Individualni stilovi renesansnih kompozitora. Muzička umjetnost renesanse

1. Opći trendovi u razvoju muzičke umjetnosti u renesansi
2. Muzičko obrazovanje u renesansi
3. Muzička teorija renesanse. Traktati o muzici.

• Butik projekat

1. Opći trendovi u razvoju muzičke umjetnostitokom renesanse

XIV-XVII vijeka u zapadnoj Evropi postalo je vrijeme velikih društvenih promjena. Ovo vrijeme ušlo je u istoriju kulture pod imenom renesansa (renesansa). Ovo razdoblje je dobilo ime u vezi s oživljavanjem interesa za antičku umjetnost, koja je postala idealna za kulturne ličnosti modernog doba. Kompozitori i muzički teoretičari (J. Tinktoris, J. Tsarlino, Glarean i drugi) proučavali su starogrčke muzičke rasprave; u djelima Josquina Despresa, prema riječima savremenika, "oživljeno je izgubljeno savršenstvo muzike starih Grka"; pojavio se krajem 16. i početkom 17. vijeka. opera je bila vođena zakonima antičke drame.

Razvoj kulture renesanse povezan je sa usponom svih aspekata društva. Rođen je novi pogled na svet - humanizam (od latinskog humanus - "ljudski"). Emancipacija stvaralačkih snaga dovela je do brzog razvoja nauke, trgovine, zanata, a u privredi su se oblikovali novi, kapitalistički odnosi. Pronalazak tiska doprinio je širenju obrazovanja. Velika geografska otkrića i heliocentrični sistem svijeta N. Kopernika promijenila su ideje o Zemlji i Univerzumu.

Tokom renesanse, umjetnost, uključujući i muziku, uživala je veliki društveni prestiž i bila je izuzetno rasprostranjena. Tokom renesanse gotovo sve vrste umjetnosti dostigle su izuzetan procvat. Renesansa ima neujednačene hronološke granice u različitim zemljama Evrope. U Italiji počinje u 14. veku, u Holandiji počinje u 15. veku, au Francuskoj, Nemačkoj i Engleskoj njeni znaci se najjasnije ispoljavaju u 16. veku. Istovremeno, razvoj veza između različitih kreativnih škola, razmjena iskustava između muzičara koji su se selili iz zemlje u zemlju, radili u različitim kapelama, postaje znak vremena i omogućava nam da govorimo o trendovima zajedničkim za cijelu era.

Ideje oživljavanja antičkih ideala humanizma i gubljenja njihovog položaja od strane crkve proširile su se na cjelokupni kulturni život, značajno utječući na muzičko obrazovanje. Rast interesovanja za nauke doveo je do širenja obrazovanja u različitim oblastima. Ako je u srednjem vijeku prevladavala vjerska tradicija, gotovo potpuno potiskivajući svjetovnu (koja je postojala uglavnom u obliku minstrel kulture) i držala narod pod zabranom, onda u renesansi crkvena muzika i vjerska grana muzičkog obrazovanja, dok su nastavili funkcionisati, izgubili su svoj položaj. Sekularna grana muziciranja i muzičkog obrazovanja dobijala je sve veći karakter. Sekularna kultura muziciranja je, pak, imala bliske veze sa narodnom kulturom. Tako su, na primjer, ministranti, koji su u svom radu spajali narodnu i svjetovnu tradiciju, u renesansi često počeli boraviti na dvorovima najvišeg plemstva, njihov rad je postao osnova za razvoj svjetovnog muziciranja. Tokom renesanse, muzika nije imala samo hedonističku funkciju, iako je bila važna i u sekularnom muziciranju. Cilj muzičkog obrazovanja, kao i svakog znanja o umjetnosti, bio je postavljen, kao u doba antike, moralno usavršavanje čovjeka. U to vrijeme počinje muzičko štampanje, procvat amaterskog muziciranja. Takođe u to vreme je započeo proces preispitivanja društvenog statusa muzike. Stilovi i žanrovi muzike počeli su da se razlikuju u zavisnosti od njihove društvene svrhe. Pojavila se “narodna” i “učena” muzika, za “neiskusne ljubavnike” i za “istančane uši”, za “gospodare i prinčeve”. Sasvim očigledno, postojala je tendencija elitizma muzičkog obrazovanja. Godine 1528. napisana je čuvena rasprava B. Castiglionea "Dvornjak" - svojevrsni kodeks ponašanja visokog društva. Istaknuto je da je posjedovanje pjevanja i muzičkog instrumenta znak duhovne uglađenosti i istinski sekularnog obrazovanja. Sve veća uloga sekularne tradicije muzičkog obrazovanja dovela je do promjene njegovih tipova. Ako se crkvena tradicija oslanjala uglavnom na horsko pjevanje, onda sekularnu tradiciju karakterizira zanimanje za muzičke instrumente. Pevanje se nije isterivalo, već je imalo različite oblike, uključujući i svetovno vokalno solo i ansambl muziciranje. U renesansi jednoglasno pjevanje zamjenjuje polifono, pojavljuju se dvostruke i trostruke kompozicije horova, polifono pisanje strogog stila dostiže vrhunce, čvrsto se uspostavlja podjela hora na četiri glavna horska dijela: soprani, altovi, tenori, basovi. . Uz muziku namijenjenu horskom pjevanju u crkvi, svoja prava ostvaruje i horska svjetovna muzika (moteti, balade, madrigali, šansone).

Proces učenja sviranja muzičkih instrumenata, koji se odvojio od vokalne muzike, odvijao se brzo i brzo. Instrumentalno muziciranje se osamostalilo kao izvorno polje ljudske djelatnosti. Među glavnim muzičkim instrumentima su lutnja, harfa, flauta, oboa, truba, orgulje raznih vrsta (pozitivi, prenosivi), varijante čembala. Violina je bila narodni instrument, ali razvojem novih gudačkih instrumenata kao što je viola, violina postaje jedan od vodećih muzičkih instrumenata. Druga vrsta viole, viola da gamba, evoluirala je u violončelo. Učenje sviranja muzičkih instrumenata, započeto u zapadnoj Evropi u 14. veku i nastavljeno ne samo u renesansi, već iu narednim, bilo je izraz duhovne potrebe ljudi koju je crkvena muzika prestala da zadovoljava. (web stranica) Generalno, mogu se prepoznati sljedeće karakteristične karakteristike muzičke kulture renesanse: nagli razvoj svjetovne muzike (rasprostranjenost sekularnih žanrova: madrigali, frottol, villanelle, francuska "šansona", engleske i njemačke polifone pjesme) , njegov juriš na staru crkvenu muzičku kulturu, koja je postojala paralelno sa svetovnom;

Realistički trendovi u muzici: novi zapleti, slike koje odgovaraju humanističkim pogledima i, kao rezultat, nova sredstva muzičkog izražavanja;

Narodna melodija kao vodeći početak muzičkog djela. Narodne pjesme se koriste kao cantus firmus (glavna, nepromjenjiva tenorska melodija u višeglasnim djelima) iu višeglasnoj muzici (uključujući i crkvenu). Melodija postaje glatkija, fleksibilnija, melodična, direktan je izraz ljudskih iskustava;

Snažan razvoj polifone muzike i "strogog stila" (drugim riječima, "klasične vokalne polifonije", jer je usmjerena na vokalno i horsko izvođenje). Strogi stil podrazumijeva obavezno pridržavanje utvrđenih pravila. Majstori strogog stila ovladali su tehnikom kontrapunkta, imitacije i kanona. Strogo pisanje bilo je zasnovano na sistemu dijatonskih crkvenih modusa. U harmoniji dominiraju konsonancije, upotreba disonancija je bila strogo ograničena posebnim pravilima. Dodani su glavni i sporedni modovi i sistem sata. Tematska osnova je bila gregorijansko pjevanje, ali su korištene i svjetovne melodije, uglavnom usmjerene na polifoniju D. Palestrine i O. Lasa;

Formiranje novog tipa muzičara - profesionalca koji je stekao sveobuhvatno specijalno muzičko obrazovanje. Koncept "kompozitora" pojavljuje se po prvi put;

Formiranje nacionalnih muzičkih škola (engleske, holandske, italijanske, nemačke itd.);

Pojava prvih izvođača na lutnji, violi, violini, čembalu, orguljama; procvat amaterskog muziciranja;

Pojava tipografije.

2.Muzičko obrazovanje u renesansi

Renesansa označio je prijelaz iz srednjeg vijeka u novi vijek, a prije svega u kulturu ranograđanskog društva, koja je nastala u talijanskim gradovima, a potom se razvijala u gradovima drugih evropskih zemalja. Kultura renesanse imala je humanistički karakter i afirmirala je ideal harmonično razvijene ljudske ličnosti. Renesansa je okončala asketizam srednjeg vijeka, usvojivši kulturna dostignuća antike, ispunivši ih novim značenjem.

U antici umjetnost se prvenstveno koristila u obrazovne svrhe. Muzika se, zbog svoje moralne orijentacije, smatrala važnim sredstvom i ciljem društvenog vaspitanja, a ljudska muzikalnost društveno vrednim i određujućim kvalitetom ličnosti. Likovno obrazovanje u to se vrijeme smatralo osnovom obrazovanja općenito. Sinonim za pojam "muzički" bio je izraz "obrazovan". Muzika, književnost, gramatika, crtanje i gimnastika bili su glavni sadržaji obrazovanja, osmišljeni da razvijaju prijemčivost duše, moralnost težnji i osjećaja, kao i snagu i ljepotu tijela. Državno obrazovanje kod Grka bilo je neodvojivo od estetskog vaspitanja, koje se zasnivalo na muzici. Muziku su shvatali kao univerzalno i prioritetno sredstvo javnog obrazovanja i njegov cilj (Spartanci, Pitagora, Platon, Aristotel). Dakle, Pitagora je kosmos smatrao „muzičkim“, kao što je država „muzički“ (tj. harmonično) dobro uređena i podređena „ispravnoj“ melodiji. A pošto muzika odražava harmoniju, najviši cilj čoveka je zadatak da svoje telo i dušu učini muzikalnim. Kult harmonije, tjelesne i duhovne ljepote, snage, zdravlja, osjetilne percepcije života postaje kanon umjetnosti u renesansi. To je bilo od presudnog značaja za razvoj oblika estetskog vaspitanja. Ideal epohe bio je svestrano obrazovan umetnik - oslobođena kreativna ličnost, bogato nadarena, koja je težila da afirmiše lepotu i sklad u svetu oko sebe. Na primjer, u školi Vittorino de Feltre u Mantovi, mladi su naučili osjećati muzičku harmoniju; u obrazovanju se veliki značaj pridavao sposobnosti pjevanja. Osnivač škole smatrao je da muzika razvija osjećaj za vrijeme i vjerovao je da se obrazovanje sastoji, prije svega, u razvoju osjetljivosti i percepcije, te je stoga estetski element igrao veliku ulogu u njegovom načinu odgoja.

Nove ideje su se odrazile u brojnim raspravama o obrazovanju, od kojih je svaka svakako propisivala značaj i ulogu umjetnosti u obrazovanju. Među njima su “O plemenitom moralu i slobodnim naukama” Paula Vergerija, “O odgoju djece i njihovom dobrom moralu” Matea Vegija, “O redu poučavanja i učenja” Batista Guarina, “Traktat o slobodnom obrazovanju” autora Eneo Silvio Piccolomini i drugi. U krugovima visokog društva, uz čitanje i pisanje, sekularni bonton zahtijevao je sposobnost sviranja nekoliko muzičkih instrumenata, govorenje 5-6 jezika. Iz rasprave Baldasara Castiglionea „O dvoru“ (XVI vek), već pomenute, možete saznati koji su zahtevi postavljani plemićima u oblasti muzičkog obrazovanja: „... Nisam zadovoljan sudskom osobom ako on nije muzičar, ne može da čita muziku sa lista i ne zna ništa o različitim instrumentima, jer, ako dobro razmislite, ne možete naći ugledniji i hvale vredniji odmor od posla i lek za bolesne duše od muzike. Muzika je posebno potrebna na dvorovima, jer pored zabave od dosade, daje mnogo za užitak dama, čije se duše, nežne i meke, lako prožimaju harmonijom i ispunjavaju nežnošću. Zatim pričamo o tome kakva je muzika lepa: ona koja se peva sa čaršava samouvereno i lepo, solo na violi, sviranje klavijatura ili sviranje na četiri gudala. Kastiglione, međutim, nigde ne hvali horsku polifonu muziku, verujući, očigledno, da ona uglavnom ima posebnu namenu - u crkvi, na zvaničnim proslavama.

Sekularna orijentacija obrazovanja manifestovala se u proširenju obima i sadržaja muzičkog obrazovanja u parohijskim školama, sirotištu, kao i tada nastalim „konzervatorijima“ – specijalizovanim prihvatilištima u kojima su mogla da studiraju muzički nadarena deca. Prvi "konzervatoriji" pojavili su se u Veneciji. Brinuli su o odgoju siročadi, davali im osnovno obrazovanje. Dječaci su se učili raznim zanatima, a djevojčice pjevanju: brojni hramovi Italije zahtijevali su mnogo pjevača za crkvene horove. 1537. godine u Napulju španski sveštenik Giovanni Tapia sagradio je prvi muzički konzervatorij "Santa Maria di Loreto", koji je poslužio kao uzor za naredne. (web stranica) Priliv studenata bio je toliki da se pojavila potreba za otvaranjem tri više "konzervatorija" u istom gradu. Tokom 16. i 17. veka otvorena su mnoga takva skloništa u Italiji. Postepeno je nastava muzike počela da zauzima glavno mesto u njima, ne samo učenici sirotišta, već, uz nadoknadu, i strani studenti. Naziv "konzervatorij", izgubivši prvobitno značenje, počeo je značiti muzičku obrazovnu instituciju.

Jedan od važnih oblika obrazovanja tog vremena bile su škole pjevanja pri katoličkim crkvama - metriza. Metriza (francuski maitre - učitelj) je muzički internat u Francuskoj i Holandiji, koji je obučavao crkvene horiste. Prvi metri su poznati još u 8. veku. Sistem obrazovanja u takvim školama formiran je još u srednjem vijeku: obrazovanje se odvijalo od ranog djetinjstva i, uz opšteobrazovne predmete, uključivalo je pjevanje, sviranje orgulja i izučavanje muzičke teorije. Od 16. veka dodaje se učenje sviranja na drugim muzičkim instrumentima. Oko 20-30 pjevača obučeno je u svakom metrizu pod vodstvom horovođe (maotre de chapelle). Metriza je odigrala značajnu ulogu u širenju stručnog muzičkog obrazovanja. Mnogi istaknuti francuski i holandski polifoni kompozitori G. Dufay, J. Obrecht, J. Okeghem i drugi studirali su metris.

Glavna karakteristika humanističke pedagogije bila je usmjerenost na formiranje obrazovane, moralno savršene i fizički razvijene osobe sa jasno izraženom društvenom orijentacijom, što se očitovalo u praktičnoj prirodi muzičkog obrazovanja. Glavni oblici muziciranja bili su: crkva, salon, škola i dom. Naravno, nivo i mogućnosti muzičkog obrazovanja u različitim slojevima društva bili su različiti. Sveobuhvatno obrazovanje, skladan razvoj bili su dostupni uglavnom društvenoj manjini. U višim društvenim slojevima društva, praktična priroda muzičkog obrazovanja postepeno se degeneriše u praktičnost, izazivajući pragmatičan odnos prema muzici, zbog modnih, prestižnih, korisnih stvari itd. Crkveno pojanje, narodni festivali, karnevali i dalje su ostali oblici masovnog upoznavanja sa muzikom.Uopšte, pedagogija renesansnog doba je dovela do izražaja buđenje kod učenika živog interesovanja za znanje, razvoj njihovih praktičnih veština i sposobnosti. Pojavile su se škole u kojima je stvorena takva atmosfera učenja koja je proces spoznaje pretvorila u radosnu i zanimljivu aktivnost za samog učenika. Tokom ovog perioda, vizualizacija svih vrsta, igre, lekcije u njedrima divljih životinja bile su naširoko korištene. Ogroman doprinos općoj pedagogiji dali su rani utopisti socijalisti T. More (1478-1535) i T. Campanella (1568-1639), E. Rotterdam (1466-1536), Fr. Rabelais (1494-1553). Od velikog značaja za muzički razvoj, obrazovanje i širenje muzičkih dela u različitim zemljama bilo je pronalazak notnog zapisa i izdavanje muzičkih publikacija od prvih godina 16. veka. Ottaviano Petrucci u Italiji počinje objavljivati ​​mase Josquina Despresa, Obrechta, a potom i djela drugih savremenika. Njegovo prvo uzorno muzičko izdanje bila je zbirka šansona pod nazivom Harmoniae musices Odhecaton. Uključuje različite autorske obrade istih pjesama (na primjer, "Fors naselje"), uključujući djela Bunoisa, Obrechta, Pierrea de La Ruea, Agricole, Giselina. Nakon toga, Petrucci je objavio niz zbirki talijanskih polifonih pjesama - frottol, koje su bile široko korištene u društvu. Ottaviano Scotto i Antonio Gardane u Veneciji, Pierre Attenian u Parizu, Tilman Susato u Antwerpenu također su postali glavni muzički izdavači svog vremena.

