Nejslavnější obrazy moderního umění. Obrazy slavných současných umělců

Hodnocení nejdražších děl žijících umělců je konstrukce, která o roli a místě umělce v dějinách umění vypovídá mnohem méně než o věku a zdraví.

Pravidla pro sestavení našeho hodnocení jsou jednoduchá: za prvé se berou v úvahu pouze transakce s díly žijících autorů; zadruhé, berou se v úvahu pouze veřejné dražby; a za třetí je dodržováno pravidlo „jeden umělec – jedno dílo“ (pokud Jonesovi v hodnocení děl patří dva rekordy, pak zůstává pouze ten nejdražší a na zbytek se nebere ohled). Hodnocení se provádí v dolarech (podle směnného kurzu v den prodeje).

1. JEFF KOONS Králík. 1986. 91,075 milionů dolarů

Čím déle sledujete aukční kariéru Jeffa Koonse (1955), tím více nabýváte přesvědčení, že pro pop art není nic nemožné. Sochy Koons můžete obdivovat v podobě balonkových hraček, nebo je můžete považovat za kýč a nevkus – vaše právo. Jedno se nedá upřít: instalace Jeffa Koonse stojí šílené peníze.

Jeff Koons začal svou cestu ke slávě jako nejúspěšnější žijící umělec na světě již v roce 2007, kdy byla jeho obří kovová instalace Hanging Heart zakoupena za 23,6 milionu dolarů v Sotheby's. Dílo koupila Larry Gagosian Gallery zastupující Koons (v tisku napsal, že bylo to v zájmu ukrajinského miliardáře Viktora Pinchuka).Galerie získala nejen instalaci, ale v podstatě dílo šperkařského umění, přestože dílo není ze zlata (jako materiál posloužila nerezová ocel) a je rozměrově zřetelně větší než běžný přívěsek (socha o výšce 2,7 m váží 1 600 kg), ale účel má podobný.Na výrobě kompozice se srdcem potaženým 10 vrstev barvy.V důsledku toho byly za velkolepou „dekoraci“ zaplaceny obrovské peníze.

Další byl prodej Purple Balloon Flower za 12,92 milionu liber (25,8 milionu $) v Christie's London 30. června 2008. Zajímavé je, že o sedm let dříve předchozí majitelé „Květiny“ koupili dílo za 1,1 milionu dolarů.Lze snadno spočítat, že za tuto dobu se jeho tržní cena zvýšila téměř 25krát.

Pokles na trhu s uměním v letech 2008–2009 dal skeptikům důvod k pomluvám, že móda pro Koons pominula. Ale mýlili se: spolu s trhem s uměním byl oživen zájem o díla Koons. Nástupce Andyho Warhola na trůnu krále pop-artu aktualizoval své osobní maximum v listopadu 2012 prodejem pestrobarevné sochy „Tulipány“ ze série „Triumph“ v Christie's za 33,7 milionů dolarů včetně provize.

Ale „tulipány“ byly „květiny“ v doslovném i přeneseném smyslu. Jen o rok později, v listopadu 2013, následoval prodej nerezové plastiky balónkového psa (oranžová): cena kladívka byla až 58,4 milionu dolarů! Na žijícího umělce pohádková suma. Dílo současného autora bylo prodáno za cenu Van Goghova nebo Picassova obrazu. To byly jahody...

S tímto výsledkem Koons několik let kraloval na vrcholu žebříčku žijících umělců. V listopadu 2018 ho nakrátko překonal David Hockney (viz druhé místo v našem žebříčku). Ale o pouhých šest měsíců později se vše vrátilo do normálu: 15. května 2019 v New Yorku na aukci poválečného a současného umění Christie's nabídla k prodeji učebnicovou sochu pro Koonse z roku 1986 - stříbrného „králíka“ vyrobeno z nerezové oceli, imitující balónek podobného tvaru.

Celkem Koons vytvořil 3 takové sochy plus jednu autorskou kopii. V aukci byl exemplář "Králíka" číslo 2 - ze sbírky kultovního nakladatelství Cy Newhouse, spolumajitele vydavatelství Conde Nast (časopisy Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ atd.). Stříbrného "Králíka" koupil "otec půvabu" Cy Newhouse v roce 1992 za působivou částku podle standardů těch let - 1 milion dolarů. Po 27 letech v boji 10 zájemců byla cena kladiva sochy 80krát vyšší než předchozí prodejní cena. A s provizí Kupujícího Premium byl konečný výsledek rekordních 91,075 milionu dolarů pro všechny žijící umělce.

2. DAVID HOKNEY Portrét umělce. Bazén se dvěma postavami. 1972. 90 312 500 $

David Hockney (1937) je jedním z nejvýznamnějších britských umělců 20. století. V roce 2011 byl David Hockney zvolen nejvlivnějším britským umělcem všech dob v anketě tisíců profesionálních britských malířů a sochařů. Hockney přitom obešel takové mistry jako William Turner a Francis Bacon. Jeho tvorba je zpravidla připisována pop-artu, i když ve svých raných dílech tíhl spíše k expresionismu v duchu Francise Bacona.

Narodil se a vyrůstal David Hockney v Anglii, Yorkshire. Matka budoucího umělce udržovala rodinu v puritánské přísnosti a jeho otec, jednoduchý účetní, který trochu amatérsky kreslil, povzbuzoval svého syna k malování. Ve svých necelých dvaceti letech se David přestěhoval do Kalifornie, kde žil celkem asi tři desetiletí. Má tam ještě dvě dílny. Hockney udělal z hrdinů svých děl místní boháče, jejich vily, bazény, trávníky zalité kalifornským sluncem. Jedno z jeho nejslavnějších děl amerického období - obraz "Splash" - je obrazem snopu spreje stoupajícího z bazénu poté, co člověk skočil do vody. Aby Hockney znázornil tento svazek, který „nežije“ déle než dvě sekundy, pracoval dva týdny. Mimochodem, tento obraz byl v roce 2006 prodán v Sotheby’s za 5,4 milionu dolarů a nějakou dobu byl považován za jeho nejdražší dílo.

Hockney (1937) je sice už osmdesátník, ale stále pracuje a dokonce vymýšlí nové výtvarné techniky s využitím technických inovací. Kdysi přišel s nápadem dělat z polaroidových obrázků obrovské koláže, svá díla tiskl na faxech a dnes umělec s nadšením ovládá kreslení na iPadu. Obrazy nakreslené na tabletu zaujímají na jeho výstavách své právoplatné místo.

V roce 2005 se Hockney konečně vrátil ze Spojených států do Anglie. Nyní maluje v plenéru a v ateliéru obrovské (často složené z několika částí) krajiny místních lesů a pustin. Podle Hockneyho si za 30 let v Kalifornii tak nezvykl na jednoduché střídání ročních období, že ho to skutečně fascinuje a fascinuje. Celé cykly jeho posledních prací se věnují například stejné krajině v různých ročních obdobích.

V roce 2018 Hockneyho obrazy několikrát překonaly hranici 10 milionů dolarů. A 15. listopadu 2018 byl v Christie's zaregistrován nový absolutní rekord za dílo žijícího umělce - 90 312 500 $ za obraz "Portrait of the Artist (Pool with Two Figures)".

3. GERHARD RICHTER Abstraktní malba. 1986. 46,3 milionů dolarů

Žijící klasika Gerhard Richter (1932) je v našem žebříčku na druhém místě. Německý umělec byl lídrem mezi žijícími kolegy, dokud neudeřil 58miliontý rekord Jeffa Koonse. Je ale nepravděpodobné, že by tato okolnost mohla otřást Richterovou již tak železnou autoritou na trhu s uměním. Podle výsledků z roku 2012 je roční aukční obrat německého umělce na druhém místě za Andy Warholem a Pablo Picasso.

Dlouhá léta nic nepředznamenalo úspěch, který na Richtera nyní dopadl. Umělec zabíral desítky let skromné ​​místo na trhu současného umění a vůbec netoužil po slávě. Dá se říci, že ho sláva dostihla sama. Za výchozí bod mnozí považují nákup Richterovy série 18. října 1977 newyorským muzeem MoMA v roce 1995. Americké muzeum zaplatilo 3 miliony dolarů za 15 maleb ve stupních šedi a brzy začalo uvažovat o uspořádání plnohodnotné retrospektivy německého umělce. Grandiózní výstava byla otevřena o šest let později, v roce 2001, a od té doby zájem o Richterovo dílo rostl mílovými kroky. Od roku 2004 do roku 2008 se cena jeho obrazů ztrojnásobila. V roce 2010 již Richterova díla vynesla 76,9 milionů dolarů, v roce 2011 podle webu Artnet vydělala Richterova díla v aukci celkem 200 milionů dolarů a v roce 2012 (podle Artprice) - 262,7 milionů dolarů - více než dílo kteréhokoli jiný žijící umělec.

Zatímco například u Jaspera Johnse doprovází drtivý úspěch na aukci hlavně jen raná díla, tak ostré rozdělení není pro Richterova díla typické: stejně stabilní je poptávka po věcech z různých tvůrčích období, kterých bylo v Richterově tvorbě velké množství. kariéra. Za posledních šedesát let si tento umělec vyzkoušel téměř všechny tradiční malířské žánry – portrét, krajina, marina, akt, zátiší a samozřejmě abstrakce.

Historie Richterových aukčních desek začala sérií zátiší „Svíčky“. 27 fotorealistických obrázků svíček na počátku 80. let, v době, kdy byly napsány, stálo pouze 15 000 německých marek (5 800 dolarů) za dílo. Na jejich první výstavě v Galerii Maxe Hetzlera ve Stuttgartu si ale Candles stále nikdo nekoupil. Tehdy se téma obrazů nazývalo staromódní; Dnes jsou "Svíčky" považovány za díla všech dob. A stojí miliony dolarů.

V únoru 2008 "Svíčka", napsaný v roce 1983, byl nečekaně koupen za £ 7,97 milionu (16 milionů $). Tento osobní rekord trval tři a půl roku. Pak v říjnu 2011 další "Svíčka" (1982)šel pod kladivo v Christie's už za £ 10,46 milionu (16,48 milionu $). S touto deskou se Gerhard Richter poprvé zařadil mezi tři nejúspěšnější žijící umělce a zaujal jeho místo za Jasperem Johnsem a Jeffem Koonsem.

Poté začal vítězný průvod Richterových „Abstraktních obrazů“. Umělec maluje taková díla unikátní autorskou technikou: směs jednoduchých barev nanáší na světlý podklad a poté je roztírá na plátno dlouhou škrabkou velikosti nárazníku auta. Výsledkem jsou složité barevné přechody, skvrny a pruhy. Zkoumání povrchu jeho „Abstraktních obrazů“ je jako vykopávky: mezerami četných barevných vrstev na nich prohlížejí stopy různých „postav“.

9. listopadu 2011 na aukci moderního a poválečného umění Sotheby's ve velkém "Abstraktní malba (849-3)" 1997 šel pod kladivo pro 20,8 milionu $ (13,2 milionu GBP). A o šest měsíců později, 8. května 2012 na aukci poválečného a současného umění Christie's v New Yorku "Abstraktní malba (798-3)" Rok 1993 byl rekordní 21,8 milionu dolarů(včetně provize). O pět měsíců později – opět rekord: "Abstraktní malba (809-4)" ze sbírky rockového hudebníka Erica Claptona 12. října 2012 v Sotheby's v Londýně šel pod kladivo za £ 21,3 milionu (34,2 milionu $). Bariéru 30 milionů vzal Richter s takovou lehkostí, jako by nešlo o moderní malbu, ale o mistrovská díla stará už sto let – ne méně. I když se v případě Richtera zdá, že k zařazení do panteonu „velkého“ došlo již za umělcova života. Německé ceny nadále rostou.

Další Richterova deska patřila fotorealistickému dílu – krajině "Catedral Square, Milan (Domplatz, Mailand)" 1968. Dílo bylo prodáno za 37,1 milionu na aukci Sotheby's 14. května 2013. Pohled na nejkrásnější náměstí namaloval německý umělec v roce 1968 na zakázku společnosti Siemens Electro, speciálně pro milánskou kancelář společnosti. V době svého psaní to bylo největší Richterovo figurální dílo (velikost téměř tři krát tři metry).

Rekord na náměstí Cathedral Square stál téměř dva roky, až 10. února 2015 nepřerušil ho "Abstraktní malba" ( 1986): cena kladiva dosáhla £ 30,389 milionu (46,3 milionu $). Abstraktní obraz o rozměrech 300,5 × 250,5 cm, vydražený v aukční síni Sotheby’s, je jedním z prvních Richterových velkoformátových děl v jeho speciální autorské technice seškrabávání vrstev barvy. Naposledy v roce 1999 byl tento „Abstraktní obraz“ zakoupen v aukci za 607 tisíc dolarů (od letošního roku až do současného prodeje bylo dílo vystaveno v Ludwigově muzeu v Kolíně nad Rýnem). Jistý americký klient v aukci 10. února 2015 dosáhl v aukčních krocích 2 miliony liber příklepové ceny 46,3 milionu dolarů, tedy od roku 1999 dílo zdražilo více než 76krát!

4. Tsui Zhuzhuo "Velké zasněžené hory." 2013. 39,577 milionu dolarů

Dlouho jsme bedlivě nesledovali vývoj situace na čínském uměleckém trhu, protože jsme nechtěli čtenáře zahltit přehnaným množstvím informací o „ne našem“ umění. S výjimkou disidenta Aj Wej-weje, který není ani tak drahý jako zvučný umělec, se nám čínští autoři zdáli příliš početní a vzdálení nám, abychom se pustili do toho, co se tam na jejich trhu děje. Ale statistika, jak se říká, je vážná dáma, a pokud mluvíme o nejúspěšnějších žijících autorech světa, pak se neobejdeme bez příběhu o vynikajících představitelích současného umění Nebeské říše.

