Kde jsme? Pět hlavních poválečných her a jejich nejlepší inscenace Definice hry.

Hrát si

Alexander Volodin, 1958

O čem: Jednou v Leningradu při příležitosti služební cesty se Iljin náhle rozhodne jít do bytu, kde před sedmnácti lety opustil svou milovanou dívku, když odešel na frontu, a - ejhle! - Jeho Tamara stále žije v místnosti nad lékárnou. Žena se nikdy nevdala: její studentský synovec, kterému nahrazuje matku, a jeho výstřední přítelkyně – to je celá její rodina. Při putování strachem z nepochopení, neupřímností, hádkami a smířením si dva dospělí nakonec uvědomí, že štěstí je stále možné - "kdyby nebyla válka!"

Proč byste měli číst: Setkání Iljina a Tamary, v délce pěti večerů, není jen příběhem o pozdní, neklidné lásce mistra továrny Red Triangle a předáka. Zavgar- Správce garáže severní vesnici Usť-Omul, ale příležitost přivést na scénu skutečné, ne mýtické sovětské lidi: chytré a svědomité, se zlomenými osudy.

Tato hra je možná nejpůsobivější z Volodinových dramat a je plná smutného humoru a vznešených textů. Její postavy vždy něco tají: pod řečovým klišé – „moje práce je zajímavá, zodpovědná, cítíte se být lidmi potřební“ – můžete cítit celou vrstvu tvrdých otázek, které jsou hluboko v nitru, související s věčným strachem, ve kterém je člověk nuceni žít jako vězeň v obrovském táboře zvaném „vlast“.

Vedle dospělých postav žijí a dýchají mladí milenci: Káťa a Slava se zprvu tváří „nebojí“, ale instinktivně cítí strach, který požírá duše Tamary a Iljina. Nejistota ohledně samotné možnosti štěstí v zemi „vítězného socialismu“ se tak postupně přenáší na další generace.

inscenování

Velké činoherní divadlo
Režie Georgy Tovstonogov, 1959

Zinaida Sharko jako Tamara a Efim Kopelyan jako Ilyin ve hře Pět večerů. 1959 Velké činoherní divadlo pojmenované po G. A. Tovstonogovovi

Člověk si díky rozhlasové nahrávce z roku 1959 dokáže trochu představit šok, který toto představení pro diváky bylo. Publikum zde reaguje velmi prudce – směje se, trápí se, uklidňuje. Recenzenti o produkci Tovsto-Nogova napsali: „Dnešní doba – konec 50. let – se odhalila s úžasnou přesností. Téměř všechny postavy jako by přišly na scénu z ulic Leningradu. Byli oblečeni přesně tak, jak se oblékali diváci, kteří se na ně dívali. Postavy, vyjíždějící ze zadní části jeviště na dělených plošinách řídce zařízených pokojů, hrály první řadě přímo pod nosem. To vyžadovalo přesnou intonaci, absolutní výšku. Zvláštní komorní atmosféru vytvořil i hlas samotného Tovstonogova, který pronesl poznámky (škoda, že v rozhlasovém představení text od autora nečte on).

Vnitřním konfliktem představení byl rozpor mezi vnucenými sovětskými stereotypy a přirozenou lidskou přirozeností. Tamara v podání Zinaidy Sharko jako by vykukovala zpoza masky sovětské sociální aktivistky, než ji odhodila a stala se sama sebou. Z rozhlasového záznamu je patrné, s jakou vnitřní silou a úžasným bohatstvím nuancí hrála Charcot svou Tamaru - dojemnou, něžnou, nechráněnou, obětavou. Iljin (v podání Efima Kopelyana), který strávil 17 let kdesi na Severu, byl hned od začátku vnitřně mnohem svobodnější, své milované ženě však hned nestihl říct pravdu, vydával se za hlavního inženýra. V rozhlasovém představení v Kopelyanově podání dnes člověk slyší hodně teatrálnosti, až patosu, ale má i spoustu pauz, ticha – pak pochopíte, že právě v těchto chvílích se jeho hrdinovi děje to nejdůležitější.

