempleado como las ominosas figuras seguras de sí mismas de los ministros de la iglesia. En el círculo de obras como las hojas de Deineka, nace la pasión periodística y la intransigencia política, características de la gráfica soviética.

Estas cualidades también se manifestaron con gran fuerza en la "Serie Española" de dibujos del Leningrador Yu. N. Petrov (1904 - 1944). La serie de Petrov fue una contribución de los gráficos de caballete a la lucha contra el fascismo, que en esos años ya era librada activamente tanto por los maestros de la caricatura como por los artistas del cartel político. El arte de Yu.Petrov, dibujante e ilustrador, fue el arte de una gran cultura y sentimientos profundos. Petrov fue partícipe de la lucha contra el fascismo en España, conocía y amaba este país, su gente, sus grandes escritores y artistas del pasado, y este amor y reverencia se reflejaba en sus dibujos. España, sus paisajes montañosos, las casas destruidas por las bombas, su gente contenida, orgullosa y ardiente: los soldados del Ejército Popular, las mujeres y los niños que han perdido sus hogares, están capturados en composiciones lacónicas, un poco tristes y valientes. Algunas páginas de la serie de Petrov parecen bocetos, pero el dibujo suave con modelado suave describe la plasticidad de las formas y los planos del paisaje con tanta precisión, que las llena de una vida tan temblorosa que la gran consideración de cada hoja se vuelve tangible. Esta serie sigue siendo una de las cosas más experimentadas y sinceras de nuestra agenda. Su autor murió después en un puesto militar durante la Gran Guerra Patria, y su arte, que prometía mucho, no tuvo tiempo de alcanzar su cénit.

La Gran Guerra Patriótica, que comenzó en 1941, cambió drásticamente la naturaleza y el ritmo de desarrollo de todo tipo de arte. También provocó grandes cambios en los gráficos de caballete. La eficiencia de los gráficos, la relativa simplicidad de sus técnicas se han convertido ahora en cualidades especialmente preciosas. La imperiosa necesidad de tener voz en la hora de los juicios nacionales, de responder rápidamente a la amargura y el heroísmo del día venidero, llevó a muchos artistas al dibujo, la acuarela y, a veces, al grabado. En la gráfica de caballete, ahora, junto a sus reconocidos maestros, comenzaron a trabajar algunos pintores, así como, con mucho éxito, ilustradores.

Desde el primer año de la guerra, junto con los carteles y las caricaturas, los gráficos de caballete se convirtieron en una de las formas de arte más activas, emocionando profundamente los corazones de los espectadores. Los maestros del dibujo y el grabado crearon muchas cosas hermosas, nacidas de la ira y la inspiración. Hay pináculos separados en esta serie de obras, que se distinguen por una habilidad plástica especial. Pero el nivel general de gráficos militares es alto. Los artistas crearon sus dibujos tanto en las filas del Ejército Rojo como en la sitiada Leningrado, en las ciudades por las que pasó una fuerte ola de retirada, en la retaguardia, donde todo estaba subordinado a las tareas del frente, y en el extranjero de nuestro país. en el último período de la batalla contra el fascismo. Los gráficos nos mostraron diferentes lados de la guerra, diferentes facetas de la vida en este período crucial en la historia de nuestra Patria, desde la fugaz reflexión de una enfermera cansada hasta el panorama de una gran batalla. Al mismo tiempo, la diferencia de talentos, el almacén del pensamiento figurativo de los artistas, también se vio claramente afectado. En las obras de uno, la guerra aparece como largos caminos militares, a menudo desagradables y, a veces, tan agudamente agradables a la vista con la belleza inesperada del bosque sobreviviente. En las hojas de otro, repasa una serie de escenas sencillas de la vida militar, esbozadas apresuradamente pero con precisión. En los dibujos del tercero, ella está en una expresión especial de los ojos de un guerrero o guerrillero que ha encontrado la muerte más de una vez. La valentía y el patriotismo del pueblo soviético, tan claramente manifestados durante los años de la guerra, fueron cantados por los artistas en estas obras de diversa índole. Las obras gráficas están llenas de ese sentido especial de la belleza de nuestra vida soviética, agudizada por la guerra, que marcó las mejores cosas en todas las formas del arte.

Un rasgo característico de los gráficos fue la aparición de una gran cantidad de bocetos. Los artistas a veces los interpretaban en las situaciones de combate más difíciles, tratando de contarle a la gente sobre la guerra de manera más precisa y completa, para recopilar material para futuras composiciones. En el prefacio del álbum de dibujos "Diario de primera línea" del artista gráfico de Moscú P. Ya. Kirpichev, Héroe de la Unión Soviética S. Borzenko escribe: "Una tras otra, las pinturas pasan, dibujadas sobre las huellas frescas de la guerra, pasan como los vio el artista en el momento de los hechos... Ningún peligro ni dificultad lo detuvo, se dirigió a los objetos elegidos entre los campos minados y trabajó allí desde la mañana hasta la noche, temeroso de perder el momento, temiendo que los incendios saldrían y los equipos de trofeos se llevarían los cañones y tanques destrozados". Esta descripción del trabajo del artista en el frente es muy característica, porque al igual que Kirpichev, muchos artistas gráficos de caballete trabajaron durante la guerra. Los bocetos constituyen el fondo precioso de nuestro arte, lejos de ser publicados en su totalidad. Sus autores son N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Dzhaparidze, N. N. Zhukov, P. Ya. E. K. Okas, U. Tansykbaev, S. S. Uranova y otros crearon una crónica completa de la difícil vida militar cotidiana, un poema sobre un hombre en el guerra, defendiendo su patria del fascismo.

A pesar de la fluidez que distingue a los bocetos, ya indican las características del talento de cada artista, y no solo su maestría en el dibujo, sino también una cierta gama de fenómenos que lo afectan sobre todo.

Entonces, A. V. Kokorin (nacido en 1908), por ejemplo, nunca pasará por una escena pintoresca que vio de repente, dibujará en su diario gráfico las dos sillas colgadas de un arma y un camión roto que sobresale debajo de él en tres a los lados, las botas de los soldados remendándolo, y un combatiente del convoy cosiendo tranquilamente algo en una máquina de coser justo en el campo, y una figura de un sacerdote con una mochila grande hablando con un soldado soviético. Kokorin captura con precisión la característica general de la apariencia de las personas, y detrás de sus escenas simples siempre sientes una leve sonrisa, afecto por tus héroes. Fue en estos bocetos que se acumuló la experiencia de Kokorin como maestro del paisaje arquitectónico, capaz de delinear la apariencia de la ciudad, los contornos principales de su arquitectura y la vida de la calle, cualidades que se desarrollaron en la post-producción del artista. dibujos de indios de guerra.

Calidez y lirismo distinguen bocetos y dibujos de D. K. Mochalsky. Incluso en la situación más impropia para ello, en el ajetreo de las carreteras de primera línea que conducen directamente a Berlín en la última etapa de la guerra, o ya en Berlín -la ciudadela del fascismo que acaban de tomar nuestras tropas- el calor de la vida, su rayo alegre, en una apariencia suave, seguramente brillará en las sábanas de los controladores de tráfico de las niñas Mochalsky, en la mirada de un luchador, fijo en una mujer con un cochecito de bebé.

N. N. Zhukov (nacido en 1908) aparece en bocetos militares como un artista fisonomista que puede ver mucho en una persona. El interés constante en el mundo interior de una persona hace significativo incluso el más superficial de sus dibujos. Paisajes, bocetos de soldados, escenas de género se alternan en sus láminas. La forma del dibujo a lápiz de Zhukov, desprovisto de cualquier matiz de ostentación externa, refleja, por así decirlo, la preocupación de este artista por la naturaleza, la consideración de su enfoque hacia ella. Las obras de Zhukov ganaron fama incluso antes de la guerra, cuando completó una serie de ilustraciones para la biografía de K. Marx. Posteriormente, Zhukov no abandonó su trabajo sobre este tema responsable. Invirtió mucho trabajo en la creación de una serie de dibujos "V.I. Lenin". Sus láminas más logradas se resuelven en forma de ligero boceto, fijando un breve momento en la cadena de otros, a modo de una especie de retrato de estudio. Pero fue durante la creación de bocetos militares que se fortaleció la observación del artista y su habilidad en un boceto rápido, que le fueron útiles más tarde, tanto en una extensa serie de dibujos dedicados a niños, populares entre los espectadores, como en retratos. Sobre todo, la experiencia del trabajo en tiempos de guerra se reflejó en las ilustraciones de "La historia de un hombre real" de B. Polevoy, creadas por Zhukov poco después de la guerra.

Hay que decir que la experiencia del trabajo militar jugó un papel en la obra ilustrativa de otros artistas. Esta experiencia ayudó a O. G. Vereisky a crear dibujos para "Vasily Terkin" de A. Tvardovsky, durante mucho tiempo trajo a A. V. Kokorin, más tarde ilustrador de "Sebastopol Tales" L. N. Tolstoy, al tema militar. El camino de A. P. Livanov desde la serie "Partisans", creada por él poco después de la guerra, hasta ilustrar "Chapaev" de D. A. Furmanov también fue lógico.

Otro rasgo característico de los gráficos de los años de la guerra fue la apelación de los artistas a la forma de una serie, es decir, una serie de hojas, unidas por un solo concepto y forma de ejecución. Pudimos ver que las series fueron creadas por artistas antes, pero durante los años de la guerra se convirtieron en el fenómeno gráfico líder. Una serie es buena sólo cuando el espectador aprende algo nuevo con cada una de sus páginas, cuando el artista dirige sus impresiones, alternando las hojas de una forma determinada, es decir, dotando a la serie de una composición clara. Siempre nos encontramos con el concepto de "composición" cuando analizamos una obra de arte separada. Pero en realidad también hay una composición de toda una serie gráfica como una regularidad interna de la alternancia de sus hojas, entre las que surgen diversas conexiones. Al construir con claridad la composición de la serie, el artista encuentra en ella un nuevo medio de gran expresividad. El autor de la serie esencialmente realiza un trabajo multisilábico y multifacético, cada página de la cual debe sonar completa y fuerte, y al mismo tiempo ser parte integral del todo creado como por un solo soplo. Por supuesto, esta tarea no es fácil. Y a menudo la suma de las hojas, llamada serie por el artista, en esencia no es una serie.

La composición de la serie es diferente. Así, una serie puede construirse sobre una yuxtaposición contrastada de láminas o, por el contrario, sobre su sonido parejo e idéntico. En otro caso, el autor puede comenzar su historia serial, aumentando gradualmente su tensión emocional, creando una especie de culminación de acción y sentimientos en una o más hojas y cerrándola con un final.

Así se dispuso, por ejemplo, un gran ciclo de litografías de A.F. Pakhomov "Leningrado en los días del bloqueo y la liberación", publicado con el texto del poeta N.S. Tikhonov en 1946. Este ciclo fue la primera actuación importante en gráficos de caballete de A. F. Pakhomov (nacido en 1900), un maestro de los libros para niños, conocido por sus ilustraciones para las obras de N. A. Nekrasov e I. S. Turgenev. Las litografías de Pakhomov son relatos de testigos presenciales, y nos tocan con la verdad de lo que vemos, con la luz de una gran solidaridad y coraje humanos.

La serie se abre con la hoja "Viendo la Milicia del Pueblo", que inmediatamente nos lleva a una atmósfera de ansiedad, confusión de una vida feliz perturbada. Además, los acontecimientos se desarrollan rápidamente, la vida de la ciudad cambia, los bombardeos y los bombardeos se convierten en parte integral de ella. Los habitantes de Leningrado están construyendo búnkeres en las calles, de servicio durante la alarma en los techos, rescatando a los heridos de las casas destruidas. Todo esto se muestra en litografías que se reemplazan rápidamente, detalladas, como una historia, pero llenas de tensión interna. En ellos, el tiempo se compacta y se satura, la gente actúa sin perder un minuto, lucha valientemente contra el enemigo.

