Svaka predstava ili predstava koja se igra na sceni osmišljena je tako da gledaocu donese, između ostalog, estetski užitak od onoga što je vidio. Zato je toliko važno da likove obučemo u odgovarajuće pozorišne kostime. Tada će biti lako osjetiti duh ere djela, uhvatiti karaktere likova i jednostavno uživati ​​u ljepoti spektakla.

Pozorišni kostimi od antike do danas

Odeća glumaca je pretrpela modifikacije od pojave pozorišta kao takvog, pa sve do danas:

• Pokušavali su stvoriti scenske slike u drevnim vremenima, eksperimentirajući s improviziranim materijalima. Čak iu drevnoj Kini i Japanu bilo je moguće posmatrati glumce u specifičnoj odeći, posebno na svečanim ili ritualnim predstavama. U Indiji, u antičko doba, ulični plesači su se oblačili i u neobične svijetle sarije kako bi privukli pažnju. A s pojavom umjetnosti slikanja prirodnim bojama, sari nisu postali monofoni, već s uzorcima.
• To je „pozorišni“ koji se može nazvati kostimom koji se pojavio u staroj Grčkoj. Korištene su groteskne maske, šminka, a posebna boja odijevanja likova ukazivala je na status ili profesiju junaka predstave.
• Tada se evropsko pozorište počelo razvijati u doba feudalizma, kada su se izvodile predstave, tzv. "misterije" su davali lutajući umjetnici - histrioni. Izgled likova odlikovao se elegancijom i bogatim elementima dekoracije.
• Renesansu, sa svojim komedijama dell'arte, odlikuje grotesknost. Uz pomoć odjeće, frizura i perika, pokrivala za glavu, obuće, maski i šminke kreirane su duhovite slike, naglašene svojstvene osobine konkretnih likova koji su ismijavali ili oduševljavali gledatelja (fensi perje na šeširima, šarene pantalone).
• U narednim vekovima, u svakoj evropskoj i istočnoj državi bilo je pozorišta, muzičkih salona, ​​opera, baleta itd. Kostimi su postali raznovrsniji, često prenoseći duh istorijske ere, modernu odjeću, oslobađajući se pretjerane stilizacije. Stoga su se na pozornici mogle vidjeti kako slike poznate gledaocu, tako i rekreirani istorijski kostimi, naturalistički izgledi i fantastična šminka.

Ruski pozorišni kostim zaslužuje posebnu pažnju. Buffoons se smatraju njegovim prvim kreatorima. Svijetle košulje, kaftani s pojasevima, batine, kape sa zvončićima, zakrpe na pantalonama - svi su ti elementi nošnje podsjećali na seljačku odjeću, ali u pretjerano satiričnom obliku. Postojalo je crkveno pozorište gde su izvođači bili obučeni u belu odeću, poput anđela. U školskim pozorištima likovi su imali svoje ambleme. A pod carem Aleksejem Mihajlovičem radilo je profesionalno pozorište. Stoga su elementi vladarske nošnje imali znakove kraljevskog dostojanstva, korišten je vez po narudžbi, ručno šiveno skupo kamenje i izuzetni ukrasi.

Vrste

Uobičajeno je razlikovati tri glavne vrste kostima:

1. Lični. Ova vrsta je figurativno-plastična kompozicija, koja je izravan dio cjelokupne slike izvođača uloge. U odijelu je figura često potpuno skrivena. Sam glumac to pokreće i oglašava. Dakle, za Pekinšku operu bile su karakteristične slike svetog hrama ili zmaja.
2. Igra. Ovo je sredstvo za transformaciju izgleda umjetnika i važan element njegove igre. Transformacija likova u ritualnim i folklornim radnjama po karakteru često je imala osnovu u upotrebi groteske i parodije, na primjer, kada su se mladići oblačili u djevojke.
3. Kao odeća lika. Ona je glavna u modernim predstavama, često potpuno nalik tradicionalnoj odjeći određenog razdoblja djelovanja u produkciji. Na osnovu takvog odijela kreiraju se gornja dva tipa.

Krojačke karakteristike

Krojenje scenskih odjevnih predmeta prilično je složena i kreativna aktivnost. Potrebno je odabrati prave materijale, dodatke, izraditi vez i po potrebi aplikaciju. Pozorišni kostim mora ispunjavati sljedeće uslove:

• Utjeloviti eru s preciznošću, uzimajući u obzir historijske, etnografske, nacionalne karakteristike djela i likova.
• Uskladite rediteljevu namjeru da izrazi suštinu karaktera lika.
• Dajte efekat slici glumca u očima gledaoca.
• Dobro je sjediti prema figuri vlasnika.
• Pogodnost nošenja kostima (posebno važno za plesače koji učestvuju u nastupima).

Budući da kostimograf bira pozorišni kostim za određenu ulogu i određenog glumca, potrebno ga je krojiti po mjeri. Za to je bolje obratiti se profesionalcima. Krojačka fabrika je šivaća proizvodnja u Moskvi i Moskovskoj regiji, ovdje možete naručiti krojenje kostima za predstavu, operu i balet. Biće odabrani najbolji materijali i primenjene moderne tehnologije šivanja.

POZORIŠNA NOŠNJA, element performansi. U istoriji pozorišta poznata su tri glavna tipa pozorišnog kostima: lik, igra i odeća lika. Ova tri glavna tipa nošnje postoje u svim fazama izvedbene umjetnosti – od ritualnog rituala i folklornog predpozorišta do moderne umjetničke prakse.