"Při hledání radosti"

Hrát si

Viktor Rozov, 1957

O čem: Moskevský byt Klavdie Vasilievny Saviny je přeplněný a přeplněný: žijí zde její čtyři dospělé děti a je zde nábytek, ze kterého Lenochka, manželka nejstaršího syna Fedyy, který byl kdysi talentovaným mladým vědcem, je nyní úspěšnou kariéristkou „z vědy“. ". Skříně, příborníky, pohovky a židle, pokryté hadry a novinami v očekávání rychlého přestěhování do nového bytu pro novomanžele, se stávají jablkem sváru v rodině: matka nazývá svého nejstaršího syna „malým živnostníkem“, a jeho mladší bratr, středoškolák Oleg, řeže Lenochkinův nábytek šavlí zesnulého otce - válečného hrdinu. Pokusy o vysvětlení situaci jen zhoršují a v důsledku toho Fedor a jeho žena opouštějí svůj domov, zbývající děti ujišťují Klavdii Vasilievnu, že si zvolili jinou životní cestu: "Neboj se za nás, matko!"

Proč byste měli číst: Tuto komedii o dvou dějstvích vnímal Viktor Rozov nejprve jako „maličkost“: v té době už byl dramatik známý jako scénárista legendárního filmu Michaila Kalatozova Jeřábi létají.

Opravdu, dojemné, romantické, nesmiřitelné s nepoctivostí, nabubřelostí, mladší děti Claudie Vasilievna Kolya, Tatyana a Oleg, stejně jako jejich přátelé a blízcí, tvořili silnou skupinu „správné sovětské mládeže“, početně převyšující kruh. zastoupené ve hře „akvizitivů, kariéristů a měšťanů“. Schematičnost konfrontace světa konzumu a světa ideálů autor nijak zvlášť nezastíral.

Hlavní hrdina, 15letý snílek a básník Oleg Savin, se ukázal jako vynikající: jeho energie, vnitřní svoboda a sebevědomí byly spojeny s nadějemi na tání, se sny o nové generaci lidí, která zamete všechny druhy sociálního otroctví (této generaci nekompromisních romantiků se tak začalo říkat – „růžoví kluci“).

inscenování

Ústřední dětské divadlo
Režie Anatoly Efros, 1957

Margarita Kupriyanova jako Lenochka a Gennadij Pechnikov jako Fjodor ve hře In Search of Joy. 1957 RAMT

Nejznámější scénou této hry je ta, ve které Oleg Savin řeže nábytek otcovým mečem. Tak to bylo v představení divadelního studia "Sovremennik", vydaného v roce 1957, a z filmu Anatoly Efrose a Georgyho Natansona "Noisy Day" (1961), to je to, co především zůstalo v paměti - možná proto v obou inscenacích Oleg hrál mladého a impulzivního Olega Tabakova. První představení založené na této hře však nebylo uvedeno v Sovremenniku, ale v Ústředním dětském divadle a v něm byla důležitá slavná epizoda s mečem a mrtvou rybou, sklenicí, kterou Lenochka vyhodila z okna, ale přesto jeden z mnoha.

Hlavní věcí v představení Anatoly Efrose v Ústředním dětském divadle byl pocit polyfonie, kontinuity, plynulosti života. Režisér trval na významu každého hlasu tohoto liduprázdného příběhu – a diváka okamžitě zavedl do domu přecpaného nábytkem, postaveného umělcem Michailem Kurilkem, kde přesné detaily ukazovaly na život velké přátelské rodiny. Nikoli odsuzování šosáctví, ale protiklad živých a mrtvých, poezie a próza (jak zdůraznili kritici Vladimír Sappak a Věra Šitová) – to byla podstata Efrosova pohledu. Naživu byl nejen Oleg v podání Konstantina Ustyugova - jemný chlapec s vysokým vzrušeným hlasem -, ale také matka Valentiny Sperantové, která se rozhodla pro vážný rozhovor se svým synem a svou intonací zmírnila nucenou tvrdost. Tento Fedor samotného Gennadyho Pechnikova je velmi skutečný, navzdory všemu velmi miluje svou pragmatickou manželku Lenochku a dalšího milence - Gennady Alexeje Šmakova a spolužáky, kteří přišli navštívit Olega. To vše je dokonale slyšitelné v rozhlasovém záznamu představení, pořízeném v roce 1957. Poslechněte si, jak Oleg vyslovuje klíčovou frázi hry: "Hlavní je, že je toho hodně v hlavě a v duši." Žádná didaktika, ticho a vytrvale, spíš pro sebe.

