¿Qué es el arte aplicado? Informe sobre el tema: "artes decorativas y aplicadas"

Estás aquí: Estilo de vida

Desarrollo metódico en bellas artes.

Tema:

"Tipos de artes decorativas y aplicadas según materiales y métodos de su procesamiento artístico (ejemplos específicos)"

Preparado por:

Rodionova Galina Leonidovna

Título profesional:

Profesor de escuela primaria

Lugar de trabajo:

MBOU "Ojvatskaya OOSh"

Cobertura de liquidación, región de Tver

Federación Rusa

INTRODUCCIÓN 3

1. Rebordear 22
  encaje 25
  Pintura (sobre vidrio, loza, madera) 26

CONCLUSIÓN 29

REFERENCIAS 30

INTRODUCCIÓN

Las artes y artesanías populares son el resultado de la creatividad de muchas generaciones de artesanos. Está unida en su estructura artística y extremadamente diversa en sus características nacionales, que se manifiestan en todo, desde la elección (uso) del material hasta la interpretación de las formas pictóricas.

Un profundo conocimiento del material por parte del artesano popular le permite crear obras de arte y artesanía perfectas. Madera y arcilla, piedra y hueso, cuero y pieles, paja y mimbre: todos estos materiales se utilizan orgánicamente en varios artículos para el hogar. No se falsifican con materiales caros, sino que se procesan y decoran de acuerdo con sus propias propiedades naturales. Por lo tanto, no se puede confundir una cerámica hecha de arcilla simple con platos de porcelana, y una vasija de cobre estañado con un objeto hecho de plata.

Esta capacidad de utilizar las cualidades naturales del material se materializó en técnicas artísticas y técnicas que permiten diseñar y decorar productos de la manera más racional con adornos o imágenes gráficas, combinando prototipos reales con la audaz imaginación del creador. Así se desarrollaron los tipos de artesanías artísticas tradicionales para muchos pueblos de nuestro país: cestería, alfarería, encajes, alfombras, tejidos, bordados, elaboración artística de madera, hueso, piedra, metal y otros materiales.

Este trabajo presenta varios tipos y técnicas de artes y oficios.

Al clasificar los productos de los maestros de la artesanía popular y la artesanía, es recomendable utilizar una característica tan importante como el material. Para productos de artes y oficios populares, el material dicta los métodos de procesamiento, acabado y decoración.

Según el material utilizado para la fabricación de productos de arte, se dividen en productos de arte hechos de madera, papel maché, metal, hueso y cuerno, piedra, cerámica, vidrio, cuero, hilados e hilos, telas, pieles, plásticos.

Según el método de fabricación, los productos de arte son: fundido, cincelado, filigrana, prensado, forjado, electroplástico, carpintería, torneado, tallado, mimbre, punto, tejido, bordado, soplado. Y así, considere los principales tipos de artes y oficios.

1Tipos y técnicas de artes y oficios

1.1 Procesamiento artístico de la madera

El tallado en madera, que se ha utilizado durante mucho tiempo para decorar viviendas, barcos, muebles, utensilios, herramientas y artículos para el entretenimiento y la recreación, se divide en los siguientes grupos principales: con muescas planas o profundas, con relieve plano, con relieve, ranurado o calado, escultórico o tridimensional, casa (barco). A su vez, cada uno de estos grupos se divide en varias variedades, según el patrón y la técnica.

Borde plano el tallado es similar a los petroglifos antiguos o incluso a un dibujo primitivo en la arena costera densa, caracterizado por el hecho de que las composiciones de diversa complejidad se cortan (eliminan) mediante técnicas y métodos especiales del plano de una pieza de madera, cuyas áreas vírgenes son así el fondo para tallar. Dependiendo de la forma de los huecos y la naturaleza del patrón, los hilos con muescas planas pueden ser geométricos o de contorno.

Talla geométrica en esencia, estos son huecos en forma de cuña que se repiten en una determinada composición, que puede variar en tamaño, profundidad y geometría de los ángulos en los que se hace el hueco. Las diferencias también pueden estar en el número de caras de cada hueco. Los más comunes son los huecos de dos y tres lados. Con menos frecuencia, se utilizan huecos tetraédricos, cuadrados y rectangulares. su ejecución requerirá más habilidad, aunque la técnica no es diferente a las anteriores.

hilo de contorno es un patrón lineal ornamental o de trama en el plano de una pieza de madera (artículo para el hogar), hecho en forma de cortes diédricos delgados (en forma de cuña), aplicados a la superficie a lo largo del contorno del patrón usando cortadores y varios cinceles. A diferencia del tallado geométrico, el tallado de contornos utiliza principalmente motivos pictóricos: hojas, flores, figuras de animales, pájaros, humanos, motivos arquitectónicos, objetos, muebles y artículos para el hogar. Una imagen realizada con talla de contorno parece un dibujo grabado: sus líneas de corte son rígidas, casi no hay juegos de claroscuro. El tallado de contornos se usa con mayor frecuencia en combinación con otros tipos de tallado: relieve plano geométrico, así como con pintura. A menudo, esta técnica se utiliza para hacer paneles decorativos.

Hilo volumétrico(altorrelieve o escultórica) tanto en la naturaleza de la solución plástica de la forma como en la técnica de ejecución está a la altura de la escultura. La talla en alto relieve no se usa mucho en Rusia. Un ejemplo de talla tridimensional puede ser el llamado "okhlupen", una imagen tallada con figuras de la cabeza y la parte superior del cuerpo de un caballo, un ciervo, un pájaro grande, que se cortó de un rizoma completo con un hacha y se colocó en el cresta del techo sobre el frontón.

tallado en relieve. En la talla en relieve plano, el patrón se profundiza en el grosor del tablero, se caracteriza por el hecho de que la imagen tallada está en el mismo plano que el fondo del tablero. Un adorno hecho con la técnica de tallado en relieve plano también se puede usar en la técnica de aserrado. El tallado en relieve plano tiene varias variedades: tallado con contornos ovalados (ovalados o "colmados"), tallado con un fondo de almohada, tallado con un fondo seleccionado (seleccionado), factura calada y con un fondo eliminado. Una característica común para todos los tipos de esta talla es un bajo relieve condicional ubicado en un plano al nivel de la superficie decorada.

hilo básico. Su característica principal es que los recortes (rebajes) no se realizan con un cincel recto, sino con un cincel semicircular. Cada poda se realiza en dos pasos: primero, poda en ángulo recto, luego en ángulo agudo, cuyo valor está determinado por la naturaleza del patrón.

Hilo de sierra- un tipo de procesamiento de madera decorativa, en el que los patrones delineados en una superficie plana se cortan con una sierra de vaivén o sierra circular. En la talla aserrada, la decoración se logra mediante una malla calada. El tallado en sierra es una continuación del tallado en relieve plano. También el hilo de sierra es una especie de hilo ranurado. Los conceptos básicos de la talla aserrada son un adorno plano a través. El motivo más común es el rizo en S con extremos retorcidos.

Hilo ranurado. En el tallado ranurado, se usa con mayor frecuencia un adorno plano. Una característica del adorno para el tallado ranurado: los elementos del hilo, sin fondo, deben estar en contacto entre sí y con el marco. Si los elementos del patrón tienen diferentes alturas, se llama calado. En el tallado ranurado, las áreas del fondo que se eliminan son de tamaño insignificante, pero de forma muy hermosa y crean su propio patrón asociado con el adorno tallado. En la técnica de esta talla se utilizan grandes cortes de madera. El relieve que sobresale del ornamento tallado destaca sobre el fondo de madera. La diferencia entre una rosca ranurada y una rosca de sierra está en el método de obtención de las piezas de deserción. En un hilo ranurado, la malla se forma con un cortador, en un hilo de sierra, con una sierra helicoidal, es decir. el muestreo con un cortador se reemplaza por el aserrado.

escultura del bosque. La escultura forestal se refiere a hallazgos procesados hechos de material forestal obsoleto o condenado a perecer utilizando su plasticidad, textura y textura naturales. La idea de la imagen la sugiere el propio hallazgo. La característica principal de la escultura forestal es su singularidad.

La naturaleza no puede repetir la misma curva en las ramas y raíces de los árboles y, por lo tanto, una persona no puede hacer dos esculturas de bosque idénticas a partir de hallazgos naturales. Solo se puede repetir el tema, la idea, pero en ningún caso se puede repetir la obra. Esta es su ventaja. El autor, por otro lado, invade el material con mucho cuidado: primero, libera la pieza de trabajo de la corteza, la limpia y le da estabilidad. Ligeramente “ayuda” a la naturaleza a revelar la imagen que ha creado.

1.2. Costura

tejido de vid- artesanía tradicional rusa. A partir de ramitas, ramas, enredaderas, totora e incluso maíz, los artesanos fabrican fácilmente muchas cosas útiles y hermosas: desde cestas de setas hasta setos calados hechos de maleza, que todo cosaco que se precie usaba para cercar la casa en los viejos tiempos.

Entre los principales métodos de tejido se pueden distinguir el tejido directo,

cuerda, bordes, calados y decoración de cenefas.

tejido recto. Este es uno de los tipos de tejido más famosos, que se utiliza en la fabricación de la parte inferior, las paredes y la parte superior de la mayoría de los productos. Muy a menudo se llama "trenza". Con la ayuda del tejido directo, puede completar fácil y rápidamente cualquier parte del producto, especialmente si, al menos un poco, logró conocerlo. Esta es la base de cualquier producto y el componente de conexión de sus partes constituyentes, esto es lo que da y mantiene la forma de cualquier cosa de mimbre, algo de lo que ningún tejedor podría prescindir, este es el comienzo del camino hacia la maestría.

tejido sencillo. El tejido liso se usa para hacer mimbre.

muebles. La varilla trenzada se pasa a través de un espacio de acuerdo con el esquema "antes

elevador, detrás del elevador. El tejido simple se puede hacer con una o varias varillas a la vez.

Araña calada. El calado se teje con un tejido simple de ramitas delgadas.

Se insertan ramitas delgadas de 15-20 cm de largo en el lugar previsto en el anterior

tejido y trenzado con 3-4 filas de 2-6 bastidores. Consigue tejer un cuadrado

mi. A partir de ellos se forma una "araña".

1.3. Cerámica, alfarería

El término "cerámica" incluye toda clase de productos domésticos o artísticos elaborados con arcilla o mezclas que la contengan, cocidos en horno o secados al sol. La cerámica incluye cerámica, terracota, mayólica, loza, masa de piedra, porcelana. Loza - jarras, cuencos, platos, cantimploras, ollas, así como juguetes son los productos más típicos de la producción de cerámica popular.

Vajilla de cerámica- Utensilios hechos de barro cocido. Según el método de fabricación, los platos se dividen en hechos a mano y hechos en un torno de alfarero.

rueda de alfarero- una máquina para moldear productos cerámicos. Inicialmente, el maestro realizaba la rotación del círculo sobre el eje vertical con la mano izquierda. Posteriormente, la rueda del alfarero comenzó a moverse con la ayuda de las piernas, lo que permitió liberar las manos del maestro y mejorar la calidad de los productos. Uno de los métodos más antiguos para decorar platos es el bruñido. Cuando se "pule", la superficie del producto se frota hasta obtener un brillo de espejo con una piedra desnuda, una piedra, una cuchara de acero, un vial de vidrio. Al mismo tiempo, el pulido densifica la superficie de la vasija, haciéndola menos permeable al agua y más duradera. Al mismo tiempo, la capa superior de arcilla se compacta, se vuelve más duradera y pasa menos agua. Este método fácil en los viejos tiempos incluso reemplazó el acristalamiento que requería más mano de obra.

Hay cerámica pulida roja y negra. El primero es el color natural de la arcilla de cerámica roja. El segundo es humeante, quemado en una llama humeante sin oxígeno. Al final de la cocción, se colocaron madera de pino resinoso, trapos innecesarios, estiércol húmedo y hierba en el horno del alfarero; en una palabra, todo de lo que salió un espeso humo negro. Después de languidecer, las vasijas recibieron un color negro intenso. Sobre un fondo negro aterciopelado, los patrones brillaban azulados.

con un brillo de acero, por lo que estos platos se llamaban popularmente "blues".

arcilla refractaria- arcilla refractaria (caolín), cocida hasta la pérdida de plasticidad y

llevado a cierto grado de sinterización. En la práctica de la cerámica artística, la chamota a menudo se denomina productos cocidos terminados de esta masa:

jarrones de arcilla refractaria.

Porcelana- es un tipo especial de cerámica, impermeable al agua

y gasolina Es translúcido en una capa delgada. Con un ligero golpe con un palo de madera.

produce un sonido alto y claro. Según la forma y el grosor del producto, el tono

Puede ser diferente.

Por lo general, la porcelana se obtiene mediante la cocción a alta temperatura de partículas finamente dispersas.

mezclas de caolín, cuarzo, feldespato y arcilla plástica (dicha porcelana se llama feldespato).

Loza- Son productos densos, finamente porosos, generalmente blancos. Por

la composición de loza difiere de la porcelana en la mayor presencia de arcilla y menos

el número de componentes diferentes: caolín, cuarzo, etc. Se reduce

su transparencia (vidriosidad).

plastico pequeño o escultura de formas pequeñas - un tipo de escultura de caballete,

caracterizada por su pequeño tamaño. Utiliza una amplia variedad de materiales: piedra, arcilla, metal, porcelana, vidrio, piedras semipreciosas y preciosas, etc. Los artículos pequeños de plástico incluyen artículos como un juguete de arcilla, una de las manifestaciones más brillantes de la cultura rusa. De generación en generación se transmiten las tradiciones de la artesanía y el arte de los juguetes, se transmiten entre la gente ideas sobre la vida, el trabajo y la belleza. El juguete está cerca del folclore, crea un sentido de las peculiaridades del arte popular nacional ruso.

1.4. Bordado

Bordado- uno de los tipos más comunes de arte popular. La ornamentación del bordado popular tiene sus raíces en la antigüedad. Conservó rastros de la época en que la gente espiritualizaba la naturaleza circundante. Bordando imágenes del sol, el árbol de la vida, pájaros, una figura femenina en ropa y artículos para el hogar, creían que al hacerlo traerían prosperidad a la casa.