Kostim lika je svojevrsna figurativno-plastična kompozicija na liku izvođača, koju on pokreće i oglašava (izgovaranjem teksta ili pjevanjem), ponekad potpuno skrivajući njegovu figuru, slično kao što je maska ​​prekrivala njegovo lice. Primjeri kostima karaktera u ritualima i ceremonijama različitih zemalja svijeta. Zvonasta silueta indijskog kostima bila je parafraza hrama-šatora Nagar Shakhara i svete planine Menu (centar i osovina svijeta u hinduističkoj mitologiji). Kineski - svojim oblikom, dizajnom, ornamentikom i bojom izražava drevnu kosmološku simboliku prirodne izmjene svjetlosti i tame, spajanja Neba i Zemlje u činu stvaranja svijeta. Šamanski kostim naroda Sjevera utjelovljuje slike fantastične ptice povezane s "gornjim svijetom" i životinje (stanovnik "donjeg svijeta"). Južni Rus je svojevrsni model univerzuma. U tradicionalnim predstavama Pekinške opere, nošnja je bila slika strašnog zmaja, u japanskom pozorištu "Ne" - motivi prirode, au baroknoj eri 17. stoljeća. - Sajam ili svet. Ako su za obredne obredne i folklorne predstave karakterne nošnje (kao i svi drugi elementi scenografije) bile plod rada anonimnih narodnih majstora, onda su ih u 20. stoljeću, od samog početka, počeli komponovati umjetnici: I. Bilibin - u operi Zlatni petao N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - in bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - in Car Maximilian, P. Filonov - u tragediji Vladimir Majakovski, konačno, K.Malevič - u projektu pobeda nad suncem(sve tri produkcije 1913.). A onda, krajem 1910-ih - prvoj polovini 1920-ih. čitav niz karakternih kostima kreirali su talijanski futuristi E. Prampolini, F. Depero i drugi, O. Schlemmer iz njemačkog Bauhausa, au baletu - P. Picasso, koji je prikazao groteskne Menadžere u Parada E. Satie i F. Leger - crnačka božanstva u Stvaranje svijeta D. Millau. Konačno, kubistički kostim "arhitektura" A. Vesnina dobija karakterni značaj u predstavama A. Tairova - godine. Navještenje, njegove suprematističke kompozicije na likovima heroja Fedra. Na ostale scene - Y. Annenkovova "školjka" u predstavi Gas G. Kaiser i A. Petritsky - in Viy, kao i fantastične kolaže kao kostime likova za nastup revizor, koje su kreirali učenici P. Filonova (N. Evgrafov, A. Landsberg i A. Sashin) na temu maraka, grbova, pečata, koverti i dr. - lik upravnika pošte, recepti, potpisi, špricevi, klisteri, termometri - lik doktora, flaše, kobasice, šunke, lubenice itd. - lik Čovjek-Kafane. U drugoj polovini 20. veka kostime kao samostalne vizuelne likove, prikazane odvojeno od glumaca, kao element scenografije, kreirali su M. Kitaev i S. Stavtseva, a kao različite vrste kompozicija na figurama glumaca - K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Kharikov.

Kostim za igru ​​je sredstvo za transformaciju izgleda glumca i jedan od elemenata njegove igre. U ritualnim i folklornim predstavama transformacija je najčešće imala groteskno-parodični karakter, kada su se muškarci oblačili u žene, žene u muškarce, mladići u starce, ljepotice u vještice ili kada su se prikazivale različite životinje. U isto vrijeme korišteno je sve što je bilo pri ruci: župan, ovčiji kaput, futrola, ovčija koža - uvijek okrenuta naopačke, smješnija i zabavnija, kao i svaka druga, nekako smiješna, "izvrnuta" odjeća, na primjer, pretjerano skraćene pantalone, nerazumno široka košulja, čarape sa rupama, svakakve dronjke, krpe, krpe, vreće, užad; Korišćeno je i sve što je priroda dala: trava, cvijeće, slama, lišće. Konačno, za oblačenje su korišteni i razni umjetni ukrasi: papir u boji, brezova kora, folija, staklo, vrpce, ogledala, zvona, perje itd. Tehnike grotesknog maskiranja prešle su i u predstave starogrčkih komedija i u tradicionalno pozorište Istoka, gde su bile kombinovane sa raznolikom igrom glumca sa elementima njegovog kostima: dugim rukavima i fazanskim perjem - u pekinškoj operi, vozovima , ručnici i ventilatori - na japanskom “Ali”. Predstave italijanske commedia dell'arte, drame Shakespearea i Lopea de Vege izgrađene su na beskrajnim prerušavanjem i prerušavanjem. Krajem 18. vijeka Emma Hart (Lady Hamilton) izgradila je svoj čuveni ples na igri sa šalom, nakon čega su slične tehnike (manipuliranje šalovima, prekrivačima, velom i drugim sličnim elementima kostima) naširoko korišćene u baletskom pozorištu 19. veka, dostižući svoje najveća umjetnička visina u stvaralaštvu L.Baksta, čije su skice koreografskih slika uključivale dinamiku raznih letećih tkanina, kaiševa, šalova, suknji, šalova, kabanica, pelerina, privjesaka, podvezica. Na dramskoj sceni nastavljena je tradicija kostima koji se poigrava sa pokretima glumca - kubofuturističkim izražajnošću - A. Exter u predstavama Kamernog teatra Salome O. Wilde i Romeo i Juliet W. Shakespeare, a za njom njen učenik P. Chelishchev i drugi majstori ranih 1920-ih: V. Khodasevič i I. Nivinsky, I. Rabinovich i G. Yakulov, S. Eisenstein i G. Kozintsev, konačno ponovo na baletskoj sceni, u produkcijama K. Goleizovskog - B. Erdmana. Ako su u tom periodu igrani kostimi činili čitav trend u scenografiji, onda je u drugoj polovini 20. veka. koristili su ih umjetnici i reditelji također prilično široko, ali iz nužde, kao element "palete" raspoloživih izražajnih sredstava. Među autorima modernih dramskih kostima su gruzijski umetnici Sameuli, G. Aleksi-Meskhišvili i N. Ignatov, primeri slične vrste mogu se naći i u pozorištima drugih zemalja: u Poljskoj, u Češkoj, u Nemačkoj, u Italiji.

Kostim, kao odeća lika, koji je često osnova za komponovanje tipova kostima o kojima je bilo reči (lik i igra), u svim periodima istorijskog razvoja pozorišta, u većoj ili manjoj meri, postoji oličenje na sceni onoga što su ljudi nosili u datom periodu . Tako je bilo u antičkoj tragediji, a tako je ostalo i u predstavama naših dana. Istovremeno, opću evoluciju ove vrste nošnje karakterizirao je pomak od konvencionalnih oblika prave odjeće (u doba baroka i klasicizma) ka njenoj sve većoj istorijskoj, geografskoj, nacionalnoj pouzdanosti, tačnosti i autentičnosti. U teatru naturalizma i psihološkog realizma kostim postaje potpuno adekvatan karakteru lika, izražava ne samo njegov društveni status, već i stanje duha. Istovremeno, i danas i u prošlim stoljećima, kostim ostaje predmetom posebnog stvaralaštva umjetnika (među kojima su najistaknutiji majstori likovne umjetnosti i scenografije) i oni ga komponuju (čak i naizgled svakodnevne kostime, a ne da bi spomenuti fantastično), ne samo kao zasebno djelo, već i kao bitnu komponentu izvedbe.

POZORIŠNA NOŠNJA, element performansi. U istoriji pozorišta poznata su tri glavna tipa pozorišnog kostima: lik, igra i odeća lika. Ova tri glavna tipa nošnje postoje u svim fazama izvedbene umjetnosti – od ritualnog rituala i folklornog predpozorišta do moderne umjetničke prakse.

