Nadpozemská krása: ženy v malování v různých směrech. Šokující mistrovská díla klasické malby aktů od současných umělců

Pokud si myslíte, že všichni velcí umělci jsou minulostí, pak ani netušíte, jak moc se mýlíte. V tomto článku se dozvíte o nejslavnějších a nejtalentovanějších umělcích naší doby. A věřte, že jejich díla vám utkví v paměti neméně hluboce než díla maestra z minulých epoch.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je současný polský umělec. Vystudoval Slezský polytechnický institut, ale spojil se s. V poslední době maluje převážně ženy. Zaměřuje se na projevy emocí, snaží se jednoduchými prostředky získat co největší účinek.

Miluje barvy, ale k dosažení nejlepšího dojmu často používá odstíny černé a šedé. Nebojte se experimentovat s novými technikami. V poslední době si získává stále větší oblibu v zahraničí, především ve Velké Británii, kde úspěšně prodává svá díla, která se již nacházejí v mnoha soukromých sbírkách. Kromě umění se zajímá o kosmologii a filozofii. Poslouchá jazz. V současné době žije a pracuje v Katovicích.

Warren Chang

Warren Chang je současný americký umělec. Narodil se v roce 1957 a vyrůstal v Monterey v Kalifornii a v roce 1981 absolvoval s vyznamenáním na Art Center College of Design v Pasadeně s titulem Bachelor of Fine Arts ve výtvarném umění. Následující dvě desetiletí pracoval jako ilustrátor pro různé společnosti v Kalifornii a New Yorku, než v roce 2009 zahájil svou kariéru jako profesionální umělec.

Jeho realistické obrazy lze rozdělit do dvou hlavních kategorií: biografické interiérové ​​obrazy a obrazy zobrazující pracující lidi. Jeho zájem o tento styl malby má kořeny v díle malíře 16. století Jana Vermeera a zasahuje do objektů, autoportrétů, portrétů rodinných příslušníků, přátel, studentů, interiérů ateliérů, tříd a domácností. Jeho cílem je vytvořit náladu a emoce ve svých realistických obrazech pomocí manipulace se světlem a použitím tlumených barev.

Chang se proslavil po přechodu k tradičnímu výtvarnému umění. Za posledních 12 let si vysloužil řadu ocenění a vyznamenání, z nichž nejprestižnější je Master Signature od Asociace olejových malířů Ameriky, největší komunity olejomaleb ve Spojených státech. Pouze jeden člověk z 50 je poctěn příležitostí získat toto ocenění. V současné době žije Warren v Monterey a pracuje ve svém ateliéru, také vyučuje (známý jako talentovaný učitel) na San Francisco Academy of the Arts.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni je italský umělec. Narozen v Blair, 15. října 1955. Vystudoval scénografii na Art Institute ve Spoletu. Jako umělec je samouk, protože samostatně „postavil dům poznání“ na základech položených již ve škole. V 19 letech začal malovat oleji. V současné době žije a pracuje v Umbrii.

Bruniho raná malba má kořeny v surrealismu, ale postupem času se začíná zaměřovat na blízkost lyrického romantismu a symbolismu a tuto kombinaci posiluje vynikající propracovaností a čistotou svých postav. Živé a neživé předměty získávají stejnou důstojnost a vypadají téměř hyperrealisticky, ale zároveň se neskrývají za oponou, ale umožňují vám vidět podstatu vaší duše. Všestrannost a sofistikovanost, smyslnost a osamělost, přemýšlivost a plodnost jsou duchem Aurelia Bruniho, živeného nádherou umění a harmonií hudby.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos je současný polský umělec specializující se na olejomalbu. Narozen v roce 1970 v Gliwicích v Polsku, ale od roku 1989 žije a pracuje v USA, ve městě Shasta v Kalifornii.

V dětství studoval umění pod vedením svého otce Jana, samouka a sochaře, a tak se umělecké činnosti odmala dostávalo plné podpory obou rodičů. V roce 1989, ve věku osmnácti let, Balos odešel z Polska do Spojených států, kde jeho učitelka a umělkyně Cathy Gaggliardi na částečný úvazek povzbudila Alcasandera, aby se přihlásil na uměleckou školu. Balos poté získal plné stipendium na University of Milwaukee Wisconsin, kde studoval malbu u profesora filozofie Harryho Rosina.

Po ukončení studia v roce 1995 bakalářským titulem se Balos přestěhoval do Chicaga, aby zde studoval na School of Fine Arts, jejíž metody vycházejí z díla Jacquese-Louise Davida. Figurální realismus a portrétování tvořily většinu Balosovy tvorby v 90. letech a na počátku 21. století. Balos dnes využívá lidskou postavu ke zdůraznění rysů a nedostatků lidské existence, aniž by nabízel nějaká řešení.

Dějové kompozice jeho obrazů jsou určeny k samostatné interpretaci divákem, teprve pak plátna získají svůj pravý časový a subjektivní význam. V roce 2005 se umělec přestěhoval do severní Kalifornie, od té doby se rozsah jeho tvorby výrazně rozšířil a nyní zahrnuje volnější metody malby, včetně abstrakce a různých multimediálních stylů, které pomáhají vyjádřit myšlenky a ideály bytí prostřednictvím malby.

Alyssa Monksová

Alyssa Monks je současná americká umělkyně. Narodila se v roce 1977 v Ridgewood, New Jersey. O malování se začala zajímat už jako dítě. Navštěvovala The New School v New Yorku a Montclair State University a absolvovala Boston College v roce 1999 s bakalářským titulem. Současně studovala malbu na akademii Lorenza Medici ve Florencii.

Poté pokračovala ve studiu v rámci magisterského studia na New York Academy of Art na katedře figurativního umění, kterou absolvovala v roce 2001. Vystudovala Fullerton College v roce 2006. Krátce přednášela na univerzitách a vzdělávacích institucích po celé zemi a vyučovala malbu na New York Academy of Art a také na Montclair State University a Lyme Academy College of Art.

