Sandro Botticelli (italiano Sandro Botticelli, nombre real Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (italiano Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi; 1 de marzo de 1445 - 17 de mayo de 1510) es un gran pintor renacentista italiano, representante de la escuela florentina de pintura.

Botticelli nació de Mariano di Giovanni Filipepi, un curtidor, y su esposa, Smeralda, en el barrio de Santa Maria Novella de Florencia. El apodo de "Botticelli" (barril) se lo pasó a su hermano mayor, Giovanni, que era un hombre gordo.

Enseñanza de la artesanía (1445-1467)

Botticelli no llegó a la pintura de inmediato: al principio fue alumno del maestro orfebre Antonio durante dos años (hay una versión de que el joven obtuvo su apellido de él). En 1462 comenzó a estudiar pintura con Fra Filippo Lippi, en cuyo estudio permaneció cinco años. En relación con la partida de Lippi a Spoleto, se trasladó al taller de Andrea Verrocchio.

Las primeras obras independientes de Botticelli - varias imágenes de las madonas - en cuanto a la forma de ejecución demuestran cercanía a las obras de Lippi y Masaccio, las más famosas son: "Virgen y el Niño, dos ángeles y el joven Juan Bautista" (1465 -1470), "Madonna and Child and two angels" (1468-1470), Madonna in the Rose Garden (hacia 1470), Madonna of the Eucharist (hacia 1470).

"Virgen de la Eucaristía"

Primeros trabajos (1470-1480)

A partir de 1470 tuvo su propio taller cerca de la Iglesia de Todos los Santos. La pintura "Alegoría de la fuerza" (Fortaleza), escrita en 1470, marca la adquisición del estilo propio de Botticelli. En 1470-1472 escribe un díptico sobre la historia de Judit: "El regreso de Judit" y "Encontrando el cuerpo de Holofernes".

En 1472, el nombre de Botticelli se menciona por primera vez en el "Libro rojo" de la compañía de San Lucas. También indica que un alumno de Filippino Lippi trabaja para él.

En la fiesta en honor al santo del 20 de enero de 1474, se colocó con gran solemnidad en uno de los pilares de la iglesia florentina de Santa Maria Maggiore, el cuadro "San Sebastián", lo que explica su formato alargado.

Alrededor de 1475, el pintor pintó el famoso cuadro “Adoración de los magos” para el adinerado ciudadano Gaspare del Lama, en el que, además de representantes de la familia Medici, también se representaba a sí mismo. Vasari escribió: “Verdaderamente, esta obra es el mayor milagro, y se ha llevado a tal perfección en el color, el dibujo y la composición que todos los artistas todavía están asombrados con él”.

"Adoración de los Reyes Magos" (circa 1475)

En este momento, Botticelli se hace famoso como retratista. Los más significativos son el "Retrato de un hombre desconocido con una medalla de Cosimo Medici" (1474-1475), así como retratos de Giuliano Medici y damas florentinas.

En 1476 muere Simonetta Vespucci, según varios investigadores, amor secreto y modelo de varios cuadros de Botticelli, que nunca se casó.

"Retrato de un desconocido con una medalla de Cosimo de Medici el Viejo"

giuliano medici

retrato, de, un, mujer joven

Estancia en Roma (1481-1482)

La fama de rápida expansión de Botticelli fue más allá de Florencia. Desde finales de la década de 1470, el artista ha recibido numerosos encargos. “Y luego ganó para sí... en Florencia y más allá de sus fronteras tal fama que el Papa Sixto IV, que construyó una capilla en su palacio romano y quiso pintarla, mandó ponerlo al frente de la obra”.

En 1481, el Papa Sixto IV convocó a Botticelli a Roma. Junto con Ghirlandaio, Rosselli y Perugino, Botticelli pintó frescos en las paredes de la capilla papal del Vaticano, conocida como la Capilla Sixtina. Después de que Miguel Ángel pintara el techo y la pared del altar bajo Julio II en 1508-1512, ganará fama mundial.

Botticelli creó tres frescos para la capilla: “El castigo de Corea, Daphne y Aviron”, “La tentación de Cristo” y “La llamada de Moisés”, así como 11 retratos papales.

"La Tentación de Cristo"

"La llamada de Moisés"

Obras seculares de la década de 1480

Botticelli asistió a la Academia platónica de Lorenzo el Magnífico, donde se reunió con Ficino, Pico y Poliziano, cayendo así bajo la influencia del neoplatonismo, que se reflejó en sus pinturas de temas seculares.

La obra más famosa y misteriosa de Botticelli - "Primavera" (Primavera) (1482). El cuadro, junto con Palas y el centauro (1482-1483) de Botticelli y La Virgen y el Niño de autor desconocido, estaba destinado a decorar el palacio florentino de Lorenzo di Pierfrancesco, representante de la familia Medici. La creación del lienzo del pintor se inspiró, en particular, en un fragmento del poema de Lucrecio "Sobre la naturaleza de las cosas":

Aquí está la primavera, y Venus está llegando, y Venus está alado

El mensajero viene delante, y Zephyr detrás, delante de ellos.

Flora-madre camina y, esparciendo flores en el camino,

Lo llena todo de colores y de un dulce olor...

Vientos, diosa, corre delante de ti; con tu enfoque

Las nubes se van del cielo, la tierra es un exuberante magistral

Se está colocando una alfombra de flores, las olas del mar sonríen,

Y el cielo azul brilla con luz derramada.

La naturaleza alegórica de "Primavera" provoca numerosas discusiones sobre la interpretación de la imagen.

En 1483, el comerciante florentino Antonio Pucci encargó cuatro pinturas alargadas de Botticelli con escenas de una historia de amor del Decamerón de Boccaccio sobre Nastagio degli Onesti.

"Historia de Nastagio degli Onesti" del Decamerón de Boccaccio. 2do episodio

Novela sobre Nastagio degli Onesti, un banquete en un pinar.

Novela sobre Nastagio degli Onesti

El cuadro “Venus y Marte” (circa 1485) está dedicado al tema del amor.

"Venus y Marte"

También, alrededor de 1485, Botticelli crea el famoso cuadro "El nacimiento de Venus". “... ¿Qué distingue la obra de Sandro Botticelli de la forma de sus contemporáneos, los maestros del Quattrocento y, por cierto, pintores de todos los tiempos y pueblos? Esta es una melodía especial de la línea en cada una de sus pinturas, un extraordinario sentido del ritmo, expresado en los matices más finos y en la hermosa armonía de su “Primavera” y “El nacimiento de Venus”. El colorido de Botticelli es musical, el leitmotiv de la obra siempre está claro en él. Pocas personas en el mundo de la pintura tienen tal sonoridad de línea plástica, movimiento y una trama emocionada, profundamente lírica, alejada de esquemas mitológicos u otros. El propio artista es el director y compositor de sus creaciones. No usa cánones forzados, razón por la cual sus pinturas entusiasman tanto al espectador moderno con su poesía y la primacía de la visión del mundo.

"Nacimiento de Venus"

En 1480-1490, Botticelli realizó una serie de ilustraciones a pluma para la Divina Comedia de Dante. “Sandro dibujaba excepcionalmente bien y tanto que mucho después de su muerte, todos los artistas intentaban hacerse con sus dibujos”

Dante Alighieri

Pinturas religiosas de la década de 1480

"Adoración de los magos" (1478-1482), "Madonna and Child Enthroned" (retablo de Bardi) (1484), "Anunciation" (1485): las obras religiosas de Botticelli de esta época son los mayores logros creativos del pintor.

"Madonna y el niño entronizados"

Adoración de los Magos

Anunciación

A principios de la década de 1480, Botticelli creó Madonna Magnificat (1481-1485), una pintura que se hizo famosa durante la vida del artista, como lo demuestran numerosas copias. Es uno de los tondos de Botticelli. Estas pinturas en forma de círculo fueron muy populares en la Florencia del siglo XV. El fondo de la pintura es un paisaje, como en Madonna con un libro (1480-1481), Madonna and Child with Six Angels and John the Baptist (hacia 1485), Madonna and Child with Five Angels (1485-1490).

"Madonna Magníficat"

virgen y el niño con seis ángeles y juan el bautista

En 1483, junto con Perugino, Ghirlandaio y Filippino Lippi, pintó frescos en la villa de Lorenzo el Magnífico cerca de Volterra.

Alrededor de 1487, Botticelli escribió "Madonna with a Pomegranate". La Virgen sostiene una granada en la mano, que es un símbolo cristiano (la Virgen Sixtina de Rafael originalmente tenía una granada en lugar de un libro en la mano).

Obras posteriores (1490-1497)

En 1490 apareció en Florencia el monje dominico Girolamo Savonarola, en cuyos sermones se hacía un llamado al arrepentimiento ya la renuncia a la vida pecaminosa. Botticelli quedó fascinado con estos sermones, e incluso, según la leyenda, vio cómo sus cuadros eran quemados en la hoguera de la vanidad. Desde entonces, el estilo de Botticelli ha cambiado radicalmente, se vuelve ascético, la gama de colores ahora es restringida, con predominio de los tonos oscuros.

El nuevo enfoque del artista para crear obras es claramente visible en La coronación de María (1488-1490), Lamentación de Cristo (1490) y varias imágenes de la Virgen y el Niño. Los retratos creados por el artista en esta época, por ejemplo, el retrato de Dante (hacia 1495), están desprovistos de paisajes o fondos interiores.

El cambio de estilo es especialmente notable al comparar “Judit saliendo de la tienda de Holofernes” (1485-1490) con un cuadro realizado unos veinticinco años antes sobre el mismo tema.

En 1491, Botticelli participó en los trabajos de la comisión para considerar los proyectos de la fachada de la Catedral de Santa Maria del Fiore.

La única pintura tardía sobre un tema secular fue La calumnia de Apeles (hacia 1495).