Začněme čínským umělcem Cui Ruzhuo. Umělec se narodil v roce 1944 v Pekingu a v letech 1981 až 1996 žil v USA. Po návratu do Číny začal učit na Národní akademii umění. Cui Ruzhuo reinterpretuje tradiční čínský styl malby tuší a vytváří obrovská svitková plátna, která si čínští podnikatelé a úředníci rádi navzájem prezentují jako dárky. Na Západě se o něm ví jen velmi málo, i když si mnozí musí pamatovat příběh o svitku za 3,7 milionu dolarů, který omylem vyhodili uklízeči hongkongského hotelu a spletli si ho s odpadky. Takže to byl svitek Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo je sedmdesátník a trh s jeho tvorbou vzkvétá. Přes 60 děl tohoto umělce překonalo hranici 1 milionu dolarů, jeho díla však zatím uspěla pouze na čínských aukcích. Desky Cui Ruzhuo jsou opravdu působivé. Nejprve to „Krajina ve sněhu“ na Poly aukci v Hong Kongu 7. dubna 2014 dosáhla kladívkové ceny 184 milionů HK$ ( 23,7 milionů USD).

Přesně o rok později 6. dubna 2015 na speciální Poly aukci v Hong Kongu věnované výhradně dílu Cui Ruzhuo, seriálu „Velká zasněžená scenérie hornatého Jiangnanu“(Jiangnan je historická oblast v Číně, která zabírá pravý břeh dolního toku Yangtze.) z osmi krajin inkoustem na papíře dosáhlo kladné ceny 236 milionů HK$ ( 30,444 milionů USD).

O rok později se historie znovu opakovala: na samostatné aukci Cui Ruzhuo, pořádané Poly Auctions v Hong Kongu 4. dubna 2016 polyptych v šesti částech "Velké zasněžené hory" Kladívková cena v roce 2013 (včetně provize aukční síně) dosáhla 306 milionů HK$ (39,577 milionů USD). Mezi asijskými žijícími umělci jde zatím o absolutní rekord.

Podle obchodníka s uměním Johnsona Chana, který s čínským současným uměním pracuje již 30 let, existuje bezpodmínečná touha zvýšit ceny za díla tohoto autora, ale to vše se děje v cenové hladině, kterou zkušení sběratelé pravděpodobně nebudou chtít něco koupit. "Číňané chtějí zvýšit hodnocení svých umělců tím, že zvýší ceny za jejich díla na velkých mezinárodních aukcích, jako je ta, kterou pořádá Poly v Hong Kongu, ale není pochyb o tom, že tato hodnocení jsou zcela vymyšlená," komentuje Johnson Chang nejnovější zprávy Cui Ruzhuo. záznam.

Toto je samozřejmě pouze názor jediného prodejce a ve všech databázích máme zaznamenán skutečný záznam. Vezměme ho tedy v úvahu. Cui Ruzhuo sám, soudě podle svých výroků, má daleko ke skromnosti Gerharda Richtera, pokud jde o jeho aukční úspěch. Zdá se, že tento závod o rekordy ho vážně uchvacuje. „Doufám, že v příštích 5-10 letech ceny mých děl převýší ceny za díla západních mistrů, jako jsou Picasso a Van Gogh. To je čínský sen,“ říká Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Vlajka. 1983. 36 milionů dolarů

Třetí místo v žebříčku žijících umělců patří Američanovi Jasperu Johnsovi (1930). Aktuální rekordní cena za Jonesovo dílo je $ 36 milionů. Tolik zaplatil za jeho slavný "Vlajka" na aukci Christie's 12. listopadu 2014.

Série „vlajkových“ obrazů, kterou Jones započal v polovině 50. let, bezprostředně po umělcově návratu z armády, se stala jednou z ústředních v jeho tvorbě. Již v mládí se umělec zajímal o myšlenku readymade, přeměny každodenního předmětu v umělecké dílo. Jonesovy vlajky však nebyly pravé, byly namalovány olejem na plátno. Umělecké dílo tak získalo vlastnosti věci z běžného života, bylo zároveň obrazem vlajky i vlajky samotné. Série děl s vlajkami přinesla Jasperu Johnsovi celosvětovou slávu. Neméně populární jsou ale jeho abstraktní díla. V čele žebříčku nejdražších děl, sestavovaném podle výše uvedených pravidel, byl dlouhá léta abstrakt "Chybný start". Až do roku 2007 bylo toto velmi světlé a dekorativní plátno, namalované Jonesem v roce 1959, považováno za majitele prakticky nedostupné ceny pro žijícího umělce (byť celoživotní klasiky) - $ 17 milionů. Tolik za to zaplatili ve zlatě pro trh s uměním 1988.

Zajímavé je, že zkušenost Jaspera Johnse jako rekordmana nebyla nepřetržitá. V roce 1989 byl přerušen prací svého kolegy Willema de Kooninga: dvoumetrová abstrakce "Mixing" byla prodána v Sotheby's za 20,7 milionu dolarů. Jasper Johns se musel přestěhovat. Ale po 8 letech, v roce 1997, de Kooning zemřel , a " Falešný start "Jones opět obsadil první řadu aukčního hodnocení žijících umělců na téměř 10 let.

Ale v roce 2007 se vše změnilo. Rekord False Start byl poprvé zastíněn tvorbou mladého a ambiciózního Damiena Hirsta a Jeffa Koonse. Poté došlo k rekordnímu prodeji za 33,6 milionu dolarů obrazu "The Sleeping Benefit Inspector" od Lusien Freud (nyní zesnulé, a proto se neúčastní tohoto hodnocení). Pak začaly záznamy Gerharda Richtera. Obecně je zatím s aktuálním rekordem 36 milionů na třetím místě Jasper Johns, jeden z mistrů amerického poválečného umění, působící na pomezí neodadaismu, abstraktního expresionismu a pop-artu.

6. ED RUSHAY Rozbít. 1963. 30,4 milionů dolarů

Náhlý úspěch obrazu "Smash" od amerického umělce Edward Ruscha (nar. 1937) v aukci Christie's 12. listopadu 2014 přivedl tohoto autora do řady nejdražších žijících umělců. Předchozí rekordní cena za dílo Eda Ruschy (jméno Ruscha se v ruštině často vyslovuje jako „Rusha“, ale správná výslovnost je Ruscha) byla „jen“ 6,98 milionu dolarů: tolik zaplatili za jeho plátno „Burning Gas stanice“ v roce 2007. O sedm let později jeho Rozbít s odhadem 15–20 milionů dolarů dosáhl ceny kladiva 30,4 milionu dolarů. Je zřejmé, že trh s díly tohoto autora dosáhl nové úrovně - ne nadarmo Barack Obama zdobí svými díly Bílý dům a ve svých galeriích ho vystavuje sám Larry Gagosian.

Ed Ruscha nikdy neaspiroval na poválečný New York s jeho vášní pro abstraktní expresionismus. Místo toho přes 40 let hledal inspiraci v Kalifornii, kam se v 18 letech přestěhoval z Nebrasky. Umělec stál u zrodu nového trendu v umění, zvaného pop art. Edward Ruscha se spolu s Warholem, Lichtensteinem, Waynem Thiebaudem a dalšími zpěváky populární kultury zúčastnil v roce 1962 výstavy New Image of Ordinary Things v Pasadenském muzeu, která se stala první muzejní výstavou amerického pop-artu. Sám Ed Ruscha však nemá rád, když je jeho dílo připisováno pop-artu, konceptualismu nebo jinému uměleckému směru.

Jeho jedinečný styl se nazývá „text painting“. Od konce 50. let začal Ed Ruscha malovat slova. Stejně jako se pro Warhola stala plechovka polévky uměleckým dílem, pro Eda Ruschu obyčejná slova a fráze, převzaté buď z billboardu nebo obalu v supermarketu, nebo z titulků filmu (Hollywood byl vždy po Ruschově boku a na rozdíl od mnoha svých kolegů umělců Rushey respektoval „továrnu snů“). Slova na jeho plátnech získávají vlastnosti trojrozměrných předmětů, jsou to skutečná zátiší ze slov. Při pohledu na jeho plátna nás jako první napadne vizuální a zvukový vjem nakresleného slova a teprve poté - sémantický význam. To druhé zpravidla nelze jednoznačně dešifrovat; slova a fráze, které vybral Ruscha, lze interpretovat různými způsoby. Stejné jasně žluté slovo „Smash“ na sytě modrém pozadí může být vnímáno jako agresivní výzva k rozbití něčeho nebo někoho na kusy; jako osamocené přídavné jméno vytržené z kontextu (například část novinového titulku) nebo jednoduše jako jediné slovo zachycené v městském proudu vizuálních obrazů. Ed Ruscha si libuje v této nejistotě. "Vždy jsem měl hluboký respekt k podivným, nevysvětlitelným věcem... Vysvětlení v jistém smyslu zabíjí věc," řekl v rozhovoru.

7. CHRISTOPHER WOOL Bez názvu (RIOT). 1990. 29,93 milionů dolarů

americký umělec Christopher Wool(1955) poprvé prorazil do žebříčku žijících umělců v roce 2013 – po prodeji díla „Apocalypse Now“ za 26,5 milionu dolarů.Tento rekord ho okamžitě postavil na roveň Jasperu Johnsovi a Gerhardu Richterovi. Částka této historické transakce - více než 20 milionů dolarů - mnohé překvapila, protože před ní ceny za umělcova díla nepřesáhly 8 milionů dolarů. Rychlý růst trhu s díly Christophera Woola byl však již v té době patrný. : umělcova historie zahrnovala 48 aukčních transakcí v hodnotě více než 1 milion dolarů a 22 z nich (téměř polovina) se uskutečnilo v roce 2013. O dva roky později dosáhl počet děl Chrise Woola, prodaných za více než 1 milion dolarů, čísla 70 a nový osobní rekord na sebe nenechal dlouho čekat. V aukci Práce Sotheby's z 12. května 2015 „Bez názvu (RIOT)“ byl prodán za $ 29,93 milionu včetně prémie kupujícího.

Christopher Wool je známý především svým velkým černým písmem na bílých hliníkových plechách. Právě oni zpravidla vytvářejí rekordy na aukcích. To všechno jsou věci z konce 80. a začátku 90. let. Jak praví legenda, Wool se jednoho večera procházel večer po New Yorku a najednou uviděl graffiti černými písmeny na novém bílém náklaďáku – slova sex a luv. Tento pohled na něj zapůsobil natolik, že se okamžitě vrátil do studia a se stejnými slovy napsal vlastní verzi. Psal se rok 1987 a další umělcovo hledání slov a frází pro svá „doslovná“ díla odráží rozporuplný duch této doby. To zahrnuje výzvu „prodej dům, prodej auta, prodej děti“, kterou převzal Wool z filmu Apocalypse Now, a slovo „FOOL“ („blázen“) napsané velkými písmeny a slovo „RIOT“ („ rebelie“), často se vyskytující v novinových titulcích té doby.

Slova a fráze Vlna nanášená na hliníkové plechy pomocí šablon s alkydovými nebo emailovými barvami, záměrně zanechávající šmouhy, stopy po šablonách a další důkazy o tvůrčím procesu. Umělec rozdělil slova tak, aby divák hned nepochopil význam. Nejprve vidíte pouze shluk písmen, to znamená, že slovo vnímáte jako vizuální objekt, a teprve potom čtete a dešifrujete význam fráze nebo slova. Vlna použila font, který používala americká armáda po druhé světové válce, což umocňuje dojem rozkazu, směrnice, sloganu. Tato „dopisná“ díla jsou vnímána jako součást městské krajiny, jako nelegální graffiti, která narušila čistotu povrchu nějakého uličního objektu. Tato série děl Christophera Woola je uznávána jako jeden z vrcholů lingvistické abstrakce, a proto je vysoce ceněna milovníky současného umění.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 milionů dolarů

britský Peter Doig(1959), ač patří ke generaci postmodernistů Koonse a Hirsta, si pro sebe zvolil zcela tradiční žánr krajiny, který vyspělým umělcům dlouho nepřál. Peter Doig svým dílem oživuje uvadající zájem veřejnosti o figurativní malbu. Jeho dílo je vysoce oceňováno jak kritiky, tak laiky, o čemž svědčí rychlý růst cen jeho děl. Jestliže na počátku 90. let stály jeho krajiny několik tisíc dolarů, nyní jde účet do milionů.

Doigovo dílo je často označováno jako magický realismus. Na základě skutečných krajin vytváří fantazijní, tajemné a často ponuré obrazy. Umělec rád zobrazuje předměty opuštěné lidmi: zchátralou budovu postavenou Le Corbusierem uprostřed lesa nebo prázdnou bílou kánoi na hladině lesního jezera. Kromě přírody a fantazie se Doig inspiruje horory, starými pohlednicemi, fotografiemi, amatérskými videi a tak dále. Doigovy obrazy jsou barevné, složité, dekorativní a nejsou provokativní. Je hezké vlastnit takový obraz. Nízká produktivita autora podněcuje i zájem sběratelů: umělec žijící na Trinidadu nevytvoří více než tucet obrazů ročně.