Punto de cruz- uno de los tipos de bordado más antiguos y al mismo tiempo más simples, y la cruz contada es una de las técnicas de bordado más antiguas y simples. La cruz de conteo está hecha en un tipo especial de tela. En el punto de cruz moderno, la base del bordado es el lienzo. Este es un lienzo especialmente trabajado en la fábrica, marcado en una jaula de tal manera que cada celda del lienzo es un lugar para dibujar una cruz con hilos.

extensión- Este es un tipo de bordado en el que la forma del patrón está cubierta con puntadas densas. En el bordado popular, hay muchas variedades de puntadas de satén, pero todas se pueden dividir en dos grandes grupos: puntadas de satén de doble cara, en las que el fondo del patrón en la imagen está cubierto con puntadas desde el frente y reversos, y de un solo lado, en los que el anverso del bordado es muy diferente al

puntilla.

También hay superficie nodular, en el que todo el patrón está cosido con nudos simples con una infusión de tonos. La mayoría de las veces, la superficie anudada se usa como una adición decorativa a una amplia variedad de bordados. Por lo tanto, cuando se trabaja con costuras simples o punto satinado, los elementos individuales (por ejemplo, núcleos de flores, estambres, hojas, tallos o troncos de árboles) se bordan con diferentes costuras anudadas.

Bordado de cuerdas- para dibujar o dibujar una imagen con un hilo, los gráficos de hilo son la creación de una imagen con un hilo sobre una base sólida, papel, cartón, CD.

richelieu- uno de los más difíciles de realizar, pero al mismo tiempo - increíble

hermosos tipos de bordado, que es un tejido calado en el que los hilos se combinan con el tono de la tela. La técnica obtuvo su nombre gracias a un fanático de las bufandas de encaje: el cardenal francés Richelieu. El bordado calado se utiliza principalmente para decorar ropa de mesa y de cama, cuellos, volantes y pañuelos de telas finas. El bordado tiene varias variedades en el diseño de puentes, en el diseño del patrón en sí y en presencia de cortes adicionales. El contorno del patrón en todos los tipos de bordado se realiza con un "bucle" o, como solía llamarse, una costura "festoneada".

bordado de oro llamado bordado con hilos metálicos de color dorado y plateado. Hasta el siglo XI, en este tipo de costura se utilizaba oro trefilado.

y plata Los bordados se realizaban con un hilo de metal en un accesorio, es decir, se superponía un hilo de metal a la tela, mientras que un hilo de lino o seda cosía sobre un hilo de metal. Las puntadas paralelas estrechamente espaciadas crearon una superficie lisa y brillante. El efecto del bordado dorado consistía en el juego de luces y sombras de los hilos metálicos. Si desea crear un patrón convexo, coloque papel o algodón. La riqueza del bordado en oro lo convirtió en el método principal para terminar los artículos de la iglesia.

Trabajo de perlas. Desde la antigüedad, las artesanas rusas han admirado sus magníficas habilidades de bordado, primero con perlas, luego, desde mediados del siglo XVII, con cuentas de vidrio de colores. La ropa estaba decorada con cornetas, se bordaban imágenes que representaban varios paisajes, iglesias, íconos, etc.. En nuestro tiempo, el trabajo con cuentas ha vuelto a ser popular. Los elementos de cuentas se utilizan en la decoración de la ropa, lo que le da un aspecto original y elegante. Muchos estilos de moda no están completos sin joyas con cuentas. El bordado de imágenes con cuentas, que representan flores, pájaros y animales, es muy popular.

bordado de cinta de seda- un tipo de costura artística, un cierto

un método de bordar un patrón en un lienzo de varias densidades utilizando una aguja y cintas de seda de colores. El bordado de cintas de seda se usa ampliamente en la creación de pinturas de arte originales. Además, es el atributo principal en el diseño de ceremonias solemnes y festividades: el vestido de novia de la novia está bordado con cintas y volantes,

bolsos, pañuelos, servilletas y manteles en las mesas.

1.5. técnica de patchwork

remiendo (remiendo) - un tipo de costura en el que, de acuerdo con el principio del mosaico, se cose un producto completo a partir de piezas de tela multicolores y coloridas (parches) con un patrón determinado. En el proceso de trabajo, se crea un lienzo con un nuevo esquema de color, patrón y, a veces, textura. La técnica de patchwork se ha utilizado durante mucho tiempo en Rusia, en particular, para la fabricación de colchas de patchwork acolchadas. Los maestros modernos también actúan en la técnica.

composiciones volumétrico-espaciales de patchwork.

Edredón loco- una mezcla de técnicas de costura y bordado, donde se pueden utilizar tiras de varias formas, tamaños y colores, cintas,

encajes, botones, abalorios, diversas formas de bordar con cualquier cosa: hilos, cintas de seda y mucho más. Todo un vuelo de fantasía. Compatible con incompatible.

Acolchado. Si bien existen innumerables variaciones de acolchado entre culturas y culturas, todas se basan en la misma técnica: se acolchan dos o más capas de tela con costuras de acolchado, lo que da como resultado una pieza decorativa. A elección de la costurera, el acolchado puede ser simple o complejo, puede hacerse manualmente o con una máquina de coser; en cualquier caso, da lugar a la imaginación y la experimentación. Los patrones en esta técnica están hechos con pequeñas puntadas "hacia adelante la aguja". Los hilos multicolores le permiten enfatizar el elemento central.

Decora y crea bordes increíbles.

1.6. Juguete textil popular

Desde la antigüedad, una muñeca de trapo ha sido un juguete tradicional del pueblo ruso.

Los adultos animaban a jugar con muñecas, porque. jugando con ellos, el niño aprendió a administrar el hogar, adquirió la imagen de una familia. La muñeca no era solo un juguete, sino un símbolo de procreación, una garantía de felicidad familiar. Acompañaba a una persona desde el nacimiento hasta la muerte y era un atributo indispensable de cualquier fiesta.

Ahora se conocen más de 90 tipos de muñecas. Muñeca de trapo popular

no sólo un juguete, tenía una función determinada: se creía que

tal muñeca protege el sueño de los niños y protege al niño de las fuerzas del mal. A menudo una muñeca

hecho sin rostro. Según creencias antiguas, en una muñeca sin rostro (es decir, sin alma)

los malos espíritus pueden vivir. Según su propósito, las muñecas se dividen en tres

grandes grupos: muñecos - amuletos, juego y ritual.

Muñecas - amuletos

Encanto: un amuleto o un hechizo mágico que salva a una persona de varios

peligros, así como el tema sobre el cual se ha dicho el hechizo y que es

sentarse en el cuerpo como un talismán.

Bereginya es un ejemplo de una muñeca amuleto, un símbolo de lo femenino. Beregin

no puedes pinchar con una aguja (cosiendo las solapas juntas), no puedes dibujar una cara. Si el amuleto está destinado a un niño pequeño, entonces la tela no se corta con tijeras, sino que se rasga a mano. La singularidad de la fabricación de Beregini radica en el hecho de que

que las aletas que lo componen están interconectadas con la ayuda de

nudos e hilos.

jugar a las muñecas destinados al disfrute de los niños. fueron divididos en

cosido y doblado. Las muñecas enrolladas se hicieron sin aguja e hilo. Una gruesa capa de tela se enrollaba alrededor de un palo de madera y luego se ataba con una cuerda. Luego se ató una cabeza con asas a este palo y se vistió con ropa elegante.

muñecas rituales tenía un propósito ritual y simbolizaba la fertilidad y la prosperidad (muñeca "Vepskaya" - repollo, rvanka). La muñeca ritual de múltiples brazos "Diez brazos" estaba destinada a ayudar a las niñas a preparar su dote y a las mujeres en diversas actividades, como tejer, coser, bordar, tejer, etc. Doll "Kupavka" es una muñeca ritual de un día.

"Kupavka" personificó el comienzo del baño. La muñeca ritual "Carnaval" estaba hecha de paja o estopa, pero siempre se usaba madera, delgada

tronco de abedul. La paja, como la madera, personificaba el poder exuberante de la vegetación.

La ropa de la muñeca debe tener un patrón floral. Estaba fijado en una cruz de madera.

1.7. traje folklórico

traje folklórico es un invaluable patrimonio inalienable de la cultura de los pueblos, acumulado a lo largo de los siglos. El traje popular no es solo un original brillante.

elemento de cultura, sino también una síntesis de varios tipos de arte decorativo. El traje popular es una especie de crónica de la vida de las personas. Este vínculo conecta firmemente el pasado artístico del pueblo con el presente y el futuro. Y no es tan importante si se usa en forma de trajes de escenario de grupos folclóricos o en la decoración de una colección de juguetes populares.

1.8. tejido, tapicería

El arte de tejer es el tipo más antiguo de artes y oficios.

tejido estampado. En el tejido estampado ruso, los tipos de tejido como hipoteca, roto, electivo, clasificado, eje estaban muy extendidos. . Según los tipos de tejido y las características estilísticas del adorno, se destaca

tejido del norte de Rusia, que incluye las regiones de Arkhangelsk, Vologda, Pskov, Novgorod.

Tapiz- uno de los tipos de artes y oficios, una alfombra de pared sin pelusa con una trama o composición ornamental, tejida a mano con un tejido cruzado de hilos. Los tapices se tejen con hilos de seda y/o lana de colores en partes separadas, que luego se cosen juntas (a menudo con puntos de color separados).

tejido de alfombras. Según la técnica de ejecución, las alfombras se dividen en alfombra y pelo. El tejido de alfombras es típico de las regiones del centro de Rusia: Voronezh, Belgorod y especialmente las regiones de Kursk.

1.9. Batik

Batik es un nombre generalizado para una variedad de formas de pintar a mano varias telas. En el corazón de todas estas técnicas, a excepción de la tecnología

pintura graduada libre, es el principio de reserva, es decir

recubrimiento con una composición resistente a la pintura de aquellos lugares de la tela que deben permanecer sin pintar y formar un patrón. Hay varias tecnicas

batik, cada uno es diferente en el grado de complejidad, el efecto de la imagen resultante, los materiales y técnicas que se utilizan para pintar la tela.

batik caliente- la más antigua y compleja de todas las técnicas de pintura textil. El trabajo aquí se lleva a cabo con cera fundida al fuego (y por lo tanto a temperatura caliente) (la mayoría de las veces), parafina, estearina o una mezcla de ellos. Se aplican rápidamente a la tela con un cepillo de cerdas especial o una herramienta especial para aplicar un contorno de cera derretida. Una vez que el trabajo está listo, la cera se quita de la tela con una plancha caliente y una pila de periódicos viejos.

batik frio- con la técnica del batik frío, el papel de la cera se realiza mediante contornos especiales y reservas para batik, que se pueden comprar en cualquier tienda de artículos de arte. El hecho de que no sea necesario calentar sustancias, grabar la cera y volver a aplicarla, facilita enormemente la tecnología de pintura sobre tela. La reserva fría se puede aplicar con tubos de vidrio especiales para batik.

batik anudado - llamado un tipo antiguo de diseño de tela. el significado de eso

simple: los nudos se atan en la tela (al azar o de acuerdo con un cierto

dibujo) con un hilo. Puedes crear dibujos usando

material hecho a mano - botones, guijarros, bolas redondas. Lo principal que

el objeto no tenía miedo de la alta temperatura, porque estaba atado con

hilo apretado, hervirá en agua con una solución de tinte.

Aspecto especialmente hermoso en la técnica de batik nodular Camisetas, vestidos,

manteles, servilletas.

pintura gratis – esta técnica de batik muestra especialmente el talento del artista, aquí no se puede crear un dibujo de acuerdo con una plantilla ya hecha. Se crea una singularidad individual de la obra. Básicamente, la pintura libre se practica utilizando colorantes de anilina o pinturas al óleo con disolventes especiales.

1.10. cuentas

La costura con cuentas existe desde hace mucho tiempo y guarda sus secretos, a saber: cómo están hechos de pequeñas cuentas, cuentas, productos que son únicos en belleza. A pedido del maestro, cuentas, cuentas y lentejuelas se convierten en hermosas flores, joyas elegantes, collares o árboles inusuales de las formas más extrañas.

Tejiendo "cruces" ( o cuadrados) ha sido conocido y popular durante bastante tiempo. Con él, se crean colgantes, collares, cinturones y pulseras, servilletas de pedrería. Los productos parecen una gruesa cuadrícula de cruces. Este tipo de tejido requiere bastante habilidad y paciencia.

técnica de tejido panales bastante complejo y raro. Se realiza con dos agujas. El producto consta de hexágonos regulares y parece un lienzo de muchas flores.

Tejido de hilos múltiples- Se ha utilizado desde la antigüedad. Los arneses se tejían de esta manera, conectando hilos largos con cuentas ensartadas en un orden predeterminado. Para tejer de esta manera, debe tener un trabajo

un lugar con un gran plano libre para que los hilos con cuentas no se enreden.

Técnica de mosaico- el método de tejido más denso. Las cuentas están dispuestas en filas, compensadas como ladrillos. Este tejido se usa para hacer joyas y accesorios: pulseras, collares.

tejido de malla- una forma muy común de trenzar vasijas, hacer huevos de Pascua, así como collares de cuentas, cubiertas. con cuentas

las cubiertas hechas de malla con celdas pequeñas mantienen su forma perfectamente, y los cuellos de cuentas de encaje hechos de malla gruesa se ajustan muy bien al vestido.

También puedes hacer collares, cinturones y diversas joyas con esta técnica.

El tejido de malla se realiza principalmente en un hilo.

Técnica tejido paralelo se realiza con mayor frecuencia en un cable. Real academia de bellas artes-

el bot está sostenido por ambos extremos del cable (hilo) uno hacia el otro en cada fila. Esta técnica se utiliza para hacer hojas y pétalos para flores con cuentas, así como varios elementos de figuras tridimensionales con cuentas.

tejido volumétrico- apareció relativamente recientemente y se está desarrollando activamente. DE

utilizando esta técnica, se fabrican varios arneses: redondos y cuadrados,

denso y calado, con la inclusión de recortes y cuentas de vidrio, voluminosos collares, bolas,

flores, copos de nieve, diversas figuras de animales, mariposas, etc.