"Judith saliendo de la tienda de Holofernes"

"Calumnia"

Rey-juez Midas como una alegoría de la Estupidez, rodeada de Sospecha e Ignorancia similares

Calumnia, Inocencia tirandose de los cabellos, acompañada de sus compañeras - Astucias y Mentiras

La Verdad, que personifica la pureza con su desnudez, y el Arrepentimiento, que, con su mirada inquisitiva y maliciosa, es más bien la Envidia.

Últimos trabajos (1498-1510)

En 1498, Savonarola fue capturada, acusada de herejía y sentenciada a muerte. Estos hechos conmocionaron profundamente a Botticelli.

En 1500, creó La Natividad Mística, la única obra firmada y fechada por él, donde hay una inscripción hecha en griego: “Yo, Alessandro, pinté este cuadro a fines de 1500 en la agitación de Italia, la mitad del tiempo después el tiempo en que [dicho en el capítulo] el undécimo de Juan, sobre el segundo monte del Apocalipsis, en el tiempo en que el diablo fue soltado por tres años y medio. Luego fue encadenado según el duodécimo, y lo veremos [pisoteado en el suelo] como en este cuadro.

Entre las últimas obras del artista de este período se encuentran escenas de las historias de las mujeres romanas Virginia y Lucrecia, así como escenas de la vida de San Zenobio.

"Navidad mística"

Bautismo de San Zenobio y su nombramiento para el cargo de obispo

Escenas de la vida de San Zenobio

Escenas de la vida de San Zenobio

Tres Milagros de San Zenobio

Escenas de la vida de San Zenobio

En 1504, el pintor participa en el trabajo de la comisión de artistas, que debía elegir un lugar para instalar el "David" de Miguel Ángel.

Botticelli “se retiró del trabajo y con el tiempo envejeció y se empobreció tanto que, si no hubiera sido recordado en vida, Lorenzo dei Medici, para quien, entre muchas otras cosas, trabajó mucho en un pequeño hospital en Volterra, seguido de sus amigos, y de mucha gente adinerada, admiradores de su talento, pudo haber muerto de hambre.” El 17 de mayo de 1510, a la edad de 66 años, moría Sandro Botticelli. El pintor fue enterrado en el cementerio de la Iglesia de Todos los Santos en Florencia.

Sandro Boticelli(Botticelli, Sandro)

Sandro Boticelli(Botticelli, Sandro) (1445-1510), uno de los artistas más destacados del Renacimiento. Nacido en Florencia en 1444 en la familia de un curtidor de cuero Mariano di Vanni Filipepi (el apodo de Botticelli, que significa "barril", en realidad pertenecía a su hermano mayor). Después de un aprendizaje inicial con un joyero, ca. 1462 Botticelli entró en el taller de uno de los principales pintores de Florencia, Fra Filippo Lippi. El estilo de Filippo Lippi tuvo una gran influencia en Botticelli, manifestada principalmente en ciertos tipos de rostros, detalles ornamentales y color. En sus obras de finales de la década de 1460, la linealidad y la gracia frágiles y planas, adoptadas de Filippo Lippi, son reemplazadas por una interpretación más poderosa de las figuras y una nueva comprensión de la plasticidad de los volúmenes. Casi al mismo tiempo, Botticelli comenzó a utilizar enérgicas sombras ocres para transmitir el color de la carne, una técnica que se convirtió en un rasgo característico de su estilo pictórico. Estos cambios aparecen en su totalidad en la primera pintura documentada de Botticelli, Alegoría del poder (c. 1470, Florencia, Galería de los Uffizi) y en una forma menos pronunciada en dos madonas tempranas (Nápoles, Galería Capodimonte; Boston, Museo Isabella Stewart Gardner). Dos famosas composiciones emparejadas La historia de Judith (Florencia, Uffizi), también entre las primeras obras del maestro (c. 1470), ilustran otro aspecto importante de la pintura de Botticelli: una narrativa viva y amplia, en la que se combinan expresión y acción. revelando la esencia dramática con total claridad argumental. También revelan un cambio de color ya iniciado, que se vuelve más brillante y más saturado, en contraste con la paleta pálida de Filippo Lippi, que prevalece en la primera pintura de Botticelli, La Adoración de los Reyes Magos (Londres, National Gallery).

Pinturas de Botticelli:

Entre las obras de Botticelli, solo unas pocas tienen fechas confiables; muchas de sus pinturas han sido fechadas en base a análisis estilísticos. Algunas de las obras más famosas datan de la década de 1470: la pintura de San Sebastián (1473), la primera representación de un cuerpo desnudo en la obra del maestro; Adoración de los Reyes Magos (c. 1475, Uffizi). Dos retratos de un hombre joven (Florencia, Galería Pitti) y una dama florentina (Londres, Victoria and Albert Museum) datan de principios de la década de 1470. Algo más tarde, quizás en 1476, se realizó un retrato de Giuliano de' Medici, hermano de Lorenzo (Washington, National Gallery). Las obras de esta década demuestran el crecimiento gradual de la habilidad artística de Botticelli. Usó las técnicas y los principios establecidos en el primer tratado teórico destacado de Leon Battista Alberti sobre la pintura del Renacimiento (Sobre la pintura, 1435-1436) y experimentó con la perspectiva. A fines de la década de 1470, las fluctuaciones estilísticas y los préstamos directos de otros artistas inherentes a sus primeros trabajos desaparecieron en las obras de Botticelli. En ese momento, ya dominaba con confianza un estilo completamente individual: las figuras de los personajes adquieren una estructura fuerte y sus contornos combinan sorprendentemente claridad y elegancia con energía; la expresividad dramática se logra combinando acción activa y profunda experiencia interior. Todas estas cualidades están presentes en el fresco de San Agustín (Florencia, Iglesia Ognisanti), escrito en 1480 como composición emparejada con el fresco de Ghirlandaio San Jerónimo.

Artículos alrededor de St. Agustín, - un atril, libros, instrumentos científicos - demuestran la habilidad de Botticelli en el género de la naturaleza muerta: están representados con precisión y claridad, revelando la capacidad del artista para captar la esencia de la forma, pero al mismo tiempo no son llamativos y no distraigas de lo principal. Quizás este interés por la naturaleza muerta esté asociado a la influencia de la pintura holandesa, que fue admirada por los florentinos del siglo XV. Por supuesto, el arte holandés influyó en la interpretación del paisaje de Botticelli. Leonardo da Vinci escribió que "nuestro Botticelli" mostraba poco interés por el paisaje: "... dice que esta es una ocupación vacía, porque basta con tirar una esponja empapada de colores en la pared, y dejará un paraje en el que se divisa un hermoso paisaje". Botticelli generalmente se contentó con usar motivos convencionales para los fondos de sus pinturas, variando al incorporar motivos de pintura holandeses como iglesias góticas, castillos y paredes para lograr un efecto pictórico romántico.

En 1481, el Papa Sixto IV invitó a Botticelli a Roma, junto con Cosimo Rosselli y Ghirlandaio, para pintar frescos en las paredes laterales de la Capilla Sixtina recién reconstruida. Completó tres de estos frescos: Escenas de la vida de Moisés, La curación de un leproso y la tentación de Cristo, y El castigo de Coré, Datán y Abirón. En los tres frescos se resuelve magistralmente el problema de presentar un programa teológico complejo en escenas dramáticas claras, ligeras y animadas; mientras hace pleno uso de los efectos compositivos.

Después de regresar a Florencia, quizás a fines de 1481 o principios de 1482, Botticelli pintó sus famosas pinturas sobre temas mitológicos: La primavera, Palas y el centauro, El nacimiento de Venus (todas en los Uffizi) y Venus y Marte (Londres, National Gallery), perteneciente al número de las obras más famosas del Renacimiento y representando las verdaderas obras maestras del arte europeo occidental. Los personajes y tramas de estas pinturas están inspirados en las obras de los poetas antiguos, principalmente Lucrecio y Ovidio, así como en la mitología. Sienten la influencia del arte antiguo, un buen conocimiento de la escultura clásica o bocetos de ella, que se generalizaron en el Renacimiento. Así, las gracias de la Primavera se remontan al grupo clásico de las tres gracias, y la pose de Venus del Nacimiento de Venus se remonta al tipo de Venus Púdica (Venus tímida).

Algunos estudiosos ven estas pinturas como una encarnación visual de las ideas principales de los neoplatónicos florentinos, especialmente Marsilio Ficino (1433-1499). Sin embargo, los partidarios de esta hipótesis ignoran el principio sensual en las tres pinturas que representan a Venus y la glorificación de la pureza y la pureza, que es sin duda el tema de Palas y el Centauro. La hipótesis más plausible es que los cuatro cuadros fueron pintados con motivo de la boda. Son las obras sobrevivientes más notables de este género de pintura, que celebra el matrimonio y las virtudes asociadas con el nacimiento del amor en el alma de una novia pura y hermosa. Las mismas ideas son las principales en cuatro composiciones que ilustran la historia de Boccaccio Nastagio degli Onesti (ubicadas en diferentes colecciones), y dos frescos (Louvre), pintados alrededor de 1486 con motivo del matrimonio del hijo de uno de los socios más cercanos. de los Médicis.

La gracia mágica, la belleza, la riqueza imaginativa y la brillante ejecución inherentes a las pinturas mitológicas también están presentes en varios de los famosos retablos de Botticelli pintados durante la década de 1480. Entre los mejores se encuentran el Retablo de Bardi que representa a la Virgen y el Niño con San Pedro. Juan el Bautista (1484) y la Anunciación de Cestello (1484-1490, Uffizi). Pero en la Anunciación de Cestello ya aparecen los primeros signos de manierismos, que fueron creciendo en las obras posteriores de Botticelli, alejándolo de la plenitud y riqueza de la naturaleza del período maduro de la creatividad a un estilo en el que el artista admira las peculiaridades de su propia manera. Las proporciones de las figuras se violan para potenciar la expresividad psicológica. Este estilo, de una forma u otra, es característico de las obras de Botticelli de la década de 1490 y principios de 1500, incluso para la pintura alegórica Calumnia (Uffizi), en la que el maestro exalta su propia obra, asociándola con la creación de Apeles, el más grande de los antiguos pintores griegos. Dos pinturas pintadas después de la caída de los Medici en 1494 e influenciadas por los sermones de Girolamo Savonarola (1452–1498), la Crucifixión (Cambridge, Massachusetts, Museo de Arte Fogg) y la Natividad Mística (1500, Londres, Galería Nacional), representan la encarnación de una fe inquebrantable Botticelli en el renacimiento de la Iglesia. Estas dos pinturas reflejan el rechazo del artista a la Florencia secular de la era Medici. Otras obras del maestro, como Escenas de la vida de una mujer romana Virginia (Bérgamo, Accademia Carrara) y Escenas de la vida de una mujer romana Lucretia (Boston, Isabella Stewart Gardner Museum), expresan su odio a la tiranía de los Médici.

