โรงเรียนจิตรกรรมเวนิส ศิลปะแห่งเวนิส

ในนิตยสารเล่มหนึ่งฉันอ่านคำแนะนำต่อไปนี้: เมื่อไปเยือนเมืองในอิตาลีอย่าไป หอศิลป์และแทนที่จะทำความคุ้นเคยกับผลงานชิ้นเอกของการวาดภาพในสถานที่ที่พวกเขาสร้างขึ้นนั่นคือในวัด scuolas และพระราชวัง ฉันตัดสินใจใช้คำแนะนำนี้เมื่อไปเยือน

โบสถ์เวนิส ซึ่งคุณสามารถชมภาพวาดโดยศิลปินผู้ยิ่งใหญ่:

• บี - เคียซา เดย เจซูอาติ หรือ ซานตา มาเรีย เดล โรซาริโอ
• ซี-ซาน เซบาสเตียน
• ดี - ซาน ปันตาลอน
• อี - สกูโอลา ดิ ซาน ร็อคโค
• เอช - ซาน คาสเซียโน
• เค - เกซูติ
• เอ็น - เคียซา ดิ ซาน ฟรานเชสโก เดลลา วินญา
• P - ซานต้า มาเรีย เดลลา ซาลูเต

Venetian Renaissance เป็นบทความพิเศษ ศิลปินชาวเวนิสได้รับอิทธิพลจากฟลอเรนซ์จึงสร้างสไตล์และโรงเรียนของตนเอง

ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่แห่งเวนิส

Giovani Bellini (1427-1516) ศิลปินชาวเวนิสผู้ยิ่งใหญ่คนหนึ่ง มาจากครอบครัวจิตรกรชาวเวนิส Mantegna ศิลปินชาวฟลอเรนซ์มีอิทธิพลอย่างมากต่อตระกูล Bellini (เขาแต่งงานกับน้องสาวของ Giovanni Nicolasia) แม้ว่างานของพวกเขาจะคล้ายคลึงกัน แต่ Bellini ก็นุ่มนวลกว่าและดุดันน้อยกว่า Mantegna มาก

ในเมืองเวนิส ภาพวาดของจิโอวานนี เบลลินีมีให้เห็นในโบสถ์ต่อไปนี้:

• ซานตามาเรีย โกลริโอซา เดย ฟรารี (ฉ)
• ซาน ฟรานเชสโก เดลา วีนา (ญ)- มาดอนน่าและพระบุตรกับนักบุญ
• ซาน จิโอวานี่ และ เปาโล (ญ)– นักบุญวินเซนต์ เฟอร์เร
• ซาน ซัคคาเรีย (โอ)- มาดอนน่าและพระบุตรกับนักบุญ

ผลงานแท่นบูชาจิโอวานนี เบลลินีจากซาน ซัคคาเรีย
ซาน ซัคคาเรีย

ให้ความสนใจว่าศิลปินใช้สีอย่างไร โดยเฉพาะอย่างยิ่งการมีสีฟ้าในภาพวาดของเขา - ในสมัยนั้น - สีที่มีราคาแพงมาก การปรากฏตัวของสีน้ำเงินบ่งบอกว่าศิลปินเป็นที่ต้องการอย่างมากและงานของเขาได้รับค่าตอบแทนอย่างดี

ซานตา มาเรีย เดลลา ซาลูเต

หลังจากเบลลินี ทิเชียน เวเซลลิโอ (ค.ศ. 1488-1567) ทำงานในเวนิส ต่างจากศิลปินเพื่อนของเขา เขามีอายุยืนยาวผิดปกติ มันเป็นผลงานของทิเชียนที่ทำให้เสรีภาพในการวาดภาพสมัยใหม่เกิดขึ้น ศิลปินล้ำหน้าไปหลายศตวรรษ ทิเชียนทดลองใช้เทคนิคเพื่อให้ได้ความหมายที่มากขึ้นในงานหลายชิ้นเขาเริ่มที่จะถอยห่างจากความสมจริง เขาเสียชีวิตด้วยโรคระบาดและถูกฝังไว้ในโบสถ์ Frari ตามคำร้องขอของเขา

สามารถดูผลงานของ Titian ได้:

• F - Santa Maria Gloriosa dei Frari - Madanna Pesaro และอัสสัมชัญของพระแม่มารี
• K - Gezuiti - Santa Maria Assunta (Gezuiti - santa Maria Assunta) - พลีชีพของ St. Lawrence
• P - Santa Maria Della Salute - นักบุญมาระโกบนบัลลังก์ พร้อมด้วยนักบุญคอสมา ดาเมียน โรช และเซบาสเตียน พระองค์ทรงวาดภาพเพดานด้วย
• ฉัน – ซานซัลวาดอร์ – การประกาศและการเปลี่ยนแปลงของพระเจ้า

