Impresionizam u francuskom slikarstvu. Koja je razlika između ruskog impresionizma u slikarstvu i francuskog? Impresionizam kao umetnički pokret

Impresionizam je pravac u slikarstvu koji je nastao u Francuskoj u 19.-20. stoljeću, a koji je umjetnički pokušaj da se uhvati bilo koji trenutak života u svoj njegovoj promjenjivosti i pokretljivosti. Impresionističke slike su poput kvalitativno isprane fotografije, koja u fantaziji oživljava nastavak viđene priče. U ovom članku ćemo pogledati 10 najpoznatijih svjetskih impresionista. Srećom, ima više od deset, dvadeset ili čak stotinu talentiranih umjetnika, pa se fokusirajmo na ona imena koja morate sigurno znati.

Kako se ne bi uvrijedili ni umjetnici ni njihovi obožavatelji, lista je data po ruskom abecednom redu.

1. Alfred Sisley

Ovaj francuski slikar engleskog porekla smatra se najpoznatijim pejzažistom druge polovine 19. veka. U njegovoj kolekciji nalazi se više od 900 slika, od kojih su najpoznatije „Seoska aleja“, „Mraz u Luvesijenu“, „Most u Aržanteju“, „Rani sneg u Luvecijenu“, „Travnjaci u proleće“ i mnoge druge.

2. Van Gogh

Poznat u cijelom svijetu po tužnoj priči o svom uhu (usput, nije odsjekao cijelo uho, već samo režanj), Vang Gon je postao popularan tek nakon njegove smrti. I u životu je uspio prodati jednu sliku, 4 mjeseca prije smrti. Priča se da je bio i poduzetnik i svećenik, ali je često zbog depresije završavao na psihijatrijskim bolnicama, pa je sva buntovnost njegovog postojanja rezultirala legendarnim djelima.

3. Camille Pissarro

Pissarro je rođen na ostrvu Sveti Toma, u porodici buržoaskih Jevreja, i bio je jedan od retkih impresionista čiji su roditelji podsticali njegov hobi i ubrzo ga poslali u Pariz na studije. Najviše od svega, umjetnik je volio prirodu, a prikazao ju je u svim bojama, tačnije, Pissarro je imao poseban talenat za odabir mekoće boja, kompatibilnosti, nakon čega se činilo da se na slikama pojavljuje zrak.

4. Claude Monet

Od djetinjstva dječak je odlučio da će postati umjetnik, uprkos zabranama porodice. Nakon što se sam preselio u Pariz, Claude Monet je uronio u sivu svakodnevicu teškog života: dvije godine služenja u oružanim snagama u Alžiru, parnice s vjerovnicima zbog siromaštva, bolesti. Međutim, stiče se osjećaj da poteškoće nisu ugnjetavale, već inspirisale umjetnika da stvori tako živopisne slike kao što su „Impresija, izlazak sunca“, „Zgrada parlamenta u Londonu“, „Most u Evropu“, „Jesen u Argenteuilu“ , “Na obali Trouvillea, i mnogi drugi.

5. Konstantin Korovin

Lepo je znati da se među Francuze, roditelje impresionizma, s ponosom može svrstati naš sunarodnik - Konstantin Korovin. Strastvena ljubav prema prirodi pomogla mu je da intuitivno da nezamislivu živost statičnoj slici, zahvaljujući kombinaciji prikladnih boja, širine poteza, izbora teme. Nemoguće je proći pored njegovih slika "Pristanište u Gurzufu", "Riba, vino i voće", "Jesenji pejzaž", "Mjesečeva noć. Zima” i niz njegovih radova posvećenih Parizu.

6. Paul Gauguin

Do 26. godine, Paul Gauguin nije ni razmišljao o slikanju. Bio je preduzetnik i imao je veliku porodicu. Međutim, kada sam prvi put vidio slike Camille Pissarro, odlučio sam da ću svakako početi slikati. Vremenom se umetnikov stil menjao, ali najpoznatije impresionističke slike su „Bašta u snegu“, „Kod litice“, „Na plaži u Diepu“, „Akt“, „Palme na Martiniku“ i druge.

7. Paul Cezanne

Cezanne je, za razliku od većine njegovih kolega, postao poznat još za života. Uspio je organizirati vlastitu izložbu i od toga ostvariti znatan prihod. Ljudi su znali mnogo o njegovim slikama - on je, kao niko drugi, naučio da kombinuje igru ​​svetlosti i senke, dao je glasan naglasak na pravilne i nepravilne geometrijske oblike, ozbiljnost teme njegovih slika bila je u skladu sa romantikom.

8. Pierre Auguste Renoir

Renoir je do 20. godine radio kao navijački dekorater za svog starijeg brata, a tek onda se preselio u Pariz, gdje je upoznao Moneta, Basila i Sisleya. Ovo poznanstvo mu je pomoglo da u budućnosti krene putem impresionizma i postane poznat na njemu. Renoir je poznat kao autor sentimentalnog portreta, a među njegovim najistaknutijim radovima su "Na terasi", "Šetnja", "Portret glumice Jeanne Samary", "Loža", "Alfred Sisley i njegova žena", " Na ljuljački", "Žaba" i mnoge druge.

9. Edgar Degas

Ako niste čuli ništa o "Plavim plesačima", "Baletskim probama", "Baletskoj školi" i "Apsintu" - požurite da saznate više o stvaralaštvu Edgara Degasa. Izbor originalnih boja, jedinstvene teme za slike, osjećaj kretanja slike - sve to i još mnogo više učinilo je Degasa jednim od najpoznatijih umjetnika na svijetu.

10. Edouard Manet

Nemojte brkati Maneta i Monea - to su dvije različite osobe koje su radile u isto vrijeme iu istom umjetničkom pravcu. Maneta su oduvijek privlačili svakodnevni prizori, neobični izgledi i tipovi, kao slučajno "uhvaćeni" trenuci, naknadno bilježeni stoljećima. Među poznatim Manetovim slikama: "Olympia", "Doručak na travi", "Bar kod Folies Bergère", "Flutista", "Nana" i druge.

Ako imate i najmanju priliku da uživo vidite slike ovih majstora, zauvek ćete se zaljubiti u impresionizam!

Aleksandra Skripkina,

Reč "impresionizam" je izvedena od francuskog "impression" - utisak. Ovo je pravac slikarstva koji je nastao u Francuskoj 1860-ih. i u velikoj meri odredio razvoj umetnosti u 19. veku. Centralne ličnosti ovog trenda bili su Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir i Sisley, a doprinos svakog od njih njegovom razvoju je jedinstven. Impresionisti su se suprotstavljali konvencijama klasicizma, romantizma i akademizma, potvrđivali ljepotu svakodnevne stvarnosti, jednostavne, demokratske motive, postizali živu autentičnost slike, pokušavali uhvatiti “utisak” onoga što oko vidi u određenom trenutku, bez fokusirajući se na crtanje specifičnih detalja.