• Muzička teorija renesanse. Traktati o muzici

U renesansi, muzička teorija je iskoračila, iznevši niz izuzetnih teoretičara, uključujući Johanesa Tinctorisa (autor 12 rasprava o muzici), Ramosa di Pareju, Heinricha Loritija iz Glarusa ( sjajan)(osnivač učenja o melodiji), Josephfo Carlino(jedan od osnivača nauke o harmoniji). Doktrina modusa, popularizacija muzičkog znanja, sudovi o najvećim kompozitorima tog vremena i tok muzičkog razvoja u 15.-16. veku, buđenje interesovanja za osobenosti narodne umetnosti, rasprava o problemima muzičkog izvođenja - ove oblasti su bile obuhvaćene muzičkom naukom od kraja 15. i tokom celog 16. veka. U nastavi su bili aktivni svi glavni teoretičari.

Johannes (John) Tinktoris(oko 1435 - 1511) - francusko-flamanski muzički teoretičar i kompozitor. Studirao je "slobodne umjetnosti" i pravo, bio mentor muškog hora katedrale u Chartresu. Od 1472. služio je na dvoru napuljskog kralja Ferdinanda I, bio je muzički učitelj njegove kćeri Beatrice, koja je 1476. postala kraljica Ugarske. Tinctoris je svojoj studentici Beatrice posvetio tri muzičko-teorijske rasprave, uključujući i poznatu raspravu Odrednica muzike. Poznato je da je Ferdinand I 1487. godine poslao Tinktorisa u Francusku kralju Karlu VIII sa uputstvima da regrutuje pjevače za Kraljevsku kapelu. Još za života Tinctoris je uživao veliku slavu, spominjao se među najpoznatijim muzičarima. Sačuvano je 12 Tinctorisovih rasprava, od kojih je najpoznatiji traktat "Odrednica muzike" ("Terminorum musicae diffinitorum", oko 1472-73)

Prvi sistematski muzičko-terminološki rečnik u istoriji muzike koji sadrži oko 300 pojmova. Navodimo ostala Tinctorisova djela:

Rasprava "Totalnost uticaja muzike" ("Complexus effectuum musices, oko 1473-74) bila je klasifikacija i živopisan opis svrhe muzike;

Rasprava "Muzičke proporcije" ("Proportionale musices", oko 1473-74) razvila je drevnu pitagorejsku doktrinu o numeričkoj osnovi muzičke umetnosti. Dovodeći kompleksnost menzuralnih ritmičkih odnosa do krajnjih granica, Tintoris je došao do ritmova u proporcijama 7:4, 8:5, 17:8, 13:5, 14:5 (koje se podudaraju sa serijskim ritmom 20. veka).

- “Knjiga nesavršenosti muzičkih nota” (“Liber imperfectionum notarum musicalium”, oko 1474-75); (web stranica)

Traktat o pravilima notnih vrijednosti (Tractatus de regulari valore notarum, oko 1474-75) i Traktat o notama i odmorima (Tractatus de notis et pausis, oko 1474-75) posvećeni su metroritmičkoj organizaciji muzika.

- "Knjiga o prirodi i svojstvima modusa" ("Liber de natura et proprietate tonorum", 1476.)

O strukturi modalnog sistema;

- "Knjiga o umjetnosti kontrapunkta" ("Liber de arte contrapuncti", 1477.)

Temeljna doktrina kontrapunktne kompozicije, koja ocrtava "8 općih pravila kontrapunkta", razlikuje "jednostavni" i "cvjetni" kontrapunkt, razliku između djela sa postojanim tekstom i s improviziranim, itd.);

- "Traktat o preinakama" ("Tractatus alterationum", nakon 1477.);

- "Članak o muzičkim tačkama" ("Scriptum super punctis musicalibus", posle 1477) - o ritmu;

- "Opis ruke" ("Guidon's") ("Expositio manus", nakon 1477.) - o zvucima muzičkog sistema;

- “O pronalasku i primjeni muzike” (“De Invente et usu musicae”, 1487) – o pjevanju i pjevačima, instrumentima i izvođačima.
Jedan od prvih Tinctoris je uveo pojam "kompozitora", odnosno autora djela, "koji je napisao neki novi cantus".

Jedan od najvećih muzičkih učenjaka renesanse - Glarean(1488 - 1563), vlasnik je rasprave "Dvanaest žica" (1547). Glarean je rođena u Švicarskoj i studirala je umjetnost na Univerzitetu u Kelnu. Pošto je postao magistar slobodnih umetnosti, predavao je poeziju, muziku, matematiku, grčki i latinski jezik u Bazelu. Ovdje u Bazelu upoznaje Erazma Roterdamskog. Glarean je tvrdio da muzika, kao i slikarstvo, treba da bude izvan religiozne didaktike, da pruža, pre svega, zadovoljstvo, da bude "majka zadovoljstva". Glarean opravdava prednosti monodijske muzike u odnosu na polifoniju, dok govori o dva tipa muzičara: fonasima i simfonistima. Prvi imaju prirodnu tendenciju da komponuju melodiju, drugi - da razviju melodiju za dva, tri ili više glasova. Utemeljuje ideju jedinstva muzike i poezije, instrumentalne izvedbe i teksta. U teoriji muzike, Glarean je potkrepio koncepte dura i mola i govorio o dvanaesttonskom sistemu. Takođe, pored problema muzičke teorije, teoretičar je razmatrao istoriju muzike, njen razvoj, ali samo u okviru renesanse, zanemarujući muziku srednjeg veka. Glarean je proučavao stvaralaštvo savremenih kompozitora Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue.

Ramos di Pareja(1440-1490) - španski teoretičar, kompozitor i učitelj. Uglavnom je radio u Italiji. 1470-ih bio je poznat kao autoritativni muzički teoretičar i učitelj. Njegovo pero pripada raspravi "Praktična muzika" ("Musica practica"). Ova rasprava je izazvala dugu kontroverzu i kritiku konzervativnih italijanskih teoretičara. Ramos di Pareja je iznio svoje stavove o doktrini modusa i konsonancija. Srednjovjekovni sistem šestostepenih ljestvica (heksakorda) suprotstavio je osmostepenoj durskoj ljestvici, rangirajući terce i šestine kao konsonancije (u skladu sa starim idejama, samo oktave i kvinte su pripadale konsonancijama). Na polju doktrine ritma i notacije, Ramos di Pareja je polemisao sa svojim savremenicima Tinctorisom i Gafurijem, koji su bili pristalice menzuralne notacije.

Izuzetan italijanski teoretičar i kompozitor Josephfo Carlino(1517-1590) bio je član franjevačkog reda, studirao filologiju, historiju, matematiku. Tsarlino je studirao muziku kod poznatog kompozitora Adriana Villaerta (Villart). Zarlino je bio povezan s istaknutim umjetnicima svog vremena, posebno Tizianom i Tintorettom. Sam Zarlino je bio nadaleko poznat, bio je član Venecijanske akademije slave. Godine 1565. Zarlino je postao muzički direktor crkve Sv. Mark. Ovaj važan položaj omogućio je Zarlinu da se bavi ne samo kompozicijom, već i pisanjem teorijskih radova, uključujući "Uspostavljanje harmonije" (1588), "Dokaz harmonije" (1571), "Muzičke dodatke" (1588). Najznačajnije od Zarlinovih djela je traktat "Uspostavljanje harmonije" u kojem je izrazio osnovne principe muzičke estetike renesanse. Kao i većina mislilaca ovog doba, Zarlino je bio vatreni obožavalac antičke estetike. Njegovi spisi sadrže brojne reference na Platona, Aristotela, Aristoksena, Kvintilijana, Boetija. Zarlino uveliko koristi Aristotelova učenja o formi i materiji kako u tumačenju brojnih muzičkih problema tako iu izgradnji strukture svojih rasprava.

Centralna za estetiku Zarlina je doktrina o prirodi muzičke harmonije. On tvrdi da je cijeli svijet ispunjen harmonijom i da je sama duša svijeta harmonija. U tom smislu, on panteistički tumači ideju jedinstva mikro- i makrokosmosa. U Tsarlinovoj raspravi sistematski se razvija ideja, karakteristična za renesansnu estetiku, o srazmjernosti objektivnog sklada svijeta i subjektivnog sklada koji je svojstven ljudskoj duši. U potkrepljivanju ove ideje Zarlino se oslanja na doktrinu o temperamentima koja je bila popularna u njegovo vrijeme. On koristi ideju, koja dolazi od Cardana i Telesio, da je temperament osobe kreiran određenim odnosom materijalnih elemenata, kao što su hladno i vruće, mokro i suho, itd. Proporcionalni odnos ovih elemenata leži u osnovi i ljudskih strasti i muzičkog sklada. . Stoga su ljudske strasti odraz "fizike" harmonije, one su njena sličnost. Na osnovu toga Zarlino pokušava da objasni prirodu uticaja muzike na ljudsku psihu. Zarlinov traktat posvećuje veliku pažnju ličnosti kompozitora. To od njega zahteva ne samo poznavanje muzičke teorije, gramatike, aritmetike, retorike, već i praktične veštine iz oblasti muzike. Njegov ideal bio je muzičar koji je podjednako vladao i teorijom i praksom muzike.

Zarlino u svojoj raspravi iznosi novu klasifikaciju umjetnosti, koja se razlikovala od pojmova tradicionalnih za estetiku renesanse. Po pravilu, vodeća uloga u ovoj epohi bila je pripisana slikarstvu, dok je muzika prepoznata kao podređena umjetnost. Carlino je, razbijajući ustaljene sisteme klasifikacije umjetnosti, stavio muziku na prvo mjesto. Razvijajući tradicionalnu doktrinu modusa, Zarlino je dao estetsku karakterizaciju dura i mola, definišući dursku trozvuku kao radostan i lagan, a mol kao tužan i melanholičan. Tako je u evropskoj muzičkoj svijesti konačno uspostavljeno prepoznavanje dura i mola kao glavnih emocionalnih polova muzičke harmonije. Estetika Carlina je najviša tačka u razvoju muzičke teorije renesanse, a ujedno i njen rezultat i završetak. Nije slučajno da je Carlino još za života dobio široko priznanje svojih savremenika.

Bibliografija:

1. Alekseev A.D. Istorija klavirske umetnosti. Dijelovi 1 i 2. - M., 1988.
2. Bahtin M. M. Stvaralaštvo Fransoa Rablea i narodna kultura srednjeg veka i renesanse. - 2nd ed. - M., 1990.
3. Gertsman E. Antičko muzičko mišljenje. - L., 1986.
4. Gruber R.I. Muzička kultura antičkog svijeta. - L., 1937.
5. Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. Muzika renesanse. - M., 1985.
6. Krasnova O. B. Enciklopedija umjetnosti srednjeg vijeka i renesanse. - Olma-Press, 2002.
7. Losev A.F. Estetika renesanse. - M.: Misao, 1978.
8. Muzička estetika zapadnoevropskog srednjeg vijeka i renesanse. - M., 1966.
9. Fedorovich E.N. Istorija muzičkog obrazovanja. - Jekaterinburg, 2003.

Godine 1501. venecijanski štampar Ottaviano Petrucci objavio je Harmonice Musices Odhecaton, prvu veliku zbirku svjetovne muzike. Bila je to revolucija u širenju muzike, a doprinela je i tome da francusko-flamanski stil postane dominantan muzički jezik Evrope u sledećem veku, budući da je kao Italijan Petruči uglavnom uključivao muziku francusko-flamanskih kompozitora. u njegovoj kolekciji. Potom je objavio mnoga djela i talijanskih kompozitora, svjetovnih i duhovnih. Godine 1516. Andrea Antico, rimski venecijanski štampar, objavio je zbirku frottola za klavijature.

Do 18. veka u Francuskoj je bilo više od 400 metrija. Tokom buržoaske revolucije 1791. ukinuti su.

Estetika renesanse povezana je sa grandioznom revolucijom koja se u ovo doba događa u svim oblastima javnog života: u ekonomiji, ideologiji, kulturi, nauci i filozofiji. Do tog vremena, procvat urbane kulture, velika geografska otkrića, koja su neizmjerno proširila vidike čovjeka, prelazak sa zanata na manufakturu.

Revolucionarni razvoj proizvodnih snaga, raspad feudalnih klasnih i cehovskih odnosa koji su sputali proizvodnju, dovode do oslobođenja pojedinca, stvaraju uslove za njegov slobodan i univerzalni razvoj. Nesumnjivo, sve to nije moglo a da ne utiče na prirodu svjetonazora. U renesansi dolazi do procesa radikalnog razbijanja srednjovjekovnog sistema pogleda na svijet i formiranja nove, humanističke, ideologije. Ovaj proces se odražava i na muzičku estetiku. Već XIV vijek je bio pun simptoma buđenja novog estetskog pogleda na svijet. Umjetnost i estetika Ars nove, traktati Johna de Grohea i Marchetta iz Padove postepeno su uzdrmali tradicionalni sistem srednjovjekovne muzičke teorije. Ovdje je narušen teološki pogled na muziku, zasnovan na prepoznavanju neke vrste nebeske muzike koja se ne percipira osjetilima. Međutim, stoljetna tradicija srednjovjekovne muzičke teorije nije potpuno uništena. Trebalo je još jedno stoljeće da se muzička estetika konačno oslobodi tradicionalnih obrazaca koji su je sputali.

Muzička estetika renesanse u tumačenju pitanja svrhe muzike zasniva se na realnoj praksi koju karakteriše izuzetan razvoj muzike u javnom životu. U to vrijeme u gradovima Italije, Francuske, Njemačke formiraju se stotine muzičkih krugova u kojima se s entuzijazmom bave kompozicijom ili sviranjem raznih muzičkih instrumenata. Posjedovanje muzike i znanje o njoj postaju bitni elementi sekularne kulture i sekularnog obrazovanja. Čuveni italijanski pisac Baldazar Castiglione u svojoj raspravi O avliji (1518) piše da čovek ne može biti dvorjanin „ako nije muzičar, ne može da čita muziku iz vida i ne zna ništa o različitim instrumentima“. O izuzetnoj rasprostranjenosti muzike u građanskom životu 16. veka svedoči slikarstvo ovog vremena. Na brojnim slikama koje prikazuju privatni život plemstva, stalno se susrećemo sa stotinama ljudi koji se bave muzikom: pevaju, sviraju, plešu, improvizuju itd.

Prva kultura renesanse nastala je i razvila se u Italiji. Vekovi renesanse obeleženi su snažnim razvojem narodne poezije i muzike, sa najbogatijom tradicijom pisanja pesama u žanrovima kao što su lauda, ​​frottola, vilanela. Jednako popularan žanr u svakodnevnom gradskom muziciranju bila je kaččija, koja je obično prikazivala sočnu žanrovsku scenu koristeći uobičajene intonacije u tekstu i muzici – do povika trgovaca i prodavaca. Kachchiya je često bila praćena okruglim plesom. Italijanska balada je takođe uobičajen žanr pesničkih i plesnih tekstova povezanih sa solo horskim izvođenjem (u Francuskoj je u to vreme žanr virelet imao slične karakteristike). Intonacije narodnih pjesama, određena težina melodijskog principa, domišljatost teksture - ovi kvaliteti svjetovne svakodnevne muzike prodiru i u sakralnu muziku, sve do polifonih misa.