Kostim lika je svojevrsna figurativno-plastična kompozicija na liku izvođača, koju on pokreće i oglašava (izgovaranjem teksta ili pjevanjem), ponekad potpuno skrivajući njegovu figuru, slično kao što je maska ​​prekrivala njegovo lice. Primjeri kostima karaktera u ritualima i ceremonijama različitih zemalja svijeta. Zvonasta silueta indijskog kostima bila je parafraza hrama-šatora Nagar Shakhara i svete planine Menu (centar i osovina svijeta u hinduističkoj mitologiji). Kineski - svojim oblikom, dizajnom, ornamentikom i bojom izražava drevnu kosmološku simboliku prirodne izmjene svjetlosti i tame, spajanja Neba i Zemlje u činu stvaranja svijeta. Šamanski kostim naroda Sjevera utjelovljuje slike fantastične ptice povezane s "gornjim svijetom" i životinje (stanovnik "donjeg svijeta"). Južni Rus je svojevrsni model univerzuma. U tradicionalnim predstavama Pekinške opere, nošnja je bila slika strašnog zmaja, u japanskom pozorištu "Ne" - motivi prirode, au baroknoj eri 17. stoljeća. - Sajam ili svet. Ako su za obredne obredne i folklorne predstave karakterne nošnje (kao i svi drugi elementi scenografije) bile plod rada anonimnih narodnih majstora, onda su ih u 20. stoljeću, od samog početka, počeli komponovati umjetnici: I. Bilibin - u operi Zlatni petao N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - in bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - in Car Maximilian, P. Filonov - u tragediji Vladimir Majakovski, konačno, K.Malevič - u projektu pobeda nad suncem(sve tri produkcije 1913.). A onda, krajem 1910-ih - prvoj polovini 1920-ih. čitav niz karakternih kostima kreirali su talijanski futuristi E. Prampolini, F. Depero i drugi, O. Schlemmer iz njemačkog Bauhausa, au baletu - P. Picasso, koji je prikazao groteskne Menadžere u Parada E. Satie i F. Leger - crnačka božanstva u Stvaranje svijeta D. Millau. Konačno, kubistički kostim "arhitektura" A. Vesnina dobija karakterni značaj u predstavama A. Tairova - godine. Navještenje, njegove suprematističke kompozicije na likovima heroja Fedra. Na ostale scene - Y. Annenkovova "školjka" u predstavi Gas G. Kaiser i A. Petritsky - in Viy, kao i fantastične kolaže kao kostime likova za nastup revizor, koje su kreirali učenici P. Filonova (N. Evgrafov, A. Landsberg i A. Sashin) na temu maraka, grbova, pečata, koverti i dr. - lik upravnika pošte, recepti, potpisi, špricevi, klisteri, termometri - lik doktora, flaše, kobasice, šunke, lubenice itd. - lik Čovjek-Kafane. U drugoj polovini 20. veka kostime kao samostalne vizuelne likove, prikazane odvojeno od glumaca, kao element scenografije, kreirali su M. Kitaev i S. Stavtseva, a kao različite vrste kompozicija na figurama glumaca - K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Kharikov.

Kostim za igru ​​je sredstvo za transformaciju izgleda glumca i jedan od elemenata njegove igre. U ritualnim i folklornim predstavama transformacija je najčešće imala groteskno-parodični karakter, kada su se muškarci oblačili u žene, žene u muškarce, mladići u starce, ljepotice u vještice ili kada su se prikazivale različite životinje. U isto vrijeme korišteno je sve što je bilo pri ruci: župan, ovčiji kaput, futrola, ovčija koža - uvijek okrenuta naopačke, smješnija i zabavnija, kao i svaka druga, nekako smiješna, "izvrnuta" odjeća, na primjer, pretjerano skraćene pantalone, nerazumno široka košulja, čarape sa rupama, svakakve dronjke, krpe, krpe, vreće, užad; Korišćeno je i sve što je priroda dala: trava, cvijeće, slama, lišće. Konačno, za oblačenje su korišteni i razni umjetni ukrasi: papir u boji, brezova kora, folija, staklo, vrpce, ogledala, zvona, perje itd. Tehnike grotesknog maskiranja prešle su i u predstave starogrčkih komedija i u tradicionalno pozorište Istoka, gde su bile kombinovane sa raznolikom igrom glumca sa elementima njegovog kostima: dugim rukavima i fazanskim perjem - u pekinškoj operi, vozovima , ručnici i ventilatori - na japanskom “Ali”. Predstave italijanske commedia dell'arte, drame Shakespearea i Lopea de Vege izgrađene su na beskrajnim prerušavanjem i prerušavanjem. Krajem 18. vijeka Emma Hart (Lady Hamilton) izgradila je svoj čuveni ples na igri sa šalom, nakon čega su slične tehnike (manipuliranje šalovima, prekrivačima, velom i drugim sličnim elementima kostima) naširoko korišćene u baletskom pozorištu 19. veka, dostižući svoje najveća umjetnička visina u stvaralaštvu L.Baksta, čije su skice koreografskih slika uključivale dinamiku raznih letećih tkanina, kaiševa, šalova, suknji, šalova, kabanica, pelerina, privjesaka, podvezica. Na dramskoj sceni nastavljena je tradicija kostima koji se poigrava sa pokretima glumca - kubofuturističkim izražajnošću - A. Exter u predstavama Kamernog teatra Salome O. Wilde i Romeo i Juliet W. Shakespeare, a za njom njen učenik P. Chelishchev i drugi majstori ranih 1920-ih: V. Khodasevič i I. Nivinsky, I. Rabinovich i G. Yakulov, S. Eisenstein i G. Kozintsev, konačno ponovo na baletskoj sceni, u produkcijama K. Goleizovskog - B. Erdmana. Ako su u tom periodu igrani kostimi činili čitav trend u scenografiji, onda je u drugoj polovini 20. veka. koristili su ih umjetnici i reditelji također prilično široko, ali iz nužde, kao element "palete" raspoloživih izražajnih sredstava. Među autorima modernih dramskih kostima su gruzijski umetnici Sameuli, G. Aleksi-Meskhišvili i N. Ignatov, primeri slične vrste mogu se naći i u pozorištima drugih zemalja: u Poljskoj, u Češkoj, u Nemačkoj, u Italiji.