„Pomocí filtrů, jako je sklo, vinyl, voda a pára, deformuji lidské tělo. Tyto filtry umožňují vytvářet velké plochy abstraktního designu, přes které prokukují ostrůvky barev – části lidského těla.

Moje obrazy mění moderní pohled na již zavedené, tradiční pózy a gesta koupajících se žen. Mohli by pozornému divákovi leccos říct o tak zdánlivě samozřejmých věcech, jako jsou výhody plavání, tance a podobně. Moje postavy jsou přitisknuty ke sklu okna sprchové kabiny, deformují své vlastní tělo a uvědomují si, že tím ovlivňují notoricky známý mužský pohled na nahou ženu. Silné vrstvy barvy jsou smíchány dohromady, aby z dálky napodobovaly sklo, páru, vodu a maso. Zblízka se však projeví úžasné fyzikální vlastnosti olejové barvy. Experimentováním s vrstvami barev a barev nacházím okamžik, kdy se abstraktní tahy stávají něčím jiným.

Když jsem poprvé začal malovat lidské tělo, byl jsem jím okamžitě fascinován a dokonce i posedlý a cítil jsem, že musím své obrazy udělat co nejrealističtější. Realismus jsem „vyznával“, dokud se nezačal rozplétat a dekonstruovat sám sebe. Nyní zkoumám možnosti a potenciál stylu malby, kde se potkává reprezentativní malba a abstrakce – pokud mohou oba styly koexistovat ve stejný okamžik, udělám to.“

Antonio Finelli

italský umělec - hlídač času“ – Antonio Finelli se narodil 23. února 1985. V současné době žije a pracuje v Itálii mezi Římem a Campobassem. Jeho díla byla vystavena v několika galeriích v Itálii i v zahraničí: Řím, Florencie, Novara, Janov, Palermo, Istanbul, Ankara, New York a lze je nalézt i v soukromých i veřejných sbírkách.

Kresby tužkou" Strážce času“ Antonio Finelli nás posílá na věčnou cestu vnitřním světem lidské dočasnosti a důslednou analýzou tohoto světa s ním spojeného, ​​jejímž hlavním prvkem je průchod časem a stopy, které na kůži působí.

Finelli maluje portréty lidí jakéhokoli věku, pohlaví a národnosti, jejichž mimika naznačuje průchod časem, a umělec také doufá, že na tělech svých postav najde důkazy o nelítostnosti času. Antonio definuje svá díla jedním obecným názvem: „Autoportrét“, protože ve svých kresbách tužkou nejen zobrazuje člověka, ale umožňuje divákovi kontemplovat skutečné výsledky plynutí času uvnitř člověka.

Flaminia Carloniová

Flaminia Carloni je 37letá italská umělkyně, dcera diplomata. Má tři děti. Dvanáct let žila v Římě, tři roky v Anglii a Francii. Vystudoval dějiny umění na BD School of Art. Poté získala diplom v oboru specializace restaurátor uměleckých děl. Než našla své povolání a plně se věnovala malování, pracovala jako novinářka, koloristka, návrhářka a herečka.

Flaminiaina vášeň pro malování vznikla už v dětství. Jejím hlavním médiem je olej, protože miluje „coiffer la pate“ a také si hraje s materiálem. Podobnou techniku ​​se naučila v dílech umělce Pascala Toruy. Flaminia je inspirována velkými mistry malby, jako jsou Balthus, Hopper a François Legrand, a také různými uměleckými směry: street art, čínský realismus, surrealismus a renesanční realismus. Její oblíbený umělec je Caravaggio. Jejím snem je objevit terapeutickou sílu umění.

Denis Černov

Denis Chernov je talentovaný ukrajinský umělec, narozený v roce 1978 v Sambir, Lvovská oblast, Ukrajina. Po absolvování Charkovské umělecké školy v roce 1998 zůstal v Charkově, kde v současnosti žije a pracuje. Studoval také na Charkovské státní akademii designu a umění, katedře grafiky, kterou absolvoval v roce 2004.

Pravidelně se účastní výtvarných výstav, v současné době jich bylo na Ukrajině i v zahraničí více než šedesát. Většina děl Denise Černova je uložena v soukromých sbírkách na Ukrajině, v Rusku, Itálii, Anglii, Španělsku, Řecku, Francii, USA, Kanadě a Japonsku. Některá díla byla prodána v Christie's.

Denis pracuje v široké škále grafických a malířských technik. Kresby tužkou patří k jeho oblíbeným malířským metodám, výčet témat jeho kreseb tužkou je také velmi rozmanitý, maluje krajiny, portréty, akty, žánrové kompozice, knižní ilustrace, literární a historické rekonstrukce a fantasy.

V umění jsou věčná témata. Jedním z nich je téma ženy, téma mateřství. Každá doba má svůj ideál ženy, celá historie lidstva se odráží v tom, jak lidé viděli ženu, jaké mýty ji obklopovaly a pomáhaly jí tvořit. Přesně jedna věc - ve všech dobách a dobách Ženská postava přitahovala, přitahuje a bude přitahovat zvláštní pozornost umělců.

Obrazy žen vytvořené v portrétním umění nesou poetický ideál v harmonické jednotě jeho duchovních kvalit a vnějšího vzhledu. Z portrétů můžeme soudit, jak vzhled ženy, její duševní skladiště ovlivňuje společenské dění, móda, literatura, umění i samotné malířství.

Představujeme vám různé obrazy žen v malbě v různých směrech

REALISMUS

Podstatou směru je co nejpřesnější a nejobjektivnější fixace reality. Zrod realismu v malbě je nejčastěji spojován s tvorbou francouzského umělce Gustava Courbeta, který v roce 1855 v Paříži otevřel svou osobní výstavu „Pavilon realismu“. Je proti romantismu a akademismu. V 70. letech 19. století se realismus rozdělil na dvě hlavní oblasti – naturalismus a impresionismus. Přírodovědci byli nazýváni umělci, kteří se snažili zachytit realitu co nejpřesněji, fotograficky.