U proljeće 1874. grupa mladih slikara, među kojima su Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Cezanne i Berthe Morisot, zanemarila je službeni salon i postavila vlastitu izložbu. Takav čin je sam po sebi bio revolucionaran i raskinuo sa vjekovnim temeljima, dok su se slike ovih umjetnika na prvi pogled činile još neprijateljskije prema tradiciji. Reakcija posjetitelja i kritičara na ovu inovaciju bila je daleko od prijateljske. Optužili su umjetnike da pišu samo kako bi privukli pažnju javnosti, a ne na način na koji to rade priznati majstori. Najsnishodljiviji su svoj rad smatrali sprdnjom, pokušajem da se izigraju pošteni ljudi. Bile su potrebne godine žestoke borbe prije nego što su ovi, kasnije priznati, klasici slikarstva uspjeli uvjeriti javnost ne samo u svoju iskrenost, već i u svoj talenat.

Nastojeći da što preciznije izraze svoje neposredne utiske o stvarima, impresionisti su stvorili novu metodu slikanja. Njena suština je bila da se na površinu predmeta prenese spoljašnji utisak svetlosti, senke, refleksa odvojenim potezima čistih boja, koji su vizuelno rastvorili formu u okolnom svetlo-vazdušnom okruženju. U svojim omiljenim žanrovima (pejzaž, portret, višefiguralna kompozicija) pokušavali su da prenesu svoje prolazne utiske o svijetu oko sebe (scene na ulici, u kafićima, skečevi nedjeljnih šetnji i sl.). Impresionisti su oslikavali život prepun prirodne poezije, gde je čovek u jedinstvu sa okruženjem, večno promenljiv, upečatljiv bogatstvom i iskričavim čistim, svetlim bojama.

Nakon prve izložbe u Parizu, ovi umjetnici su počeli da se nazivaju impresionistima, od francuske riječi "impression" - "utisak". Ova riječ je bila prikladna za njihova djela, jer su umjetnici u njima prenosili svoj direktan utisak o onome što su vidjeli. Umjetnici su pristupili slici svijeta na nov način. Glavna tema za njih je bila treperava svjetlost, zrak, u koji su ljudi i predmeti, takoreći, uronjeni. Na njihovim slikama osjećao se vjetar, vlažna, suncem zagrijana zemlja. Hteli su da pokažu neverovatno bogatstvo boja u prirodi. Impresionizam je bio poslednji veliki umetnički pokret u Francuskoj 19. veka.

To ne znači da je put umjetnika impresionista bio lak. U početku ih nisu prepoznali, slika im je bila previše smjela i neobična, smijali su im se. Niko nije hteo da kupi njihove slike. Ali oni su tvrdoglavo išli svojim putem. Ni siromaštvo ni glad nisu ih mogli natjerati da napuste svoja uvjerenja. Prošlo je mnogo godina, a mnogi od slikara impresionista više nisu bili živi kada je njihova umjetnost konačno prepoznata.

Sve te vrlo različite umjetnike ujedinila je zajednička borba protiv konzervativizma i akademizma u umjetnosti. Impresionisti su održali osam izložbi, posljednju 1886. Time se zapravo završava istorija impresionizma kao pravca u slikarstvu, nakon čega je svaki od umjetnika krenuo svojim putem.

Jedna od slika predstavljenih na prvoj izložbi "nezavisnih", kako su se umjetnici radije nazivali, pripadala je Claudeu Moneu i zvala se "Impresija. Izlazak sunca". U novinskom osvrtu na izložbu koja se pojavila sutradan, kritičar L. Leroy na sve moguće načine ismijavao je nedostatak "formalnosti" na slikama, ironično navodeći riječ "utisak" na svaki način, kao da zamjenjuje pravu umjetnost u delima mladih umetnika. Nasuprot očekivanjima, nova riječ, izrečena na sprdnju, ukorijenila se i poslužila kao naziv cijelog pokreta, jer je savršeno izrazila ono zajedničko što je ujedinilo sve učesnike izložbe - subjektivni doživljaj boje, svjetlosti, prostora. Nastojeći što preciznije izraziti svoje neposredne utiske o stvarima, umjetnici su se oslobodili tradicionalnih pravila i stvorili novu metodu slikanja.

Impresionisti su iznijeli vlastite principe percepcije i prikaza okolnog svijeta. Izbrisali su granicu između glavnih objekata dostojnih visoke umjetnosti i sporednih objekata, uspostavili direktan i povratni odnos između njih. Impresionistička metoda je tako postala maksimalni izraz samog principa slikarstva. Slikovni pristup slici upravo uključuje identifikaciju odnosa subjekta sa svijetom oko njega. Nova metoda prisilila je gledatelja da dešifruje ne toliko peripetije radnje koliko tajne same slike.

Suština impresionističke vizije prirode i njene slike leži u slabljenju aktivne, analitičke percepcije trodimenzionalnog prostora i njegovom svođenju na izvornu dvodimenzionalnost platna, determiniranu planarnom vizualnom postavkom, riječima A. Hildebrand, „daleki pogled na prirodu“, što dovodi do odvlačenja prikazanog predmeta od njegovih materijalnih kvaliteta, stapanja sa okolinom, gotovo potpuno pretvarajući ga u „pojavu“, pojavu koja se rastvara u svjetlosti i zraku. Nije slučajno što je P. Cezanne kasnije vođu francuskih impresionista Kloda Moneta nazvao „samo okom“. Ovo "odvajanje" vizualne percepcije dovelo je i do potiskivanja "boje sjećanja", odnosno povezivanja boje sa uobičajenim subjektivnim predstavama i asocijacijama, prema kojima je nebo uvijek plavo, a trava zelena. Impresionisti su mogli, ovisno o svojoj viziji, nebo obojiti u zeleno, a travu u plavo. "Objektivna uvjerljivost" je žrtvovana zakonima vizualne percepcije. Na primjer, J. Seurat je svima oduševljeno ispričao kako je otkrio da je narandžasti obalni pijesak u hladu jarko plave boje. Tako je princip kontrastne percepcije komplementarnih boja stavljen u osnovu slikovne metode.