La siguiente página del álbum - "On the Neva for Water" (il. 14) nos saca del ritmo acelerado de estos episodios. Aquí el tiempo se prolonga lentamente: este es el paso pesado de los días fríos y hambrientos del bloqueo de Leningrado. Una niña con un cubo insoportablemente pesado sube lentamente las escaleras. Esta heroína Pakhomov es una de las imágenes más fuertes no solo de la serie, sino de toda la gráfica militar. La mirada del espectador se detiene en primer lugar en el rostro de la niña: así se construye la composición de la litografía, así dicta la excepcional expresividad de este rostro. El artista desarrolló sus expresiones faciales en detalle: los ojos oscuros que expresan una profunda fatiga parecen especialmente grandes en una cara más delgada, las cejas fruncidas se juntan en un movimiento brusco, los labios sin sangre de una boca entreabierta son tan pálidos que casi no se destacan. en la cara y el artista delinea ligeramente el contorno con su línea. Parecería que la imagen de esta niña será la encarnación de la fatiga y el sufrimiento. Pero lo más notable en él es la combinación de estos rasgos de cansancio y agotamiento físico con dureza espiritual.

La firmeza, la insubordinación de la heroína de Pakhomov es la fusión más compleja de muchos aspectos de su vida espiritual, sus cualidades internas y, al mismo tiempo, esta es su principal cualidad que prevalece sobre todas las demás. Aquí, junto a la habitual sencillez e ingeniosa claridad de la imagen de Pakhomov, nace su versatilidad y profundidad. Pakhomov siempre está especialmente cerca de las imágenes de los niños. Y en esta litografía logró contar mucho, mostrando cómo una niña vierte agua de una tetera; para ella, este es un asunto en el que está completamente absorta, una necesidad y al mismo tiempo un juego. En esta combinación hay dolor punzante, en ella hay una vida de bloqueo genuina con sus notas de tragedia aguda en medio de la cotidianidad. La extensión nevada del río, el aire helado y transparente del invierno están bien representados en las litografías. Esta hoja, así como el siguiente dibujo "Al hospital", el más poderoso, lleno de sentimiento. Forman, por así decirlo, la culminación de la serie. Además, la historia del artista se desarrolla con más calma y, de acuerdo con el ritmo de los acontecimientos, sus hojas se vuelven más brillantes y alegres: "Krovelitsy", "Nochevieja" y otros. La serie termina lógicamente con una imagen de fuegos artificiales el 27 de enero de 1944 en honor al avance del bloqueo de la ciudad por parte del ejército soviético, un fuego artificial que emociona tan profunda y alegremente a la gente, provocando toda una serie de recuerdos y esperanzas. Bajo los fuegos artificiales, las personas se regocijan de diferentes maneras: tanto ruidosamente, rindiéndose al brillante triunfo de este momento hasta el final, como pensativamente, alejándose un poco en los recuerdos, y profundamente, con todo su corazón, sintiendo la seguridad de sus hijos. La emoción y la alegría los unen, y la composición cerrada de la hoja, por así decirlo, hace que esta solidez sea visible y con los propios ojos.

Military Leningrad está dedicado a muchas obras de otros artistas. Mencionemos de ellos una serie de linóleos de S. B. Yudovin (1892 - 1954). Vimos cómo en la serie de Pakhomov la técnica de la litografía permitía al artista presentar cada imagen que había concebido en detalle, profundizando en los detalles, combinando su sutileza lineal con el pintoresquismo de las extensiones derretidas del paisaje invernal. La serie de Yudovin está realizada en linóleo. Yudovin se caracteriza por la agravación de los sentimientos, las notas trágicas suenan con autoridad en sus sábanas. Y toda la estructura figurativa de sus láminas, y la manera de actuar están sujetas a este sentido de la tragedia de lo que está pasando. El color negro denso y el brillo frío de la nieve reinan en sus grabados. En el silencio helado de la ciudad, la gente camina con dificultad, doblegándose bajo el peso de la carga, bajo la carga de los problemas del bloqueo. Sus figuras, que suelen verse como desde arriba, se destacan nítidamente sobre las calles nevadas. Un patrón angular, una luz despiadada, arrebatando sienas de la oscuridad; vida, que se convirtió en el marco de la tragedia: estos son los grabados de Yudovin. Es en vano reprochar al artista su dura veracidad, su falta de optimismo. La naturaleza del talento de Yudovin le permitió expresar con particular sensibilidad los aspectos trágicos de la lucha de los habitantes de Leningrado con el enemigo.

Pero los gráficos en su conjunto se caracterizaron por una visión más brillante del mundo, incluso cuando representaban las pruebas que sucedieron al pueblo soviético. Ya pudimos ver esto en la serie de Pakhomov y encontraremos una nueva confirmación de esto al familiarizarnos con una serie de dibujos de D. A. Shmarinov "¡No olvidaremos, no perdonaremos!" Shmarinov (n. 1907) es uno de esos artistas cuyos esfuerzos hicieron de la ilustración de libros soviética un gran éxito en la década de 1930. Recibió una buena formación profesional en los estudios de arte de Prakhov en Kyiv y Kardovsky en Moscú. El talento de un psicólogo y una gran cultura interior distinguen sus obras literarias. Durante los años de la guerra, Shmarinov creó carteles y dibujos de caballete. Serie "¡No olvidaremos, no perdonaremos!" fue ejecutado por él en 1942 en poco tiempo, pero su idea se formó durante todo el primer año de la guerra.

La historia del artista no comienza gradualmente, desde el principio: inmediatamente nos sorprende con la gran tragedia del dibujo "Ejecución". Las imágenes de las pruebas y tribulaciones de la guerra se suceden una tras otra, pero el brillante tema del coraje del pueblo soviético, que surgió desde la primera página de la serie, gana incluso en sus páginas más amargas. Uno de los mejores dibujos de este ciclo es la hoja "Retorno" (fig. 15). Miles de granjeros colectivos soviéticos en vida estaban familiarizados con la posición en la que se encuentra la mujer representada por el artista. Shmarinov la pintó en el momento en que el espectáculo de una casa devastada y destruida se abrió por primera vez ante sus ojos, obligándola a detenerse en una especie de estupor de reflexión dolorosa e indignada. Su profunda agitación se manifiesta casi exteriormente en nada. Esta es la moderación de una persona fuerte que no se permite una explosión de sentimientos, momentos de desesperación. ¡Y cuánto le dice el paisaje al espectador aquí! La pureza transparente del aire, el brillo del resplandor del sol y las sombras que se deslizan sobre la tierra descongelada: esta hermosa imagen de principios de primavera alegra el complejo subtexto de la escena. La partitura comienza a sonar como una historia lírica, y esto es muy característico del talento de Shmarinov. Los dibujos de Shmarinov, ejecutados en carboncillo y acuarela negra, pasan por muchas etapas en el proceso de trabajo. Pero felizmente evitan la seca completitud externa, conservando la vivacidad temblorosa de los trazos, como si acabaran de ser colocados por el artista.

Solo en las dos últimas hojas de la serie, "Regreso" y "Encuentro", no hay una imagen de los nazis, y aunque la alegría todavía está muy lejos, la atmósfera se vuelve más ligera, los héroes respiran más tranquilos. La dura vida del primer año de la guerra, cuyos acontecimientos fueron resumidos por el artista, le sugirió la composición de la serie: la tensión trágica implacable de la mayoría de sus páginas y las notas ligeras de los últimos dibujos.

Durante los años de la guerra, V. A. Favorsky (nacido en 1886), uno de los artistas soviéticos más antiguos, un gran maestro del grabado en madera, también recurrió a la gráfica de caballete. A lo largo de su carrera, la ilustración de libros atrajo su atención en mayor medida. Y ahora, los espectadores soviéticos y extranjeros admiran, en primer lugar, el mundo épico armonioso de sus grabados para "El cuento de la campaña de Igor", la tragedia y la profundidad de las ilustraciones de "Boris Godunov", el polisilábico, lleno de generalizaciones filosóficas y, a veces, duras. , a veces cautivadores matices de la vida, una serie de grabados para "Pequeñas tragedias" de Pushkin. Pero ya a fines de la década de 1920, Favorsky también creó un hermoso retrato de F. M. Dostoevsky, completamente independiente, aunque, por supuesto, estrechamente relacionado con los libros del escritor. Luz y sombra se oponen en esta hoja inquietante; estremeciéndose, formó fuertemente la imagen de un hombre abrumado por un torbellino de pensamientos dolorosos. Entramos en contacto aquí con una vida espiritual de excepcional intensidad, adivinamos el mundo interior, lleno de contradicciones y luchas. En la libre variedad de trazos, en el sabio uso del color, se siente una gran habilidad.

En la década de 1940, Favorsky creó las hojas "Minin y Pozharsky", "Kutuzov". El artista no estuvo solo en su llamado creativo a las páginas gloriosas de la historia de nuestra Patria; naturalmente atrajeron la atención especial de pintores y artistas gráficos durante los años de guerra. En la serie Samarkand de linóleos rítmicamente delgados ejecutados al mismo tiempo, el curso de la vida cotidiana se representa con gracia pausada y laconismo. El fondo blanco, que juega un papel importante en todas sus láminas, acentúa la elegancia de las siluetas, la musicalidad de las composiciones sencillas pero bien pensadas.

El artista y más tarde se refiere más de una vez a los gráficos de caballete (hoja "Flying Birds", 1959; véase frontispicio, etc.), pero la ilustración de libros lo ocupa en un grado inconmensurablemente mayor.

Un lugar destacado en los gráficos de tiempos de guerra pertenece a las obras de L. V. Soyfertis (nacido en 1911). Soyfertis trabajó anteriormente en el campo de los gráficos de revistas satíricas y ahora aparece a menudo en las páginas de la revista Krokodil. Durante los años de la guerra, participó en las batallas de Sebastopol, Novorossiysk, Odessa. Soyfertis tuvo la oportunidad de ver muchas cosas duras en la guerra, más de una vez la muerte estuvo a su lado, pero su talento brillante y ligero extrajo de esto escenas de batalla no furiosas, no tragedia y muerte, sino la sonrisa de la vida, que se mantiene incluso bajo bombardeo. Una nitidez peculiar, la diversión distingue las posiciones representadas por él. Un marinero se apresura a la línea del frente en la sitiada Sebastopol, y los muchachos, para ser rápidos juntos, están lustrando diligentemente sus zapatos. "Once" es el nombre de esta hoja. Hay una batalla aérea sobre la ciudad en el cielo soleado, las mujeres la observan y la anciana cose algo con calma, sentada en una silla en la puerta. Los marineros en el escaparate del periódico están leyendo las últimas noticias, parados en un grupo cerrado, erizados con bayonetas de rifles (fig. 16), un marinero y un fotógrafo están ubicados en el embudo de la bomba: se necesita una foto para la fiesta documento. Todo esto, obviamente, puede llamarse episodios cotidianos, pero esta es una vida que se ha establecido a tiro de piedra de la línea del frente, y las escenas más sencillas, incluso divertidas a primera vista, aquí son avivadas con un soplo de gran coraje y heroísmo. La gracia genuina distingue los dibujos de Soyfertis. Y si en la "Serie de Samarcanda" de Favorsky, las líneas cinceladas y las siluetas de los grabados en linóleo eran elegantes, la luz elegante y hermosa de Soyfertis, frágil, como si las líneas descuidadas del dibujo de contorno y un relleno de acuarela transparente vivaz, respirante y ligeramente teñida.