1.11 Encaje

El encaje se produce de varias maneras: tejiendo, tricotando,

bordado, tejido, etc.

encaje de mano- Esta es una tela de malla estampada, que es una obra de arte y artesanía. En la actualidad, las mejores tradiciones de encaje popular están siendo desarrolladas por encajeros en las regiones de Vologda, Lipetsk, Kirov, Ryazan, Leningrado y Arkhangelsk. Para la fabricación de encajes y productos de encaje, algodón blanco o brillante, lino blanqueado y áspero, en un volumen pequeño, se utilizan hilos de seda, lana, nailon, hilo de diferentes números. Para prendas elegantes se utilizan hilos metálicos.

en bobinas el encaje se teje de acuerdo con patrones especiales: la artesana clasifica las bobinas con bobinas en un orden determinado, realizando intrincados patrones de encaje. Los encajes hechos a mano y los productos de encaje se clasifican según el propósito, el material, la naturaleza de los patrones y la artesanía popular.

Encaje- Esta es una técnica de tejido de encaje a mano utilizando lanzaderas especiales. El encaje frivolité se utiliza para el acabado de prendas, manteles, servilletas, colchas, etc. Los productos frivolité justifican el nombre de esta técnica de encaje ya que son realmente ligeros y casi ingrávidos.

1.12. Pintura (sobre vidrio, loza, madera)

pintura de vidrio atractivo ya porque no hace falta ser un gran artista. Y el alcance de esta técnica permite no solo crear cuadros y marcos originales al estilo de las vidrieras, sino también dar nueva vida a todos esos viejos vasos, copas, licoreras, botellas y botellas de vidrio que hay en cada hogar.

pintura de madera- Este es uno de los tipos más antiguos de arte decorativo y aplicado. Desde la antigüedad se ha valorado mucho la decoración de diversos productos de madera con pinturas de colores, y en cada casa había ciertamente varias tablas o platos pintados. Hoy en día, el interés por la pintura sobre madera está resurgiendo. Casi todo se puede decorar con pintura de madera. Pueden ser platos, varios accesorios para el hogar, ataúdes, jarrones, peines, pulseras, cuentas, aretes, juguetes. También puedes pintar muebles de madera, esculturas de madera.

Los tipos de pintura más famosos son Khokhloma, Gorodets, Polkhovmaidan.

pintura de laca. En cada oficio, la pintura de laca tiene sus propias características de ejecución, su propia tradición de decorar las cosas con adornos.

La pintura de laca Fedoskino se guió por muestras de pintura clásica rusa. De ella adoptó la técnica de la escritura multicapa con pinturas al óleo. La miniatura de Fedoskino siempre se ejecuta rodeada por un fondo negro de la caja.

La pintura de laca Palekh, siguiendo la antigua técnica de la pintura de iconos, se realiza con pinturas al temple (pigmentos de color diluidos con cola y yema de huevo). La naturaleza de la pintura muestra la continuación de las tradiciones de la pintura de iconos. Se ejecuta sobre un fondo negro.

Pintura de cerámica, loza

Cerámica Semikarakorsk. Una característica distintiva de la cerámica Semikarakorsk es que la producción utiliza un método de trabajo manual único, originalidad de formas, ingenio y poesía en la decoración. La peculiaridad de la escritura se expresa en la escritura individual, cuyo motivo es la pintura de un ramo y un adorno floral sobre un fondo de loza blanca como la nieve. La pintura de paisaje da una especial sofisticación y sofisticación a los productos. Al mismo tiempo, en el adorno se incluyen composiciones de trama de flora y fauna estilizadas del Don, provenientes del folclore cosaco.

Cerámica Gzhel. El nombre de la artesanía está asociado con la región de la región de Moscú, donde se fabrican cerámicas, azulejos y baldosas desde hace más de 8 siglos. La decoración tradicional es una pintura azul bajo vidriado sobre un fondo blanco con sombras doradas.

juguete. El juguete Dymkovo tiene rasgos característicos en la pintura. Esculpida en arcilla roja, después de la cocción se pinta con tiza diluida en leche. Las pinturas al temple están pintadas sobre un fondo blanco.

Juguete Kargopol. En el tema de las figuras de osos, caballos, ciervos, perros. Las figuras de las personas son achaparradas, rústicas y fuertes.

juguete- compensa la proporción alargada de las figuras tradicionales pintando con franjas horizontales de rojo, amarillo, verde.

Pintura decorativa sobre metal dependiendo del lugar de producción tiene sus propias características distintivas.

Bandejas pintadas Ural comenzó a producirse a principios del siglo XVIII, durante el período de desarrollo de la producción metalúrgica, también asociada a la producción de chapa de hierro.

Bandejas Zhostovo. A principios del siglo XIX. Se fabricaron bandejas en pueblos y aldeas: Zhostov, Troitsky, Novosiltsevo (región de Moscú), etc. La artesanía de Zhostovo estuvo influenciada por la pintura de los Urales, la pintura de laca Fedoskino y la pintura sobre porcelana.

CONCLUSIÓN

En este documento, hemos revisado una lista que dista mucho de ser completa.

tipos y técnicas de artes y oficios. La vida moderna dicta sus propias reglas. Con el desarrollo de nuevas tecnologías, se están realizando cambios en el proceso de elaboración de productos de artes decorativas y aplicadas, haciéndolos más interesantes y modernos. Sin embargo, cada tecnología se basa en técnicas y materiales de fabricación tradicionales.

Las creaciones de los maestros artesanos modernos sorprenden con una variedad de formas, imágenes vívidas, originalidad de ejecución, expresividad de color, plástico, soluciones compositivas, unidad de utilidad y belleza.

Por regla general, la mayoría de sus obras están hechas de materiales simples y comunes: madera, arcilla, lana, lino, etc. Pero gracias a la artesanía única y original de los artistas modernos, estas obras se valoran mucho más en términos de su mérito artístico que muchos productos hechos con materiales costosos. Es en estas obras, a primera vista, sin complicaciones, hechas de los materiales más comunes, donde se rastrean más plenamente los orígenes de la vida espiritual de las personas. Están llenos de un significado especial y un rico contenido: amabilidad, sabiduría y dignidad.

Literatura

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2. Bondarenko TV Muñecas con sus propias manos. Moscú. Editorial de polígrafo. 2009

3. Kaminskaya E.A. mosaico mágico. Moscú, 2012

4. Kanurskaya T.A., Markman L.A. Rosario. Moscú, Profizdat 2000

5. Kruglova O. Talla de madera popular rusa. Moscú, 1974

6. Mitrofanova AP Tejido de encaje en bolillos. Rostov del Don, 2000

7. Osipenko V. Tallado en madera. Moscú, Profizdat. 2006

8. Rabotnova I. encaje ruso. Leningrado 1959

9. Rafaenko V. Ya. Artes y oficios populares. Moscú. Conocimiento.

10. Troekurova T.A. Tejido de vid. Rostov del Don. 2000

11. Chernyaeva M.I. Juguete popular ruso. G. Voronezh. 2010

Arte decorativo y aplicado en la sala del Museo Ruso

¿Qué es, la antigua Rusia? ¿Con un kokoshnik y un vestido bordado con plata? ¿O tal vez en bombachos y con barba? No...
La antigua Rusia es la amplitud del alma, son interminables campos verdes, es arte popular, que aún sorprende con su complejidad y, al mismo tiempo, la simplicidad de la forma. Recuerdo la primera vez que vi la Iglesia de la Intercesión, terminada sin un solo clavo. Cúpulas ideales se elevaban armoniosamente sobre el bosque. O tal vez esto es Rusia, esa Rusia, sobre la que se escribió en los libros, que fue temida y respetada. Tal vez sea así. Sin embargo, hoy quiero presentarles la sala más interesante del Museo Ruso: la Sala de Artes Decorativas y Aplicadas.

La colección de la sala es una de las más grandes de Rusia. La exposición principal pertenece a los siglos XVII - XIX. Varias salas están destinadas a exposiciones. Aquí puede ver artículos para el hogar de la antigua Rusia, trajes populares, miniaturas artísticas y chozas decoradas increíblemente hermosas.

El traje popular femenino de esa época es una fuente inextinguible de ideas para artistas y diseñadores. Vea cuán armoniosamente se combinan los patrones, cuán elegante y al mismo tiempo modestamente se ven la camisa y el vestido de verano.

Me encantaron especialmente los tocados de comerciantes y mujeres nobles. Los kokoshniks están bordados con perlas, hilos de oro y plata, piedras preciosas. Incluso debajo de un cristal, se nota el considerable peso de estos productos. Pero el tamaño es una historia completamente diferente. En películas y producciones teatrales, los tocados de las mujeres de Rusia son bastante en miniatura en comparación con sus predecesores.

Los trajes de mujer están hechos de brocado, seda y damasco. En algún lugar han conservado motivos paganos, y en algún lugar reflejan tradiciones artísticas artesanales. Hay muchas menos túnicas de hombre en el museo. Sí, y el traje de hombre constaba de camisa, pantalón, cinturón y tocado.

Los artículos para el hogar que han sobrevivido hasta el día de hoy son de gran valor. No nos han llegado tantas artesanías de madera para la cocina, juguetes y divertidas miniaturas.

También en el Museo Ruso hay una colección de ruecas de los siglos XIX y XX. Fue creado por maestros de las provincias de San Petersburgo, Novgorod, Olonets y Arkhangelsk. Los artesanos del norte fabricaban ruecas para sus esposas e hijas. Entonces, la hija recibió la primera rueca de su padre en la infancia. La segunda rueca después del emparejamiento, y la tercera, de su esposo.

En el arte popular de Rusia hay un enfoque especial para el diseño de la casa. Los maestros intentaron crear verdaderas obras de arte utilizando una variedad de adornos artísticos.

Yesenin escribió: "... la música y la épica nacieron juntas a través del signo del árbol; nos hace pensar en esto no como un hecho accidental de una declaración mítica, sino como una representación estricta y medida de nuestros antepasados lejanos. Evidencia de esto es nuestro inexplicable y sin resolver adorno doméstico de nadie.
Todos nuestros patines en los techos, gallos en las persianas, palomas en el príncipe del porche, flores en la cama y ropa interior, junto con toallas, no son un patrón simple, esta es una gran epopeya significativa del desenlace del mundo y el destino de hombre.

Y, de hecho, las chozas rusas no son solo viviendas decoradas con patrones. Este es un verdadero almacén de conocimientos antiguos, que, a veces, no es fácil de desentrañar.

Las artes y artesanías populares son un fenómeno complejo y multifacético. Incluye una variedad de direcciones, tipos, formas. Pero todos ellos están unidos por una combinación de la conveniencia práctica de los productos con la belleza natural de su apariencia, proveniente de la naturaleza circundante (69, p. 263).

Las artes y artesanías populares son una parte integral de la cultura, influyen activamente en la formación de gustos artísticos, enriquecen el arte profesional y los medios expresivos de la estética industrial.

Artes y artesanías populares se llama arte que nos llegó desde la profundidad de los siglos, desde la profundidad de las generaciones, el arte es predominantemente colectivo, formado en el entorno popular y campesino.

Las tradiciones en el campo de las artes y artesanías populares incluyen las proporciones y formas más expresivas de los objetos seleccionados y pulidos por muchas generaciones de artesanos, su combinación de colores, la exhibición artística del entorno natural, la flora y la fauna en el ornamento, sobre la base de la cual esta cultura ornamental se formó y las habilidades se acumularon a lo largo de los siglos en la elaboración de diversos materiales naturales. De generación en generación, solo se transmitía lo que es vital, progresivo, lo que la gente necesita y es capaz de un mayor desarrollo.

En la antigua Rusia, toda la vida de las personas estaba literalmente impregnada del deseo de belleza y armonía con el entorno natural. Casa, hogar, muebles, herramientas, ropa, utensilios, juguetes: todo lo que tocaban las manos de los artesanos populares encarnaba su amor por su tierra natal y un sentido innato de la belleza, y luego los artículos domésticos ordinarios se convirtieron en obras de arte. La belleza de su forma se complementó con adornos decorativos en forma de adornos, imágenes de personas, animales, pájaros, escenas.

Desde la antigüedad, los artesanos populares utilizaron en su trabajo lo que les dio la naturaleza: madera, arcilla, hueso, hierro, lino, lana. La naturaleza siempre ha sido la principal fuente de inspiración para los artesanos. Pero, al incorporar imágenes de la naturaleza en sus obras, los maestros nunca lo copiaron literalmente. Iluminada por la fantasía popular, la realidad a veces adquiría rasgos mágicos, de cuento de hadas, en los que realidad y ficción parecían inseparables.

Es esta originalidad de las artes y artesanías populares, su expresividad y proporción únicas las que han inspirado y siguen inspirando a los artistas profesionales. Sin embargo, no todos logran comprender y repensar completamente toda su profundidad y potencial espiritual.

En las condiciones modernas, la necesidad de la gente por el arte popular, por su autenticidad y espiritualidad, está creciendo. Pero encontrar formas de preservar el arte popular, para su desarrollo fructífero, solo es posible si se comprende su esencia, creativa y espiritual, su lugar en la cultura moderna.

Las artes y artesanías populares son diversas. Estos son bordados, cerámica, barnices artísticos, tejido de alfombras, procesamiento artístico de madera, piedra, metal, hueso, cuero, etc.

Procesamiento artístico de la madera. El árbol es uno de los símbolos antiguos de Rusia. En la mitología eslava antigua, el árbol de la vida simbolizaba el universo. Las arboledas sombreadas y los bosques de robles, los misteriosos matorrales oscuros y el encaje verde claro de los bordes de los bosques han atraído a los conocedores de la belleza desde la antigüedad, despertando la energía creativa en nuestra gente. No es casualidad que la madera sea uno de los materiales naturales preferidos por los artesanos populares.

En diferentes partes de Rusia, se han desarrollado tipos originales de carpintería artística. Cada uno de ellos tiene su propia historia y características únicas.