Melodičnost i melodičnost muzike bila je posledica činjenice da su se u Italiji prilično brzo razvile tradicije solo i ansambl muzike sviranja na gudačkim instrumentima. Općenito, široka upotreba instrumentalne muzike doprinijela je formiranju homofonskog skladišta i funkcionalne harmonije.

Pre nego što se violina pojavila u muzičkim krugovima Italije (u poslednjoj četvrtini 16. veka) i počela da se razvija proizvodnja violina kremonskih majstora Amatija, Stradivarija, Gvarnerija i drugih, posebno je bila popularna lutnja (najpoznatija lutnja kompozitor je bio Frančesko Milano), viola, španska gitara, teorba (velika bas lauta).

Violinski zanat se prvi put formira u djelima B. Donatija, L. Viadana, G. Giacomellija (poznat po vještini dugog gudanja i legato tehnici). Novi korak u razvoju violinskog izvođenja vezuje se za rad C. Monteverdija, koji razvija tehniku ​​pasaže, koristi tremolo, pizzicato, obogaćuje dinamiku polarnim kontrastima pp i ff.

Uočen je veliki preporod u oblasti izvođenja orgulja i čembala. Od 40-ih godina. XVI vijeka, broj zbirki orgulja naglo raste, pojavljuje se čitava plejada izvanrednih orguljaša - Villaerte, Andrea i Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Ovi majstori postavljaju temelje italijanske orguljaške umjetnosti i stvaraju žanrove instrumentalne muzike - ricercar, canzone, toccata.

Izvedba čembala uveliko koristi svakodnevne plesove, obrade popularnih svjetovnih pjesama. Izvanredan kompozitor-improvizator na orguljama i klaviru bio je Đirolamo Freskobaldi, u čijem su stvaralaštvu nastale čitave zbirke muzike na čembalu - plesni ciklusi.

Italijansku školu komponovanja predstavljaju i aktivnosti profesionalnih polifonih kompozitora - Adriana Villaerte i njegovih učenika Cipriana de Rorea, Andrea i Giovannija Gabrielija, Giovannija Pierluigi da Palestrina. Njihovo stvaralačko naslijeđe je raznoliko i uglavnom se sastoji od vokalnih polifonih djela - više desetina misa, duhovnih i svjetovnih madrigala, moteta, koje je izvodio uglavnom hor a capella.

Snažan razvoj polifonije u Holandiji objašnjava se bogatstvom narodne polifonije i prisustvom specijalnih škola-spavaonica pjevača (metris) pri katedralama bogatih holandskih gradova.

Nekoliko generacija kompozitora pripadalo je holandskoj polifonoj školi. Njihove aktivnosti nisu se odvijale samo u Holandiji, koja je u to vrijeme pokrivala teritorije moderne Belgije, Luksemburga, jugozapadne Holandije i sjeverne Francuske (otuda i drugi naziv škole - francusko-flamanski). Glavni predstavnici holandske škole plodno su radili u Rimu (Dufay, Obrecht, Joskin) i drugim gradovima (Villaert, Rore - u Veneciji, Isaac - u Austriji i Njemačkoj, Benchois - u Dijonu na burgundskom dvoru).

Holandska škola je sažela vekovni razvoj polifonije u svim evropskim zemljama. Iako je crkvena muzika svakako zauzimala vodeće mjesto u radu ovih majstora, ipak

Međutim, uz duhovna djela, kompozitori su napisali mnoge svjetovne polifone pjesme, koje su odražavale bogat svijet ideja i osjećaja, karakterističan za renesansu.

Najmonumentalniji žanr u stvaralaštvu holandskih polifonista bila je misa, u kojoj se odvijala kvintesencija principa polifonije strogog stila. Međutim, aktivnost svakog majstora otkriva inovativne karakteristike povezane s traženjem izlaza iz ustaljenih izražajnih kanona. Oslanjanje na postojeći pesnički i plesni materijal, međusobni uticaj duhovnih i svetovnih žanrova dovode do postepenog odvajanja melodijskog glasa u polifoniji, do formiranja akordskog vertikalnog i funkcionalnog mišljenja.

Kruna holandske polifonije u 16. veku je delo Orlanda Lasa. U njegovom radu koncentrirani su najširi žanrovski interesi renesanse: odao je počast gotovo svim vokalnim oblicima svog vremena - madrigalu, misi, motetu, francuskoj šansoni, pa čak i njemačkoj polifonoj pjesmi. Kompozitorova djela su zasićena životnim slikama, imaju svijetlu melodiju, raznovrstan ritam u reljefu, dosljedno razvijen harmonijski plan, što im je osiguralo izuzetnu popularnost (u više navrata su ih drugi kompozitori koristili za aranžmane za lutnju i orgulje).

Razvoj renesansnih tendencija i formiranje francuske nacionalne kulture naglašeni su već u XIV veku. Izvanredni predstavnici umjetnosti rane renesanse u francuskoj muzici bili su Philippe de Vitry i Guillaume de Machaux, koji su ostavili veliko nasljeđe u žanrovima virelay, le, rondo balada.

Duboko vitalan i realističan bio je žanr šansone, najkarakterističniji za francusku muzičku umetnost, a to je polifona pesnička forma sa svetovnim tekstom i obično narodno-svakodnevnom melodijom. Upravo su se u tom žanru nove renesansne crte najjasnije očitovale u sadržaju, zapletu i osobinama izražajnih sredstava.

Francuska šansona 15.-16. veka je svojevrsna "enciklopedija" francuskog života tog vremena. Njegov sadržaj je raznolik i može biti narativni, lirski, intiman, tužan, duhovit, deskriptivan, galantan. Karakteristična je i raznolikost njihovih ljestvica - od nekoliko mjera do 42 stranice.

Jednostavnost i neposrednost izražajnih sredstava, periodična struktura sa određenim završecima na D i T, tehnika pevanja, koju potom preuzima ceo ansambl, tipične su karakteristike žanra čija muzika ponekad podseća na narodnu. ples, lirsko-epska melodija ili živahna ulična gradska pjesma - prototip budućeg vodvilja. Za muziku šansone karakteristična je akcentuacija ritmičke osnove, ponekad je karakteristična kupletna skladišta ili kružna rondoličnost, uz nju se mogu koristiti narodni instrumenti.

Najistaknutiji kompozitor francuske renesanse bio je Clement Janequin, čije je stvaralaštvo odražavalo suptilnu ljubavnu liriku (u pjesmama na tekstove pjesnika Ronsara), te izraz raspoloženja tuge i tuge, te prizore narodne zabave pune života i pokret. U njegovoj ostavštini posebnu pažnju privlače velike horske fantazijske pjesme programskog karaktera, pune domišljatosti i duhovitih nalaza iz oblasti horskog pisanja. U njima je Zhanequin živopisno prikazao život i način života svog vremena. Najpoznatije su "Bitka", "Lov", "Ptičja pjesma", "Ulični krikovi Pariza".

Pored preko 200 pesama, Janequin je napisao i motete i mise. Ali u oblasti muzike za katolički kult, on hrabro koristi narodne melodije, intonira duhovne tekstove uz fanfare vojne muzike i uvodi plesne ritmove.

U velikoj mjeri, takav tretman narodnog pjesničkog i plesnog materijala bio je karakterističan za mnoge kompozitore renesanse, koji su u svom stvaralaštvu spojili interesovanje za duhovne i svjetovne žanrove, što je dovelo do konačnog odvajanja svjetovne muzike u polje umjetničke samostalnosti. i profesionalnost.

Poglavlje 1 Osobine muzičke kulture i umjetnosti renesanse

1.1 Filozofske i estetske karakteristike kulture renesanse

Renesansa, ili renesansa (fr. renaissance), je prekretnica u istoriji evropskih naroda, vreme velikih otkrića. Renesansa označava početak nove etape u istoriji svjetske kulture. Ova faza, kako je primetio F. Engels, bila je najveći progresivni preokret od svih koje je čovečanstvo doživelo do tog vremena. I zaista, renesansa je sa sobom donijela značajne promjene u raznim oblastima privrede, nauke, kulture, otvorila novi način poimanja svijeta i odredila mjesto čovjeka u njemu.

U Italiji su se novi trendovi pojavili već na prijelazu iz 13. u 14. vijek, u drugim evropskim zemljama - u 15.-16. vijeku. Ovo vrijeme karakteriziraju: prijelaz iz feudalizma u kapitalizam, geografska otkrića, trgovina, lični poduhvat, oslobađanje čovjeka od klasnih ograničenja. I u renesansi se rađa moderna nauka, posebno prirodne nauke. Dovoljno je prisjetiti se briljantnih naučnih pretpostavki Leonarda da Vincija, osnivanja Francisa Bacona, astronomskih teorija Kopernika, geografskih otkrića Kolumba i Magellana.

Nesumnjivo, sve to nije moglo a da ne utiče na prirodu svjetonazora. Renesansa je revolucija, prije svega, u sistemu vrijednosti, u procjeni svega postojećeg iu odnosu na njega. Postoji uvjerenje da je osoba najveća vrijednost, rađa se filozofija humanizma. Humanizam iznosi potpuno novo tumačenje estetskih kategorija, koje je izraslo na temelju novog poimanja svijeta.

Jedna od centralnih kategorija bio je koncept "harmonije". Estetika renesanse razvija drugačiju ideju harmonije, zasnovanu na novom razumijevanju prirode, bića i čovjeka. Ako je srednji vijek u harmoniji vidio jednostavan otisak idealnog, stvaralačkog principa, božanske ljepote, onda se u estetskoj svijesti renesanse harmonija javlja, prije svega, kao razvoj stvaralačkih potencijala same prirode, kao dijalektički jedinstvo tjelesnog i duhovnog, idealnog i materijalnog.

Humanisti su u antici tragali za idealom harmonične ličnosti, a antička grčka i rimska umjetnost poslužile su kao uzor njihovom umjetničkom stvaralaštvu. Međutim, govoreći o estetici renesanse, potrebno je napomenuti da se, unatoč svojoj antičkoj potpori, ipak razlikovala od nje. Renesansna estetika ne propovijeda oponašanje prirode ništa gore od antičke, ali zavirujući u te revivalističke teorije oponašanja, može se primijetiti i da u prvom planu nije toliko priroda koliko umjetnik, njegova ličnost, njegova osjećanja. Najprije umjetnik na osnovu vlastitog estetskog ukusa odabire određene procese prirode, a tek onda ih podvrgava umjetničkoj obradi. Teoretičari renesanse mogu pratiti sljedeće poređenje: umjetnik mora stvarati kao što je Bog stvorio svijet, pa čak i savršeniji od toga.

Tako je renesansa, koristeći lekcije antike, uvela inovacije. Nije oživeo sve antičke žanrove, već samo one koji su bili u skladu sa težnjama njegovog vremena i kulture. Renesansa je spojila novo čitanje antike s novim čitanjem kršćanstva. Renesansa je približila ova dva temeljna principa evropske kulture.

Bog nije odredio čovekovo mesto u hijerarhiji, kaže Piko u svojoj čuvenoj Besedi o dostojanstvu čoveka: imali ste po svojoj volji, prema svojoj volji i svojoj odluci. Slika drugih tvorevina određena je u granicama zakona koje smo ustanovili. Ali ti ćeš, nesputan nikakvim granicama, odrediti svoju sliku prema svojoj odluci, u čijoj si moći te ostavljam. Ovdje talijanski mislilac stavlja osobu u centar svijeta, to je osoba koja nema svoju posebnu prirodu, ona je sama mora formirati, kao i sve što je okružuje.

Dakle, glavna stvar u renesansi je promocija i odobravanje ljudske ličnosti u kulturi i društvu, što rezultira različitim oblicima revivalističkog antropocentrizma. Antropocentrizam je doveo do izražaja ne samo osobu, već osobu kao aktivan, aktivan princip. Kao rezultat sve te afirmacije kreativnog, aktivnog materijalnog principa, postupno je počela nastajati nova slika osobe, njen novi tip - "homo faber" - "čovjek-kreator", "čovjek-stvaralac". U njemu se odvija formiranje temelja novog evropskog osjećaja ličnosti - autonomne individualističke ličnosti, svjesne vlastite vrijednosti, aktivne i kojoj je potrebna sloboda. Od ovog trenutka ljudska ličnost, a ne svijet, ne cjelina, po prvi put postaje polazna tačka za formiranje sistema sagledavanja svijeta.

S posebnim sjajem pojavili su se znakovi novog svjetonazora koji su se potom učvrstili u umjetničkom stvaralaštvu, u progresivnom kretanju raznih umjetnosti, za koje se „revolucija umova“ koju je proizvela renesansa pokazala izuzetno važnom.

U renesansi umjetnost je igrala izuzetnu ulogu u kulturi i u velikoj mjeri odredila lice epohe. Nema sumnje da je humanizam u svom "revivalističkom" shvaćanju ulio ogromnu svježu energiju u umjetnost svog vremena, inspirisao umjetnike na traženje novih tema i u velikoj mjeri odredio prirodu slika i sadržaj njihovih djela. Srednjovjekovna kultura zamijenjena je novom, svjetovnom, humanističkom kulturom oslobođenom crkvene dogme i skolastike.

Umjetnost renesanse karakterizira afirmacija principa realizma i humanizma u književnosti, pozorištu i likovnoj umjetnosti. Umjetnost renesanse je prije svega sekularna umjetnost nastala na temeljima humanizma, koja istiskuje religijske ideje i pobuđuje zanimanje za stvarni život, otkriva individualni identitet pojedinca i otkriva društveno tipične i karakteristične osobine jednog čovjeka. osoba.

Svi glavni oblici umjetnosti - slikarstvo, grafika, skulptura, arhitektura, muzika - se u velikoj mjeri mijenjaju. Analiza spomenika kulture renesanse svjedoči o odstupanju od mnogih najvažnijih načela feudalnog svjetonazora. Kod tvorca umjetničkog djela, koji se postupno oslobađa crkvene ideologije, najviše se cijeni oštar umjetnički pogled na stvari, profesionalna samostalnost, posebne vještine, a njegove kreacije dobivaju samodovoljan, a ne sakralni karakter.

Karakteristična karakteristika umjetnosti renesanse bio je neviđeni procvat realističkog slikarstva. Realistički portret renesanse povezan je s djelima poznatih umjetnika kao što su Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Raphael, Dürer, Tizian. Portreti su prožeti patosom afirmacije pojedinca, sviješću da je različitost i bistrina pojedinaca neophodna osobina normalnog društva u razvoju. U renesansi slikarstvo po prvi put otkriva mogućnosti koje su mu svojstvene za široki obuhvat života, prikaz ljudskih aktivnosti i okolnog životnog okruženja. Srednjovekovni asketizam i prezir prema svemu zemaljskom sada su zamenjeni strastvenim zanimanjem za stvarni svet, za čoveka, za svest o lepoti i veličini prirode.

Treba napomenuti da je razvoj nauke bio od velikog značaja za slikarstvo, kao i za umetnost uopšte. U umjetnosti se počinju preplitati putevi naučnog i umjetničkog poimanja svijeta i čovjeka. Prava slika svijeta i čovjeka morala je biti zasnovana na njihovom znanju, stoga je spoznajni princip igrao posebno važnu ulogu u umjetnosti ovoga vremena. Strast prema nauci doprinela je ovladavanju ljudskom anatomijom, razvoju realistične perspektive, spektakularnom prenosu vazdušnog okruženja, veštini građenja uglova, svemu što je bilo potrebno slikarima da istinski oslikaju osobu i stvarnost koja ga okružuje. Razvija se novi sistem umjetničke vizije svijeta, zasnovan na povjerenju u ljudske čulne percepcije, prvenstveno vizualne. Prikazivati ​​kako vidimo, u jedinstvu sa okruženjem - to je početni princip renesansnih umjetnika.