Soyfertis sigue siendo un artista de sonrisa fugaz y gran simpatía por las personas en sus dibujos de los años cincuenta. Su serie "Metro", una serie de escenas de género, notadas en el ajetreo y el bullicio de los palacios subterráneos de Moscú, y los dibujos y grabados dedicados a los niños, todavía se ven con sorprendente atención, aún iluminados por un interés exigente en una persona. A veces conmovedoras y divertidas, a veces burlonas e incluso ligeramente grotescas, ganando agudeza en las comparaciones, estas láminas siempre nos revelan algunos rasgos nuevos de la vida, algo nuevo en el fluir habitual de la vida cotidiana.

El gran material acumulado durante los años de la guerra no encajaba fácilmente en los archivos de los artistas. Muchos de ellos continuaron trabajando en temas militares después del final de la guerra. Especialmente muchos dibujos y grabados sobre la guerra se mostraron en exposiciones de los primeros años pacíficos. Al mismo tiempo, el trabajo de los gráficos siguió naturalmente el camino de resumir sus conocimientos e impresiones visuales, en el camino desde un boceto y un boceto hasta una hoja de caballete y toda una serie gráfica. Así, varias series de litografías basadas en los materiales de sus bocetos militares fueron realizadas en 1946 - 1950 por el artista VV Bogatkin (nacido en 1922). Durante los años de la guerra, Bogatkin recién comenzaba su trabajo creativo. Pintó mucho; uno de sus dibujos, que representa a un joven soldado a orillas del Tisza (1945), ganó considerable fama. Pero el área principal de su trabajo fue el paisaje. El silencio de las calles desiertas de la sitiada Leningrado, el Moscú oscurecido, el Berlín en los días del derrumbe del fascismo, montañas de equipos rotos en sus calles, tanques soviéticos en la Puerta de Brandenburgo son plasmados por Bogatkin en sus litografías. A lo largo de los años, la precisión de lo que vimos, contenido en estas hojas, creadas en la persecución de la guerra, es cada vez más apreciada por nosotros.

A fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, la imagen del desarrollo de los gráficos de caballete era compleja y, en muchos sentidos, contradictoria. Los artistas lograron advertir y transmitir algunas facetas muy significativas de nuestra vida y, sobre todo, mostrar a un hombre que pasó por la guerra, la alegría de su regreso al trabajo, una sed apasionante de creación. Esto fue especialmente evidente en algunas obras dedicadas al trabajo agrícola colectivo; la belleza de los campos apacibles de nuestra Patria se sentía en ellos como una propiedad recién adquirida, conquistada. Al mismo tiempo, en el flujo de dibujos que representan al pueblo soviético y su trabajo, se reflejaron claramente las características de la ilustración, la pobreza de pensamientos y sentimientos. La prosa documental impidió que muchos artistas de estas obras se elevaran al nivel de una generalización poética de nuestra vida. Aparecieron muchos dibujos y grabados sobre temas históricos y revolucionarios, los artistas dieron su fuerza y ​​talento a su creación, pero la influencia del culto a la personalidad fue especialmente dura en ellos. Impidió a los artistas crear obras de gran riqueza ideológica, condujo en algunas obras a una cobertura incorrecta del papel del pueblo como creador de la historia.

La gráfica de estos años se desarrolló de manera unilateral en términos técnicos. Apenas se utilizaron muchas técnicas gráficas, prevaleciendo el dibujo a tinta, carboncillo y acuarela negra. Solo en el campo del paisaje era bastante común la pintura de acuarela real y algunos tipos de grabado. Pero la variedad de técnicas convive muchas veces en el paisaje con la pasividad interna de las cosas.

Por otro lado, también se crearon durante estos años obras de gran valor artístico. Entonces, durante este período, se formó el talento original y fuerte de B. I. Prorokov, ahora uno de los principales maestros de los gráficos soviéticos. El trabajo de Prorokov está vitalmente conectado con los años de la guerra, con lo que el artista vio y experimentó en ese momento. Pero Prorokov no solo volvió todos estos años con el recuerdo de su corazón a la guerra, logró decir con su arte las palabras más necesarias sobre el mundo.

B. I. Prorokov nació en 1911 en Ivanovo-Voznesensk. Su aptitud para el dibujo se manifestó temprano en la escuela secundaria. Sus dibujos escolares, enviados al concurso del periódico Komsomolskaya Pravda, obtuvieron el primer premio. Esto le dio al autor el derecho a recibir un boleto para el Instituto Superior Artístico y Técnico (Vkhutein). Sin embargo, estudiar allí le dio poco a Prorokov y duró menos de dos años. Solo el consejo del mayor maestro de gráficos políticos D. S. Moor, que enseñó litografía, fue muy valioso para Prorokov. Al no haber recibido una educación especial, Prorokov pasó por una buena escuela, política y artística, en el trabajo en Komsomolskaya Pravda y más tarde en la revista Krokodil. Por encargos del periódico, viajó mucho por todo el país, como periodista, aprendió a hacer una gran cantidad de bocetos para uso futuro con el fin de completar rápidamente cualquier tarea. La mayoría de las obras de antes de la guerra de Prorokov son caricaturas sobre temas nacionales e internacionales. Carteles separados, también ejecutados por él, y en particular una lámina que exponía la bestial naturaleza antihumanista del fascismo, presagiaban ya la intensidad, pasión y agudeza periodísticas de sus futuros trabajos.

Desde los primeros meses de la guerra, Prorokov trabajó en el periódico de la guarnición de la península de Hanko, que resistió heroicamente el asedio del enemigo.

“A veces nos avergüenza hablar sobre la hazaña de una persona de arte tan fuerte como sobre la hazaña de un soldado o comandante, hasta que un escritor o artista reemplaza al comandante muerto en la batalla y lidera la defensa de la altura”, escribió. Hanko, un participante en la defensa, quien lo contó en la historia "Ganguttsy" Vl. Rudny - Y no puedo imaginar una lucha acérrima de los marineros de Gangut * ( * La península de Gangut se llamó Hanko durante la época de Pedro I) en el año cuarenta y uno sin risas y sátiras proféticas, sin sus diarios folletería pictórica, grabados, retratos, tallados debido a la falta de zinc para clichés sobre linóleo, arrancados de los pisos en casas devastadas por la guerra ". El artista dejó Hanko con los últimos destacamentos de "marineros". Kronstadt y Leningrado bajo bloqueo, Malaya Zemlya cerca de Novorossiysk, Berlín y Port Arthur: estos son los hitos de su trayectoria militar. Y en todas partes, incluso en las condiciones más difíciles y en primera línea, el artista pintó mucho.

La primera serie de posguerra de Prorokov, "En la China del Kuomintang", fue creada por él sobre la base de lo que había visto en el Lejano Oriente inmediatamente después de la derrota de los militaristas japoneses. De pequeño volumen, solo describe algunos de los rasgos de la vida del pueblo chino, que aún experimenta la opresión colonial y lucha por su liberación nacional. Pero la pasión de la actitud del autor ante la vida ya se refleja plenamente aquí. Con simpatía, el artista dibuja a un partisano chino -un joven sencillo, modesto y valiente, con odio y burla-, elegantes americanos que protagonizaron inhumanas carreras de rickshaws; comparte, nos parece, tanto el frenesí de un orador frenético en un mitin como la pesada fatiga de un rickshaw agachado bajo el sol abrasador por un carruaje. En las próximas obras de Prorokov, sentiremos, por así decirlo, la voz de su autor, su indignación o amor siempre ardiente, y por lo tanto sus obras nos atraparán con especial fuerza.

En los ciclos posteriores de dibujos "¡Aquí está, América!" y "¡Por la paz!" la voz de Prorokov el publicista se hizo más fuerte. La vida en sus sábanas adquiere el poder airado de la denuncia política del imperialismo. En el dibujo "Tanques del agresor hasta el fondo", el artista en una emocionante y patética imagen muestra la voluntad de los trabajadores por la paz, la fuerza de su solidaridad. Una ráfaga de indignación desencadenó fuerzas, reunió a un grupo monolítico de personas que arrojaron un tanque al agua. La hoja es lacónica en su composición, llena de patetismo de lucha; resiste fácilmente un gran aumento, y más de una vez los pacifistas fuera de nuestro país lo llevaron como cartel en manifestaciones. Serie "¡Aquí está, América!" fue realizado por Prorokov como ilustración para un libro de folletos y ensayos sobre América. Pero esencialmente se ha convertido en un ciclo de caballete: el contenido de sus hojas es tan independiente, comprensible y sin texto. De la misma manera, las ilustraciones posteriores de Prorokov para el libro "Mayakovsky on America" ​​adquirieron características de caballete. La apelación a Mayakovsky fue profundamente lógica en las obras de Prorokov. El artista está muy cerca de la presión apasionada de los poemas de Mayakovsky, y su característica alternancia de ira y sarcasmo, y audaces imágenes alegóricas, y la evaluación política obligatoria de los fenómenos.

En todas sus obras, realizadas después de la guerra, Prorokov lucha por la paz, denuncia el imperialismo, la inhumanidad de su política colonial, sus designios militaristas. Pero el discurso más poderoso del artista para el mundo fue su serie "¡No debe volver a suceder!", en la que, por primera vez después de las batallas que se habían extinguido, tocó visiones militares que no habían salido del corazón.

En su serie se destacan dos láminas de humor opuesto: en una - "Hiroshima" - un rostro condenado, todavía mirándonos desde el infierno de una explosión atómica, en la otra - una madre joven, con un arma en sus manos, protegiendo un niño, defendiendo una vida brillante en la tierra. Entre estas dos hojas, como en un marco, hay una serie de fotografías de la guerra. En ellos, la gente lucha con la muerte que trae el fascismo; y en la hora de la muerte desprecian al enemigo, así como una mujer joven desprecia a los verdugos, en cuyos ojos hay una visión sangrienta de Babi Yar (il. 17). No hay detalles que disipen gran tensión, cada hoja es un sentimiento tomado en su momento más alto, es un dolor que aún no está destinado a detenerse. Una silueta nítida y un primer plano se eligen aquí como técnicas artísticas obligatorias. Solo un artista de gran coraje y fe ardiente en las personas podría repetirnos la cruel verdad sobre la guerra pasada con un poder tan asombroso. Sus páginas llenas de dolor, rabia y sufrimiento no dejan indiferente a nadie. Testamento del comunista checo J. Fuchik "¡Gente, estén atentos!" resuena para nosotros en esta serie de un artista soviético.

Entre las obras dedicadas a V. I. Lenin destacan los dibujos del mayor maestro de la ilustración de libros E. A. Kibrik (nacido en 1906). En hojas separadas de la serie, el artista, que estudió cuidadosamente los materiales relacionados con las actividades de Lenin en el año de la revolución, no solo dominó la primera verdad de la similitud externa, sino que también avanzó más, a las profundidades de la caracterización interna.

La hoja "V. I. Lenin en la clandestinidad" (il. 18) reproduce los días de julio de 1917, cuando Lenin, viviendo en Petrogrado, se vio obligado a esconderse de los sabuesos del Gobierno Provisional. ¿Cómo imaginó el propio artista la trama de este dibujo? Según él, aquí quería mostrar a Lenin el teórico, científico, pensador, que aparecía diariamente en esos días con artículos que armaban al partido en su lucha por la dictadura del proletariado; el momento específico que necesita ser representado, el artista lo describió de la siguiente manera: “... Lenin, como era su naturaleza, caminó por la habitación, ponderando el enorme material que la vida le traía todos los días y en el que tenía que captar lo más importante. cosa, lo que es necesario apuntar a la fiesta con otro artículo en Pravda Habiendo encontrado esto principal, se sentó rápidamente a la mesa, olvidándose de inmediato de todo en el mundo, sumergido en el trabajo. Es característico que Kibrik imagina una imagen en movimiento y, dibujando un solo momento en la cadena de otros, también tiene en cuenta el anterior. El silencio de una pequeña habitación solitaria está lleno de la tensión de un gran trabajo. El artista pudo transmitir el ajetreo y la preocupación de Levin por su trabajo con la expresión concentrada de su rostro, su postura de una persona que escribe rápidamente.

