Annie light. Barnett Newman - dragi apstraktni umjetnik

Barnett Newman je najistaknutiji predstavnik američke divizije apstraktne umjetnosti. Rođen je 1905. godine u Njujorku. Uobičajeno je i drugo pravopis njegovog prezimena: Newman. U izvorima na engleskom jeziku poznat je kao Barnett Newman.

Koliko je slika ostalo

Inače, umjetnik Barnett Newman uništio je apsolutno sve svoje rane slike, četrdesetak godina rada je precrtano i, nažalost, nimalo pokretom kista. Stoga danas, govoreći o Newmanovom radu, istraživači analiziraju isključivo "preživjela" platna kasnog perioda u količini od 120 komada, koja se uklapaju u vremenski okvir od skoro dvadeset pet godina.

Faze formiranja

Roditelji su mu bili imigranti iz Poljske, porijeklom Jevreji. Mladi Barnett Newman studirao je slikarstvo u Ligi studenata umjetnosti, također poznatoj kao Liga studenata umjetnosti. Ovaj period kreativnosti karakteriziraju eksperimenti u stilu automatizma Jacksona Pollocka, zatim Barnetta Newmana zanese grafika, i on naglo uranja u ravan crteža sa nadrealnim tendencijama. Važno je napomenuti da je u isto vrijeme stvorio umjetničku školu zajedno s takvim ličnostima američkog slikarstva dvadesetog stoljeća kao što su Rothko, Motherwell i Baziotis.

Vrijeme je da se otvorimo

Prvu samostalnu izložbu, koja je predstavljala isključivo slike Barnetta Newmana, umjetnički kritičari doslovno su srušili u preglednim člancima. Rezultat je bila dugotrajna depresija i nevoljkost da svoj rad prikaže javnosti, s čime je umjetnik uspio da se izbori tek osam godina kasnije, kada je odlučio da izloži retrospektivu postojećih radova. Osim toga, upravo je u tom periodu Newman uništio sve svoje rane radove, pa se sa sigurnošću može reći da je bio ne samo zahtjevan majstor kista, već i ranjiv.

Najpoznatija djela Barnetta Newmana su slike naslikane između 1947. i 1970. godine. To su softverska platna, patetično nazvana, koja govore o neobjektivnom svijetu isključivo pokretom kista. "Zapovijed", "Jedinstvo", "Euklidov ponor", "Ponoćno plavo" i druga djela apstraktnog umjetnika danas čine privatne kolekcije, uključujući kolekciju umjetnikove porodice, a izložena su i u brojnim američkim muzejima. . Muzej moderne umjetnosti u New Yorku ima možda najkompletniju kolekciju koja pokriva različite periode umjetnikovog života.

Newman manner

Kritičari ga svrstavaju među predstavnike Amerikanaca.Tako istaknuti teoretičar kao što je Clement Greenberg dao je ovoj slici definiciju terenskog slikarstva koja se bukvalno zadržala za nju, što jasno pokazuje razliku između velikih aviona Rothka i Newmana nastalih na linearni način automatizam i blistav jarkim bojama. „Slikarstvo polja“ nimalo ne nagoveštava pastoralne pejzaže, već karakteriše ljubav dvojice majstora prema monohromatskim velikim horizontalnim ravnima u njihovim delima. Istraživači su smatrali da ovaj stil ima naglašen filozofski prizvuk, a granice tonova prikazanih na platnu zapravo ništa ne razdvajaju, što znači da je riječ o slici koja proklamuje jedan od glavnih američkih principa - slobodu.

Inspiracija

Inspiraciju Barnett Newman (umjetnik) crpio je iz filozofskih vrijednosti. On je još 1947. godine proglasio visokim ciljem svake umjetnosti - da ne bude trenutna, da se okrene epohalnim pojmovima: život, smrt, čovjek i priroda. Složena imena koja su davana platnima naglašavala su paletu osjećaja i emocija koje je umjetnik pokušao prenijeti samo jednom bojom u neobjektivnom svijetu. Nažalost, likovni kritičari su ovaj pristup mogli cijeniti mnogo kasnije.