U periodu kasne renesanse to je dopunjeno razvojem sistema tehnika koje daju direktnu emocionalnu ekspresivnost potezu kista, ovladavanjem prenošenjem efekata posvećenja, razumevanjem principa svetlo-vazdušne perspektive. Tvorci teorije perspektive su poznati umjetnici kao što su Masaccio, Alberti, Leonardo da Vinci. Otkrivanje perspektive bilo je od ne male važnosti, pomoglo je da se proširi raspon prikazanih pojava, da se u slikarstvo uključe prostor, pejzaž i arhitektura.

Progresivni humanistički sadržaj kulture renesanse bio je živo izražen i u pozorišnoj umjetnosti, na koju je značajno utjecala antička drama. Karakterizira ga zanimanje za unutrašnji svijet osobe obdarene osobinama moćne individualnosti. Osobine pozorišne umjetnosti renesanse bile su razvoj tradicije narodne umjetnosti, životno-potvrđujući patos, smjela kombinacija tragičnih i komičnih, poetskih i bufonsko-arealnih elemenata. Takvo je pozorište Italije, Španije, Engleske.

U arhitekturi su ideali humanizma koji potvrđuju život, želja za skladno jasnom ljepotom oblika, utjecali ne manjem snagom nego u drugim oblicima umjetnosti i uzrokovali odlučujući zaokret u razvoju arhitekture. Posebno važnu ulogu odigralo je pozivanje na klasičnu tradiciju. Ona se očitovala ne samo u odbacivanju gotičkih oblika i oživljavanju antičkog sistema poretka, već i u klasičnoj proporcionalnosti proporcija, u razvoju centričnog tipa građevina u hramskoj arhitekturi sa lako uočljivim unutrašnjim prostorom.

Svjetovne građevine su bile široko razvijene, to su razne gradske građevine - gradske vijećnice, kuće trgovačkih cehova, univerziteti, pijačne fontane. Istovremeno, uz arhitekturu koja služi društvenim potrebama grada, nastaje potpuno novi tip arhitekture u odnosu na srednji vijek, nastamba bogatog građanstva - palazzo, koja s izuzetnom lakoćom odražava duh praznična atmosfera koja je vladala u palatama tadašnjih aristokrata. Tako je umjetnost u renesansi ušla u novu fazu razvoja, u kojoj je novim metodama i tehnikama nastojala spoznati i prikazati stvarni svijet, njegovu ljepotu, bogatstvo, raznolikost.

1.2 Mjesto muzike u renesansnom umjetničkom sistemu

U muzici su se manifestovali i opšti zakoni razvoja umetnosti, novo filozofsko i estetsko shvatanje suštine i prirode harmonije, karakteristično za renesansu. Kao i drugi oblici umjetnosti tog vremena, i muziku karakterizira aktivan uzlet stvaralačkih snaga, humanističkih tendencija.

Treba napomenuti da muzika u ovom periodu zauzima posebno mesto u sistemu umetnosti, ustupajući dominantno mesto samo slikarstvu. Prema Leonardu da Vinčiju, muzika je bila samo "mlađa sestra slikarstva" i čak joj je služila. „Slikarstvo nadmašuje muziku i dominira njome“, „Muzika je sluga slikarstva“.

Ne može se ne složiti sa definicijom velikog umetnika, muzika je zaista zauzimala daleko od prvog mesta u sistemu umetnosti, ali je, ipak, igrala ogromnu ulogu u kulturi renesanse, ostavila pečat na kasniji razvoj, kako u oblasti muzičke kulture i umetnosti uopšte. Muzička kultura renesanse svojevrsni je prijelaz iz srednjeg vijeka u novi vijek, u doba u kojem ova umjetnost zvuči i percipira se na nov način.

Muzika je posedovala, možda, posebno široke mogućnosti društvenog uticaja; više od drugih umetnosti, bila je sveprožimajuća: nepromenljivi deo života običnih ljudi, vlasništvo mnogih grupa, što je bitno razlikuje od muzike srednjeg veka. . Odstupanje od srednjovjekovne tradicije najuočljivije je u raspravi Ramisa da Pareje "Praktična muzika". Ramis kaže: „Neka se niko ne plaši ni veličine filozofije, ni složenosti aritmetike, ni zamršenosti proporcija. Njegov zadatak je da podučava ne samo filozofe ili matematičare, svako ko poznaje osnove gramatike razumeće ovo delo Ovdje i miš i slon mogu podjednako plivati, a i Dedal i Ikar mogu proletjeti. U ovoj raspravi Ramis oštro kritikuje srednjovekovnu muziku, kaže da su teoretičari svoje kompozicije pisali samo za muzičare – profesionalce i naučnike, dok muzika, po njegovom mišljenju, treba da pokrije širi segment stanovništva. Nesumnjivo je da je Ramisovo djelo imalo značajan utjecaj na njegove suvremenike, tradicije srednjeg vijeka su uvelike narušene, u toku je prijelaz iz srednjeg vijeka u novi vijek, u renesansu.

Renesansa je sa svojim humanističkim svjetonazorom imala ogroman utjecaj na muzičku kulturu. Za muzičku umjetnost humanizam je prije svega značio produbljivanje u osjećaje osobe, prepoznavanje nove estetske vrijednosti iza njih. To je doprinijelo identifikaciji i implementaciji najjačih osobina muzičke specifičnosti. Najizrazitije crte rane renesanse pronađene su u umjetnosti talijanskog Ars nova XIV vijeka, čiji je glavni predstavnik bio Francesco Landino. U svom radu akcenat je stavljen na svjetovnu profesionalnu umjetnost, koja je prekinula krug slika i estetike kultne muzike i oslanjala se prije svega na narodne pjesme, pisane ne više na latinskom, već na narodnom jeziku.

U budućnosti je talas transformacija u oblasti muzičke umetnosti zahvatio druge evropske zemlje. U francuskoj muzici pojavila se polifona pjesma - šansona, predstavnici: K. Zhaneken, K. de Sermisi, G. Kotelet i drugi; ovaj žanr je bio prožet narodno-svakodnevnim žanrom, gravitirajući realističnom programskom prikazu, što je svedočilo o oštrom otklonu od crkvene muzike. U muzici Španije, pesnički žanrovi narodnog porekla, kao što su villancico i romansa, obeleženi su renesansnim obeležjima. Nemačku profesionalnu muziku karakteriše polifona pesma sa glavnom melodijom u tenoru, koja gravitira ka skladnom horskom skladištu.

U renesansi počinje intenzivan razvoj instrumentalne muzike, uz održavanje veze sa vokalnim žanrovima. Utjecaj narodne umjetnosti na duhovnu muziku raste, posebno u zemljama obuhvaćenim antikatoličkim reformacijskim pokretom, koji je oživio hustske himne u Češkoj, protestantsko pjevanje u Njemačkoj, hugenotske psalme u Francuskoj. Međutim, crkva je i dalje imala ulogu moćnog organizacionog centra, kao dirigent zvanične ideologije, odgajala je većinu profesionalnih kompozitora.

Ali, i pored toga, napredni sekularni vokalni i vokalno-instrumentalni žanrovi sve su glasnije proglašavali svoje pravo na značajnije mjesto u muzičkoj kulturi, nastojali da istisnu mise, motete i bliske im žanrove crkvene muzike. To je bilo zbog činjenice da su ovi žanrovi, namijenjeni ili crkvi (u majstorskoj izvedbi dobro organizirane zborne kapele), ili (motet) dvoru određenog kralja, kneza, vojvode (u umjetničkom prenošenju putem dvorske kapele) nisu bili baš pogodni za izražavanje njegove vlastite ličnosti. Tek vremenom, kada se u humanističkim krugovima razvija drugačija estetska atmosfera, lirika i drama dobijaju šire i slobodnije oličenje, prvo u italijanskom madrigalu, a potom i u ranim primerima novog žanra – „drame o muzici“, tj. , italijanska opera.

U talijanskom, njemačkom i engleskom madrigalskom i pjesničkom žanru jasno se odrazila pažnja prema unutrašnjem svijetu pojedinca, karakteristična za humanističku umjetnost renesanse. Značajna manifestacija naprednih realističkih tokova u muzici bilo je ne samo stvaranje novih zapleta, novih muzičkih i poetskih slika, već i dalekosežne promjene u sredstvima muzičkog izražavanja. Narodna melodija se pojavljuje u mnogim žanrovima kompozitorske muzike. Narodne pjesme se koriste kao cantus firmus (osnova više puta ponavljane melodije koja je išla u drugom glasu sa dna višeglasnih djela) iu polifonoj muzici. Dalji razvoj polifonije na zapadu Evrope doveo je do razvoja i učvršćivanja zakona takozvanog "strogog stila" - jednog od vrhunaca tadašnje polifone muzike. Strogi stil do danas je bitna faza u istoriji polifonije.

Glavno, glavno dostignuće napredne muzike bio je novi karakter čitavog intonacijsko-melodičnog razvoja, uglađenost, gipkost, melodičnost; značajniji stepen generalizacije melodije "velikog daha" u odnosu na prošlost - najživopisniji izraz ljudskih iskustava.

Veliko dostignuće muzičke kulture renesanse bio je razvoj instrumentalne muzike zasnovane na novim varijantama melodijskih žičanih instrumenata koji su omogućavali „pevanje“ na instrumentima (viola, gudala lira, gamba, violina), a s druge strane, značajan proširenje izražajnih mogućnosti klavijaturnih instrumenata (orgulje, klavikord, čembalo) u odnosu na akordsko-harmonijske progresije. Ubrzo se usavršava i lutnja – jedan od najčešćih instrumenata za svakodnevno i koncertno muziciranje.

Osim toga, tokom renesanse dolazi do razvoja profesionalnih vještina povezanih s nastankom metriza - pjevačkih internata - svojevrsnih horskih kapela, u kojima se od ranog djetinjstva izvodi nastava pjevanja, sviranja orgulja, muzičke teorije i općih predmeta. i obezbijedilo sistematsko unapređenje muzičkih sposobnosti učenika.

Tako se formira novi tip muzičara - ne amater od aristokrata, ne žongler i pastir, već profesionalac koji je stekao posebno muzičko obrazovanje.

Učvršćivanje muzičkog profesionalizma dovelo je do stvaranja nacionalnih muzičkih škola izvrsnosti, koje su se oblikovale u najvećim centrima urbane muzičke kulture, koji su imali velike obrazovne mogućnosti. Jedan od najranijih oblika u zapadnoj Evropi bila je polifonija Engleske, koja se brzo razvila i procvjetala u Dönsteplovim djelima u prvoj polovini 15. stoljeća. Najuticajnija je bila holandska ili franko-flamanska škola, u kojoj su radili poznati kompozitori G. Dufay, J. Okegema, J. Obrecht, O. Lasso. Radeći u raznim zemljama, kombinovali su odlike niza nacionalnih muzičkih kultura: holandske, njemačke, francuske, italijanske, engleske, stvorili su visoko razvijeni polifoni stil, uglavnom horski, u kojem su jasno izražene renesansne crte.

Sredinom 16. vijeka direktni nasljednici holandskih polifonista i vodećih evropskih kompozitorskih škola bile su rimska škola, na čelu sa Palestrinom, u čijem su se djelu renesansne crte spojile sa obilježjima koja su odražavala utjecaj kontrareformacije, a venecijanska škola, na čijem je čelu bio D. Gabrieli, koji je već imao barokna obilježja. Nacionalne škole odlikovala je upotreba novih muzičkih sredstava, koja su u kompoziciju unosila koherentnost i jedinstvo. Glavno muzičko sredstvo koje je u kompozicije unosilo koherentnost i jedinstvo bila je imitacija, odnosno ponavljanje melodije nadolazećim glasom, neposredno pre nego što je izveo drugi glas. U školama su postojale osobene vrste imitacije: kanonske, imitacije u prometu, povećanje, smanjenje, što je potom dovelo do najvišeg kontrapunktnog oblika - fuge.

Stil predstavljenih nacionalnih škola odrazio se u radovima istaknutih polifonista iz drugih zemalja - K. Moralesa i T. Victoria (Španija), W. Byrda i T. Tallisa (Engleska), M. Zalenskog iz Poljske i mnogih drugih. .

Tako je muzika zauzimala donekle posebno mjesto među umjetnostima renesanse, kako zbog svoje specifičnosti, tako i u zavisnosti od uslova njenog postojanja u društvu. Ipak, ona je bila umjetnost svog vremena, izražavala ju je, doživljavala poteškoće i kontradiktornosti karakteristične za to, razvijala svoj stil u skladu s njim, izvojevala dosad nezamislive pobjede i nizala nove stvaralačke uspjehe.

Poglavlje 2 Plesna kultura u renesansi

2.1 Muzika i ples: aspekti interakcije

Dakle, muzička kultura je zauzimala posebno mjesto u umjetnosti i kulturi renesanse. S obzirom na muziku, nemoguće je ne osvrnuti se na njene različite sfere. Jedna od ovih oblasti je umetnost plesa.

Ples - vrsta umjetnosti u kojoj se umjetničke slike stvaraju plastičnim pokretima i ritmički jasnom i kontinuiranom promjenom izražajnih pozicija ljudskog tijela. Treba napomenuti da su muzika i ples bili u aktivnoj interakciji već mnogo vekova. Ples je neraskidivo povezan sa muzikom, emocionalnim i figurativnim sadržajem, koji je oličen u njegovoj koreografskoj kompoziciji, pokretima. , figure.

Još od antike nalazimo svojevrsnu sintezu muzike, poezije, igre, za Grke to nisu bile različite umetnosti, već jedna, jedinstvena celina. Za označavanje ove jedinstvene umjetnosti korištena je riječ "chorea", koja je nastala od riječi "hor" koja je ušla u ruski jezik, što je samo značilo ne toliko kolektivno pjevanje koliko kolektivni ples. U budućnosti se riječ "chorea" pretvara u koreografiju, koja je počela označavati samu umjetnost plesa, tačnije, umjetnost komponovanja plesa.

U eri srednjeg vijeka otkrivaju se i karakteristike odnosa muzike i plesa, koji obuhvata složenije tehnike i forme, plesna muzika postaje pretežno instrumentalna. Glavni uticaj na njegovu strukturu i druge karakteristike počinje da vrši koreografija, koju karakteriše sve veća ujednačenost i periodičnost pokreta plesača. Plesni ritmovi lako prodiru u žanrove instrumentalne muzike namenjene isključivo slušanju. Za takve plesove karakteristična je značajna komplikacija muzičkog jezika: povećava se uloga kroz razvoj, dolazi do kršenja plesnih periodičnih struktura sekvencama, polifonim tehnikama. Kao rezultat, dalja veza između muzičke kulture i plesa postaje složenija i specifičnija.

Ogromna transformacija muzike i plesa dogodila se tokom renesanse. Ples, plesna muzika su najvažniji slojevi renesansne kulture. Razvoj muzičke umjetnosti u doba renesanse bio je usko povezan s razvojem plesa, jer su se gotovo svi veliki kompozitori u svojim kompozicijama fokusirali na ples. Plesni ritmovi prodiru u žanrove instrumentalne muzike namenjene isključivo slušanju. Pavane, galijard, giga, zvončići, volta i druge vrste narodnih igara postale su materijal za virtuozne kompozicije: razvijala se fleksibilnost melodija, jasnoća perioda, kontinuirano povezivanje motiva. Muzičari pozajmljuju melodije i ritmove iz narodnih pjesama i igara za žanrove instrumentalne muzike, što se posebno jasno vidi u takvom djelu muzičke kulture kao što je svita.