Se han conservado pocos dibujos del propio Botticelli, aunque se sabe que a menudo le encargaban bocetos para telas y estampados. De excepcional interés es su serie de ilustraciones para la Divina Comedia de Dante. Los comentarios gráficos profundamente elaborados sobre el gran poema han quedado en gran parte inacabados.

Alrededor de 50 pinturas son en su totalidad o en gran parte por Botticelli. Fue el jefe de un floreciente taller, trabajando en los mismos géneros que el propio maestro, en el que se creaban productos de diferente calidad. Muchas de las pinturas están escritas por la propia mano de Botticelli o hechas según su plan. Casi todos ellos se caracterizan por una pronunciada planitud y linealidad en la interpretación de la forma, combinadas con un franco manierismo. Botticelli murió en Florencia el 17 de mayo de 1510.

No hay pintura más poética que la pintura de Sandro Botticelli (Botticelli, Sandro). El artista fue reconocido por la sutileza y expresividad de su estilo. El estilo brillantemente individual del artista se caracteriza por la musicalidad de la luz, las líneas temblorosas, la transparencia de los colores fríos y refinados, la animación del paisaje y el juego caprichoso de los ritmos lineales. Siempre buscó infundir el alma en nuevas formas pictóricas.

Alessandro di Mariano Filipepi nació el 1 de marzo de 1445 de Mariano y Smeralda Filipepi. Como mucha gente de la zona, su padre era curtidor. La primera mención de Alessandro, así como de otros artistas florentinos, la encontramos en el llamado "portate al Catasto", es decir, el catastro, donde se hacían las declaraciones de renta para impuestos, que, de acuerdo con el decreto del República de 1427, el jefe de cada florentino estaba obligado a hacer familias. En 1458, Mariano Filipepi indicó que tenía cuatro hijos: Giovanni, Antonio, Simone y Sandro, de trece años, y agregó que Sandro estaba "aprendiendo a leer, es un niño enfermizo". Alessandro recibió su nombre-apodo Botticelli ("barril") de su hermano mayor. El padre quería que el hijo menor siguiera los pasos de Antonio, que se dedicaba a la orfebrería desde al menos 1457, lo que marcaría el inicio de un pequeño pero fiable negocio familiar.

Según Vasari, la relación entre joyeros y pintores en aquella época era tan estrecha que entrar en el taller de uno significaba tener acceso directo al oficio de otros, y Sandro, que era bastante hábil en el dibujo, el arte necesario para realizar trabajos precisos. y confiado "ennegrecimiento", pronto se interesó por la pintura y decidió dedicarse a ella, sin olvidar las lecciones más valiosas del arte de la joyería, en particular, la claridad en el dibujo del contorno. Hacia 1464, Sandro entró en el taller de Fra Filippo Lippi procedente del monasterio de Carmine, el más excelente pintor de la época, que abandonó en 1467 a la edad de veintidós años.

Período temprano de la creatividad.

El estilo de Filippo Lippi tuvo una gran influencia en Botticelli, manifestada principalmente en ciertos tipos de rostros, detalles ornamentales y colorido. En sus obras de finales de la década de 1460, la linealidad y la gracia frágiles y planas, adoptadas de Filippo Lippi, son reemplazadas por una interpretación más poderosa de las figuras y una nueva comprensión de la plasticidad de los volúmenes. Casi al mismo tiempo, Botticelli comenzó a utilizar enérgicas sombras ocres para transmitir el color de la piel, una técnica que se convirtió en un rasgo característico de su estilo. Estos cambios se muestran con toda su fuerza en la pintura más antigua documentada para Merchant Court, Alegoría de la fuerza. (c.1470, Florencia, Galería de los Uffizi) y en una forma menos pronunciada en dos Madonnas tempranas (Nápoles, Galería Capodimonte; Boston, Museo Isabella Stewart Gardner). Dos famosas composiciones emparejadas La historia de Judith (Florencia, Uffizi), también entre las primeras obras del maestro (c. 1470), ilustran otro aspecto importante de la pintura de Botticelli: una narrativa viva y amplia, en la que se combinan expresión y acción. revelando la esencia dramática con total claridad argumental. También revelan un cambio de color ya iniciado, que se vuelve más brillante y más saturado, en contraste con la paleta pálida de Filippo Lippi, que prevalece en la primera pintura de Botticelli, La Adoración de los Reyes Magos (Londres, National Gallery).

Probablemente ya en 1469, Botticelli puede ser considerado un artista independiente, ya que en el catastro del mismo año Mariano afirmaba que su hijo trabajaba en casa. En el momento de la muerte de su padre, Filipepis poseía una propiedad considerable. Murió en octubre de 1469 y al año siguiente Sandro abrió su propio taller.

En 1472, Sandro ingresó en el gremio de San Lucas. Botticelli recibe pedidos principalmente en Florencia.

El ascenso del maestro

En 1469, el poder en Florencia pasó al nieto de Cosimo el Viejo, Lorenzo Medici, apodado el Magnífico. Su corte se convierte en el centro de la cultura florentina. Lorenzo, amigo de artistas y poetas, poeta y pensador refinado, se convierte en mecenas y cliente de Botticelli.

Entre las obras de Botticelli, solo unas pocas tienen fechas confiables; muchas de sus pinturas han sido fechadas en base a análisis estilísticos. Algunas de las obras más famosas datan de la década de 1470: la pintura de San Sebastián (1473), la primera representación de un cuerpo desnudo en la obra del maestro; Adoración de los Magos (c.1475, Uffizi). Dos retratos, un hombre joven (Florencia, Galería Pitti) y una dama florentina (Londres, Victoria and Albert Museum), datan de principios de la década de 1470. Algo más tarde, quizás en 1476, se realizó un retrato de Giuliano de' Medici, hermano de Lorenzo (Washington, National Gallery). Las obras de esta década demuestran el crecimiento gradual de la habilidad artística de Botticelli. Utilizó las técnicas y los principios establecidos en el primer tratado teórico destacado de Leon Battista Alberti sobre la pintura del Renacimiento (Sobre la pintura, 1435-1436) y experimentó con la perspectiva. A fines de la década de 1470, las fluctuaciones estilísticas y los préstamos directos de otros artistas, inherentes a sus primeros trabajos, desaparecieron en las obras de Botticelli. En ese momento, ya dominaba con confianza un estilo completamente individual: las figuras de los personajes adquieren una estructura fuerte y sus contornos combinan sorprendentemente claridad y elegancia con energía; la expresividad dramática se logra combinando acción activa y profunda experiencia interior. Todas estas cualidades están presentes en el fresco de San Agustín (Florencia, Iglesia Ognisanti), escrito en 1480 como composición emparejada con el fresco de Ghirlandaio San Jerónimo. Artículos alrededor de St. Agustín, - un atril, libros, instrumentos científicos - demuestran la habilidad de Botticelli en el género de la naturaleza muerta: están representados con precisión y claridad, revelando la capacidad del artista para captar la esencia de la forma, pero al mismo tiempo no son llamativos y no distraigas de lo principal. Quizás este interés por la naturaleza muerta esté asociado a la influencia de la pintura holandesa, que fue admirada por los florentinos del siglo XV. Por supuesto, el arte holandés influyó en la interpretación del paisaje de Botticelli. Leonardo da Vinci escribió que "nuestro Botticelli" mostraba poco interés por el paisaje: "... dice que este es un ejercicio vacío, porque basta con tirar una esponja empapada de colores en la pared, y dejará un lugar en el que se divisa un hermoso paisaje". Botticelli generalmente se contentó con usar motivos convencionales para los fondos de sus pinturas, variando al incorporar motivos de pintura holandeses como iglesias góticas, castillos y paredes para lograr un efecto pictórico romántico.

El artista escribe mucho por encargo de Lorenzo de' Medici y sus familiares. En 1475, con motivo del torneo, pinta un estandarte para Giuliano Medici. Y una vez incluso capturó a sus clientes en forma de magos en la pintura "La adoración de los magos" (1475-1478).Aquí también puedes encontrar el primer autorretrato del artista. Comienza el período más fructífero en la obra de Botticelli. A juzgar por el número de sus alumnos y asistentes registrados en el catastro, en 1480 el taller de Botticelli fue ampliamente reconocido.

En 1481, el Papa Sixto IV invitó a Botticelli a Roma, junto con Cosimo Rosselli y Ghirlandaio, para pintar frescos en las paredes laterales de la Capilla Sixtina recién reconstruida. Completó tres de estos frescos: Escenas de la vida de Moisés, La curación de un leproso y la tentación de Cristo, y El castigo de Coré, Datán y Abirón. En los tres frescos se resuelve magistralmente el problema de presentar un programa teológico complejo en escenas dramáticas claras, ligeras y animadas; mientras hace pleno uso de los efectos compositivos.