La imagen "V. I. Lenin en el Razliv" tiene un estado de ánimo diferente: tiene una agitación, un impulso moderado. La corriente de los pensamientos de Lenin está lejos de los alrededores, y las extensiones del paisaje junto al lago también, por así decirlo, amplían el alcance de la hoja. En el libro citado anteriormente, Kibrik detalla el proceso de su trabajo en estas composiciones, y cualquiera que esté familiarizado con sus dibujos estará interesado en leer estas páginas.

A mediados de la década de 1950, en los gráficos aparecen cosas hermosas de nuestros tiempos modernos. El artista Yu. I. Pimenov, pintor, artista gráfico y decorador de teatro, nos abrió todo un gran mundo lleno de brillante alegría de vivir con su gran serie "Región de Moscú". Pimenov tiene un raro don de la vida cotidiana poética, la capacidad de ver la belleza de la vida cotidiana. Y la belleza, advertida en lo ordinario, encuentra siempre caminos especialmente cercanos al corazón del espectador. El aire caliente de un día caluroso en los suburbios y la figura de una niña en un paseo marítimo, los trabajadores fervientes en el sitio de construcción de nuevas casas y el resplandor de la lluvia en una plaza de las afueras de Moscú: estas son las tramas simples de los dibujos y acuarelas de Pimenov. . “Para un pintor de género, me parece”, escribió, “los hallazgos más preciados son esos pedazos genuinos de la vida que se ven, donde en casos cotidianos ordinarios, inimaginables, reales, se revela la gran verdad del país”. El impetuoso ritmo de trabajo de nuestra modernidad, su belleza especial, enérgica y empresarial viven en las obras del artista (ver portada). Quizás, el principal encanto de las imágenes de Pimenov, y en particular, sus heroínas constantes: mujeres que trabajan en un sitio de construcción, ocupadas en la renovación de apartamentos, costura, tareas domésticas, radica en la actividad, la actividad. El color claro y claro de sus acuarelas da festividad incluso a las escenas y cosas aparentemente más ordinarias. El artista también aporta un gran pintoresquismo a la técnica de la acuarela negra y el carboncillo. Con gradaciones de negro, es capaz de transmitir la profundidad de las sombras que caen sobre el agua de los árboles, y el frío transparente de principios de primavera, y la frescura de la lluvia en el andén de la estación, y la resinosa comodidad del camino forestal. . Pimenov es un artista muy integral. Su punto de vista del mundo, el círculo de sus temas favoritos sigue siendo el mismo en una serie de pinturas de las décadas de 1940 y 1950, escenas de género, bodegones, que tan simple y poéticamente hablan de un contemporáneo, y en sus gráficos, y incluso en prosa, en un libro sobre la región de Moscú, escrito con entusiasmo ardiente, con rapidez, gracia y facilidad, con una visión puramente artística de la vida en su forma verdaderamente hermosa y multicolor.

La vida en movimiento, nueva y alegre, que nace todos los días, se apresura a capturar a Pimenov en su serie posterior "New Quarters".

Habiendo viajado al extranjero más de una vez en la década de 1950, Pimenov creó toda una serie de pequeños lienzos y bocetos basados ​​en las impresiones de estos viajes o directamente durante sus viajes. También aquí su mirada sigue siendo, ante todo, la mirada de un enamorado de la belleza, el periodismo no es propio de él. Pero las letras llenas de tristeza de algunas de sus obras extranjeras suenan involuntariamente a contraste con la alegría sonora de sus partituras dedicadas a los días y asuntos cotidianos de nuestra vida.

Las obras extranjeras de Pimenov no estaban solas en nuestra agenda. En la década de 1950 y posteriores, cuando los lazos culturales internacionales de nuestro país se expandieron y muchos artistas viajaron a varios países del mundo, apareció todo un grupo de series basadas en las impresiones de estos viajes. Por lo general, contenían escenas de la vida en la calle, paisajes, hojas de retratos individuales. Los artistas hablaron sobre lo que vieron, mostrando los rincones pintorescos de la naturaleza, los famosos monumentos de la arquitectura y la escultura, las características de la vida, las personas encontradas en los viajes. La fluidez forzada caracterizó la mayoría de estas obras. Pero como resultado de los viajes, también se crearon series completas, en las que el reportaje, el boceto fueron reemplazados por una verdadera generalización artística. Al familiarizarse con tales ciclos, el espectador recibió no solo una cadena de vívidas impresiones turísticas, sino también un nuevo conocimiento de un país en particular y placer estético.

Una de estas cosas fue la serie de N. A. Ponomarev (n. 1918) "Vietnam del Norte", creada en 1957. La apariencia de este país, vista por el artista, está llena de encanto: un cielo alto azul grisáceo, extensiones de aguas tranquilas, campos de arroz y una cadena de rocas lilas en el horizonte, ahora claramente visible, ahora derritiéndose en una neblina nacarada. . Poesía tranquila, ligeramente contemplativa de la vida cotidiana vive en estas hojas. Las personas están representadas con profunda simpatía, la gente modesta y trabajadora de Vietnam: pescadores, mineros, mujeres que van al mercado (il. 19), esperando el cruce por la bahía. El colorido delicado y sutil otorga expresividad a los dibujos. La serie vietnamita fue en muchos sentidos un punto de inflexión para su autor. El artista comenzó su carrera con dibujos al carboncillo y gouache negro dedicados a los mineros de Donbass (1949-1950). Tenían mucha conciencia y trabajo y menos inspiración creativa. Al dibujar Vietnam, el artista descubrió en su trabajo no solo nuevas notas poéticas, sino también la habilidad de un colorista que puede ver la armonía y la decoración de la técnica mixta de gouache y pastel.

De la serie basada en impresiones extranjeras, también fueron interesantes las obras de O. G. Vereisky (n. 1915). O. Vereisky, ahora un destacado ilustrador de libros de escritores soviéticos y un artista gráfico de caballete, debe su primer conocimiento del arte a su padre G. S. Vereisky. También estudió en la Academia de Artes de Leningrado. Con igual libertad, O. Vereisky domina tanto el suave pintoresquismo de un dibujo tonal en acuarela o tinta negra, como los brillantes contrastes de una técnica clara y definida de dibujo con pluma. Recientemente, el artista se interesó por algunas técnicas de grabado, y repitió en estampas algunos de sus dibujos, realizados a raíz de viajes a Egipto, Siria y Líbano. Uno de los mejores entre ellos es una hoja llamada "Descanso en el camino. Siria" (il. 20). Es hermoso en color y composición lacónica, pero su principal encanto está en la imagen de una mujer. La belleza refinada y la leve tristeza del rostro, la ternura contenida del gesto y la gracia natural de la mujer son reproducidas por el artista con verdadero placer estético. Las hojas de la "Serie americana" de O. Vereisky también están llenas de observaciones precisas, y vio no solo las características ceremoniales, sino también las sombrías y cotidianas de la vida estadounidense.

Nuestro conocimiento de este país también se repone con dibujos a pluma, elegantes en su esbozo lineal, de V. Goryaev, un artista con una manera aguda y algo sarcástica, el ilustrador Mark Twain, colaborador permanente de la revista Crocodile.

Los gráficos de posguerra se caracterizan por los grandes éxitos de los artistas de las repúblicas de la Unión. Los equipos más fuertes de artistas gráficos ahora se han formado en Ucrania, Estonia, Lituania y Letonia. Tanto el dibujo como la acuarela tienen sus grandes artistas en estas repúblicas, y el arte del grabado se desarrolló aquí y entonces, cuando a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950 estaba en declive en la RSFSR.

Como ejemplo de gráficos de caballete ucranianos, se puede citar la serie "Pensamientos y canciones populares ucranianas" de M. Deregus. Con una concepción amplia, que incluye láminas de diversos estados de ánimo y temas, este ciclo caracteriza la madurez de la gráfica ucraniana, aunque en la obra del propio Deregus, paisajista e ilustrador por excelencia, se destaca un poco al margen. La tristeza y la esperanza de la hoja "El pensamiento de Marus Boguslavka" y la tragedia de la soledad, la fe engañada en las personas en la hoja "El pensamiento de los tres hermanos de Azov" se reemplazan por la valiente poesía de nuestros días en la composición " El pensamiento de los partisanos" con la imagen central de Kovpak. Los jóvenes artistas ucranianos V. Panfilov, que dedicó sus grabados a los trabajadores del acero, e I. Selivanov, que creó láminas sobre temas históricos y revolucionarios, están trabajando con éxito en el grabado. Un género típico de los gráficos ucranianos es un paisaje industrial, generalmente ejecutado con técnicas de grabado. Sus maestros son V. Mironenko, A. Pashchenko, N. Rodzin y otros.

En las repúblicas bálticas, los gráficos de paisajes son muy diversos. Hay una fuerte corriente de paisaje lírico de cámara, emotivo, con gran encanto. Sus creadores son artistas estonios, maestros del grabado R. Kaljo, A. Keerend, L. Ennosaar, acuarelista K. Burman (junior), artistas gráficos de Letonia - A. Junker, lituanos - N. Kuzminskis y otros. En sus obras hay reflexiones líricas, y una estrecha comunicación con la naturaleza que enriquece el alma, y ​​cada vez se entiende de una manera nueva la belleza de sus campos nativos, la pintoresca Tallin antigua, etc.

En el trabajo del dibujante estonio más antiguo, G. Reindorf, las imágenes de paisajes adquieren un colorido más filosófico. Ahora es difícil para nosotros imaginar completamente el largo camino creativo de este artista, ya que casi todas sus obras anteriores a la guerra perecieron durante la Gran Guerra Patriótica. Pero el período de posguerra de su actividad también fue fructífero. Reindorf nació en 1889 en San Petersburgo. Después de graduarse con éxito de la Escuela de Dibujo Técnico Stieglitz, recibió el derecho a un viaje de negocios al extranjero y se fue a Francia. El corto período de pensionistas extranjeros fue interrumpido por la Primera Guerra Mundial. Al regresar a su tierra natal, Reindorf trabaja en el campo de la gráfica aplicada y del paisaje, y se dedica a actividades docentes. Sus principales intereses creativos en las décadas de 1940 y 1950 fueron absorbidos por el paisaje y, en cierta medida, por la ilustración de libros. Realiza sus cosas en estos años principalmente en forma de dibujos; anteriormente, el artista también creó expresivas láminas de grabado. El esfuerzo de Reindorf por la precisión objetiva de la imagen a veces se produce a expensas de la riqueza emocional de sus hojas, pero en sus mejores obras se combinan estos dos principios. Lo más característico en este sentido son sus hojas "Sobre los calurosos días de agosto" (1955). Una especie de armonía une todo lo que vive en este paisaje rural, y la técnica virtuosa del dibujo con lápiz de grafito le da a las hojas una riqueza tonal y una ejecución de filigrana especial.

También hay una línea de paisaje romántico en los gráficos de los estados bálticos, saturados con el patetismo de los tormentosos sentimientos humanos inquietos. En los grabados de los artistas letones P. Upitis, O. Abelite, en hojas separadas de M. Ozoliņš, las imágenes de la naturaleza están coloreadas con una aguda emotividad, llenas de tensión interior.

En los grabados del residente de Riga E. Anderson, el paisaje se convierte en el entorno donde se desarrolla la majestuosa acción del trabajo.