Kostim, kao odeća lika, koji je često osnova za komponovanje tipova kostima o kojima je bilo reči (lik i igra), u svim periodima istorijskog razvoja pozorišta, u većoj ili manjoj meri, postoji oličenje na sceni onoga što su ljudi nosili u datom periodu . Tako je bilo u antičkoj tragediji, a tako je ostalo i u predstavama naših dana. Istovremeno, opću evoluciju ove vrste nošnje karakterizirao je pomak od konvencionalnih oblika prave odjeće (u doba baroka i klasicizma) ka njenoj sve većoj istorijskoj, geografskoj, nacionalnoj pouzdanosti, tačnosti i autentičnosti. U teatru naturalizma i psihološkog realizma kostim postaje potpuno adekvatan karakteru lika, izražava ne samo njegov društveni status, već i stanje duha. Istovremeno, i danas i u prošlim stoljećima, kostim ostaje predmetom posebnog stvaralaštva umjetnika (među kojima su najistaknutiji majstori likovne umjetnosti i scenografije) i oni ga komponuju (čak i naizgled svakodnevne kostime, a ne da bi spomenuti fantastično), ne samo kao zasebno djelo, već i kao bitnu komponentu izvedbe.

Ples, pozorište i razne predstave čvrsto su ušli u život svake osobe. Publika, koja je na predstavi, ocjenjuje ne samo igru ​​glumaca, već i njihovu sliku. Scenski kostim pomaže da se to najšire otkrije.

Obim upotrebe i glavni zadaci

Kostim se može krojiti i za individualne i za grupne nastupe. Možete ga vidjeti na sljedećim tačkama:

• Pozorište.
• Ples.
• Promocije i kostimografske predstave.
• Strip show.
• Sportska takmičenja. Ritmička gimnastika i umetničko klizanje.

Scenski kostim igra važnu ulogu i pomaže upotpunjavanju slike. Rješava sljedeće zadatke:

1. Pomoću njega možete najšire otkriti karakter.
2. Mijenja lik i izgled lika ovisno o traženoj situaciji.
3. Pomaže u stvaranju potrebnog vremena, ere, njenog stila i mjesta djelovanja.
4. To je važan dio za izražavanje unutrašnjeg svijeta u filmu ili performansu.
5. Može postati simbol čitave epohe.

Pogledajmo pobliže pozorišni kostim, bez kojeg ne može ni jedna predstava. Predstave, kao i filmovi, čvrsto su izborili svoje mjesto u modernom kulturnom životu.

pozorišna odjeća

Scenski kostim nije samo odjeća, već i šminka, obuća, pribor, frizura. Samo zajedno se nadopunjuju i najpotpunije otkrivaju sliku. U predstavama kostim prenosi unutrašnje stanje, pomaže razumjeti šta je junak upravo učinio ili će učiniti.

I prije početka izvedbe ili snimanja filma, umjetnik stvara skice. Formiraju se u zavisnosti od ideje, redateljske namjere, stila produkcije i karaktera lika. Nakon toga, skice će pomoći glumcu da jasnije prenese i najmanje nijanse junaka: njegov hod, način oblačenja, izraze lica, pa čak i položaj glave.

Nepravilno odabran scenski kostim ne ispunjava svoju direktnu dužnost, a stvara i mnogo neugodnosti. On je rastrgan, drži se za okolni krajolik, odvlači glumca od igre i ne dozvoljava mu da u potpunosti uđe u ulogu.

Također, zahvaljujući kostimu, gledatelj trenutno određuje društveni status heroja. Nepogrešivo prepoznaje bogatog plemića, običnog radnika, vojnog čovjeka ili učitelja.

Krojenje scenskih kostima

Pored pozorišne umjetnosti, vrlo je popularna i odjeća u plesnim predstavama. Zbog široke distribucije i potražnje, nastala je velika konkurencija. Zaista, da biste osvojili publiku, nije dovoljno pružiti jednostavan ples, potrebno je napraviti pravi šou. Stoga scenski kostimi, koji stvaraju nevjerovatne i nevjerojatne slike, igraju tako veliku ulogu.

Postoji mnogo različitih vrsta plesa kao i stilova. Za njih se stvaraju projekti koji pomažu u otkrivanju individualnog svijeta i karaktera.

1. Moderni ples. Kostim karakteriše urbani stil uz prisustvo subkultura. Vrlo je slična sportskoj odjeći po tome što zahtijeva slobodu kretanja, ali se može mijenjati pod utjecajem drugih muzičkih trendova.
2. Ballroom dance. Ovdje prevladava ljepota. Prekrasna balska haljina je uspješan početak za plesački par. Trebao bi biti elegantan i graciozan. Scenski kostim je ukrašen rhinestones, resama ili perjem.
3. Kod šivanja takvog kostima prevladava logorska odjeća. Svijetle tkanine se koriste za vizualizaciju različitih vagona i šatora.
4. Latino ples. Preduvjet za krojenje takve odjeće je kroj koji vam omogućava da date labavost pokretima. Često se rezovi koriste po cijeloj dužini noge.
5. Ovo je svijetli predstavnik ruske kulture, u kojoj postoji kombinacija mnogih vrsta likovne umjetnosti. Narodnu scensku nošnju za muškarce predstavljaju nacionalna košulja, pantalone od platna ili farbane i kaftan. Ženski se sastoji od košulje sa vezom na grudima i dugih rukava, pregače, naprsnika i sarafana. Svaki dio ima svoju verziju ornamenta. Pokrivalo za glavu je predstavljeno zatvorenom kapom, zavojem ili obručem. Sve je to upotpunjeno raznim kokoshnicima, trakama za glavu i krunama.

Dječiji scenski kostimi

Ako se dijete bavi plesom, onda mu je potrebna odjeća koja je udobna i ne ograničava njegove pokrete. Koristeći scenske kostime, osjeća vlastitu posebnost, važnost, a također se prilagođava maksimalnom radu i disciplini.

Djevojčicama je potrebna posebna suknja ili haljina, posebne cipele, kao i hulahopke ili čarape. Sve zavisi od vrste plesa kojim se dete bavi. Dječaci bi trebali imati pantalone, kaiš i košulju (na primjer, za balske plesove).

Nažalost, takvi kostimi su skupi i izrađuju se po narudžbi od materijala s ukrasnim dodacima. Biće lakše naručiti scenski kostim za dječaka. Za njega ne postoje strogi zahtevi, a trebalo bi da odaje samo devojčinu haljinu.

Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja je jednostavno. Koristite obrazac ispod

Studenti, postdiplomci, mladi naučnici koji koriste bazu znanja u svom studiranju i radu biće vam veoma zahvalni.

• 3
• 2. Antički pozorišni kostim 5
• 7
• 9
• 5. Pozorišni kostim Evrope iz XVIin. do modernih vremena 13
• 17

1. Šta je pozorišni kostim?