Ivan Kramskoy "Neznámý"

Serov "Dívka s broskvemi"

AKADEMISMUS

Akademiismus vyrostl v návaznosti na vnější formy klasického umění. Akademie ztělesňovala tradice starověkého umění, ve kterém je obraz přírody idealizován. Ruský akademismus první poloviny 19. století se vyznačuje vznešenou tématikou, vysokým metaforickým stylem, všestranností, mnohofigurací a pompézností. Oblíbené byly biblické výjevy, salónní krajiny a slavnostní portréty. Přes omezený námět obrazů se díla akademiků vyznačovala vysokou technickou dovedností.

Bouguereau "Plejády"

Bouguereau "Nálada"

Cabanel "Zrození Venuše"

IMPRESIONISMUS

Představitelé stylu se snažili zachytit skutečný svět v jeho pohyblivosti a variabilitě co nejpřirozenějším a nezaujatým způsobem, zprostředkovat své prchavé dojmy. Francouzský impresionismus nenastoloval filozofické otázky. Místo toho se impresionismus zaměřuje na povrchnost, plynulost okamžiku, náladu, osvětlení nebo úhel pohledu. Jejich obrazy představovaly pouze pozitivní aspekty života, neporušovaly sociální problémy a obcházely takové problémy, jako je hlad, nemoci, smrt. Biblické, literární, mytologické, historické zápletky vlastní oficiálnímu akademismu byly vyřazeny. Vzali témata flirtování, tance, pobytu v kavárnách a divadlech, výletů lodí, na plážích a v zahradách. Soudě podle obrazů impresionistů je život sledem malých prázdnin, večírků, příjemných kratochvílí mimo město nebo v přátelském prostředí.

Boldini "Moulin Rouge"

Renoir "Portrét Jeanne Samary"

Manet "Snídaně v trávě"

Mayo "RosaBrava"

Lautrec "Žena s deštníkem"

SYMBOLISMUS

Symbolisté radikálně změnili nejen různé druhy umění, ale i samotný postoj k němu. Jejich experimentální povaha, touha po inovacích, kosmopolitnost se staly vzorem pro většinu současných uměleckých hnutí. Používali symboly, podceňování, narážky, tajemno, tajemno. Hlavní náladou byl často pesimismus, dosahující až k zoufalství.Na rozdíl od jiných uměleckých směrů symbolismus naznačuje vyjádření „nedosažitelných“, někdy až mystických představ, obrazů Věčnosti a Krásy.

Redon "Ophelia"

Franz von Stuck "Salome"

Watts "Naděje"

Rosseti "Persephone"

MODERNÍ

Secese usilovala o spojení umělecké a užitné funkce vytvořených děl, o zapojení všech oblastí lidské činnosti do oblasti krásy. V důsledku toho je zájem o užité umění: interiérový design, keramika, knižní grafika. Umělci secese čerpali inspiraci z umění starověkého Egypta a starověkých civilizací. Nejpozoruhodnějším rysem secese bylo odmítnutí pravých úhlů a linií ve prospěch hladších, zakřivených linií. Moderní umělci často brali jako základ svých kreseb ozdoby ze světa rostlin.

Klimt "Portrét Adele Bloch-Bauer I"

Klimt "Danae"

Klimt "Tři věky ženy"

Fly "Ovoce"

EXPRESIONISMUS

Expresionismus je jedním z nejvlivnějších uměleckých směrů 20. století. Expresionismus vznikl jako reakce na nejakutnější krizi první čtvrtiny 20. století, první světovou válku a následná revoluční hnutí, ošklivost buržoazní civilizace, která vyústila v touhu po iracionalitě. Byly použity motivy bolesti, křiku, nad obrazem začal převládat výrazový princip.

Modigliani. Pomocí těl a tváří žen se snaží proniknout do duší svých postav. „Zajímám se o lidskou bytost. Obličej je největším výtvorem přírody. Neúnavně to používám,“ opakoval.

Modigliani "Spící akt"

Schiele "Žena v černých punčochách"

KUBISMUS

Kubismus je modernistický směr ve výtvarném umění (především v malbě) 1. čtvrtiny 20. století, který vyzdvihl formální úkol konstruovat trojrozměrnou formu na rovině, minimalizující figurativní a kognitivní funkce umění. Vznik kubismu se tradičně datuje do let 1906-1907 a je spojen s dílem Pabla Picassa a Georgese Braquea. Obecně byl kubismus rozchodem s tradicí realistického umění, které se rozvinulo během renesance, včetně vytváření vizuální iluze světa v rovině. Dílo kubistů bylo výzvou pro standardní půvab salonního umění, pro vágní alegorie symbolismu a křehkost impresionistické malby. Kubismus, který vstoupil do kruhu rebelských, anarchistických, individualistických hnutí, mezi nimi vynikl svou tíhou k askezi barev, k jednoduchým, těžkým, hmatatelným formám a elementárním motivům.

Picasso "Plačící žena"

Picasso "Hra na mandolínu"

Picasso "Dívky z Avignonu"

SURREALISMUS

Základní koncept surrealismu, surrealita- spojení snu a reality. Surrealisté k tomu nabídli absurdní, rozporuplnou kombinaci naturalistických obrazů prostřednictvím koláže a přesouvání objektu z mimouměleckého prostoru do uměleckého prostoru, díky kterému se objekt otevírá z nečekané strany, vlastnosti, které nebyly povšimnuty mimo umělecký kontext. objevit se v něm. Surrealisté byli inspirováni ideologií radikální levice, ale navrhli zahájit revoluci ze svého vlastního vědomí. Umění bylo jimi pojato jako hlavní nástroj osvobození. Tento směr vznikl pod velkým vlivem Freudovy teorie psychoanalýzy. Surrealismus měl kořeny v symbolismu a byl zpočátku ovlivněn symbolistickými umělci jako Gustave Moreau a Odilon Redon. Mnoho z populárních umělců byli surrealisté, včetně Rene Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.