นักบุญมาร์กบนบัลลังก์
การแปลงร่าง

ตินโตเรตโตแปลว่า "ช่างย้อมน้อย" (ค.ศ. 1518-1594) ในขณะที่ยังเด็กอยู่ เขาประกาศว่าเขาต้องการผสมผสานสีของทิเชียนกับภาพวาดของมีเกลันเจโลในผลงานของเขา

San Giorgio Maggore - ภาพวาดจำนวนมากถูกเก็บไว้ที่นี่

ในความคิดของฉัน เขาเป็นศิลปินที่ค่อนข้างมืดมน บนผืนผ้าใบของเขาทุกอย่างกังวลอยู่ตลอดเวลาและคุกคามภัยพิบัติโดยส่วนตัวแล้วสิ่งนี้ทำให้อารมณ์ของฉันแย่ลงอย่างมาก นักวิจารณ์เรียกสิ่งนี้ว่าทักษะในการสร้างความตึงเครียดคุณสามารถดูภาพวาดของเขา:

• B – Gesuati – ซานตามาเรีย เดล โรซาริโอ – การตรึงกางเขน
• J – Madonna del’orto – การพิพากษาครั้งสุดท้ายและการบูชาลูกวัวศักดิ์สิทธิ์ การปรากฏของพระแม่มารีในพระวิหาร
• P – Santa Maria della salute – การแต่งงานในคันนาแห่งกาลิลี
• H - San Cassiano - การตรึงกางเขน การฟื้นคืนชีพ และการลงสู่ไฟชำระ
• เอ - ซาน จิออร์จิโอ มัจจอเร - พระกระยาหารมื้อสุดท้าย. ที่นี่คุณควรให้ความสนใจกับความจริงที่ว่าในภาพนี้ศิลปินสนใจเฉพาะตำแหน่งของของประทานอันศักดิ์สิทธิ์เท่านั้น ความไร้สาระทั้งหมดไม่สำคัญยกเว้นพระคริสต์และศีลระลึกของศีลมหาสนิท ภาพนี้ไม่ใช่ช่วงเวลาที่แท้จริง แต่เป็นความหมายอันศักดิ์สิทธิ์ นอกจากภาพวาดที่มีชื่อเสียงใน San Giorgio Maggiore แล้ว ยังมีภาพวาดของสะสมมานาและการสืบเชื้อสายมาจากไม้กางเขน
• G – San Polo – พระกระยาหารมื้อสุดท้ายอีกเวอร์ชันหนึ่ง
• E - Scuola และโบสถ์ San Rocco - ฉากจากชีวิตของ Saint Roch

กระยาหารมื้อสุดท้ายของ Tintoretto (Santa Maria Maggiore)
ซานคาสเซียโน

เวโรโนส (ค.ศ. 1528-1588) เปาโล กายารีถือเป็นศิลปินที่ "บริสุทธิ์" คนแรกนั่นคือเขาไม่แยแสกับความเกี่ยวข้องของภาพและหมกมุ่นอยู่กับสีและเฉดสีที่เป็นนามธรรม ความหมายของภาพวาดของเขาไม่ใช่ความจริง แต่เป็นอุดมคติ สามารถดูภาพวาดได้:

• N - San Francesco della Vigna - ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์กับนักบุญ
• D - San Panteleimon - Saint Panteleimon รักษาเด็กชายคนหนึ่ง
• ซี - ซาน เซบาสเตียน

ยู. โคลปินสกี้

ศิลปะเวนิสเรอเนซองส์เป็นส่วนสำคัญและแยกออกไม่ได้ของศิลปะอิตาลีโดยรวม ความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับจุดโฟกัสอื่น ๆ วัฒนธรรมทางศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในอิตาลีความเหมือนกันของชะตากรรมทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม - ทั้งหมดนี้ทำให้ศิลปะเวนิสเป็นหนึ่งในการแสดงศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในอิตาลีเช่นเดียวกับที่เป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงในอิตาลีในความหลากหลายทั้งหมด การแสดงอย่างสร้างสรรค์โดยปราศจากงานของจอร์โจเนและทิเชียน ศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายในอิตาลี โดยทั่วไปไม่สามารถเข้าใจได้หากไม่ได้ศึกษาศิลปะของทิเชียนผู้ล่วงลับ ซึ่งเป็นผลงานของ Veronese และ Tintoretto

อย่างไรก็ตามความคิดริเริ่มของการมีส่วนร่วมของโรงเรียน Venetian กับงานศิลปะ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีไม่เพียงแต่จะมีลักษณะที่แตกต่างไปจากผลงานของโรงเรียนอื่นๆ ในอิตาลีเท่านั้น ศิลปะแห่งเวนิสถือเป็นเวอร์ชันพิเศษของการพัฒนาหลักการของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เกี่ยวข้องกับโรงเรียนศิลปะทุกแห่งในอิตาลี

ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์พัฒนาขึ้นในเมืองเวนิสช้ากว่าศูนย์อื่นๆ ส่วนใหญ่ โดยเฉพาะในฟลอเรนซ์ การก่อตัวของหลักการของวัฒนธรรมศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในวิจิตรศิลป์ในเวนิสเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 15 เท่านั้น นี่ไม่ได้ถูกกำหนดโดยความล้าหลังทางเศรษฐกิจของเวนิส ในทางตรงกันข้าม เวนิส พร้อมด้วยฟลอเรนซ์ ปิซา เจนัว และมิลาน ถือเป็นศูนย์กลางที่มีการพัฒนาทางเศรษฐกิจมากที่สุดแห่งหนึ่งของอิตาลี ในทางตรงกันข้าม มันเป็นการเปลี่ยนแปลงในช่วงแรกๆ ของเวนิสให้กลายเป็นมหาอำนาจทางการค้า และยิ่งไปกว่านั้น ส่วนใหญ่เป็นการค้าขายแทนที่จะเป็นการผลิต ซึ่งเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 12 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเร่งด่วนในช่วงสงครามครูเสด จะต้องโทษสำหรับความล่าช้านี้

วัฒนธรรมของเวนิส ซึ่งเป็นหน้าต่างของอิตาลีและยุโรปกลางที่ "ตัดผ่าน" ไปยังประเทศตะวันออก มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับความยิ่งใหญ่ตระการตาและความหรูหราอันศักดิ์สิทธิ์ของวัฒนธรรมไบแซนไทน์ของจักรวรรดิ และได้รับการขัดเกลาบางส่วน วัฒนธรรมการตกแต่งโลกอาหรับ. ในศตวรรษที่ 12 นั่นคือในยุคของการครอบงำของสไตล์โรมาเนสก์ในยุโรปสาธารณรัฐการค้าที่ร่ำรวยสร้างงานศิลปะที่ยืนยันความมั่งคั่งและอำนาจของมันหันไปหาประสบการณ์ของไบแซนเทียมอย่างกว้างขวาง - คริสเตียนที่ร่ำรวยที่สุดและได้รับการพัฒนามากที่สุด มหาอำนาจยุคกลางในขณะนั้น โดยพื้นฐานแล้ว วัฒนธรรมทางศิลปะของเวนิสย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 14 เป็นการผสมผสานที่แปลกประหลาดของรูปแบบการเฉลิมฉลองอันงดงามตระการตา ศิลปะไบแซนไทน์มีชีวิตชีวาด้วยอิทธิพลของการตกแต่งอันมีสีสันของตะวันออกและองค์ประกอบที่สง่างามอย่างแปลกประหลาดที่ได้รับการตีความใหม่ด้านการตกแต่งของศิลปะกอทิกที่เป็นผู้ใหญ่ จริงๆ แล้ว แนวโน้มตั้งแต่ก่อนยุคเรอเนซองส์ทำให้ตนเองรู้สึกอ่อนแอและประปรายในสภาวะเหล่านี้

เฉพาะในศตวรรษที่ 15 เท่านั้น มีกระบวนการที่หลีกเลี่ยงไม่ได้และเป็นธรรมชาติในการเปลี่ยนศิลปะเวนิสไปสู่ตำแหน่งทางโลกของวัฒนธรรมศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ความคิดริเริ่มของมันสะท้อนให้เห็นเป็นหลักในความปรารถนาที่จะเพิ่มความรื่นเริงในด้านสีและองค์ประกอบโดยสนใจพื้นหลังแนวนอนมากขึ้นในสภาพแวดล้อมแนวนอนโดยรอบบุคคล

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 การก่อตัวของโรงเรียนเรอเนซองส์ในเวนิสเกิดขึ้นเป็นปรากฏการณ์สำคัญและดั้งเดิมที่ครอบครอง สถานที่สำคัญและศิลปะของอิตาลี Quattrocento

เวนิสในช่วงกลางศตวรรษที่ 15 บรรลุถึงระดับสูงสุดของอำนาจและความมั่งคั่ง ทรัพย์สินในอาณานิคมและจุดค้าขายของ "ราชินีแห่งเอเดรียติก" ไม่เพียงแต่ครอบคลุมชายฝั่งตะวันออกทั้งหมดของทะเลเอเดรียติกเท่านั้น แต่ยังแผ่กระจายไปทั่วทะเลเมดิเตอร์เรเนียนตะวันออกอีกด้วย ในไซปรัส โรดส์ ครีต ธงของสิงโตแห่งเซนต์มาร์กโบกสะบัด ตระกูลขุนนางผู้สูงศักดิ์หลายตระกูลที่ประกอบขึ้นเป็นชนชั้นปกครองของคณาธิปไตยชาวเวนิสทำหน้าที่ในต่างประเทศในฐานะผู้ปกครองเมืองใหญ่หรือทั้งภูมิภาค กองเรือเวนิสกุมการค้าการขนส่งเกือบทั้งหมดระหว่างยุโรปตะวันออกและยุโรปตะวันตกไว้ในมืออย่างมั่นคง