U početnoj fazi svog razvoja, muzika svite je imala primenjeni karakter - plesali su uz nju. Bila je to svojevrsna kombinacija lutnje, a kasnije i klavira i orkestarskih plesnih komada. U 15.-16. stoljeću prototip svite je bio niz od tri ili više plesova (za različite instrumente) koji su pratili dvorske procesije i ceremonije, kao i uparene kombinacije kontrastnih plesova (pavane - galijard, pasamezo - saltarello, itd. .). Najtipičnija osnova za plesnu svitu bio je niz plesova koji su se razvili u svitama I. Ya. Frobergera: allemande - courant - sarabande - gigue. Ali za razvoj dramaturgije ciklusa svita bilo je potrebno određeno odstranjenje od svakodnevnih plesova. Ova prekretnica se dešava u renesansi, a tek tada se najjasnije odražava u muzici 17. veka. Od sredine 17. veka plesna svita, izgubivši svoju primenjenu namenu, postoji uglavnom pod nazivima partita (nemački), lekcije(engleski), balletto, sonata i kamera, ordre(francuski), a ponekad i kao "kolekcija klaviera". Tako, kroz transformaciju i interakciju sa muzikom, ona postaje dio muzičke umjetnosti, utiče na formiranje sonatnog oblika. Umetničke visine u ovom žanru dostigli su J. S. Bach (francuske i engleske suite, partite za klavier, za violinu i violončelo solo) i G. F. Handel (17 suita za klavie).

Što se tiče ostalih aspekata, pre svega, vredi napomenuti uticaj koji je plesna muzika imala na formiranje homofono-harmonijskog skladišta. Sa njom profesionalna umjetnost, usred višeglasne crkvene polifonije, dolazi homofono-harmonijsko mišljenje, jasno podijeljena, tematski svijetla melodija, periodični ritam; dolazi do formiranja tonske organizacije (na primjer, dur, novi za to vrijeme, prvi se uspostavio u plesovima renesanse.

U plesnoj muzici su izvori mnogih glavnih instrumentalnih formi na kojima se zasniva sva klasična umjetnost (period, jednostavna trodijelna forma, varijantna, ciklična). Emancipacija instrumentalne muzike umnogome je povezana sa plesnom literaturom (pojavljuju se novi žanrovi), formiranjem samostalnih stilova klavijara (kasnije - klavira), lutnje i orkestra. Bogatstvo plesnih slika uhvaćenih u klasičnoj muzici je ogromno. I to nije iznenađujuće: uostalom, figurativna implementacija plesnih ritmova i intonacija, uz pjesnički folklor, igra važnu ulogu u jačanju realističkih temelja muzičke umjetnosti. Kompozitori u svojim djelima uvijek utjelovljuju izraze lica, geste, plastičnost u pokretu plesa ili marša, okrećući se plesnoj muzici pri stvaranju instrumentalnih (kamernih, simfonijskih) i vokalnih, uključujući i operske kompozicije.

Dakle, treba istaći značajnu ulogu plesa u muzičkoj kulturi Zapadne Evrope, počevši od renesanse. Plesni ritmovi su privlačili velike kompozitore, a muzika zasnovana na takvim ritmovima je zauzvrat uticala na praksu i teoriju plesa. Muzika je zahtijevala da ples prati svoja otkrića, apsorbira nešto novo i stupa u interakciju s drugim oblicima umjetnosti. Svjedočanstvo o takvom pomaku daju nam plesovi renesanse, kao simbol formiranja plesne umjetnosti na novom putu razvoja.

2.2 Koreografija na periferiji samoopredjeljenja

Među ostalim vrstama umjetnosti u renesansi počinje se isticati ples. Ples postaje posebno popularan i postiže neviđeni uspjeh u svom razvoju. Ako je u prethodnim epohama ples bio samo dio kulta ili opće zabave, onda u renesansi koreografska umjetnost ima nove funkcije, novi odnos prema plesu. Grešnost, nedostojnost ovog zanimanja, karakteristična za srednji vek, u renesansi, ona se u renesansi pretvara u obavezni dodatak sekularnog života i postaje jedna od najneophodnijih veština za vaspitanu i obrazovanu osobu (zajedno sa veštinama kao što je vešt posjedovanje mača, sposobnost jahanja konja, prijatan i uljudan govor, suptilno govorništvo). Ples se uliva u opšti tok transformacija: pod uticajem muzike, pretvara se u profesionalnu umetnost.

Koreografija kreće na put samoodređenja: umjetnost se usmjerava, uspostavlja određena pravila i norme, brusi tehnike i strukturne forme, dolazi do podjele plesnih vrsta: narodni (seljački) i dvorski (plemićko-feudalni) ples, koji započeto u srednjem vijeku, nastavlja se. Ovaj proces se odvijao postupno i bio je povezan sa rastućim raslojavanjem društva i nastalim razlikama između načina života običnih ljudi i plemstva. „Spontanost je prošla“, piše Kurt Sachs. – Jednom su se razdvojile dvorske i narodne igre. Oni će stalno uticati jedni na druge, ali njihovi ciljevi su postali fundamentalno drugačiji.

Ako narodni plesovi zadrže svoj opušteni, grubi karakter, onda stil dvorskih igara postaje sve svečaniji, odmjereniji i pomalo prim. To je bilo zbog nekoliko faktora. Prvo, bujni i teški stil odijevanja feudalaca isključivao je energične, naporne pokrete i nagle skokove. Drugo, stroga regulacija manira, pravila ponašanja i cjelokupnog plesnog bontona dovodi do isključenja pantomime i improvizacijskih elemenata iz plesa.

Dolazi do značajne promjene u tehnici plesa: naređuje se ravnoteža između pokreta i ritmova plesa, periodi oscilacije od mirovanja do pokreta i od mirovanja do napetosti, smjena ritma u jednom plesu. Osim toga, mijenja se i tehnika izvođenja: plesovi s okruglim plesom i kompozicijom linearnog ranga zamjenjuju se parnim (duetskim) plesovima, koji su izgrađeni na složenim pokretima i figurama koje imaju karakter više ili manje iskrene ljubavne igre. Osnova koreografskog obrasca je brza izmjena epizoda, različitih po prirodi pokreta i broju sudionika.

Potreba da se reguliše plesni bonton doprinosi formiranju kadra profesionalnih plesnih majstora. Majstori plesa stvaraju kanonske forme plesa, koje privilegirano društvo marljivo i precizno proučava. Tome u velikoj mjeri doprinose udžbenici, gdje su pokreti sistematizovani, pokušava se fiksirati plesne kompozicije. Argumentirajući važnost ovog trenutka u istoriji plesa, Kurt Sachs posebno ističe sjevernu Italiju, u kojoj je, prije svega, nastala profesionalna plesna obuka. I zaista, najveličanstvenija plesna umjetnost cvjeta u Italiji. Balovi u Firenci 15.-16. stoljeća primjer su sjaja, sjaja, domišljatosti. Učitelji italijanskog plesa su pozvani u razne zemlje. „Profesionalni plesači su nekada bili lutajući mimovi i odvratni žongleri“, piše Sacks, učitelj plesa sa sjevera Italije koji je bio na počasnom položaju. Bio je pratilac prinčeva, ponekad i pouzdanik; na venecijanskim svadbama, gdje je bio običaj da se mlada uvede u tihi ples, mogao je nastupiti umjesto oca. Nastavnici su bili posebno zainteresovani za stvaranje škola za podučavanje plesa. A već u 15. veku u Italiji su se pojavile specijalne škole, čvrsto je uspostavljena profesija učitelja plesa. Stoga je vjerovatno da je Italija u 16. vijeku bila kraljica plesa, baš kao što je izgleda bila u 15. vijeku.

Domenico iz Piacenze smatra se prvim talijanskim teoretičarom plesne umjetnosti. Domenico da Piacenza je na prijelazu iz XIV u XV vijek sastavio traktat "O umjetnosti plesa i plesa". Knjiga se sastoji iz dva dijela. Prvi dio posvećen je plesu u cjelini i definira njegovih pet elemenata: mjera, držanje, podjela platforme, pamćenje i elevacija. Mjera je glavni princip veze između brzih i sporih pokreta u muzici; podjela mjesta je neophodna za sastav grupnog plesa; pamćenje je potrebno da bi se ustvari stvorio ples; način držanja oslobađa ples od nepokretnih i zastarjelih oblika; elevacija je dizajnirana za razvoj plesne tehnike. Drugi dio rasprave uspostavlja kategorije osnovnih pokreta. Ovdje dijeli pokrete na dvije vrste: umjetne i prirodne. Prirodni pokreti - jednostavan i dvostruki korak, plemenito držanje, okret i poluokret, luk i skok. Umjetni pokreti uključuju udaranje nogom, mješanje i skakanje promjenjivom nogom.

Osim toga, vrijedno je napomenuti još jednog teoretičara i učitelja plesa - Guglielma Embrea, koji je sastavio Traktat o umjetnosti plesa. U svojoj raspravi on također savjetuje da se pokreti usklade s mjerom koju postavlja muzika. Uvodi pojam contro tempo - protiv tempa, koji se mora poštovati da bi se uspjelo u naučenom plesu. Osim toga, on iznosi koncept arije, koji podrazumijeva mogućnost kretanja između tempa i prelaska s jednog plesa na drugi. Nemoguće je precijeniti Guglielmov rad, on je izrazio humanistički svjetonazor renesanse kada je ples proglasio "slobodoumnom naukom" jednako uzvišenom i značajnom kao i druge, i više od onih upućenih ljudskoj prirodi.

Među italijanskim koreografskim delima 16. veka pažnju zaslužuje knjiga Plesačica Fabricija Karoza, objavljena 1581. godine. Ova knjiga je svojevrsni priručnik namijenjen balskom plesu, međutim, može se reći da su se ova pravila koristila iu scenskom plesu, iako su u njima preovladavali reprezentativniji koraci. U knjizi pokušava da sistematizuje ne samo plesove, već i pokrete koji ih čine. Na primjer, on dijeli naklone na "važne" ("grobne"), "male" ("minima"), "srednje" ("semiminima"). "Srednji" naklon uključivao je skok. U skladu sa varijacijom plesa sa raznolikošću muzičkih ritmova, Coroso je već koristio pozicije bliske prvoj, trećoj i četvrtoj poziciji klasičnog plesa, kao i piruete i razne vrste skokova, uključujući skidove (entrecha). Tehnika plesa je uključivala akrobatske pokrete, kao što je saut de noeud (skok čvorova), ali je ta tehnika kasnije nestala. Nova tehnika je omogućila Korozu da komponuje balete u pet, šest, pa čak i deset delova, prema muzici. Caroso je zahtijevao da evolucija plesača odgovara veličini drevne versifikacije, a spomenuo je daktil, safičku strofu, spodei. Pisao je o plesu - slobodnom ansamblu, "izvedenom matematički precizno, u skladu sa Ovidijevim stihovima".

Caroso je nesumnjivo postavio temelje za razvoj baleta, njegove tehnike i izvedbe. Naravno, prve baletske predstave pojavile su se u Italiji. Tako je, na primjer, 1489. godine Lombard Bergonzo di Bota, u čast vjenčanja milanskog vojvode, Galazo Visconti, stvorio veličanstvenu pozorišnu proslavu u kojoj se ples smjenjivao s pjevanjem, muzikom i recitacijom. Italijanska koreografija imala je veliki uticaj na prve francuske balete. Krajem 16. veka javljaju se baletske predstave sa zaokruženim zapletom, koji se otkriva kroz igru, pevanje, poetski recitativ, složenu i veličanstvenu dekoraciju. Iskustvo mladog italijanskog baleta, njegove pedagoške metode i koreografske radove prihvatile su mnoge evropske zemlje. Tako se već u renesansi može govoriti o počecima baleta.

Još jedan poznati autor o "umetnosti plesa" je Tuano Arbo, francuski pisac i sveštenik. Njegov doprinos razvoju plesa nije ništa manje značajan od doprinosa italijanskih plesnih majstora. "Orchezography" Tuana Arbauda je najpopularnija rasprava koja sadrži informacije o francuskim bas plesovima iz 16. stoljeća. Arbo pokušava da obnovi srednjovjekovni ples, da ga redizajnira na novi način, i odatle se rađa njegova slava kao prvog specijaliste za rekonstrukciju plesa.

Sumirajući, možemo reći da je plesna umjetnost u rangu s drugim vrstama umjetnosti i ni po čemu im nije inferiorna. Ples je stilizovan, uveden u sistem. Otvaraju se ogromne mogućnosti ljudskog tijela. Ples se kreće od pričanja stvarnosti do izražavanja apstraktne misli. Dalje - od sudskog nastupa do pozorišnog plesa.

U doba renesanse ples postaje način društvene zabave i komunikacije. Krajem 16. vijeka svi su vjerovali da je ples bio neophodan društvu kao sredstvo razigranog flertovanja kako bi se demonstrirala gracioznost i šarm dama i snaga i hrabrost džentlmena. Upriličeni su balovi povodom svih značajnih događaja, opštih i privatnih. Ljepota i sofisticiranost svakog učesnika bila je važna za stvaranje praznične atmosfere u dvorani, potvrđujući visok društveno-politički status vlasnika i olakšavajući sklapanje brakova, što je u to vrijeme bilo izuzetno važno za održavanje strukture društva. Sposobnost plesa izbrusili su plemići i srednji sloj koji su ih oponašali svakodnevnim vježbanjem pod vodstvom mnogih učitelja. Na kraljevskim dvorovima radili su koreografi – učitelji plesa, čiji je zadatak bio podučavanje plesa osobama oba pola, kao i izvođenje spektakla uopšte.

Tako je profesionalni ples počeo da ulazi u sve vrste spektakla. Ples, koji je u srednjem veku bio namenjen za "sveti čin", povukao se u 15. veku pred svečanostima svetovnog karaktera. Najviše su u to vrijeme voljeli maskenbade - maske su bile od posebnog značaja u ovo doba. Ples je bio uključen i u ulične povorke, u kojima su se odigravale čitave predstave plesnog karaktera. Češće su takve ulične povorke tumačile paganske priče, sadržaj mitova, što je bilo tipično za renesansu, kao za doba okrenuto antici.

Karnevali su takođe dali veliki doprinos plesu kao javnoj zabavi. Najveličanstveniji od njih bili su trijumfi (trionfi), predstave na mitološke teme sa vješto izvedenim scenografijama. Nešto skromniji bili su kari (carri, od italijanskog carro – „vagon”) – maskenbade zanatlija i trgovaca u italijanskim gradovima: tu su gomile maskiranih ljudi marširali iza ukrasnih simbola svojih profesija. Spektakle, u kojima su se miješale muzika, pjevanje, recitacija, pantomima i ples, bile su praćene svečanim trpezama, raznim dvorskim gozbama.

Ali ipak, renesansni ples je mnogo širi od obične zabave. U ovo vrijeme oživljavaju se drevne ideje o najdubljem utjecaju plesa na duhovno i fizičko stanje osobe. Na stranicama brojnih plesnih rasprava često se izražava ideja da ples nikako nije čista plastika, već način reflektiranja duhovnih pokreta. „Što se tiče najvišeg savršenstva plesova, ono se sastoji u poboljšanju duha i tijela i dovođenju na najbolju moguću lokaciju“, napisao je francuski muzički teoretičar, filozof, fizičar i matematičar M. Mersenne u jednom od svojih djela. Često se plesu, kao u antičko doba, pridaje kosmološki

značenje. Nije slučajno da interesovanje i svest za pitanja plesne umetnosti otkrivaju osobe sveštenstva - opat de Pure, kanonik Arbaud, sveštenik Menetrier.

2.3 Žanrovska paleta plesne umjetnosti

Novi odnos prema plesu tokom renesanse doveo je do brojnih plesnih žanrova. Sudeći po naslovima komada smeštenih u raznim muzičkim zbirkama, praktičnim vodičima i raspravama, slika je neobično šarolika: neki plesovi brzo izlaze iz mode; drugi, koji su se pojavili u jednom veku, zadržavaju svoj značaj u drugom (na primer, saltarello, bass dance, branle), neki od njih vremenom menjaju prirodu i stil koreografije.

Svaka provincija ima svoje plesove i svoj stil izvođenja. Noverre je napisao da nam je menuet došao iz Angoulemea, da je rodno mjesto burre plesa Auvergne. U Lionu će pronaći prve rudimente gavota, u Provansi tambure.