Kako gledati na Newmanove slike

Među umjetnicima i ljubiteljima umjetnosti postoji neizgovoreno pravilo: da bi se stekao opći dojam o platnu, potrebno je udaljiti se od njega na udaljenosti koja je jednaka njegovoj visini. Sličan princip je djelovao od srednjeg vijeka do renesanse i mnogo kasnije, ali Barnett Newman je insistirao da se njegova platna gledaju samo iz blizine. Šta daje takav pristup? Efekat uranjanja gledaoca u svet šarenih polja. Kasnije je njujorški majstor čak počeo objavljivati ​​upute kako gledati svoja platna na izložbama.

Skupa kupovina

Ono što savremenici nisu prihvatali do kasnog perioda njegovog stvaralaštva, kasnije je, a posebno u naše vreme, cenjeno. Platna američkog majstora apstraktne umjetnosti povremeno se pojavljuju na najistaknutijim aukcijama, uključujući i čuvenu Sotheby's. Jedna od njih, koja je nedavno pala pod čekićem, procijenjena je na 30 miliona dolara.

A u isto vrijeme, umjetnikov rad ne izaziva isključivo pozitivne emocije kod svih. Onement VI Barnetta Newmana nazvao je jednim od najbezvrijednijih i najodvratnijih umjetničkih predmeta koji su se ikada pojavili na aukciji. Cijena slike na posljednjoj prodaji 2013. na Sotheby'su bila je više od 43 miliona dolara, dok je djelo bilo veliko platno ispunjeno plavom bojom sa okomitom, prilično ravnom prugom.

Kreacija se naziva takozvana munja za razliku od horizontalnih "polja". Ukupne dimenzije rada su 2,6 x 3 m.

Barnett Newman je posvetio "Anino svjetlo" svojoj pokojnoj majci. Strogo govoreći, ova stvar je horizontalno platno impresivnih dimenzija, ispunjeno karmin crvenom bojom. Godine 2013. "remek-djelo" je također stavljeno na aukciju i otišlo je pod čekić za 106 (!) miliona dolara.

Sa tehničke strane, platno je izvanredno po tome što se Newman morao boriti sa svjetlosnom snagom crvene boje, koja uzima dodatnu svjetlinu od prozirnog bijelog temeljnog platna. Nekoliko slojeva crvene boje skinulo je boju sa ovog kvaliteta i učinilo je "gluhom" i "žalosnom", kakva bi, prema mišljenju umjetnika, trebala biti u ovoj situaciji.

Barnet Newman, takođe Newman (eng. Barnett Newman; 29. ​​januar 1905, Njujork - 4. jul 1970, Njujork) - američki umetnik, istaknuti predstavnik apstraktnog ekspresionizma.

BIOGRAFIJA UMJETNIKA

Newman je rođen u porodici jevrejskih imigranata iz Poljske. Nakon što je studirao slikarstvo u Ligi studenata umjetnosti (Art Students League) kod Duncana Smitha, uspio je tek od 1937. godine da se potpuno posveti umjetnosti.

U početku je radio u maniru automatizma, stvarajući 1944-1945. niz kaligrafsko-nadrealističkih crteža i osnivajući umjetničku školu zajedno sa Williamom Baziotisom i Robertom Motherwellom 3 godine kasnije. U to vrijeme umjetnik piše svoja apstraktno-ekspresionistička platna.

Tek 1950. Barnett Newman organizira svoju prvu samostalnu izložbu, koja je naišla na razorne kritike. Nakon toga umjetnik pravi 8-godišnju pauzu koju je posvetio razvoju svojih vještina. Rezultat je bila retrospektiva njegovog rada 1958. godine, koju je predstavio javnosti. Njegove slike su uglavnom monohromatske površine, kao da su „prošivene” linijama boja u kontrastu sa glavnim tonom.

Godine 1966. Lawrence Alloway je organizirao izložbu u Muzeju Solomona Gugenhajma u New Yorku pod nazivom Križni put. Odagnala je posljednje sumnje čak i među onim umjetnicima koji su cijenili Newmanove tehničke kvalitete (svjetlina boja, veliki format), a ne pravi, metafizički smisao njegovog rada.

„Radionica je utočište“, izjavio je umjetnik.