Gil Elvgren (1914-1980) byl významným pin-up umělcem dvacátého století. Během své profesionální kariéry, která začala v polovině 30. let 20. století a trvala přes čtyřicet let, se etabloval jako jasný favorit mezi sběrateli a fanoušky pin-up po celém světě. A přestože je Gil Elvgren považován hlavně za pin-up umělce, zaslouží si titul klasického amerického ilustrátora, který dokázal obsáhnout různé oblasti komerčního umění.

25 let práce pro reklamy na Coca-Colu mu pomohlo prosadit se jako jeden z velkých ilustrátorů v oboru. Reklamy na Coca-Colu obsahovaly obrázky Elvgrenových dívek, většina z těchto ilustrací znázorňovala typické americké rodiny, děti, teenagery – obyčejné lidi, kteří se zabývají svou každodenní činností. Během druhé světové války a války v Koreji Elvgren dokonce kreslil ilustrace s vojenskou tématikou pro Coca-Colu, z nichž některé se staly „ikonami“ v Americe.

Elvgrenova práce pro Coca-Colu zobrazovala americký sen o bezpečném a pohodlném životě a některé ilustrace příběhů z časopisů zobrazovaly naděje, obavy a radosti jejich čtenářů. Tyto snímky byly publikovány ve 40. – 50. letech 20. století v řadě známých amerických časopisů jako McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping a Woman's Home Companion. Spolu s Coca-Colou spolupracoval Elvgren také s Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania a Napa Auto Parts.

Elvgren vynikal nejen svými malbami a reklamní grafikou – byl také profesionálním fotografem, který kromě štětce používal fotoaparát. Tím ale jeho energie a talent neskončily: navíc byl učitelem, z jehož žáků se později stali slavní umělci.

Již v raném dětství se Elvgren inspiroval obrázky slavných ilustrátorů. Každý týden vytrhával listy a obálky z časopisů s obrázky, které se mu líbily, v důsledku čehož nashromáždil obrovskou sbírku, která zanechala stopy na díle mladého umělce.

Elvgrenovu tvorbu ovlivnilo mnoho umělců, jako Felix Octavius ​​​​Carr Darley (1822-1888), první umělec, kterému se podařilo vyvrátit nadřazenost anglických a evropských škol ilustrace nad americkým komerčním uměním; Norman Rockwell (1877-1978), kterého Elvgren potkal v roce 1947, a toto setkání znamenalo začátek dlouhého přátelství; Charles Dana Gibson (Charles Dana Gibson) (1867-1944), z jehož stopy vzešel ideál dívky, který v sobě spojoval „sousedku“ (dívku-od vedle) a „dívku snů“ (dívku-vašich snů) , Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister (1870-1945) a další.

Elvgren důkladně studoval tvorbu těchto klasických umělců, v důsledku čehož vytvořil základ, na kterém byl založen další vývoj pin-up artu.

Gil Elvgren se tedy narodil 15. března 1914 a vyrostl v St. Paul Minneapolis. Jeho rodiče, Alex a Goldie Elvgrenovi, vlastnili obchod v centru města, který prodával tapety a barvy.

Po absolvování střední školy se Gil chtěl stát architektem. Rodiče tuto touhu schvalovali, protože si všimli jeho talentu na kreslení, když byl chlapec v osmi letech vyloučen ze školy kvůli tomu, že maloval okraje učebnic. Elvgren se nakonec zapsal na University of Minnesota, aby studoval architekturu a design a zároveň navštěvoval umělecké kurzy na Minneapolis Art Institute. Tam si uvědomil, že kreslení ho zajímá mnohem víc než navrhování budov.

Na podzim téhož roku se Elvgren oženil s Janet Cumminsovou. A nyní se na Nový rok novomanželé stěhují do Chicaga, kde bylo mnoho příležitostí pro umělce. Samozřejmě si mohli vybrat New York, ale Chicago bylo blíž a bezpečnější.

Po příjezdu do Chicaga se Gil snažil udělat vše pro rozvoj své kariéry. Zapsal se na prestižní Americkou akademii umění v centru města, kde se spřátelil s Billem Mosbym, uznávaným umělcem a učitelem, který byl vždy hrdý na to, že Gil pod jeho vedením roste.

Když Gil Elvgren přišel na Akademii, byl samozřejmě talentovaný, ale nevyčníval z většiny studentů, kteří tam studovali. Ale jen jedna věc ho odlišovala od ostatních: přesně věděl, co chce. Ze všeho nejvíc snil o tom, že se stane dobrým umělcem. Za dva roky studia zvládl kurz určený pro tři a půl: navštěvoval hodiny v noci, v létě. Ve volném čase vždy maloval.

Byl dobrým studentem a pracoval více než ostatní. Jill navštěvoval každý kurz, kde mohl získat alespoň nějaké znalosti o malbě. Za dva roky udělal fenomenální pokrok a stal se jedním z nejlepších absolventů Akademie.

Jill je úžasná umělkyně, které se málokdo vyrovná. Silné postavy, vypadá jako fotbalista; jeho velké ruce vůbec nevypadají jako ruce umělce: tužka se v nich doslova „zavrtává“, ale přesnost a pečlivost jeho pohybů lze srovnávat pouze s dovedností chirurga.

Během svého působení v ústavu Gil nikdy nepřestal pracovat. Jeho ilustrace již zdobily brožury a časopisy akademie, kde studoval.