Muchos artistas bálticos actúan tanto como paisajistas como autores de obras temáticas, y esto no hace más que enriquecer sus obras. En la obra versátil del artista estonio E. K. Okas (n. 1915), por ejemplo, se pueden encontrar hojas de paisajes, retratos y cosas temáticas. Okas nació en Tallin en una familia de clase trabajadora y estudió allí, primero en la Escuela Artística e Industrial del Estado y luego en la Escuela Superior de Arte del Estado. Durante la Gran Guerra Patria, trabajó como artista de primera línea. Okas es a la vez pintor y maestro de la ilustración de libros. Pero si las imágenes que creó para las páginas de los libros están a veces separadas de nosotros por décadas y siglos, los héroes de sus obras de caballete viven siempre en la modernidad, respiran su atmósfera nada serena. Un sentido de la complejidad del mundo moderno con sus agudas contradicciones sociales llena, por ejemplo, las hojas de la serie holandesa e italiana de bocetos de viaje de Okas, ejecutadas fundamentalmente por él en diversas técnicas de grabado. Agudos de vista y severamente veraces, estos grabados suenan como periodismo real. El artista lituano V. Yurkunas (n. 1910) también trabaja en gráficos de libros y caballetes. Se graduó de la Escuela de Arte de Kaunas en 1935 y se dedica constantemente a la enseñanza. En sus grabados, las personas parecen estar especialmente conectadas con su naturaleza nativa, su tierra natal. Tales son los héroes del poema de Maironis (1960; il. 21), reproducido por él, tal es el pequeño agricultor colectivo que se ganó la simpatía de muchos espectadores: la imagen de la juventud caminando sobre la hermosa tierra, sencilla y provocadora sin arte, deslumbrante con una singular integridad de sentimientos ("Seré lechera", 1960). La técnica del linograbado en láminas de V. Yurkunas tiene tanto concisión como flexibilidad, naturalmente sirve para crear sus imágenes brillantes y optimistas.

El tráfico báltico en el campo del trabajo de retratos con entusiasmo, Y si entre las obras de artistas de la RSFSR ahora tenemos, además de las actuaciones invariablemente exitosas, pero ya raras, de G. S. Vereisky, solo retratos grabados muy característicos de M. Feigin , en el Báltico estaremos complacidos con la habilidad sutil y variada de varios retratistas.

El artista estonio E. Einmann (nacido en 1913) logró mucho en este género. Estudió en la Escuela Estatal de Artes Aplicadas y en la Escuela Superior de Arte de Tallin. Su camino creativo comenzó durante la Gran Guerra Patriótica. Ahora, en una larga serie de sus obras, los rasgos de su talento son claramente visibles. Actitud reflexiva y cuidadosa del artista hacia el mundo interior de sus modelos. El respeto por una persona es un rasgo característico de su trabajo. Siempre se manifiesta, ya sea que el artista pinte a un viejo pescador o a un joven estudiante de escuela vocacional, a una enfermera o a una actriz. Al mismo tiempo, la experiencia directa del autor, la evaluación del modelo, permanece en algún lugar aparte, lo principal es una historia sobria y objetiva al respecto. Los retratos de Einmann cautivan con la sutileza de la forma gráfica, ajena a los efectos externos. Esta sutileza distingue sus hojas, ejecutadas con grafito o lápiz italiano, y acuarela, y litografía.

Emotivo y lírico es el trabajo de retratos del artista estonio A. Bach-Liimand, quien es especialmente bueno retratando mujeres y niños. Los retratos y autorretratos del artista lituano A. Makunaite, que trabaja en linóleo, están llenos de pensamientos serios. Los retratos al carboncillo creados por la joven dibujante letona F. Pauluk son expresivos.

Los gráficos en Ucrania y los países bálticos tienen una larga tradición y, por lo tanto, su éxito es en gran parte natural. Pero incluso en repúblicas como, por ejemplo, Kirguistán o Kazajstán, donde el arte gráfico es bastante joven, ya ha hecho un progreso notable.

El principal maestro de gráficos en Kirguistán es L. Ilyina (nacida en 1915), graduada del Instituto Poligráfico de Moscú, que ha trabajado durante muchos años en la ciudad de Frunze. Monumentalidad, grandes formas, laconismo son los rasgos característicos de sus linograbados. En los últimos años, Ilyina, alejándose un poco de la ilustración de libros, realiza muchos trabajos de caballete, y en particular la serie de grabados en madera de paisajes "Tierra Nativa" (1957), y una gran serie de grabados en linóleo en color dedicados a la mujer de su república. Los rasgos de lo nuevo, que distinguen nuestra vida, son quizás especialmente perceptibles en los destinos de las mujeres que muestra la artista kirguisa. El trabajo ya no doblega a las mujeres, sino que sólo da majestuosidad y significado a la postura. Una actitud libre y sin restricciones distingue tanto a la niña cultivadora de remolacha (1956) como a los delegados del lejano Tien Shan, que escuchan atentamente al orador (1960). Los linóleos de L. Ilyina son de plástico, el volumen se moldea libremente en ellos con un trazo vivo y áspero, grandes manchas de color. Al mismo tiempo, siempre se conserva el efecto decorativo de la silueta de la hoja (fig. 22).

En Azerbaiyán, el artista M. Rahman-zade (n. 1916), que representa campos de petróleo en alta mar en el Caspio, trabaja de manera interesante en el campo de la litografía en color. Sabe introducir en sus series una variedad de motivos que parecen similares y, al mismo tiempo, revelan cada vez algo nuevo en el panorama industrial. La lámina Flyover de sus obras de 1957 destaca entre otras por su esbeltez de composición, combinación sonora de agua amarilla brillante y estructuras negras caladas. Tales son algunos de los logros de los grabadores y dibujantes republicanos.

Los gráficos de hoy son muy diferentes a los de la primera década de la posguerra. ¿Qué hay de nuevo, por lo que a diferencia del anterior, apareció en él? Si la modernidad anterior fue captada con una genuina generalización poética sólo en las cosas individuales, ahora sus rasgos vivos están dispersos en muchas obras gráficas. Giro masivo de artistas al presente da sus resultados. La modernidad está siendo asimilada en sus rasgos no externos, profundamente arraigados, los artistas están descubriendo, por así decirlo, una nueva cara de nuestro país, el hombre soviético. En muchos sentidos, la gráfica de los últimos años tiene algo en común con la pintura. Los artistas de estas artes ven el rostro severo e impetuoso del tiempo, una actividad especial de actitud impregna sus obras. Y el anhelo de formas de arte nuevas y no probadas también resulta ser común a ellos. En gráficos, todo esto se refiere principalmente al grabado. Su auge comenzó a mediados de la década de 1950, y ahora podemos hablar de su verdadero apogeo. Este apogeo se asocia principalmente con la afluencia de nuevas fuerzas jóvenes en el grabado de caballete. Pero también contribuyeron artistas ya experimentados. En los paisajes de A. Vedernikov, por ejemplo, Leningrado, cargado con muchas tradiciones de su representación, aparece repentinamente con una apariencia tan nueva, brillante con colores puros, que parece ser visto por primera vez. La técnica de litografía en color de Vedernikov no imita ni un dibujo a lápiz de color ni una pintura de acuarela detallada. El artista opera con formas generalizadas, atrevidas combinaciones de varios tonos puros. Su búsqueda de la decoratividad en la litografía en color es una de las muchas estampas características de la actualidad.

Entre los éxitos del grabado, también podemos atribuir los grabados en madera de F. D. Konstantinov sobre el trabajo rural, y especialmente su hoja de paisaje "Primavera en la granja colectiva" (1957; il. 23), y los paisajes del artista armenio M. M. Abeghyan - "Rocky Shore de Zanga”, "En las montañas de Bjni" (1959) y muchas otras obras de artistas de las generaciones medias y mayores.

Pero lo nuevo, que distingue al grabado moderno, se siente especialmente claro en las cosas de los jóvenes. I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zakharov, Ya. Manukhin, I. Resets, L. Tukachev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov: toda una galaxia de jóvenes que se desempeñó brillantemente en la impresión. Vemos paisajes suburbanos ordinarios en "Suite on Wires" de A. Ushin (nacido en 1927), un graduado de la Escuela Pedagógica y de Arte de Leningrado (il. 24). No sucede ningún evento en sus láminas, solo los trenes eléctricos corren en silencio y, al mismo tiempo, aquí suceden muchas cosas: las armaduras de acero se elevan para sostener los cables, los haces de luz de la ventana del tren rasgan la espesa oscuridad de la noche, el relámpago blanco. de lluvia lo cruza, y las nubes se amontonan en un cúmulo deslumbrante en los cielos negros - la vida continúa, única, viva, se siente muy aguda, en su estado más activo, tenso. Es esta percepción aguda y activa de la vida en su constante dinámica lo que distingue muchas obras de los jóvenes. Une sus obras. Pero, además, los jóvenes son muy individuales en su trabajo. Cada uno de estos artistas ya tiene su propio rostro en el arte, su propia opinión sobre la vida, su propia comprensión del lenguaje del grabado.

Amplios paisajes y escenas líricas de G. Zakharov con su ritmo enfatizado de grandes trazos y puntos en blanco y negro suenan únicos. Se detallan las reflexivas y ligeramente irónicas novelas de paisajes de I. Golitsyn, donde cada casa es toda una historia sobre la vida de una gran ciudad, y un cruce de calles nos despliega en una visión instantánea y un tanto pesimista un rollo de la cotidianidad humana. La técnica de grabado de plata flexible de Golitsyn se formó en gran parte bajo la influencia de Favorsky. La sutileza de los grabados en madera, su riqueza tonal, tan sujeta a Favorsky, como si expandiera los horizontes de Golitsyn, el artista de una técnica de linóleo más grande y valiente (il. 25),

Ligeramente dura, significativa y en sus manifestaciones más ordinarias, la vida fluye 24. A. A. U Shin. Lluvia. 1960 de una gran ciudad en aguafuertes de V. Volkov de Leningrado. Libres del ajetreo y el bullicio de las nimiedades, sus hojas monumentalizan la realidad, como si expusieran su valiente ritmo majestuoso en la corriente de la vida cotidiana. Y el artista muestra a las personas en algún aspecto, pero significativo: son trabajadores duros y lacónicos.

El artista georgiano D. Nodia ve activamente el paisaje industrial y las escenas laborales en dinámica. El mundo transparente de la juventud, una maravillosa fusión de la claridad infantil del alma y la sutileza adulta de los movimientos espirituales, es revelado por Y. Manukhin en la frágil imagen de su popular Grass of Grass.

El mismo artista, en un grabado dedicado a la lucha por la paz, logra una especial expresión de una imagen que encarna la ira y el dolor de Hiroshima. Al mismo tiempo, Manukhin aprendió mucho de la cercanía de su hoja de caballete al arte del cartel (il. 26).

V. Popkov (il. 27) habla con detalle y entusiasmo del trabajo de los trabajadores del transporte en una serie de grabados y gouaches, que también ha actuado de forma interesante como pintor en los últimos años. En todas estas obras, los jóvenes artistas nos revelan distintas facetas de nuestra modernidad, vistas a su manera y con mucha frescura.

Por supuesto, no todos en el grabado ahora solo tienen éxito. También hay pequeña escritura cotidiana, ilustratividad. A menudo nos los encontramos en series dedicadas al trabajo, así como con aburrido protocolo en el panorama industrial. También hay cosas, cuyo significado total se agota en su decoración externa. En cambio, lo novedoso del grabado en los últimos años nació en el dibujo, aunque aquí no apareció un desprendimiento de juventud tan potente. Indicativo a este respecto es el camino creativo de V. E. Tsigal (nacido en 1916). Comenzó en los primeros años de la posguerra con una serie de dibujos en tinta y acuarela, en los que la vida y obra del pueblo soviético se mostraban con autenticidad, ya menudo lírica y cálidamente, pero aún sin grandes descubrimientos artísticos. Tsigal se vio obstaculizado en parte por su actividad excesiva, el deseo de cubrir con su arte una gama demasiado amplia de fenómenos de la vida. Tsigal trabajó rápidamente, aparecieron grandes series de sus hojas en casi todas las exposiciones importantes. Pero la verdadera concentración creativa llegó a él solo cuando, después de haber comenzado a viajar y estudiar la vida de los campesinos en las aldeas montañosas de Daguestán, este tema lo atrajo durante un tiempo relativamente largo, que, por supuesto, estaba muy agradecido por el artista. Así apareció su serie "Daguestán" (1959 - 1961), que supuso un gran paso adelante para Tsigal. En este ciclo también está el encanto inagotable de la novedad de la vida de los montañeses, que le fue revelada al artista, y algunos rasgos muy secretos, cotidianos, advertidos por una mirada amistosa, y un peculiar sentimiento de armonía entre el hombre y la naturaleza. . Sus láminas están construidas sobre una sutil yuxtaposición de motivos comunes a Daguestán, pero que de repente nos revelan tanto las especificidades de la forma de vida como las relaciones de las personas, eternas y al mismo tiempo sutilmente modernas (il. 28).