Na počátku roku 2000 byly jednotlivé krajiny umělce prodány za několik set tisíc dolarů. Ve stejné době bylo Doigovo dílo zařazeno do Saatchi Gallery, na Bienále ve Whitney Museum a do sbírky MoMA. V roce 2006 byla překonána aukční laťka 1 milion dolarů a následující rok nastal nečekaný průlom: dílo „Bílá kánoe“, nabízené v Sotheby's 7. února 2007 s odhadem 0,8–1,2 milionu dolarů, překonalo předběžný odhad pětkrát a byl prodán za 5,7 milionu liber (11,3 milionu dolarů). V té době to byla rekordní cena za dílo žijícího evropského umělce.

V roce 2008 uspořádal Doig samostatné výstavy v Tate Gallery a Muzeu moderního umění v Paříži. Mnohomilionové cenovky za Doigovu práci se staly normou. Osobní rekord Petera Doiga se v poslední době několikrát ročně aktualizuje - máme čas pouze změnit obrázek a místo tohoto umělce v našem žebříčku žijících autorů.

Dosud nejdražším dílem Petera Doiga je sněhová krajina z Rosedale z roku 1991. Zajímavé je, že rekord nevznikl v Sotheby's nebo Christie's, ale na aukci současného umění Phillips. Stalo se tak 18. května 2017. Pohled na zasněžené Rosedale, jednu z torontských čtvrtí, byl prodán kupci telefonu za 28,81 milionů dolarů, což je o 3 miliony dolarů více oproti předchozímu rekordu (25,9 milionů dolarů za "Swallowed in the Mire"). Obraz „Rosedale“ se v roce 1998 zúčastnil Doigovy klíčové výstavy v Whitechapel Gallery v Londýně a obecně bylo toto dílo na trhu čerstvé, a proto je rekordní cena zasloužená.

9. FRANK STELLA Kapské borovice. 1959. 28 milionů dolarů

Frank Stella je jasným představitelem post-malby abstrakce a minimalismu v umění. V určité fázi se o něm mluví jako o stylu malby hard edge. Stella nejprve stavěl do kontrastu přísnou geometrii, asketickou monochromii a strukturovanost svých obrazů se spontánností a nahodilostí pláten abstraktních expresionistů, jako byl Jackson Pollock.

Koncem 50. let si umělce všiml slavný galerista Leo Castelli a poprvé mu byla udělena výstava. Na něm představil tzv. "Černé obrazy" - plátna přemalovaná paralelními černými linkami s tenkými mezerami nenabarveného plátna mezi nimi. Linie se skládají do geometrických tvarů, trochu připomínajících optické klamy, právě ty obrázky, které se míhají, pohybují, kroutí, vytvářejí pocit hlubokého prostoru, když se na ně díváte delší dobu. Stella ve svých dílech na hliníku a mědi navázal na téma paralelních linií s tenkými dělícími proužky. Měnila se barevnost, obrazový základ a dokonce i tvar maleb (vynikají mimo jiné práce ve tvaru písmen U, T, L). Ale hlavní princip jeho malby stále spočíval v jasnosti obrysu, monumentalitě, jednoduché formě, monochromii. V následujících desetiletích se Stella posunula od takové geometrické malby k hladkým, přirozeným formám a liniím a od monochromatických maleb k jasným a pestrým barevným přechodům. V 70. letech Stella uchvátily obrovské vzory, kterými se malovaly lodě. Umělec je použil pro obrovské obrazy s asamblážními prvky - do svých děl zahrnul kusy ocelových trubek nebo drátěného pletiva.

Frank Stella ve svých raných rozhovorech otevřeně mluví o významech vkládaných do jeho díla, nebo spíše o jejich nepřítomnosti: "Co vidíte, je to, co vidíte." Obraz je objekt sám o sobě, nikoli reprodukce čehokoli. "Je to rovný povrch s barvou a ničím jiným," řekla Stella.

No, podepsaný Frankem Stellou, tento „povrch s barvou“ by dnes mohl mít hodnotu milionů dolarů. Poprvé v žebříčku žijících umělců se Frank Stella dostal v roce 2015 prodejem Delaware Crossing (1961) za 13,69 milionu dolarů včetně provize.

O čtyři roky později, 15. května 2019, byl raným dílem (1959) „Cape of Pines“ stanoven nový rekord: cena kladiva byla přes 28 milionů dolarů včetně provize. Jedná se o jeden z 29 "černých obrazů" - přesně těch, se kterými Stella debutoval na své první výstavě v New Yorku. Absolvent Princetonské univerzity Frank Stella měl tehdy 23 let. Často neměl dost peněz na olejové barvy pro umělce. Mladý umělec dělal měsíčky jako opravářskou práci, velmi se mu líbily čisté barvy barev a pak vznikl nápad pracovat s touto barvou na plátně. Černou emailovou barvou Stella maluje rovnoběžné pruhy a mezi nimi zanechává tenké čáry nenatřeného plátna. Navíc píše bez pravítek, od oka, bez předběžného náčrtu. Stella nikdy přesně nevěděla, kolik černých čar se na konkrétním obraze objeví. Například na obraze „Cape of Pines“ je jich 35. Název díla odkazuje na název mysu v Massachusetts Bay – Point of pines. Na počátku 20. století zde byl velký zábavní park a dnes je jednou ze čtvrtí města Revere.

10. YOSHITOMO NARA Nůž za zády. 2000. 24,95 milionů dolarů

Yoshitomo Nara (1959) je jednou z klíčových postav japonského neo-popu. Japonec – protože i přes celosvětovou slávu a mnohaletou práci v zahraničí se jeho tvorba stále vyznačuje výraznou národní identitou. Nařinými oblíbenými postavami jsou dívky a psi ve stylu japonské mangy a anime komiksů. Obrazy, které mnoho let vymýšlel, „šly k lidem“: jsou vytištěny na tričkách, vyrábí se s nimi suvenýry a různé „merch“. Narodil se v chudé rodině, daleko od hlavního města, je nejen milován pro svůj talent, ale také oceňován jako člověk, který se vypracoval. Umělec pracuje rychle a expresivně. Je známo, že některá jeho mistrovská díla byla dokončena doslova přes noc. Obrazy a sochy Yoshitomo Nara jsou zpravidla velmi stručné, až střídmé ve výrazových prostředcích, vždy však nesou silný emocionální náboj. Dospívající dívky v Naře se často dívají na diváka s nevlídným mžouráním. V jejich očích - drzost, výzva a agresivita. V rukou - pak nůž, pak cigareta. Panuje názor, že zobrazené perverze chování jsou reakcí na tísnivou veřejnou morálku, různá tabu a principy výchovy přijaté Japonci. Téměř středověká tvrdost a hanba vhánějí problémy dovnitř a vytvářejí půdu pro opožděnou emocionální explozi. "Nůž za zády" jen velkoryse odráží jednu z hlavních myšlenek umělce. V tomto díle je nenávistný pohled dívky a hrozivě vinutá ruka za jejími zády. Do roku 2019 již obrazy a sochy Yoshitoma Nary překročily hranici milionu nebo dokonce několika milionů více než jednou. Ale dvacet milionů – poprvé. Nara je jedním z nejslavnějších světových umělců narozených v Japonsku. A teď to nejdražší ze živých. 6. října 2109 v Sotheby's v Hong Kongu převzal tento titul od Takashi Murakamiho a znatelně překonal 90letou avantgardní umělkyni Yayoi Kusama (maximální aukční ceny jejích obrazů se již blíží 9 milionům dolarů).

11. ZENG FANZHI Poslední večeře. 2001. 23,3 milionů dolarů

V Sotheby's Hong Kong 5. října 2013 plátno v ročním měřítku "Poslední večeře" pekingský umělec Zeng Fanzhi (1964) byl prodán za rekordní částku 160 milionů hongkongských dolarů - 23,3 milionu dolarů USA. Konečné náklady na Fanzhiho dílo, napsané samozřejmě pod vlivem Leonarda da Vinciho, se ukázaly být dvojnásobkem předběžného odhadu asi 10 milionů $. Předchozí cenový rekord Zeng Fanzhi byl $ 9,6 milionu zaplatil na aukci Christie's Hong Kong v květnu 2008 za dílo Série masky. 1996 č. 6".

„Poslední večeře“ je největší (2,2 × 4 metry) obraz od Fanzhi ze série „Masky“, pokrývající období od roku 1994 do roku 2001. Cyklus je věnován vývoji čínské společnosti pod vlivem ekonomických reforem. Zavedení prvků tržní ekonomiky vládou ČLR vedlo k urbanizaci a nejednotnosti Číňanů. Fanzhi zobrazuje obyvatele moderních čínských měst, kteří musí bojovat o místo na slunci. Známá kompozice fresky Leonarda ve čtení Fanzhi dostává zcela jiný význam: scéna je přenesena z Jeruzaléma do učebny čínské školy s typickými hieroglyfickými tabulemi na stěnách. „Kristus“ a „apoštolové“ se proměnili v průkopníky se šarlatovými kravatami a zlatou kravatu nosí jen „Jidáš“ – to je metafora západního kapitalismu, pronikajícího a ničícího obvyklý způsob života v socialistické zemi.

Díla Zeng Fanzhi jsou stylově blízká evropskému expresionismu a jsou stejně dramatická. Ale zároveň jsou plné čínských symbolů a specifik. Tato všestrannost přitahuje k umělcovu dílu jak čínské, tak západní sběratele. Přímým potvrzením toho je provenience Poslední večeře: dílo dal do aukce slavný sběratel čínské avantgardy 80. a počátku 90. let, belgický baron Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Most. 1980. 20,6 milionů dolarů

V aukci Christie's 13. května 2015 abstraktní práce "Most" 85letý americký umělec Robert Ryman(Robert Ryman) byl prodán za 20,6 milionu dolarů s přihlédnutím k provizi - dvakrát dražší než nižší odhad.

Robert Ryman(1930) si hned neuvědomil, že se chce stát umělcem. Ve 23 letech se přestěhoval do New Yorku z Nashvillu v Tennessee, kde se chtěl stát jazzovým saxofonistou. Mezitím se z něj nestal slavný muzikant, musel si přivydělávat jako ochranka v MoMA, kde se seznámil se Saulem LeWittem a Danem Flavinem. První pracoval v muzeu jako noční sekretář a druhý jako hlídač a obsluha výtahu. Inspirován díly abstraktních expresionistů, které viděl na MoMA – Rothko, De Kooning, Pollock a Newman – začal Robert Ryman malovat v roce 1955.

O Rymanovi se často mluví jako o minimalistovi, ale raději je nazýván „realistou“, protože ho nezajímá vytváření iluzí, pouze demonstruje kvality materiálů, které používá. Většina jeho děl je malována barvami všech možných odstínů bílé (od šedavé či nažloutlé až po oslnivě bílou) vycházející z lakonického čtvercového tvaru. Robert Ryman během své kariéry vyzkoušel mnoho materiálů a technik: maloval oleji, akrylem, kaseinem, emailem, pastelem, kvašem aj. na plátno, ocel, plexisklo, hliník, papír, vlnitou lepenku, vinyl, tapety atd. Jeho přítel, profesionální restaurátor, Orrin Riley, mu poradil ohledně žíravosti materiálů, které uvažoval o použití. Jak kdysi řekl umělec: „Nikdy nemám otázku co pište, hlavní věc - jak napsat". Je to všechno o textuře, povaze tahů, hranici mezi barevným povrchem a hranami základny a také o vztahu mezi dílem a stěnou. Od roku 1975 jsou zvláštním prvkem jeho tvorby svítidla, která si Ryman sám navrhuje a záměrně je nechává viditelná, čímž zdůrazňuje jeho dílo „tak skutečné, jako jsou skutečné stěny, na kterých visí“. Ryman raději dává dílům „jména“ než „názvy“. „Jméno“ pomáhá odlišit jedno dílo od druhého a Ryman svá díla často pojmenovává podle značek barev, firem atd. a „titul“ si nárokuje jakési narážky a hluboce skryté významy, jejichž přítomnost v jeho díla, která umělec pravidelně popírá. Na ničem jiném než na materiálu a technice nezáleží.

13. Damien Hirst Ospalé jaro. 2002. 19,2 milionů dolarů

anglický umělec Tomu Damienu Hirstovi (1965) byl určen k tomu, aby se jako první dostal na první místo v tomto hodnocení ve sporu s žijícím klasikem Jasperem Johnsem. Již zmíněné dílo „False Start“ by mohlo zůstat dlouho nepotopitelným lídrem, kdyby 21. června 2007 instalace v té době 42letý Hirst "Ospalé jaro"(2002) nebyl prodán v Sotheby's za £ 9,76 milionu, tedy za 19,2 milionu dolarů. Dílo má mimochodem poněkud neobvyklý formát. Jednak se jedná o vitrínu s atrapami pilulek (6 136 pilulek), vlastně klasickou instalaci. A na druhou stranu je tato vitrína vyrobena naplocho (10 cm hluboká), zasazena do rámu a zavěšena na stěnu jako plazmový panel, čímž plně poskytuje komfort držení, který je obrazům vlastní. V roce 2002 se sestra instalace, Sleepy Winter, prodala za 7,4 milionu dolarů, což je více než polovina ceny. Rozdíl v ceně někdo "vysvětlil" tím, že tablety jsou v zimě více vybledlé. Je však jasné, že toto vysvětlení je naprosto neopodstatněné, protože mechanismus cen pro takové věci již není spojen s jejich dekorativním účinkem.