Talla de Abramtsevo-Kudrinskaya.

florero decorativo

Bogorodsk productos están hechos de madera blanda: tilo, aliso, álamo temblón. Las principales herramientas de los artesanos populares eran un hacha, un cuchillo especial de Bogorodsk y un juego de cinceles redondos de varios tamaños. La hoja del cuchillo de Bogorodsk termina en un bisel triangular y está afilada como una navaja.

Talla Bogorodskaya. I. K. Stulov.

"Zar Dodon y el astrólogo"

A lo largo de los siglos, se han desarrollado las llamadas técnicas de tallado de volantes. Cualquier producto se corta con un cuchillo "sobre la marcha", inmediatamente limpio, rápido, preciso, sin bocetos preliminares preparados en dibujo o arcilla.

Los juguetes de Bogorodsk son interesantes no solo por tallar, sino también por su diseño original. En la mayoría de los casos, estos son juguetes con movimiento. Su héroe tradicional es el oso de Bogorodsk, un cachorro de oso inteligente y activo que actúa en compañía de un hombre.

Talla Bogorodskaya. VS Shishkin. Juguete "Bomberos"

El tipo tradicional de artes y oficios populares rusos es la fabricación de productos diseñados artísticamente a partir de corteza de abedul, corteza de abedul.

Incluso en la antigüedad, la corteza de abedul atrajo a los maestros del arte popular con su deslumbrante blancura. Cuando se procesó, la corteza de abedul conservó sus propiedades naturales: suavidad, aterciopelado, flexibilidad y una fuerza asombrosa, por lo que se usó para hacer recipientes para líquidos, leche y miel. Se sabe que en el territorio boscoso de Rusia - las provincias de Vologda, Arkhangelsk, Olonets, Vyatka, Vladimir, Nizhny Novgorod, así como en los Urales y Siberia - en las provincias de Perm, Tobolsk, la artesanía se ha desarrollado desde la antigüedad, famosa por el abedul. productos de corteza

Estos incluyen recipientes bajos y abiertos: checkmans, boxers y nabirushkas. Una parte significativa está representada por la cestería. Estos incluyen saleros, zapatos de mimbre - vados, fundas, bolsos - hombreras. Los artículos de utensilios más complejos y que consumen más tiempo son las remolachas, las cajas, el tueski.

martes

Gran Ustyug. martes A. E. Markova

cortar la corteza de abedul

Procesamiento artístico de la piedra. La especificidad del material, su dureza, resistencia, belleza y variedad de colores, determina el uso generalizado de la piedra dura en la industria de la joyería. Esta es un área especial de procesamiento artístico de piedra dura, que actualmente está muy extendida. Collares, colgantes, broches, pulseras, anillos, pendientes, horquillas: una amplia gama de productos de piedra dura.

Los artesanos que trabajan en la creación de joyas se basan en las tradiciones más ricas de este arte en Rusia. Los artistas se esfuerzan por resaltar la belleza natural de la piedra, utilizando una superficie sin facetas, en la que los tonos de color y las inclusiones naturales son especialmente visibles.

Además de las joyas, una gama bastante amplia de productos está hecha de piedra dura. Estos son pequeños jarrones decorativos, bandejas de joyería, juegos de escritorio para papelería, esculturas de animales en miniatura.

Esculpir.

LN Puzanov. Florero "Otoño" Tallado en piedra.

T.Ch. Ondar. Cabra con cabrito

Talla de hueso. El hueso es un material muy utilizado en la antigüedad.

Las artesanías artísticas para el procesamiento de huesos se han desarrollado principalmente en el Norte. El colmillo de elefante, el colmillo de mamut, el colmillo de morsa sirvieron como material para el procesamiento artístico. Los artesanos populares pudieron identificar y utilizar las notables propiedades del material para productos artísticos.

El colmillo de mamut tiene un hermoso tono amarillento y una textura en forma de malla en miniatura. Debido a su dureza, tamaño impresionante y hermoso color, es adecuado para crear una variedad de productos artísticos. De él puedes hacer jarrones, tazas, esculturas decorativas de mesa, productos con tallas caladas.

Colmillo de morsa - un hermoso material blanco-amarillo.Se utilizó para crear esculturas en miniatura, varios productos con calado y tallado en relieve, así como para grabar. Además de estos tipos principales de huesos, se utiliza un hueso animal simple, un tarso, así como un cuerno de ganado, para crear productos artísticos. Si bien, después de blanquear y desengrasar, un simple hueso animal se vuelve blanco, no tiene esas propiedades, belleza, color y dureza que tienen los colmillos de morsa y mamut.

Talla de hueso Kholmogory. Florero decorativo "Primavera". Hueso de morsa. tallado calado

Hueso tallado.

LI Teyutin. "Matanza de morsas en una colonia"

Hueso tallado. Caja de rapé de mesa

"Sobre Tony", 1976. A.V. leontief

Hueso tallado.

N. Kililo.

familia de osos

Procesamiento artístico de metales tiene antiguas tradiciones. El surgimiento de centros de procesamiento de metales de arte en un área particular se debió a una serie de razones históricas, geográficas y económicas.

negro ruso. Pie. siglo 17 Armerías

pos. Mstyora.

Jarrón de dulces.

Cobre, filigrana, plateado

Cerámica popular. Cerámica: varios artículos hechos de arcilla cocida. Están hechos por alfareros. Dondequiera que había reservas naturales de arcilla apta para el procesamiento, los maestros alfareros fabricaban cuencos, jarros, platos, cantimploras y otros artículos muy utilizados en la vida cotidiana por personas de diversas formas y decoración.

Cerámica Skopinsky. Jarra.

Último cuarto del siglo XIX

Cerámica Gzhel. En Gzhel, región de Moscú, existe desde hace mucho tiempo la producción de productos cerámicos, a la que se dedicaba casi toda la población de las aldeas locales.

Ya en el siglo XVII. Los artesanos de Gzhel eran famosos por su cerámica y la arcilla que usaban era de alta calidad.

A mediados del siglo XVIII, los maestros de Gzhel comenzaron a producir productos utilizando la técnica de mayólica, pintada sobre esmalte en bruto. Platos, kvas, jarras que decoraron con una elegante pintura de tonos verdes, amarillos y morados. Representaban flores, árboles, arquitectura, escenas completas de la trama.

Los recipientes también estaban decorados con esculturas: figuras humanas, pájaros, animales transferidos condicionalmente. La escultura se hizo por separado.

Cerámica. AI. Rozhko.

Kvas en dos pájaros Cerámica. ZV Okulova. juego de tetera

Tejido de encaje. El encaje tejido a mano ruso se conoce en la historia de nuestra artesanía popular desde finales del siglo 18. El tejido de encaje hecho a mano surgió y tomó forma inmediatamente como una artesanía popular, sin pasar por la etapa de artesanía casera. El encaje de Europa occidental comenzó a penetrar en Rusia en la segunda mitad del siglo XVII y principios del XVIII; servía como adorno para la ropa de nobles y terratenientes. Con la difusión de la moda de los encajes y los adornos de encaje, muchos nobles establecieron talleres de elaboración de encajes para siervos. Los primeros encajes, que datan del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX, a menudo se hacían con hilos de oro y plata con la adición de perlas. .

Encaje de Vólogda

Puntilla Yelets

Bordado- uno de los tipos más antiguos de arte aplicado. Este arte se originó en la antigüedad y se transmitió de generación en generación. A lo largo de los siglos, el círculo tradicional de patrones, la naturaleza de los colores se desarrolló gradualmente y se desarrollaron numerosas técnicas para bordar.

El bordado popular se realizó sin un dibujo preliminar. Las bordadoras se sabían de memoria sus patrones, asimilándolos y memorizándolos además de dominar el proceso mismo de ejecución. Los principales patrones tradicionales característicos de cada localidad han llegado hasta nuestros días (69, pp. 263-304).

bordado de mstiora

Bordado de Ivanovo Bordado en punto de cruz

Introducción.

1. Artes y oficios populares y su lugar en el jardín de infancia.

2. Características de las artesanías.

3. Familiarización de los niños con el arte popular y la enseñanza del modelado decorativo en diferentes grupos de edad.

Conclusión.

Literatura.

Introducción

Las artes y artesanías populares de nuestro país son una parte integral de la cultura. La emotividad, la imaginería poética de este arte son cercanas, comprensibles y queridas por las personas. Como todo gran arte, fomenta una actitud sensible hacia la belleza y contribuye a la formación de una personalidad armónicamente desarrollada. Basado en profundas tradiciones artísticas, el arte popular entra en la vida y cultura de nuestro pueblo, tiene un efecto benéfico en la formación de una persona del futuro. Las obras artísticas creadas por artesanos populares siempre reflejan el amor por su tierra natal, la capacidad de ver y comprender el mundo que les rodea.

Las artes y artesanías populares, uno de los medios de educación estética, ayudan a formar un gusto artístico, enseñan a los niños a ver y comprender la belleza en la vida que nos rodea y en el arte. El arte popular tiene un contenido nacional, por lo tanto, puede influir activamente en el desarrollo espiritual de una persona, la formación de sentimientos patrióticos en un niño.

Cada vez más, las obras de arte y artesanía penetran en la vida de las personas, creando un ambiente estéticamente completo que determina el potencial creativo del individuo. La familiarización de los niños en edad preescolar con el arte popular se lleva a cabo mediante la creación de un hermoso interior de jardín de infantes, una sala de grupo, cuyo diseño incluye obras de arte popular. Por lo tanto, el papel de los jardines de infancia es grande, donde se está trabajando con éxito para familiarizar a los niños con ejemplos de arte popular. También se le da un lugar importante al modelado decorativo. El maestro les cuenta a los niños sobre los objetos del arte popular, enseña las técnicas de modelado decorativo.

Pero para llevar a cabo con éxito dicho trabajo, el maestro debe estar familiarizado con las artesanías populares, debe conocer y comprender el arte popular, conocer la metodología para enseñar a los niños el modelado decorativo.

1. Artes y oficios populares y su lugar en el jardín de infancia.

En la cultura contemporánea, el arte popular sigue vivo en sus formas tradicionales. Gracias a ello, los productos de los artesanos populares conservan sus características estables y son percibidos como portadores de una cultura artística integral. Los objetos de arte popular son diversos. Estos pueden ser juguetes hechos de madera, arcilla, platos, alfombras, encajes, miniaturas lacadas, etc. Cada producto lleva bondad, alegría, fantasía, cautivando tanto a niños como a adultos.

El arte popular siempre es entendido y amado por todos. Desde la antigüedad, a las personas les ha gustado decorar sus hogares con alfombras, bandejas pintadas y ataúdes, porque el arte popular lleva el calor de las manos del maestro, una comprensión sutil de la naturaleza, la capacidad de hacerlo de manera simple, pero con un gran talento para la forma y el color. , seleccionan para sus productos sólo lo necesario, lo verdaderamente bello. Se eliminan muestras fallidas, solo valiosas, grandes, provenientes de las profundidades del alma. El arte popular es valioso porque cada vez que crea lo mismo, el maestro introduce algo nuevo en el patrón y la forma no puede resultar exactamente igual. El artesano popular crea varios productos. Estos son saleros con pintura de Khokhloma, paneras y platos pintados de Gorodets.

El arte popular es propiedad no solo de los adultos, sino también de los niños que juegan con entusiasmo tanto con muñecas de madera como con figuritas de arcilla de los maestros de Kirov. A los niños les gustan los ataúdes de juguetes de Bogorodsk y los juguetes de Kargopol. Las cucharas de madera, las cestas de mimbre, las mitades de patchwork y otros artículos de artesanos populares tienen una demanda especial. El arte popular es figurativo, colorido, original en su diseño. Es accesible a la percepción de los niños, ya que tiene un contenido comprensible, que específicamente, en formas simples y concisas, revela al niño la belleza y el encanto del mundo que lo rodea. Estas son imágenes fabulosas de animales, siempre familiares para los niños, hechas de madera o arcilla. Los adornos utilizados por los artesanos populares para pintar juguetes y platos incluyen flores, bayas, hojas que el niño encuentra en el bosque, en el campo, en el jardín de infancia. Entonces, los maestros de la pintura de Khokhloma hacen hábilmente adornos de hojas, bayas de viburnum, frambuesas, arándanos. Los artesanos de Gorodets crean sus adornos a partir de hojas y grandes flores de leotardos, rosas silvestres y rosas. Los maestros de juguetes de arcilla pintan sus productos con mayor frecuencia con adornos geométricos: anillos, rayas, círculos, que también son comprensibles para los niños pequeños.Todos estos productos, tanto de madera como de arcilla, se utilizan en jardines de infancia no solo para decorar el interior de la habitación. Bajo la guía de un maestro, los niños los examinan cuidadosamente, dibujan y moldean de acuerdo con muestras de productos populares.

El DPI de las personas debe ingresar a la vida del jardín de infantes, deleitando a los niños, expandiendo sus conceptos e ideas, cultivando el gusto artístico. Los jardines de infancia deben tener una cantidad suficiente de elementos de arte popular. Esto permitirá decorar los interiores de grupos y otras habitaciones, reemplazando de vez en cuando un elemento por otro. Los productos artísticos se muestran a los niños durante conversaciones sobre artesanos y se utilizan en el aula. Todos los elementos del DPI deben almacenarse en los gabinetes de la oficina pedagógica. Se distribuyen artesanalmente y se reponen constantemente con nuevos artículos. Para los niños de los grupos más pequeños, debe tener juguetes de madera cincelados, juguetes divertidos de los maestros de Bogorodsk, productos de los artesanos de Kargopol. Para el grupo medio, debe tener juguetes Semyonov, Filimonov y Kargopol, pájaros pintados de Torzhok. Para los niños de los grupos mayores y preparatorios para la escuela, está disponible cualquier juguete popular, de arcilla y de madera.

El modelado decorativo en una institución preescolar es la creación de platos, platos decorativos, varias figuras sobre el tema de los juguetes populares por parte de los niños. Además, está disponible para que los niños hagan pequeños adornos (cuentas, broches para muñecas), souvenirs para mamás, abuelas, hermanas por su cumpleaños, por la festividad del 8 de marzo. Las habilidades adquiridas por los niños durante las lecciones de modelado decorativo pueden ser utilizadas por ellos al crear otros tipos de trabajos de estuco, lo que hace que los productos sean más expresivos.