En el auge actual de los gráficos de caballete, el complejo y sutil arte de la acuarela ha encontrado su lugar. En acuarela se necesita especialmente un ojo seguro y una mano rápida y precisa. Las correcciones son casi imposibles en él, y el movimiento del pincel con pintura y agua es engañosamente fácil y requiere una estricta disciplina por parte del artista. Pero las posibilidades colorísticas de las acuarelas son ricas, y la translucidez del papel bajo una capa transparente de pintura le da una ligereza y gracia únicas. "La acuarela es pintura que en secreto quisiera convertirse en grafismo. La acuarela es grafismo que se convierte en pintura con cortesía y delicadeza, construyendo sus logros no sobre matar el papel, sino sobre la extravagante revelación de su superficie elástica e inestable", escribió una vez uno de los mayores conocedores del arte. Gráficos soviéticos A. A. Sidorov. Incluso ahora, como en la década de 1930, los paisajistas son los maestros de la acuarela en nuestro país. Las obras de S. Boym, N. Volkov, G. Khrapak, S. Semenov, V. Alfeevsky, D. Genin, A. Mogilevsky y muchos otros muestran la vida de una ciudad moderna, la naturaleza en la riqueza de sus colores, en su maravillosa diversidad. Y cada vez con menos frecuencia la descriptividad pasiva encuentra su refugio en el paisaje.

Estas son algunas de las características de los gráficos soviéticos modernos. Sin embargo, su imagen es tan compleja y rica que, por supuesto, merece una descripción aparte. Nuestro objetivo era solo familiarizarnos con el trabajo de los maestros más famosos de los gráficos de caballete y los momentos individuales de su historia.

El artista Yu. I. Pimenov, cuyos dibujos se discutieron anteriormente, escribió: "El camino del artista es el camino del encanto con la vida y el camino de su expresión llena de decepciones y fracasos. Pero en cada cosa sincera hay un grano , una micropartícula de lo deseado, luego un eco, en algún lugar se recibe y florece una ola de este sentimiento. En aras de este "grano de lo que se desea", en aras de una onda recíproca de sentimiento, que es absolutamente necesaria para el artista, se realiza todo su trabajo duro y gozoso.

Llevamos mucho tiempo planeando hacer una clasificación de las obras en papel más caras de artistas de la órbita del arte ruso. El mejor motivo para nosotros fue un nuevo récord de gráficos rusos: 2,098 millones de libras por un dibujo de Kazimir Malevich el 2 de junio.

A la hora de publicar nuestras valoraciones, nos encanta poner todo tipo de cláusulas a nuestro alrededor para evitar posibles preguntas. Entonces, el primer principio: solo gráficos originales. Segundo: usamos los resultados de las subastas abiertas para las obras de los artistas incluidos en la órbita del arte ruso, según la base de datos del sitio (quizás las ventas de las galerías fueron a precios más altos). Tercero, ciertamente sería tentador poner $3.7 millones para Housatonic de Arshile Gorky en primer lugar. Como saben, él mismo intentó de todas las formas posibles ser considerado un artista ruso, sin rehuir los engaños, tomó un seudónimo en honor a Maxim Gorky, etc .; en 2009, el Museo Ruso y la Galería Tretyakov exhibieron las obras de Gorka en la exposición "Artistas estadounidenses del Imperio Ruso", lo incluimos en la base de datos de resultados de subastas de IA, pero comenzar la calificación de gráficos rusos con él es injusto por razones formales. Cuarto: una hoja - un resultado. En esta calificación, seleccionamos solo obras que constan de una hoja; un enfoque formal nos obligaría a tener en cuenta tres artículos más, cada uno de los cuales se vendió en un solo lote: 122 dibujos originales en tinta para el "Libro de la marquesa" de Konstantin Somov, dos carpetas con 58 dibujos y gouaches para "Los hermanos Karamazov " de F. M. Dostoevsky por Boris Grigoriev y parte de la colección de Yakov Peremen. Quinto: un autor, una obra. Si tomamos formalmente el top 10 por precio (excluyendo los resultados de Gorka y los lotes prefabricados), entonces habría cinco láminas de Kandinsky, tres de Chagall y una de Malevich y una de Serebryakova. Aburrido. Sexto: analizamos el período desde 2001 hasta la actualidad. Séptimo: la calificación de precios se compiló en dólares, los resultados en otras monedas se convirtieron a dólares al tipo de cambio del día de la negociación. Octavo: todos los resultados se dan teniendo en cuenta la comisión del vendedor.

El dibujo de Kazimir Malevich "Cabeza de campesino", que es un boceto preparatorio para la pintura perdida "Funeral de campesino" de 1911, se convirtió en el lote principal de la subasta rusa de Sotheby's el 2 de junio de 2014 en Londres. Las obras de Malevich son extremadamente raras en el mercado del arte, "Cabeza de campesino" es la primera obra que se subasta desde la venta de "Composición suprematista" por 60 millones de dólares en Sotheby's en 2008, y una de las últimas cosas significativas del artista. en colecciones privadas. Este boceto fue una de las 70 obras expuestas por el artista en Berlín en 1927, y luego dejadas en Alemania para salvarlas de la prohibición y el olvido artificial que inevitablemente les esperaría en Rusia. En la subasta de Sotheby's, la obra procedía de una poderosa colección privada alemana de la vanguardia rusa. Casi todos los lotes de esta colección se vendieron con exceso de presupuesto, pero el dibujo de Malevich simplemente quedó fuera de concurso. Para él, dieron tres veces más de lo estimado: 2.098 millones de libras. Este es, con mucho, el trabajo gráfico más caro de un artista ruso.

En la lista de las obras gráficas más caras de Wassily Kandinsky hay hasta 18 dibujos originales valorados en más de un millón de dólares. Sus acuarelas en su mensaje abstracto no son inferiores a las pinturas. Recordemos que es a partir de la obra gráfica de Kandinsky - "La primera acuarela abstracta" de 1910 - que se acostumbra a contar la historia del arte abstracto moderno. Según cuenta la leyenda, un día Kandinsky, sentado en la penumbra de su taller de Munich y contemplando su obra figurativa, no pudo distinguir en ella nada más que manchas de color y formas. Y luego se dio cuenta de que debía abandonar la objetividad y tratar de captar los "movimientos del alma" a través del color. El resultado fue una obra desprovista de cualquier conexión con el mundo exterior: "La primera acuarela abstracta" (París, Centro Georges Pompidou).

Los lienzos de Kandinsky son raros en el mercado y son muy caros, pero los gráficos encajarán perfectamente en cualquier colección y se verán dignos en ella. Los gráficos de circulación se pueden adquirir por varios miles de dólares. Pero por un dibujo original, que, por ejemplo, es un boceto de un cuadro famoso, tendrás que pagar muchas veces más. La acuarela más cara hasta la fecha, "Sin título" de 1922, se vendió durante el auge del arte de 2008 por 2,9 millones de dólares.

Marc Chagall fue un artista inusualmente productivo para su época. Hoy es cuando Damien Hirst y Jeff Koons cuentan con la ayuda de un ejército de asistentes, y Mark Zakharovich creó por sí solo miles de obras gráficas originales durante los 97 años de su vida, sin mencionar las obras de circulación. Nuestra base de datos de resultados de subastas de Chagall incluye más de 2000 obras originales en papel. El precio de este artista está aumentando constantemente, y las perspectivas de inversión para comprar sus obras son obvias: lo principal es que el Comité Chagall confirme la autenticidad de la obra. De lo contrario, la obra casi puede quemarse (esto es precisamente lo que el Comité Chagall amenaza al propietario, quien recientemente envió una pintura a París para su examen, que resultó ser una falsificación). Por lo tanto, la elección debe hacerse solo a favor de gráficos incondicionalmente genuinos. Su precio puede alcanzar los 2,16 millones de dólares: esto es lo que pagaron en mayo de 2013 por el dibujo "Jinetes" (papel sobre cartón, gouache, pastel, lápices de colores).

Pastel "Desnudo reclinado" no solo es el trabajo gráfico más caro de Zinaida Serebryakova, sino también su trabajo más caro en general. El tema del cuerpo femenino desnudo fue uno de los principales en la obra del artista. Los desnudos de Serebryakova evolucionaron desde imágenes de bañistas y bellezas rusas en un baño en el período ruso de creatividad hasta desnudos acostados más en el espíritu del arte europeo en el período parisino. Mirando los desnudos hermosos, sensuales e idealizados de Serebryakova, es difícil imaginar cuán trágico fue el destino de la artista: su esposo murió de tifus, dejándola con cuatro hijos en sus brazos; Tuve que vivir al día y, al final, emigrar a París (como resultó más tarde, para siempre), dejando a los niños en Rusia (luego lograron transportar solo dos a Francia, tuvieron que separarse de los otros dos durante más de 30 años).

Zinaida Serebryakova cultivó la belleza perfecta, eterna y clásica en sus obras. Pastel, de alguna manera, transmite aún mejor la ligereza y la ligereza de sus imágenes femeninas, en las que casi siempre hay algo de la artista y sus hijos (su hija Katya era una de sus modelos favoritas).

Un pastel bastante grande "Desnudo reclinado" fue comprado durante el boom del arte en junio de 2008 por 1,07 millones de libras (2,11 millones de dólares). Ningún otro trabajo desde entonces ha logrado batir este récord. Curiosamente, en las 10 mejores ventas en subasta de Zinaida Serebryakova, solo hay desnudos y tres obras son solo pasteles.

En la subasta de Sotheby's en Londres el 27 de noviembre de 2012, dedicada a la pintura y los gráficos de artistas rusos, el lote superior no era una pintura, sino un dibujo a lápiz sobre papel: "Retrato de Vsevolod Meyerhold" de Yuri Annenkov. Ocho participantes abogaron por el trabajo en el pasillo y por teléfono. Como resultado, el dibujo, estimado en 30-50 mil libras, le costó al nuevo propietario varias decenas de veces más caro que la estimación. El resultado de 1,05 millones de libras (1,68 millones de dólares) de la noche a la mañana convirtió al "Retrato de Vsevolod Meyerhold" en el gráfico más caro del autor y ocupó el tercer lugar en la lista de los precios de subasta más altos para la obra de Annenkov en general.

¿Por qué fue tan fuerte el interés en el retrato? Annenkov es un retratista brillante que dejó imágenes de las mejores figuras de la época: poetas, escritores, directores. Además, tenía mucho talento gráfico: su manera combinaba las técnicas del dibujo clásico con elementos vanguardistas del cubismo, el futurismo, el expresionismo.. Triunfó como artista de teatro y cine, como ilustrador de libros. La atención del público fue atraída, por supuesto, por la personalidad del modelo en el retrato: el famoso director Vsevolod Meyerhold. Y para colmo, este dibujo procede de la colección del compositor Boris Tyomkin, natural de Kremenchug, que emigró a los Estados Unidos y se convirtió en un famoso compositor estadounidense, cuatro veces ganador del Oscar a la obra musical en el cine.