Pozorište je vrsta umjetnosti koja ne može postojati bez publike, pa je sve u njemu osmišljeno za vanjski efekat. Pozorišni kostim (zajedno sa umjetnim brkovima i bradom, perikama, kozmetikom, maskama) dio je pozorišne šminke. Šminka (od francuskog "grimer" - "farbati lice") je umjetnost mijenjanja izgleda glumca za datu ulogu i sredstava potrebnih za to.

Pozorište (i šminka uz njega) rođeno je u dubinama magijskog sinkretičkog obreda antike. Ljudi su u njemu vidjeli iscjeljujuću moć koja čisti tijelo od raznih strasti.

Svi narodi svijeta od davnina imaju praznike povezane s godišnjim ciklusima umiranja i ponovnog rađanja prirode. Ovi praznici dali su život pozorištu.

Stari Grci su voljeli i poštovali mladog boga Dionisa. Vrhovno božanstvo - Zevs - poštovali su samo jednom u četiri godine (Olimpijske igre); Atena - jednom u dvije godine; Apolon - jednom u dvije godine; ali Dioniz tri puta godišnje. To je razumljivo: Dioniz je bio bog vinarstva.U martu su ljudi iz svih grčkih gradova dolazili u Atinu u Veliku Dioniziju. Tokom sedmice sklapali su dogovore, političke saveze i samo se zabavljali.

Praznik je započeo uvozom drvenog Dionisa u čamcu na točkovima. Ovaj čamac je pratio hor satira-kumera. Stoga se pojava ovog božanstva oduvijek povezivala s oblačenjem i karnevalskim kostimima.

Vrhunac praznika došao je trećeg dana. Na ovaj dan Dionizu su žrtvovane muške životinje, jer je on, rođen iz Zevsovog bedra, bio povezan s čisto muškim principom. Žrtve mogu biti pijetlovi, bikovi, ali najčešće koze. Kada je takav "žrtveni jarac" ubijen, otpjevali su tužnu "jarčevu pjesmu" - tragediju. Potom je korpa sa crijevima i falusom koze iznesena u polje da se pognoji zemlja, postepeno se opijajući vinom posvećenom Dionizu. Vraćajući se kući, nosioci korpe su nekoga izgrdili (na primjer, lokalnog političara). Ulazeći u grad, objesili su komos (kozja crijeva) u blizini čovjekove kuće. Ova akcija, ova gužva i te vesele pjesme. koje je pjevala zvali su se komosi („veselitelji“). Odatle dolazi komedija. Istina, postoje i druge verzije nastanka pozorišta.

Što se tiče odjeće učesnika praznika, poznato je da su bile životinjske kože (radi veće sličnosti sa satirima kozjih nogu). Kasnije su, zahvaljujući nadmetanju pesnika na sceni, tragične i komične pesme postale samostalni pozorišni žanrovi.

2. Antički pozorišni kostim

Zvanična godina rođenja antičkog pozorišta je 534. pne. e .. kada je tragedija Tespid prvi put izvedena na Velikoj Dioniziji.

U to vrijeme pozorišni kostim se već uvelike razlikovao od svakodnevnog. Umjetnik, koji je u početku bio samo jedan, izašao je na pozornicu u veličanstvenoj i svijetloj haljini. Na licu mu je bila maska ​​povezana s perikom i opremljena metalnim glasovnim rezonatorom koji se nalazi na ustima. Maska je imala rupe za oči. Glumac je obuo cipele u koturny na visokoj platformi. Sve je to sračunato na udaljenost gledaoca, jer je grčko pozorište na otvorenom moglo da primi do 17.000 ljudi. Svijetla haljina, velika maska, visoke cipele omogućile su da se bolje vidi izvođač. Rezonator je pojačavao zvuk (iako je akustika u antičkim pozorištima bila takva da je riječ izgovorena šapatom na sredini pozornice stigla do posljednjih redova).

Bilo je do sedamdeset različitih vrsta maski. Takođe su bile neophodne jer su tada sve uloge igrali muškarci. Glumac je menjao masku u toku radnje, kada je nastupao u novoj ulozi i kada je gledaocu pokazao promenu raspoloženja svog lika. Maske su prenosile tipičan izraz radosti, tuge, prevare, itd. Izrađivale su se od drveta ili gipsa, a zatim su bile oslikane.

Simbolika boja igrala je važnu ulogu. Vladari su nosili ljubičaste haljine: njihove su žene bile bijele; prognanici su crni ili plavi; mladići su crveni; obične žene su žute; getteri su šareni.

Kostimi su bili praćeni trajnim atributima kako bi publika lakše prepoznala lik. Vladar je imao skiptar, lutalica štap, Dioniz je imao cvjetnu granu od pliša (thyrsus), Apolon je imao luk i strijele, Zevs je imao munje itd.

Zahvaljujući dugačkoj odeći i visokim cipelama, tragični glumci izgledali su monumentalno i glatko se kretali. Komičari su preferirali kraće i uže odjeće. Prikazujući satire i silene držali su se za stražnji dio repa, stavljali životinjsku masku (ili rogove) i to je iscrpljivalo njihovu šminku. Takva odjeća im je omogućavala da slobodno skaču po bini. U Rimu su se više voljeli laki žanrovi, a komedije tragedije. Tu je na scenu stupila pantomima. Cirkuske predstave bile su veoma popularne. Gledaoci su lakše percipirali phlyaks (od grčkog "phlyax" - "šala") - parodije na tragedije i komedije; meme - male scene na svakodnevne teme; atellani - smiješne improvizacije.

Kostim je postao bliži svakodnevnim odjevnim kombinacijama. Istina, simbolika boja je i dalje očuvana. Na mimovima više nije bilo maski, a publika je mogla da posmatra izraze lica glumaca. U ovim nastupima nisu igrali samo muškarci, već i žene, što je pojačalo erotski momenat i stvorilo povode za javni striptiz.

Grčko-rimski pozorišni kostim nastavio je da utiče na scensku nošnju iu kasnijim vremenima.

3. Pozorišni kostim evropskog srednjeg vijeka

U srednjem vijeku ljudi nisu zaboravili zabavu antike, a gotovo svaki kršćanski praznik bio je popraćen klovnovskom predstavom naopačke: kruna - šala, kapa - kralj.

Histrioni lutaju Evropom (od latinskog "histrio" - "glumac"), koje u Francuskoj zovu žongleri, u Engleskoj - ministranti. u Njemačkoj - shpilmani, au Rusiji - buffoons. Oni su pozorište jednog glumca, jer znaju da glume, da pevaju. hodati po užetu, žonglirati. Kostim ovih ljudi bio je prikladan za akrobacije: trikoi, mekane cipele, kratka opasana tunika, skitnice su putovale pored histriona - "skitnica": poluobrazovanih školaraca, sjemeništaraca, svećenika-rasstrigija. Granice kao takve još nisu postojale, a jezici se nisu previše udaljili od jedne osnove, što je omogućilo da se svugdje razumiju. Odjeća Vaganata nije se razlikovala od svakodnevne nošnje srednjovjekovne osobe.