Najnovija Newmanova djela su kompozicije u obliku jednakokračnog trougla. Retrospektivne izložbe Newmanovog stvaralaštva održane su 1972. u New Yorku, a zatim u Londonu, Amsterdamu i Parizu. Njegove slike su zastupljene u mnogim privatnim i javnim kolekcijama u Njujorku (Muzej moderne umetnosti), Los Anđelesu (“Onement VI”, 1953, Weismannova kolekcija), Bazelu (“Dan pre jednog”, 1951), Londonu (“Adam” , 1951-1952, Gal. Tate), Stockholm („Tertia“, 1964, Nacionalni muzej) i Houston (kolekcija Menil). U nacionalnom muzej moderne umetnosti. U Centru Pompidou u Parizu čuva se slika "Sjaj naprijed" (1961) i zbirka gravura.

KREACIJA

Clement Greenberg je napisao: „Granice Newmanovih velikih platna igraju istu ulogu kao i unutrašnje linije oblika. Oni dijele, ali ništa ne razdvajaju, zatvaraju ili izoluju. Oni postavljaju granice, ali ništa ne ograničavaju.”

Newman je nazvan modelom visokog modernizma, pretečom minimalizma, egzistencijalistom i duhovnim umjetnikom koji inspiraciju crpi iz jevrejskog misticizma. Sam Newman je 1947. godine, kada je došao do zrelog stila, izjavio da se svaka umjetnost dostojna svog imena mora obraćati "životu", "čovjeku", "prirodi", "smrti" i "tragediji". Newman je uvijek insistirao na bogatom emotivnom sadržaju svog rada, iako je za života njegov rad izazivao nerazumijevanje i optužbe za "prazninu".

Newman je jedan od vodećih predstavnika američke poslijeratne umjetnosti. Zajedno sa Rothkom i Stillom, on predstavlja dio njujorške škole koji je neprijateljski raspoložen prema akcionom slikarstvu. Do 1960. igrao je prilično skromnu ulogu. Međutim, Newmanove stroge forme i široke površine posebno su utjecale na i, posebno, za koje su glavni problem bila vertikalna polja boja i njihova lokacija u prostoru.

Tada je umjetnik počeo raditi u velikom formatu i u jarkim bojama, tako da su vertikalna polja boja poprimila reljef, a njihovo proširenje u prostoru potpuno je apsorbiralo pažnju publike („Abraham“, 1949., New York, Muzej moderne umjetnosti) . Tako je primitivni pravougaonik slike bio slomljen. Vertikalna podjela upisana u pravougaonik postala je sljedeći faktor između dijelova; potvrđuje prvobitnu shemu unutar ravni: svaki dio slike je u drugom u smislu formalne analogije, kao što je cijela slika povezana sa zidom („Ko se boji crvene, žute, plave?“, 1966- 1967, Amsterdam, Gradski muzej).

Ali nemoguće je razmotriti ovaj pravac sa čisto formalne tačke gledišta. Sam umjetnik svoje radove smatra gotovo simboličnim. Kao i drugi majstori te generacije, naslovi njegovih slika često su metaforični i dvosmisleni, istovremeno intelektualni i poetski.

ONEMENT SERIES

"Onement" (šest slika nosi ovo ime) odražava harmoniju, totalitet, potpunost. Umjetnikov biograf Thomas Hess napominje da riječ "onement" ne postoji na engleskom, već dolazi od "atonement", što znači "iskupljenje".

Serija Onement je jedan od Newmanovih osnivačkih projekata. Platna ove serije, ne ulazeći u suptilnosti, demonstriraju umjetnikovu karakterističnu kreativnu metodu rada: višebojnu ili jednoličnu teksturiranu pozadinu s okomitim prugama. Sam umjetnik ih je nazvao munjom (zip). Rekao je da je ovaj termin prikladniji - povezan sa kretanjem i nedovršenošću. Frazu "gotovi posao" Newman je smatrao šarlatanskom. "Onement1" (1948) je prva slika u kojoj je jasno izražen pravac traženja: velika narandžasta traka koja se proteže od centra slike stvara efekat stalnog dinamizma.

Osim toga, umjetnik se bavio i skulpturom, uglavnom od čelika („Ovdje 1“, 1962; „Ovdje II“, 1965; „Ovdje III“, isto; „Slomljeni obelisk“, 1963-1967; „ZimZum“, 1962 ), preko rasporeda sinagoge (1963) i litografija („Kantos“, 1963-1964, Pariz, Nacionalni muzej moderne umjetnosti, Centar Pompidou). Rad ovog originalnog umjetnika, koji je ponekad dostizao pravu dubinu i rijetko padao u površnost i pompoznost, dugo će ostati u sjećanju.