Bajo la influencia de los objetos de arte popular, los niños perciben las ilustraciones de los cuentos populares rusos más profundamente y con gran interés. Los juguetes populares con sus ricos temas influyen en la idea del niño durante el modelado, enriqueciendo la idea del mundo que lo rodea. Las clases con el uso de artículos de arte popular ayudan a desarrollar la actividad mental del niño. Sin embargo, todo esto es posible solo si se lleva a cabo una introducción sistemática y sistemática de los niños a los objetos de arte y artesanía, como resultado de lo cual los niños crean sus propias obras decorativas: juguetes, platos, platos decorados con adornos como azulejos. Los objetos de arte aplicado de los pueblos de Rusia pueden convertirse en un material valioso no solo para el arte, sino también para la educación integral de cada niño.

El deseo de los niños de crear objetos hermosos, decorarlos depende en gran medida del interés y la actitud del educador hacia este trabajo. El educador necesita conocer las artesanías populares, la historia de su aparición, a qué artesanía popular pertenece este o aquel juguete, poder hablar sobre los maestros que fabrican estos juguetes y contarlo de una manera emocionante para interesar a los niños, despertar en ellos un deseo de creatividad.

2. Características de las artesanías

Considere los artículos de artes y oficios populares que se pueden usar en el jardín de infantes.

JUGUETE DYMKOVO

Los productos de los artesanos de Kirov sorprenden con su forma plástica, proporciones especiales, patrón inusual en términos de brillo. A todos les gustan las muñecas animadas, festivas, magníficas en estuco y pintura de lady-francihi, cabras, ponis, gallos con colas brillantes. La industria se originó en un pasado lejano. La primera descripción de los juguetes Dymkovo se remonta a 1811. Su autor es Nikolai Zakharovich Khitrovo. La descripción habla de la fiesta popular de Vyatka: "Danza del piano", durante la cual se vendieron muñecos de arcilla pintados con un patrón dorado. Los juguetes de arcilla se vendieron no solo en Vyatka. Se vendían en ferias de condado y bazares, se enviaban a otras provincias. Antes de la revolución, los artesanos trabajaban solos y en familia en el pueblo de Dymkovo. Cavaron arcilla, la mezclaron con arena, la amasaron primero con los pies y luego con las manos. Los productos se quemaron en hornos rusos y luego se pintaron. Mujeres y niños participaron en este trabajo.

La fábrica donde ahora se fabrican los juguetes Dymkovo se encuentra en la ciudad de Kirov. Conocidos maestros famosos de A.A. trabajan aquí. Mazurina, E. Z. Koshkina, Z. V. Penkin, quienes, manteniendo viejas tradiciones, crean nuevos juguetes originales. Los artesanos trabajan en talleres luminosos bien equipados. Hay juguetes en filas cercanas en los estantes, diferentes en contenido y diseño, brillantes, dorados. Estas son damas-francihi, cabras pintadas, caballos, patos-silbatos, cerdos, osos, etc.

El proceso de elaboración de un juguete se puede dividir en dos etapas: modelar el producto y pintarlo. Los métodos de moldeo son muy simples. Por ejemplo, al representar una muñeca, las artesanas primero hacen una falda con una capa de arcilla, lo que da como resultado una forma de campana hueca; la cabeza, el cuello y la parte superior del cuerpo están hechos de una sola pieza, y los detalles de la ropa (volantes, volantes, puños, sombreros, etc.) se moldean por separado y se pegan a la forma principal, llamándolos molduras.

El juguete Dymkovo es muy específico. Hay tradiciones en su creación y diseño, que se expresan, ante todo, en estática, pompa de formas y brillo de color.

JUGUETE FILIMONOVSKAYA

Un centro igualmente famoso de artesanía popular es el pueblo de Filimonovo, distrito de Odoyevsky, región de Tula, donde fabrican un increíble juguete de arcilla. Según la leyenda, en este lugar vivía el abuelo Filimon, quien fabricaba juguetes. Ahora se organizan talleres para hacer juguetes de arcilla en el pueblo, donde las artesanas A.I. Derbeneva, P. P. Ilyukhin, A. I. Lukyanova y otros Las personas y los animales hechos por artistas difieren en forma y pintura. Los juguetes son divertidos, caprichosos y muy expresivos: son damas, campesinas, soldados con charreteras, parejas de baile, jinetes, vacas, carneros, un zorro con un gallo, etc. Todos los juguetes tienen cuerpos elásticos, piernas largas o cortas, cuellos alargados con cabezas pequeñas. Estos juguetes son difíciles de confundir con otros, ya que tienen sus propias tradiciones en la interpretación de la forma y la pintura. La pintura es brillante, y en su mayoría predominan los colores amarillo, rojo, naranja, verde, azul y blanco. Combinando elementos simples (rayas, arcos, puntos, líneas que se cruzan que forman estrellas), las artesanas crean adornos asombrosos que se adaptan maravillosamente a las faldas y delantales de las figurillas. Las caras de las figurillas siempre permanecen blancas, y solo pequeños trazos y puntos delinean los ojos, la boca y la nariz. Los juguetes brillan con fuego, brillan con todos los colores del arcoíris, hay pocas molduras en el juguete Filimonovo, en comparación con Dymkovo.

Un niño pequeño ante todo ve diversión en el juguete de Filimonov, una imagen fantástica de un objeto que despierta su creatividad.

JUGUETE KARGOPOL

Kargopol es una antigua ciudad rusa rodeada de bosques. Desde la antigüedad, los habitantes de esta ciudad y sus alrededores se han dedicado a la alfarería. En su mayor parte hacían alfarería: vasijas, cacharros, tazones, algunos artesanos hacían juguetes de barro. Sin embargo, en 1930, la artesanía entró en declive. Solo la talentosa artesana U.I. continuó fabricando juguetes. Babkin, son sus productos los que se caracterizan por las mejores características de los juguetes populares. En 1967 se restablecieron los talleres de Kargopol para la fabricación de juguetes pintados con arcilla.

Junto a los colores brillantes y resonantes de los juguetes de Dymkovo y Filimonovo, las figuritas de plástico de esta región del norte pueden parecer estrictas. El esquema de color de la pintura incluye negro, verde oscuro y marrón. Entre los juguetes hay muchas imágenes divertidas, moldeadas con sencillez, pero con gran calidez y humor popular. Básicamente, se trata de mujeres campesinas con canastas o un pájaro en la mano, muñecas con ruedas giratorias, hombres barbudos. El juguete Kargopol también se caracteriza por composiciones de múltiples figuras: figuras de baile, divertidas troikas con jinetes en un trineo, etc. A los maestros de Kargopol también les gusta representar animales: un oso, una liebre, un caballo, un perro, un cerdo, un ganso y un pato.

El juguete Kargopol se caracteriza por la convencionalidad en la interpretación de la imagen en términos de forma, proporciones y color. Todas las figurillas son algo rechonchas, con brazos y piernas cortos, tienen un torso alargado, un cuello grueso y corto y una cabeza relativamente grande. Los animales se representan con patas gruesas y, a veces, dinámicos, por ejemplo, un oso se para sobre sus patas traseras, el momento de un ataque; el perro con las patas abiertas y la boca abierta, un pato con las alas extendidas, etc. Recientemente, para revitalizar los juguetes, los artesanos han añadido al cuadro colores amarillo, azul y naranja. Los elementos principales del adorno son combinaciones de líneas que se cruzan, círculos, espigas, puntos y rayas. Los juguetes se moldean en partes, las juntas de las partes se alisan cuidadosamente. Los productos se secan, se cuecen en un horno y se pintan con pinturas al temple. Ahora los artesanos hereditarios K.P. Sheveleva, A.P. Shevelev, SE Druzhinin. Cada uno tiene su propio estilo de modelado y pintura, sin embargo, las viejas tradiciones populares son la base de todos los juguetes.

JUGUETE DE TELEVISIÓN

En la ciudad de Torzhok, región de Tver, los juguetes de arcilla, en particular, los pájaros de arcilla, decorados con molduras y pinturas, comenzaron a fabricarse hace relativamente poco tiempo. Los maestros de este oficio, al crear un juguete decorativo, utilizan una gama especial de colores de pinturas de esmalte: azul, azul claro, blanco, negro, verde, naranja, rojo. El patrón consta de trazos, círculos y puntos que crean una decoración festiva. Además de pintar, el juguete está decorado con molduras, que están bien asociadas con su forma principal. El patrón de esmalte brillante complementa maravillosamente las figurillas, descansando sobre un fondo marrón, ya que el producto no está imprimado y el fondo es del color de la arcilla cocida. Básicamente, el juguete es estático, pero hay pájaros cisne con cuellos y cabezas bruscamente torneadas, lo que les da una plasticidad especial. Entre los juguetes hay gallos, gallinas, gansos, cisnes, patos.

JUGUETE BOGORODSKAYA

Los artesanos populares en el pueblo de Bogorodskoye, región de Moscú, crean juguetes tallados en madera que, al igual que los de arcilla, pertenecen al plástico popular y pueden usarse con éxito para trabajar con niños en clases de modelado decorativo. Durante más de 350 años, los talladores de madera han estado trabajando en el pueblo de Bogorodskoye, cerca de Sergiev Posad. En sus hábiles manos, los bloques de madera se convierten en divertidas figuras. Los juguetes se cortan de tilo, que debe secarse durante 2 años antes de esto. Los principales tipos de juguetes pintados son pollos, pájaros en un soporte con un dispositivo móvil, etc. Cortan figuras de un árbol completo, para lo cual hacen espacios en blanco de varias formas. La superficie de los productos terminados de los viejos maestros se limpió con papel de lija, como resultado de lo cual la figura resultó ser lisa. Ahora los juguetes están terminados con tallas, que descansan rítmicamente sobre la superficie y decoran el producto. Por tradición, algunas partes del juguete se hacen móviles. El contenido de los juguetes es diverso: estas son tramas de cuentos de hadas, fábulas, deportes y espacio, y todos son juguetes de broma. La imagen tradicional es un oso.

Un conocido maestro de la talla de Bogorodsk es el tallador hereditario N.I. Maksimov. Durante muchos años enseñó talladores en una escuela técnica vocacional, buscó inculcarles no solo las habilidades y técnicas de tallado, sino también el amor por la naturaleza, por todos los seres vivos. Los juguetes de Bogorodsk son ampliamente conocidos en nuestro país y son famosos más allá de sus fronteras.

MERCANCÍA GZHEL

No muy lejos de Moscú, en el distrito de Ramensky, se encuentra el pueblo de Gzhel. La alfarería se ha practicado aquí durante mucho tiempo, desde aproximadamente el siglo XIV. Hicieron kvas, kumgans, platos y juguetes pintados con pinturas cerámicas de color marrón y verde amarillento. A veces los platos estaban decorados con figuras de estuco. Actualmente, los productos de porcelana Gzhel han ganado fama mundial debido a la singularidad de su patrón y forma. La porcelana Gzhel es fácilmente reconocible por su pintura azul sobre un fondo blanco. Sin embargo, el azul no es monótono, y si miras de cerca, puedes ver los medios tonos y sombras más finos, que recuerdan el azul del cielo, los lagos y los ríos. Los maestros de Gzhel escriben sobre porcelana con trazos y líneas, y las hojas y las flores entran en el adorno del patrón: margaritas, campanillas, acianos, rosas, tulipanes y lirios del valle. Además de los platos, en Gzhel se fabrican pequeñas esculturas y juguetes. Entre ellos, puedes ver personajes de cuentos de hadas amados por los niños: Alyonushka con un vestido largo y un pañuelo en la cabeza, Ivan Tsarevich con Elena the Beautiful en Grey Wolf, Emelya con un lucio atrapado, etc. Actualmente, los artistas están trabajando en la creación de nuevos tramas y composiciones. Aparecieron esculturas que representaban a astronautas y atletas con antorchas olímpicas. Todas las obras de los maestros de Gzhel sorprenden con un profundo sentido del ritmo, armonía de forma y contenido.

3. Conocimiento de los niños con el arte popular y enseñanza del modelado decorativo en diferentes grupos de edad.

PRIMER GRUPO JOVEN

El conocimiento de los niños con el arte decorativo debe comenzar en el primer grupo de jardín de infantes. Las posibilidades del niño en el modelado decorativo en esta etapa son muy limitadas: los niños solo decoran productos utilizando un palito o haciendo una depresión con el dedo. El conocimiento de los niños con los juguetes se lleva a cabo en forma de juegos, durante los cuales el maestro les pregunta a los niños qué representa este o aquel objeto. A los niños se les ofrece organizar los juguetes en un orden determinado, construir una casa, una escalera, un puente para anidar muñecas. A los niños les gustan las muñecas de anidación brillantes y los juguetes cincelados lisos, se unen al juego con placer: los colocan sobre la mesa, los colocan en una escalera hecha de cubos y los conducen a lo largo del puente. Al mismo tiempo, a los niños se les da la tarea de comparar juguetes por tamaño, destacando las partes principales, grandes y pequeños detalles, y reconociendo y nombrando la forma de las partes. A los niños les gusta especialmente cuando hay muchos juguetes sobre la mesa. Uno o dos juguetes casi no atraen la atención del niño, el interés por ellos desaparece rápidamente. Jugando con muñecos que anidan, le dicen a la maestra que hay muchos muñecos que anidan, son grandes y pequeños, los muñecos que anidan tienen ojos, nariz, bufandas hermosas y, al mirar pájaros cincelados, notan que la cabeza del pájaro es redondo y la cola es larga.

En el primer grupo juvenil, el juguete popular se utiliza principalmente para juegos. Sin embargo, en algunas clases, el maestro, para atraer a los niños a este tipo de actividades, les muestra cómo modelar.

En este grupo todavía no hay molduras decorativas, pero ya se observa la tendencia de los niños a decorar sus productos. Los primeros intentos de los niños por decorar sus modelados conducen a una disposición caótica del patrón a lo largo del borde del producto, que es la línea de referencia para el niño. Dada esta característica y sabiendo que es más fácil para el niño, la tarea se puede reducir a decorar el borde de una galleta moldeada o pan de jengibre. Los elementos de decoración pueden ser primero puntos y luego rayas hechas con un palo. A los niños pequeños les fascina la oportunidad de hacer muescas en la arcilla con un palo. Lo hacen con placer, al darse cuenta de que sus juguetes se volverán más hermosos. El educador debe apoyar el deseo del niño de decorar su trabajo haciendo sugerencias apropiadas en cada oportunidad.