Gil se tam setkal s mnoha umělci, kteří se stali jeho celoživotními přáteli, jako jsou: Harold Anderson (Harold Anderson), Joyce Ballatrin (Joyce Ballantyne).

V roce 1936 se Jill a jeho manželka vrátili do svého rodného města, kde si otevřeli vlastní studio. Krátce předtím dělá svou první placenou zakázku: obálku módního časopisu s pohledným mužem v dvouřadovém saku a světlých letních kalhotách. Ihned poté, co Elvgren poslal své dílo zákazníkovi, mu zavolal ředitel společnosti, aby mu pogratuloval a objednal dalších půl tuctu krytů.

Pak přišla další zajímavá zakázka, která měla nakreslit pět dvojčat Dionne (Dionne Quintuplets), jejichž narození se stalo pro média senzací. Klientem byl Brown and Biglow, největší vydavatel kalendářů. Toto dílo bylo otištěno v kalendářích 1937-1938, které se prodaly v milionech výtisků. Od té doby začal Elvgren kreslit nejslavnější dívky v Americe, což mu přineslo velký úspěch. Ke spolupráci začaly Elvgrena zvát i další společnosti, například Brownův a Biglowův konkurent Louis F. Dow Calendar Company. Umělcova díla se začala tisknout na brožury, hrací karty a dokonce i krabičky od sirek. Pak se v obchodech s potravinami objevilo mnoho jeho obrazů v životní velikosti vytvořených pro Royal Crown Soda. Tentýž rok se pro Elvgrena stává obzvláště důležitým, protože se mu a jeho ženě narodilo první dítě Karen.

Elvgren pokračuje v přijímání rozkazů a rozhodne se vrátit se svou rodinou do Chicaga. Brzy potkal Haddona H. Sundbloma (1899-1976), který byl jeho idolem. Sandblom má obrovský vliv na Elvgrenovu tvorbu.

Díky Sundblom se Elvgren stal reklamním umělcem pro Coca-Colu. Až dosud jsou tato díla ikonami v historii americké ilustrace.

Bezprostředně po bombardování Pearl Harboru byl Elvgren požádán, aby namaloval obrazy pro vojenskou kampaň. Jeho první kresba pro tuto sérii vyšla v roce 1942 v časopise Good Housekeeping pod názvem „Ví, co je to skutečně „svoboda“ a zobrazovala dívku oblečenou v důstojnické uniformě Červeného kříže.

V roce 1942 se narodila Jill Jr. a v roce 1943 už jeho žena čekala třetí dítě. Elvgrenova rodina se však rozrostla, stejně jako jeho podnikání. Jill se zabývá reklamními projekty a také prodává své staré práce. Užíval si života, protože sám byl již uznávaným umělcem a šťastným rodinným příslušníkem. Když se v jeho rodině narodilo třetí dítě, Elvgren už dostával asi 1000 dolarů za obraz, tzn. asi 24 000 dolarů ročně, což byla v té době obrovská částka. To znamenalo, že se Gil mohl stát nejlépe placeným ilustrátorem v USA a samozřejmě mít zvláštní místo v Brownovi a Bigelowovi.

Než začal pracovat výhradně pro Browna a Bigelowa, přijal svou první (a jedinou) zakázku od firmy Joseph Hoover ve Philadelphii. Aby se vyhnul problémům s Brownem a Bigelowem, přijal nabídku pod podmínkou, že obraz nebude podepsán. Za tuto práci s názvem „Dream Girl“ obdržel 2 500 $, protože. byl největší, jaký kdy maloval (101,6 cm x 76,2 cm).

Spolupráce s Brownem a Bigelowem umožnila Elvgrenovi pokračovat v malování pro Coca-Colu, i když mohl pracovat pro jakoukoli jinou společnost, která neměla konflikty s Brownem a Bigelowem. Tak začala spolupráce mezi Elvgrenem a Brownem a Bigelowem v roce 1945, která trvala přes třicet let.

Režisér Brown a Bigelow Charles Ward učinil Elvgrenovo jméno rozpoznatelné. Navrhl také, aby Gil udělal nahou pin-up, s čímž umělec souhlasil s velkým nadšením. Tento obraz byl nahé blonďaté nymfy na pláži pod šeříkově modrofialovým měsíčním světlem. Tato ilustrace byla vydána v balíčku karet ve spojení s dílem jiného umělce - ZoÎ Mozert. Následující rok si Ward objednal další nahý pin-up od Elvgrena pro další mapy, ale tentokrát to Elvgren udělal zcela sám. Tento projekt zlomil prodejní rekordy Brown a Bigelow a byl nazván „Mais Oui by Gil Elvgren“.

První tři pin-up projekty pro Browna a Bigelowa se staly bestsellery společnosti již po několika týdnech. Tyto obrázky byly brzy použity pro hraní karet.

Do konce dekády se Elvgren stal nejúspěšnějším umělcem Brown a Bigelow, díky médiím byla jeho tvorba široce známá veřejnosti, dokonce o něm časopisy publikovaly články. Mezi společnosti, se kterými spolupracoval, patřily Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses Blended Whisky, General Electric Appliance a Pangburn's Chocolates.

Tváří v tvář takové poptávce po své práci Elvgren uvažoval o otevření vlastního ateliéru, protože už bylo dost umělců, kteří obdivovali jeho práci a takzvanou „malbu majonézou“ (takzvaný styl Sandbloma a Elvgrena, protože barvy na dílech vypadala „krémově“ a hladce jako hedvábí). Ale po zvážení všech pro a proti od této myšlenky upustil.

Gil Elvgren hodně cestoval, potkal mnoho vlivných lidí. Jeho plat v Brown and Bigelow se změnil z 1 000 dolarů za plátno na 2 500 dolarů a namaloval 24 obrazů ročně a navíc dostával procento z časopisů, které tiskly jeho ilustrace. S rodinou se přestěhoval do nového domu na předměstí Winnetka, kde začal budovat svůj ateliér v podkroví, což mu umožnilo pracovat ještě produktivněji.