"Můj chudák Marat"

Hrát si

Alexey Arbuzov, 1967

O čem: Byla jednou Lika, milovala Marata, byla jím milována a Leonidik ji také miloval; oba šli do války, oba se vrátili: Marat - Hrdina Sovětského svazu a Leonidik bez ruky a Lika dala ruku a srdce "ubohému Leonidikovi." Druhý název díla je „Neboj se být šťastný“, v roce 1967 byl londýnskými kritiky vyhlášen hrou roku. Toto melodrama je příběhem setkání a rozchodů tří hrdinů vyrůstajících epizodu od epizody, které kdysi spojila válka a blokáda v chladném a hladovém Leningradu, trvající téměř dvě desetiletí.

Proč byste měli číst: Tři životy, tři osudy válkou zmítaných sovětských idealistů, kteří se snaží vybudovat život podle propagandistické legendy. Ze všech „sovětských pohádek“ od Alexeje Arbuzova, kde byli hrdinové nutně odměněni láskou k pracovním výkonům, je „Můj ubohý Marat“ nejsmutnější pohádkou.

Sovětský mýtus "žij pro druhé" je pro postavy - ještě teenagery - ospravedlněn válečnými ztrátami a hrdinskými činy a Leonidikovou poznámkou: "Nikdy nezradi naši zimu dvaačtyřicátého... že?" - se stává jejich životním krédem. „Dny plynou“ a život „pro druhé“ a profesionální kariéra (Marat „staví mosty“) štěstí nepřinášejí. Lika řídí medicínu jako „neosvobozený přednosta katedry“ a Leonidik zušlechťuje morálku sbírkami básní, vycházejícími v nákladu pěti tisíc výtisků. Oběť se mění v metafyzickou touhu. Pětatřicetiletý Marat na konci hry hlásá změnu milníků: „Statisíce zemřely, abychom byli neobvyklí, posedlí, šťastní. A my – já, ty, Leonidiku? ..“

Zaškrcená láska se zde rovná přiškrcené individualitě a v průběhu hry jsou stvrzeny osobní hodnoty, což z ní dělá jedinečný fenomén v sovětské dramaturgii.

inscenování

Režie Anatoly Efros, 1965

Olga Yakovleva jako Lika a Lev Krugly jako Leonidik ve filmu Můj ubohý Marat. 1965 Alexander Gladshtein / RIA Novosti

Recenzenti toto představení nazvali „jevištní studií“, „divadelní laboratoří“, kde se zkoumaly pocity postav hry. „Na jevišti je to laboratorně čisté, přesné a koncentrované,“ napsala kritička Irina Uvarová. Umělci Nikolaj Sosunov a Valentina Lalevich vytvořili kulisu představení: tři postavy z něj vážně a trochu smutně pohlížely na publikum, vypadaly, jako by už věděly, jak to všechno skončí. V roce 1971 Efros natočil televizní verzi této inscenace se stejnými herci: Olga Yakov-leva - Lika, Alexander Zbruev - Marat a Lev Krugly - Leonidik. Téma pečlivého studia postav a pocitů zde bylo dále posíleno: televize umožňovala vidět oči herců, v úzké komunikaci těchto tří působila jako divácká přítomnost.