อย่างไรก็ตาม ความพ่ายแพ้ของจักรวรรดิไบแซนไทน์โดยพวกเติร์ก ซึ่งจบลงด้วยการยึดคอนสแตนติโนเปิล ทำให้สถานะการค้าของเวนิสสั่นคลอน ถึงกระนั้น ไม่มีทางใดที่จะพูดถึงความเสื่อมโทรมของเวนิสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 การล่มสลายของการค้าขายทางตะวันออกของเวนิสเกิดขึ้นในเวลาต่อมามาก พ่อค้าชาวเมืองเวนิสลงทุนเงินทุนจำนวนมหาศาลในเวลานั้น โดยบางส่วนปลอดจากการหมุนเวียนทางการค้า ในการพัฒนางานฝีมือและการผลิตในเมืองเวนิส ส่วนหนึ่งในการพัฒนาการเกษตรแบบมีเหตุผลในครอบครองของพวกเขาที่ตั้งอยู่ในพื้นที่คาบสมุทรที่อยู่ติดกับทะเลสาบ (เช่น เรียกว่า เทอร์ราเฟอร์มา) ยิ่งไปกว่านั้น สาธารณรัฐที่ร่ำรวยและยังคงเต็มไปด้วยพลัง บริหารจัดการในปี ค.ศ. 1509-1516 โดยผสมผสานกำลังทางอาวุธเข้ากับการทูตที่ยืดหยุ่น เพื่อปกป้องเอกราชในการต่อสู้กับแนวร่วมที่ไม่เป็นมิตรของมหาอำนาจยุโรปจำนวนหนึ่ง การเพิ่มขึ้นโดยทั่วไปเนื่องจากผลลัพธ์ที่ประสบความสำเร็จของการต่อสู้ที่ยากลำบากซึ่งรวมเอาสังคมเวนิสทุกชั้นไว้ชั่วคราวทำให้เกิดการมองโลกในแง่ดีอย่างกล้าหาญและการเฉลิมฉลองที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงในเวนิสเพิ่มขึ้นโดยเริ่มต้น กับทิเชียน ความจริงที่ว่าเวนิสยังคงรักษาความเป็นอิสระและความมั่งคั่งในส่วนใหญ่ได้กำหนดระยะเวลารุ่งเรืองของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงในสาธารณรัฐเวนิส จุดเปลี่ยนสู่ยุคเรอเนซองส์ตอนปลายเริ่มต้นขึ้นในเมืองเวนิสเพียงประมาณปี ค.ศ. 1540

ยุคของการก่อตั้งยุคเรอเนซองส์สูงตกอยู่ในช่วงเดียวกับส่วนที่เหลือของอิตาลีในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ศิลปะการเล่าเรื่องของ Gentile Bellini และ Carpaccio เริ่มถูกต่อต้านโดยศิลปะของ Giovanni Bellini หนึ่งในปรมาจารย์ด้านศิลปะเรอเนซองส์ของอิตาลีที่โดดเด่นที่สุด ซึ่งงานของเขาถือเป็นการเปลี่ยนผ่านจากยุคต้นไปสู่ยุคเรอเนซองส์สูง

Giovanni Bellini (ประมาณปี 1430-1516) ไม่เพียงแต่พัฒนาและปรับปรุงความสำเร็จที่สะสมมาจากบรรพบุรุษของเขาเท่านั้น แต่ยังยกระดับศิลปะเวนิสให้สูงขึ้นอีกด้วย ในภาพวาดของเขา ความเชื่อมโยงเกิดขึ้นระหว่างอารมณ์ที่สร้างขึ้นโดยภูมิทัศน์และสภาพจิตใจของตัวละครในการจัดองค์ประกอบ ซึ่งเป็นหนึ่งในความสำเร็จที่น่าทึ่งของการวาดภาพสมัยใหม่โดยทั่วไป ในเวลาเดียวกันในงานศิลปะของ Giovanni Bellini และนี่คือสิ่งที่สำคัญที่สุดคือเผยให้เห็นความสำคัญของโลกแห่งศีลธรรมของมนุษย์ด้วยพลังที่ไม่ธรรมดา จริงอยู่ที่ภาพวาดในนั้น งานยุคแรกบางครั้งก็รุนแรงเล็กน้อยการผสมสีก็เกือบจะรุนแรง แต่ความรู้สึกถึงความสำคัญภายในของสภาพจิตวิญญาณของบุคคลการเปิดเผยความงามของประสบการณ์ภายในของเขาทำให้เกิดพลังที่น่าประทับใจมหาศาลในงานของอาจารย์ผู้นี้แม้ในช่วงเวลานี้