Američki slikar, vajar, filozof i esejista Barnett Newman (1905-1970) Mislio sam to “Kreativnost nije samo najviše, već i primarno stanje ljudske svijesti”.

Ali da bi to dokazao svijetu, predstavnik apstraktnog ekspresionizma morao je istrpiti nalet negodovanja i nerazumijevanja od strane kritičara, uništiti svoja djela nastala preko 40 godina, napraviti osmogodišnju pauzu i tek nakon svega doživljenog , postati uzorom visokog modernizma.

A sada o svemu po redu.

Njujork, SAD. 29. januara 1905 Budući umjetnik Barnett Newman rođen je u porodici jevrejskih emigranata iz Poljske. Interesovanje za slikanje pojavilo se kod dječaka u školi. Postepeno je to preraslo u životno delo, a stečena diploma filozofije samo je ojačala želju da se svetu dokaže da "Prvi čovjek je bio umjetnik!", jer “Adam je, okusivši sa Drveta znanja, tražio da pronađe stvaralački život kako bi bio kao Bog – “tvorac svjetova”.

Rani radovi slikara su slobodne asocijacije, snovi ili, drugim riječima, način automatizma. U stilu Jacksona Pollocka, Newman 1944-1945 stvara seriju kaligrafsko-nadrealističkih crteža Untitled (“Bez naslova”), The Blessing (“Blagoslov”).

Platna predstavljena na samostalnoj izložbi 1950. odlikuju se upotrebom aluzija i paradoksalnom kombinacijom oblika. Značiti puno ili značiti ništa je princip nadrealizma, tako da svako razumije ranog Newmana na svoj način. Sam umjetnik je izjavio da su njegovi radovi bogati emotivnim sadržajem. Postavio je sebi visok cilj - okrenuti se epohalnim pojmovima: čovjek, priroda, život, smrt.

Naslovi Njumanovih slika imaju za cilj da izazovu ona osećanja i emocije koje autor prenosi samo jednom bojom u neobjektivnom svetu. Nažalost, kritičari su optužili njegov rad da je prazan. Zauzvrat, neugodne kritike prisilile su Newmana da napusti umjetničku arenu na neko vrijeme, ali, kako se ispostavilo, nije otišao, već se pritajio. Osmogodišnja pauza dovela je umjetnika do apstraktnog ekspresionizma.

Polazna tačka novog kruga kreativnosti ekspresioniste bila je retrospektiva njegovog rada. Djela Barnetta Newmana, predstavljena javnosti 1858. godine, izvedena su na potpuno nov način. Njegova su platna postala veća i rađena u jarkim bojama. Na njima se pojavio takozvani "rajsferšlus" ili okomita traka - Newmanova vizit karta.

Serija Onement („Pomirenje“), koja se sastoji od šest slika, odražava harmoniju i punoću života. Umjetnik je inspiraciju crpio iz filozofskih vrijednosti, pa se svi radovi mogu smatrati simboličkim, a njihovi naslovi su metaforički. Granice tonova na njima zapravo ne dijele ništa, već proklamuju jedan od glavnih američkih principa - slobodu. Američki likovni kritičar Clement Greenberg napisao je:

“Granice Newmanovih velikih platna igraju istu ulogu kao i unutrašnje linije oblika. Oni dijele, ali ništa ne razdvajaju, zatvaraju ili izoluju. Oni postavljaju granice, ali ništa ne ograničavaju.”

Pored slikarstva, Newman se bavio i skulpturom. Slomljeni obelisk („Broken Obelisk“) impresionira svojom monumentalnošću. To je obrnuti obelisk koji izgleda kao da lebdi u zraku. Piramide i obelisci dugo su se smatrali simbolom smrti, ali umjetnik preispituje ovaj koncept, pretvarajući smrt u beskrajni život.

Stvarajući apstraktna platna, Barnett Newman je izmislio vlastita uputstva za razumijevanje svog rada. Insistirao je na tome da se njegova platna, suprotno dosadašnjem principu, ne gledaju sa udaljenosti jednake visini platna, već isključivo blizu nje. Ovo stvara efekat uranjanja u svijet šarenih polja.

Nešto kasnije, veliki predstavnik apstraktnog ekspresionizma počeo je postavljati ploče s uputama direktno na izložbe, vjerujući da bliske njegovom radu mogu privući samosvijest osobe.