Uno de los principales artistas de la asociación World of Art, Lev (Leon) Bakst, por supuesto, debería haber estado en nuestra lista de los artistas gráficos de mayor éxito comercial. Sus refinadas obras teatrales -diseños de vestuario para los mejores bailarines de la época, escenografía para producciones- nos dan hoy una idea de lo lujoso que fue el espectáculo Las estaciones rusas de Diaghilev.

La obra gráfica más cara de Bakst, La sultana amarilla, se creó el año en que el ballet de Diaghilev salió de gira por primera vez en los Estados Unidos. Para ese entonces, Bakst ya era un artista reconocido, el estilo reconocible de su obra teatral se ha convertido en una marca, su influencia es palpable en la moda, el diseño de interiores y la joyería. El sensual desnudo "Yellow Sultana", que surgió de sus sketches teatrales, provocó una feroz batalla de dos teléfonos en la subasta de Christie's el 28 de mayo de 2012. Como resultado, alcanzaron la cifra de 937.250 libras ( 1 467 810 dólares) teniendo en cuenta la comisión a pesar de que la estimación fue de 350-450 mil libras.

El mundo de los nidos nobles que se desvanecen en el olvido, los parques brumosos y las jóvenes elegantes que caminan por los callejones aparecen en las obras de Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Algunos llaman a su estilo "una elegía en la pintura", se caracteriza por la ensoñación, la melancolía tranquila, la tristeza por una época pasada. Para Borisov-Musatov, las haciendas nobles eran el mundo del presente, pero hay algo de otro mundo en sus reflexiones sobre este mundo, estos parques, terrazas y estanques parecen haber soñado con el artista. Parecía tener el presentimiento de que pronto este mundo no sería y él mismo no sería (una grave enfermedad asesinó al artista a los 35 años).

Pintura al óleo Victor Borisov-Musatov prefirió los pasteles y las acuarelas, le dieron la ligereza necesaria de la pincelada y la neblina. La aparición en la subasta rusa de Sotheby's en 2006 de sus pasteles "El último día" fue todo un acontecimiento, porque las principales obras de Borisov-Musatov se encuentran en museos, y solo una docena de obras han llegado a la subasta abierta en todo momento. Pastel "The Last Day" proviene de la colección de V. Napravnik, hijo del director de orquesta y compositor ruso Eduard Napravnik. Este pastel fue representado en el "Retrato de Maria Georgievna Napravnik" de Zinaida Serebryakova, ahora almacenado en el Museo de Arte de Chuvash. En la monografía "Borisov-Musatov" (1916), N. N. Wrangel menciona "El último día" en la lista de obras del artista. Así que la cosa indudablemente genuina alcanzó un precio récord para el artista de 702.400 libras o 1.314.760 dólares.

Alexander Deineka fue un artista gráfico brillante; en las etapas iniciales de su carrera, los gráficos lo atrajeron incluso más que la pintura, en primer lugar, con su potencial propagandístico. El artista trabajó mucho como ilustrador de libros y revistas, creó carteles. Más tarde, este "trabajo de revistas y carteles" lo cansó, comenzó a trabajar cada vez más en pintura, en arte monumental, pero las habilidades adquiridas como dibujante resultaron ser muy útiles, por ejemplo, al crear bocetos preparatorios para pinturas. "Niña atándose una cinta en la cabeza": un boceto para la pintura "Bañista" (1951, colección de la Galería Estatal Tretyakov). Esta obra de Deineka, la más cara hasta la fecha, pertenece al período tardío de la creatividad, cuando el estilo del artista procedente de las búsquedas vanguardistas de las décadas de 1920 y 1930 ya había evolucionado con fuerza hacia el realismo social. Pero Deineka también fue sincero en el realismo socialista. El poder y la belleza de un cuerpo humano saludable es uno de los temas favoritos en el trabajo de Deineka. "Niña atando una cinta" nos remite a su desnudo, similar a las diosas griegas, las Venus soviéticas, que encuentran la felicidad en el trabajo y los deportes. Este es un dibujo del libro de texto Deineka y, por lo tanto, no sorprende que se haya vendido por un precio récord de 27 500 000 rublos (1 012 450 dólares) en la subasta de Sovkom.

Boris Dmitrievich Grigoriev emigró de Rusia en 1919. En el extranjero, se convirtió en uno de los artistas rusos más famosos, pero al mismo tiempo fue olvidado en casa durante muchas décadas, y sus primeras exposiciones en la URSS tuvieron lugar solo a fines de la década de 1980. Pero hoy es uno de los autores más cotizados y respetados del mercado del arte ruso, sus obras, tanto pictóricas como gráficas, se venden por cientos de miles y millones de dólares. El artista era extremadamente trabajador, creía que podía hacer cualquier tema, en cualquier orden.

Probablemente los más famosos sean sus ciclos "Rasey" y "Rostros de Rusia", muy parecidos en espíritu y que difieren solo en que el primero se creó antes de la emigración y el segundo ya en París. En estos ciclos, se nos presenta una galería de tipos ("rostros") del campesinado ruso: ancianos, mujeres, niños miran con tristeza al espectador, atraen la atención y al mismo tiempo la repelen. Grigoriev de ninguna manera estaba inclinado a idealizar o embellecer a los que pintaba, por el contrario, a veces lleva las imágenes a lo grotesco. Uno de los “rostros”, ejecutado en gouache y acuarela sobre papel, se convirtió en la obra gráfica más cara de Boris Grigoriev: en noviembre de 2009, en Sotheby’s, pagaron por ella 986.500 dólares.

Y finalmente, el décimo autor en nuestra lista de las obras gráficas rusas más caras es Konstantin Somov. Hijo del curador de las colecciones del Hermitage y de un músico, el amor por el arte y todo lo bello le fue inculcado desde la infancia, después de estudiar en la Academia de las Artes con Repin, Somov pronto se encontró en la sociedad World of Art, que promovía el culto. de la belleza cerca de él. Especialmente este anhelo por la decoración y la "belleza" se manifestó en sus numerosos dibujos basados ​​​​en las imágenes de la era galante, cuyo interés se observó en el trabajo de otros artistas del Mundo del Arte (Lanser, Benois). Toldos "Somov" y galantes caballeros en citas secretas, escenas de recepciones seculares y mascaradas con arlequines y damas con peluca nos remiten a la estética del barroco y el rococó.

Los precios de las obras de Somov en el mercado del arte comenzaron a crecer a un ritmo fenomenal y no siempre comprensible desde 2006, algunas de sus pinturas excedieron la estimación en 5 o incluso 13 veces. Su pintura cuesta millones de libras. En cuanto a los gráficos, aquí el mejor resultado de Somov hasta ahora es de 620 727 dólares: este es solo uno de los dibujos de la serie "galante" "Masquerade".

22 de abril 2010 en Sotheby's en Nueva York en un solo lote número 349 se vendieron 86 obras - pinturas y dibujos - casi dos docenas de autores. Esta venta, por cierto, confunde las estadísticas de subasta de aquellos artistas cuyas obras se incluyeron en este lote. Sí, la colección es muy valiosa en sí misma, tiene una larga, complicada y trágica historia y, por un lado, es bueno que la colección cayera en las mismas manos. Pero, por otro lado, si algún día el propietario decide vender obras individuales, para la mayoría de los autores simplemente no hay nivel de precios. Después de la ensordecedora “preparación de artillería” que precedió a la venta de la colección, podría haber aparecido, pero no, y al revenderlo resultaría en una enorme desventaja.

Pintores, escultores y artistas gráficos famosos.

Aivazovsky Iván Konstantinovich(1817-1900): pintor ruso, maestro del paisaje marino ("La novena ola", "El mar Negro").

Borovikovsky Vladímir Lukich(1757–1825) - Retratista ruso y ucraniano, sentimentalista (retratos de M. I. Lopukhina, A. B. Kurakin).

Bosch (Bos van Aken) Jerónimo (Hieronymus)(c. 1460–1516): pintor holandés, uno de los más grandes maestros del Renacimiento del Norte.

Botticelli Sandro (Alessandro di Mariano di Vani Filipepi)(1445-1510) - el más grande pintor italiano del Renacimiento temprano.

Brueghel el Viejo Pedro ("Campesino")(c. 1525-1569) - Pintor y artista gráfico flamenco, maestro del paisaje y las escenas de género.

Bryullov Karl Pavlovich(1799-1852) - Pintor ruso, dibujante, maestro de lienzos intensamente dramáticos ("El último día de Pompeya") y retratos ceremoniales ("La amazona").

Van Gogh Vicente(1853-1890) - Pintor holandés, representante del postimpresionismo. Su pintura se caracteriza por contrastes de color, ritmo impetuoso. Creó imágenes trágicas de una manera dolorosamente tensa, extremadamente expresiva, construida sobre contrastes de color, ritmo impetuoso, sobre la dinámica libre de un trazo pastoso ("Café nocturno", "Paisaje en Auvers después de la lluvia").

Antonio Van Dyck (1599-1641) - Pintor flamenco, virtuoso de la pintura, alumno de Rubens. Sus obras están marcadas por una noble espiritualidad ("Autorretrato").

camioneta Eik Ene(c. 1385 o 1390-1441) - Pintor flamenco del Renacimiento temprano, maestro de retratos, autor de más de 100 composiciones sobre temas religiosos, uno de los primeros artistas que dominó la técnica de pintar con pinturas al óleo.

Vasnetsov Víktor Mijáilovich(1848–1926) - Artista itinerante ruso. Creó lienzos sobre temas de epopeyas rusas y cuentos de hadas ("Alyonushka", "Tres héroes").

Watteau Antoine(1684-1721) - Artista francés, maestro de la pintura de género.

Velásquez Diego (Velásquez Rodríguez de Silva)(1599-1660) - pintor español Los lienzos de Velázquez ("Desayuno", "La rendición de Breda") se distinguen por una sensación de armonía, sutileza y saturación de color.

Venetsianov Alexei Gavrilovich(1780–1847) - Pintor ruso. La mayoría de sus obras, sobre los temas de la vida campesina, están escritas desde la naturaleza.

Vereshchagin Vasily Vasilievich(1842–1904): pintor de batallas ruso. En sus obras mostró los horrores de la guerra ("La apoteosis de la guerra"). Murió en la explosión del acorazado Petropavlovsk en Port Arthur.

Wermeer Jan Delft(1632-1675) - Pintor holandés, distinguido por su percepción poética de la vida cotidiana ("Niña leyendo una carta").

Veronés (Cagliari) Paolo(1528–1588) - Pintor renacentista italiano. Las pinturas que creó se distinguen por la festividad y la sofisticación.

Vrubel Mijail Alexandrovich(1856-1910), pintor ruso de la Edad de Plata. Gravitó hacia la generalización filosófica, la tragedia, la comprensión simbólica de la trama ("Sueño de princesa", "Demonio").

Vuchetich Evgeny Viktorovich(1908–1974) - Escultor soviético ruso (figura de la Patria en Mamaev Kurgan en Volgogrado).

Ge Nikolai Nikolaevich(1831–1894) - famoso pintor ruso, maestro de retratos, pinturas históricas y religiosas ("La última cena", "Pedro I interroga al zarevich Alexei Petrovich en Peterhof", "¿Qué es la verdad?").

Gainsborough Thomas(1727–1788) - Pintor, artista gráfico, retratista y paisajista inglés.

Gauguin Eugenio Henri Paul(1848–1903) - Pintor, escultor de cerámica y artista gráfico francés. Junto con Cézanne y Van Gogh, es considerado el mayor representante del postimpresionismo.

Goya Francisco José de(1746–1828) - Pintor y artista gráfico español, audaz innovador de la forma. Entre sus obras se encuentran frescos, pinturas ("Nude Maja"), una serie de grabados ("Caprichos").

Greco (El Greco)(Doménikos Theotokópoulos) (1541-1614) ) - Pintor español de origen griego, cuyas obras se caracterizan por la exaltación mística ("Retrato del Inquisidor").