Dalo by se říci, že Marat, Lika a Leonidik v Efrosu byli posedlí myšlenkou dostat se na dno pravdy. Ne v globálním smyslu – chtěli se slyšet a rozumět si co nejpřesněji. To bylo zvláště patrné v Lika-Yakovleva. Zdálo se, že herečka má dva herní plány: první - kde její hrdinka vypadala jemně, lehce, dětsky, a druhý - se objevil, jakmile se Likův partner odvrátil: v tu chvíli vážný, pozorný, studující pohled zralé žena na něj zírala. „Celý skutečný život je setkání,“ napsal filozof Martin Buber v knize Já a ty. Hlavní slovo v životě – „Ty“ – lze podle něj člověku říci pouze celou svou bytostí, jakýkoli jiný postoj ho promění v objekt, z „Ty“ v „Ono“. Po celou dobu představení Efros tito tři říkali „Ty“ tomu druhému celou svou bytostí, přičemž nejvíce ze všeho ocenili jedinečnou osobnost toho druhého. V tom bylo vysoké napětí jejich vztahu, které se ani dnes nedá neunést a ke kterému nelze než soucítit.

"Lov na kachny"

Hrát si

Alexander Vampilov, 1967

O čem: Když se hrdina probudí v typickém sovětském bytě v těžké kocovině, dostane od přátel a kolegů smuteční věnec jako dárek. Viktor Žilov ve snaze rozluštit význam žertu vzpomíná na snímky z minulého měsíce: kolaudační večírek, odchod manželky, skandál v práci a nakonec včerejší chlast v pomněnkové kavárně, kde urážel jeho mladá milenka, jeho šéf, kolegové a poprali se s jeho nejlepším přítelem, číšníkem Dimou. Hrdina, který se rozhodl skutečně vyrovnat účty se znechuceným životem, zavolá své známé a pozve je k sobě, ale brzy změní názor a jde s Dimou do vesnice - na lov kachen, o kterém celou tu dobu vášnivě snil. .

Proč byste měli číst: Victor Žilov, spojující rysy notorického grázla a nekonečně přitažlivého muže, může někomu připadat jako sovětská reinkarnace Lermontovova Pečorina: „portrét složený z neřestí celé naší generace, v jejich plném rozvinutí“. Objevil se na začátku éry stagnace, chytrý, plnokrevný a věčně opilý člen ITEA inženýrů- strojírenský a technický pracovník. s energií hodnou lepšího uplatnění se důsledně zbavoval rodinných, pracovních, milostných a přátelských vazeb. Žilovovo konečné odmítnutí sebezničení mělo pro sovětské drama symbolický význam: tento hrdina zplodil celou plejádu napodobitelů – nadbytečných lidí: opilců, kteří se styděli i znechuceni vstupem do sovětské společnosti – opilství bylo v dramatu vnímáno jako forma sociální protest.

Tvůrce Žilova Alexander Vampilov se v srpnu 1972 utopil v jezeře Bajkal - v rozkvětu svých tvůrčích sil a zanechal světu jeden nepříliš závažný objem dramaturgie a prózy; Duck Hunt, který se dnes stal světovou klasikou, jen s obtížemi překonávající zákaz cenzury, vtrhl na sovětskou scénu brzy po autorově smrti. O půl století později, kdy nezbylo nic sovětského, se však hra nečekaně proměnila v existenciální drama muže, před nímž se otevřela prázdnota uspořádaného, ​​zralého života a ve snu jít na lov, kam -“ Víte, co je to za ticho? Nejsi tam, rozumíš? Ne! Ještě jsi se nenarodil, “zazněl výkřik o navždy ztraceném ráji.

inscenování

Moskevské umělecké divadlo Gorkého
Režie: Oleg Efremov, 1978

Scéna ze hry "Hov na kachnu" v moskevském uměleckém divadle Gorkého. 1979 Vasilij Egorov / TASS

Nejlepší hra Alexandra Vampilova je stále považována za nevyřešenou. Její interpretaci se nejvíce přiblížil film Vitaly Melnikova "Vacation in September" s Olegem Dalem v roli Žilova. Představení, které v Moskevském uměleckém divadle nastudoval Oleg Efremov, se nedochovalo – ani ve fragmentech. Zároveň přesně vyjádřil dobu – nejbeznadějnější fázi stagnace.