Za impresionističkog umjetnika, uglavnom, nije važno ono što prikazuje, već je važno “kako”. Predmet postaje samo povod za rješavanje čisto slikovnih, „vizualnih“ zadataka. Stoga je impresionizam prvobitno imao još jedno, kasnije zaboravljeno ime - "hromantizam" (od grčkog Chroma - boja). Impresionisti su ažurirali kolorit, napustili su tamne, zemljane boje i primijenili čiste, spektralne boje na platno, gotovo bez da ih prvo miješaju na paleti. Naturalizam impresionizma sastojao se u činjenici da se najnezanimljivije, najobičnije, prozaično pretvorilo u lijepo, čim je umjetnik tamo vidio suptilne nijanse sive i plave.

Karakteristična je sažetost, etidna priroda kreativne metode impresionizma. Uostalom, samo kratka studija omogućila je precizno bilježenje pojedinačnih stanja prirode. Impresionisti su prvi raskinuli sa tradicionalnim principima prostornog slikarstva koji datiraju iz renesanse i baroka. Koristili su asimetrične kompozicije kako bi bolje istakli likove i predmete koji su ih zanimali. Ali paradoks je bio da su impresionisti, nakon što su napustili naturalizam akademske umjetnosti, uništili njene kanone i proglasili estetsku vrijednost fiksiranja prolaznim, nasumičnima, ostali zarobljeni naturalističkom razmišljanju, pa čak i, štoviše, na mnogo načina to je bio korak unazad. . Možemo se prisjetiti riječi O. Spenglera da "Rembrandtov pejzaž leži negdje u beskrajnim prostorima svijeta, dok je pejzaž Claudea Monea blizu željezničke stanice"

Izraz "ruski impresionizam" prije samo godinu dana sjekao je uvo prosječnog građanina naše ogromne zemlje. Svaka obrazovana osoba zna za lagani, vedri i poletni francuski impresionizam, može razlikovati Moneta od Maneta i prepoznati Van Gogove suncokrete iz svih mrtvih priroda. Netko je čuo nešto o američkoj grani razvoja ovog smjera slikarstva - urbaniji u odnosu na francuske pejzaže Hassama i portrete Chasea. Ali istraživači raspravljaju o postojanju ruskog impresionizma do danas.

Konstantin Korovin

Istorija ruskog impresionizma započela je slikom Konstantina Korovina „Portret horosne devojke“, kao i nerazumevanjem i osudom javnosti. Kada sam prvi put video ovo delo, I. E. Repin nije odmah poverovao da je delo uradio ruski slikar: „Španac! Vidim. Hrabro, sočno piše. Divno. Ali to je samo slikanje radi slikanja. Španac, međutim, temperamenta...”. I sam Konstantin Aleksejevič počeo je da slika svoja platna na impresionistički način još u studentskim godinama, pošto nije bio upoznat sa slikama Sezana, Moneta i Renoara, mnogo pre svog putovanja u Francusku. Samo zahvaljujući iskusnom oku Polenova, Korovin je saznao da koristi tehniku ​​Francuza tog vremena, do koje je došao intuitivno. Istovremeno, ruskog umjetnika izdaju teme koje koristi za svoje slike - priznato remek-djelo "Sjeverna idila", napisano 1892. godine i pohranjeno u Tretjakovskoj galeriji, pokazuje nam Korovinovu ljubav prema ruskoj tradiciji i folkloru. Ovu ljubav je umjetniku usadio "Mamutovski krug" - zajednica kreativne inteligencije, u kojoj su bili Repin, Polenov, Vasnetsov, Vrubel i mnogi drugi prijatelji poznatog filantropa Savva Mamontova. U Abramcevu, gde se nalazilo imanje Mamontova i gde su se okupljali članovi umetničkog kruga, Korovin je imao sreću da upozna i radi sa Valentinom Serovom. Zahvaljujući ovom poznanstvu, rad već ostvarenog umjetnika Serova dobio je obilježja laganog, svijetlog i poletnog impresionizma, što vidimo u jednom od njegovih ranih radova - „Otvoreni prozor. Jorgovan".

Portret horne djevojke, 1883

Sjeverna idila, 1886

Ptičja trešnja, 1912

Gurzuf 2, 1915

Pristanište u Gurzufu, 1914

Pariz, 1933

Valentin Serov

Serovljevo slikarstvo je prožeto osobinom svojstvenom samo ruskom impresionizmu - njegove slike odražavaju ne samo utisak onoga što je umjetnik vidio, već i stanje njegove duše u ovom trenutku. Na primjer, na slici "Markov trg u Veneciji", naslikanoj u Italiji, u koju je Serov otišao 1887. godine zbog teške bolesti, preovlađuju hladni sivi tonovi, što nam daje predstavu o stanju umjetnika. Ali, unatoč prilično sumornoj paleti, slika je referentno impresionističko djelo, jer je na njoj Serov uspio uhvatiti stvarni svijet u njegovoj pokretljivosti i promjenjivosti, prenijeti svoje prolazne utiske. U pismu svojoj nevesti iz Venecije, Serov je napisao: „U ovom veku piše se sve što je teško, ništa ohrabrujuće. Želim, želim ono što raduje, a pisaću samo ono što raduje.”

Otvori prozor. Jorgovan, 1886

Trg svetog Marka u Veneciji, 1887

Djevojka sa breskvama (Portret V. S. Mamontove)

Krunisanje. Potvrda Nikole II u Sabornoj crkvi Uspenja, 1896

Djevojka obasjana suncem, 1888

Kupanje konja, 1905

Aleksandar Gerasimov

Jedan od učenika Korovina i Serova, koji je usvojio njihov izražajan potez kista, svetlu paletu i etide stil pisanja, bio je Aleksandar Mihajlovič Gerasimov. Procvat umjetnikovog rada došao je u vrijeme revolucije, što se nije moglo ne odraziti u zapletima njegovih slika. Uprkos činjenici da je Gerasimov dao svoj kist u službu partije i postao poznat po svojim izvanrednim portretima Lenjina i Staljina, nastavio je da radi na impresionističkim pejzažima koji su mu bili bliski. Rad Aleksandra Mihajloviča „Posle kiše“ otkriva nam umetnika kao majstora prenošenja vazduha i svetlosti na sliku, što Gerasimov duguje uticaju svojih eminentnih mentora.