1. Pablo Picasso. Spavanje - 155 miliona dolara

Majstor je ovo djelo napisao 1932. godine u svom dvorcu Bouagelou, koji se nalazi 63 km od Pariza. Pozirala mu je Marie-Therese Walter, koja je u to vrijeme bila njegov jedini model, heroina i muza. San je nastao u takozvanom "periodu nadrealizma", jednom od najtežih i najneujednačenijih perioda u Pikasovom stvaralaštvu. Platno srednje veličine (130x97 cm) prvi put je stavljeno na prodaju na Christie's aukciji 11. septembra 1997. godine i otišlo je pod čekić za 48,4 miliona dolara. Nakon 9 godina, slika se ponovo pojavila na tržištu umjetnosti, ali po cijeni od 139 dolara Međutim, neposredno prije prodaje dogodio se nepredviđeni incident. Vlasnik slike Steve Wynn dan prije zamjene za već dogovoreni iznos, stojeći leđima prema slici, pričao je gostima o životu umjetnik. Bio je toliko strastven u svojoj priči i toliko emotivno nabijen da je cijelo vrijeme gestikulirao. Ovdje u drugom impulsu, Steve Wynn je neočekivano udario sliku desnim laktom i potrgao je. Naravno, dogovor je otkazan, a slika je otišla za restauraciju. Krajem marta 2013. godine saznalo se da je bivši kandidat za sliku, Stephen Cohen, "Platno odbio da ga kupi, ponovio je želju da kupi restaurirano remek-djelo. Ovoga puta sve je išlo glatko, a Picassovo " Dream" prodata je za ploču za ovu sliku 155 miliona dolara (Stephen Cohen je izrazio mišljenje da je nakon restauracije slika postala bolja, a na vrh je bacio 16 miliona dolara). Niko nikada nije kupio više od Picassa.

2. Francis Bacon. Tri studije za portret Lucijana Frojda - 142,4 miliona dolara

Ovo djelo je umjetnik naslikao 1969. godine na Kraljevskom koledžu umjetnosti u Londonu. Prikazuje još jednog britanskog slikara i bliskog Baconovog prijatelja u to vrijeme, Luciana Freuda. Svaki dio triptiha je jednakih dimenzija 198x147,5 cm.Prvi put je prikazan na izložbi u Torinu, u Galeriji d'Arte Galatea. Sredinom 70-ih godina prošlog veka, nakon izložbe u Grand Palaisu, tri dela triptiha otišla su u različitim pravcima - Rim, Pariz i Japan, a tek krajem 80-ih, trudom italijanskog kolekcionara iz Rima, Francesco de Simon Nikes, ponovo su okupljeni i prikazani 1999. u američkom Yale centru za britansku umjetnost. Dana 12. novembra 2013. godine, u roku od 6 minuta, triptih je prodan na Christie's aukciji za rekordnu otvorenu aukcijsku cijenu od 142,4 miliona dolara. Prvobitno ime kupca nije objavljeno, ali je nakon nekog vremena ipak postalo poznato. navodne glasine, prema kojima je djelo engleskog umjetnika kupila sestra katarskog emira Al-Mayassa-bint-Hamad-bin-Khalifa-al-Tan i, zapravo, sretni vlasnik triptiha Francisa Bacona " Tri studije portreta Lusijana Frojda" bila je 70-godišnja Elejn Vin, bivša supruga američkog magnata Stevea Vinna, ona koja je ubola Pikasa laktom.

3. Barnett Newman. Annino svjetlo - 106 miliona dolara

Barnett Newman ima samo devet javnih rasprodaja (za razliku od istog Picassa, koji ih je već imao 359), što ne sprječava ovog Amerikanca da bude u elitnoj diviziji najskupljih umjetnika. Zapravo, Barnett Newman nema toliko djela za prodaju - samo 120, budući da je lično uništio sva svoja rana djela 1940. godine. Platno "Svjetlost Ane", koje je Newman naslikao 1968. godine i nazvano u znak sjećanja na njegovu majku, koja je umrla 1965. godine, najveće je od cjelokupne umjetnikove kreativne zaostavštine. Njegove dimenzije su zaista impresivne - 610,5 x 275 cm.. Za Newmana je to bilo jako važno, on je posebnu važnost pridavao veličini, kao glavnoj komponenti vizuelnog doživljaja. I naravno, ne smijemo zaboraviti ni niz crvene boje, koju je umjetnik smotao u nekoliko slojeva kako bi postigao željenu zasićenost i učinio je fizički opipljivom za gledatelja, dominirajući njime. Umjetnik je naišao na val nedjeljive boje, koji je, po njegovom mišljenju, trebao postati konstruktivni početak novog svijeta, jer je, prema samom Newmanu, „čovek tragično biće, a suština ove tragedije leži u metafizičkom problem dijela i cjeline.”