Gil měl vynikající vkus a byl také vtipný. Jeho díla jsou vždy zajímavá kompozicí, barevnými schématy a pečlivě promyšlené pózy a gesta je činí živými a vzrušujícími. Jeho obrazy jsou upřímné. Gil cítil vývoj ženské krásy, což bylo velmi důležité. Proto byl Elvgren zákazníky vždy žádaný.

V roce 1956 se Gil přestěhoval se svou rodinou na Floridu. S novým bydlištěm byl naprosto spokojen. Tam si otevřel vynikající ateliér, kde studoval Bobbyho Toombse, který se právem stal uznávaným umělcem. Řekl, že Elvgren byl vynikající učitel, který ho naučil používat všechny své dovednosti promyšleně.

Na Floridě Gil namaloval obrovské množství portrétů, mezi jeho modely patřily Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. V 50. a 60. letech by si každá začínající modelka nebo herečka přála, aby Elvgren nakreslil dívku do její podoby, která by se pak tiskla na kalendáře a plakáty.

Elvgren vždy hledal nové nápady pro své obrazy. I když mu v tom pomáhala řada jeho uměleckých přátel, spoléhal především na rodinu: své nápady probíral s manželkou a dětmi.

Elvgren působil v okruhu umělců, které učil, nebo naopak od nich studoval; kteří byli jeho přáteli, se kterými měl mnoho společného. Byli mezi nimi Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham a další.

Gil Elvgren žil život naplno. Jako vášnivý turista miloval rybaření a lov. Dokázal trávit hodiny v bazénu, měl rád závodní auta a také sdílel svou dětskou vášeň pro sbírání starožitných zbraní.

V průběhu let měl Elvgren ve studiu mnoho asistentů, z nichž většina se stala úspěšnými umělci. Když byl Elvgren nucen odmítnout společnosti kvůli obrovskému množství práce, umělečtí ředitelé souhlasili s tím, že počkají rok nebo déle, aby pro ně Jill pracovala.

Ale celý tento Gilův úspěch v roce 1966 byl zastíněn hroznou tragédií, která zasáhla jeho rodinu: Gilova žena Janet zemřela na rakovinu. Poté se ještě více vrhl do práce. Jeho obliba zůstává nezměněna, kromě výsledku své práce se nemusí o nic starat. Bylo to nejlepší období Elvgrenovy kariéry, nebýt smrti jeho ženy.

Elvgrenova schopnost zprostředkovat ženskou krásu byla nepřekonatelná. Při malování většinou seděl na invalidním vozíku, aby se mohl snadno pohybovat a dívat se na kresbu z různých úhlů, a velké zrcadlo za ním mu umožňovalo celkový pohled na obraz jako celek. Dívky byly hlavní věcí v jeho práci: preferoval modelky ve věku 15-20 let, které teprve začínaly svou kariéru, protože měly bezprostřednost, která mizí se zkušenostmi. Když se ho zeptali na jeho techniku, řekl, že přidává své hmaty: prodlužuje nohy, zvětšuje hrudník, zužuje pas, dělá rty kyprější, oči výraznější, nos s přikrčeným nosem, čímž dodává modelu na atraktivitě. Elvgren vždy pečlivě propracovával své nápady od začátku do konce: vybíral model, rekvizity, osvětlení, kompozici, dokonce i vlasy byly velmi důležité. Ostatně scénu vyfotografoval a začal malovat.

Charakteristickým rysem Gilovy práce bylo, že při pohledu na obrazy se zdálo, že dívky na nich ožijí, pozdraví se nebo nabídnou šálek kávy. Vypadali krásně a plní nadšení. Vždy okouzlující, vyzbrojeni přátelským úsměvem, i za války dodávali vojákům sílu a naději na návrat domů ke svým dívkám.

Mnoho umělců snilo o malování jako Elvgren a všichni obdivovali jeho talent a úspěch.

Každý rok maloval s větší lehkostí a profesionalitou, jeho rané obrazy se zdály „tvrdší“ než ty pozdější. Ve svém oboru dosáhl vrcholu dokonalosti.

29. února 1980 zemřel na rakovinu ve věku 65 let Gil Elvgren, muž, který se zasvětil tomu, aby svým uměním dělal lidi šťastnými. Jeho syn Drake našel v otcově ateliéru poslední nedokončený, ale přesto velkolepý obraz pro Browna a Bigelowa. Od Elvgrenovy smrti uplynula tři desetiletí, ale jeho umění stále žije. Elvgren se bezpochyby zapíše do dějin jako umělec, který významně přispěl k americkému umění dvacátého století.

Žánry malby se objevovaly, získávaly na oblibě, zanikaly, vznikaly nové, začaly se rozlišovat poddruhy v rámci stávajících. Tento proces se nezastaví, dokud člověk existuje a snaží se zachytit svět kolem sebe, ať už jde o přírodu, budovy nebo jiné lidi.

Dříve (před 19. stoletím) docházelo k dělení žánrů malby na tzv. „vysoké“ žánry (francouzský grand žánr) a „nízké“ žánry (francouzský petit žánr). Takové rozdělení vzniklo v 17. století. a byl založen na tom, jaký předmět a děj byly zobrazeny. V tomto ohledu mezi vysoké žánry patřily: bitevní, alegorický, náboženský a mytologický, k nízkým žánry portrét, krajina, zátiší, animalismus.

Rozdělení do žánrů je spíše libovolné, protože. na obrázku mohou být přítomny prvky dvou nebo více žánrů současně.

Animalismus nebo živočišný žánr

Animalismus, neboli animalistický žánr (z lat. zvíře - zvíře) - žánr, ve kterém je hlavním motivem obraz zvířete. Můžeme říci, že se jedná o jeden z nejstarších žánrů, protože. kresby a postavy ptáků a zvířat byly přítomny již v životě primitivních lidí. Například na známém obraze I.I. Shishkinovo „Ráno v borovém lese“, přírodu zobrazuje sám umělec a medvědi jsou úplně jiní, jen se specializují na zobrazování zvířat.