V roce 2007 mnozí uznali Hirsta za autora nejdražšího díla mezi žijícími umělci. Otázka je ovšem z kategorie "podle toho, jak počítat." Faktem je, že Hurst se prodával za drahé libry a Jones za dolary, které nyní zlevnily a dokonce i před dvaceti lety. Ale i kdybychom počítali v nominální hodnotě, aniž bychom vzali v úvahu 20letou inflaci, pak byla Hirstova práce dražší v dolarech a Jonesova v librách. Situace byla hraniční a každý se mohl svobodně rozhodnout, koho bude považovat za nejdražšího. Ale Hurst vydržel na prvním místě ne tak dlouho. Ve stejném roce 2007 ho z prvního místa vytěsnil Koons se svým „Hanging Heart“.

Právě v předvečer celosvětového poklesu cen současného umění podnikl Hirst pro mladého umělce bezprecedentní podnik – samostatnou aukci jeho děl, která se konala 15. září 2008 v Londýně. O den dříve oznámená zpráva o bankrotu banky Lehman Brothers nezkazila apetit milovníků současného umění: z 223 děl nabízených Sotheby's jen pět nenašlo nové majitele (jeden z kupců byl mimochodem Viktor Pinčuk). Práce "Zlatý Býk"- obrovská podobizna býka ve formaldehydu, korunovaná zlatým kotoučem, - přinesl 10,3 milionu GBP (18,6 milionu $). Toto je Hurstův nejlepší výsledek, pokud se měří v librách (v měně, ve které byl obchod uzavřen). V dolarech se ale řadíme, takže (ať nám to Zlaté tele odpustí) za Hirstův nejlepší prodej budeme považovat Ospalé jaro.

Od roku 2008 Hirst neprodával Ospalé jaro a Zlaté tele. Čerstvé desky z roku 2010 – za tvorbu Richtera, Jonese, Fanzhi, Wool a Koons – posunuly Damiena na šestou řadu našeho hodnocení. Nedělejme ale kategorický soud o úpadku Hirstovy éry. Podle analytiků se Hurst jako „superstar“ již zapsal do historie, což znamená, že jej budou kupovat na velmi dlouhou dobu; největší hodnotu do budoucna však předpovídají díla vytvořená v nejinovativnějším období jeho kariéry, tedy v 90. letech.

14. Maurizio Cattelan Mu. 2001. 17,19 milionů dolarů

Ital Maurizio Cattelan (1960) se dostal k umění poté, co pracoval jako hlídač, kuchař, zahradník a návrhář nábytku. Autor samouk se světově proslavil svými ironickými sochami a instalacemi. Shodil meteorit na papeže, proměnil manželku zákazníka v loveckou trofej, vyrval díru v podlaze muzea starých mistrů, zvedl obří prostředníček na burzu v Miláně, přivezl živého osla na veletrh Frieze . V blízké budoucnosti Cattelan slibuje instalaci zlaté toalety v Guggenheimově muzeu. Nakonec byly dovádění Maurizia Cattelana v uměleckém světě široce uznávány: je pozván na Benátské bienále (instalace „Ostatní“ v roce 2011 – hejno dvou tisíc holubů, kteří ze všech trubek a paprsků hrozivě hledí na davy návštěvníků dole), zařídil, aby měl retrospektivu v Guggenheimově muzeu v New Yorku (listopad 2011) a nakonec se za jeho sochy platí velké peníze.

Od roku 2010 je nejdražším dílem Maurizia Cattelana vosková socha muže vykukujícího z díry v podlaze, navenek podobného umělci samotnému („Bez názvu“, 2001). Tato sochařská instalace, která existuje v počtu tří kopií plus autorská kopie, byla poprvé vystavena v muzeu Boijmans van Beuningen v Rotterdamu. Pak tato zlomyslná postavička vyhlédla z díry v podlaze sálu s obrazy holandských malířů 18. a 19. století. Maurizio Cattellan se v tomto díle spojuje s odvážným zločincem vtrhujícím do posvátného prostoru muzejní haly s obrazy velkých mistrů. Chce tak umění zbavit svatozáře svatosti, kterou mu dávají zdi muzea. Dílo, kvůli vystavení, které pokaždé, když musíte udělat díry do podlahy, bylo prodáno za 7,922 milionu dolarů v Sotheby's.

Rekord vydržel až do 8. května 2016, kdy se Cattelanovo ještě provokativnější dílo Him, zobrazující klečícího Hitlera, dostalo pod kladivo za 17,189 milionu dolarů. Jméno je zvláštní. Výběr postavy je riskantní. Jako všechno ostatní s Cattelanem. Co tím myslí? "Jeho" nebo "Jeho pekelné veličenstvo"? Je jasné, že se rozhodně nebavíme o opěvování obrazu Fuhrera. Hitler v tomto díle vystupuje spíše v bezmocné, žalostné podobě. A absurdně - inkarnace Satana je vyrobena ve velikosti dítěte, oblečená do kostýmu školáka a klečící s pokorným výrazem ve tváři. Pro Cattelana je tento snímek pozvánkou k zamyšlení nad povahou absolutního zla a způsobem, jak se zbavit strachů. Mimochodem, socha „On“ je západnímu publiku dobře známá. Její bratři v sérii byli vystaveni více než 10krát v předních muzeích po celém světě, včetně Pompidou Center a Solomon Guggenheim Museum.

15. MARC GROTJAN Bez názvu (S III Vydáno do France Face 43.14). 2011. 16,8 milionů dolarů

17. května 2017 se na večerní aukci Christie's v New Yorku objevil jeden z nejmocnějších obrazů Marca Grotjana, který byl kdy dán do aukce. Obraz "Untitled (S III Released to France Face 43.14)" vyvěsil pařížský sběratel Patrick Seguin s odhadem 13-16 milionů dolarů, a protože prodej pozemku byl garantován třetí stranou, nikdo nebyl zvlášť překvapilo založení nového osobního aukčního rekordu 49letého umělce . Cena kladiva 14,75 milionů dolarů (16,8 milionů dolarů s Buyer's Premium) překonala předchozí Grotjanův aukční rekord o více než 10 milionů dolarů, což mu umožnilo vstoupit do klubu žijících umělců, jejichž dílo se prodává za osm čísel. Sedmimístné stejné výsledky (tržby více než 1 milion dolarů, ale ne více než 10 milionů) v aukčním prasátku Mark Grotyan za zhruba třicet.

Mark Grotjan (1968), v jehož díle odborníci spatřují vliv modernismu, abstraktního minimalismu, popu a op artu, přišel k jeho firemní identitě v polovině 90. let poté, co se s přítelem Brentem Petersonem přestěhoval do Los Angeles a otevřel si zde galerii "Pokoj 702". Jak sám umělec vzpomíná, v té době začal přemýšlet o tom, co je pro něj v umění na prvním místě. Hledal motiv, se kterým by mohl experimentovat. A uvědomil jsem si, že ho vždy zajímala linie a barva. Experimenty v duchu rayonismu a minimalismu s lineární perspektivou, četnými úběžníky a vícebarevnými abstraktními trojúhelníkovými tvary nakonec přinesly Grotjanovi celosvětovou slávu.

Od abstraktních, barevných krajin s mnoha horizonty a úběžníky skončil u trojúhelníkových tvarů připomínajících motýlí křídla. Obrazy Grotjana 2001–2007 Říkají tomu "Motýli". Dnes je pohyb úběžného bodu nebo použití několika úběžníků najednou, rozmístěných v prostoru, považováno za jednu z umělcových nejsilnějších technik.

Další velká série prací se jmenovala „Tváře“; v abstraktních liniích této série lze tušit rysy lidské tváře, zjednodušené do stavu masky v duchu Matisse, Jawlenského nebo Brancusiho. Když mluvíme o maximálním zjednodušení a stylizaci forem, o kompozičním řešení obrazů, kdy se na nás z lesního houští jakoby dívají rozptýlené obrysy očí a úst, badatelé si všímají spojení Grotjanových „Tváří“ s uměním. primitivních kmenů Afriky a Oceánie, zatímco sám umělec prostě „má rád obrazové oči hledící z džungle. Občas jsem si představoval obličeje paviánů nebo opic. Nemohu říci, že bych byl vědomě či podvědomě ovlivněn primitivním africkým uměním, spíše mě ovlivnili umělci, kteří jím byli ovlivněni. Picasso je nejviditelnějším příkladem."

Díla série "Faces" jsou nazývána brutální a elegantní, lahodí oku a lahodí mysli. Postupem času se mění i textura těchto děl: k vytvoření efektu vnitřního prostoru používá umělec široké tahy husté barvy, dokonce i šplouchání ve stylu Pollocka, ale povrch malby je zarovnán tak, že při bližším zkoumání , zdá se úplně plochý. Obraz Bez názvu (S III Released to France Face 43.14) udávající aukční rekord patří do této slavné série Marka Grotjana.

16. TAKASHI MURAKAMI Můj osamělý kovboj. 15,16 milionu dolarů

japonský Takashi Murakami (1962) vstoupil do našeho hodnocení se sochou "Můj osamělý kovboj", prodaný v Sotheby's v květnu 2008 za $ 15,16 milionu. Díky tomuto prodeji byl Takashi Murakami dlouho považován za nejúspěšnějšího žijícího asijského umělce - dokud nebyl zastíněn prodejem Poslední večeře od Zeng Fanzhiho.

Takashi Murakami pracuje jako výtvarník, sochař, módní návrhář a animátor. Murakami chtěl za základ své práce vzít něco skutečně japonského, bez západních či jakýchkoliv jiných výpůjček. Ve studentských letech ho fascinovalo tradiční japonské umění nihonga, později jej vystřídalo populární umění anime a manga. Tak se zrodil psychedelický pan DOB, vzory usměvavých květin a zářivé, lesklé plastiky ze skelných vláken, jako by právě vystoupily ze stránek japonských komiksů. Někteří považují Murakamiho umění za rychlé občerstvení a ztělesnění vulgárnosti, jiní nazývají umělce Japoncem Andy Warholem – a v řadách těch druhých, jak vidíme, je mnoho velmi bohatých lidí.

Název pro svou sochu si Murakami vypůjčil od Andyho Warhola The Lonely Cowboys (1968), který Japonci, jak sám přiznal, nikdy neviděli, ale spojení slov se mu velmi líbilo. Murakami s jednou plastikou potěšil fanoušky erotických japonských komiksů a rozesmál je. Zvětšený a kromě toho také trojrozměrný hrdina se promění ve fetiš masové kultury. Tato umělecká výpověď je zcela v duchu klasického západního pop-artu (vzpomeňte si na nábytkovou sadu Allena Jonese nebo Koonsova Růžového pantera), ale s národním nádechem.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14 784 505 $

KAWS je pseudonym amerického umělce Briana Donellyho z New Jersey. Je nejmladším účastníkem našeho hodnocení, narozen v roce 1974. Donelly začínala jako animátorka u Disneyho (kreslila pozadí pro kreslený film „101 dalmatinů“ a další). O graffiti se zajímám od mládí. Nejprve byl jeho charakteristickým designem lebka s "X" na místě očních důlků. Dílo mladého spisovatele si oblíbili lidé ze showbyznysu i lidé z módního průmyslu: udělal obal na album Kanye Westa, vydal spolupráci pro Nike, Comme des Garçons a Uniqlo. Postupem času se KAWS stala známou osobností současného uměleckého světa. Jeho charakteristická figurka Mickey Mouse si našla cestu do muzeí, veřejných prostor a soukromých sbírek. Jednou KAWS vydal limitovanou edici vinylové hračky se značkou My Plastic Heart a rázem se staly předmětem velkého sběratelského zájmu. Jedním z vášnivých sběratelů těchto „hraček“ je zakladatel Black Star, rapper Timati: téměř kompletně shromáždil celou sérii „Cavs Companions“.

Dílo KAWS vytvořilo rekord v umělecké tvorbě – 14,7 milionu dolarů – na aukci Sotheby's Hong Kong 1. dubna 2019. Býval ve sbírce japonského módního návrháře Niga. Meter canvas Album KAWS je poctou obalu slavného alba The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" z roku 1967. Jen místo lidí má Kimpsonovi - stylizované postavičky z kresleného seriálu Simpsonovi s "X" místo očí.

18. JIN ŠAN Tádžická nevěsta. 1983. 13,89 milionů dolarů

Mezi relativně mladými a současnými čínskými umělci, kteří všichni patří k tzv. „nové vlně“ čínského umění konce 80. let, se v našem hodnocení zcela nečekaně objevil zástupce úplně jiné generace a jiné školy. Jin Shan (Jin Shangyi), kterému je dnes přes 80 let, patří k výrazným představitelům první generace umělců v komunistické Číně. Názory této skupiny umělců se formovaly do značné míry pod vlivem nejbližšího komunistického spojence – SSSR.

Oficiální sovětské umění, socialistický realismus, olejomalba, která byla pro Čínu (na rozdíl od tradiční čínské tušové malby) stále neobvyklá, byly v 50. letech na vrcholu popularity a sovětský umělec Konstantin přišel na tři roky učit na Pekingskou uměleckou univerzitu. (od roku 1954 do roku 1957) Metoděvič Maksimov. Do jeho třídy se dostal Jin Shani, který byl v té době nejmladší ve skupině. Umělec vždy vzpomínal na svého učitele s velkou vřelostí a řekl, že to byl Maksimov, kdo ho naučil správně chápat a zobrazovat model. K. M. Maksimov vychoval celou galaxii čínských realistů, dnes už klasiků.