Dakle, svi svakodnevni plesovi ovog vremena bili su podijeljeni u dvije glavne grupe: Bassa danza (francuski bass danses) - to jest, "niski" plesovi u kojima nije bilo skokova, a noge se gotovo nisu dizale iznad poda (pavane, allemande, chimes , sarabande, itd.); Alta danza (francuski haute danses) - odnosno "visoki" plesovi u krugu, u kojima su se plesači vrtjeli i poskakali (moreska, galijard, volta, saltarello, razne vrste branlesa, itd.)

U doba rane renesanse karakteristična je opozicija plesova sporijeg i življeg pokreta (basa danza i alta danza). Nalazi se kako na balovima tako iu nastajanju profesionalnoj muzici već u kasnom srednjem vijeku. U muzičkim izvorima 14. - ranog 15. veka, grupisanja plesova u 2 su uobičajena: 1. ples svakog para održava se u ravnomernom taktu i sporom tempu, 2. - u 3-taktnom taktu i brz tempo. Više od ostalih bili su česti parovi pavan - galijard passamezzo - saltarello. Međusobno su komunicirali, ali su ipak zadržali svoje individualne osobine.

Što se tiče žanrova plesne umjetnosti tog doba, postojao ih je prilično veliki broj, ali su najpopularniji bili: bas ples, pavane, zvončići, branle, moreska, galijard, saltarello i volta. Da bismo razumjeli u čemu je specifičnost svakog od plesova, potrebno je osvrnuti se na njihov opis i interpretaciju.

bas dance(francuski basse danse - "niski ples") - zbirni naziv dvorskih plesova umjerenim ili umjereno sporim tempom i, po pravilu, u veličini od 4 takta, uobičajen u Francuskoj, Italiji, Holandiji između 2. pol. XIV i sredina XVI vijeka. Poreklo imena nije sasvim jasno. Možda je to povezano sa praksom izvođenja muzike ovih plesova na instrumentima niskog registra, a možda i sa izostankom visokih skokova plesača u bas plesovima. Zbog nedostatka brzih pasa i skakačkih pokreta karakterističnih za "visoke plesove" (francuski - haute danse, italijanski - alta danza), bas plesovi su često nazivani "promenadom". Kompozicijski crtež mogao bi se graditi u obliku kola, povorke. Bas plesovi su bili, takoreći, mala koreografska kompozicija u kojoj su se plesači pokazali okupljenom društvu i demonstrirali svoje bogatstvo, raskoš odevnih predmeta i plemenitost ponašanja. U 15. veku, prema K. Sachsu, bas ples „... nije pratio nikakav utvrđeni redosled koraka. Šareno, poput boja u kaleidoskopu, svaki put je kombinovao nove pokrete. Bas plesna muzika, često koralne prirode, obično je improvizovana na osnovu cantus firmus. Slobodna koreografija je takođe odgovarala otvorenoj (otvorenoj) muzičkoj strukturi sa proizvoljnim brojem deonica. Za izvođenje bas plesa korištene su različite instrumentalne kompozicije: lutnja, harfa i bubanj; trombon, flauta sa malim bubnjem, itd. Kao jedan od delova, bas ples je bio uključen u rane instrumentalne suite. Vrste bas plesa: Bassadans- prefinjenija italijanska verzija bas plesa, popularna u 15. veku. Razlikuje se pokretljivijim tempom; pivo - Talijanski ples iz 15. vijeka, tempo je čak brži nego kod Bassadana, do 16. vijeka naziv "pivo" je bio zaštićen brzim 3-taktnim plesom, prije kojeg su se često izvodili pavane i saltarello.

pavana- svečani spori ples. Poreklo ovog plesa je prilično dvosmisleno: prema jednoj verziji, pavane je izvorni italijanski ples, njegovo ime je povezano sa mestom porekla, gradom Padovom, prema drugoj verziji, pavane je ples španskog porekla. . Postoji razlog za vjerovanje da se izraz "padovana" koristio i kao riječ koja označava generički koncept - određenu vrstu plesa koji kombinuje pavanu i njenu raznolikost - pasamezo.

Pavane je već početkom 16. veka postalo jedan od najpopularnijih dvorskih plesova: plesalo se u ogrtaču i sa mačem tokom svečanih ceremonija: kada je mlada odlazila u crkvu, kada je sveštenstvo izvodilo verske procesije, kada je knezovi, članovi gradske vlasti otišli. Pavansku muziku karakteriše: jasnoća strukture, često kvadratnost metroritmičke strukture, pretežno akordska prezentacija, ponekad obojena pasusima.

Postoje dokazi da je izvođenje pavana bilo praćeno tamburom, flautom, oboom i trombonom, uz bubanj koji je naglašavao ritam igre. U svakoj zemlji priroda pokreta i način izvođenja pavana imali su svoje karakteristike: u Francuskoj su koraci bili glatki, spori, graciozni, klizni; u Italiji su bili življi, nemirniji, naizmjenično s malim skokovima. U 2. polovini 16. vijeka, pavan je praktički nestao u Evropi, ali je ostao do sredine 1620-ih. jedan od najpopularnijih plesova u Engleskoj. Instrumentalni pavane je doživio svoju zoru u djelu engleskih virginalista. Povezane pavane su bile: pavanilla- instrumentalni ples, popularan u Italiji u 1. polovini 17. veka, bio je živahnijeg karaktera i tempa; paduana - rasprostranjen je krajem renesanse, a karakterističan je za 17. vek - tako su se zvala najmanje dva različita plesa: dvodelni pavane i trodelni ples koji se izvodi nakon pasameca; passamezzo- Italijanski ples, razlikuje se od pavana po pokretljivijem tempu. Doslovno prevedeno kao "ples u 1,5 koraka", što ukazuje na bržu prirodu njegovog pokreta nego u pavanu. Postojale su dvije najčešće varijante "staro" (antico) i "moderno" (moderno), koje proizlaze iz karakteristika plana harmonijske pratnje.

Courant- dvorski ples, italijanskog porijekla, od italijanske riječi corrente, što znači tok vode, gladak, ujednačen. Kompozicioni obrazac plesa obično je išao duž ovalnog oblika, ali je mogao biti i izduženi kvadrat ili osmougao, što je omogućavalo izradu cik-cak pokreta karakterističnih za talijanski ples piva koji je postojao u 15. stoljeću. Zvono je bilo jednostavno i složeno. Prvi se sastojao od jednostavnih, klizećih koraka, izvođenih pretežno naprijed. Složeno zvono imalo je pantomimični karakter: tri gospodina pozvala su tri dame da učestvuju u plesu, odveli su dame u suprotni ugao sale i zamolili ih da plešu, dame su to odbile, gospoda su, pošto su odbijeni, otišli, ali zatim se ponovo vratio i kleknuo pred damama. Tek nakon scene pantomime počeo je ples. U složenom zvonu izvođeni su pokreti naprijed, nazad i u stranu. Sredinom 16. vijeka nestaje pantomimski dio igre. Courante je mnogo puta mijenjao svoj vremenski znak. U početku je bilo 2/4, kasnije je bilo trostruko.

branle- prvobitno narodni kolo, kasnije i bal, dvorski ples 15. - 17. vijeka. Sama riječ branle, što na francuskom znači - ljuljanje, kolo, također karakterizira jedan od glavnih pokreta - ljuljanje tijela. Poznate su njegove brojne varijante koje se međusobno razlikuju po veličini tempa, koreografiji (prosti balet, dupla lopta, balet, balet cipela, balet sa bakljom, balet sa poljupcima itd.) i lokalnim varijantama (B. od Poitou, B. iz Champagne). Tempo plesa je umjereno brz, živ. Veličina je obično 2 takta, ponekad 3 takta (u "veseli branle", koja je uključivala skokove i zamahe) i 4 takta (u Champagne). Folk branle - energična, poletna, jurnjava, plesna - glatkija i mirnija, sa dosta naklona. Ponekad je bilo praćeno pjevanjem (kupleti s pripjevom) i sviranjem na narodnim instrumentima (lula, frula, tambura, gajde). U 15. veku se izvodio kao završetak bas plesa, iz kojeg, možda, i potiče. Koreografski je još uvijek bio prilično primitivan, tim prije što su mu muzičku pratnju činili prilično monotoni taktovi tambure, zvukovi flaute i monotono pjevanje plesača. Ali, istovremeno treba napomenuti da su branle bile primarni izvor svih salonskih plesova koji su se kasnije pojavili, igrajući veliku ulogu u razvoju plesne koreografije.

moreska -(moresca(italijanski) - doslovno "maurski", morisdance - od engleskog morris dance) - muzičko - plesna scena. Scena je simbolično reproducirala borbu između kršćana i Maura. U Italiji se ples zvao "Morisca", isto ime su davali Mauri koji su se krstili i preobratili na kršćanstvo. Moreska je porijeklom iz Španjolske, izvorno je bila narodni ples i plesale su je dvije grupe. Tokom renesanse, moreska je bila jedan od najpopularnijih plesova, koja je postala atribut raznih urbanih pozorišnih spektakla i predstava muzičkog teatra u nastajanju. Tu ona gubi svoje izvorne crte narodne igre (zadržavši, međutim, masku Maura), te se postepeno pretvara u figuralni ples svečanog, često ratobornog karaktera. Kasnije, u 17. veku, izraz moreska je označavao balet ili pantomimski ples u operi: na primer, Monteverdi je uveo moresku u finale opere "Orfej" -1607.

galijard(gagliarda, ital. veselo, smjelo, veselo) - stari ples romaničkog porijekla s kraja XV - XVII vijeka. Navodno dolazi iz sjeverne Italije, u raznim krajevima i gradovima nosio je otisak lokalnih običaja i običaja. Ovo je veseo i živ ples, nastao u narodnoj koreografiji, iako je bio najrašireniji među privilegovanim slojevima, zadržavajući obilježja seljačkih plesova - skokove i nagle pokrete, često noseći šaljive nazive („korak ždrala“, „kravi udarac“) . Kao i zvončići, imali su karakter svojevrsnog dijaloga. Prati ga mali orkestarski ansambl ili svira lutnju i gitaru. Galijardi iz 16. vijeka odlikuju se 3-metarskim, umjereno brzim tempom, skladom akorda, dijatonikom. Obično se izvodio nakon sporog pavana od 4 takta, mijenjajući svoju melodiju i

metrički uzorak. Slična sekvenca sporog 4-taktnog pavana i brzog 3-taktnog galijarda bio je prototip barokne instrumentalne svite.

Saltarella- narodni italijanski ples. Ime mu dolazi od italijanske riječi saltare - skočiti, skočiti. Poznat je u Romagni, Lazu, San Marinu, u Abruziju. Svaka regija to radi drugačije. Saltarella je vrlo jednostavan ples, nema fiksne figure. Glavni pokret je ravnoteža. Ali izvođači moraju imati spretnost i snagu, jer se tempo u plesu stalno povećava, dostižući vrlo buran. Saltarella je ples u paru, broj parova koji učestvuju u plesu može biti vrlo velik. Kao i mnogi drugi narodni plesovi, Saltarela ponekad počinje razigranom scenom pantomime. U nekim dijelovima Italije, na primjer u Giogariji, Saltarella postoji kao nisko skakanje.

Postoje i njegove varijante okruglog plesa. U kolu saltareli, plesači stoje čvrsto pritisnuti jedni uz druge, tijela su im nagnuta naprijed, a glave im se skoro sudaraju u središtu kruga; ruke su postavljene jedna drugoj na ramena. Bose noge lagano klize po tlu. Izvođači se njišu u ritmu pokreta nogu. Izvedba Saltarele u Romanji je osebujna. Ovdje je to popraćeno pjesmom koju pjeva jedan od učesnika i to je, takoreći, demonstracija spretnosti. Žene stavljaju čašu na glavu, napunjenu do vrha vodom ili vinom. Prilikom složenih i brzih pokreta ne smije se proliti ni jedna kap.

Volta- parni ples italijanskog porijekla. Njegovo ime dolazi od italijanske riječi voltare, što znači "okrenuti". Obično ples izvodi jedan par (muškarac i žena), ali se broj parova može povećati. Kao i mnoge druge narodne igre, volta je ubrzo nakon pojave počela da se izvodi na dvorskim svečanostima. U 16. veku bila je poznata u svim evropskim zemljama, ali je najveći uspeh imala na francuskom dvoru. Međutim, već pod Lujem XIII, francuski dvor Volte ne pleše. Ovaj ples je najduže trajao u Italiji.

Livanova, T. "Istorija zapadnoevropske muzike do 1789. (renesansa). [Tekst] / T. Livanova. - M., 1983. 453 s.: C5.

Istorija estetike. [Tekst] / Spomenici svjetske estetske misli u 5 tomova. T.1. - M., 1985. 876 str.: C 506-514.

Losev, V. Estetika renesanse. [Tekst] / A. Losev. – M., 1982. 415 str.: P 154.

"Istorija umjetnosti: renesansa" [Tekst] / - M., 1989. str. 356.: str. 205.

Šestakov, V. Muzička estetika renesanse. [Elektronski izvor]/ V. Shestakov.// Način pristupa: #"#_ftnref6" name="_ftn6" title=""> Gruber, R. Istorija muzičke kulture. [Tekst] / R. Gruber. - M., 1975. 478 str.: P 123.

Zakharov, R. Kompozicija plesa. [Tekst] / R. Zakharov. - M., 1983. 250 str.: S67.

Blok, L.D. „Klasični ples. Istorija i modernost". [Tekst] / L.D. Blokiraj. - M., 1987. 556 str.: P 167.

Vasiljeva - Božić, M. Povijesno - kućni ples. [Tekst] / M. Vasiljeva - Božić. - M., 1987. 328 str.: S107.

Renesansa ili renesansa je period u istoriji kulture Zapadne i Srednje Evrope, koji obuhvata otprilike 14.-16. Ovo razdoblje je dobilo ime u vezi s oživljavanjem interesa za antičku umjetnost, koja je postala idealna za kulturne ličnosti modernog doba. Kompozitori i muzički teoretičari - J. Tinktoris, J. Tsarlino i drugi - proučavali su antičke grčke muzičke rasprave; u djelima Josquina Despresa, koji je upoređen sa Michelangelom, prema savremenicima, "oživljeno je izgubljeno savršenstvo muzike starih Grka": pojavilo se krajem 16. - početkom 17. stoljeća. opera je bila vođena zakonima antičke drame.

Časovi muzičke teorije. Iz gravure iz 16. stoljeća.

J. P. Palestrina.

Razvoj kulture renesanse povezan je sa usponom svih aspekata društva. Rođen je novi pogled na svet - humanizam (od latinskog humanus - "ljudski"). Emancipacija stvaralačkih snaga dovela je do brzog razvoja nauke, trgovine, zanata, a u privredi su se oblikovali novi, kapitalistički odnosi. Pronalazak tiska doprinio je širenju obrazovanja. Velika geografska otkrića i heliocentrični sistem svijeta N. Kopernika promijenila su ideje o Zemlji i Univerzumu.

Likovna umjetnost, arhitektura i književnost dostigli su neviđeni procvat. Novi stav se odrazio na muziku i transformisao njen izgled. Postupno se udaljava od normi srednjovjekovnog kanona, stil se individualizira, prvi put se pojavljuje sam koncept „kompozitora“. Tekstura djela se mijenja, broj glasova se povećava na četiri, šest ili više (na primjer, poznat je kanon od 36 glasova, koji se pripisuje najvećem predstavniku holandske škole J. Okegemu). U harmoniji dominiraju suglasnici, upotreba disonancija je strogo ograničena posebnim pravilima (vidi Konsonancija i disonancija). Formiraju se durske i molske ljestvice i satni sistem ritmova koji su karakteristični za kasniju muziku.

Sva ova nova sredstva kompozitori su koristili da prenesu poseban sistem osećanja renesansnog čoveka - uzvišenog, skladnog, smirenog i veličanstvenog. Veza između teksta i muzike postaje bliža, muzika počinje da prenosi raspoloženje, ili, kako su tada rekli, afekte teksta, pojedinačne reči kao što su „život“, „smrt“, „ljubav“ itd. često su ilustrovani posebnim muzičkim sredstvima.