I.I. Shishkin "Ráno v borovém lese"

Jak lze rozlišit poddruh Ippian žánr(z řeckého hroši - kůň) - žánr, ve kterém obraz koně působí jako střed obrazu.

NE. Sverchkov "Kůň ve stáji"

Portrét

Portrét (z francouzského slova portrét) je obraz, na kterém je ústředním prvkem obraz osoby nebo skupiny lidí. Portrét zprostředkovává nejen vnější podobnost, ale odráží také vnitřní svět a vyjadřuje umělcovy pocity k osobě, jejíž portrét maluje.

TJ. Repin Portrét Mikuláše II

Žánr portrétu se dělí na individuální(obrázek jedné osoby) skupina(obrázek několika lidí), podle povahy obrázku - dopředu když je člověk zobrazen v plném růstu na výrazném architektonickém nebo krajinném pozadí a komora když je osoba zobrazena po hrudník nebo po pás na neutrálním pozadí. Skupina portrétů, sjednocených podle nějakého atributu, tvoří soubor, respektive portrétní galerii. Příkladem jsou portréty členů královské rodiny.

Samostatně přidělené autoportrét na kterém umělec zobrazuje sám sebe.

K. Bryullov Autoportrét

Portrét je jedním z nejstarších žánrů – první portréty (sochařské) existovaly již ve starověkém Egyptě. Takový portrét působil jako součást kultu o posmrtném životě a byl „dvojníkem“ člověka.

Krajina

Krajina (z francouzštiny paysage - země, oblast) je žánr, ve kterém je ústřední obraz přírody - řeky, lesy, pole, moře, hory. V krajině je hlavním bodem samozřejmě děj, ale stejně důležité je zprostředkovat pohyb, život okolní přírody. Na jednu stranu je příroda krásná, obdivovaná a na druhou stranu je dost těžké to do obrázku promítnout.

C. Monet "Pole vlčích máků v Argenteuil"

Poddruhem krajiny je přímořská krajina nebo přístav(z francouzštiny marina, italsky marina, z latiny marinus - moře) - obraz námořní bitvy, moře nebo jiné události odehrávající se na moři. Významný představitel námořních malířů - K.A. Aivazovský. Je pozoruhodné, že umělec napsal mnoho detailů tohoto obrázku z paměti.

I.I. Aivazovsky "Devátá vlna"

Často se však i umělci snaží vykreslit moře z přírody, například W. Turner namaloval obraz „Sněhová bouře. Parník u vjezdu do přístavu dává nouzový signál tím, že spadl do mělké vody,“ strávil 4 hodiny uvázaný na kapitánském můstku lodi plující v bouři.

W. Turner „Sněhová bouře. Parník u vjezdu do přístavu dává nouzový signál a naráží do mělké vody.

Vodní živel je vyobrazen i v říční krajině.

Samostatně alokovat panoráma města, ve kterém jsou hlavním předmětem snímku ulice a budovy města. Městská krajina je Veduta- obraz městské krajiny v podobě panoramatu, kde je jistě zachováno měřítko a proporce.

A. Canaletto "Piazza San Marco"

Existují i ​​jiné typy krajiny - venkovské, průmyslové a architektonické. V architektonické malbě je hlavním tématem obraz architektonické krajiny, tzn. budovy, stavby; zahrnuje obrazy interiérů (interiérové ​​dekorace). Někdy Interiér(z francouzštiny intérieur - interní) se rozlišuje jako samostatný žánr. V architektonickém malířství se rozlišuje jiný žánr — Capriccio(z italského capriccio, caprice, rozmar) - architektonická fantazijní krajina.

Stálý život

Zátiší (z francouzského nature morte - mrtvá příroda) je žánr věnovaný zobrazování neživých předmětů, které jsou umístěny ve společném prostředí a tvoří skupinu. Zátiší se objevilo v 15.-16. století, ale jako samostatný žánr se zformovalo až v 17. století.

Navzdory tomu, že slovo „zátiší“ je přeloženo jako mrtvá příroda, na obrázcích jsou kytice květin, ovoce, ryby, zvěřina, pokrmy – vše vypadá „jako živé“, tzn. jako skutečný. Od svého vzniku až do současnosti bylo zátiší důležitým žánrem malby.

C. Monet "Váza s květinami"

Jak lze rozlišit samostatný poddruh Vanitas(z latiny Vanitas - marnost, marnost) - žánr malby, ve kterém ústřední místo na obraze zaujímá lidská lebka, jejíž obraz má připomínat marnost a křehkost lidského života.

Obraz F. de Champagne představuje tři symboly křehkosti bytí - Život, Smrt, Čas prostřednictvím obrazů tulipánu, lebky, přesýpacích hodin.

historický žánr

Historický žánr - žánr, ve kterém obrazy zachycují významné události a společensky významné jevy minulosti nebo současnosti. Pozoruhodné je, že obraz může být věnován nejen skutečným událostem, ale také událostem z mytologie nebo například popsaným v Bibli. Tento žánr je velmi důležitý pro dějiny, jak pro dějiny jednotlivých národů a států, tak pro lidstvo jako celek. V obrazech je historický žánr neoddělitelný od ostatních typů žánrů - portrét, krajina, bitevní žánr.

TJ. Repin "Kozáci píší dopis tureckému sultánovi" K. Bryullov "Poslední den Pompejí"

Bitevní žánr

Žánr bitvy (z francouzského bataille - bitva) je žánr, na jehož malbách je znázorněno vyvrcholení bitvy, vojenské operace, okamžik vítězství, výjevy z vojenského života. Bitevní malba se vyznačuje obrazem velkého počtu lidí.