Výtvarník David Borovský pro představení vymyslel následující obrázek: nad jevištěm se jako mrak vznášel obrovský igelitový pytel, ve kterém byly pokácené borovice. "Motiv zachovalé tajgy," řekl Borovský kritikce Rimmě Krechetové. A dále: „Podlaha byla pokryta plachtou: v těch místech se chodí v plachtě a v gumě. Přes plachtu rozházel jehličí. Víte, jako z novoročního stromečku na parketu. Nebo po pohřebních věncích…“

Žilov hrál Efremov. Bylo mu už padesát – a touha jeho hrdiny nebyla krizí středního věku, ale shrnutím. Anatoly Efros jeho hru obdivoval. „Efremov nebojácně hraje Žilova až na hranici možností,“ napsal v knize „Pokračování divadelního příběhu“. - Obrací to před námi naruby se všemi droby. Bezohledně. Hraje v tradicích velké divadelní školy a svého hrdinu nejen odsuzuje. Hraje člověka, který vesměs není špatný, ještě schopný pochopit, že je ztracen, ale už se nedokáže dostat ven.

To je ten, kdo byl zbaven reflexe, takže je to číšník Dima v podání Alexeje Petrenka, druhého nejdůležitějšího hrdiny hry. Obrovský muž, absolutně klidný - s klidem zabijáka visel nad zbytkem postav jako mrak. Samozřejmě, že ještě nikoho nezabil - kromě zvířat na lovu, která zastřelil bez úhony, ale klidně mohl knokautovat člověka (po rozhlédnutí, jestli to někdo nevidí). Dima, víc než Zilov, byl objevem tohoto představení: uplyne trochu času a takoví lidé se stanou novými pány života.

„Tři dívky v modrém“

Hrát si

Ljudmila Petruševskaja, 1981

O čem: Pod jednou děravou střechou tři matky - Ira, Světlana a Tatiana - tráví deštivé léto se svými vždy bojujícími chlapci. Nepořádek venkovského života nutí ženy nadávat ve dne v noci na základě každodenního života. Bohatý přítel, který se objevil, vezme Iru do jiného světa, k moři a slunci, ona zanechá svého nemocného syna v náručí své slabé matky. Nebe se však promění v peklo a žena je nyní připravena pokleknout před letištní strážní službu, aby se vrátila k dítěti, které zůstalo samo.

Proč byste měli číst: Hra dodnes zaráží současníky Tří dívek tím, jak přesně zachycuje éru „pozdní stagnace“: okruh domácích starostí sovětského člověka, jeho povahu a typ vztahů mezi lidmi. Kromě vnější fotografické přesnosti je zde však rafinovaně zasažena i vnitřní podstata tzv. lopatky.

Petruševskaja, která vede dialog s Čechovovými Třemi sestrami, představuje své „dívky“ zpočátku jako tři variace na téma Čechovovy Nataši. Stejně jako maloměšťácká Nataša u Čechova, Ira, Světlana a Taťána u Petruševské neustále pečují o své děti a vedou válku o suché pokoje polorozpadlé dači za Moskvou. Děti, kvůli kterým se matky hádají, však ve skutečnosti nepotřebuje nikdo. Hru prostupuje slabý hlas nemocného syna Iry Pavlíka; Chlapcův svět je plný pohádkových obrazů, bizarním způsobem odrážejících realitu jeho děsivého života: "A když jsem spal, měsíc ke mně přiletěl na křídlech" - v této hře dítě nikdo neslyší a nerozumí mu. „Okamžik pravdy“ souvisí i s jejím synem – když si Ira uvědomí, že ho může ztratit, promění se z „typického sovětského člověka“ v člověka schopného „myslet a trpět“, z Čechovovy Nataši v Čechovovu Irinu, připravenou obětovat něco pro druhé.