Después de regresar a Florencia, quizás a fines de 1481 o principios de 1482, Botticelli pintó sus famosas pinturas sobre temas mitológicos: La primavera, Palas y el centauro, El nacimiento de Venus (todas en los Uffizi) y Venus y Marte (Londres, National Gallery), perteneciente al número de las obras más famosas del Renacimiento y representando las verdaderas obras maestras del arte europeo occidental. Los personajes y tramas de estas pinturas están inspirados en las obras de los poetas antiguos, principalmente Lucrecio y Ovidio, así como en la mitología. Sienten la influencia del arte antiguo, un buen conocimiento de la escultura clásica o bocetos de ella, que se generalizaron en el Renacimiento. Entonces, las gracias de la Primavera se remontan al grupo clásico de las tres gracias, y la pose de Venus del Nacimiento de Venus, al tipo Venus Pudica (Venus tímida).

Algunos estudiosos ven estas pinturas como una encarnación visual de las principales ideas de los neoplatónicos florentinos, especialmente Marsilio Ficino (1433-1499). Sin embargo, los partidarios de esta hipótesis ignoran el principio sensual en las tres pinturas que representan a Venus y la glorificación de la pureza y la pureza, que es sin duda el tema de Palas y el Centauro. La hipótesis más plausible es que los cuatro cuadros fueron pintados con motivo de la boda. Son las obras sobrevivientes más notables de este género de pintura, que celebra el matrimonio y las virtudes asociadas con el nacimiento del amor en el alma de una novia pura y hermosa. Las mismas ideas son las principales en cuatro composiciones que ilustran la historia de Boccaccio Nastagio degli Onesti (ubicadas en diferentes colecciones), y dos frescos (Louvre), pintados alrededor de 1486 con motivo del matrimonio del hijo de uno de los socios más cercanos. de los Médicis.

Crisis del Alma Crisis de la Creatividad

En la década de 1490, Florencia experimentó trastornos políticos y sociales: la expulsión de los Medici, el gobierno a corto plazo de Savonarola con sus sermones religiosos y místicos acusatorios dirigidos contra el prestigio papal y el rico patriciado florentino.

Desgarrada por las contradicciones, el alma de Botticelli, que sentía la belleza del mundo descubierto por el Renacimiento, pero temía su pecaminosidad, no pudo soportarlo. Empiezan a sonar notas místicas en su arte, aparece el nerviosismo y el dramatismo. En la Anunciación de Cestello (1484-1490, Uffizi), ya aparecen los primeros signos de manierismos, que se incrementaron gradualmente en las obras posteriores de Botticelli, alejándolo de la plenitud y riqueza de la naturaleza del período maduro de la creatividad a un estilo en el que el artista admira las peculiaridades de su propia manera. Las proporciones de las figuras se violan para potenciar la expresividad psicológica. Este estilo, de una forma u otra, es característico de las obras de Botticelli de la década de 1490 y principios de 1500, incluso para la pintura alegórica Calumnia (Uffizi), en la que el maestro exalta su propia obra, asociándola con la creación de Apeles, el más grande de los antiguos pintores griegos.

En el cuadro "Las bodas de la Madre de Dios" (1490), se advierte en los rostros de los ángeles, y en la rapidez de sus posturas y gestos, una obsesión severa, intensa, casi un olvido báquico de sí mismo.

Tras la muerte del maestro mecenas Lorenzo Medici (1492) y la ejecución de Savonarola (1498), su carácter finalmente cambió. El artista rechazó no solo la interpretación de temas humanísticos, sino también el lenguaje plástico característico de él anteriormente. Sus últimas pinturas se distinguen por el ascetismo y la concisión del esquema de color. Sus obras están impregnadas de pesimismo y desesperanza. Una de las pinturas famosas de esta época, "Abandonado" (1495-1500), representa a una mujer llorando sentada en los escalones contra un muro de piedra con puertas bien cerradas.

"La creciente exaltación religiosa alcanza alturas trágicas en sus dos monumentales Lamentaciones de Cristo", escribe N.A. Belousova, "donde las imágenes de los seres amados de Cristo, que rodean su cuerpo sin vida, están llenas de un dolor desgarrador. En lugar de una frágil incorporeidad: volúmenes claros y generalizados , en lugar de exquisitas combinaciones de tonos desvaídos: poderosas armonías de colores, donde, en contraste con los tonos oscuros y ásperos, los puntos brillantes de cinabrio y el color rojo carmín suenan especialmente patéticos ".

En 1495, el artista completó la última de las obras para los Medici, escribiendo en una villa en Trebbio varias obras para una rama secundaria de esta familia.

En 1498, la familia Botticelli, como muestra el asiento catastral, poseía una propiedad considerable: tenían una casa en el barrio de Santa Maria Novella y, además, recibían ingresos de la villa Belsguardo, ubicada fuera de la ciudad, fuera de las puertas de San Frediano. .

Después de 1500, el artista rara vez tomaba un pincel. Su única obra emblemática de principios del siglo XVI es The Mystical Nativity (1500, Londres, National Gallery). La atención del maestro se centra ahora en la imagen de una visión maravillosa, mientras que el espacio realiza una función auxiliar. Esta nueva tendencia en la relación de las figuras y el espacio es también característica de las ilustraciones de la Divina Comedia de Dante, realizadas con pluma en un magnífico manuscrito.

En 1502, el artista recibió una invitación para ir al servicio de Isabella d'Este, duquesa de Mantua, pero, por razones desconocidas, este viaje no se llevó a cabo.

Aunque ya era un anciano y dejó la pintura, su opinión seguía siendo contada. En 1504, junto con Giuliano da Sangallo, Cosimo Rosselli, Leonardo da Vinci y Filippino Lippi, Botticelli participó en el encargo que debía elegir un lugar para la instalación del David, recién esculpido por el joven Miguel Ángel. La decisión de Filippino Lippi se consideró la más acertada y el gigante de mármol se colocó en el pedestal frente al Palazzo della Signoria. En las memorias de los contemporáneos, Botticelli aparece como una persona alegre y amable. Mantuvo abiertas las puertas de su casa y allí recibió gustosamente a sus amigos. El artista no ocultó los secretos de su habilidad a nadie, y sus alumnos no tenían fin. Incluso su maestro Lippi le trajo a su hijo Filippino.

Análisis de algunas obras.

"Judit", hacia 1470

Es una obra que está claramente relacionada con la obra tardía de Lipley. Es una especie de reflexión sobre lo que es un sentimiento. La heroína se representa en la luz temblorosa del amanecer después de lograr su hazaña. La brisa tira de su vestido, la excitación de los pliegues oculta el movimiento del cuerpo, no está claro cómo mantiene el equilibrio y mantiene una postura uniforme. El artista transmite la tristeza que se apoderó de la niña, esa sensación de vacío que sustituyó a la acción activa. Ante nosotros no hay un sentimiento definido, sino un estado mental, una lucha por algo oscuro, ya sea en anticipación del futuro, o por arrepentimiento por lo que se ha hecho, una conciencia de la futilidad, la futilidad de la historia y la melancólica disolución. del sentir en la naturaleza, que no tiene historia, donde todo sucede sin la ayuda de la voluntad.

"San Sebastián" 1473

La figura del santo está desprovista de estabilidad, el artista aligera y alarga su proporción, de modo que la bella forma del cuerpo del santo sólo puede compararse con el azul del cielo vacío, que parece aún más inaccesible por la lejanía de la paisaje. La forma clara del cuerpo no está llena de luz, la luz envuelve la materia, como si la disolviera, y la línea hace ciertas sombras y luces contra el cielo. El artista no exalta al héroe, sino que sólo lamenta la belleza profanada o derrotada, que el mundo no comprende, porque su fuente está más allá de las nociones mundanas, más allá del espacio natural, así como del tiempo histórico.

"Primavera" c.1478

Su significado simbólico es variado y complejo, su idea puede entenderse de diferentes maneras. Su significado conceptual es plenamente accesible sólo a los filósofos especialistas, además, a los iniciados, pero está claro para todo aquel que es capaz de sentir la belleza de una arboleda y un prado en flor, el ritmo de las figuras, el atractivo de los cuerpos y los rostros, la Suavidad de líneas, las más finas. combinaciones cromáticas. Si el significado de los signos convencionales ya no se reduce a fijar y explicar la realidad, sino que se utiliza para superarla y encriptarla, ¿de qué sirve toda la riqueza de conocimientos positivos que acumuló la pintura florentina en la primera mitad del siglo? y que condujo a las grandiosas construcciones teóricas de Pierrot? Y por tanto, la perspectiva como forma de representar el espacio pierde sentido, la luz como realidad física no tiene sentido, no vale la pena ocuparse de la transferencia de densidad y volumen como manifestaciones específicas de la materialidad y el espacio. La alternancia de troncos paralelos o el patrón de hojas en el fondo de "Primavera" no tienen nada que ver con la perspectiva, pero es precisamente en comparación con este fondo, sin profundidad, que el suave desarrollo de los ritmos lineales de las figuras, contrastando con el paralelismo de los troncos, adquiere un significado especial, al igual que las sutiles transiciones de color consiguen un sonido especial en combinación con los oscuros troncos de los árboles que se destacan nítidamente contra el cielo del foyer.

Frescos en la Capilla Sixtina 1481- 1482

Los frescos de Botticelli están escritos sobre temas bíblicos y evangélicos, pero no se interpretan en un plan "histórico". Por ejemplo, las escenas de la vida de Moisés pretenden ser un tipo de la vida de Cristo. Los temas de otras pinturas también tienen un significado figurativo: "La limpieza de un leproso" y "La tentación de Cristo" contienen un indicio de la fidelidad de Cristo a la ley de Moisés y, en consecuencia, la continuidad del Antiguo y Nuevo Testamento. "Castigo de Coré, Datán y Avirón" también alude a la continuidad de la ley de Dios (que se expresa simbólicamente en el arco de Constantino al fondo) y la inevitabilidad del castigo para quienes la transgreden, que está inequívocamente ligada en la mente de el espectador con enseñanzas heréticas. En algunas cosas se puede ver un atisbo de rostros y circunstancias contemporáneas del artista. Pero, al vincular eventos históricamente diferentes, Botticelli destruye la unidad espacio-temporal e incluso el significado de la narración misma. Episodios separados, a pesar del tiempo y el espacio que los separan, están soldados entre sí por tormentosos arranques de ritmo lineal que se suceden tras largas pausas, y ese ritmo, que ha perdido su carácter melódico, suave, lleno de repentinos estallidos y disonancias, es ahora confiado con el papel de un portador de drama que no puede expresarse más a través de las acciones o gestos de los personajes individuales.