SEGUNDO GRUPO JOVEN

Para trabajar con los niños de la primera mitad del año, suelen utilizar los mismos juguetes que en el primer grupo más joven, pero realizan un análisis más profundo de la forma de los objetos. Por ejemplo, al mostrar una muñeca de anidación a los niños, la maestra dice que la muñeca de anidación tiene una cabeza, manos, nombra los detalles de la ropa: un delantal, mangas, una bufanda, muestra hermosas flores, hojas y otros elementos decorativos en ellos.

Los niños del segundo grupo más joven perciben bien el juguete Dymkovo, que se puede ofrecer para su consideración al final del primero, principios de la segunda mitad del año. Además, los niños no se ven obstaculizados por la convencionalidad de la forma y el color de estos juguetes. Definen libremente los objetos y resaltan los elementos de la pintura: rayas, círculos, puntos y anillos. La percepción de los objetos de arte popular permite establecer tareas visuales para los niños y rastrear la influencia del arte popular en la naturaleza del modelado de los niños. Sin embargo, la selección de elementos para modelar debe tener en cuenta las características de edad de los niños en edad preescolar.

A partir de la segunda mitad del año, se puede ofrecer a los niños que decoren un producto en forma de disco con formas tridimensionales: bolas y rodillos. Al realizar esta tarea, los niños esculpen un pastel, un pastel para muñecas, organizando los elementos en un cierto ritmo: bolas, a lo largo del borde y en el medio, y rodillos, en forma de cuadrícula o rayos que divergen desde el centro hacia los bordes. . Primero, los niños crean la base y luego la decoran gradualmente. La actividad de cada niño se manifiesta en el hecho de que el propio bebé elige la forma, el tamaño de los elementos y los alterna.

La siguiente etapa es una tarea más difícil: se les ofrece a los niños que hagan una taza y le apliquen un patrón en una pila a lo largo del borde de la taza en una o varias filas.

Después de familiarizarse con los juguetes de madera, los niños esculpen pájaros, hongos y muñecas con un traje largo. Decoran cada artículo, y la capacidad de trabajar con una pila se transfiere a la imagen de detalles como la boca, la nariz y los ojos de las muñecas. Todo esto hace que el trabajo de los niños sea más expresivo. Así, se esboza una determinada secuencia para introducir a los niños del segundo grupo más joven con un juguete popular e introducir elementos decorativos en el modelado. Para juegos y visualización en este grupo, puede usar muñecas de anidación Semenov, juguetes de madera torneados Zagorsk y juguetes de madera de maestros de Bogorodsk, juguetes Kargopol (caballo, ganso, pato, perro) y juguetes Dymkovo (gallo, mamá gallina, muñecas grandes y pequeñas ). Para familiarizarse antes de modelar, puede ofrecer objetos torneados de madera, que consisten en formas redondeadas y en forma de cono.

GRUPO MEDIO

Para la enseñanza exitosa del modelado decorativo en el grupo medio, se continúa trabajando para introducir a los niños al arte popular. Para este propósito, se utilizan muñecas de anidación Semenov, juguetes Bogorodsk cincelados de madera, gallos y cabras Dymkovo, juguetes Kargopol, pájaros pintados de Torzhok, juguetes Filimonovo.

Sin embargo, para la reproducción en el modelado, es mejor que los niños ofrezcan matrioskas de Semenov, juguetes de madera torneados, juguetes de Kargopol (perro, ganso) y juguetes de Torzhok. El resto de los juguetes son deseables para usar para juegos y visualización.

El conocimiento de niños de 4 a 5 años con objetos de arte popular se lleva a cabo en forma de juegos y conversaciones breves. Es importante que los niños entiendan que los juguetes populares hechos de cualquier material casi siempre están pintados de colores brillantes y es por eso que son alegres y divertidos. El niño comienza a comprender que, en un caso, el patrón se encuentra en una forma tridimensional, en el otro, en un objeto de un color brillante, y esto también es muy hermoso. Puede esculpir con niños de esta edad una cabra, un gallo, tanto por imaginación como de la naturaleza, usando un juguete Dymkovo. Para hacer esto, al comienzo de la lección, se examina el juguete, prestando atención a su plástico y otras características expresivas. A continuación, el profesor muestra algunos métodos de modelado. Las partes principales del juguete están moldeadas de antemano, y el maestro solo muestra cómo deben conectarse, aferrándose firmemente entre sí.

Todos los pequeños detalles: los cuernos y la barba de una cabra, la vieira y las alas de un gallo: los niños deben moldearse solos, puede volver a considerar el juguete que está en el soporte. La oportunidad de abordar el tema durante la lección y examinarlo alivia el estrés de los niños durante el trabajo. Además, el niño tiene el deseo de hacer el juguete tan hermoso como lo hizo la artesana.

Las obras moldeadas se conservan cuidadosamente, los niños las examinan repetidamente y, una vez secas, las cuecen en un horno de mufla.

Por la noche, en presencia de los niños, la maestra pinta juguetes. Se organiza una exposición a partir de obras infantiles, que decora al grupo durante varios días, y posteriormente los niños pueden jugar con estas figuras.

GRUPO MAYOR

La actividad visual de los niños de 5 a 6 años tiene sus propias características. A esta edad, los niños ya se han fortalecido físicamente, los músculos pequeños y grandes de las manos se han fortalecido. Los niños se han vuelto más atentos, ha aumentado su capacidad de memorizar; además, aprendieron a controlar las acciones de sus manos durante el modelado, y esto, a su vez, condujo a un cambio en la naturaleza de la imagen. Pueden determinar de forma independiente la forma de un objeto, su estructura, resaltar pequeños detalles y elementos de diseño decorativo, y son más creativos en sus imágenes.

Comenzando por el grupo de mayor edad, las clases de modelado decorativo ocupan un lugar muy definido en el sistema de clases de bellas artes. Al planificar estas clases, es necesario tener en cuenta su conexión con el arte popular, ya que la escultura decorativa hecha por artesanos populares, los platos de arte, los platos decorativos no solo tienen un efecto beneficioso en el desarrollo del gusto artístico de los niños, sino que también son una buena ayuda visual durante el modelado. Su uso hábil por parte de los adultos amplía los horizontes de los niños y tiene un efecto beneficioso en su desarrollo mental.

Para trabajar con niños de este grupo, puede usar platos hechos artísticamente, platos decorativos, juguetes de arcilla Dymkovo, Kargopol, Filimonovo y Kalinin.

Además de arcilla, puedes realizar clases con juguetes de madera. Sin embargo, los niños deben conocer al menos dos juguetes de cada tipo.

Todos los objetos del arte popular aplicado se basan en ciertas tradiciones y características que es deseable que el educador conozca. Por lo tanto, cuando planee presentar a los niños platos decorativos y luego esculpir de acuerdo con estos patrones, debe seleccionar aquellos elementos que ayudarán a desarrollar la imaginación de los niños. Estos pueden ser platos de cerámica pintados, cuencos ucranianos, platos hechos por Gzhel, etc. etc.

PREPARATORIA EN GRUPO PARA LA ESCUELA

La actividad visual de los niños de 6 a 7 años mejora significativamente. En primer lugar, la forma de los objetos moldeados se vuelve más completa, se especifican las proporciones. Los niños, con más frecuencia que en el grupo anterior, desean complementar su modelado con detalles que decorarán la artesanía y la harán más expresiva. Esto se debe al hecho de que los niños se han vuelto aún más fuertes físicamente, los pequeños músculos de las manos se han desarrollado, los movimientos de los dedos se han vuelto más precisos y la agudeza visual también ha aumentado. Todo esto hace posible realizar detalles complejos mediante molduras y pintura. Los niños tienen una apreciación estética de sus productos, lo que aumenta las exigencias de los medios visuales y expresivos de modelado que el niño utiliza en su trabajo.

Las molduras decorativas en este grupo incluyen la imagen de platos decorativos, platos y molduras de figurillas al estilo de los juguetes populares. Al mismo tiempo, se profundiza el conocimiento de los niños sobre la artesanía popular. Los niños miran con gran interés vasijas decorativas hechas por alfareros de diferentes naciones. Brillantes, pintadas con engobes de colores y esmaltes, captan la imaginación de los niños, dan lugar a sus ideas creativas.

En el grupo preparatorio, a los niños se les presenta una nueva forma de representar los platos: a partir de anillos: los anillos de arcilla se apilan uno encima del otro y se conectan estrechamente entre sí. De esta forma, los niños esculpen diferentes platos. Otro método de modelado es la fabricación de platos a partir de una pieza de arcilla de forma esférica o cilíndrica eligiendo arcilla en una pila (olla, olla, jarrón). Los niños continúan aprendiendo, trabajan sistemáticamente y piensan en su plan por adelantado.

Todo el trabajo sobre molduras decorativas está estrechamente relacionado con conversaciones sobre artesanía popular. En el grupo preparatorio, el conocimiento del arte popular aplicado adquiere nuevas formas: juegos didácticos que profundizan la comprensión de los niños sobre las características expresivas de los objetos de arte decorativo, afectan el desarrollo de su actividad mental; excursiones a exposiciones de artes aplicadas, vistas de filminas, diapositivas, así como ilustraciones en libros de arte popular.

La selección de elementos decorativos se lleva a cabo teniendo en cuenta el hecho de que los niños ya han conocido a muchos de ellos en el grupo de mayor edad. Para niños de 6 a 7 años, se seleccionan especímenes con una forma y pintura más complejas. Los platos y platos decorativos se pueden pintar con fabulosas flores, pájaros y peces. El conjunto de muñecas Dymkovo se está ampliando: un aguador, una franciha bajo un paraguas, también una lechera con una vaca; un jinete sobre un caballo, un pavo con la cola pintada y muchos otros. Desde el juguete Kargopol, a los niños se les puede mostrar a un anciano que da agua a un caballo, un campesino sembrador, una troika y Polkan: una fabulosa mitad bestia, mitad hombre. De los juguetes de Filimonov, es bueno usar un zorro con un gallo, parejas de baile y otros patrones que los niños aún no han visto. De Kalinin, puede seleccionar un pollo con una cresta intrincada y un gallo. De los juguetes de Bogorodsk, a los niños les interesará "El oso y la liebre van a la escuela", "Baba Yaga", "Oso jugador de fútbol", "Buenos días". La lista de juguetes puede ser más diversa, pero el maestro selecciona solo lo que tiene el jardín de infantes.

Las clases de introducción a las artes populares y la artesanía y el modelado decorativo en este grupo son una continuación del gran trabajo realizado en los grupos anteriores. Por lo tanto, los niños de 6 a 7 años deben estar preparados para la percepción de muestras nuevas y más complejas de arte popular, para la asimilación de nuevos métodos de modelado y pintura.

Las tareas principales del modelado decorativo son enseñar a los niños a ver la belleza de los objetos de arte popular, cultivar el amor por ellos y la capacidad de distinguir un oficio de otro, usar elementos decorativos en su trabajo para enriquecer la imagen de estuco y también para transferir esta habilidad a objetos no decorativos.

Conclusión

Resumiendo todo lo anterior, podemos concluir que el conocimiento de los niños con objetos de arte popular y modelos decorativos tiene un efecto beneficioso en el desarrollo de la creatividad de los niños. La naturaleza del arte popular, su emotividad, decoración, diversidad son medios efectivos para el desarrollo de la actividad mental en los niños y el desarrollo integral del niño en su conjunto.

El arte de los artesanos populares no solo inculca el gusto estético en los niños, sino que también forma necesidades espirituales, sentimientos de patriotismo, orgullo nacional, alta ciudadanía y humanidad. El niño aprende que los maravillosos objetos coloridos son creados por artesanos populares, personas dotadas de imaginación, talento y amabilidad.

Los niños gradualmente comienzan a respetar y amar este arte, a comprender su plasticidad, ornamentación, combinaciones de colores, variedad de formas e imágenes.

Los juguetes de todas las artesanías populares difieren en estilo y forma de ejecución, y con el tiempo, el niño comienza a distinguir los juguetes de una artesanía de otra, para resaltar los rasgos característicos, y lo hace por su cuenta. Y ya en el grupo senior y preparatorio, los niños, bajo la influencia del entrenamiento, tienen el deseo de hacer juguetes ellos mismos de acuerdo con el modelo de los que se les mostró en el aula.

Por lo tanto, los juguetes populares estimulan a los niños a realizar acciones independientes. El conocimiento adquirido en el proceso de clases y juegos con elementos de arte popular amplía las posibilidades de actividades independientes de los niños en el campo del modelado decorativo.

Literatura

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7. Khalezova N.B. Modelado decorativo en jardín de infancia: Una guía para el maestro / Ed. MEGABYTE. Khalezova-Zatsepina. M, 2005.

Artes decorativas y aplicadas, sección de arte; Abarca una serie de ramas de la creatividad que se dedican a la creación de productos artísticos destinados principalmente al uso cotidiano. Sus obras pueden ser: utensilios varios, muebles, tejidos, herramientas, vehículos, así como ropa y todo tipo de decoración. Junto a la división de las obras de artes decorativas y aplicadas según su finalidad práctica en la literatura científica a partir de la 2ª mitad del siglo XIX. se aprobó la clasificación de industrias por material (metal, cerámica, textil, madera) o por técnica (talla, pintura, bordado, estampación, fundición, repujado, taracea, etc.). Esta clasificación se debe al importante papel del principio constructivo-tecnológico en las artes y oficios y su conexión directa con la producción. Resolver juntos, como la arquitectura, tareas prácticas y artísticas, artes y oficios al mismo tiempo pertenece a las esferas de creación de valores tanto materiales como espirituales. Las obras de este tipo de arte son inseparables de la cultura material de su época contemporánea, están íntimamente relacionadas con el modo de vida que le corresponde, con una u otra de sus características étnicas y nacionales locales, y con las diferencias sociales y grupales. Al componer una parte orgánica del entorno sujeto con el que una persona entra en contacto diario, las obras de arte y artesanía con sus méritos estéticos, estructura figurativa, carácter afectan constantemente el estado mental de una persona, su estado de ánimo, son una fuente importante de emociones. que afectan su actitud hacia el mundo que lo rodea.