inscenování

Divadlo pojmenované po Leninovi Komsomolovi
Režie Mark Zakharov, 1985

Tatyana Peltzer a Inna Churikova ve hře "Tři dívky v modrém". 1986 Michail Strokov / TASS

Tuto hru napsala Ljudmila Petruševskaja na příkaz hlavního ředitele divadla Lenin Komsomol Marka Zacharova: potřeboval role pro Tatianu Peltzer a Innu Churikovou. Cenzura si představení nenechala ujít čtyři roky – premiéra se konala až v roce 1985; Ve dnech 5. a 6. června 1988 bylo představení natočeno pro televizi. Tato deska působí i dnes velmi silným dojmem. Scénický výtvarník Oleg Sheintsis zablokoval jeviště průsvitnou stěnou, za kterou jsou vidět siluety větví; v popředí je stůl, na něm kytice sušených květin a v plechové míse, zvednuté na stoličce, je nekonečné mytí; domlouvaly se hádky, flirtovalo se, přiznávalo se. Každý byl připraven vstoupit do života druhého a nejen tam vstoupit, ale důkladně tam zašlapat. Ale to je jen povrchní účast: ve skutečnosti se o sebe všichni hluboce nestarali. Stařenka Fedorovna (Peltzer) si mumlala své, lhostejná k tomu, že za zdí leží nemocné dítě. Okamžitě zapálená v záchvatu nenávisti k intelektuálce Irině a jejímu synovi Světlaně (herečka Lyudmila Porgina): „On čte! Prostudovat!" A samotná Irina - Inna Churikova se na všechno dívala obrovskýma očima a mlčela, dokud měla sílu.

Zacharov, uznávaný mistr jevištních efektů, vybudoval v představení několik referenčních bodů, upravených jako balet. Jedním z nich je, když Nikolajův letní přítel políbí Irinu a ta z překvapení udělá téměř klaunské salto. Čuriková v tu chvíli málem spadne ze židle, opře se o Nikolajovo rameno, okamžitě se od něj prudce odrazí a zvednouc kolena vysoko se vydává ke dveřím, aby se podívala, jestli její syn polibek neviděl.

Další scéna je tragickým vyvrcholením představení: Irina se plazí po kolenou za zaměstnanci letiště a prosí o položení do letadla (dítě zůstalo samo doma v zamčeném bytě) a chraptivě, chraptivě, ani nekřičí , ale vrčí: "Možná nestihnu!" Ljudmila Petruševskaja v knize Příběhy z mého života vzpomíná, jak jednou na představení v tu chvíli mladá divačka vyskočila ze židle a začala si rvát vlasy. Je opravdu děsivé se na to dívat.

Herec je Ctěným umělcem Ruska, laureátem nejprestižnějších cen, včetně "Racek" za nejlepší komediální roli (hra "Mademoiselle Nitush"), majitel několika zakázek, parodista, televizní moderátor a neuvěřitelně talentovaný člověk.

((togglerText))

Paralelně se Ilyasov zkouší v kině. Debutuje v seriálu "Juna". Následovala jeho další díla, mezi nimi: „Všechno je podle zákona“, Čtvrtá směna, „Trenér“, „Bojovníci, Poslední boj“ a další díla. Ve stejném roce si herec zahrál ve slavném vojenském filmu The Last Frontier.

V roce 2018 vyšla jeho práce ve filmu The Yards. Na tomto obrázku Askar bezchybně zahrál obraz Tekela.

((togglerText)) ((togglerText))

Elena Tashaeva není jen divadelní herečka. Hrála ve filmech a televizních seriálech, jako jsou: "Láska v okrese", "Spiknutí", "Tajné město", "Dům na nábřeží", "Ze života kapitána Chernyaeva", "Doktor Tyrsa" a další.