"Nacimiento de Venus" c.1485

Este no es de ninguna manera un canto pagano de la belleza femenina: entre los significados inherentes a él, aparece la idea cristiana del nacimiento del alma del agua durante el bautismo. La belleza que el artista busca glorificar es, en todo caso, la belleza espiritual, no la belleza física: el cuerpo desnudo de la diosa significa naturalidad y pureza, la inutilidad de las joyas. La naturaleza está representada por sus elementos (aire, agua, tierra). El mar, agitado por la brisa que soplan Eolo y Bóreas, aparece como una superficie verde azulada, en la que las olas se representan con idénticos signos esquemáticos. La concha también es simbólica. Sobre el fondo de un amplio horizonte marino, se desarrollan tres episodios rítmicos con intensidad variable: vientos, Venus emergiendo de una concha, una doncella que la recibe con un velo decorado con flores (un indicio de la cubierta verde de la naturaleza). Tres veces nace el ritmo, alcanza su máxima tensión y se apaga.

"Anunciación"1489-1490

el artista trae a la escena, por lo general tan idílica, una confusión inusual, el Ángel irrumpe en la habitación y rápidamente cae de rodillas, y detrás de él, como chorros de aire cortados durante el vuelo, su ropa, transparente como el cristal, apenas visible, Levantate. Su mano derecha con una mano grande y largos dedos nerviosos se extiende hacia María, y María, como ciega, como en el olvido, extiende la mano hacia él. Parece como si corrientes internas, invisibles pero claramente tangibles, fluyeran de su mano a la mano de Mary y hicieran temblar y doblar todo su cuerpo.

"Navidad mística" 1500g

Quizás la más ascética, pero al mismo tiempo la más puntiaguda y polémica de todas las obras de su último período. Y lo acompaña con una inscripción apocalíptica, que augura grandes tribulaciones para la era venidera. Representa un espacio impensable en el que las figuras del primer plano son más pequeñas que las más lejanas, porque así lo hacían los "primitivos", las líneas no convergen en un punto, sino que zigzaguean por el paisaje, como en una miniatura gótica habitada por los ángeles

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El verdadero nombre de Sandro Botticelli es Alessandro di Mariano Filipepi. Es difícil nombrar a un artista del Renacimiento cuyo nombre estaría más asociado con la historia de Florencia. Nació en la familia del curtidor Mariano Vanni Filipepi. Tras la muerte de su padre, el hermano mayor se convierte en el cabeza de familia, un rico comerciante de divisas, apodado Botticelli (barril), este apodo se le quedó pegado bien por su excesiva adicción al vino, bien por su plenitud.

A la edad de quince o dieciséis años, el niño dotado ingresa al taller del famoso Philippi Lippi. Habiendo dominado la técnica de la pintura al fresco, Alessandro Botticelli (el apodo de su hermano se convirtió en una especie de seudónimo para el artista) ingresa al taller de arte más famoso de Florencia, Andrea Verocchio. En 1469, Sandro Botticelli conoció a Tomaso Soderini, un destacado estadista de la República de Florencia, quien reunió al artista con la familia Medici.

La falta de privilegios que brinda la riqueza y la nobleza le enseñó a Sandro desde su juventud a confiar en todo solo en su propia energía y talento. Las calles de Florencia con su maravillosa arquitectura y templos con estatuas y frescos de los fundadores del Renacimiento, Giotto y Masaccio, se convirtieron en una verdadera escuela para la "cabeza caprichosa" - el joven Sandro.

Buscando libertad y creatividad, el pintor no las encuentra en los temas tradicionales de la iglesia, sino donde está "abrumado por el amor y la pasión". Dejándose llevar y capaz de complacer, muy pronto encuentra su ideal en la imagen de una adolescente que conoce el mundo con curiosidad. Botticelli fue considerado un cantante de feminidad refinada. El artista da a todas sus Madonnas, como hermanas, el mismo rostro penetrante, pensante, encantadoramente irregular.

El artista fusiona sus observaciones de la vida con las impresiones de la poesía antigua y moderna. Gracias al género mitológico, la pintura italiana se seculariza y, traspasando los muros de las iglesias, penetra en los hogares de las personas como fuente cotidiana de disfrute de lo bello.

Para la familia Medici, Botticelli completó sus órdenes más importantes y famosas. Sandro nunca se fue de Florencia por mucho tiempo. Una excepción es su viaje a Roma a la corte papal en 1481-1482 para pintar como parte de un grupo de artistas de la biblioteca de la Capilla Sixtina. Al regresar, continúa trabajando en Florencia. En este momento, se escribieron sus obras más famosas: Primavera, el nacimiento de Venus.

La crisis política en Florencia, que estalló después de la muerte de Lorenzo el Magnífico, y el predicador militante Savonarola llegó al poder espiritual en la ciudad, no pudo sino afectar el trabajo del artista. Habiendo perdido el apoyo moral frente a la familia Medici, una persona profundamente religiosa y suspicaz, cayó en la dependencia espiritual de un predicador religioso exaltado e intolerante. Los motivos seculares han desaparecido casi por completo de la obra del maestro. La belleza y la armonía del mundo, que tanto emocionaban al artista, ya no tocaban su imaginación.

Sus obras sobre temas religiosos son secas y sobrecargadas de detalles, el lenguaje artístico se ha vuelto más arcaico. La ejecución de Savonarola en 1498 provocó una profunda crisis mental en Botticelli.

En los últimos años de su vida, dejó por completo de escribir, considerando esta ocupación pecaminosa y vana.

Simonetta era una de las mujeres más bellas de Florencia. Estaba casada, pero muchos jóvenes de familias ricas soñaban con una belleza, mostraban sus signos de atención especial. Fue amada por el hermano del gobernante de Florencia, Lorenzo Medici, Giuliano. Según los rumores, Simonetta correspondió al joven apuesto y muy gentil. El esposo, el señor Vespucci, dada la nobleza e influencia de la familia Medici, se vio obligado a soportar tal situación. Pero la gente de Florencia, gracias a la belleza de Simonetta, su sinceridad, amaba mucho a la niña.
Una mujer joven está de pie con el perfil vuelto hacia nosotros, su rostro claramente visible contra el fondo de la pared. La mujer se mantiene erguida y severa, con pleno sentido de su propia dignidad, y sus ojos miran resueltamente y un poco severos a lo lejos. A esta joven florentina de ojos claros no se le puede negar belleza, encanto, encanto. La curva de su largo cuello y la suave línea de sus hombros caídos cautivan con su feminidad.
El destino fue duro para Simonetta: muere de una enfermedad grave en su mejor momento, a los 23 años.

La pintura "Primavera" introduce al espectador en un jardín mágico encantado, donde los héroes de los mitos antiguos sueñan y bailan.
Aquí, todas las ideas sobre las estaciones están cambiadas. En las ramas de los árboles hay grandes frutos anaranjados. Y junto a los jugosos regalos del verano italiano, el primer verde de la primavera. El tiempo se ha detenido en este jardín para capturar la belleza eterna de la poesía, el amor, la armonía en un instante.
En medio de un prado en flor se encuentra Venus, la diosa del amor y la belleza; se la presenta aquí como una joven elegante. Su figura delgada y graciosamente curvada se destaca como un punto brillante sobre el fondo de la masa oscura del arbusto, y las ramas inclinadas sobre ella forman una línea semicircular, una especie de arco triunfal, creado en honor a la reina de esta fiesta de primavera. , que eclipsa con un gesto de bendición de su mano. Cupido se cierne sobre Venus, un pequeño dios juguetón, con un vendaje en los ojos y, al no ver nada frente a él, dispara al azar una flecha ardiente al espacio, diseñada para encender el corazón de alguien con amor. A la derecha de Venus, sus compañeros están bailando, las tres gracias, criaturas rubias con ropas blancas transparentes que no ocultan la forma de los cuerpos, sino que la suavizan ligeramente con pliegues que se arremolinan caprichosamente.
Cerca de las gracias danzantes se encuentra el mensajero de los dioses Mercurio; es fácilmente reconocible por la tradicional varita de caduceo, con la que, según la mitología, podía obsequiar generosamente a la gente, y por las sandalias aladas, que le daban la capacidad de moverse de un lugar a otro a la velocidad del rayo. Se pone un casco de caballero sobre sus rizos oscuros, se arroja una capa roja sobre su hombro derecho, una espada con una hoja muy curva y una magnífica empuñadura se cuelga sobre la capa. Mirando hacia arriba, Mercurio levanta un caduceo sobre su cabeza. ¿Qué significa su gesto? ¿Qué regalo trajo al reino de la primavera? Quizás dispersa las nubes con su varita para que ni una sola gota perturbe el jardín, encantado en su florecimiento.
Desde las profundidades de la espesura, más allá de los árboles inclinados, vuela el dios del viento Zephyr, que encarna el principio elemental de la naturaleza. Esta es una criatura inusual con piel azulada, alas y cabello azules, que viste una capa del mismo color. Está persiguiendo a la joven ninfa de los campos Chloe. Mirando hacia atrás a su perseguidor, casi cae hacia adelante, pero las manos del viento violento la atrapan y la sujetan. Del aliento de Zephyr, las flores aparecen en los labios de la ninfa, se desprenden y se mezclan con aquellas con las que Flora está esparcida.
Hay una corona en la cabeza de la diosa de la fertilidad, una guirnalda de flores alrededor de su cuello, una rama de rosas en lugar de un cinturón, y toda su ropa está tejida con flores de colores. Flora: la única de todos los personajes va directamente al espectador, parece mirarnos, pero no nos ve, está inmersa en sí misma.
En esta reflexiva composición melódica, donde el frágil encanto del nuevo tipo de Botticelli resonó de diferentes maneras en las imágenes exquisitamente transparentes de las Gracias danzantes, Venus y Flora, el artista ofrece a pensadores y gobernantes su propia versión de un orden mundial sabio y justo, donde reinan la belleza y el amor.