จิโอวานนี เบลลินีปลดปล่อยตัวเองตั้งแต่เนิ่นๆ จากการเล่าเรื่องที่ละเอียดถี่ถ้วนของศิลปินรุ่นก่อนและรุ่นเดียวกัน เนื้อเรื่องในการเรียบเรียงของเขาไม่ค่อยได้รับการพัฒนาเชิงละครที่มีรายละเอียด แต่ยิ่งมีพลังมากขึ้นผ่านเสียงทางอารมณ์ของสี ผ่านการแสดงออกเป็นจังหวะของภาพวาด และสุดท้ายผ่านการควบคุม แต่เต็มไปด้วยความแข็งแกร่งภายใน การแสดงออกทางสีหน้า ความยิ่งใหญ่ของ โลกฝ่ายวิญญาณของมนุษย์ถูกเปิดเผย

ผลงานยุคแรกของ Giovanni Bellini สามารถเปรียบเทียบได้กับงานศิลปะของ Mantegna (เช่น "The Crucifixion"; Venice, Correr Museum) อย่างไรก็ตาม ในแท่นบูชาในเมืองเปซาโรแล้ว มุมมองเชิงเส้น “มันเตญญา” ที่ชัดเจนได้รับการเสริมแต่งด้วยการถ่ายทอดที่ละเอียดอ่อนมากกว่ามุมมองของปรมาจารย์ปาดวน มุมมองทางอากาศ. ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างหนุ่มสาวชาวเวนิสกับเพื่อนและญาติของเขา (Mantegna แต่งงานกับน้องสาวของ Bellini) นั้นไม่ได้แสดงออกมามากนักในลักษณะการเขียนส่วนบุคคล แต่ในจิตวิญญาณของโคลงสั้น ๆ และบทกวีในงานของเขาโดยรวม

คำแนะนำโดยเฉพาะอย่างยิ่งในเรื่องนี้คือสิ่งที่เรียกว่า "มาดอนน่าพร้อมจารึกภาษากรีก" (ค.ศ. 1470; มิลาน, เบรรา) ภาพนี้ซึ่งชวนให้นึกถึงไอคอนอย่างคลุมเครือของแมรี่ที่ครุ่นคิดอย่างโศกเศร้ากอดเด็กผู้เศร้าโศกอย่างอ่อนโยนพูดถึงประเพณีอื่นที่ปรมาจารย์เริ่มต้น - ประเพณีการวาดภาพในยุคกลาง อย่างไรก็ตามจิตวิญญาณเชิงนามธรรมของจังหวะเชิงเส้นและคอร์ดสีของไอคอนถูกเอาชนะอย่างเด็ดขาดที่นี่ ความสัมพันธ์ของสีมีความเฉพาะเจาะจงในการแสดงออกอย่างเข้มงวดอย่างจำกัด สีเป็นจริง การแกะสลักที่แข็งแกร่งของปริมาตรของแบบฟอร์มแบบจำลองนั้นสมจริงมาก ความโศกเศร้าที่ชัดเจนอย่างงดงามของจังหวะของภาพเงานั้นเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับการแสดงออกที่สำคัญของการเคลื่อนไหวของบุคคลที่ถูกควบคุมอย่างแยกไม่ออกกับการแสดงออกของมนุษย์ที่มีชีวิตบนใบหน้าของแมรี่ ไม่ใช่ลัทธิผีปิศาจเชิงนามธรรม แต่เป็นความรู้สึกเชิงลึกที่ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวี ซึ่งแสดงออกมาในองค์ประกอบที่เรียบง่ายและดูเรียบง่ายนี้

ต่อจากนั้นเบลลินีได้ทำให้การแสดงออกทางจิตวิญญาณของเขาลึกซึ้งยิ่งขึ้น ภาษาศิลปะพร้อมเอาชนะความเกรี้ยวกราดและความรุนแรงของท่าทางในยุคแรก ๆ ของเขาไปพร้อม ๆ กัน ตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 1470 แล้ว เขาอาศัยประสบการณ์ของ Antonello da Messina (ซึ่งทำงานในเวนิสตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1470) แนะนำเงาสีให้กับองค์ประกอบของเขาโดยทำให้แสงและอากาศอิ่มตัว ("Madonna with Saints", 1476) ทำให้องค์ประกอบทั้งหมดมี ลมหายใจเป็นจังหวะกว้าง