4. Andy Warhol. Silver Crash (Double Crash) - 105,4 miliona dolara

Ovo djelo kralja pop-arta iz 1963. godine je platno veličine 250x400 cm na koje je prenešena fotografija iz novina koja se zabija u drvo i umnožavana sitotiskom (Worholova omiljena tehnika). Za ovaj rad, Warhol je koristio srebrnu reflektirajuću boju. Ovo je jedna od četiri Warholove scene automobilske nesreće iz 1963. iz dva dijela, pri čemu jedna polovina prikazuje saobraćajnu nesreću, a druga jednobojnu srebrnu površinu. Preostala tri rada iz serije, pod opštim nazivom "Smrt i katastrofe", čuvaju se u muzejskim zbirkama u SAD-u, Švajcarskoj i Austriji. Po mom mišljenju, Warhol je smislio odličnu metaforu za život i smrt, kada je tragedija u blizini sveobuhvatne praznine. Slika je već prošla kroz kolekcije Gunthera Sachsa, Charlesa Saatchija i Thomasa Ammanna, što samo povećava vrijednost kolekcije i povećava cijenu.

5. Jeff Koons. Balon pas - 58,4 miliona dolara

Nasljednik Duchampa i istaknuti predstavnik simulacije u modernoj umjetnosti, Jeff Koons stvorio je 1990-ih čitav niz skulptura koje su imitirali igračke iz duguljastih balona. Psi su izliveni u pet kopija. Svi su napravljeni od sjajnog čelika poliranog do ogledala i razlikuju se samo po boji. Pored narandžastog "Balon psa" prodatog za 58,4 miliona dolara, tu su i ljubičasta, crvena, žuta i plava. Visina divovskih pasa doseže tri metra, a svaki teži tonu. Skulpture iz ove serije uvrštene su u kolekcije renomiranih kolekcionara Stephena Cohena, Eli Broada i Françoisa Pinaulta. Nakon prodaje 2013. godine, Jeff Koons je stekao status najskupljeg živog umjetnika.

6. Jackson Pollock. Broj 19 - 58,4 miliona dolara

Jackson Pollock, koji je radio u tehnici kapanja (prskanja) koju je izmislio, stvorio je "Broj 19" daleke 1948. godine, kada je apstraktni ekspresionizam u Americi tek nastajao. Pritom se mora shvatiti da apstraktni ekspresionizam nije bio neka vrsta jedinstvenog pravca sa svojim stilskim karakteristikama, već općenito stajalište o samoj prirodi umjetnosti – spontani izraz unutrašnjeg svijeta, subjektivnih asocijacija na umjetnost. podsvijest u apstraktnim oblicima neorganiziranim logičkim mišljenjem. I u tom smislu, Pollock je najutjecajniji propovjednik ovog pokreta i apsolutni klasik. Njegovo "akciono slikarstvo" dalo je snažan podsticaj novoj umetnosti u nastajanju. Male veličine (78,4 x 57,4 cm), slika Jacksona Pollocka "Broj 19" naslikana je u najproduktivnijem periodu majstorovog života, neposredno prije njegove prve samostalne izložbe u galeriji Betty Parsons, koja je postala senzacija i postigla finansijski uspjeh. . Kao što se sada može vidjeti, ovaj uspjeh prati Pollockov rad do danas.