Renesansna muzika se razvijala u dva pravca - crkvenom i svetovnom. Glavni žanrovi crkvene muzike - misa i motet - su polifona polifona djela za hor, bez pratnje ili pratnje instrumentalnog ansambla (vidi Horska muzika, Polifonija). Od instrumenata prednost je data orguljama.

Rast amaterskog muziciranja doprinio je razvoju svjetovne muzike. Muzika je zvučala svuda: na ulicama, u kućama građana, u palatama plemića. Prvi koncertni virtuozni izvođači pojavili su se na lutnji, čembalu, orguljama, violi, raznim vrstama uzdužnih flauta. U višeglasnim pjesmama (madrigal - u Italiji, šansona - u Francuskoj), kompozitori su govorili o ljubavi, o svemu što se događa u životu. Evo naslova nekih od pesama: "Deer Hunt", "Echo", "Battle of Marignano".

U XV-XVI vijeku. povećava se značaj plesne umjetnosti, pojavljuju se brojni traktati i praktični vodiči o koreografiji, zbirke plesne muzike, koje uključuju popularne plesove tog vremena - bas ples, branle, pavane, galijard.

Tokom renesanse formiraju se nacionalne muzičke škole. Najveća od njih je holandska (francusko-flamanska) polifona škola. Njegovi predstavnici su G. Dufay, K. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso. Među ostalim nacionalnim školama su italijanska (J. P. Palestrina), španska (T. L. de Victoria), engleska (W. Byrd), njemačka (L. Senfl).

Renesansa, ili Renesansa(fr. renesansa), - prekretnica u istoriji kulture evropskih naroda. U Italiji su se novi trendovi pojavili već na prijelazu iz 13. u 14. vijek, u drugim evropskim zemljama - u 15.-16. vijeku. Renesansne ličnosti priznavale su osobu - njeno dobro i pravo na slobodan razvoj ličnosti - kao najvišu vrijednost. Ovaj pogled na svet nazvan je "humanizam" (od latinskog humanus - "ljudski", "ljudski"). Humanisti su u antici tragali za idealom harmonične ličnosti, a antička grčka i rimska umjetnost poslužile su kao uzor njihovom umjetničkom stvaralaštvu. Želja za „oživljavanjem“ antičke kulture dala je naziv čitavoj epohi – renesansi, periodu između srednjeg i novog vijeka (od sredine 17. vijeka do danas).

Pogled na svijet renesanse najpotpunije odražava umjetnost, uključujući muziku. U ovom periodu, kao iu srednjem vijeku, vodeće mjesto pripadalo je vokalno crkvenoj muzici. Razvoj polifonije doveo je do pojave polifonije (od grčkog "polis" - "brojan" i "pozadina" - "zvuk", "glas"). Kod ove vrste polifonije svi glasovi u djelu su jednaki. Polifonija ne samo da je zakomplikovala rad, već je omogućila autoru da izrazi lično razumevanje teksta, dala muzici veću emocionalnost. Polifona kompozicija nastala je po strogim i složenim pravilima, zahtijevajući od kompozitora duboko znanje i virtuoznu vještinu. U okviru polifonije razvili su se crkveni i sekularni žanrovi.

Holandska polifona škola. Holandija je istorijska regija u severozapadnoj Evropi, koja obuhvata teritorije moderne Belgije, Holandije, Luksemburga i severoistočne Francuske. Do 15. vijeka Holandija je dostigla visok ekonomski i kulturni nivo i pretvorila se u prosperitetnu evropsku zemlju.

Tu je nastala holandska polifona škola - jedan od najvećih fenomena renesansne muzike. Za razvoj umetnosti 15. veka bila je važna komunikacija muzičara iz različitih zemalja, međusobni uticaj kreativnih škola. Holandska škola je apsorbovala tradicije Italije, Francuske, Engleske i same Holandije.

Njeni istaknuti predstavnici: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (oko 1400 - 27.11.1474, Cambrai), francusko-flamanski kompozitor, jedan od osnivača holandske škole. Temelje polifone tradicije u holandskoj muzici postavio je Guillaume Dufay (oko 1400. - 1474.). Rođen je u gradu Cambrai u Flandriji (pokrajina na jugu Holandije) i od malih nogu pjevao je u crkvenom horu. Paralelno, budući muzičar je pohađao privatne časove kompozicije. U mladosti, Dufay je otišao u Italiju, gdje je napisao svoje prve kompozicije - balade i motete. Godine 1428-1437. služio je kao pjevač u papskoj kapeli u Rimu; tokom ovih godina putovao je u Italiju i Francusku. Godine 1437. kompozitor je primio sveta ordena. Na dvoru vojvode od Savoje (1437-1439) komponovao je muziku za svečane ceremonije i praznike. Dufay je bio veoma poštovan od strane plemenitih ljudi - među njegovim obožavateljima bili su, na primer, bračni par Mediči (vladari italijanskog grada Firence). [Radio u Italiji i Francuskoj. 1428-37 bio je pjevač papskih kapela u Rimu i drugim italijanskim gradovima, 1437-44 služio je sa vojvodom od Savoje. Od 1445. kanonik i šef muzičkih aktivnosti katedrale u Cambraiu. Majstor duhovnih (3-, 4-glasne mise, moteti), kao i sekularnih (3-, 4-glasne francuske šansone, italijanske pjesme, balade, rondo) žanrova povezanih s narodnom polifonijom i humanističkom kulturom renesanse. Umetnost D., koja je apsorbovala dostignuća evropske muzičke umetnosti, imala je veliki uticaj na dalji razvoj evropske polifone muzike. Bio je i reformator muzičkog pisanja (D. je zaslužan za uvođenje nota sa bijelim glavama). Kompletna djela D. objavljena u Rimu (6 tomova, 1951-66).] Dufay je prvi među kompozitorima počeo da komponuje misu kao integralnu muzičku kompoziciju. Za stvaranje crkvene muzike potreban je izuzetan talenat: sposobnost izražavanja apstraktnih, nematerijalnih pojmova konkretnim, materijalnim sredstvima. Poteškoća leži u činjenici da takva kompozicija, s jedne strane, ne ostavlja slušatelja ravnodušnim, a s druge strane, ne odvlači pažnju od bogoslužja, pomaže da se dublje fokusira na molitvu. Mnoge Dufayeve mase su nadahnute, pune unutrašnjeg života; čini se da pomažu da se na trenutak podigne veo Božanskog otkrivenja.

Često, prilikom stvaranja mise, Dufay je uzimao dobro poznatu melodiju kojoj je dodao svoju. Takve posudbe karakteristične su za renesansu. Smatralo se vrlo važnim da se misa zasniva na poznatoj melodiji koju su vjernici lako prepoznali čak i u polifonom komadu. Često se koristio fragment gregorijanskog pjevanja; sekularni radovi nisu bili isključeni.

Pored crkvene muzike, Dufay je komponovao motete na svjetovne tekstove. U njima je koristio i složenu polifonu tehniku.

Josquin Despres (1440-1521). Predstavnik holandske polifone škole druge polovine 15. veka. bio je Josquin Despres (oko 1440-1521 ili 1524), koji je imao veliki utjecaj na stvaralaštvo kompozitora sljedeće generacije. U mladosti je služio kao crkveni hor u Cambraiju; uzimao časove muzike kod Okegyoma. Sa dvadeset godina, mladi muzičar je došao u Italiju, pevao u Milanu sa vojvodama od Sforce (kasnije je ovde služio veliki italijanski umetnik Leonardo da Vinči) i u papskoj kapeli u Rimu. U Italiji je Despre verovatno počeo da komponuje muziku. Na samom početku XVI vijeka. preselio se u Pariz. U to vrijeme Despre je već bio poznat, a na mjesto dvorskog muzičara pozvao ga je francuski kralj Luj XII. Od 1503. Despres se ponovo nastanila u Italiji, u gradu Ferari, na dvoru vojvode d'Este. Despres je mnogo komponovao, a njegova muzika je brzo stekla priznanje u najširim krugovima: voleli su je i plemstvo i plemstvo. običan narod. Kompozitor stvara ne samo crkvena, već i svjetovna djela. Posebno se okrenuo žanru italijanske narodne pjesme - frottola (tal. frottola, od frotta - "gomila"), koju karakterizira plesni ritam i brz tempo. U crkvenu muziku, Despres je uneo odlike sekularnih dela: sveža", živahna intonacija narušavala je strogu odvojenost i izazivala osećaj radosti i punoće bića. Međutim, osećaj za meru nikada nije izneverio kompozitora. Despreova polifona tehnika ne odlikuje se sofisticiranošću.Njegova djela su elegantno jednostavna, ali se u njima osjeća moćan intelekt autora.To je tajna popularnosti njegovih kreacija.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Mlađi savremenici Guillaumea Dufaya bili su Johannes (Jean) Okeghem (oko 1425-1497) i Jacob Obrecht. Kao i Dufay, Okegem je bio iz Flandrije. Ceo život je naporno radio; pored komponovanja muzike, obavljao je dužnost starešine kapele. Kompozitor je stvorio petnaest misa, trinaest moteta, više od dvadeset šansona. Okegyomova djela karakteriziraju strogost, koncentracija i dugo odvijanje glatkih melodijskih linija. Veliku pažnju poklanjao je polifonijskoj tehnici, te se zalagao da svi dijelovi mise budu sagledani kao cjelina. Kompozitorov kreativni stil se vidi i u njegovim pjesmama - gotovo su lišene svjetovne lakoće, njihov karakter više podsjeća na motete, a ponekad i na fragmente masa. Johannes Okegem je bio poštovan i u zemlji i u inostranstvu (imenovan je za savetnika kralja Francuske). Jakob Obrecht je bio pjevač u katedralama raznih gradova u Holandiji, vodio je kapele; nekoliko godina služio je na dvoru vojvode d "Estea u Ferari (Italija). Autor je dvadeset pet misa, dvadeset moteta, trideset šansona. Koristeći dostignuća svojih prethodnika, Obrecht je unio mnogo novog polifonu tradiciju Njegova muzika je puna kontrasta, smela, čak i kada se kompozitor okreće tradicionalnim crkvenim žanrovima.

Svestranost i dubina kreativnosti Orlando Lasso. Istoriju holandske renesansne muzike upotpunjuje delo Orlanda Lasa (pravo ime i prezime Roland de Laso, oko 1532-1594), koga su savremenici nazivali "belgijskim Orfejem" i "princem muzike". Lasso je rođen u Monsu (Flandrija). Od djetinjstva je pjevao u crkvenom horu, zadivljujući parohijane prekrasnim glasom. Gonzaga, vojvoda italijanskog grada Mantove, slučajno je čuo mladog pjevača, pozvao ga u svoju kapelu. Nakon Mantove, Lasso je kratko radio u Napulju, a potom se preselio u Rim - gdje je dobio mjesto poglavara kapele jedne od katedrala. U dobi od dvadeset pet godina, Lasso je već bio poznat kao kompozitor, a njegove kompozicije bile su tražene među muzičkim izdavačima. Godine 1555. objavljena je prva zbirka djela koja sadrži motete, madrigale i šansonu. Laso je proučavao sve najbolje što su stvorili njegovi prethodnici (holandski, francuski, nemački i italijanski kompozitori) i koristio njihovo iskustvo u svom radu. Kao izuzetna ličnost, Laso je nastojao da prevaziđe apstraktnu prirodu crkvene muzike, da joj da individualnost. U tu svrhu kompozitor je ponekad koristio žanrovske i svakodnevne motive (teme narodnih pjesama, igara), spajajući tako crkvenu i svjetovnu tradiciju. Laso je kombinovao složenost polifone tehnike sa velikom emocionalnošću. Posebno je bio uspješan u madrigalima, u čijim se tekstovima otkrivalo stanje duha likova, na primjer, Suze svetog Petra“ (1593.) na stihove italijanskog pjesnika Luigija Tranzila. Kompozitor je često pisao za veliki broj glasova (pet do sedam), pa su njegova djela teška za izvođenje.

Od 1556. Orlando Lasso je živio u Minhenu (Njemačka), gdje je vodio kapelu. Do kraja života njegov autoritet u muzičkim i umetničkim krugovima bio je veoma visok, a slava se proširila širom Evrope. Holandska polifona škola imala je veliki uticaj na razvoj muzičke kulture Evrope. Principi polifonije koje su razvili holandski kompozitori postali su univerzalni, a kompozitori 20. veka koristili su mnoge umetničke tehnike u svom radu.

Francuska. Za Francusku, XV-XVI stoljeće postalo je doba važnih promjena: Stogodišnji rat (1337-1453) sa Engleskom se završio do kraja XV vijeka. završeno je ujedinjenje države; u 16. veku zemlja je doživela verske ratove između katolika i protestanata. U jakoj državi sa apsolutnom monarhijom, uloga dvorskih slavlja i narodnih svetkovina je porasla. To je doprinijelo razvoju umjetnosti, posebno muzike, koja je pratila takve akcije. Povećao se broj vokalnih i instrumentalnih sastava (kapele i supruzi) koje je činio značajan broj izvođača. Tokom vojnih pohoda na Italiju, Francuzi su se upoznali sa dostignućima italijanske kulture. Duboko su osjećali i prihvatili ideje italijanske renesanse - humanizam, želju za harmonijom sa vanjskim svijetom, za uživanjem u životu.

Ako se u Italiji muzička renesansa povezivala prvenstveno s misom, onda su francuski kompozitori, uz crkvenu muziku, posebnu pažnju posvetili svjetovnoj polifonoj pjesmi - šansoni. Interesovanje za njega u Francuskoj se javilo u prvoj polovini 16. veka, kada je objavljena zbirka muzičkih drama Klementa Žanekina (oko 1485-1558). Upravo se ovaj kompozitor smatra jednim od tvoraca žanra.

Glavni horski program djela Clementa Janequina (1475-1560). Kao dijete, Janequin je pjevao u crkvenom horu u svom rodnom gradu Châtelleraultu (Srednja Francuska). U budućnosti je, kako sugerišu istoričari muzike, učio kod holandskog majstora Josquina Despresa ili kod kompozitora iz njegove pratnje. Nakon što je primio sveštenički čin, Janequin je radio kao regent (direktor hora) i orguljaš; zatim ga je vojvoda od Guisea pozvao da služi. Godine 1555. muzičar je postao pjevač Kraljevske kapele, a 1556-1557. - kraljevski dvorski kompozitor. Clement Janequin je stvorio dvjesto osamdeset šansona (objavljenih između 1530. i 1572.); pisao crkvenu muziku - mise, motete, psalme. Njegove pjesme su često bile slikovite prirode. Pred umnim okom slušaoca su slike bitke ("Bitka kod Marignana", "Bitka kod Renta", "Bitka kod Meca"), scene lova ("Lov"), slike prirode ("Pjesma ptica", "Slavuj"). “, „Šavica“ ), svakodnevne scene („Žensko brbljanje“). Upadljivo svetao, kompozitor je uspeo da prenese atmosferu svakodnevice u Parizu u šansoni "Plakovi Pariza": u tekst je uveo uzvike prodavaca ("Mleko!" - "Pite!" - "Artičoke!" - " Riba!" - "Šibice!" - "Golubovi!" - "Stare cipele!" - "Vino!"). Janequin gotovo nije koristio duge i glatke teme za pojedinačne glasove i složene polifone uređaje, preferirajući prozivke, ponavljanja i onomatopeju.

Drugi pravac francuske muzike povezan je sa panevropskim pokretom Reformacije.

U crkvenim službama, francuski protestanti (hugenoti) su napustili latinski i polifoniju. Duhovna muzika je dobila otvoreniji, demokratskiji karakter. Jedan od najsjajnijih predstavnika ove muzičke tradicije bio je Claude Goudimel (između 1514. i 1520.-1572.), autor psalama zasnovanih na biblijskim tekstovima i protestantskim pjesmama.

Chanson. Jedan od glavnih muzičkih žanrova francuske renesanse je šansona (fr. chanson - "pesma"). Njegovo porijeklo je u narodnoj umjetnosti (muzicirani su rimovani stihovi epskih priča), u umjetnosti srednjovjekovnih trubadura i trouvera. Po sadržaju i raspoloženju šansona je mogla biti veoma raznolika – bilo je ljubavnih pjesama, svakodnevnih, razigranih, satiričnih itd. Kompozitori su kao tekstove uzimali narodne pjesme i modernu poeziju.