Slikari na Staljinovoj dači, 1951

Staljin i Vorošilov u Kremlju, 1950-ih

Posle kiše. Mokra terasa, 1935

Mrtva priroda. Poljski buket, 1952

Igor Grabar

U razgovoru o kasnom ruskom impresionizmu ne može se ne osvrnuti na rad velikog umjetnika Igora Emanuiloviča Grabara, koji je zahvaljujući brojnim putovanjima po Evropi usvojio mnoge tehnike francuskih slikara druge polovine 19. stoljeća. Koristeći se tehnikama klasičnih impresionista, Grabar na svojim slikama prikazuje apsolutno ruske pejzažne motive i svakodnevne scene. Dok Monet slika rascvjetale vrtove Givernyja, a Degas slika prelijepe balerine, Grabar istim pastelnim bojama prikazuje surovu rusku zimu i život na selu. Grabar je najviše volio da na svojim platnima prikazuje mraz i posvetio mu je čitavu zbirku radova, koja se sastoji od više od stotinu malih raznobojnih skica nastalih u različito doba dana i po različitom vremenu. Teškoća rada na takvim crtežima bila je u tome što se boja stvrdnula na hladnoći, pa sam morao raditi brzo. No, upravo je to omogućilo umjetniku da rekreira „isto taj trenutak“ i prenese svoj utisak o njemu, što je glavna ideja klasičnog impresionizma. Često se stil slikanja Igora Emmanuiloviča naziva naučnim impresionizmom, jer je pridavao veliku važnost svjetlu i zraku na platnima i stvorio mnoge studije o reprodukciji boja. Štaviše, njemu dugujemo hronološki raspored slika u Tretjakovskoj galeriji, čiji je direktor bio 1920-1925.

Brezov sokak, 1940

Zimski pejzaž, 1954

Inje, 1905

Kruške na plavom stolnjaku, 1915

Ugao imanja (Zraka sunca), 1901

Yuri Pimenov

Potpuno neklasičan, ali ipak, impresionizam se razvio u sovjetsko doba, čiji je istaknuti predstavnik Jurij Ivanovič Pimenov, koji je nakon rada u stilu ekspresionizma došao do slike "prolaznog dojma u pastelnim bojama". Jedno od najpoznatijih Pimenovljevih djela je slika "Nova Moskva" iz 1930-ih - lagana, topla, kao da je naslikana Renoirovim prozračnim potezima. Ali u isto vrijeme, radnja ovog djela potpuno je nespojiva s jednom od glavnih ideja impresionizma - odbacivanjem upotrebe društvenih i političkih tema. "Nova Moskva" Pimenov upravo savršeno odražava društvene promjene u životu grada, koje su oduvijek inspirirale umjetnika. „Pimenov voli Moskvu, njenu novu, njene ljude. Slikar velikodušno daje ovaj osjećaj gledaocu”, napisao je umjetnik i istraživač Igor Dolgopolov 1973. godine. I zaista, gledajući slike Jurija Ivanoviča, prožeti smo ljubavlju prema sovjetskom životu, novim četvrtima, lirskim udomljavanjem i urbanizmom, uhvaćenim u tehnici impresionizma.

Pimenovljev rad još jednom dokazuje da sve "rusko", doneseno iz drugih zemalja, ima svoj poseban i jedinstven put razvoja. Tako je francuski impresionizam u Ruskom Carstvu i Sovjetskom Savezu apsorbirao crte ruskog svjetonazora, nacionalnog karaktera i načina života. Impresionizam kao način prenošenja samo percepcije stvarnosti u njenom čistom obliku ostao je stran ruskoj umjetnosti, jer je svaka slika ruskih umjetnika ispunjena značenjem, sviješću, stanjem promjenjive ruske duše, a ne samo prolaznim dojmom. Stoga će sledećeg vikenda, kada će Muzej ruskog impresionizma ponovo predstaviti glavnu izložbu Moskovljanima i gostima prestonice, svako pronaći nešto za sebe među senzualnim portretima Serova, Pimenovljevim urbanizmom i pejzažima netipičnih za Kustodijeva.

Nova Moskva

Lirsko domaćinstvo, 1965

Svlačionica Boljšoj teatra, 1972

Rano jutro u Moskvi, 1961

Pariz. Rue Saint-Dominique. 1958

Stjuardesa, 1964

Možda za većinu ljudi imena Korovina, Serova, Gerasimova i Pimenova još uvijek nisu povezana s određenim stilom umjetnosti, ali Muzej ruskog impresionizma, koji je otvoren u maju 2016. u Moskvi, ipak je sakupio djela ovih umjetnika pod jedan krov.

Impresionizam (franc. impressionnisme, od impression - utisak), pravac u umetnosti poslednje trećine 19. - početka 20. veka, čiji su majstori, fiksirajući svoje prolazne impresije, nastojali da što prirodnije i nepristrasnije zahvate stvarni svet u njegovoj pokretljivosti i pokretljivosti. varijabilnost. Impresionizam je nastao u francuskom slikarstvu kasnih 1860-ih. Edouard Manet (koji formalno nije bio član grupe impresionista), Degas, Renoir, Monet unijeli su svježinu i neposrednost u percepciju života u likovnoj umjetnosti.

Francuski umjetnici su se okrenuli prikazu trenutnih situacija istrgnutih iz toka stvarnosti, duhovnom životu čovjeka, prikazu jakih strasti, produhovljenju prirode, zanimanju za nacionalnu prošlost, želji za sintetičkim oblicima umjetnosti spojeni su sa motivi svjetske tuge, želja za istraživanjem i ponovnim stvaranjem "sjenke", "noćne" strane ljudske duše, sa čuvenom "romantičnom ironijom" koja je omogućila romantičarima da hrabro upoređuju i izjednačavaju visoko i nisko, tragično i strip, stvarno i fantastično. Impresionistički umjetnici koristili su fragmentarne realnosti situacija, koristili naizgled neuravnotežene kompozicione konstrukcije, neočekivane uglove, tačke gledišta, krojeve figura.

1870-1880-ih godina formira se pejzaž francuskog impresionizma: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley razvili su konzistentan plener sistem, stvorili na svojim slikama osjećaj svjetlucave sunčeve svjetlosti, bogatstva boja prirode, rastačenosti. oblika u vibraciji svetlosti i vazduha. Naziv smjera potiče od naziva slike Claudea Moneta "Impression. Rising Sun" ("Impression. Soleil levant"; izložena 1874., sada u Musée Marmottan, Pariz). Dekompozicija složenih boja na čiste komponente, koje su se na platno nalagale u zasebnim potezima, obojenim sjenama, odsjajima i valerijem, dale su povod za neusporedivo svijetlo, drhtavo impresionističko slikarstvo.