ในช่วงทศวรรษที่ 1580 เบลลินีกำลังเข้าสู่ช่วงเวลาแห่งวุฒิภาวะเชิงสร้างสรรค์ของเขา “ การคร่ำครวญของพระคริสต์” ของเขา (มิลาน, เบรรา) สร้างความประหลาดใจด้วยการผสมผสานระหว่างความจริงในชีวิตที่แทบจะไร้ความปราณี (สีฟ้าอันเย็นชาของร่างกายของพระคริสต์, กรามที่หย่อนคล้อยครึ่งหนึ่งของเขา, ร่องรอยของการทรมาน) ด้วยความยิ่งใหญ่ที่น่าเศร้าอย่างแท้จริงของภาพแห่งความโศกเศร้า วีรบุรุษ โทนสีเย็นโดยทั่วไปของแสงสีเทาหม่นของเสื้อคลุมของมารีย์และจอห์นถูกปกคลุมไปด้วยแสงสีเทาอมฟ้าในช่วงบ่าย ความสิ้นหวังอันน่าสลดใจของการจ้องมองของมารีย์ที่จ้องมองไปที่ลูกชายของเธอ และความโศกเศร้าของความโกรธของยอห์นซึ่งไม่สอดคล้องกับการตายของอาจารย์ของเขา จังหวะที่คมชัดในการแสดงออกที่ตรงไปตรงมาของพวกเขา ความโศกเศร้าของพระอาทิตย์ตกในทะเลทรายซึ่งสอดคล้องกับนายพล โครงสร้างทางอารมณ์ของภาพ ก่อให้เกิดพิธีศพอันโศกเศร้า ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่คนร่วมสมัยที่ไม่รู้จักเขียนคำต่อไปนี้เป็นภาษาละตินที่ด้านล่างของกระดาน: "หากการไตร่ตรองดวงตาที่โศกเศร้าเหล่านี้ทำให้คุณน้ำตาไหล การสร้างของจิโอวานนี เบลลินีก็สามารถทำได้ ร้องไห้”

ในช่วงทศวรรษที่ 1580 จิโอวานนี่เบลลินีก้าวไปข้างหน้าอย่างเด็ดขาดและปรมาจารย์ก็กลายเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ความคิดริเริ่มของศิลปะของจิโอวานนี เบลลินีที่เป็นผู้ใหญ่นั้นแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนเมื่อเปรียบเทียบ “การเปลี่ยนแปลง” ของเขา (ทศวรรษ 1580; เนเปิลส์) กับ “การเปลี่ยนแปลง” ในยุคแรกๆ (พิพิธภัณฑ์ Correr) ใน "การเปลี่ยนแปลง" ของพิพิธภัณฑ์ Correr ร่างที่วาดอย่างเข้มงวดของพระคริสต์และผู้เผยพระวจนะตั้งอยู่บนก้อนหินเล็ก ๆ ซึ่งชวนให้นึกถึงทั้งแท่นขนาดใหญ่และไอคอน "น้ำท่วม" การเคลื่อนไหวค่อนข้างเป็นมุม (ซึ่งยังไม่บรรลุเอกภาพของลักษณะสำคัญและการยกระดับท่าทางบทกวี) ตัวเลขดังกล่าวมีความโดดเด่นด้วยธรรมชาติสามมิติ แบบจำลองสามมิติที่สว่างและชัดเจนจนเกือบจะฉูดฉาดถูกล้อมรอบด้วยบรรยากาศที่โปร่งใสเย็นชา ตัวเลขเหล่านี้แม้จะใช้เงาสีอย่างหนา แต่ก็ยังโดดเด่นด้วยคุณภาพคงที่และความสม่ำเสมอของแสงที่สม่ำเสมอ

ร่างของ "การเปลี่ยนแปลง" ของชาวเนเปิลส์ตั้งอยู่บนที่ราบสูงลูกคลื่นเบา ๆ ซึ่งเป็นลักษณะของเชิงเขาทางตอนเหนือของอิตาลีซึ่งมีพื้นผิวที่ปกคลุมไปด้วยทุ่งหญ้าและสวนเล็ก ๆ แผ่กระจายไปทั่วกำแพงหินสูงชันของหน้าผาที่อยู่เบื้องหน้า ผู้ชมรับรู้ฉากทั้งหมดราวกับว่าเขาอยู่บนเส้นทางที่วิ่งไปตามขอบหน้าผา ล้อมรอบด้วยราวไฟที่ทำจากต้นไม้โค่นที่มัดอย่างเร่งรีบและไม่สะอาด ความเป็นจริงในชีวิตทันทีของการรับรู้ทิวทัศน์นั้นไม่ธรรมดา โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่ออยู่เบื้องหน้าทั้งหมด ระยะทาง และ ยิงปานกลางอาบในสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศชื้นเล็กน้อย ซึ่งคงเป็นเอกลักษณ์ของภาพวาดสไตล์เวนิสในศตวรรษที่ 16 ในเวลาเดียวกันความเคร่งขรึมที่ จำกัด ของการเคลื่อนไหวของบุคคลผู้สง่างามของพระคริสต์ผู้เผยพระวจนะและอัครสาวกที่สุญูดความชัดเจนอย่างอิสระของการเปรียบเทียบจังหวะของพวกเขาการครอบงำตามธรรมชาติของร่างมนุษย์เหนือธรรมชาติความสงบที่กว้างใหญ่ของระยะทางแนวนอนสร้างเช่นกัน ลมหายใจอันทรงพลังหรือความยิ่งใหญ่ที่ชัดเจนของภาพที่บังคับให้เราคาดหวังในงานนี้ถึงคุณสมบัติแรกของเวทีใหม่ในการพัฒนายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ความเคร่งขรึมอันเงียบสงบของสไตล์ของเบลลินีที่เป็นผู้ใหญ่นั้นรวมอยู่ในองค์ประกอบ "Madonna of St. Job" (ยุค 1580; Venice Academy) ซึ่งโดดเด่นด้วยความสมดุลที่ยิ่งใหญ่ เบลลินีวางแมรี่นั่งอยู่บนบัลลังก์สูงโดยมีฉากหลังเป็นมุขโค้ง สร้างพื้นหลังทางสถาปัตยกรรมที่เคร่งขรึมสอดคล้องกับความยิ่งใหญ่อันเงียบสงบ ภาพมนุษย์. สิ่งที่จะเกิดขึ้นแม้จะมีจำนวนญาติกัน (นักบุญหกคนและทูตสวรรค์สามองค์ที่สรรเสริญมารีย์) อย่าทำให้องค์ประกอบเกะกะ ตัวเลขดังกล่าวได้รับการเผยแพร่อย่างกลมกลืนในกลุ่มที่อ่านง่าย ซึ่งโดดเด่นด้วยภาพลักษณ์ที่เคร่งขรึมและเปี่ยมล้นทางจิตวิญญาณของพระแม่มารีและพระกุมารอย่างชัดเจน