A.A. Deineka "Obrana Sevastopolu"

Náboženský žánr

Náboženský žánr je žánr, ve kterém je hlavní dějová linie na obrazech biblická (scéna z Bible a evangelia). Ikonografie patří podle tématu k náboženským, jejich odlišnost spočívá v tom, že obrazy náboženského obsahu se bohoslužeb neúčastní a pro ikonu je to hlavní účel. ikonografie přeloženo z řečtiny. znamená „modlitební obraz“. Tento žánr byl omezen přísnými limity a zákony malby, protože. navržen tak, aby neodrážel realitu, ale aby zprostředkoval myšlenku Božího počátku, ve kterém umělci hledají ideál. V Rusku ikonomalba dosáhla svého vrcholu ve 12.–16. Nejznámější jména malířů ikon jsou Theophanes the Greek (fresky), Andrei Rublev, Dionýsius.

A. Rublev "Trojice"

Jak vyniká přechodová fáze od malby ikon k portrétu Parsuna(zkresleno od lat. persona - osobnost, osoba).

Parsuna Ivana Hrozného. autor neznámý

žánr domácnosti

Obrazy zobrazují výjevy z každodenního života. Umělec často píše o těch okamžicích života, jichž je současníkem. Charakteristickými rysy tohoto žánru jsou realističnost obrazů a jednoduchost zápletky. Obraz může odrážet zvyky, tradice, strukturu každodenního života konkrétních lidí.

Malování pro domácnost zahrnuje takové slavné obrazy jako „Dopravci člunů na Volze“ od I. Repina, „Trojka“ od V. Perova, „Nerovné manželství“ od V. Pukireva.

I. Repin "Dopravci nákladních člunů na Volze"

Epicko-mytologický žánr

Epicko-mytologický žánr. Slovo mýtus pochází z řečtiny. „mythos“, což znamená tradice. Obrazy zobrazují události legend, eposů, legend, starověkých řeckých mýtů, starověkých legend, folklórních zápletek.

P. Veronese "Apollo a Marsyas"

alegorický žánr

Alegorický žánr (z řeckého allegoria - alegorie). Obrázky jsou psány tak, aby měly skrytý význam. Nehmotné představy a pojmy, oku neviditelné (síla, dobro, zlo, láska), se přenášejí prostřednictvím obrazů zvířat, lidí, jiných živých bytostí s takovými přirozenými vlastnostmi, které mají symboliku již zafixovanou v myslích lidí a pomáhají pochopit obecný smysl práce.

L. Giordano "Láska a neřesti odzbrojují spravedlnost"

Pastorální (z francouzského pastorale - pastýř, venkovský)

Žánr malby, který oslavuje a poetizuje prostý a poklidný venkovský život.

F. Boucher "Podzimní pastorace"

Karikatura (z italského caricare - přehánět)

Žánr, ve kterém se při tvorbě obrazu záměrně uplatňuje komický efekt zveličováním a přiostřováním rysů, vystupováním, oblečením apod. Účelem karikatury je urazit, na rozdíl např. od kresleného filmu (z francouzského náboje), jehož účelem je jednoduše udělat vtip. S pojmem „karikatura“ úzce souvisí takové pojmy jako dlaha, groteska.

Nude (z francouzštiny nu - nahý, svlečený)

Žánr, na jehož obrazech je vyobrazeno nahé lidské tělo, nejčastěji ženské.

Tizian Vecellio "Venuše z Urbina"

Podvod nebo trompley (z fr. trompe-l'œil - optická iluze)

Žánr, jehož charakteristickým rysem jsou speciální techniky, které vytvářejí optický klam a umožňují rozostřit hranici mezi realitou a obrazem, tzn. klamný dojem, že předmět je trojrozměrný, zatímco je dvourozměrný. Někdy je snag rozlišován jako poddruh zátiší, ale někdy jsou v tomto žánru zobrazováni i lidé.

Per Borrell del Caso „Útěk před kritikou“

Pro úplnost vnímání triků je žádoucí uvažovat je v originále, protože. reprodukce není schopna plně vyjádřit efekt, který umělec zobrazuje.

Jacopo de Barberi "Koroptev a železné rukavice"

Dějově-tematický obrázek

Směs tradičních žánrů malby (všední, historické, bitevní, krajinářské atd.). Jiným způsobem se tento žánr nazývá figurativní kompozice, jeho charakteristické rysy jsou: hlavní roli hraje osoba, přítomnost akce a společensky významné myšlenky, vztahy (konflikt zájmů / postav) a psychologické akcenty jsou nutně ukázáno.

V. Surikov "Boyar Morozova"

.
Tento umělec, který v roce 1994 vystudoval grafický design na Tver Art College, vzbuzuje fantazii svým mimořádným stylem a nádhernými kompozicemi.

Je tvůrcem skutečně unikátních ilustrací s retro nádechem. Waldemar Kazak je umělec se smyslem pro humor, má osobité vidění každodenního života, umí se smát každodennímu životu, často si dělá legraci z významu pohádek pro děti, politiků a moderní mládeže.

Moderní ilustrátor pracuje v žánru každodenního života s důrazem na karikaturu. Je těžké si nevšimnout a nevzpomenout si na postavy z děl kozáka. Všechny jsou velmi barevné, výrazné a světlé.

Jeho dechberoucí kompozice jsou naplněny stylem poválečné estetiky, který se prosadil v 50. letech dvacátého století;

Zde je to, co sám Waldemar Kazak říká o svém stylu:

Jako každý člověk (nebo umělec) mám svůj rukopis. Ale nepečuji o to, protože se bojím propadnout manýrám. Kromě toho je na trhu poptávka po jasném individuálním dopise. Ano, to je přesně to, co každý ví.

Úžasně jasné, vzrušující, poutavé umělecké kresby v retro stylu Waldemara Kazaka nenechají nikoho lhostejným!