V díle Jin Shana je cítit vliv jak sovětského „tvrdého stylu“, tak evropské malířské školy. Umělec věnoval mnoho času studiu dědictví renesance a klasicismu, přičemž považoval za nutné zachovat ve svých dílech čínského ducha. Obraz „Tadžická nevěsta“, namalovaný v roce 1983, je považován za všeobecně uznávané mistrovské dílo, nový milník v díle Jin Shana. Byla to ona, která byla vystavena na aukci China Guardian v listopadu 2013 a prodala se několikrát dráž, než se odhadovalo - za 13,89 milionu dolarů včetně provize.

19. BANKSY Rozpadlý parlament. 2008. 12,14 milionů dolarů

Nástěnné malby nesoucí značku Banksy se začaly objevovat na zdech měst (nejprve ve Spojeném království a poté po celém světě) koncem 90. let. Jeho filozofická a zároveň ostrá graffiti byla věnována problémům útoku státu na svobody občanů, zločinům proti životnímu prostředí, nezodpovědné konzumaci a nelidskosti systému nelegální migrace. Postupem času si „výtky“ Banksyho zdi získaly nebývalou mediální oblibu. Ve skutečnosti se stal jedním z hlavních mluvčích veřejného mínění odsuzujícího pokrytectví států a korporací, produkující rostoucí nespravedlnost v kapitalistickém systému.

Význam Banksyho, smysl pro „nerv času“ a přesnost jeho metafor ocenilo nejen publikum, ale i sběratelé. V roce 2010 byly za jeho díla dány statisíce nebo dokonce více než milion dolarů. Došlo to tak daleko, že Banksyho graffiti bylo rozbito a ukradeno spolu s kusy zdí.

V éře pokročilého digitálního sledování se Banksymu stále daří zůstat v anonymitě. Existuje verze, že se již nejedná o jednoho člověka, ale o skupinu několika umělců v čele s talentovanou ženou. To by mnohé vysvětlovalo. A vnější odlišnost spisovatelů zachycených v objektivech fotoaparátů svědků a neosobní šablonová metoda aplikace (dává vysokou rychlost a nevyžaduje přímou účast autora) a dojemný romantismus námětů obrazů (koule, sněhové vločky atd.). Ať je to jak chce, lidé z projektu Banksy včetně jeho asistentů vědí, jak držet jazyk za zuby.

V roce 2019 se nejdražším dílem Banksyho nečekaně stalo čtyřmetrové plátno Devolved Parliament („degradovaný“, „rozpadlý“ nebo „delegovaný“ parlament). Šimpanzi hádající se v Dolní sněmovně jako by se v roce skandálního Brexitu vysmívali publiku. Je s podivem, že obraz byl namalován 10 let před tímto historickým zlomem, a proto ho někdo považuje za prorocký. Na aukci Sotheby's dne 3. října 2019 neznámý kupec koupil ropu za 12 143 000 dolarů v ostrém licitování – šestinásobek ceny předběžného odhadu.

20. JOHN CURREN "Sladké a jednoduché." 1999. 12,007 milionů dolarů

americký umělec John Curran (1962) známý svými satirickými figurativními malbami na provokativní sexuální a sociální témata. V Currenově tvorbě se daří kombinovat malířské techniky starých mistrů (zejména Lucase Cranacha staršího a manýristů) a módní fotografie z nablýskaných časopisů. Karren, dosahující grotesknosti, často deformuje proporce lidského těla, zvětšuje nebo zmenšuje jeho jednotlivé části, zobrazuje hrdiny ve zlomených, vychovaných pózách.

Curren začal v roce 1989 s portréty dívek překreslenými ze školního alba; pokračoval na počátku 90. let snímky prsatých krásek inspirovanými fotkami z Cosmopolitanu a Playboye; v roce 1992 se objevily portréty bohatých starších dam; a v roce 1994 se Curren oženil se sochařkou Rachel Feinsteinovou, která se na dlouhá léta stala jeho hlavní múzou a modelkou. Na konci devadesátých let mu Currinova technická zdatnost v kombinaci s kýčem a groteskností jeho obrazů přinesla popularitu. V roce 2003 převzal propagaci umělce Larry Gagosian, a pokud se takový dealer jako Gagosian ujme autora, pak je úspěch zaručen. V roce 2004 se ve Whitney Museum konala retrospektiva Johna Currana.

Přibližně v této době se jeho dílo začalo prodávat za šest čísel. Současný rekord za obraz Johna Currana patří Sweet and Simple, prodaný 15. listopadu 2016 v Christie's za 12 milionů dolarů. Nyní přes 50, to je rozhodně průlom v kariéře. Jeho předchozí rekord v roce 2008 byl 5,5 milionu dolarů (mimochodem zaplaceno za stejnou práci „Cute and Simple“).

21. BRICE MARDEN Zúčastněné. 1996–1999 10,917 milionu dolarů

Dalším žijícím americkým abstraktním umělcem v našem žebříčku je Bryce Marden (1938). Mardenova díla ve stylu minimalismu a od konce 80. let gestická malba se vyznačují jedinečnou autorskou, mírně tlumenou paletou. Barevné kombinace v Mardenových dílech jsou inspirovány jeho cestami po světě – Řecko, Indie, Thajsko, Srí Lanka. Mezi autory, kteří ovlivnili vznik Mardena, patří Jackson Pollock (Marden na počátku 60. let pracoval jako ochranka v Židovském muzeu, kde osobně pozoroval Pollockovy „kapáky“), Alberto Giacometti (seznámil se s jeho dílem v Paříži) a Robert Rauschenberg (někteří, zatímco Marden pracoval jako jeho asistent). První etapa Mardenovy tvorby je věnována klasickým minimalistickým plátnům, skládajícím se z barevných obdélníkových bloků (horizontálních nebo vertikálních). Na rozdíl od mnoha jiných minimalistů, kteří hledali ideální kvalitu děl, jako by je tiskl stroj a nekreslil je člověk, Marden si zachoval stopy umělcovy práce, kombinoval různé materiály (vosk a olejové barvy). Od poloviny 80. let pod vlivem orientální kaligrafie byla geometrická abstrakce nahrazena meandrovitými, meandrovitými liniemi, jejichž pozadím byla stejná jednobarevná barevná pole. Jedno z těchto "meandrových" děl - "The Attended" - bylo prodáno v Sotheby's v listopadu 2013 za 10,917 milionu dolarů včetně provize.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. prosince 1959. 10,6 milionů $

23. ZHANG XIAOGANG Věčná láska. 10,2 milionu dolarů

Dalším představitelem čínského současného umění je symbolista a surrealista Zhang Xiaogang (1958). V Sotheby's Hong Kong 3. dubna 2011, kde se prodávala čínská avantgarda ze sbírky belgického barona Guye Ullense, triptych Zhang Xiaogang "Věčná láska" byl prodán za $ 10,2 milionu. V té době to byl rekord nejen pro umělce, ale pro celé čínské současné umění. Říká se, že Xiaogangovo dílo koupila miliardářova manželka Wang Wei, která se chystá otevřít vlastní muzeum.

Zhang Xiaogang, který má rád mystiku a východní filozofii, napsal příběh „Věčné lásky“ ve třech částech – život, smrt a znovuzrození. Tento triptych byl uveden na ikonické výstavě Čína/avantgarda v roce 1989 v Národním muzeu umění. Také v roce 1989 byly studentské demonstrace na náměstí Nebeského klidu armádou brutálně potlačeny. Po této tragické události se začaly utahovat šrouby – výstava v Národním muzeu byla rozehnána, řada umělců emigrovala. V reakci na shora vnucený socialistický realismus vznikl směr cynického realismu, jehož jedním z hlavních představitelů byl Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezmocný Henry Moore. 1967. 9,9 milionů dolarů

americký Bruce Nauman (1941), vítěz hlavní ceny 48. bienále v Benátkách (1999), má dávno za sebou svůj rekord. Nauman začal svou kariéru v šedesátých letech. Znalci jej spolu s Andym Warholem a Josephem Beuysem označují za jednu z nejvlivnějších osobností umění druhé poloviny dvacátého století. Bohatá intelektuálnost a naprostá nezdobnost některých jeho děl však zjevně bránila jeho rychlému uznání a úspěchu u široké veřejnosti. Nauman často experimentuje s jazykem a objevuje nečekané významy známých frází. Slova se stávají ústředními postavami mnoha jeho děl, včetně neonových pseudonápisů a panelů. Sám Nauman se nazývá sochařem, i když se za posledních čtyřicet let vyzkoušel ve zcela jiných žánrech – sochařství, fotografie, videoart, performance, grafika. Na počátku devadesátých let Larry Gagosian pronesl prorocká slova: "Skutečná hodnota Naumannova díla musí být teprve realizována." A tak se stalo: 17. května 2001 v Christie's od Naumanna v roce 1967 "Bezmocný Henry Moore (pohled zezadu)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) vytvořil nový rekord v segmentu poválečného umění. Odlitek Naumannových rukou svázaných za jeho zády, vyrobený ze sádry a vosku, šel pod kladivo za $ 9,9 milionu ve sbírce francouzského magnáta Francoise Pinaulta (podle jiných zdrojů Američanka Phyllis Wattis). Estimeyt práce byla pouze 2-3 miliony dolarů, takže výsledek byl skutečným překvapením pro všechny.

Před tímto legendárním prodejem jen dvě Naumannova díla překonala hranici milionu dolarů. A za celou jeho dosavadní aukční kariéru vyšlo na sedmiciferné sumy jen šest děl, navíc "Henry Moore ...", ale jejich výsledky se stejně s devíti miliony nedají srovnat.

„Helpless Henry Moore“ je jednou z Naumannových sérií polemických prací o postavě Henryho Moora (1898–1986), britského umělce, který byl v šedesátých letech považován za jednoho z největších sochařů 20. století. Mladí autoři, kteří se ocitli ve stínu uznávaného mistra, na něj pak zaútočili zuřivou kritikou. Naumannova tvorba je odpovědí na tuto kritiku a zároveň zamyšlením nad tématem kreativity. Název díla se stává slovní hříčkou, neboť spojuje dva významy anglického slova bound – svázaný (doslova) a odsouzený k nějakému osudu.

Pozornost! Veškeré materiály webu a databáze výsledků aukcí webu, včetně ilustrovaných referenčních informací o dílech prodaných na aukcích, jsou určeny k použití výhradně v souladu s čl. 1274 občanského zákoníku Ruské federace. Použití pro komerční účely nebo v rozporu s pravidly stanovenými občanským zákoníkem Ruské federace není povoleno. stránka nenese odpovědnost za obsah materiálů předložených třetími stranami. V případě porušení práv třetích osob si správa stránek vyhrazuje právo na jejich odstranění ze stránek a z databáze na základě žádosti oprávněného orgánu.

Velké mezinárodní aukce stále více zapojují současné ruské umělce do aukcí poválečného a současného umění. V únoru 2007 uspořádala Sotheby's první a téměř senzační specializovanou aukci ruského současného umění, která přinesla 22 aukčních rekordů. Artguide se rozhodl zjistit, kteří naši současní umělci inkasovali na mezinárodních aukcích největší sumy, a po sestavení 10 nejdražších žijících ruských umělců na základě výsledků aukčního prodeje objevili některé kuriózní vzorce. Všechny prodejní ceny jsou uvedeny dle aukčních domů s přihlédnutím k prémii kupujícího.

Alexander Vinogradov a Vladimir Dubossarsky. Noční fitness. Fragment. S laskavým svolením autorů (www.dubossarskyvinogradov.com)

O tom, kdo přesně se stal lídrem aukčního klání, samozřejmě nemohlo být pochyb: grandiózního „Brouka“ od Ilji Kabakova, prodaného v únoru 2008 u Phillips de Pury za téměř 3 miliony liber, si pamatuje snad každý, kdo má zájem v současném umění. Promyšlenou intonaci v uměleckohistorické a tržní interpretaci získala i vtipná říkanka, jejíž text je napsán na dřevěné desce broučkem: „Můj brouk se vyloupne, skáče, cvrliká, nechce se do moje sbírka“ – to metaforicky znamená vášeň sběratele současného umění, pro stejné obchodování s brouky. (Verš citovaný Kabakovem, který složila architektka A. Maslennikovová, amatérská básnířka z Voroněže, vyšel v dětské sbírce básní, říkanek a hádanek Mezi létem a zimou, kterou vydalo v roce 1976 nakladatelství Dětská literatura a Kabakov tuto knihu ilustroval Pravda, ten brouk v jeho černobílých ilustracích nebyl).

Nutno dodat, že pokud bychom neudělali top 10 nejdražších žijících umělců, ale top 10 jejich nejdražších děl, pak by Kabakovovy obrazy obsadily první tři místa v tomto seznamu. Tedy tři nejdražší díla nyní žijícího ruského umělce patří jemu – kromě „Brouka“ jsou to „Luxusní pokoj“ z roku 1981 (Phillips de Pury, Londýn, 21. června 2007, 2,036 milionu liber) a "Dovolená č. 10" v roce 1987 (Phillips de Pury Londýn, 14. dubna 2011, 1,497 milionů £). Velkorysý Kabakov navíc „dal“ další rekord vídeňské aukci Dorotheum – před rokem, 24. listopadu 2011, tam putoval obraz „Na univerzitě“ za 754,8 tisíc € a stal se nejdražším dílem současnosti umění, které se kdy prodalo na této aukci.

Stříbrný medailista, pravděpodobně, mnozí také snadno pojmenují - to je Eric Bulatov, jehož plátno „Sláva KSSS“ bylo pro umělce prodáno za rekordní částku na stejné aukci Phillips de Pury jako Kabakovův „Brouk“.