Diosa de la fertilidad - Flora.

¡La primavera misma!

Una imagen asombrosa, crea una atmósfera de ensueño, tristeza ligera. El artista retrató por primera vez a la diosa desnuda del amor y la belleza Venus del mito antiguo. La hermosa diosa, nacida de la espuma del mar, bajo la brisa del viento, de pie en un enorme caparazón, se desliza sobre la superficie del mar hasta la orilla. Una ninfa corre hacia ella, preparándose para arrojar un velo decorado con flores sobre los hombros de la diosa. Inmersa en sus pensamientos, Venus está de pie con la cabeza inclinada y su mano sosteniendo el cabello que fluye a lo largo de su cuerpo. Su delicado rostro espiritualizado está lleno de esa tristeza oculta sobrenatural. La capa azul lila de Zephyr, las delicadas flores rosadas, que caen bajo el soplo del viento, crean un esquema de color rico y único. El artista juega con el escurridizo juego de sentimientos en el cuadro, hace que toda la naturaleza -el mar, los árboles, los vientos y el aire- resuene con los melodiosos contornos del cuerpo y los ritmos contagiosos de los movimientos de su diosa de cabellos dorados.

Con egeo tormentoso, la cuna nadaba por el seno de Tetis en medio de aguas espumosas.

La creación de un cielo diferente, un rostro diferente a las personas, se eleva

En una pose encantadora, luciendo animada, es una joven virgen. implica

Zephyr enamorado se hunde a la orilla, y sus cielos se regocijan en su vuelo.

Dirían: el verdadero mar está aquí, y la concha con espuma, como si estuviera viva,

Y se puede ver: se vierte el brillo de los ojos de la diosa; ante ella con una sonrisa el cielo y los versos.

Allí, de blanco, Horas camina por la orilla, el viento alborota sus cabellos dorados.

Al salir del agua, se podía ver, ella, sosteniendo su mano derecha

Su cabello, otro cubriendo su pezón, a sus pies hay flores y hierbas

Cubrieron la arena con vegetación fresca.

(Del poema "Giostra" de Angelo Poliziano)

hermosa venus

Botticelli interpreta el mito del formidable dios de la guerra Marte y su amada, la diosa de la belleza Venus, en el espíritu de un elegante idilio, que debería haber complacido a Lorenzo el Magnífico, el gobernante de Florencia, y su séquito.
Marte desnudo, liberado de sus armaduras y armas, duerme, tendido sobre un manto rosa y apoyado en su caparazón. Apoyada en una almohada escarlata, Venus se eleva, fijando su mirada en su amado. Arbustos de arrayanes cierran la escena a derecha e izquierda, solo se ven pequeños huecos en el cielo entre las figuras de pequeños sátiros que juegan con las armas de Marte. Estas criaturas con patas de cabra, largas orejas afiladas y diminutos cuernos juguetean con los amantes. Uno se subió al caparazón, el otro se puso un casco de gran tamaño, en el que hundió la cabeza, y agarró la enorme lanza de Marte, ayudando a arrastrar a su tercer sátiro; el cuarto puso una concha dorada retorcida en la oreja de Marte, como si le susurrara sueños de amor y recuerdos de batallas.
Venus realmente posee al dios de la guerra, fue por ella que se dejó el arma, que se volvió innecesaria para Marte y se convirtió en un objeto de diversión para los pequeños sátiros.
Venus aquí es una mujer amorosa que guarda el sueño de su amado. La pose de la diosa es tranquila y, al mismo tiempo, hay algo frágil en su pequeño rostro pálido y manos demasiado delgadas, y su mirada está llena de tristeza y tristeza casi imperceptible. Venus encarna no tanto la alegría del amor como su ansiedad. El lirismo característico de Botticelli lo ayudó a crear una imagen poética femenina. Asombrosa gracia emana del movimiento de la diosa; ella está reclinada, su pie descalzo extendido, asomándose por debajo de la ropa transparente. El vestido blanco, adornado con bordados dorados, enfatiza las elegantes proporciones de un cuerpo esbelto y alargado y realza la impresión de pureza y moderación en la apariencia de la diosa del amor.
La postura de Marte atestigua la ansiedad que no lo deja ni en un sueño. La cabeza está fuertemente echada hacia atrás. En el rostro enérgico, el juego de luces y sombras resalta la boca entreabierta y la profunda y marcada arruga que cruza la frente.
El cuadro fue pintado sobre una tabla de madera de 69 X 173,5 cm, pudo haber servido como decoración para el respaldo de la cama. Se hizo en honor a los esponsales de uno de los representantes de la familia Vespucci.

El cuadro fue pintado en el período de mayor florecimiento del talento del artista. La imagen pequeña muestra a un joven con un modesto vestido marrón y una gorra roja. Para el retrato italiano del siglo XV, esto fue casi una revolución - hasta ese momento, todos los que encargaban su retrato se representaban de perfil o, a partir de la segunda mitad del siglo, en tres cuartos. Una cara joven agradable y abierta se ve en la imagen. El joven tiene grandes ojos castaños, nariz bien definida, labios carnosos y suaves. El hermoso cabello rizado que enmarca su rostro sale de debajo de la gorra roja.

El uso de técnicas mixtas (el artista usó pinturas al temple y al óleo) hizo posible que los contornos fueran más suaves y las transiciones de luz y sombra más saturadas en color.

Botticelli, como todos los artistas del Renacimiento, pintó la Virgen y el Niño muchas veces, en una variedad de temas y poses. Pero todos ellos se distinguen por su especial feminidad, suavidad. Con ternura, el bebé se aferró a la madre. Cabe decir que, a diferencia de los íconos ortodoxos, en los que las imágenes se hacen planas, como si enfatizaran la incorporeidad de la Madre de Dios, en las pinturas de Europa occidental, las madonas parecen vivas, muy terrenales.

"Decameron" - del griego "diez" y "día". Este es un libro que consta de las historias de un grupo de jóvenes nobles de Florencia que huyeron de la peste a una villa de campo. Instalados en una iglesia, cuentan diez historias durante diez días para divertirse en el exilio forzoso.
Sandro Botticelli, encargado por Antonio Pacchi, pintó una serie de cuadros basados ​​en una historia del Decamerón: "La historia de Nastagio degli Onesti" para la boda de su hijo.
La historia cuenta cómo un joven rico y bien nacido, Nastagio, se enamoró de una muchacha aún más bien nacida, desgraciadamente dotada de un carácter absurdo y un orgullo desorbitado. Para olvidar a los orgullosos, deja su Ravenna natal y parte hacia la cercana ciudad de Chiassi. Una vez, mientras caminaba con un amigo por el bosque, escuchó fuertes gritos y el llanto de una mujer. Y luego vi con horror cómo una hermosa niña desnuda corría por el bosque, seguida por un jinete a caballo con una espada en la mano, amenazando a la niña de muerte, y los perros estaban desgarrando a la niña por ambos lados...

Nastagio se asustó, pero, compadeciéndose de la niña, superó su miedo y corrió a ayudarla y, agarrando una rama de un árbol, fue hacia el jinete. El jinete gritó: "¡No me molestes, Nastagio! ¡Déjame hacer lo que esta mujer se merece!" Y dijo que una vez, hace mucho tiempo, amaba mucho a esta chica, pero ella le causó mucho dolor, por lo que por su crueldad y arrogancia se suicidó. Pero ella no se arrepintió, y pronto ella misma murió. Y luego los de arriba les impusieron tal castigo: constantemente la alcanza, la mata y le saca el corazón, arrojándoselo a los perros. Después de un tiempo, se aleja gateando, como si nada, y la persecución comienza de nuevo. Y así todos los días, a la misma hora. Hoy, viernes, a esta hora, él siempre la alcanza aquí, otros días, en otro lugar.

Nastagio pensó y entendió cómo darle una lección a su amada. Llamó a todos sus parientes y amigos a este bosque, a esta hora, el próximo viernes, mandó arreglar y poner ricas mesas. Cuando llegaron los invitados, puso a su amada y orgullosa mujer con su rostro justo donde debería aparecer la desafortunada pareja. Y pronto hubo exclamaciones, llantos, y todo se repitió... El jinete contó todo a los invitados, como antes lo había contado Nastagio. Los invitados miraron la ejecución con asombro y horror. Y la niña Nastagio pensó y se dio cuenta de que el mismo castigo podía esperarla. El miedo de repente dio lugar al amor por el joven.
Poco después de la cruel actuación de Nastagio, la niña envió a un abogado con su consentimiento para la boda. Y vivieron felices, en amor y armonía.

La composición es bidimensional. La Anunciación es la historia más fantástica de todas las historias del evangelio. La "Anunciación" - la buena nueva - es inesperada y fabulosa para María, como la aparición misma de un ángel alado frente a ella. Parece que otro momento, y María se desplomará a los pies del arcángel Gabriel, a punto de llorar él mismo. El dibujo de las figuras representa una tensión violenta. Todo lo que sucede tiene la naturaleza de la ansiedad, la desesperación sombría. La imagen se creó en el último período del trabajo de Botticelli, cuando su ciudad natal de Florencia perdió el favor de los monjes, cuando toda Italia estaba amenazada de muerte; todo esto le dio un tono sombrío a la imagen.