เงาสี, แสงที่ส่องประกายนุ่มนวล, ความดังของสีที่สงบสร้างความรู้สึกของอารมณ์ทั่วไป, รายละเอียดมากมายรองลงไปถึงความสามัคคีของจังหวะ, สีสันและองค์ประกอบของโดยรวม

ใน "Madonna with Saints" จากโบสถ์ San Zaccaria ในเมืองเวนิส (1505) ซึ่งเขียนเกือบจะพร้อมกันกับ "Madonna of Castelfranco" ของ Giorgione ปรมาจารย์คนเก่าได้สร้างผลงานที่โดดเด่นในเรื่องความสมดุลแบบคลาสสิกขององค์ประกอบการเรียบเรียงที่เชี่ยวชาญของ มีเพียงไม่กี่คนที่หมกมุ่นอยู่กับวีรบุรุษที่มีความคิดลึกซึ้ง บางทีภาพลักษณ์ของมาดอนน่าเองก็อาจไม่มีความสำคัญเท่ากับใน "มาดอนน่าแห่งเซนต์จ็อบ" แต่บทกวีที่อ่อนโยนของเยาวชนที่เล่นฝ่าฝืนแทบเท้าของแมรี่ความสำคัญที่เข้มงวดและในเวลาเดียวกันความนุ่มนวลของการแสดงออกทางสีหน้าของชายชราเคราสีเทาที่หมกมุ่นอยู่กับการอ่านนั้นสวยงามอย่างแท้จริงและเต็มไปด้วยความสำคัญทางจริยธรรมสูง ความลึกที่จำกัดของการถ่ายทอดความรู้สึก ความสมดุลที่สมบูรณ์แบบระหว่างความละเอียดอ่อนทั่วไปและความมีชีวิตชีวาเฉพาะของภาพ ความกลมกลืนอันสูงส่งของสีพบการแสดงออกของพวกเขาใน "คร่ำครวญ" ในกรุงเบอร์ลินของเขา

ภาพประกอบหน้า 248-249

ความสงบและจิตวิญญาณที่ชัดเจนเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานที่ดีที่สุดในช่วงวัยผู้ใหญ่ของเบลลินี นั่นคือมาดอนน่าหลายรูปของเขา: ตัวอย่างเช่น "Madonna with Trees" (ทศวรรษ 1490; Venice Academy) หรือ "Madonna of the Meadows" (ราวปี 1590; ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) โดดเด่นด้วยความส่องสว่างของภาพวาดในอากาศ ภูมิทัศน์ไม่เพียงสื่อถึงการปรากฏตัวของธรรมชาติของ Terraferma อย่างเป็นจริง - ที่ราบกว้างเนินเขาที่อ่อนนุ่มภูเขาสีฟ้าที่อยู่ห่างไกล แต่ยังเผยให้เห็นในแง่ของความสง่างามที่อ่อนโยนบทกวีของงานและวันของชีวิตในชนบท: คนเลี้ยงแกะพักผ่อนกับฝูงแกะของเขา นกกระสาเกาะอยู่ริมหนองน้ำ ผู้หญิงมาจอดที่รถเครนบ่อน้ำ ในภูมิประเทศที่เย็นสบายราวกับฤดูใบไม้ผลินี้ ซึ่งสอดคล้องกับความอ่อนโยนอันเงียบสงบของมารีย์ ก้มลงกราบทารกที่กำลังหลับอยู่ด้วยความเคารพ เอกภาพพิเศษนั้น ความสอดคล้องภายในของลมหายใจแห่งชีวิตแห่งธรรมชาติและชีวิตฝ่ายวิญญาณของมนุษย์ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของจิตรกรรมเวนิสในยุคเรอเนซองส์ชั้นสูงได้บรรลุผลสำเร็จแล้ว เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่สังเกตว่าในการตีความภาพของพระแม่มารีเองซึ่งค่อนข้างเป็นประเภทต่างๆ ความสนใจของเบลลินีในประสบการณ์การถ่ายภาพของปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือนั้นเห็นได้ชัดเจน