Saturando estéticamente el entorno que rodea a una persona, las obras de este género son al mismo tiempo absorbidas por él, por así decirlo. se perciben generalmente en relación con su diseño arquitectónico y espacial, con otros objetos incluidos en él o sus complejos (un servicio, un conjunto de muebles, un traje, un conjunto de joyas). Por lo tanto, el contenido ideológico de las obras de artes decorativas y aplicadas puede entenderse más plenamente solo con una idea clara (real o recreada mentalmente) de estas relaciones entre el objeto, el entorno y la persona.

La arquitectura de un objeto, determinada por su propósito, capacidades de diseño y propiedades plásticas del material, a menudo juega un papel fundamental en la composición de un producto artístico. A menudo, en las artes y oficios, la belleza del material, las proporciones proporcionadas de las piezas y la estructura rítmica sirven como el único medio para incorporar el contenido emocional y figurativo del producto (por ejemplo, cristalería u otros materiales sin color y sin decoración). . Aquí se manifiesta claramente la especial significación para las artes decorativas y aplicadas de los medios puramente emocionales, no pictóricos, del lenguaje artístico, cuyo uso lo relaciona con la arquitectura. Una imagen emocionalmente significativa a menudo se activa mediante una asociación de imágenes (comparación de la forma de un elemento con una gota, una flor, la figura de una persona, un animal, sus elementos individuales, con algún otro elemento: una campana, un balaustre , etc.). La decoración que aparece en el producto también afecta significativamente su estructura figurativa. A menudo, es gracias a su decoración que un artículo del hogar se convierte en una obra de arte. Poseyendo su propia expresividad emocional, su propio ritmo y proporciones (a menudo contrastando en relación con la forma, como, por ejemplo, en los productos de los maestros de Khokhloma, donde la forma modesta y simple del cuenco y la pintura elegante y festiva de la superficie son diferentes en su sonido emocional), la decoración modifica visualmente la forma y al mismo tiempo se fusiona con ella en una sola imagen artística.

Para crear una decoración, se utilizan ampliamente adornos y elementos (por separado o en varias combinaciones) de bellas artes (escultura, pintura, menos a menudo gráficos). Los medios de bellas artes y ornamentos sirven no solo para crear decoración, sino que a veces también penetran en la forma de un objeto (detalles de muebles en forma de palmetas, volutas, patas de animales, cabezas; recipientes en forma de flor, fruta, figura de pájaro, bestia, hombre). A veces, un adorno o una imagen se convierte en la base para la formación de un producto (patrón de celosía, encaje, patrón de tejido, alfombra). La necesidad de coordinar la decoración con la forma, la imagen, con la escala y la naturaleza del producto, con su propósito práctico y artístico conduce a la transformación de motivos pictóricos, a la convencionalidad de interpretación y comparación de elementos de la naturaleza (por ejemplo , una combinación de motivos de zarpa de león, alas de águila y cabeza de cisne en el diseño de una pata de mesa). ).

En la unidad de las funciones artística y utilitaria del producto, en la interpenetración de forma y decoración, principios finos y tectónicos, se manifiesta la naturaleza sintética del arte decorativo y aplicado. Sus obras están diseñadas para la percepción por la vista y el tacto. Por lo tanto, al revelar la belleza de la textura y las propiedades plásticas del material, la habilidad y la variedad de métodos de su procesamiento adquieren la importancia de medios especialmente activos de influencia estética en las artes decorativas y aplicadas.

Cuadro

Pintura, un tipo de bellas artes, obras de arte que se crean utilizando pinturas aplicadas a cualquier superficie sólida. Al igual que otros tipos de arte, la pintura cumple tareas ideológicas y cognitivas, y también sirve como ámbito para la creación de valores estéticos objetivos, siendo una de las formas más desarrolladas del trabajo humano.

La pintura refleja ya la luz de ciertos conceptos evalúa el contenido espiritual de la época, su desarrollo social. Al influir poderosamente en los sentimientos y pensamientos de la audiencia, obligándolos a experimentar la realidad representada por el artista, sirve como un medio efectivo de educación social. Muchas obras de pintura tienen valor documental e informativo.

Debido a la visibilidad de la imagen, la valoración de la vida del artista, expresada en su obra, adquiere especial persuasión para el espectador. Creando imágenes artísticas, la pintura utiliza el color y el dibujo, la expresividad del trazo, que asegura la flexibilidad de su lenguaje, le permite, con una plenitud inaccesible a otros tipos de bellas artes, reproducir en el plano la riqueza cromática del mundo, la volumen de los objetos, su originalidad cualitativa y carne material, la profundidad del espacio representado, el ambiente de aire ligero. La pintura no solo encarna directa y visualmente todos los fenómenos visibles del mundo real (incluida la naturaleza en sus diversos estados), muestra imágenes amplias de la vida de las personas, sino que también se esfuerza por revelar e interpretar la esencia de los procesos que tienen lugar en la vida y el interior. mundo de una persona.

La amplitud y exhaustividad de la cobertura de la realidad de que dispone este tipo de arte se refleja también en la abundancia de géneros que le son inherentes (histórico, cotidiano, bélico, animalista, etc.).

Por propósito, por la naturaleza de la ejecución y las imágenes, distinguen: pintura decorativa monumental (murales, plafones, paneles), que participa en la organización del espacio arquitectónico, creando un entorno ideológicamente rico para una persona; caballete (pinturas), de naturaleza más íntima, por lo general no asociado con ningún lugar en particular; escenografía (bocetos de escenografía y vestuario teatral y cinematográfico); iconografía; miniatura (ilustraciones de manuscritos, retratos, etc.).

Según la naturaleza de las sustancias que unen el pigmento (tinte), según los métodos tecnológicos de fijación del pigmento en la superficie, pintura al óleo, pintura al agua, pinturas sobre yeso - crudo (fresco) y seco (a secco), témpera , pintura con pegamento, pintura con cera, esmalte, pintura con pinturas cerámicas (aglutinantes - vidrios fusibles, fundentes, esmaltes - se fijan disparando sobre cerámica), pinturas de silicato (aglutinante - vidrio soluble), etc. El mosaico y las vidrieras están directamente conectados con él. , decidiendo al igual que la pintura monumental, tareas pictóricas - decorativas. Para la realización de pinturas, también se utilizan acuarelas, gouache, pasteles y tintas.

El principal medio expresivo de la pintura, el color, con su expresión, la capacidad de evocar diversas asociaciones sensoriales, mejora la emotividad de la imagen, determina las amplias posibilidades visuales y decorativas de este tipo de arte. En las obras forma un sistema integral (color). Suele emplearse una u otra serie de colores interrelacionados y sus tonalidades (gamut colorful), aunque también hay pintura con tonalidades del mismo color (monocromo). La composición de color (el sistema de ubicación y relaciones de las manchas de color) proporciona una cierta unidad de color de la obra, afecta el curso de su percepción por parte del espectador, siendo parte de su estructura artística específica de la obra. Otro medio expresivo de la pintura, el dibujo (línea y claroscuro), organiza la imagen rítmica y compositivamente junto con el color; la línea delimita volúmenes entre sí, es a menudo la base constructiva de la forma pictórica, permite la reproducción generalizada o detallada de los contornos de los objetos, revelando sus elementos más pequeños.

Arquitectura

Arquitectura (lat. architectura, del griego architéktón - constructor), arquitectura, un sistema de edificios y estructuras que forman un entorno espacial para la vida y las actividades de las personas, así como el arte mismo para crear estos edificios y estructuras de acuerdo con las leyes de belleza. La arquitectura es una parte necesaria de los medios de producción y de los medios materiales de existencia de la sociedad humana. Sus imágenes artísticas juegan un papel importante en la vida espiritual de la sociedad. Las cualidades funcionales, constructivas y estéticas de la arquitectura (utilidad, solidez, belleza) están interrelacionadas.

Las obras de arquitectura son edificios con un espacio interior organizado, conjuntos de edificios, así como estructuras que sirven para diseñar espacios abiertos (monumentos, terrazas, terraplenes, etc.).

El sujeto de una organización con propósito es el espacio de un área poblada como un todo. La creación de ciudades, pueblos y la regulación de todo el sistema de poblamiento se destacó en un área especial, indisolublemente ligada a la arquitectura - urbanismo.

El medio más importante de solución práctica de la función y las tareas ideológicas y artísticas de la arquitectura es el equipo de construcción. Determina la posibilidad y viabilidad económica de implementar determinados sistemas espaciales. Las propiedades estéticas de las obras de arquitectura dependen en gran medida de la solución constructiva. El edificio no solo debe ser, sino también verse sólido. El exceso de material da la impresión de excesiva pesadez; la insuficiencia visible (aparente) del material se asocia con inestabilidad, falta de confiabilidad y causa emociones negativas. En el curso del desarrollo de la tecnología de la construcción, los nuevos principios de composición arquitectónica, correspondientes a las propiedades de los nuevos materiales y estructuras, pueden entrar en conflicto con los puntos de vista estéticos tradicionales. Pero a medida que el diseño se difunde y se domina aún más, las formas definidas por él no solo dejan de ser percibidas como inusuales, sino que también se convierten en una fuente de impacto emocional y estético en la conciencia de las masas.

Los cambios cualitativos en los equipos de construcción, la creación de nuevas estructuras y materiales han influido significativamente en la arquitectura moderna. De particular importancia es la sustitución de los métodos de construcción artesanales por métodos industriales, asociados con los procesos generales de desarrollo de la producción, con la necesidad de aumentar el ritmo de construcción en masa y requirió la introducción de estandarización, estructuras y piezas unificadas.

Los principales medios para crear una imagen artística en arquitectura son la formación del espacio y la arquitectura. A la hora de crear una composición tridimensional (incluyendo la organización interna de las estructuras) se utilizan los principios de simetría o asimetría, matices o contrastes en la comparación de elementos, sus diversas relaciones rítmicas, etc. De particular importancia en la arquitectura son la proporcionalidad de las partes y el todo entre sí (un sistema de proporciones) y la proporcionalidad de una estructura y sus formas individuales a una persona (escala). La cantidad de medios artísticos de la arquitectura también incluye textura y color, cuya variedad se logra mediante varios métodos de procesamiento de la superficie del edificio. Un sistema holístico artístico y expresivo de formas de obras de arquitectura que cumple con los requisitos funcionales y constructivos se denomina composición arquitectónica.

Una comunidad estable de los rasgos característicos de la forma artística de la arquitectura y su programa ideológico y de contenido forma su estilo. Las características más importantes del estilo se manifiestan en el sistema de organización funcional y espacial de las estructuras, en su arquitectura, proporciones, plasticidad, decoración.

Escultura

Escultura (lat. sculptura, de sculpo - tallar, cortar), escultura, plástico (del griego plastike, de plasso - esculpir), una forma de arte basada en el principio de una imagen tridimensional, físicamente tridimensional de un objeto. Como regla general, el objeto de la imagen en la escultura es una persona, con menos frecuencia, animales (género animal), incluso más raramente, naturaleza (paisaje) y cosas (bodegones). Colocación de una figura en el espacio, transmisión de su movimiento, postura, gesto, modelado de luces y sombras que realza el relieve de la forma, la organización arquitectónica del volumen, el efecto visual de su masa, las relaciones de peso, la elección de las proporciones, específicas en cada caso, la naturaleza de la silueta son los principales medios expresivos de este tipo de arte. Una forma escultórica tridimensional se construye en el espacio real de acuerdo con las leyes de armonía, ritmo, equilibrio, interacción con el entorno arquitectónico o natural circundante y sobre la base de las características anatómicas (estructurales) de un modelo particular observado en la naturaleza.

Hay dos tipos principales de escultura: la escultura redonda, que se coloca libremente en el espacio, y el relieve, donde la imagen se ubica en un plano que forma su fondo. Las obras del primero, que normalmente requieren una vista circular, incluyen: una estatua (una figura en crecimiento), un grupo (dos o más figuras que forman un solo todo), una estatuilla (una figura significativamente más pequeña que el tamaño natural) , un torso (imagen de un torso humano), un busto (imagen del pecho de una persona), etc.

Según el contenido y las funciones, la escultura se divide en monumental-decorativa, de caballete, etc. pequeña escultura. Aunque estas variedades se desarrollan en estrecha interacción, cada una de ellas tiene sus propias características. Monumental-decorativo: la escultura está diseñada para un determinado entorno arquitectónico-espacial o natural. Tiene un marcado carácter público, está dirigido a las masas de espectadores y se coloca principalmente en lugares públicos: en las calles y plazas de la ciudad, en parques, en las fachadas y en el interior de los edificios públicos. La escultura monumental y decorativa está diseñada para concretar la imagen arquitectónica, para complementar la expresividad de las formas arquitectónicas con nuevos matices. La capacidad de la escultura monumental y decorativa para resolver grandes tareas ideológicas y figurativas se revela con particular plenitud en las obras que se denominan monumentales y que suelen incluir monumentos de ciudad, monumentos y estructuras conmemorativas. La majestuosidad de las formas y la perdurabilidad de la materia se combinan en ellas con la euforia del sistema figurativo, la amplitud de la generalización. La escultura de caballete, no relacionada directamente con la arquitectura, es más íntima. Salas de exposiciones, museos, interiores residenciales, donde se puede contemplar de cerca y con todo detalle, son su entorno habitual. Esto determina las características del lenguaje plástico de la escultura, sus dimensiones, géneros favoritos (retrato, género cotidiano, desnudo, género animal). La escultura de caballete, en mayor medida que monumental y decorativa, se caracteriza por el interés por el mundo interior de la persona, el psicologismo sutil y la narrativa. La escultura de formas pequeñas incluye una amplia gama de obras destinadas principalmente a interiores residenciales y, en muchos aspectos, se fusiona con las artes y la artesanía.