A través de la trama mitológica, Botticelli transmite en esta imagen la esencia de las cualidades morales de las personas.
El rey Midas se sienta en el trono, dos figuras insidiosas, la ignorancia y la sospecha, susurran calumnias sucias en los oídos de su burro. Midas escucha con los ojos cerrados, y frente a él se encuentra un hombre feo vestido de negro: esta es Malicia, que siempre guía las acciones de Midas. Slander está cerca: una hermosa joven con apariencia de pura inocencia. Y junto a ella hay dos hermosas compañeras constantes de Slander: Envy and Falsehood. Tejen flores y cintas en el cabello de la niña para que Slander siempre les sea favorable. La malicia atrae a Slander, que era el favorito del rey, hacia Midas. Ella misma, con todas sus fuerzas, atrae a la Víctima a la corte: un desafortunado joven semidesnudo. Es fácil entender cuál será el juicio.
A la izquierda, dos figuras más innecesarias están solas: Arrepentimiento, una anciana con ropa oscura de "funeral", y Verdad, desnuda y sabiendo todo. Dirigió su mirada a Dios y extendió su mano.

Los Reyes Magos son los reyes magos que, habiendo oído la buena noticia del nacimiento del niño Cristo, se apresuraron a acudir a la Madre de Dios y a su gran hijo con dones y deseos de bondad y longanimidad. Todo el espacio está lleno de sabios, con ricas ropas, con regalos, todos anhelan presenciar un gran evento: el nacimiento del futuro Salvador de la humanidad.
El sabio se arrodilló ante la Madre de Dios y besó con reverencia el borde del manto del pequeño Jesús.

Ante nosotros está Giuliano Medici, el hermano menor del gobernante de Florencia, Lorenzo el Magnífico. Era alto, esbelto, guapo, ágil y fuerte. Le apasionaba la caza, la pesca, los caballos, le encantaba jugar al ajedrez. Por supuesto, no pudo eclipsar a su hermano en política, diplomacia o poesía. Pero Giuliano amaba mucho a Lorenzo. La familia soñaba con convertir a Giuliano en cardenal, pero esta intención no se realizó.
Giuliano llevó un estilo de vida que correspondía a los requisitos de la época y la posición de los Medici. Los florentinos recordaron durante mucho tiempo su túnica de brocado plateado adornada con rubíes y perlas cuando, siendo un joven de dieciséis años, actuó en uno de estos festivales.
Las chicas más hermosas de Florencia se enamoraron de él, pero Giuliano solo acompañó a una en todas partes: Simonetta Vespucci. Aunque la niña estaba casada, esto no le impidió corresponder al encantador Giuliano. El amor de Giuliano por Simonetta fue cantado en un poema de Poliziano, y su temprana muerte convirtió su relación en una leyenda romántica.
Al igual que Simonetta, Giuliano falleció temprano. Pero no por enfermedad, sino que fue asesinado durante un ataque a Florencia por parte de los seguidores del Papa, la familia Pazzi. Justo en la catedral, en la multitud, durante el servicio, los asesinos insidiosos atacaron a los patriotas de Florencia, creando una estampida. Por supuesto, primero querían matar a Lorenzo, pero logró escapar, pero Giuliano no tuvo suerte, fue asesinado por una mano malvada e insidiosa.
En el retrato, el artista creó una imagen espiritual de Giuliano Medici, marcada por la tristeza y la fatalidad. La cabeza de un joven de cabello oscuro está vuelta de perfil y se destaca sobre el fondo de la ventana. El rostro del joven es significativo y hermoso: una frente alta y limpia, una nariz fina y ganchuda, una boca sensual, una barbilla maciza. Los ojos están cubiertos por un pesado semicírculo de los párpados, en cuya sombra la mirada apenas parpadea. El artista enfatiza la palidez de su rostro, el pliegue amargo de sus labios, una ligera arruga que cruza el puente de su nariz, esto realza la impresión de tristeza oculta. penetrando el rostro de Giuliano. La simplicidad del esquema de color, que consiste en rojo, marrón y azul grisáceo, corresponde a la moderación general de la composición y la imagen en sí.

Detalles Categoría: Bellas artes y arquitectura del Renacimiento (Renacimiento) Publicado el 13.10.2016 19:14 Vistas: 3498

“Su arte puramente personal reflejaba el rostro de la época. En él, como en un foco, se conjugaba todo lo que precedió a ese momento de la cultura, y todo lo que entonces constituía el “presente” (A. Benois).

El verdadero nombre del artista es Alessandro Mariano Di Vanni Di Amedeo Filipepi. Nació en una familia sencilla, su padre era curtidor de cuero, pero fue criado por su hermano mayor Antonio, que era un joyero maravilloso. Por su plenitud, fue apodado "Botticello" (barril), este apodo pasó a Sandro. Pero existe la opinión de que Botticelli recibió este apodo por las características de su figura. Sin embargo, esto no tiene nada que ver con su trabajo.
Sandro Botticelli (1445-1510)- el famoso artista italiano del Renacimiento temprano, representante de la escuela florentina. Lo primero que llama la atención al mirar las pinturas de Botticelli es su espiritualidad y colorido sutil. Se cree que Botticelli creó unas 50 pinturas.
Sandro estudió como todos los niños de su época, y luego se convirtió en aprendiz en el taller de joyería de su hermano Antonio. Pero no permaneció mucho tiempo en ella y hacia 1464 se convirtió en aprendiz de Filippo Lippi, uno de los artistas famosos de la época.

Influencia de Filippo Lippi

El trabajo de Filippo Lippi tuvo una gran influencia en Botticelli, y con una mirada cercana a las pinturas de estos artistas, esta influencia es obvia. Por ejemplo, un giro de tres cuartos de la cara, la decoración del patrón de cortinas, manos, una tendencia a los detalles, el lirismo de las imágenes creadas. Pero lo principal es el color. Brilla suavemente. Aquí, a modo de comparación, están las pinturas de F. Lippi y S. Botticelli.

F. Lippi. Altar del Noviciado. Uffizi (Florencia)

S. Botticelli "Madonna and Child with Two Angels" (1465-1470)
Un dato interesante: al principio, Botticelli fue alumno de Lippi, y luego el hijo de Lippi se convirtió en alumno de Botticelli.
Los artistas colaboraron hasta 1467, y luego sus caminos se separaron: Filippo se fue a Spoleto, Botticelli se quedó en Florencia y abrió allí su taller en 1470.

Obras sobre temas religiosos y mitológicos (obras tempranas)

Botticelli estuvo cerca de la corte Medici y círculos humanistas en Florencia. Y esto era de gran importancia, porque. Los Medici, una familia oligárquica, son conocidos como mecenas de los artistas y arquitectos más destacados del Renacimiento. Representantes de esta familia de los siglos XIII al XVIII. repetidamente se convirtieron en los gobernantes de Florencia.
De las obras de S. Botticelli de la segunda mitad del siglo XV. Me gustaría destacar algunos.

S. Botticelli. Díptico sobre la historia de Judith

judith- un personaje del Antiguo Testamento, una viuda judía que salvó a su ciudad natal de la invasión de los asirios. Judith es considerada un símbolo de la lucha de los judíos contra los opresores, un símbolo de patriotismo. Cuando las tropas asirias sitiaron su ciudad natal, se vistió y fue al campamento de los enemigos, donde atrajo la atención del comandante. Cuando se durmió, ella le cortó la cabeza con una espada afilada, pasó tranquilamente junto a los soldados dormidos y regresó a su ciudad natal salvada.
El díptico consta de 2 cuadros: "El Regreso de Judit" y "Encontrando el Cuerpo de Holofernes".
Es la escena del regreso de Judith la que Botticelli representa en este cuadro.

S. Botticelli "Regreso de Judith" (1472-1473)
Judith está acompañada por su criada. La niña sostiene una enorme espada en la mano, su rostro está concentrado y triste, sus pies están descalzos, camina a su casa con paso decidido - la doncella apenas le sigue el ritmo con su paso rápido, sosteniendo la canasta con la cabeza del Rey Holofernes en su mano.
Botticelli no muestra a Judith como una niña hermosa y seductora (como la retrataron muchos artistas), prefiere el momento heroico en la vida de Judith.

S. Botticelli "San Sebastián" (1474)

Sebastián (Sebastián)- Legionario romano, santo cristiano, venerado como mártir. Fue el jefe de la Guardia Pretoriana bajo los emperadores Diocleciano y Maximiano. En secreto profesaba el cristianismo. Dos de sus amigos (los hermanos Marcos y Marcelino) fueron condenados a muerte por su fe en Cristo. Los familiares y esposas de los condenados les rogaban que renunciaran a su fe y salvaran sus vidas, y en un momento Marcos y Marcelino comenzaron a dudar, pero Sebastián llegó a apoyar a los condenados, su discurso inspiró a los hermanos y los convenció de permanecer fieles al cristianismo. . Los que escucharon a Sebastián vieron siete ángeles y un joven que bendijo a Sebastián y le dijo: "Siempre estarás conmigo".
Sebastián fue arrestado e interrogado, después de lo cual el emperador Diocleciano ordenó que lo sacaran de la ciudad, lo ataron y lo atravesaron con flechas. Pensando que estaba muerto, los verdugos lo dejaron solo, pero ninguno de sus órganos vitales resultó dañado por las flechas y sus heridas, aunque profundas, no fueron fatales. Una viuda llamada Irina vino de noche a enterrarlo, pero descubrió que estaba vivo y lo estaba dejando. Muchos cristianos instaron a Sebastián a huir de Roma, pero él se negó y se presentó ante el emperador con nuevas pruebas de su fe. Por orden de Diocleciano, fue apedreado hasta la muerte, y su cuerpo fue arrojado a la Gran Cloaca. El santo se le apareció en sueños a la cristiana Lukina y le ordenó que tomara su cuerpo y lo enterrara en las catacumbas, y la mujer cumplió con este mandato.
En el cuadro de Botticelli, Sebastián está tranquilo, no le teme a la muerte; parece que las flechas que atraviesan su cuerpo no excitan al héroe en absoluto. Llevó su fe con paciencia y humildad a través de todo sufrimiento.

S. Botticelli "La adoración de los magos" (c. 1475). Galería Uffizi (Florencia)

En la imagen de los Reyes Magos, Botticelli representó a tres miembros de la familia Medici: Cosimo el Viejo, arrodillado ante la Virgen María, y sus hijos Piero di Cosimo (un hechicero arrodillado con una túnica roja en el centro de la imagen) y Giovanni di Cosimo a su lado. Cuando se pintó el cuadro, los tres ya estaban muertos, Florencia estaba gobernada por el nieto de Cosimo, Lorenzo Medici. También está representado en la pintura junto con su hermano Giuliano.