Ale třetí místo nonkonformního Jevgenije Čubarova, jehož pozdní dílo „Untitled“ putovalo v červnu 2007 Phillipsovi de Purymu za 720 tisíc liber, by se dalo nazvat překvapením, nebýt toho, že o pár měsíců dříve, v únoru toho samého roku se Čubarov už prosadil v Sotheby's v Londýně na specializované aukci ruského současného umění, kde se jeho dílo se stejným názvem (nebo spíše bez něj) prodalo za 288 000 liber (s horní hranicí). z odhadu 60 000 GBP, nejen že překonal údajný nejvyšší los této aukce, Bulatovův obraz „Revoluce – Perestrojka“ (prodejní cena 198 tisíc GBP), ale stal se také nejdražším dílem žijícího ruského umělce té doby. Mimochodem, tady je, ironie kolísání měn: v listopadu 2000 se polyptych Grisha Bruskina prodal v New Yorku za 424 tisíc dolarů a poté v librách šterlinků to bylo 296,7 tisíc liber a v únoru 2007, kdy byl instalován Čubarovův první rekord je už jen 216,6 tisíc liber.

Díla vítězů na čtvrtém místě Vitalyho Komara a Alexandra Melamida jsou častým a docela úspěšným losem na západních aukcích, i když jejich odhady zřídka přesahují 100 000 GBP Druhým nejdražším dílem dvojice je Jalta Conference. The Judgment of Paris "- byl prodán v Macdougall's v roce 2007 za 184,4 tisíce £. Ale je třeba samozřejmě poznamenat, že obraz, který jim vynesl čtvrté místo, patří k poměrně raným a zřídka se vyskytujícím dílům na aukcích a že byl vystaven v roce 1976 na první (a velmi hlasité) zahraniční výstavě Komara a Melamida v Ronald Feldman Gallery v New Yorku.

Po Komarovi a Melamidovi drží vysokou laťku na aukcích Oleg Vasiliev a Semjon Faibisovich. Vasiljev byl třetí v této mimořádně úspěšné aukci Phillips de Pury v roce 2008, která přinesla rekordy Iljovi Kabakovovi a Eriku Bulatovovi, zatímco Faibisovič byl čtvrtý. Poté se Vasilievův obraz "Variace na téma obálky časopisu Ogonyok" v roce 1980 prodal za 356 tisíc ₤ s odhadem 120 tisíc ₤ a Faibisovičův "Další pohled na Černé moře" v roce 1986 - za 300,5 tis. Odhadněte 60 000 – 80 000. Díla obou umělců často v aukci dosahují šesticiferných částek.

Pravda, Faibisovichovi se v aukci neproslavili rekordní „Vojáci“, ale obraz „Krása“, prodaný v Sotheby's 12. března 2008 – šlo o druhou aukci současného ruského umění aukční síně, s výjimkou aukce v Moskvě v roce 1988. Obraz (jiný název je „První máj“) pak vyšel na 264 tisíc liber s odhadem 60–80 tisíc liber, mezi kupci se o něj rozpoutala opravdová bitva. Další obraz od Faibisoviče „Na moskevské ulici“ na této aukci dvakrát překročil odhad a byl prodán za 126 000 liber v letech 2011-2012.

Zhruba totéž lze říci o Olegu Tselkovovi, který je v top 10 osmý. Poté, co před půl stoletím našel svůj styl a téma, uznávaný a autoritativní umělec, pravidelně zásobuje aukce svými fluorescenčními kulatými obličeji, které mají trvalý úspěch. Druhý nejdražší Tselkovův obraz „Pět tváří“ byl prodán v červnu 2007 v MacDougall's za 223,1 tisíc liber, třetí, „Dva s brouky“, - v listopadu téhož roku na stejné aukci (MacDougall's vždy dán do aukce několik Tselkov různé cenové rozpětí) za 202,4 tisíc liber.

Grisha Bruskin má zvláštní roli v aukční historii ruského současného umění od roku 1988, od moskevské aukce Sotheby's nazvané Russian Avant-Garde and Soviet Contemporary Art, kde byl jeho „Základní lexikon“ prodán za senzačních 220 tisíc liber, 12 krát vyšší odhad. Přibližně totéž a možná ještě senzačnější se stalo s polyptychem „Logii. Part I“ v roce 2000 v Christie's v New Yorku: polyptych se prodal za 424 000 dolarů, čímž překročil horní hranici odhadu 21 (!)krát – to samo o sobě lze považovat za jakýsi rekord. Tento mimořádný nákup je s největší pravděpodobností způsoben nejen významem Bruskinova jména jako hrdiny legendární aukce Sotheby's v Moskvě, protože žádný jiný aukční prodej Bruskina se těmto částkám ani nepřibližuje.

Cena Oscara Rabina nekolísá, ale neustále a velmi znatelně roste, zejména u děl sovětského období - všechna nejdražší díla tohoto mistra prodávaná na aukcích byla namalována koncem 50. a začátkem 70. let. Jsou to (kromě jeho nahrávky "Socialist City") "Baths (Smell the cologne "Moscow", 1966, Sotheby's, New York, 17. dubna 2007, 336 tisíc $) a "Housle na hřbitově" (1969, Macdougall's, Londýn , 27. listopadu 2006, 168,46 GBP).

První desítku uzavírají zástupci mladší generace - Alexander Vinogradov a Vladimir Dubossarsky, jejichž nejdražší obrazy se prodaly na Phillips de Pury (druhý nejdražší je Poslední motýl, 1997, Phillips de Pury, New York, 181 000 dolarů). Tito umělci obecně pokračují v trendu, který je zcela jasně patrný v žebříčku nejdražších obrazů žijících umělců. Budeme o tom mluvit o něco níže, ale prozatím konečně uvádíme seznam nejdražších děl žijících ruských umělců.

Top 10 děl žijících ruských umělců

1. Ilja Kabakov (nar. 1933). Chyba. 1982. Dřevo, smalt. 226,5 x 148,5. Aukce Phillips de Pury & Company, Londýn, 28. února 2008. Odhadovaná cena 1,2-1,8 milionu GBP. Prodejní cena 2,93 milionu GBP.

2. Erik Bulatov (nar. 1933). Sláva KSSS. 1975. Olej na plátně. 229,5 x 229. Aukce Phillips de Pury & Company, Londýn, 28. února 2008. Odhadovaná cena 500-700 tisíc GBP. Prodejní cena 1,084 milionu GBP.

3. Jevgenij Chubarov (nar. 1934). Nepojmenovaná. 1994. Olej na plátně. 300 x 200. Aukce Phillips de Pury & Company, Londýn, 22. června 2007. Odhadovaná cena 100-150 tisíc liber. Prodejní cena 720 tisíc liber.

4. Vitalij Komar (nar. 1943) a Alexander Melamid (nar. 1945). Setkání Solženicyna a Bella na Rostropovičově dači. 1972. Plátno, olej, koláž, zlatá fólie. 175 x 120. Aukce Phillips de Pury & Company, Londýn, 23. dubna 2010. Odhad 100-150 tisíc GBP. Prodejní cena 657,25 tisíc GBP.

5. Oleg Vasiljev (nar. 1931). Před západem slunce. 1990. Olej na plátně. 210 x 165. Aukce Sotheby's, Londýn, 12. března 2008. Odhadovaná cena 200-300 tisíc liber. Prodejní cena 468,5 tisíc liber.

6. Semjon Faibisovič (nar. 1949). Vojáci. Ze série "Stanice". 1989. Olej na plátně. 285,4 x 190,5. Aukce Phillips de Pury & Company, Londýn, 13. října 2007. Odhadovaná cena 40-60 tisíc £. Prodejní cena 311,2 tisíc £.

8. Oleg Tselkov (nar. 1934) Chlapec s balónky. Plátno, olej. 103,5 x 68,5. Aukce MacDougall's, Londýn, 28. listopadu 2008. Odhadovaná cena 200-300 tisíc GBP Prodejní cena 238,4 tisíc GBP.

9. Oscar Rabin (nar. 1928) Město a měsíc (socialistické město). 1959. Olej na plátně. 90 x 109. Aukce Sotheby's, New York, 15. dubna 2008. Odhadovaná cena 120–160 tisíc USD. Prodejní cena 337 tisíc USD (171,4 GBP při kurzu dolaru k libře v dubnu 2008).

10. Alexander Vinogradov (nar. 1963) a Vladimir Dubossarsky (nar. 1964). Noční cvičení. 2004. Olej na plátně. 194,9 x 294,3. Aukce Phillips de Pury & Company, Londýn, 22. června 2007. Odhadovaná cena 15-20 tisíc GBP, Prodejní cena 132 tisíc GBP.

Je známo, že aukční ceny jsou iracionální věcí a nelze podle nich posuzovat skutečnou roli a význam umělce v uměleckém procesu. Ale na základě nich a top lotů lze zhruba posoudit preference sběratele. Co jsou? Na odpověď na tuto otázku nemusíte být odborník. Jsou zřejmé. Zaprvé, všichni umělci (snad kromě Alexandra Vinogradova a Vladimira Dubossarského) jsou v letech „živí klasici“, a to velmi solidní. Zadruhé, téměř u všech byly rekordy vytvořeny nikoli díly posledních let, ale mnohem dřívějšími, tedy i zde platí vzor „čím starší, tím lepší“. Za třetí, bez výjimky jsou všechna díla z top 10 malbami na stojanech. Za čtvrté, toto jsou všechny velké a velmi velké obrazy. Víceméně „standardní“ v tomto ohledu lze považovat pouze za „Město a Měsíc“ od Oscara Rabina a „Chlapce s balónky“ od Olega Tselkova, všechny ostatní jsou skvělé na výšku (ani na šířku) na lidskou výšku. Konečně pro všechny tyto umělce je téma sovětské (zejména nonkonformní) minulosti tak či onak aktuální, což je v mnoha případech akcentováno v jejich dílech. Zdá se, že naši sběratelé prožívají akutní nostalgii právě po této sovětské minulosti (je všeobecně známo, že ruské umění nakupují na Západě právě ruští sběratelé).

Alexander Vinogradov a Vladimir Dubossarskij, mladší než zbytek lídrů aukčních prodejů, se poněkud tvrdošíjně snaží vymanit se z desítek drsných nonkonformistů, ale to je jen na první pohled. Ve skutečnosti, když si představíte, kdo z příští generace po Kabakovovi, Bulatovovi, Rabinovi, Vasiljevovi, Tselkovym může nejlépe splňovat výše uvedená kritéria nákupu (velké malířské stojany, předělávky sovětských žánrů, motivů a stylistiky), pak to pravděpodobně bude ukázalo se, že jsou Vinogradov a Dubossarsky, hodní dědici mistrů předchozích desetiletí. Alespoň soudě podle aukčního prodeje.

Na obrázku je obraz od slavného současného italského umělce Aurelia Bruniho. Žije a pracuje v Umbrii. Umělec maluje ve stylu hyperrealismu a symbolismu, uspořádal 25 samostatných výstav, zúčastnil se 53 kolektivních výstav, má 10 různých ocenění a cen.

Cesta do Yorku přes Sledmir je obraz od renomovaného současného britského umělce Davida Hockneyho. 21. června 2006 byl Hockney's Splash prodán za 2,6 milionu liber. Jeho obraz „Grand Canyon“, sestávající z 60 malých obrazů, které byly spojeny tak, aby reprodukovaly jeden obrovský obraz, koupila Národní galerie Austrálie za 4,6 milionu dolarů. Obraz „Housewife of Beverly Hills" se prodal za 7,9 milionu dolarů v Christie's v New Yorku. V roce 2016 byla jeho krajina „Waldgate Forest" prodána v Sotheby's za 9,4 milionu liber. Tato cena se stala novým rekordem pro Davida Hockneyho.

Na obrázku je obraz slavného současného amerického umělce Warrena Changa. Díky mistrnému přenosu světla a tlumených tónů působí jeho obrazy velmi realisticky, dokonale přenášejí emoce a nálady. Většina jeho obrazů zobrazuje lidi, kteří se věnují své profesionální činnosti nebo každodenní činnosti. Maluje také interiérové ​​obrazy. Warren Chang má mnoho různých titulů a ocenění. Žije a pracuje v Monterey v Kalifornii.

Obraz je abstrakcí moderního slavného německého umělce Gerharda Richtera, který je jedním z nejbohatších umělců světa. Obraz zobrazený na této fotografii byl prodán v Londýně v Sotheby's za 44,52 milionu dolarů (30,4 milionu).

Na obrázku je obraz slavného současného francouzského umělce Martial Rice. V roce 1993 koupil jedno z jeho děl miliardář Francois Pinault. V roce 2011 byl Riceův obraz „Last Year in Capri“ prodán v aukci Christie's za 6,58 milionu dolarů (za nejvyšší cenu mezi všemi dříve prodanými díly jiných žijících francouzských umělců).V roce 2013 vstoupil do Top 50 nejdražších žijících umělců.

Obraz slavného současného kanadského umělce Albiniho Leblanca, mistra miniaturních městských krajin s paletovým nožem. Umělec žije a pracuje v Quebecu. Jeho práce lze vidět v uměleckých galeriích v Montrealu, Torontu, Vancouveru a Quebecu. Albini Leblanc uspořádal 15 samostatných výstav, zúčastnil se 7 kolektivních výstav, má 8 různých ocenění a cen.