El propósito y el contenido de una obra escultórica determinan la naturaleza de su estructura plástica que, a su vez, influye en la elección del material escultórico. La técnica de la escultura depende en gran medida de las características naturales y los métodos de procesamiento de este último. Para el modelado se utilizan sustancias blandas (arcilla, cera, plastilina, etc.); mientras que las herramientas más comunes son anillos de alambre y pilas. Las sustancias sólidas (varios tipos de piedra, madera, etc.) se procesan cortando (tallando) o tallando, eliminando partes innecesarias del material y liberando gradualmente, por así decirlo, una forma tridimensional escondida en él; un martillo (mazo) y un conjunto de herramientas de metal se usan para procesar un bloque de piedra, y principalmente cinceles y taladros se usan para procesar madera. Las sustancias capaces de cambiar de un estado líquido a un estado sólido (diversos metales, yeso, hormigón, plástico, etc.) se utilizan para fundir esculturas utilizando moldes especiales.

Teatro

Teatro (del griego théatron - un lugar para espectáculos; espectáculo), una especie de arte. El teatro es una forma de conciencia social, es inseparable de la vida del pueblo, de su historia y cultura nacional. El teatro suele alcanzar un auge artístico cuando, imbuido de las ideas avanzadas de la época, lucha por los ideales humanistas, revela con profundidad y veracidad la complejidad del mundo interior de una persona, sus aspiraciones.

El reflejo artístico de la vida, la afirmación de determinadas ideas, cosmovisiones e ideologías tiene lugar en el teatro a través de una acción dramática realizada por actores frente al público. La lucha de los personajes, la revelación de los conflictos sociales y psicológicos que afectan el destino de las personas, sus relaciones están en el corazón de la obra, la actuación. La especificidad del teatro requiere la unidad emocional y espiritual del escenario y el público, la presencia de intereses comunes entre los creadores de la representación y el público. El teatro tiene una gran importancia en materia de educación estética, moral y política. Para ello dispone de ricos medios de generalización artística, expresividad e influencia en el público masivo.

La base de la representación teatral es el drama. El teatro traslada una obra literaria al ámbito de la acción escénica y de la imaginería teatral específica; los personajes y conflictos del drama están encarnados en personas y acciones vivas. La palabra, el discurso es el medio más importante con el que se equipa el teatro dramático. En el teatro, la palabra también está sujeta a las leyes de la acción dramática. En algunos casos, convierte el discurso en un medio de caracterización cotidiana del personaje, en otros, revela complejos conflictos de conciencia y psicología del personaje a través del tejido verbal del rol. El discurso en el escenario puede tomar la forma de una declaración larga (monólogo), fluir como una conversación con un compañero (diálogo), dirigirse al espectador o sonar como el reflejo de un héroe, su “monólogo interior”, etc.

El teatro es un arte colectivo. Una actuación es una obra que tiene unidad artística, la armonía de todos los elementos. Se crea bajo la dirección del director y de acuerdo con la intención del director, a través de los esfuerzos conjuntos de los actores, escenógrafo, compositor, coreógrafo y muchos otros. La actuación se basa en la interpretación del director de la obra, su género, decisión estilística. La acción de la representación se organiza en el tiempo (tempo, ritmo, subidas y bajadas de tensión emocional) y en el espacio (desarrollo de las plataformas escénicas, principio de su uso, puesta en escena, escenografía, movimiento, etc.).

El principal portador de la acción teatral es el actor, en cuya obra se plasma la esencia del teatro: la capacidad de captar al público del arte. el espectáculo de la vida que fluye directamente ante sus ojos, el proceso creativo de su encarnación. La imagen del actor se crea sobre la base de la obra y su interpretación por parte del director, director de la actuación. Pero incluso en el sistema de una actuación estrictamente organizada, el actor sigue siendo un artista independiente, capaz únicamente de utilizar los medios disponibles para recrear una imagen humana viva en el escenario, para transmitir la complejidad y riqueza de la psicología humana. El trabajo sobre uno mismo y sobre el papel en el proceso de ensayos, según K. S. Stanislavsky, son dos aspectos inextricablemente vinculados de la actividad del actor.

A menudo, un actor crea una imagen en el escenario que es diferente a la suya, en diferentes roles cambia externa e internamente. Al encarnar la apariencia, el carácter del personaje, el artista utiliza los medios de la expresividad plástica y rítmica, el arte del habla, las expresiones faciales y el gesto. La historia del teatro mundial conoce actores que poseían un dominio virtuoso de la transformación externa.

En el teatro musical, la acción se encarna por medio de la dramaturgia musical, que se basa en las leyes generales del drama: la presencia de un conflicto central claramente expresado que se revela en la lucha de fuerzas opuestas, una cierta secuencia de etapas en el divulgación de dramas. intención. En cada uno de los tipos de artes escénicas musicales, estos patrones generales encuentran una refracción específica de acuerdo con la naturaleza de sus medios expresivos: en la ópera, la acción que se desarrolla en el escenario se expresa mediante la música, es decir, mediante el canto de los personajes, así como por el sonido de la orquesta; en el ballet, un papel análogo al canto en la ópera pertenece a la danza y la pantomima. Al mismo tiempo, en ambos casos, la música es el principal medio generalizador, uniendo todos los elementos del drama entre sí. En la opereta, que es una especie de ópera con diálogo hablado, el canto coplado y la danza tienen una gran importancia. En el género musical se utilizan los medios expresivos de las artes dramáticas, operísticas y coreográficas, el pop y la música cotidiana.

Música

Música (del griego musike, literalmente - el arte de las musas), una forma de arte que refleja la realidad y afecta a una persona a través de secuencias de sonido significativas y especialmente organizadas, que consisten principalmente en tonos. La música es un tipo específico de actividad sonora de las personas. Con otras variedades (habla, señalización de sonido instrumental, etc.), está unida por la capacidad de expresar pensamientos, emociones y procesos volitivos de una persona en forma audible y sirve como medio para comunicar a las personas y controlar su comportamiento. Al mismo tiempo, difiere significativamente de todas las demás variedades de actividad sonora humana. Si bien conserva cierta similitud con los sonidos de la vida real, el sonido musical difiere fundamentalmente de ellos en el tono estricto y la organización temporal (rítmica). Estos sonidos están incluidos en los sistemas históricamente establecidos, que se basan en tonos. En cada pieza musical, los tonos forman su propio sistema de conexiones verticales y secuencias horizontales: su forma.

En el contenido de la música, los estados y procesos emocionales (así como las aspiraciones volitivas) juegan un papel dominante. Su lugar protagónico en el contenido musical está predeterminado por el carácter sonoro (entonación) y temporal de la música, lo que le permite, por un lado, apoyarse en la experiencia centenaria de personas que revelan externamente sus emociones y las transmiten a otros miembros. de la sociedad, primaria y principalmente a través de sonidos precisos y, por otro lado, - expresar adecuadamente la experiencia emocional como un movimiento, un proceso con todos sus cambios y matices, subidas y bajadas dinámicas, transiciones mutuas de emociones y sus colisiones.

De los diferentes tipos de emociones, la música encarna principalmente estados de ánimo. Los aspectos emocionales de las cualidades intelectuales y volitivas del individuo (y los procesos correspondientes) también están ampliamente representados en el contenido musical. Esto permite que este tipo de arte revele no solo el estado psicológico de las personas, sino también su carácter. En la expresión de emociones más concreta (pero no traducida al lenguaje de las palabras), muy sutil y "contagiosa", la música no conoce igual. Es en esto que se basa la definición generalizada de él como el "lenguaje del alma" (A. N. Serov).

Al luchar por un alcance más amplio del mundo de las ideas filosóficas y sociales, los compositores a menudo van más allá de la llamada música pura (instrumental no programática), refiriéndose a la palabra como portadora de un contenido conceptual específico (música instrumental vocal y programática). , véase Programa musical), así como para escenificar la acción. Gracias a la síntesis con la palabra, la acción, etc., se forman nuevos tipos de imágenes musicales, que se asocian de manera estable en la conciencia pública con los conceptos e ideas expresados por otros componentes de la síntesis, y luego pasan a la música “pura” como portadores de los mismos conceptos e ideas. Para expresar pensamientos, los compositores también utilizan símbolos sonoros (cánticos o tonadas que han surgido en la práctica social, existentes en un determinado entorno social, que se han convertido en “emblemas musicales” de cualquier concepto) o crean sus propios, nuevos “signos musicales” (por ejemplo, leitmotiv). Como resultado, el contenido de M. incluye un círculo de ideas enorme y en continuo enriquecimiento.

El contenido de diferentes tipos está disponible para la música: épica, dramática, lírica. Sin embargo, al mismo tiempo, debido a su naturaleza no pictórica, las letras se acercan más a él.

La encarnación material del contenido de la música, la forma de su existencia es la forma musical, ese sistema de sonidos musicales en el que se realizan las emociones, los pensamientos y las representaciones figurativas del compositor. Incluso tomados por separado, los sonidos musicales ya tienen posibilidades expresivas primarias. Cada uno de ellos es capaz de evocar una sensación fisiológica de placer o displacer, excitación o calma, tensión o descarga, así como sensaciones sinestésicas (pesadez o ligereza, calor o frío, oscuridad o luz, etc.) y las más simples asociaciones espaciales.

En cada pieza musical, a partir de los elementos individuales de su forma, en el proceso de su combinación y subordinación, se forma una estructura general que consta de varias estructuras privadas. Estos últimos incluyen estructuras: melódica, rítmica, armónica, textural, tímbrica, dinámica, etc. De particular importancia es la estructura temática, cuyos elementos son temas musicales (junto con varios tipos y etapas de su cambio y desarrollo). En la mayoría de los estilos musicales, son los temas los portadores materiales de las imágenes musicales.

La música tiene su propia estructura. Así, en una cultura musical desarrollada, la creatividad está representada por muchas variedades que se pueden diferenciar según diversos criterios. 1) Por tipo de contenido: lírico, épico, dramático, así como heroico, trágico, humorístico, etc.; en otro aspecto - música seria y música ligera. 2) Por finalidad interpretativa: vocal e instrumental; en un aspecto diferente: solo, conjunto, orquestal, coral, mixto (con posibles especificaciones adicionales de composiciones: por ejemplo, para una orquesta sinfónica, para una orquesta de cámara, para jazz, etc.). 3) Por síntesis con otros tipos de arte y con la palabra: música teatral, música bailable, software instrumental, melodrama (lectura musical), música vocal con palabras. Música fuera de síntesis - vocalizaciones (canto sin palabras) e instrumental "pura" (sin programa). A su vez, el primero se divide en espectacular y concierto, el segundo, en misa doméstica y ritual. Cada una de las cuatro variedades resultantes (grupos de género) se puede diferenciar aún más.

Cinematografía

Cinematografía, un tipo de arte, cuyas obras se crean con la ayuda de la filmación de eventos reales, especialmente escenificados o recreados mediante la animación de los eventos de la realidad.

En cinematografía, las propiedades estéticas de la literatura, las artes escénicas y visuales y la música se sintetizan a partir de sus medios expresivos inherentes, de los cuales los principales son el carácter fotográfico de la imagen, que permite recrear cualquier imagen de la realidad con la máxima certeza, y el montaje. La movilidad de la cámara y la variedad de ópticas utilizadas en el rodaje permiten presentar grandes espacios y grandes masas de personas en el encuadre (plano general), pequeños grupos de personas en sus relaciones (plano medio), un retrato humano o un detalle separado (primer plano). Gracias a esto, los aspectos más esenciales y estéticamente significativos del objeto representado se pueden distinguir dentro de los límites del marco. La combinación de fotogramas en el montaje sirve como expresión del pensamiento del autor, crea continuidad en el desarrollo de la acción, organiza la narración visual y permite, mediante la comparación de las partes individuales. planes para interpretar metafóricamente la acción, forma el ritmo de la película.

La creación de una obra de arte cinematográfico, por regla general, es un proceso creativo y de producción complejo, que combina el trabajo de artistas de diferentes especialidades: un guionista (guionista); el director, que determina la interpretación e implementación de la idea y dirige el trabajo de los demás participantes en la producción; actores que encarnan las imágenes de personajes; un operador que caracteriza la acción por medio de la interpretación compositiva, tonal y cromática de los fotogramas; un artista que encuentra una descripción pictórica del ambiente de acción y el vestuario de los personajes (y en la animación, las características externas de los personajes); compositor, etc

Durante el desarrollo de la cinematografía, se han formado 4 tipos principales: cinematografía artística (ficción), que incorpora obras de dramaturgia cinematográfica u obras adaptadas de prosa, dramaturgia, poesía por medio de artes escénicas; la cinematografía documental, que es un tipo especial de periodismo figurativo, basado principalmente en el registro directo de la realidad en una película; cinematografía animada, personajes gráficos o de marionetas "animados"; cinematografía de divulgación científica, utilizando los medios de estos 3 tipos para promover el conocimiento científico.

Las posibilidades de la épica, el lirismo y el drama están disponibles para la cinematografía artística, pero en las películas que tienen un carácter narrativo siempre hay rasgos que las acercan al drama, en particular, al conflicto dramático. La cinematografía documental tiene toda la amplitud de posibilidades de los géneros periodísticos de la literatura y el periodismo. Combina tanto trabajos de periodismo cinematográfico figurativo como de cine informativo (reportaje fílmico). Las imágenes de animación gráfica y tridimensional se crean filmando fases sucesivas inmóviles del movimiento de personajes dibujados o títeres. Presta especial atención a la realización de películas para niños. La cinematografía de ciencia popular presenta a los espectadores la vida de la naturaleza y la sociedad, los descubrimientos e inventos científicos, recrea el curso de las búsquedas creativas de científicos y maestros del arte, y demuestra claramente los procesos físicos, químicos y biológicos. Para resolver estos problemas, utiliza tanto medios puramente didácticos como artístico-figurativos, según el tema y el propósito de la película.

Géneros cinematográficos que estaban delimitados con relativa claridad en las primeras etapas del desarrollo del cine (melodrama, película de aventuras, tira cómica, etc.) están cambiando, tendiendo a fusionarse, interpenetrarse o incluso desintegrarse. Las aspiraciones innovadoras de los directores de fotografía determinan la combinación en una obra de rasgos característicos de la prosa, el drama y la letra.

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