Se hace un autorretrato del propio Botticelli en forma de un joven rubio con una túnica amarilla en el borde derecho de la imagen.
D. Vasari habló de esta imagen de la siguiente manera: “Es imposible describir toda la belleza que Sandro puso en la imagen de las cabezas giradas en una amplia variedad de posiciones, ya sea de frente, luego de perfil, luego en medio. -girar, entonces, finalmente, inclinado, o bien como de cualquier otra manera- también es imposible describir toda la diversidad en las expresiones faciales de los jóvenes y los ancianos con todas las desviaciones por las que se puede juzgar la perfección de su habilidad. - después de todo, incluso en las suites de los tres reyes introdujo tantas características distintivas que es fácil entender quién sirve a uno y quién sirve a otro. Verdaderamente, esta obra es el mayor milagro, y ha sido llevada a tal perfección en el color, el dibujo y la composición que todos los artistas todavía se asombran de él.
En este momento, Botticelli pinta maravillosos retratos.

S. Botticelli "Retrato de un hombre desconocido con la medalla de Cosimo Medici el Viejo" (c. 1475). Uffizi (Florencia)
El cuadro está pintado sobre tabla de madera al temple. Se utilizó una técnica única para el Renacimiento: se hizo un nicho redondo en el tablero, donde se insertó una pastilla, una copia de la medalla fundida en honor a Cosimo Medici alrededor de 1465, moldeada en yeso y cubierta con pintura dorada.
La innovación del artista radica en que representó al joven casi de frente (antes se representaba el busto estrictamente de perfil), con las manos claramente dibujadas (esto no se había hecho antes) y con un paisaje de fondo (antes el fondo era neutral).

S. Botticelli "Retrato de una mujer joven" (1476-1480). Galería de Berlín
Botticelli crea este retrato de acuerdo con los principios de F. Lippi, su maestro: vuelve a un perfil estricto con una silueta elegante y un marco rígido, nicho o ventana. El retrato es idealizado, cercano a la imagen colectiva.
¿Quién fue el modelo? Es difícil dar una respuesta. Y los supuestos son: Simonetta Vespucci (amor secreto y modelo de Botticelli y del amado Giuliano Medici); madre o esposa de Lorenzo de' Medici (el Magnífico).

En Roma (1481-1482)

En ese momento, Botticelli se había convertido en un artista muy famoso no solo en Florencia, sino también en el extranjero. Sus órdenes fueron muy numerosas. El Papa Sixto IV, que construyó la capilla en su palacio romano, también quiso que Sandro Botticelli la pintara. En 1481, Botticelli llega a Roma. Junto con Ghirlandaio, Rosselli y Perugino, pintó frescos en las paredes de la capilla papal del Vaticano, conocida como la Capilla Sixtina. Obtendrá fama mundial después, en 1508-1512. el techo y la pared del altar serán pintados por Miguel Ángel.
Botticelli creó tres frescos para la capilla: “El castigo de Corea, Daphne y Aviron”, “La tentación de Cristo” y “La llamada de Moisés”, así como 11 retratos papales.

S. Botticelli "La tentación de Cristo" (1482)

En la parte superior del fresco se representan tres episodios del Evangelio, la tentación de Cristo. A la izquierda, el demonio, disfrazado de ermitaño, persuade a Jesús en ayunas para que convierta las piedras en pan y satisfaga su hambre. En el centro, el diablo está tratando de hacer que Jesús salte desde lo alto del Templo en Jerusalén para probar la promesa de Dios de protección angelical. A la derecha, el diablo en la cima de la montaña le promete a Jesús riquezas terrenales y poder sobre el mundo si rechaza a Dios y lo adora a él, el diablo. Jesús despide al diablo y los ángeles vienen a ministrar al Hijo de Dios.
En primer plano, un joven curado de lepra se acerca al sumo sacerdote del Templo para declarar su limpieza. En sus manos hay una copa de sacrificio y un rociador. El sumo sacerdote simboliza a Moisés, que trajo la ley, y el joven representa a Jesús, que derramó su sangre y dio su vida en nombre de la humanidad, y luego resucitó.
Algunas de las figuras del primer plano son retratos de contemporáneos del autor.

Las pinturas seculares de Botticelli

La obra más famosa y misteriosa de Botticelli es "Primavera" ("Primavera").

S. Botticelli "Primavera" (1482). Galería Uffizi (Florencia)
La imagen muestra un claro en un jardín de naranjos, todo salpicado de flores. Las flores, según los botánicos, se reproducen con precisión fotográfica, pero entre ellas no solo se encuentran las flores de primavera, sino también las de verano e incluso las de invierno.
Tres personajes del primer grupo: el dios del viento del oeste, Céfiro, persigue a Cloris, representada en el momento de la transformación en Flora: las flores ya salen volando de su boca; la diosa de las flores Flora misma esparce rosas con mano generosa.
El grupo central lo forma en soledad Venus, la diosa de los jardines y el amor. Arriba de Venus está Cupido con los ojos vendados, dirigiendo una flecha hacia el medio de Harita.
A la izquierda de Venus hay un grupo de tres Harit, que bailan tomados de la mano.
El último grupo lo forma Mercurio con sus atributos: casco, sandalias aladas. Botticelli lo retrató como un guardia de jardín con una espada.
Todos los personajes casi no tocan el suelo, parecen flotar sobre él.
Hay muchas interpretaciones de la pintura. Se pueden dividir condicionalmente en filosóficos, mitológicos, religiosos, históricos y exóticos.
Alrededor de 1485, Botticelli crea otra pintura famosa, El nacimiento de Venus.

S. Botticelli "El nacimiento de Venus" (1482). Uffizi (Florencia)

Se cree que la modelo de Venus fue Simonetta Vespucci.
La imagen ilustra el mito del nacimiento de Venus (Afrodita griega. Lea en el artículo "Dioses olímpicos"). La diosa desnuda flota hacia la orilla en la aleta de concha, impulsada por el viento. En el lado izquierdo de la imagen, Zephyr (viento del oeste) en los brazos de su esposa Clorida (Rom. Flora) sopla sobre una concha, creando un viento lleno de flores. En la orilla, la diosa se encuentra con una de las gracias.
En la pose de Venus, la influencia de la escultura griega clásica es claramente visible. Las proporciones del cuerpo se basan en el canon de la armonía y la belleza.
La obra de Sandro Botticelli se distingue por una especial melodía de la línea en cada una de sus pinturas, un sentido del ritmo y la armonía, pero son especialmente pronunciados en su “Primavera” y “El Nacimiento de Venus”. El artista nunca usó técnicas de estarcido, por lo que sus pinturas entusiasman al espectador moderno.

Pinturas religiosas de S. Botticelli de la década de 1480

Las obras religiosas de Botticelli de esta época son los mayores logros creativos del pintor.

"Madonna Magníficat"(1481-1485) se hizo famoso durante la vida del artista. La pintura representa la Coronación de la Madre de Dios por dos ángeles disfrazados de jóvenes. Otros tres ángeles sostienen un libro abierto frente a ella, en el que María entra en una doxología que comienza con las palabras: Magnificat anima mea Dominum ("Mi alma engrandece al Señor"). En el regazo de María está el niño Jesús, y en su mano izquierda sostiene una granada, símbolo de la misericordia de Dios.

Obras posteriores de Sandro Botticelli

En la década de 1490, el artista se encontraba en un estado moral difícil. La muerte de Lorenzo el Magnífico, la toma de Florencia por las tropas francesas y las visiones apocalípticas de Savonarola, con quien simpatizaba Botticelli, todo ello influyó fuertemente en su conciencia. Sus cuadros de este período están llenos de dramatismo, melancolía y desesperanza ("Abandonados", "Lamentación de Cristo", "Calumnias", etc.).

S. Botticelli "Abandonado" (c. 1495). Roma, colección Pallavicini
Se representa a una joven solitaria con gran dolor y confusión. Una figura agazapada contra el fondo de una pared en blanco, y no hay nada más en esta imagen inusual y extraña, incluso para Sandro. ¿Quien es esta mujer? Su rostro podría explicarnos algo, pero su rostro simplemente no es visible. Los vestidos desgastados insinúan un viaje largo, solitario y sin esperanza. Las camisas están esparcidas sobre los escalones como cadáveres... "Abandonado" es tan ambiguo que su verdadero significado es más amplio que cualquier trama específica.

S. Botticelli "Lamentación de Cristo" (1495)
Tres Marías y Juan el Teólogo se inclinaron de dolor ante el cuerpo sin vida de Cristo. Todo el día estuvieron de pie en la cruz, viendo su tormento y muerte. José de Arimatea, habiéndose acercado a Pilato, pidió el cuerpo de Jesús. Entonces Pilato ordenó que le entregaran el cuerpo. José está representado con una corona de espinas en la mano. Tomando el cuerpo, José lo envolvió en un sudario limpio y lo colocó en su nuevo ataúd, que talló en la roca, en el ataúd que José, anticipándose a su propia muerte, preparó para sí mismo.
Botticelli colocó todas las figuras muy cerca unas de otras y en los bordes del cuadro. Parecen formar una cruz y una unidad sobre el cuerpo de Cristo.
Juan el Teólogo se aferró a la Virgen María, porque Cristo legó a su amada discípula el tratarla como a una madre. María Magdalena abraza sus piernas, y María, la madre de Santiago el Joven, cabeza de Cristo...
Botticelli murió el 17 de mayo de 1510. Fue enterrado en el cementerio de la Iglesia de Todos los Santos en Florencia.
En la obra de Botticelli, las características de la poesía sublime, la sofisticación, la sofisticación, la espiritualidad y la belleza están vívidamente encarnadas. Este es uno de los artistas más emotivos y líricos del Renacimiento.