Italija. Sa početkom renesanse u Italiji se proširila svakodnevna muzika na raznim instrumentima; nastali su krugovi ljubitelja muzike. Na stručnom planu formirane su dvije najjače škole: rimska i venecijanska.

Madrigal. Tokom renesanse, uloga sekularnih žanrova je porasla. U XIV veku. madrigal se pojavio u italijanskoj muzici (od kasnog latinskog matricale - "pjesma na maternjem jeziku"). Nastala je na osnovu narodnih (pastirskih) pjesama. Madrigali su bile dvoglasne ili troglasne pjesme, često bez instrumentalne pratnje. Pisani su na stihove savremenih italijanskih pesnika, koji su govorili o ljubavi; bilo je pjesama na svakodnevne i mitološke teme.

Tokom 15. vijeka kompozitori se gotovo nisu obraćali ovom žanru; interesovanje za njega oživljava tek u 16. veku. Karakteristična karakteristika madrigala 16. veka je bliska veza između muzike i poezije. Muzika je fleksibilno pratila tekst, odražavajući događaje opisane u poetskom izvoru. Vremenom su se razvili osebujni melodijski simboli koji su označavali nježne uzdahe, suze itd. U djelima nekih kompozitora simbolika je bila filozofska, na primjer, u madrigalu Gesualda di Venosa "Umirem, nesretan" (1611).

Procvat žanra pada na prijelaz iz XVI-XVII stoljeća. Ponekad se istovremeno sa izvođenjem pjesme odigravala i njena radnja. Madrigal je postao osnova madrigalske komedije (horske kompozicije po tekstu komedije), koja je pripremila izgled opere.

Rimska polifona škola. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Rukovodilac rimske škole bio je Giovanni Pierluigi da Palestrina, jedan od najvećih kompozitora renesanse. Rođen je u italijanskom gradu Palestrina, po kojem je i dobio prezime. Palestrina je od djetinjstva pjevao u crkvenom horu, a po punoljetstvu je pozvan na mjesto voditelja (horovođe) u bazilici Svetog Petra u Rimu; kasnije služio u Sikstinskoj kapeli (dvorska kapela pape).

Rim, centar katolicizma, privukao je mnoge vodeće muzičare. U različito vrijeme ovdje su radili holandski polifoni majstori Guillaume Dufay i Josquin Despres. Njihova razvijena tehnika komponovanja ponekad je ometala percepciju teksta službe: gubio se iza izvrsnog pleksusa glasova, a riječi se, zapravo, nisu čule. Stoga su crkvene vlasti bile oprezne prema takvim djelima i zalagale se za vraćanje monofonije zasnovane na gregorijanskim pjevanjima. Pitanje prihvatljivosti polifonije u crkvenoj muzici raspravljalo se čak i na Tridentskom saboru Katoličke crkve (1545-1563). Blizak Papi, Palestrina je uvjerio čelnike Crkve u mogućnost stvaranja djela u kojima kompozitorova tehnika ne bi ometala razumijevanje teksta. Kao dokaz, komponovao je "Misu Pape Marčela" (1555), koja kombinuje složenu polifoniju sa jasnim i izražajnim zvukom svake reči. Tako je muzičar "spasio" profesionalnu polifonu muziku od progona crkvenih vlasti. Godine 1577. kompozitor je pozvan da razgovara o reformi postepenog - zbirke svetih himni Katoličke crkve. 80-ih godina. Palestrina je primio svete redove, a 1584. godine postao je član Društva muzičkih majstora - udruženja muzičara koje je bilo direktno potčinjeno papi.

Rad Palestrine prožet je svijetlim svjetonazorom. Djela koja je stvorio impresionirala su svoje savremenike i najvišom vještinom i kvantitetom (više od stotinu misa, trista moteta, sto madrigala). Složenost muzike nikada nije služila kao prepreka njenoj percepciji. Kompozitor je znao pronaći zlatnu sredinu između sofisticiranosti kompozicija i njihove dostupnosti slušaocu. Palestrina je glavni kreativni zadatak vidio u razvoju integralnog velikog djela. Svaki glas u njegovim napjevima razvija se samostalno, ali istovremeno sa ostalima čini jedinstvenu cjelinu, a često glasovi čine kombinacije akorda koje zadivljuju svojom ljepotom. Često se čini da se melodija gornjeg glasa uzdiže iznad ostalih, ocrtavajući "kupolu" polifonije; svi glasovi su glatki i razvijeni.

Umjetnost Giovannija da Palestrine smatrana je uzornom i klasičnom od strane muzičara sljedeće generacije. Na njegovim kompozicijama učili su mnogi istaknuti kompozitori 18. i 18. stoljeća.

Drugi pravac renesansne muzike vezuje se za rad kompozitora venecijanske škole, čiji je osnivač Adrian Villaart (oko 1485-1562). Njegovi učenici su bili orguljaš i kompozitor Andrea Gabrieli (između 1500. i 1520. - poslije 1586.), kompozitor Ciprijan de Pope (1515. ili 1516.-1565.) i drugi muzičari. Ako se djela Palestrine odlikuju jasnoća i stroga suzdržanost, onda su Willart i njegovi sljedbenici razvili veličanstven koralni stil. Da bi postigli surround zvuk, igru ​​tembra, koristili su nekoliko horova u kompozicijama, smeštenih na različitim mestima hrama. Upotreba prozivki između horova omogućila je da se crkveni prostor ispuni neviđenim efektima. Ovaj pristup odražavao je humanističke ideale epohe u cjelini - svojom vedrinom, slobodom i samom venecijanskom umjetničkom tradicijom - sa željom za svim svijetlim i neobičnim. U radu venecijanskih majstora i muzički jezik je postao složeniji: bio je ispunjen hrabrim kombinacijama akorda, neočekivanih harmonija.

Upečatljiva figura renesanse bio je Carlo Gesualdo di Venosa (oko 1560-1613), knez grada Venosa, jedan od najvećih majstora sekularnog madrigala. Stekao je slavu kao filantrop, lautista i kompozitor. Princ Gesualdo je bio prijatelj sa italijanskim pesnikom Torkvatom Tasom; ostala su najzanimljivija pisma u kojima oba umjetnika raspravljaju o pitanjima književnosti, muzike i likovne umjetnosti. Gesualdo di Venosa je mnoge Tassove pjesme uglazbio - tako se pojavio niz visokoumjetničkih madrigala. Kao predstavnik kasne renesanse, kompozitor je razvio novu vrstu madrigala, gde su osećanja bila na prvom mestu - burna i nepredvidljiva. Stoga njegova djela karakteriziraju fluktuacije u volumenu, intonacije slične uzdasima, pa čak i jecajima, oštri akordi i kontrastne promjene tempa. Ove tehnike dale su Gesualdovoj muzici ekspresivan, pomalo bizaran karakter, zapanjila je i istovremeno privlačila savremenike. Naslijeđe Gesualdo di Venosa sastoji se od sedam zbirki polifonih madrigala; među duhovnim kompozicijama - "Svete himne". Ni danas njegova muzika slušaoca ne ostavlja ravnodušnim.

Razvoj žanrova i oblika instrumentalne muzike. Instrumentalnu muziku obilježava i pojava novih žanrova, među kojima je najznačajniji instrumentalni koncert. Violina, čembalo, orgulje postepeno su se pretvorile u solističke instrumente. Muzika napisana za njih omogućila je da pokažu talenat ne samo za kompozitora, već i za izvođača. Prije svega, cijenila se virtuoznost (sposobnost suočavanja sa tehničkim poteškoćama), koja je postepeno postala sama sebi svrha i umjetnička vrijednost za mnoge muzičare. Kompozitori 17.-18. veka obično ne samo da su komponovali muziku, već su i virtuozno svirali instrumente, a bavili su se i pedagoškom delatnošću. Dobrobit umjetnika uvelike je ovisila o konkretnom kupcu. Po pravilu, svaki ozbiljan muzičar tražio je mjesto ili na dvoru monarha ili bogate aristokrate (mnogi pripadnici plemstva imali su svoje orkestre ili opere), ili u hramu. Štaviše, većina kompozitora je lako kombinovala crkveno muziciranje sa službom sekularnog zaštitnika.

Engleska. Kulturni život Engleske tokom renesanse bio je usko povezan s reformacijom. U 16. veku, protestantizam se proširio širom zemlje. Katolička crkva je izgubila dominantnu poziciju, Anglikanska crkva je postala država, koja je odbila da prizna neke dogme (osnovne odredbe) katolicizma; većina manastira je prestala da postoji. Ovi događaji su uticali na englesku kulturu, uključujući muziku. Otvoreni su muzički odjeli na univerzitetima u Oksfordu i Kembridžu. U salonima plemstva zvučali su klavijaturni instrumenti: virginalni (vrsta čembala), prijenosne (male) orgulje itd. Popularne su bile male kompozicije namijenjene kućnom sviranju. Najistaknutiji predstavnik tadašnje muzičke kulture bio je William Byrd (1543. ili 1544.-1623.) - muzički izdavač, orguljaš i kompozitor. Bird je postao predak engleskog madrigala. Njegova djela odlikuju se jednostavnošću (izbjegavao je složene polifone tehnike), originalnošću forme koja prati tekst i harmoničnom slobodom. Sva muzička sredstva su pozvana da afirmišu ljepotu i radost života, za razliku od srednjovjekovne strogosti i suzdržanosti. U žanru madrigala, kompozitor je imao mnogo sljedbenika.

Bird je stvarao i duhovna djela (mise, psalme) i instrumentalnu muziku. U kompozicijama za djevicu koristio je motive narodnih pjesama i igara.

Kompozitor je zaista želeo da muzika koju je napisao „srećno nosi bar malo nežnosti, opuštenosti i zabave“, napisao je Vilijam Berd u predgovoru jedne od svojih muzičkih kolekcija.

Njemačka. Veza njemačke muzičke kulture sa reformacijskim pokretom. U 16. vijeku u Njemačkoj je započela reformacija, koja je značajno promijenila vjerski i kulturni život zemlje. Reformatori su bili uvjereni u potrebu promjene muzičkog sadržaja bogosluženja. To je bilo zbog dva razloga. Do sredine XV veka. polifono umeće kompozitora koji su radili u žanrovima crkvene muzike dostiglo je izuzetnu složenost i sofisticiranost. Ponekad su nastajala djela koja, zbog melodijskog bogatstva glasova i dugih napjeva, većina župljana nije mogla percipirati i duhovno doživjeti. Osim toga, služba je vođena na latinskom jeziku, razumljivom Italijanima, ali stranom Nijemcima.

Osnivač reformacijskog pokreta Martin Luther (1483-1546) smatrao je da je potrebna reforma crkvene muzike. Muzika, prvo, treba da doprinese aktivnijem učešću župljana u bogosluženju (to je bilo nemoguće pri izvođenju višeglasnih kompozicija), a drugo, da izazove empatiju za biblijske događaje (koju je ometalo vođenje bogosluženja na latinskom). Dakle, crkvenom pjevanju su se postavljali sljedeći zahtjevi: jednostavnost i jasnoća melodije, ujednačen ritam i jasan oblik pojanja. Na osnovu toga nastalo je protestantsko pjevanje - glavni žanr crkvene muzike njemačke renesanse. Godine 1522. Luter je preveo Novi zavet na nemački - od sada je postalo moguće bogosluženje na maternjem jeziku.

Sam Luter, kao i njegov prijatelj, njemački muzički teoretičar Johann Walter (1490-1570), aktivno je učestvovao u odabiru melodija za korale. Glavni izvori takvih melodija bile su narodne duhovne i svjetovne pjesme - nadaleko poznate i lako razumljive. Melodije za neke od korala Luter je sam komponovao. Jedna od njih, "Gospod je naša stijena", postala je simbol reformacije tokom vjerskih ratova u 16. vijeku.

Meistersingeri i njihova umjetnost. Još jedna svijetla stranica njemačke muzike renesanse povezana je sa radom Meistersingera (njem. Meistersinger - "majstor pjevač") - pjesnika i pjevača iz zanatskog miljea. Oni nisu bili profesionalni muzičari, već prije svega zanatlije - oružari, krojači, staklari, obućari, pekari itd. Gradski savez takvih muzičara uključivao je predstavnike raznih zanata. U 16. veku udruženja Meistersinger su postojala u mnogim nemačkim gradovima.

Meistersingeri su komponovali svoje pesme po strogim pravilima, kreativna inicijativa je bila sputana mnogim ograničenjima. Početnik je prvo morao da savlada ova pravila, zatim da nauči kako da peva pesme, zatim da komponuje tekst na tuđe melodije, a tek onda je mogao da stvori svoju pesmu. Napjevi poznatih Meistersingera i Minnesingera smatrani su uzornim melodijama.

Izvanredan pevač 16. veka. Hans Sachs (1494-1576) je bio iz krojačke porodice, ali je u mladosti napustio roditeljski dom i otišao da putuje po Njemačkoj. Mladić je tokom svojih lutanja izučio obućarski zanat, ali što je najvažnije, upoznao se sa narodnom umjetnošću. Sachs je bio dobro obrazovan, odlično je poznavao antičku i srednjovjekovnu književnost i čitao je Bibliju u njemačkom prijevodu. Bio je duboko prožet idejama reformacije, pa je pisao ne samo svjetovne pjesme, već i duhovne (ukupno oko šest hiljada pjesama). Hans Sachs je postao poznat i kao dramaturg (vidi članak "Pozorišna umjetnost renesanse").

Muzički instrumenti renesanse. Tokom renesanse, kompozicija muzičkih instrumenata se značajno proširila, dodane su nove varijante već postojećim gudačima i duvačima. Među njima posebno mjesto zauzimaju viole - porodica gudačkih gudača koje zadivljuju ljepotom i plemenitošću zvuka. Po obliku podsećaju na instrumente moderne porodice violina (violina, viola, violončelo) i čak se smatraju njihovim neposrednim prethodnicima (koegzistirali su u muzičkoj praksi do sredine 18. veka). Međutim, postoji razlika, i to značajna. Viole imaju sistem rezonantnih žica; u pravilu ih ima onoliko koliko i glavnih (šest do sedam). Vibracije rezonantnih žica čine da viola zvuči meko, baršunasto, ali je instrument teško koristiti u orkestru, jer zbog velikog broja žica brzo izmiče.

Dugo vremena se zvuk viole smatrao uzorom sofisticiranosti u muzici. Postoje tri glavne vrste u porodici viola. Viola da gamba je veliki instrument koji izvođač postavlja okomito i štipa sa strane nogama (talijanska riječ gamba znači "koleno"). Druge dvije varijante - viola da braccio (od njem. braccio - "podlaktica") i viola d "amour" (fr. viole d" amour - "viola ljubavi") bile su orijentirane horizontalno, a pri sviranju su bile pritisnute uz rame. Viola da gamba je bliska violončelu po zvučnom opsegu, viola da braccio je bliska violini, a viola d'amour bliska je violi.

Među trkačkim instrumentima renesanse, lutnja (polj. lutnia, od arapskog "alud" - "drvo") zauzima glavno mjesto. U Evropu je došao sa Bliskog istoka krajem 14. veka, a početkom 16. veka bio je ogroman repertoar za ovaj instrument; Najprije su se pjevale pjesme uz pratnju laute. Lutnja ima kratko tijelo; gornji dio je ravan, a donji podsjeća na hemisferu. Za široki vrat je pričvršćen vrat, podijeljen pragovima, a glava instrumenta je savijena unazad gotovo pod pravim uglom. Ako želite, možete vidjeti sličnost sa zdjelom u obliku lutnje. Dvanaest žica je grupisano u parove, a zvuk se izvlači i prstima i posebnom pločicom - plektrumom.

U XV-XVI veku pojavile su se različite vrste klavijatura. Glavne vrste takvih instrumenata - čembalo, klavikord, cembalo, virginal - aktivno su se koristile u muzici renesanse, ali je njihov pravi procvat došao kasnije.