Vaganti su igrali zabavne predstave - comu, u kojima je crkva ismijavana u liku Majke budale, zbog čega su predstavnici službene religije proganjali umjetnike.

Međutim, i crkva je morala povećati spektakl svojih „predstava“, pa se u samom hramu javlja liturgijska drama. Epizode iz Biblije su inscenirali sami svećenici u svojim uniformama. Ali što se više povećavao trenutak igre u ovim predstavama, to su one postajale "nepristojnije" unutar zidova crkve. Stoga je predstava prenijeta prvo na trijem, a potom i na trg. Pojavio se novi žanr - čudo ("čudo"), koje predstavlja čudesne događaje povezane s Bogorodicom i Isusom. Na osnovu čuda pojavljuje se misterija ("misterija") - pozorišna radnja, iz daljine povezana sa biblijskom pričom.

Likovi misterija mogu biti ne samo Djevica Marija, Isus i biblijski proroci, već i đavoli, đavo i pravedni građani. Stoga je nošnja postala raznovrsnija. Hristos, apostoli, proroci delovali su u odeždi sveštenstva. I sami izvođači ovih uloga mogli su biti svećenici ili monasi (to nije bilo zabranjeno). Trgovci, zanatlije i drugi heroji imali su odeću građana svog vremena. Fantastični likovi obučeni u složene kostime sa neophodnim atributima kao što su rogovi, repovi i vučja ili ovnujska koža za đavole. Personificirane bolesti (kuga, male boginje), grijesi (proždrljivost, laskanje), vrline (istinitost, nada) mogu imati maske.

Međutim, često se nisu pravili posebni kostimi (kao ni kulise). Natpisi "Raj", "Pakao", "Bog Otac" itd. bili su sasvim dovoljni.

Svjetlost je bila glavna kategorija srednjovjekovne estetike, pa su najvažniji božanski likovi bili u bijeloj i sjajnoj odjeći, a đavolji potomci u crnom. Vera je bila obučena u bijelu haljinu. Nada je zelena. Ljubav je u crvenom.

Kao iu antičkom pozorišnom kostimu, junaci su imali stalne atribute: Vera je imala krst, Nada je imala sidro, Ljubav je imala srce ili ružu, Pohlepa je imala novčanik, Zadovoljstvo je imalo narandžu, Laskanje je imalo lisičji rep.

Vremenom je pozorišni kostim sve više ličio na običnu kućnu, a ona kućna sve više teatralna.

4 Pozorišni kostim zemalja jugoistočne Azije

Sinkretizam primitivne kulture (nerazdvojivost različitih vidova kulturnih aktivnosti) manifestovao se u magičnim gradovima, gde su plesovi, muzika, slikarstvo, pozorišne predstave itd. koegzistirali rame uz rame u dubinama mitologije. e. ples i pantomima bili su dio obožavanja bogova u staroj Indiji. Epovi "Mahab-harap" i "Ramayana", koji su se pojavili u 1. milenijumu prije nove ere. e., činili su osnovu klasičnog teatra Indije i onih zemalja u kojima postoji hinduizam, budući da su ovi epovi svete knjige ove religije. U različitim oblicima (stvarno pozorište, pozorište lutaka, pozorište sjenki, balet) i dalje postoje produkcije epizoda Mahabharate i Ramayane. A sada koriste vrlo svijetle, skupe kostime, maske ili šminku poput maske. Nema krajolika, sve se odvija u njedrima veličanstvene prirode.

U Kini se pozorište također razvilo iz plesnih i akrobatskih elemenata koji su bili dio svetih obreda. U 7.-10. vijeku širile su se igre na historijske i herojske teme ispresijecane malim pozorišnim interludijama. Po prvi put su se pojavili posebni pozorišni kostimi.

U 13.-14. veku kinesko pozorište dostiglo je svoj vrhunac u obliku zajua. Ovaj mješoviti nastup uključivao je muziku, pjevanje, ples i akrobacije.

Nije bilo scenografije, pa je igra glumaca i njihov izgled bili od posebnog značaja. Sve uloge su igrali muškarci. Najpatetičnije scene odigrane su u usporenom snimku.

Svi pokreti su bili strogo kanonizovani. Sami glumci su govorili o sebi kao herojima, određivali vrijeme i mjesto radnje.

U narednim stoljećima zaju nije umro, već je pretvoren u različite oblike. Kao i do sada, na pozornici je malo rekvizita, a ono što ima koristi se polifunkcionalno: sto je i planina, i oltar, i osmatračnica; crne zastave simboliziraju vjetar, crvene zastave vatru, itd. Simbolika boja se koristi u šminkanju i kostimu: crvena je hrabrost, bijela je podlost, žuta je boja cara.

U Japanu se također razvilo nekoliko vrsta pozorišnih predstava koje su opstale do danas. Kan'ami Kpetsugu i njegov sin Zeami na prelazu iz 14. u 15. vek su stvorili Noh teatar od različitih numera za pesmu i ples. I sami su bili glumci, reditelji, autori i kompozitori (a Zeami je bio i teoretičar No teatra). Njihov rad došao je u vrijeme kada je način života Japanaca bio primjetno teatralan: vladari su bili ljudi niskog porijekla i, kao i svi neofiti, posebno su se pridržavali rituala. Žudnja za spektaklom dovela je do masovnih čajnih ceremonija ili proslava divljenja trešnjinim cvetovima (što je samo po sebi apsurdno, jer je ovo nešto veoma lično za Japance). Noh pozorišne predstave postale su obavezan dio svečanosti i prijema. Često su višesatne (pa čak i višednevne) predstave na povijesne i herojske teme počele mijenjati tok stvarnih događaja (na primjer, tok praznika). Vladari su se navikli na slike scenskih junaka. A šogun (vojni diktator) Tojotomi Hidejoši se od velikog obožavatelja No teatra pretvorio u svog glumca i 1593. godine, tokom trodnevne predstave u čast rođenja njegovog sina, briljirao je u deset predstava. Igrao je samog sebe.

Noh teatar ima karakteristične karakteristike koje smo već spomenuli: odsustvo kulisa, sporost pokreta na važnim mjestima predstave, muški glumci. Scene su se odvijale ispred slike bora na zlatnoj pozadini. Slika bora seže do najstarijih agrarnih magičnih simbola, a zlato je personificiralo sunce i boginju Amaterasu. Osim toga, takva pozadina je simbolizirala spajanje s prirodom, pogotovo jer su akcije mogle izaći izvan pozornice i stopiti se u pravu atmosferu prijema ili odmora.