David Jacques Louis(1748–1825) - Pintor francés, partidario de la escuela clásica de pintura ("Juramento de los Horacios").

dalí salvador(1904–1989) - Artista español, uno de los más destacados representantes del surrealismo. En sus pinturas, dio autenticidad visible a situaciones antinaturales y combinaciones de objetos.

Degas Édgar ( 1834–1917) - Pintor impresionista francés, maestro de pasteles ("Blue Dancers").

Delacroix Eugenio ( 1798–1863) - Pintor y artista gráfico francés, máximo exponente del romanticismo francés ("La libertad guiando al pueblo").

giorgione(1477–1510) - Pintor italiano, uno de los fundadores del arte del Alto Renacimiento ("Venus durmiente", "Judith").

Giotto de Bondone(1266–1337) - Artista italiano, fundador de la pintura moderna ("Lamentación de Cristo").

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) ( 1386–1466) - Escultor italiano, uno de los "padres" del Renacimiento.

Alberto Durero(1471–1528) - Pintor y artista gráfico del Renacimiento alemán, teórico del arte (autorretratos, Madonna y el Niño, grabados).

Kandinsky Vasili Vasilievich(1866–1944) - Pintor y artista gráfico ruso, artista de vanguardia, uno de los fundadores del arte abstracto.

Antonio Cánova(1757–1822) - Escultor italiano, el representante más significativo del clasicismo en la escultura europea.

Caravaggio Michelangelo da (Michelangelo Merisi Caravaggio)(1571–1610) - Artista italiano, reformador de la pintura europea del siglo XVII, uno de los más grandes maestros del barroco.

Kiprensky Orest Adamovich(1782–1836) - Pintor y dibujante ruso, representante del romanticismo (retratos de A. S. Pushkin).

Klodt Petr Karlovich(1805–1867) - Escultor ruso, representante del clasicismo, pintor de animales (caballos en el puente Anichkov en San Petersburgo).

Korovin Konstantin Alekseevich(1861-1939) - Pintor y artista de teatro ruso, maestro sutil de la pintura al aire libre, cercano al impresionismo.

Kramskoy Iván Nikolaevich(1837–1887): pintor ruso, itinerante, maestro de IE Repin ("Noche de mayo"). Maestro de un retrato psicológico, revelando movimientos mentales complejos ("Stranger").

Cranach Lucas el Viejo(1472-1553) - Pintor y artista gráfico alemán, que combinó los principios artísticos del Renacimiento con la tradición gótica, un brillante retratista.

Kuindzhi Arkhip Ivánovich(1841-1910) - Pintor paisajista ruso, itinerante. Las obras de Kuindzhi demuestran una sonoridad decorativa de color, efectos de iluminación cercanos a la naturaleza a la ilusión ("Noche en el Dnieper").

Larionov Mijail Fedorovich(1881-1964) - Pintor ruso, artista de vanguardia, artista abstracto, creador del llamado rayonismo.

Levitán Isaac Ilich(1860-1900) - Pintor itinerante ruso, paisajista, creador del "paisaje del estado de ánimo", que revela los sutiles matices de los estados de la naturaleza ("Por encima de la paz eterna").

Levitsky Dmitri Grigorievich(1735–1822): retratista ruso del siglo XVIII, maestro de los retratos ceremoniales.

leonardo da vinci(1452-1519) - pintor, escultor, arquitecto y científico italiano Encarnó el ideal de la belleza femenina en la pintura de fama mundial "La Gioconda" ("Mona Lisa").

Lisipo(siglo IV aC) - antiguo escultor griego, pintor de la corte de Alejandro Magno.

Masaccio (Tommaso di Giovanni di Simone Cassai)(1401-1428) - Pintor italiano, en sus obras buscó encarnar la idea de la perfección humana.

Malevich Kazimir Severinovich(1878-1935) - Artista abstracto ruso ("Cuadrado negro"), fundador del suprematismo.

Eduardo Manet(1832-1883) - Artista francés, uno de los más brillantes representantes del impresionismo. Sus obras se distinguen por la frescura y la agudeza de la percepción de la realidad ("Concierto en las Tullerías").

henri matisse(1869-1954) - Pintor, artista gráfico francés, que aprobó el estilo ornamental en vidrieras, grabados, litografías, fundador del fauvismo.

Miguel Ángel Buonarroti(1475-1564) - Pintor, escultor y arquitecto italiano ("David", pintura de la Capilla Sixtina en Roma).

Mirón de Eleuther(siglo V a. C.) - Escultor griego de la época que precedió inmediatamente al mayor florecimiento del arte griego (finales del siglo VI - principios del siglo V). La obra más famosa de Miron es "Discobolus".

Modigliani Amadeo(1884-1920) - Pintor italiano. Las obras de Modigliani se caracterizan por la sofisticación musical de la silueta y el color, la concisión de la composición.

Monet Óscar Claude(1840-1926) - Pintor francés, uno de los fundadores del impresionismo.

Munch Edvard(1863-1944) - Pintor y artista gráfico noruego, uno de los fundadores del expresionismo ("El Grito").

Mukhina Vera Ignatievna(1889-1953): escultora monumental soviética ("Trabajadora y koljosiana").

Perov Vasili Grigorievich (Kridener)(1834-1882) - Pintor ruso, uno de los miembros fundadores de la "Asociación de exposiciones itinerantes de arte" ("Troika", "Retrato de F. M. Dostoievski", "Cazadores en reposo").

Petrov-Vodkin Kuzma Sergeevich(1878-1939) - Pintor soviético ruso ("Bañando al caballo rojo"), simbolista, romántico.

picasso pablo ruiz(1881-1973) - Artista francés, trabajó en varias direcciones: cubismo, realismo, etc. Creó obras llenas de dolor y protesta ("Guernica"), autor de la famosa "Paloma de la paz".

Niko Pirosmani(1862-1918): pintor primitivo georgiano Pintó retratos de grupo, letreros, transmitiendo agudamente una sensación de plenitud y alegría de vivir.

Praxíteles(siglo IV aC) - un antiguo escultor griego, nació en Atenas c. 390 aC mi. El autor de las famosas composiciones "Hermes con el bebé Dionisio", "Apolo matando al lagarto". La mayoría de las obras de Praxiteles se conocen a partir de copias romanas o de descripciones de autores antiguos.

nicolas poussin(1594-1665) - Pintor francés, representante de la escuela del clasicismo ("Paisaje con Polifemo").

rafael santi(1483-1520) - Pintor y arquitecto italiano, cuyos lienzos se distinguen por la claridad clásica y la espiritualidad majestuosa. Glorificó la existencia terrenal de una persona, la armonía de sus fuerzas mentales y físicas ("La Madonna Sixtina").

Josué Reynolds(1723-1792), pintor y teórico del arte inglés. Retratista virtuoso ("J. O. Heathfield"), también pintó sobre temas históricos y mitológicos.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(1606-1669) - Pintor, dibujante y grabador holandés. Pintó escenas y retratos que eran complejos en términos de estructura psicológica ("Night Watch", "Danae").

Renoir Augusto(1841-1919) - Pintor, grafista y escultor francés, cercano a los impresionistas. Cantó la belleza sensual y la alegría de ser.

Repin Ilia Efimovich(1844–1930) - Pintor ruso y ucraniano. Reveló la belleza espiritual de las personas, su amor por la libertad ("Los cosacos escriben una carta al sultán turco", "Transportistas de barcazas en el Volga", "No esperaron").

Roerich Nicolás Konstantinovich(1874-1947) - Artista ruso, desde la década de 1920 vivió en la India, cuya filosofía tuvo un gran impacto en su obra.

rodin augusto(1840-1917) - Escultor francés, innovador de formas ("Pensador", "Ciudadanos de Calais").

Rokotov Fyodor Stepanovich(1735–1808) - un destacado pintor ruso. Entre las obras del artista se encuentran retratos sutiles y poéticos imbuidos de la conciencia de la belleza espiritual y física de una persona.

Rubens Pedro Pablo(1577-1640) - Pintor flamenco. Sus paisajes están imbuidos de una sensación de poderosas fuerzas naturales. Las escenas de la vida campesina ("Return of the Reapers") están imbuidas de un espíritu democrático.

Andrei Rublev(c. 1360-c. 1430) - el gran pintor ruso, pintor de iconos, el mayor maestro de la escuela de pintura de Moscú. Las obras de Rublev están imbuidas de una profunda humanidad y una espiritualidad sublime ("Trinidad", pinturas de muchas catedrales, íconos).

Savrasov Alexey Kondratievich(1830–1897) - Pintor paisajista ruso, itinerante. Transmitió la belleza poética y el significado de los motivos cotidianos ("Han llegado los grajos").

Saryan Martiros Sergeevich(1880-1972) - pintor armenio Un maestro de un paisaje emocional que afirma la vida, un estilo brillante y decorativamente generalizado ("Valle de Ararat", "Armenia"), un retrato psicológico nítido y una naturaleza muerta de color festivo.

Paul Cézanne(1839-1906) - Pintor francés, postimpresionista ("Banks of the Marne", "Melocotones y peras").

Serov Valentín Alexandrovich(1865–1911): pintor y artista gráfico ruso, Wanderer. Las primeras obras ("Niña con melocotones") se distinguen por su frescura y riqueza de color.

Francia(1579-1657) - Pintor flamenco, maestro de bodegones y composiciones animales de estilo barroco ("Peleas de gallos", "Frutero").

Surikov Vasili Ivanovich(1848-1916) - Artista itinerante ruso, muchos lienzos están dedicados a puntos de inflexión en la historia rusa ("Boyarynya Morozova", etc.). Maestro del retrato.

Tintoretto (Robusti) Jacopo(1518-1594) - Pintor italiano, uno de los más grandes pintores de la escuela veneciana de finales del Renacimiento.

Tiziano (Tizian Vecellio)(1476-1576) - Pintor italiano, líder de la escuela veneciana. Sus obras se distinguen por la alegría, la versatilidad de la percepción de la vida ("Venus y Adonis", "Danae") y, en obras posteriores, un drama intenso.

Thorvaldsen Bertel(1768–1844) - Escultor danés, representante del clasicismo. Las esculturas de Thorvaldsen se caracterizan por la integridad plástica, la moderación y la idealización de las imágenes ("Jason").

Tropinin Vasily Andreevich(1776–1857) - Pintor ruso, maestro del retrato romántico.

Toulouse-Lautrec Henri de(1864-1901) - Artista gráfico y pintor francés, posimpresionista.

Fidias(siglo V aC) - un antiguo escultor griego del período clásico alto. El trabajo de Fidias se considera uno de los logros más altos del arte antiguo (estatuas de Atenea, Zeus olímpico).

Hokusai Katsushika(1760-1849) - Pintor y dibujante japonés, maestro de las xilografías en color.

Cellini Benvenuto(1500-1571) - escultor, arquitecto y escritor italiano Uno de los representantes más famosos del manierismo.

marca chagall(1887-1985) - Pintor francés, seguidor del surrealismo. La mayoría de sus imágenes están inspiradas en motivos populares rusos y judíos.

Shishkin Iván Ivánovich(1832–1898), pintor ruso, uno de los más grandes maestros de la pintura de paisaje realista. Académico (1865), profesor (1873), jefe del taller de paisaje (1894-1895) de la Academia de las Artes. Miembro fundador de la Asociación de Exposiciones Itinerantes de Arte.

Escher Maurice Cornelis(1898-1972), artista gráfico holandés. Es más conocido por sus litografías conceptuales, grabados sobre madera y metal, en los que exploró magistralmente los aspectos plásticos de los conceptos de infinito y simetría, así como las características de la percepción psicológica de objetos tridimensionales complejos.

Yaroshenko Nikolái Alexandrovich(1846–1898): pintor y vagabundo ruso. Retratos, paisajes, escenas de género ("Stoker", "Viejos y jóvenes") son dramáticos.