Na obrázku je obraz od slavné současné japonské umělkyně Tomoko Kashiki. Umělec organizoval samostatné výstavy v Singapuru, Francii a Japonsku, účastnil se kolektivních výstav v Číně, USA, Austrálii, Japonsku, Indonésii, Velké Británii, Spojených arabských emirátech a Singapuru. Její práce lze vidět ve veřejných sbírkách v Queensland Art Gallery, Brisbane, Austrálie; v jedné z největších japonských pojišťoven - Dai-ichi Life Insurance Limited; v Muzeu starého a nového umění, Tasmánie, Austrálie; v umělecké kolekci Toyota.

Obraz "Coloring" od známého současného ukrajinského umělce Olega Tistola. Tento obraz byl prodán u Phillips za 53 900 $. Oleg Tistol je podle Forbesu jedním ze tří nejúspěšnějších umělců na Ukrajině. Narodil se ve Vradievce, Mykolajiv, žije a tvoří v Kyjevě, je členem Svazu umělců Ukrajiny, zúčastnil se mnoha výstav na Ukrajině, v Rusku, Estonsku, Polsku, USA, Islandu, Slovinsku, Nizozemsku, Švýcarsku, Velká Británie, Dánsko, Brazílie, Německo, Norsko, Francie a Itálie. Oleg Tistol se zúčastnil bienále: v roce 1994 - "17. září", 22. bienále v Sao Paulu; v roce 2001 - „První ukrajinský projekt“, 49. bienále v Benátkách. Jeho obrazy jsou ve sbírkách: v PinchukArtCentre, Kyjev, Ukrajina; v Norton Dodge Collection, USA; v muzeu Stedelijk v Amsterdamu, Nizozemsko; v nadaci Christoph Merian Stiftung ve švýcarské Basileji; na ministerstvu kultury Turecka v Ankaře; v Muzeu historie Moskvy, Rusko.

Na obrázku je obraz od známého současného polského umělce Wojciecha Babského. Umělec žije a tvoří v Katovicích. Je populární nejen v Polsku, ale i v zahraničí. Wojciech Babski obdržel tato ocenění: 1. místo v nominaci „The 2016 American Art Awards“ v kategorii malby pop art; 1. místo v nominaci „The 2016 American Art Awards“ v kategorii obrazů komentujících politiku; 3. místo v nominaci „The 2016 American Art Awards“ v kategorii malby akrylem; 4. a 5. místo v nominaci „The 2016 American Art Awards“ v kategorii expresionismus.

Na fotografii je obraz od slavné současné běloruské umělkyně Anny Silivonchik. Umělkyně se narodila v Gomelu, dnes žije a tvoří v Minsku. Silivonchik Anna je členkou Běloruského svazu umělců, získala medaili „Talent a povolání“ mezinárodní aliance „Peacemaker“, její díla jsou v Národním muzeu Běloruské republiky, Muzeu moderního umění v Minsku, Museum of Contemporary Russian Art in Jersey City (USA), fondy Gomel Palace and Park Ensemble, Yelabuga State Museum-Reserve v Rusku, soukromé sbírky v Bělorusku, Rusku, Francii, USA, Japonsku, Izraeli, Itálii, Německu a Polsku. V období od roku 2001 do roku 2016 umělec uspořádal mnoho samostatných výstav v Bělorusku, Rusku, Německu a na Ukrajině a zúčastnil se také kolektivních výstav v Bělorusku, USA, Rusku, Estonsku, Ukrajině, Lotyšsku, České republice, Polsku, Německu, Maďarsku. , Nizozemsko a Kazachstán.

Obraz slavného současného tureckého umělce Gurbuze Dogan Ekshioglu. Světově proslulý turecký kreslíř a grafik původem z Ordu má na kontě přes 70 ocenění, z nichž asi třetina je mezinárodních. Grbz Doan Ekiolu se zúčastnil mnoha kolektivních výstav v Turecku i v zahraničí, uspořádal více než 20 samostatných výstav, z nichž jedna se konala v New Yorku. Jeho práce se objevily v The Atlantic, The New York Times a zdobily obálky časopisů New Yorker a Forbes.

Obraz slavného současného egyptského umělce Hossama Dirara. Umělec se narodil, žije a pracuje v Káhiře. Hossam Dirar měl mnoho samostatných výstav v zemích jako Bahrajn, Velká Británie, Slovensko, Itálie, Francie, Rakousko, Česká republika, Maďarsko, Slovinsko a Egypt. Účastnil se také kolektivních výstav v Německu, Egyptě a Jižní Africe.

Na fotografii je obraz od známého současného čínského umělce Zeng Fanzhi "Poslední večeře". Tento obraz v říjnu 2013 v Hong Kongu v Sotheby's byl prodán za 23,3 milionů amerických dolarů, čímž byl vytvořen nový rekord pro současné asijské umění. Dříve, v květnu 2008, kdy se v Hong Kongu v Christie's poprvé konal prodej asijského současného umění jeho Obraz #6 ze série Mask se prodal za 75 367 500 HK$. Byl to ten rok světový rekord v prodejní hodnotě mezi všemi umělci.

Na obrázku je obraz od slavného současného řeckého umělce Nikose Giftakise. Umělec se narodil, žije a pracuje v Aténách. Je velmi oblíbený nejen v Řecku, organizoval samostatné výstavy a účastnil se mnoha kolektivních výstav v zemích jako Švýcarsko, Kypr, Německo, Itálie, Belgie, Švédsko, Brazílie, Rusko a Řecko.

Obraz slavného současného gruzínského umělce Davida Popiashviliho. Umělec je původem z Tbilisi, je členem Svazu umělců Gruzie, účastnil se výstav ve Francii, Německu, Bulharsku, Rusku a Gruzii. Mnoho z jeho děl je v muzeích a soukromých sbírkách v Gruzii i v zahraničí.

Obraz namaloval slavný současný umělec SAE Abdul Qader Al-Rais. Umělec je zakládajícím členem Emirates Fine Arts Society a je považován za jednoho z průkopníků současného umění v Emirátech. Jeho dílo lze nalézt v Emirates Palace (prezidentský hotel v Abu Dhabi), vládních úřadech a v osobních uměleckých sbírkách členů královské rodiny v Dubaji. Umělec se účastnil různých kolektivních výstav a také organizoval samostatné výstavy v různých zemích (Česká republika, Libanon, USA, Německo, Kuvajt, Katar, Omán, Saúdská Arábie, Sýrie a Spojené arabské emiráty), získal řadu ocenění.

Na fotografii je obraz od známého současného nizozemského umělce Tjalfa Sparnaaye. Umělec je původem z Nizozemska, žije a tvoří ve městě Hilversum, uspořádal 14 samostatných výstav a zúčastnil se mnoha kolektivních výstav v různých zemích (USA, Velká Británie, Belgie, Estonsko, Německo, Kanada, Rakousko a Nizozemsko). Jeho díla jsou v soukromých i veřejných sbírkách v mnoha zemích.

Obraz slavného současného španělského umělce Miguela Barcela. V roce 2003 obdržel Cenu prince z Asturie za umění, jednu z nejvýznamnějších cen ve Španělsku. V roce 2004 vystavil v Louvru akvarely, které vytvořil pro ilustraci Božské komedie, a stal se tak prvním žijícím současným umělcem, který v muzeu vystavoval. Umělec patří mezi 30 nejbohatších umělců světa. Jeho obrazy jsou drahé. Například tento, jehož fotografie je uvedena výše, stojí 244 398 USD.

Obraz namaloval slavný současný švýcarský umělec Urs Fischer. Umělec narozený v Curychu patří mezi 50 nejbohatších umělců světa. Proslavil se svým provokativním přístupem k umění, ale podřizuje se jeho zákonitostem; staví se proti prezentaci umění jako komerční komodity, přestože svá díla prodává za vysokou cenu, obratně spolupracuje s trhem s uměním a sběrateli.

Na obrázku je obraz slavné současné izraelské umělkyně Orny Ben-Shoshan. Žije a pracuje ve městě Raanana, uspořádala mnoho samostatných výstav a účastnila se kolektivních výstav v zemích jako USA, Itálie, Velká Británie, Kypr, Francie a Izrael. Při pohledu na díla umělce vás uchvátí úžasný svět, kde je všechno možné. Využijte toho k obohacení své představivosti, rozšíření obzorů a setkání s rychle rostoucím talentovaným umělcem.

Na fotografii je obraz od slavného současného thajského umělce Direka Kingnocka, akvarelisty původem z města Nakhon Ratchasima. Nyní žije a pracuje ve městě Khon Kaen. Již v 9 letech získal Direk zlatou medaili Mezinárodní dětské výtvarné soutěže v Japonsku. Zúčastnil se výstav ve Vietnamu, Číně, Turecku, Itálii, Rusku, Jižní Koreji, Malajsii, Řecku, Albánii a Thajsku.

Obraz slavného současného norského umělce Christera Karlstada. Žije a pracuje v Drammenu, pořádal samostatné výstavy a účastnil se kolektivních výstav v USA, Švédsku, Norsku.

Na obrázku je obraz současného dánského umělce Jana Esmanna. Umělec se narodil, žije a tvoří v Dánsku, účastnil se výstav v zemích jako: Německo, USA, Dánsko.

Obraz namaloval slavný současný švédský umělec Nisse Nydej Ottenhag. Umělkyně původem z městečka Lilla Edet se zúčastnila mnoha výstav v různých zemích (USA, Francie, Monako, Namibie a Švédsko).

Na fotografii je obraz od slavné současné australské umělkyně Elizabeth Barsham. Narodila se, žije a pracuje v Tasmánii a má mnoho ocenění. Její práce lze často nalézt na obálkách časopisů nebo jako ilustrace k článkům. Často se o tom také píše v tisku. Umělec se zúčastnil velkého množství výstav a organizoval samostatné výstavy v různých zemích (Velká Británie, Singapur, Itálie, Austrálie).

Umění moderní malby jsou díla vytvořená v současnosti nebo v nedávné minulosti. Uplyne určitý počet let a tyto obrazy se stanou součástí historie. Obrazy vzniklé v období od 60. let minulého století do současnosti odrážejí několik oblastí současného umění, které lze zařadit do postmoderny. V dobách secese byla více zastoupena tvorba malířů a v 70. letech dvacátého století došlo ke změně společenské orientace malířského umění.

Aktuální umění

Umělci moderní malby představují především nové trendy ve výtvarném umění. V kulturní terminologii existuje pojem „současné umění“, který poněkud souvisí s pojmem „současná malba“. Současným uměním míní umělci nejčastěji inovace, kdy se malíř obrací k ultramoderním tématům bez ohledu na jejich zaměření. Obraz lze namalovat a znázornit jakýkoli průmyslový podnik. Nebo na plátně krajinná krajina s pšeničným polem, loukou, lesem, ale přitom se v dálce jistě bude rýsovat kombajn. Styl moderní malby implikuje sociální orientaci obrazu. Krajiny současných umělců bez sociálního přesahu jsou přitom ceněny mnohem výše.

Volba směru

Od konce 90. let současní umělci opouštějí produkční témata a přenášejí svou tvorbu do hlavního proudu čistého výtvarného umění. Jsou zde mistři jemného portrétu, krajinných scén, zátiší ve stylu vlámské kresby. A postupně se v moderním malířství začalo objevovat opravdové umění, které nebylo nijak horší než obrazy vytvořené vynikajícími umělci 18. a 19. století a v některých ohledech je dokonce převyšovalo. Dnešním mistrům štětce pomáhá rozvinutá technická základna, množství nových nástrojů, které jim umožňují plně promítnout jejich plány na plátno. Umělci současné malby tak mohou tvořit podle svých nejlepších schopností. V procesu malby je samozřejmě důležitá kvalita barev nebo štětců, ale hlavní věcí je stále talent.

abstraktní expresionismus

Moderní umělci se drží malířských metod, které umožňují použití negeometrických tahů aplikovaných ve velkém množství na velké plátno. Používají se velké štětce, někdy malířské štětce. Takovou malbu lze jen stěží nazvat uměním v klasickém slova smyslu, nicméně abstrakce je pokračováním surrealismu, který se objevil již v roce 1920 díky myšlenkám Andre Bretona a okamžitě si našel spoustu následovníků, jako Salvator Dali, Hans Hoffmann, Adolf Gottlieb. Současní umělci přitom expresionismus chápou po svém. Dnes se tento žánr od svého předchůdce liší velikostí obrazů, které mohou dosáhnout délky tří metrů.

Populární umění

Protiváhou abstrakcionismu byla koncepční nová avantgarda, která prosazuje estetické hodnoty. Moderní umělci začali do svých obrazů zařazovat obrazy slavných osobností jako Mao Ce-tung nebo Marilyn Monroe. Tomuto umění se říkalo „pop art“ – populární, obecně uznávaný trend v malbě. Masová kultura nahradila abstrakcionismus a dala vzniknout zvláštnímu druhu estetiky, která barvitým a velkolepým způsobem představila veřejnosti to, co měl každý na rtech, některé nedávné události nebo obrazy známých lidí v různých životních situacích.

Zakladateli a následovníky pop artu byli Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Fotorealismus

Moderní umění je mnohostranné, často se v něm objevuje nový směr, spojující dva a více druhů výtvarného umění. Takovou formou sebevyjádření umělce se stal fotorealismus. Tento směr v malbě se objevil v USA v roce 1968. Vymyslel ho avantgardní umělec Louis Meisel a žánr byl představen o dva roky později ve Whitney Museum během výstavy Dvacet dva realistů.

Malba ve stylu fotorealismu je spojena s fotografií, pohyb objektu jako by zamrzl v čase. Fotorealistický umělec shromažďuje pomocí fotografií svůj obraz, který bude na snímku zachycen. Z negativu nebo diapozitivu se obraz přenese na plátno projekcí nebo pomocí měřítka. Poté se pomocí malířských technologií vytvoří ucelený obraz.