Određene aspekte i tehnike ovog trenda u slikarstvu koristili su slikari iz Njemačke (M. Lieberman, L. Corinth), SAD (J. Whistler), Švedske (A.L. Zorn), Rusije (K.A. Korovin, I.E. Grabar) i mnogi drugi nacionalne umjetničke škole. Koncept impresionizma primijenjen je i na skulpturu 1880-1910-ih, koja ima neke impresionističke karakteristike - želju za prenošenjem trenutnog kretanja, fluidnost i mekoću forme, plastičnu skiciranost (radovi O. Rodina, bronzane statuete Degasa itd. .). Impresionizam u likovnoj umetnosti uticao je na razvoj izražajnih sredstava savremene književnosti, muzike i pozorišta. U interakciji iu kontroverzi sa slikovnim sistemom ovog stila, u umjetničkoj kulturi Francuske krajem 19. i početkom 20. stoljeća nastaju neoimpresionizam i postimpresionizam.

neoimpresionizam(francuski neo-impressionnisme) - trend u slikarstvu koji je nastao u Francuskoj oko 1885. godine, kada su njegovi glavni majstori, J. Seurat i P. Signac, razvili novu slikarsku tehniku ​​divizionizma. Francuski neoimpresionisti i njihovi sljedbenici (T. van Reiselberg u Belgiji, G. Segantini u Italiji i drugi), razvijajući tendencije kasnog impresionizma, nastojali su primijeniti moderna otkrića u oblasti optike na umjetnosti, dajući metodički karakter metode razlaganja tonova u čiste boje; istovremeno su nadvladali slučajnost, rascjepkanost impresionističke kompozicije, pribjegli su ravno-dekorativnim rješenjima u svojim pejzažima i višefiguralnim panelnim slikama.

postimpresionizam(od lat. post - poslije i impresionizam) - zbirni naziv glavnih pravaca u francuskom slikarstvu s kraja 19. - početka 20. stoljeća. Od sredine 1880-ih, postimpresionistički majstori tragaju za novim izražajnim sredstvima koja mogu nadvladati empirizam umjetničkog mišljenja i omogućiti im da od impresionističke fiksacije pojedinačnih trenutaka života pređu na utjelovljenje njegovih dugotrajnih stanja, materijalnih i duhovne konstante. Period postimpresionizma karakteriše aktivna interakcija pojedinačnih trendova i individualnih kreativnih sistema. Postimpresionizmom se obično smatraju radovi majstora neoimpresionizma, grupe Nabis, kao i V. van Gogha, P. Cezannea, P. Gauguina.

Referentni i biografski podaci "Galerije slikanja Planeta Small Bay" pripremljeni su na osnovu materijala "Istorije strane umetnosti" (uredili M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "Umjetničke enciklopedije strane klasične umjetnosti", "Velikog Ruska enciklopedija".