((togglerText))

Alexander Viktorovič vystudoval Gorkého divadelní školu (pod vedením R.V. Bunatyana), když zvládl profesi loutkového divadelního herce. Po absolutoriu od roku 1991 působil v Nižním Novgorodu ve své specializaci a v činoherním divadle, kde hrál vážnější role.

hrát si

a (zastaralé) hrát, hrát, g. (francouzská fotka).

Dramatické dílo. Pusťte si novou hru. Překladová hra. V dramatických hrách... ví, jak v nás vzbudit ušlechtilé vášně. Nekrasov.

Malý kousek hudby (hudba). Nekhludoff zaslechl zpoza dveří zvuky nějaké komplikované bravurní skladby hrané na pianoforte. L. Tolstoj.

Drobné literární dílo (zastaralé). 60 kusů! Bude to stačit na 1 svazek? Puškin.

Výkladový slovník ruského jazyka. S.I. Ozhegov, N.Yu Shvedova.

hrát si

Dramatická práce pro divadelní představení.

Malá hudební instrumentální lyrická nebo virtuózní skladba. I. pro knoflíkový akordeon.

Nový výkladový a odvozovací slovník ruského jazyka, T. F. Efremova.

hrát si

1. Dramatické dílo určené k divadelnímu představení.

   zastaralý Malý kousek literatury (obvykle poezie).

Dokončené hudební dílo (obvykle malé).

Wikipedie

Hrát si

Hrát si- konkrétní název činoherních děl určených k uvádění z jeviště, jakož i k televizním a rozhlasovým představením.

Struktura hry zahrnuje text postav - dialogy a monology, - a funkční autorské poznámky: poznámky obsahující označení místa děje, někdy - rysy interiéru, vzhled postav, jejich chování atd. Hře zpravidla předchází seznam postav, někdy s uvedením jejich věku, povolání, titulů, rodinných vazeb atd.

Samostatná ucelená sémantická část hry se nazývá akt nebo akce, která může zahrnovat menší složky - jevy, epizody, obrázky.

Samotný koncept hry je čistě formální, nezahrnuje žádný emocionální nebo stylový význam. Hru proto ve většině případů doprovází podtitul, který vymezuje její žánr – klasický, hlavní (komedie, tragédie, drama), nebo autorský, např.: „Můj ubohý Marat“ od Alexeje Arbuzova – „dialogy o třech částech“ ; „Počkáme a uvidíme“ od George Bernarda Shawa – „příjemná hra o čtyřech jednáních“; „Dobrý muž ze Sichuanu“ od Bertolta Brechta je „parabolová hra“ atd. Žánrové označení hry neslouží pouze jako „nápověda“ režisérovi a hercům při jevištní interpretaci hry, ale pomáhá vstoupit do hry. autorský styl, figurativní struktura dramaturgie.

V hudebním umění se termín kus zpravidla používá jako specifický název pro díla instrumentální hudby.

Hrát (zjednoznačnění)

Hrát si :

• Hrát si- malá hudební skladba, obvykle instrumentální, méně často vokální dílo lyrického nebo virtuózního charakteru.
• Hrát si
• Hrát si

Příklady použití slovní hříčky v literatuře.

Další večer na předplatném představení se nezdařilo hrát si nikdy nenašel berle, aby mohl vstát.

Jsou to následovníci v rychlém, rytmicky měřeném pohybu hraje kde prostupuje technika akordových perkusí.

V Alexandrinském divadle už nebyla Kommissarzhevskaya, odkud Sazonov zemřel hraje Varlamov promluvil.

Umělecké divadlo, jak nemohl skrýt toto vzrušení a jak bylo vyjádřeno v podrobných příbězích o jeho selhání hraje v Alexandrinském divadle a vzpomínám si, v jakém dlouhém radostném vzrušení byl po triumfu a vítězství v Moskvě.

Nedůvěřivý k petrohradským režisérům se vždy snažil přímo podílet na přípravě toho jeho hraje za vystoupení na Alexandrinském jevišti.

Boy se vyhýbá přímé odpovědi na tuto otázku a vysvětluje, že alegoricky transformovaní hrdinové odrážejí rysy určitých lidí, ale hrdinové hraje nejsou přesné kopie.