Glumački kostim do 17. veka. nije se razlikovala od kućne nošnje plemstva (kasnije se počela izrađivati ​​prema gravurama i uzorcima XIV-XV stoljeća). Postojala je tradicija - davati glumcima skupe haljine (naročito se proširila u vrijeme pozorišnog vladara Toyotomi Hideyoshi). Kao rezultat toga, Noh teatar je postao i muzej luksuzne odjeće. Sada je najstarija odeća koja se čuva u pozorištu šogunova nošnja iz 15. veka.

Godine 1615., vladar Ieyasa Totkugawa izdao je kodeks koji je regulisao boje i kvalitet tkanina. Zabrana skupih materijala uticala je i na Noh teatar. Redatelji su počeli tražiti drugačiji figurativni izraz, ne više zbog skupih odjevnih predmeta. Tkanina kostima pretvorila se u simboličnu knjigu koja je mogla biti ispunjena informacijama. Sada stilizovani kanonski kostim No teatra otkriva karakterističnu sliku. Sve je u njemu simbolično - od kroja do vezenja.

Boja igra važnu ulogu. Bijela znači plemenitost, crvena pripada bogovima i ljepotama, blijedoplava asocira na staloženost, smeđa znači nisko rođenje.

Muškarci igraju u Noh teatru, pa su maske i navijači važni. Veličina, boja, uzorak, kretanje lepeze karakterizira lik. Maske su jednostavne, ali vrlo elegantne. Izrađene su od čempresa, premazane i brušene. Maska se nosi preko perike i veže kravatama. Najmanja promjena u osvjetljenju ili kutu daje mu novi izraz. Postoje maske različitih spolova, godina, karaktera, pa čak i fantastičnih stvorenja.

5. Pozorišni kostim Evrope iz 16. veka. do modernih vremena

Tokom renesanse u Evropi su se počele pojavljivati ​​prve stalne trupe koje su radile na profesionalnoj osnovi. Oni lutaju ili su prikovani za jedno mjesto. Ljudi više vole da se smeju nego da plaču, pa glumci postavljaju svetlo, stripove, farse i parodije. Lutajući komičari nastavili su srednjovjekovne tradicije i (kao i cijela kultura renesanse) okrenuli se antičkom naslijeđu. Prije svega, takve trupe su nastale u Italiji. Tamo se pojavila pozorišna commedia dell "arte", odnosno "komedija maski".

U komediji dell'arte bila je jedna scenografija - gradska ulica. Nije bilo stalnog zapleta: šef trupe (kapokomiko) je to tražio, a glumci su improvizirali, kao u antičkim atelanima. Ponavljani su i konsolidovani oni trikovi i opaske koje su izazvale odobravanje javnosti. Radnja se odvijala oko ljubavi mladih, kojoj su stari kočili, a pomagala sluga.

Najvažniju ulogu u komediji imala je maska. Crna maska ​​može pokriti cijelo lice ili dio. Ponekad je to bio zalijepljen nos ili glupe naočare. Glavna stvar je stvoriti tipično lice, upereno na karikaturu.

Postojala su dva zahtjeva za kostim: praktičnost i komičnost. Stoga je, s jedne strane, podsjećao na odjeću srednjovjekovnih histriona, a s druge strane bio je dopunjen karakterističnim smiješnim detaljima.

Na primjer, Pantalone - škrti trgovac - uvijek je bio sa svojim novčanikom. Njegova odjeća je podsjećala na odjeću mletačkih trgovaca: jakna vezana pojasom, kratke hlače, čarape, mantija i okrugla kapa. Ali jednog dana umjetnik je izašao na pozornicu u širokim crvenim hlačama, publici se svidio ovaj karakterističan detalj. Kao rezultat toga, Pantalone i njegove pantalone su se toliko spojile u svijesti ljudi da se vremenom od ličnog imena formirao zajednički naziv pantalona za žensko donje rublje.

Doktor - još jedan junak komedije del'arte - predstavio je parodiju naučnika i izašao u crnoj akademskoj haljini sa čipkastim kragnom i manžetnama. U rukama su mu uvijek bili papirni svici na glavi - široki šešir.

Kapetan, vojni avanturista, nosio je kirasu, bluze, čizme preko koljena sa ogromnim mamuzama, kratak ogrtač i šešir s perjem. Njegov stalni atribut bio je drveni mač, koji bi se po potrebi sigurno zaglavio u korice.

Najbrojniji i najraznovrsniji likovi bili su sluge (zanni), jer su upravo oni bili "motori napretka" u ljubavnom sukobu. Pulcinela je imala ogroman kukast nos; Harlekin ima toliko zakrpa da su se vremenom oblikovale u šahovnicu, Pierrot ima široku bijelu košulju sa izrezanom kragnom i duge pantalone; Brighella ima široku bijelu bluzu i odgovarajuće pantalone.

Ovo popularno pozorište, zahvaljujući svojim laganim zapletima, bilo je mnogo popularnije od pozorišta Shakespearea ili Lopea de Vege, koja su više davala prednost ne spektaklu, već dubini sadržaja. Za djela Lopea de Pege, na primjer, pojavio se čak i naziv "komedije ogrtača i mača", jer su umjetnici zaista igrali u njima samo u svakodnevnim kostimima modernim autoru.

Paralelno sa lutajućim trupama postojala su i dvorska pozorišta, čiji su kostimi bili na stotine i odlikovali su se visokom cijenom. Prikazivali su se odvojeno od izvođenja predstave.

U XVII-XVIII vijeku razvoj pozorišne nošnje je opao. Riječ dolazi do izražaja, dijalozi upijaju svu pažnju publike. Na sceni se koristi kućna nošnja, lišena istoricizma. Ovo je uobičajeno moderno odijelo tog vremena. Istina, u predstavi nećete vidjeti odrpanog slugu ili loše odjevenu pastiricu. Kostim je oplemenjen. To je posljedica teatralizacije života. Pozorište je toliko duboko usađeno u svakodnevni život da se briše granica "pozorišno - svakodnevni" kostim. Treba napomenuti da u XVII-XVIII vijeku pozorišni kostim često određuje modu (što je već spomenuto u prethodnim poglavljima). Glumci su se obukli bolje i ekstravagantnije od ostalih. U 17. veku za Monsieur a la fashion, posebna mjesta za publiku su bila raspoređena na bini, gdje su ne samo gledali nastup, već su razgovarali o umjetnicima i njihovim kostimima.