Mnoga od Manetovih traganja pokupila je i razvila grupa umjetnika koji su u povijest umjetnosti ušli pod imenom impresionisti. Impresionizam, poslednji veliki umetnički pokret u umetnosti 19. veka, nastao je u Francuskoj 1860-ih. Njegovo ime dolazi od francuske riječi impression - utisak. Tako se zvao pejzaž Claudea Moneta ("Impression. Sunrise", 1872), prikazan 1874. zajedno sa radovima drugih mladih francuskih umjetnika na izložbi "nezavisnih" u Nadarovom fotografskom studiju u Parizu. Ovo je bila prva izložba impresionista, iako su u to vrijeme vodeći predstavnici impresionizma već bili potpuno formirani umjetnici.
Impresionizam je složena umjetnička pojava koja do danas često izaziva oprečne ocjene. To je dijelom zbog činjenice da su s njim bili povezani umjetnici naglašene individualnosti, često vrlo različitih kreativnih traganja. Međutim, neke važne zajedničke karakteristike omogućavaju ujedinjavanje velikog broja majstora francuske likovne umjetnosti (kao i književnosti i muzike) u jedan pokret.
Impresionizam je nastao u dubinama francuske realističke umjetnosti. Mladi predstavnici ovog trenda sebe su nazivali sljedbenicima Courbeta. Poput realizma iz sredine 19. vijeka, impresionizam se, posebno u ranim fazama svog razvoja, neprijateljski suprotstavljao zvaničnoj akademskoj umjetnosti. Umjetnike impresioniste Salon je odbacio, njihova umjetnost naišla je na žestoke napade zvanične kritike.
Prateći majstore realizma iz sredine veka, impresionisti su se suprotstavljali smrtnoj, odvojenoj od života akademske umetnosti. Svojim glavnim zadatkom smatrali su sliku moderne stvarnosti u njenim različitim pojedinačnim manifestacijama. Pokušali su da uhvate najjednostavnije motive savremenog života i prirode, koji su rijetko prije privlačili pažnju umjetnika. Protestujući protiv suhoće i apstraktnosti akademske umjetnosti, protiv njenih uvjetnih pečata i shema, impresionisti su nastojali prenijeti svu svježinu svojih neposrednih utisaka stvarnosti, šareno bogatstvo vidljivog svijeta, njegovu raznolikost i promjenjivost. Otuda - potraga za novim kreativnim metodama, karakterističnim za impresionizam, razvoj nekih novih sredstava umjetničkog izražavanja. Prije svega, riječ je o osebujnom razumijevanju kompozicije, slobodnom, direktnom, kao da je slučajno, zanimanju za prijenos dinamike okolnog svijeta, i na kraju, posebna pažnja na slikovne probleme, na prijenos svjetlosti i zraka. Postavljajući kao obavezan uslov rada na igraču, impresionisti su obogatili slikarstvo mnogim kolorističkim dostignućima, prevazišli konvencionalnost raspona boja, karakterističnu za većinu njihovih prethodnika, postigli veliki uspeh u prenošenju svetlo-zračnog medija, efekta svjetlo na boji. Sve to slikarstvu impresionista daje svježinu i šareno bogatstvo.
Međutim, odajući počast neospornim realističkim dostignućima impresionista, ne može se ne primijetiti ograničenost njihovog pogleda na svijet i metoda. Sam pristup impresionista prikazivanju stvarnosti bio je pun opasnosti da skliznu sa površine pojava, da odbace veliki život i, još više, društvene generalizacije. Nastojeći, prije svega, najdirektnije prenijeti svijet oko sebe, impresionisti pridaju vodeću važnost vizualnom dojmu. Fiksiranje prolaznih, prolaznih vizuelnih senzacija u njihovom radu dostiže neverovatnu autentičnost, ali ponekad zamenjuje duboko i sveobuhvatno poznavanje sveta. Stoga, iako je umjetnost impresionizma obogaćena novim temama i motivima, više ne rješava velike teme od velikog društvenog značaja. Impresionisti su savršeno prenijeli prirodu, ispunjenu suncem i zrakom, prelijepim svjetlucanjem boja i igrom svjetlosti; uhvatili su na svoja platna zadivljujući sjaj i dinamiku modernog života; otkrili su umjetničku vrijednost mnogih motiva stvarnosti; ali su se pokazali nesposobnim da izraze napredne demokratske ideale svog vremena. Socijalni, a ponekad i psihološki problemi prestaju da zanimaju ove umjetnike, a njihova umjetnost gubi aktivni društveni značaj koji su u Francuskoj imali progresivni romantizam i demokratski realizam. Stoga se već u vezi s impresionizmom može govoriti o elementima krize realističke umjetnosti koja je lišena istinski demokratskog sadržaja i kritičke oštrine.
Ideološka ograničenja ovog trenda bila su glavni razlog kratkog trajanja njegovog procvata. Uspon impresionizma datira iz 1870-ih i ranih 1880-ih. Godine 1886. održana je posljednja izložba impresionista, ali su već prije nje postojale značajne razlike u grupi. I iako u budućnosti mnogi istaknuti majstori impresionizma i dalje nastavljaju raditi, oni ili odstupaju od principa ovog trenda, doživljavajući nezadovoljstvo njegovim ograničenjima (Renoir), ili više ne stvaraju ništa suštinski novo. Za krizu koju impresionizam doživljava od sredine 1880-ih, značajno je posebno da se mnoga dostignuća ovog trenda, dovedena do ekstrema, pretvaraju u svoju suprotnost. U to vrijeme neki umjetnici, sve više ravnodušni prema sadržaju svoje umjetnosti, daju svu svoju snagu slikovnim i tehničkim traganjima, često ih kombinujući sa dekorativnim trendovima (C. Monet). Želja da što preciznije prenesu sunčevu svjetlost dovodi ih do pretjeranog posvjetljivanja palete, želja da se uhvati vibracija zraka - do zloupotrebe sistema odvojenih poteza. Uporna tehnička istraživanja u području svjetla i boja često se vrše na štetu plastične forme i uzorka. Mnogi impresionisti, odbijajući tematsku sliku radnje, dolaze do etide, zanemarujući cjelovitu, promišljenu, holističku kompoziciju.
Do 1886. svi zadaci koje je impresionizam postavio bili su riješeni. Dalji razvoj u oblasti uskih zadataka ovog pravca bio je nemoguć, hitno je zahtevao formulisanje novih velikih tema, dubljih problema, kao i veću širinu i raznovrsnost kreativnog metoda.
Nakon što je nastao i dostigao svoj puni procvat u Francuskoj, od kasnih 1880-ih, impresionizam se proširio i na druge zemlje, gdje su se ovom trendu pridružili mnogi istaknuti umjetnici.
Edgar Degas. Najveći francuski umjetnik tog vremena Edgar Degas (1834-1917) bio je blisko povezan s impresionizmom. Bio je jedan od organizatora i učesnika gotovo svih izložbi impresionista. Međutim, u ovoj struji Degas zauzima posebno mjesto. Sa impresionizmom ga vezuje želja da uhvati dinamiku savremenog života, interesovanje za prenos svetlosti, neka slikovna i koloristička traženja. U isto vrijeme, mnogo toga u metodi impresionista bilo mu je duboko strano. Posebno nije odobravao njihovu posvećenost vizuelnom dojmu, smatrajući njihov pristup stvarnosti previše pasivnim. Degas je negirao da je radio na plejeru i napravio je skoro sve njegove slike u studiju. Sažimajući svoja zapažanja o prirodi, umjetnik je uvijek nastojao prenijeti njenu suštinu i karakter. “Nemoguće je zamisliti umjetnost manje direktno od moje”, rekao je Degas. “Moj rad je rezultat promišljanja, studija majstora, stvar je inspiracije, karaktera, strpljivog zapažanja.”