Oxfordisté ​​to musí předpokládat hraje, které se objevily po této době, vznikly před rokem 1604, ale byly vydány později, i když narážky v nich obsažené na události let 1605-1610 rozhodně hovoří proti takovému předpokladu.

A napsal o tom a hrál to na jevišti Národního divadla v Altaji hraje.

Hrdinka hraje- Princezna Almeria z Valencie - je zajata králem Grenady, který sní o tom, že ji provdá za svého syna Alfonse.

Představte si, že po svatbě jsme všichni bydleli na zámku Eshofur, Alphonse set hraje vlastní skladbu a Rene a já jsme je hráli.

Určitě víte, že Ananke zakázala výrobu mého Immoral Hraje?

Zákaz vašeho hrát si, Ananke tím porušila zásadu nezasahování.

Nathan, který spolupracoval s Lucienem ve stejných novinách, nabídl Florině prostřednictvím Coralie roli ve svém novém hrát si, s příslibem, že herečce, která se ocitla mimo divadlo, zařídí podmínečné angažmá na Gimnaz.

Sólo i soubor hraje Boccherini kladou interpretovi vysoké technické úkoly a umožňují odhalit bohaté výrazové a virtuózní možnosti nástroje.

Hra „Kde jsme?“, která měla nedávno premiéru na jevišti Moskevského divadla satiry, je novým dílem Rodiona Ovčinnikova, kde je autorem i režisérem.

Fantazie nebo realita?

Inscenace je v mnoha ohledech neobvyklá. Jeho žánr je definován jako satirická fantasmagorie, implikující chaos, zmatek, hromadu bizarních obrazů a vizí, takže diváky, kteří přišli na premiéru představení, čekala spousta zajímavých dějových zvratů a překvapení.

Jednu z hlavních rolí obsazuje umělecký šéf divadla Alexander Shirvindt. Lidový umělec Ruska se poprvé po několika letech postavil na jeviště a pro něj velmi neobvyklým způsobem. Další role připadly neméně slavným divadelním umělcům:

• Fedor Dobronravov;
• Jurij Nifontov;
• Alexandr Oleško.

Hra se odehrává v blázinci. "Kde jsme?" - to je otázka, kterou si kladou hlavní hrdinové inscenace, kteří se sem dostali ve stejnou dobu. Každý z nich má svůj vlastní osud. Postarší klaun (Shirvindt), který byl kdysi oblíbeným a idolem veřejnosti, je dnes zcela zapomenut a vegetuje v samotě. Dříve bydlel v domě veteránů z místa, který stál na místě "psychiatrické léčebny" a uhořel při požáru. Požár mu zničil pas, takže nikam nemůže. Ve skutečnosti to dělat nechce a nemá kam jít.

Dalším členem této společnosti je známý televizní moderátor (Oleshko), jehož psychika nesnesla realitu našeho života, nekonečný proud proudící všemi kanály.

Třetí pacient (Dobronravov) je vesnický unikát, mudrc, všeuměl, harmonik, otec početné rodiny, který svou neúnavnou energii nemilosrdně utápí ve vodce.

Hlavní lékař nemocnice (Nifontov), ​​který sám balancuje na křehké hranici mezi „normálností“ a psychózou, řídí tuto trojici a celý „dům“, kde koexistují smutné i vtipné. Místo léků rozdává svým pacientům, jejichž životy jsou plné dobrodružství, jen uklidňující sliby.

Představení o našem životě

Je to paradox, ale čím dále se události vyvíjejí, tím více diváci začínají chápat, že hlavní hrdinové na tom nejsou tak psychicky špatně. Taková diagnóza může být rychle stanovena společnosti kolem nás, která je ponořena do četných neřestí. Hra "Kde jsme?" v Divadle satiry to ukazuje velmi přesně. Za vyšperkovaným dějem a originální jevištní akcí se skrývá naše realita, na kterou by měl myslet každý, kdo si chce koupit vstupenky na představení.