Rozkvět fotorealismu přišel v polovině 70. let, poté došlo k poklesu obliby a na počátku 90. let byl žánr znovu oživen. Ctihodní umělci působili především v USA, mezi nimi bylo mnoho sochařů, kteří svá díla tvořili i pomocí obrazové projekce. Nejznámějšími mistry malby založené na fotorealismu jsou Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Fotorealističtí umělci mladší generace - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Moderní umělci Ruska

• Serge Fedulov (narozen 1958), rodák z Nevinnomyssku, území Stavropol. Účastnil se několika výstav v Latinské Americe a Evropě. Jeho obrazy se vyznačují realismem a kontrastními barevnými kombinacemi.
• Michail Golubev (nar. 1981), absolvent výtvarné třídy Omské malířské školy. V současné době žije v Petrohradě. Vyznačuje se neobvyklým způsobem kreativity, všechna jeho díla jsou reflexní malby s hlubokým filozofickým přesahem.
• Dmitrij Anněnkov (nar. 1965) v Moskvě. Vystudoval Stroganov Art Institute. Populární v zahraničí, ale preferuje ruské výstavy. Annenkovovo umění je realistické, umělec je uznávaným mistrem zátiší.

ruští impresionisté

• Alexej Černigin, ruský impresionistický malíř (narozen 1975), je synem slavného malíře Alexandra Černigina. Vystudoval malířství a grafický design na umělecké škole v Nižném Novgorodu. Vystudoval architektonický institut v Nižním Novgorodu se zaměřením na průmyslový design. Člen Svazu umělců Ruska od roku 1998. Od roku 2001 je pedagogem na NGASU na katedře interiérového designu.
• Konstantin Lupanov, krasnodarský umělec (nar. 1977). Vystudoval průmyslovou akademii na Státní univerzitě kultury a umění, obor monumentální malba. Účastník mnoha uměleckých výstav v Petrohradě a St. Vyznačuje se vzácným stylem olejomalby s vířivými tahy. Lupanovovy obrazy zcela postrádají kontrastní kombinace barev, obrazy jako by přecházely jeden do druhého. Sám umělec svá díla nazývá „veselým, nezodpovědným mazancem“, ale toto tvrzení v sobě nese podíl koketnosti: obrazy jsou vlastně napsány zcela profesionálně.

Ruští umělci malují v nahém stylu

• Sergei Marshennikov (narozen 1971), jeden z nejznámějších současných ruských umělců. Vystudoval Ufa College of Arts. Jeho obrazy jsou příkladem nehorázného realismu. Díla působí dojmem umělecké fotografie, kompozice je tak přesná a každý tah je ověřen. Malířova manželka Natalya nejčastěji vystupuje jako model, což mu pomáhá při vytváření smyslného obrazu.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (narozena 1964), vnučka slavného operního pěvce Lavrenty Dmitrievich Donskoy. Nejjasnější představitel moderní ruské malby. Kreslí ve stylu předmětu akt. V kreativní paletě umělce najdete krásy východního harému a nahé vesnické dívky na břehu řeky v noci svátku Ivana Kupaly, ruských lázní s horkými ženami, které vycházejí do sněhu a plavou v díře. Umělec kreslí hodně a s talentem.

Současní ruští umělci a jejich tvorba se těší stále většímu zájmu znalců výtvarného umění po celém světě.

Moderní malba jako světové umění

Dnes má výtvarné umění jiné formy, než jaké byly žádané v 18. a 19. století. Moderní umělci světa se obrátili k avantgardě v užším pojetí, plátna získala sofistikovanost a stala se smysluplnější. Společnost dnes potřebuje obnovené umění, potřeba se vztahuje na všechny typy kreativity, včetně malby. Obrazy současných umělců, pokud jsou vytvořeny na dostatečně vysoké úrovni, jsou skupovány, stávají se předmětem smlouvání nebo výměny. Některá plátna jsou zařazena do seznamů zvláště cenných uměleckých děl. Obrazy z minulosti, namalované velkými malíři, jsou stále žádané, ale současní umělci si získávají stále větší oblibu. Olejové, temperové, akvarelové a další barvy jim pomáhají v jejich kreativitě a úspěšné realizaci jejich plánů. Malíři zpravidla dodržují jakýkoli styl. Může to být krajina, portrét, bitevní scény nebo jiný žánr. Podle toho si umělec pro svou práci vybírá určitý typ barvy.

Současní umělci světa

Nejslavnější moderní umělci se liší způsobem psaní, jejich štětec je rozpoznatelný, někdy se ani nemusíte dívat na podpis na spodní straně plátna. Slavní mistři moderní malby - Perlstein Philip, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

Mnozí věří, že v 21. století nezůstali žádní umělci. Ve skutečnosti tomu tak však není. A v naší době existuje mnoho talentovaných a slavných umělců, jejichž práce jsou vystaveny na výstavách, které vydělávají velké peníze. Níže je uveden seznam 20 nejznámějších a nejvydělanějších umělců, kteří jsou aktivní v kreativní tvorbě nejen v Rusku.

Ruský umělec Alexander Ivanov, narozený v roce 1962, je nejlépe známý pro své dílo s názvem Láska, které bylo namalováno v roce 1996 a prodalo se za téměř 100 000 rublů. Jeho styl je abstrakcionismus. Je také obchodníkem, zabývá se sběratelskou činností, otevřel Faberge Museum v Německu, v Baden-Badenu.

Olga Bulgakova je jednou z mála talentovaných a slavných umělců v Rusku, narodila se v roce 1951 a je členkou Ruské akademie umění jako člen korespondent. Představitel takového hnutí malby Brežněvovy éry, který se nazývá "karneval". Jejím nejznámějším dílem je Sen červeného ptáka, napsaný v roce 1988.

V tomto hodnocení je zahrnut ruský umělec Michail Brusilovsky, který pracuje pod pseudonymem Misha Shayevich a zaujímá 18. místo. Tento světově proslulý umělec

Talentovaný ruský umělec Lev Tabenkin se narodil v roce 1952 v ruské metropoli Moskvě. Tento malíř vidí obraz jako sochař. Pocit, že jeho psané postavy jsou vytvarovány z hlíny. Jedním z nejslavnějších Leových obrazů je „Jazzový orchestr“ namalovaný v roce 2004. Byl prodán za 117 650 rublů.

Projekt AES + F se skládá ze čtyř lidí, ve skutečnosti se název skládá z počátečních písmen jmen účastníků: Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridnes. Kreativita této společnosti se vyznačuje velmi dobrou prezentací již v devadesátých letech a byla oceněna pouze ve dvou tisících. Nyní z velké části vytvářejí velké animované nástěnné malby, které se vysílají na desítkách obrazovek. Jedno z nejznámějších děl této společnosti: "Warrior 4".

Ruský umělec Sergej Volkov se narodil v Petrozavodsku v roce 1956. Jeho díla se vyznačují tím, že tvořil v období perestrojkového umění. Obrazy jsou psány velmi expresivně, kde jsou zaznamenány velmi promyšlené výroky a ideologie. Jeho nejznámější obraz je Dvojité vidění. Triptych".

Umělci Alexander Vinogradov a Vladimir Dubossarsky se narodili v Moskvě v letech 1963 a 1964. Začali spolu pracovat v roce 1994, kdy se setkali na festivalu a vytvořili neobvyklý a grandiózní projekt. Originální projekt si získal respekt mnoha sběratelů. Jejich obrazy visí na tak slavných místech, jako je Treťjakovská galerie, Ruské muzeum a dokonce i Pompidouovo centrum. Sami jsou tvůrci galerie Art-Strelka a organizátory festivalu Art-Klyazma.

Ruský umělec Vladimir Yankilevsky se také dostal na seznam nejlépe placených a slavných umělců. Narodil se v Moskvě v roce 1938. Vladimírův otec byl také umělec a jeho syn zdědil jeho profesi. Vladimír pracuje ve stylu surrealismu - umění s paradoxními kombinacemi. Ještě v roce 1970 namaloval jeden z nejznámějších obrazů s názvem Triptych 10. Anatomie duše II.

Umělec Vladimir Nemukhin se narodil v roce 1925 v malé vesnici Priluki, která se nachází v Moskevské oblasti. Byl účastníkem mnoha zahraničních výstav v Evropě. V devadesátých letech žil a působil v Německu, ale v roce 2005 se přestěhoval do Ruska. Jeho tvorbu charakterizuje prostorová kompozice, přítomnost protireliéfu a různé průřezové motivy, například balíček karet.

Umělec s neobvyklým jménem, ​​syn španělského politického emigranta, se narodil v roce 1943 v malé vesnici Vasilievka v Samarském kraji. Byl organizátorem skupiny umělců „Argo“, členem Moskevského svazu umělců. Francisco byl také obdařen státní cenou za úspěchy v oblasti výtvarného umění. Umělec je aktivní v tvůrčí práci v Rusku i v zahraničí.

Umělec Alexander Melamed býval jedním ze členů velmi slavného tvůrčího dua Komarov-Melamed, které se však v roce 2003 rozpadlo, poté začali fungovat odděleně. Bydliště od roku 1978 je New York. Většinu slavných děl napsal společně s Vitalijem Komarem, společně také vytvořili hnutí Sots Art a byli organizátory výstavy buldozerů.

Tento ruský umělec, známý jako jeden ze zakladatelů moskevského konceptualismu, se narodil v Moskvě v roce 1937, kde vystudoval Polygrafický institut. Podle samotného Viktora Pivovarova byla jeho první práce napsána v pěti letech. Je také představitelem „neoficiálního“ umění. Jeho obrazy jsou umístěny v jednom z nejznámějších a největších výstavních center: Ruské muzeum, Treťjakovská galerie, Puškinovo muzeum im. A. S. Puškin.

Tento umělec se narodil v roce 1934 v Tbilisi. Je jedním z nejjasnějších představitelů monumentální malby. Zurab je známý svou prací v podobě pomníku Petra I., který se nachází v Moskvě, a také pomníku, který se nachází před budovou OSN v New Yorku. Zurab je prezidentem Ruské umělecké akademie, která provozuje vlastní muzeum-galerii. Výtvory tohoto umělce jsou známé nejen v Rusku, ale po celém světě.

Ruský umělec Oscar Rabin je známý tím, že v roce 1974 organizoval výstavu Buldor a o čtyři roky později byl zbaven sovětského občanství. Stal se také populární jako jeden z prvních umělců zabývajících se soukromým prodejem obrazů v Sovětském svazu. V současné době je jeho trvalým bydlištěm a pracovištěm Paříž. Jeho obrazy jsou ve velkých muzeích a výstavních centrech: Moskevské muzeum moderního umění, Treťjakovská galerie, Ruské muzeum a další.

Ruský umělec Oleg Tselkov je známý jako umělec, který zahájil hlavní tvůrčí hnutí v šedesátých letech 20. století a ve svých obrazech vykazoval velmi hrubé a ostré rysy, včetně zobrazení lidí, kteří vypadají jako hliněné postavy. Od roku 1977 pokračuje Oleg ve své tvůrčí cestě v Paříži. Jeho obrazy jsou umístěny v takových výstavních centrech: Ruské muzeum, Treťjakovská galerie, Ermitáž. Jedním z nejznámějších obrazů je „Chlapec s balónky“, napsaný v roce 1954.

Ruský umělec Grigory Bruskin, neboli Grisha, narozený v Moskvě v roce 1934, je od roku 1969 členem Svazu umělců. Největší slávu získal díky velké aukci Sotheby's, kde své dílo prodal pod názvem „Fundamental Lexicon“ za nejvyšší cenu, která byla rekordní. V současnosti žije a tvoří v New Yorku a Moskvě, proto je také nazýván americkým umělcem.

Tento ruský umělec se vyznačuje tím, že přesně zobrazuje realistické věci. Jeho skutečná tvůrčí činnost začala od okamžiku, kdy v roce 1985 vystavováním v Malaya Gruzinskaya získal pozornost a uznání sběratelů z New Yorku. Od té doby byla jeho díla vystavena v mnoha evropských zemích, jsou na výstavních centrech v Americe, Německu a Polsku. Nyní žije a vede tvůrčí činnost v Moskvě.

Tento duet, bohužel, trval až do roku 2003, ale měl obrovský úspěch. Dva ruští umělci se dostali na výsluní díky vytvoření hnutí Sots Art, které je odnoží neoficiálního umění. Šlo o jakousi reakci na vznik pop-artu na Západě. Plátna s díly těchto umělců jsou ve velkých muzeích, včetně Louvru.

Ruský umělec je známý tím, že ve své tvorbě dokáže skloubit malbu i text, později se tomu začalo říkat Sots Art. Během sovětského období byl populární jako ilustrátor dětských knih. Nějakou dobu žil v New Yorku, pak v Paříži. Byl prvním umělcem, který uspořádal výstavu v Centre Pompidou. Jeho tvůrčí práce jsou v Treťjakovské galerii, Ruském muzeu, Pompidouově centru.

Tento nejtalentovanější ruský umělec, který pracuje v tandemu se svou ženou Emilií, lze považovat za hlavního umělce země, zakladatele moskevského konceptualismu. Narodil se v Dněpropetrovsku v roce 1933, ale od roku 1988 se jeho bydlištěm stal New York. Jeho díla jsou k vidění v Ermitáži, Treťjakovské galerii a Ruském muzeu. Ilja obdržel cenu japonského císaře a dvě jeho díla s názvem „Brouk“ a „Luxus“ jsou nejdražší obrazy.