Degas je prošao akademsku školu u Lamotteovoj radionici. Strast prema Ingresu i Poussinu ogledala se u mnogim ranim radovima umjetnika, riješenim u klasičnom duhu (“Takmičenje spartanskih dječaka i djevojčica”, 1860, London, Nacionalna galerija). Već na ovim slikama se očituje izbrušeno majstorstvo crteža, svojstveno Degau, interesovanje za prenošenje pokreta, kao i želja da se akademsko slikarstvo obnovi oštrim posmatranjem prirode. U budućnosti, Degas se okreće isključivo slici modernog života. Karakteristične crte Degasove vještine isprva su se očitovale u njegovim portretima, od kojih se mnogi mogu nazvati najboljim primjerima realističkog portreta modernog doba. Oni istinito i precizno prenose modele, odlikuju ih ozbiljnost i suptilnost psiholoških karakteristika, originalnost kompozicionih rješenja, klasična strogost crteža, istančano ovladavanje bojom. Među njima su portret porodice Beleli (1860-1862, Luvr), portret žene (1867, Pariz, Luvr), portret oca umetnika i gitariste Pagana (oko 1872, Čikago, privatna kolekcija ) i zadivljujuće hrabrosti, živosti i neposrednosti odluke portreta Lepića sa kćerima (Trg Konkord, 1873).
Degasova žanrovska djela čine briljantnu sliku običaja modernog Pariza. Teme su im raznolike i pokrivaju mnoge fenomene moderne stvarnosti. Oštrina zapažanja i pažljivo proučavanje prirode u njima se često kombiniraju sa zajedljivom ironijom i pesimističnim odnosom prema prikazanom. Degas svoju pažnju često usmjerava na neprivlačne aspekte stvarnosti i prenosi ih hladnom nemilosrdnošću svojstvenom njegovom skeptičnom umu. To je karakteristično za njegove slike koje prikazuju život boemije, posjetitelje kafića, pjevače koji nastupaju na kafe-koncertima. Tako je na čuvenoj slici "Absint" 1876., Louvre) Degas uspio sa velikom realističkom uvjerljivošću i oštrinom uhvatiti karakterističan prizor modernog života i stvoriti izražajne slike dvoje palih ljudi.
Omiljena tema Degasovog rada bili su pozorište i balet. Umjetnik jednako vješto oslikava dosadnu, zamornu svakodnevicu balerina - lekcije, probe, scene u svlačionicama i šarenu, svečanu ekstravaganciju baletskih predstava. U ovim radovima se ogleda Degasova inherentna sposobnost da uhvati i prenese često prolazne, trenutne, ali uvijek karakteristične položaje i pokrete figura, izraze lica.
Degasovu pažnju privukle su i scene rada. U brojnim slikama praonica (Pariz, Luvr; Njujork, privatna kolekcija) umetnica je uspela da prenese i teret rada i njegovu zamornu monotoniju. U ovim djelima Degas se često uzdiže do društvenih generalizacija u karakterističnim i oštro prenesenim slikama žena iz naroda. Istina, za razliku od Daumiera, njega ne odlikuje želja da se istakne moralna snaga i dostojanstvo običnog čovjeka.
Degasov slikarski manir razvija se od pedantnosti izvođenja u njegovim ranim radovima do sve veće slobode i širine. U svom slikarskom traganju on se na mnogo načina približava impresionistima; njegova paleta posvjetljuje, koristi čistu boju, nameće je zasebnim potezima ili potezima (u pastelnim bojama). Umetnik pokazuje veliko interesovanje za prenos svetlosti (uglavnom veštačke) i vazduha. Ovo posljednje je posebno vidljivo u mnogim prikazima konjskih trka. Međutim, približan, monoton i ograničen način impresionista za njega je bio neobičan. Živopisna pretraživanja, tehnički eksperimenti, razvoj oštrih i raznovrsnih Degasovih rješenja u boji u kombinaciji sa strogim crtežom i velikom pažnjom na kompoziciju. Uz svu svoju živost, iznenađenje i neposrednost, Degasove kompozicije su uvijek pažljivo osmišljene i majstorski konstruirane.
U kasnom periodu stvaralaštva, Degas je radio uglavnom u pastelima, često prikazujući aktove. To su obično žene, zauzete pranjem, češljanjem, izlaskom iz kade, oblačenjem. Umjetnik u ovim djelima oštro bilježi različite, ponekad nezgrapne i ružne pokrete ljudskog tijela.Svi ovi radovi odlikuju se visokim i originalnim umijećem. Međutim, Degasov gotovo isključivi apel na sliku akta svjedoči o dobro poznatim ideološkim i tematskim ograničenjima njegovog kasnog stvaralaštva.
Pored uljanih slika i pastela, Degas je ostavio mnoga dela u grafici. Izradio je i niz skulptura (balerine, konji džokeji, aktovi), uglavnom na kraju života, kada je, zbog skoro potpunog gubitka vida, bio lišen mogućnosti da se bavi slikarstvom.
Degas je imao veliki uticaj na mnoge francuske umetnike kasnog 19. veka, posebno na takozvane "slikare Monmartra". Najznačajniji od Degasovih sljedbenika bio je Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901), oštar crtač i suptilni kolorista, koji je mnogo radio na plakatu i stvorio u brojnim litografijama ekspresivne, često satirične, slike pariške boemije ne bez kritičke. karakteristike.
Pierre Auguste Renoir. Djelo Renoira (1841-1919), jednog od najistaknutijih predstavnika impresionizma, ima sasvim drugačiji karakter. Za razliku od Degasa, on je bio vedar umjetnik koji je na svojim platnima hvatao poetske slike modernih Parižana i živopisne prizore pariškog života. Renoir je svoju umjetničku karijeru započeo kao slikar porculana. U Gleyreovoj radionici, gdje je kratko studirao slikarstvo, Renoir se zbližio sa C. Moneom i Sisleyem, dijeleći s njima odbacivanje akademske rutine i Courbetovu strast. Uticaj potonjeg obilježio je mnoga Renoirova djela nastala 1860-ih, na primjer, "Taverna tetke Antonije" (1865, Stokholm, Nacionalni muzej), portret Sisleya sa suprugom (1868, Keln, Muzej Wallraf-Richart), "Lisa" (1867, Essen, Folkwang muzej). Već u ovim ranim radovima Renoir je veliku pažnju posvetio prenošenju svjetla i slikovnim i kolorističkim problemima.
Slike nastale kasnih 1860-ih, posebno "Žaba" (1868-1869, Moskva, Puškinov muzej), označavaju početak impresionističkog perioda u umjetnikovom stvaralaštvu, kada izvodi svoja najpoznatija djela. U to vrijeme (kraj 1860-ih i 1870-ih) slikao je uglavnom portrete i žanrovske slike, poklanjajući određenu pažnju pejzažu.
Među Renoirovim portretima najuspješniji su dječji i ženski. Njegova dela kao što su Loža (1874, London, Institut Courtauld), Djevojka s lepezom (Ermitaž), Portret Madame Charpentier sa djecom (1878, New York, Metropolitan Museum of Art), Portret umjetnika Samary (1877, Moskva, Puškinov muzej), rekreiraju karakteristične slike savremenih Parižana, njihov osebujni, jedinstveni šarm. Ovi portreti se ne mogu nazvati psihološkim, ali privlače likovnom vještinom i uvjerljivošću prenosa modela, živošću izraza, osebujnom poezijom i osjećajem punoće života svojstvenom većini Renoirovih djela.