7. Andy Warhol. Coca-Cola (3) - 57,3 miliona dolara

I ponovo na listi je čovek koji je izumeo disko kuglu - Endi Vorhol. Ovaj put s originalnom crno-bijelom slikom boce Coca-Cole u prirodnoj veličini (176,2 x 137,2 cm), kreirane 1962. godine. Vjeruje se da je upravo ovim djelom započeo marš pop-arta širom planete. Mnogi kažu da je Warhol stvorio "portret generacije", odabravši univerzalni simbol za svoju sliku na platnu. Sam majstor svoj izbor objašnjava na sljedeći način: „Ono što Ameriku čini velikom je to što najbogatiji kupuju potpuno istu robu kao i najsiromašniji. Znate da predsednik pije Coca-Colu, Liz Taylor je ovisna o Coca-Coli, a vi, zamislite, možete piti i Coca-Colu! Coca-Cola je uvijek ista Coca-Cola, bez obzira koliko novca platite." Da budemo iskreni, Andy Warhol nije bio prvi umjetnik koji je inspiriran flašom kole. Poznato je da su prema njoj nežna osećanja gajili i Salvador Dali i Marisol Eskobar, ali je Vorhol od nje uspeo da stvori vrhunsko remek-delo.

8. Roy Lichtenstein. Žena u šeširu sa cvetovima - 56,1 milion dolara

Ovo poznato malo pop art djelo (127x101,6 cm) bazirano je na istoimenoj slici Pabla Picassa iz 1940. godine. Prema Lihtenštajnu, španski majstor je za života postao predmet pop kulture i stoga sada treba da pripada svima. Picasso, inače, nije bio jedini umjetnik kojeg je Lichtenstein na ovaj način "preveo" na pojednostavljeni jezik pop kulture. Tu su bili i Monet, Matisse, Léger, Mondrian. Ali ako je glavna ideja pop arta bila transformacija robe u umjetnost, onda je ovdje cijela ironija bila u obrnutom kretanju. Tako se Roy Lichtenstein, koji je stekao klasično obrazovanje iz oblasti likovne umjetnosti, "oslobodio" utjecaja časnih prethodnika, pod koje je potpao u mladosti, ironično prebacujući njihov rad u registar stereotipne masovne svijesti uz pomoć blještavih boja, imitacije industrijske tipografske štampe i estetike stripa. No, kako se ispostavilo, remek-djela koja je Lihtenštajnova ruka pretvorila u "lažnu" sada nam se vraćaju sa novim remek-djelima.

9. Alberto Giacometti. Big Thin Head (Big Head Diego) - 50 miliona dolara

Skulptura Alberta Giacomettija, nastala 1955. godine, je bista visoka 65 cm koja prikazuje mlađeg brata vajara, koji mu je doživotno bio omiljena dadilja. Izliven u bronzi, trebao je biti postavljen na uličnom trgu u New Yorku, ali tamo nikada nije stigao. Uz njegovog legendarnog "Čovjeka koji hoda", ova skulptura se smatra i znamenitošću za Giacomettijev rad. Dijegova velika glava jedno je od najradikalnijih i najemotivnijih autorovih djela. Njegova osebujna tehnika stvara dojam nepotpunosti i simbolizira nesavršenost svijeta, a ranjivost, krhkost i bespomoćnost osobe u slikama majstora utjelovljuju ideje egzistencijalizma - okolina, poput kiseline, korodira i deformira površinu tijelo, prisiljavajući čovjeka da hrabro živi svoj život u vječnom kretanju i vječnoj potrazi za boljom sudbinom. Nažalost, Dijegova velika glava stavljena je na čekanje zbog autorove smrti. Dakle, u stvari, ovo je jedno od posljednjih Giacomettijevih djela.

10. Jean-Michel Basquiat. Clouded Heads - 48,8 miliona dolara

Šta god da se kaže, ali neoekspresionista Jean-Michel Basquiat, njujorški andergraund pjevač prve polovine 80-ih, koji nam je otvorio svijet grafita i umro u 27. godini od predoziranja heroinom, njegov svijetli i djela kratke životne priče. Umjetnik je konačno "okušan" i sada je stavljen u ravan s Warholom i Pollockom, dva velikana američke umjetnosti 20. stoljeća. To elokventno potvrđuju aukcijska prodaja. Dosadašnji maksimum prodaje slika ovog umjetnika zabilježen je na oko 28,97 miliona dolara. Sada je to prošlo i, sudeći po procjenama stručnjaka, to nije granica - cijena će samo rasti. Slika "Maglene glave" (182,8x213,3 cm) rani je umjetnikov rad, koji je napisao 1982. godine, baš u vrijeme kada je bio fasciniran ritualnim maskama, kosturima i haićanskim scenama, i kada je došlo do poznanstva sa Andyjem. Warhol, s kojim je, inače, naknadno stvorio nekoliko zajedničkih radova.