U 17.-18. veku cvetaju sintetički žanrovi: opera, balet, cirkus (iako su bili poznati i ranije). Ovi žanrovi uključuju dramsku akciju, vratolomije, muziku, pjevanje i svijetlu, nezaboravnu šminku. Sintetički žanrovi upijaju elemente svakodnevnog života. Na primjer, plesni ples cancan (francuski cancan) sa karakterističnim visokim zabacivanjem nogu nastao je oko 70-ih godina 18. stoljeća. Postepeno, postaje sastavni dio operete - žanra muzičke i plesne komedije.

U 19. vijeku oživljava se interesovanje za istoriju u svim oblastima kulture. Zahvaljujući arheološkim i literarnim nalazima, bilo je moguće saznati više o nošnji antike, pa se u povijesnim predstavama po prvi put pokušava reproducirati originalna nošnja prošlosti.

Razvoj kritičkog realizma kao metode umjetnosti i načina sagledavanja svijeta dovodi do toga da na sceni više nećete vidjeti seljanke u penjoarima i uštirkane sluge. U pozorištu se pojavljuju takvi rekviziti, o kojima se u pristojnom društvu ranije nije govorilo. Potraga za novim oblicima izražavanja dovodi do naturalističkog šminkanja. Evo šta V. A. Giljarovski piše u svojim esejima o Moskvi i Moskovljanima:

„Godine 1879. dječak u Penzi s pozorišnim frizerom Šiškovim bio je student, mali Mitya. Bio je miljenik penzanskog poduzetnika V.P. Dalmatova, koji mu je samo dopuštao da dodiruje kosu i učio ga šminkati. Uprizorio je „Bilješke luđaka “ i naredio Miti da pripremi ćelavu periku, koji je na predstavu donio mokru bikovu bešiku i počeo stavljati njegovanu kosu Dalmatova... Na plač glumca, glumci su utrčali u svlačionicu.

- Vi ste veliki umetnik, Vasilije Pantelejmonoviču, ali dozvolite mi da budem umetnik svog posla! - podigavši ​​glavu prema visokom V. P. Dalmatovu, pravdao se dječak. - Samo probaj!

V.P. Dalmatov se konačno složio - i za nekoliko minuta mjehurić je bio stavljen, na nekim mjestima zamašćen, a oči B.P. Dalmatova su zasjale od zadovoljstva: potpuno gola lubanja s njegovim crnim očima i izražajnom šminkom ostavila je snažan utisak.

Na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće trend modernizma rađa nove forme pozorišnog kostima. Odjeća je stilizirana, pretvara se u simbole. Evropljani su otkrili pozorišta Istoka, što se ogledalo u scenskom kostimu.

U prvim godinama nakon Oktobarske revolucije pozorišna nošnja je potpuno nestala, zamijenili su je "kombinezoni", budući da su glumci "radnici pozorišnog rada".

Postepeno se sve vratilo u normalu, a pozorišni kostim se ponovo vratio na scenu. Štaviše, u XX veku. pojavio se novi spektakl kao što je pozorište mode. Revije modela pretvorile su se u muzičke dramske emisije. Tako se kućna nošnja konačno otvoreno "udala" sa pozorištem.

Spisak korišćene literature

2. Gelderod M. de. Pozorište: Sub.: Per. od fr. / Post-last. L. Andreva, str. 653-694

3. Komentar. S. Shkunaeva; Umetnički N. Alekseev. -M.: Umjetnost, 2003. -717 str.

4. De Filippo E. Pozorište: Predstave: Per. sa tim. /Kasnije. L. Vershinina, str. 759-775; Umetnički N. Alekseev. -M.: Umjetnost, 2007. -775 str.

Slični dokumenti

Karakteristike pozorišnog kostima. Zahtjevi za njegovu skicu. Analiza slike ljudske figure; tehnike i alati koji se koriste u grafičkim izvorima. Upotreba grafičkih tehnika pozorišnog kostima u izradi kolekcije odjeće.

seminarski rad, dodan 28.09.2013


Antropomorfološke karakteristike figure. Analiza istorijske nošnje. Karakteristike muškog odijela. Obrazloženje za izbor osnovnog modela. Likovna i kompoziciona analiza analognih modela. Proračun i izrada crteža projektovanog proizvoda.

seminarski rad, dodan 28.04.2015


Kostim kao predmet sociokulturne analize: istorijat razvoja, značenje, uloga, funkcije i tipologija. Opis semiotičkih aspekata nošnje, atributa, pribora, socijalne i psihološke osnove. Analiza simbolike "dandy" kostima.

teza, dodana 24.01.2010


Koncept dekorativne umjetnosti kao izražajnog sredstva pozorišne umjetnosti. Glavna izražajna sredstva pozorišne umjetnosti: uloga scenografije, kostima, šminke u otkrivanju slike likova, vizualni i optički dizajn predstave.

kontrolni rad, dodano 17.12.2010


Istorija evropske nošnje 19. veka. Razlike između stila Empire i klasicizma. Karakteristike kompozicije nošnje. estetski ideal lepote. Glavne vrste odjeće, njena dizajnerska rješenja. Svečana haljina, cipele, kape, frizure, nakit.

seminarski rad, dodan 27.03.2013


Historijske karakteristike dinastije Ming. Nacionalna kineska odeća kao deo istorije Kine. Ornament, dekorativne karakteristike i simbolika nošnje. Principi umjetničkog oblikovanja kostima, njegova originalnost. Opća priroda sheme boja.

sažetak, dodan 23.05.2014


Uloga i značaj nošnje u antičkom svijetu: Egipat, Grčka, Rimma, Indija i Vizantija. Kostim zapadne Evrope u srednjem veku. Renesansna nošnja: italijanski, španski, francuski, nemački, engleski. Empire stil i romantizam, rokoko i barok.

seminarski rad, dodan 26.12.2013


Karakteristike razvoja nošnje baroknog doba, estetski ideal ljepote i osobine tkanina, boja, ornamenata. Posebnosti ženske i muške nošnje, obuće i frizure. Karakteristike reznog sistema baroknog doba, njihov odraz u modernoj modi.

seminarski rad, dodan 07.12.2010


Opće karakteristike kulture i umjetnosti Japana. Opis principa formiranja nošnje Japana. Vrste kimona, kroja i dodataka. Moderna interpretacija japanske nošnje u djelima poznatih dizajnera (J. Galliano, A. McQueen, Is. Miyake, M. Prada).

sažetak, dodan 01.07.2013


Ženske frizure Vizantijskog carstva. Karakteristične karakteristike muških frizura XV-XVI stoljeća. Evolucija dvorske nošnje u Rusiji u 18. vijeku. "Romanički" stil u modernoj ženskoj slici. Uticaj plemićke nošnje na nošnje drugih klasa.