Renoirove žanrovske slike se ne razlikuju po raznolikosti ili značaju tematike. Šetnje Parižana van grada, praznici na otvorenom - to su zapleti mnogih njegovih slika. U njima se, kao iu svim umjetnikovim djelima, ogleda njegov vedar stav i pomalo površan, nepromišljen odnos prema stvarnosti. Ali njihovo dostojanstvo je svježina i neposrednost interpretacije, sposobnost da se osjeti poetski šarm jednostavnih motiva, da se otkrije slikovito bogatstvo stvarnosti. Njegova kolorit postaje zvučna, raznolika i prelijepa, jarka sunčeva svjetlost preplavljuje njegova platna, šarolika bučna pariška gomila se daje u jedinstvo s okolnim svjetlom i zračnim okruženjem, brišući konture figura i lišavajući objekte njihove plastične sigurnosti („Moulin de la Galette”, 1876, Pariz, Luvr; Doručak čamca, 1881, Washington, Phillips Gallery). Prihvatajući principe i metode impresionizma tokom ovog perioda, Renoir, međutim, u punoj meri zadržava svoj individualni pogled na svet i tehnike. Njegova slikarska tehnika kombinuje frakcioni potez kista i glazuru karakterističnu za impresioniste, što daje Renoirovim platnima ne samo rijetko koloritno bogatstvo, već i kolorističko jedinstvo.
U kasnom periodu stvaralaštva, Renoir se udaljava od impresionizma. „Došao sam do granica impresionizma i izjavio da ne znam ni da pišem ni da crtam“, napisao je umetnik ranih 1880-ih. Problem prenošenja svjetlosti i zraka ga u ovom trenutku mnogo manje zaokuplja, više pažnje poklanja kompoziciji, teži generalizaciji, monumentalnosti, plastičnoj sigurnosti u interpretaciji figura. Međutim, sve promjene koje se događaju u umjetnikovom stvaralaštvu odnose se isključivo na formalnu stranu njegove umjetnosti. U ovom trenutku Renoir dodatno ograničava temu svog rada, fokusirajući se prvenstveno na prikaz akta. Fascinacija formalnim problemima kombinira se s čisto dekorativnim tendencijama, što u konačnici dovodi do značajne konvencionalnosti u interpretaciji oblika i boja u mnogim kasnijim radovima umjetnika.
Claude Monet. Sve crte impresionizma našle su najpotpuniji izraz u djelu Claudea Moneta (1840-1926). Bio je predvodnik ovog trenda, prvi je formulisao njegove principe, razvio igrački program i slikarsku tehniku ​​karakterističnu za impresionizam. Mnoga dostignuća ovog pokreta vezana su za njegovo ime. A istovremeno su se upravo u Moneovoj umjetnosti posebno jasno očitovala ograničenja impresionizma i kriza koju je doživljavao od sredine 1880-ih.
Moneovi rani radovi povezuju impresionizam sa realističkom umjetnošću Courbeta, Corota i Daubignyja, a svjedoče i o utjecaju E. Maneta. To su uglavnom pejzaži, portreti i figurativne kompozicije na otvorenom: "Doručak na travi" (1866, Moskva, Puškinov muzej), "Kamila" (1866, Bremen, Muzej), "Žena u bašti" (1865-1866). , Ermitaž). Mnogi od njih su naslikani na pleneru, umjetnik posvećuje veliku pažnju prenosu svjetlosti u njima. Od kasnih 1860-ih Monet se gotovo isključivo bavi pejzažom, prenoseći na svojim platnima direktne utiske prirode ili pogleda na grad, pridajući sve veći značaj prenosu svjetla i zraka. Najbolji period njegovog stvaralaštva su 1870-te, kada stvara uvjerljive i raspoložene slike francuske prirode, koje se odlikuju velikom svježinom i kolorističkom slobodom. U to vrijeme pronalazi mnogo novih pejzažnih motiva, jednostavnih, ali atraktivnih, uvodi u umjetnost sliku grada, trgova i bulevara, animiranih treperavim kočijama i užurbanom gomilom. Da bi izrazio ove motive, umetnik traži odgovarajuće slikarske tehnike - živahne, čiste boje, drhtanje, odvojeni potez kistom ("Kapucinski bulevar u Parizu", 1873, Moskva, Puškinov muzej, pejzaži rađeni u Argenteuil-u). Međutim, u budućnosti, fiksiranje prolaznog svjetla i atmosferskih efekata često postaje samo sebi svrha za Moneta. Forma i obrisi predmeta rastvaraju se u svjetlo-vazdušnom mediju, gube svoju gustoću i materijalnost, pretvaraju se u nestabilne šarene mrlje. Monet je težio naučnoj tačnosti u prenošenju uticaja svetlosti i vazduha na lokalne boje predmeta, proučavao je zakone komplementarnih boja, poklanjajući posebnu pažnju prenošenju refleksa, i na tom putu tehničkog istraživanja došao do značajnih preterivanja. Formalno-tehnička strana zamenila je duboko poznavanje i otkrivanje stvarnosti u njegovom stvaralaštvu i zamaglila integralnu umetničku sliku u mnogim kasnijim radovima. Sam motiv prirode prestaje da zanima umetnika i pretvara se samo u povod za prenos boja i svetlosnih i vazdušnih efekata. Ovo je posebno značajno za Monetov rad od kasnih 1880-ih, kada je stvorio niz pejzaža koji prikazuju isti motiv u različito doba dana: niz plastova sijena, ruanske katedrale, pogled na Temzu, Veneciju. Percepcija prirode u ovim djelima postaje sve subjektivnija, a želja za prenošenjem prolaznih vizualnih dojmova dovodi do odbacivanja kompozicijski izgrađene slike i njezine zamjene slučajnom skicom. Mnoga kasnija Monetova djela obilježena su ne samo formalnim tehničkim, već i dekorativnim tragovima. To u nekim slučajevima određuje značajnu konvencionalnost i promišljenost kompozicionih i kolorističkih rješenja (serija "Vode").
Kao vođa francuskog impresionizma, Monet je imao veliki uticaj na brojne umetnike koji su se pridružili ovom pokretu i radili uglavnom u oblasti pejzaža. Među njima, prije svega zaslužuju spomenuti Pissarro i Sisley.
Camille Pissarro. Camille Pissarro (1830-1903) u svojim ranim radovima razvija tradiciju francuskog realističkog pejzaža (Courbet, Corot, Barbizon). Zatim, od kraja 1860-ih, zbliživši se s E. Manetom i mladim umjetnicima grupisanim oko njega, Pissarro se okreće igraču, osvijetljenoj, prelivenoj paleti i postaje jedan od karakterističnih predstavnika francuskog impresionizma. Na svojim slikama Pissarro je prikazao ulice Ruena i Pariza, njegova predgrađa i okolinu, obale Sene, livade i seoske puteve. Za razliku od drugih impresionista, on često uvodi likove seljaka u svoje seoske pejzaže. Kao i svi impresionisti, Pissarro posvećuje veliku pažnju slikovnim traganjima, prenošenju svjetlosti i zraka. Međutim, svjetlosni i zračni efekti rijetko postaju glavni motiv na njegovim slikama. U svojim najboljim pejzažima Pissarro svesrdno sagledava prirodu, prenosi bogatstvo i raznolikost njenog života. Sažimajući svoje neposredne dojmove, umjetnik obično pažljivo promišlja kompozicionu strukturu krajolika i zna dati monumentalnost najobičnijim motivima.
Alfred Speley. Lirskije je bilo djelo Alfreda Sisleya (1839-1899). Moneov drug u Gleyreovoj radionici, pridružio se Corou i Daubignyju u svojim ranim radovima, a zatim postao jedan od prvih učesnika impresionističkih izložbi. Radeći isključivo na polju pejzažnog slikarstva, Sisley je obično slikao prirodu Ile de Francea. Privlačili su ga intimni, direktni motivi - polja, sela, obale rijeka i kanala, i znao je otkriti njihovu originalnost i privlačnost. Sisley je imao istančan osjećaj za boje, osjetljivo je hvatao promjenjivost prirode, stanje svjetlosnog i vazdušnog okruženja. Ali, usvajajući metodu impresionizma, bio je suzdržaniji u svojim formalno-tehničkim nastojanjima od drugih impresionista, posebno Moneta.