สถานที่ที่สำคัญแม้ว่าจะไม่ได้เป็นผู้นำในผลงานของ Bellini ผู้ล่วงลับไปแล้วก็ถูกครอบครองโดยองค์ประกอบเหล่านั้นที่มักจะเกี่ยวข้องกับงานกวีหรือตำนานทางศาสนาซึ่งชาวเวนิสชื่นชอบ

เรื่องนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 14 ที่เรียกว่า "มาดอนน่าแห่งทะเลสาบ" (Uffizi) ท่ามกลางแสงสีนวลสีเงินตัดกับฉากหลังของภูเขาที่ค่อนข้างสงบและสง่างามที่ตั้งตระหง่านเหนือผืนน้ำสีน้ำเงินอมเทาลึกที่ไม่เคลื่อนไหวของทะเลสาบ ร่างของนักบุญปรากฏอยู่บนระเบียงเปิดโล่งหินอ่อน ตรงกลางระเบียงมีต้นส้มอยู่ในอ่างอาบน้ำ โดยมีเด็กเปลือยหลายๆ คนเล่นอยู่รอบๆ ต้นส้ม ทางด้านซ้ายของพวกเขาพิงราวบันไดหินอ่อน อัครสาวกเปโตรผู้เป็นชายชราผู้น่านับถือยืนอยู่ในความคิดอย่างลึกซึ้ง ข้างๆ เขาถือดาบ มีชายเคราดำสวมชุดคลุมสีแดงเข้มยืนอยู่ ดูเหมือนอัครสาวกเปาโล พวกเขากำลังคิดอะไรอยู่? เหตุใดผู้เฒ่าเจอโรม ผู้มีสีบรอนซ์เข้มแทน และเซบาสเตียนผู้เปลือยเปล่ากำลังเดินช้าๆ อยู่ที่ไหนและที่ไหน? ผู้หญิงชาวเวนิสร่างเพรียวผมสีแอชที่พันด้วยผ้าพันคอสีดำคือใคร? เหตุใดสตรีผู้ขึ้นครองราชย์อย่างเคร่งขรึมคนนี้หรือบางทีอาจเป็นมารีย์จึงประสานมืออธิษฐาน? ทุกอย่างดูไม่ชัดเจนอย่างลึกลับ แม้ว่าจะมีความเป็นไปได้มากกว่าที่ความหมายเชิงเปรียบเทียบของการเรียบเรียงนั้นค่อนข้างชัดเจนสำหรับผู้ร่วมสมัยของปรมาจารย์ ผู้เชี่ยวชาญด้านบทกวีที่มีความซับซ้อน และผู้เชี่ยวชาญในภาษาของสัญลักษณ์ แต่เสน่ห์ทางสุนทรีย์หลักของภาพไม่ได้อยู่ในเรื่องราวเชิงสัญลักษณ์อันชาญฉลาด ไม่ใช่ในความสง่างามของการถอดรหัสรีบัส แต่ในการเปลี่ยนแปลงความรู้สึกทางบทกวี ความละเอียดอ่อนทางจิตวิญญาณของส่วนรวม การเปรียบเทียบลวดลายที่แสดงออกอย่างหรูหราที่แตกต่างกันไป กระทู้ - ความงามอันสูงส่งของภาพลักษณ์ของบุคคล หาก "มาดอนน่าแห่งทะเลสาบ" ของเบลลินีคาดการณ์ถึงความซับซ้อนทางปัญญาของกวีนิพนธ์ของจอร์จิโอเน ดังนั้น "Feast of the Gods" ของเขา (ค.ศ. 1514; วอชิงตัน หอศิลป์แห่งชาติ) ก็โดดเด่นด้วยแนวคิดนอกรีตที่ร่าเริงอันน่าทึ่งของโลก ค่อนข้างจะคาดหวังถึง การมองโลกในแง่ดีอย่างกล้าหาญของ "บทกวี" และการประพันธ์ในตำนานของทิเชียนรุ่นเยาว์

จิโอวานนี่ เบลลินีก็หันมาสนใจการถ่ายภาพบุคคลเช่นกัน ภาพวาดบุคคลของเขาค่อนข้างน้อยดูเหมือนจะเตรียมการออกดอกของประเภทนี้ในภาพวาดเวนิสแห่งศตวรรษที่ 16 นี่คือภาพเด็กผู้ชาย ชายหนุ่มผู้สง่างามและชวนฝัน ในภาพบุคคลนี้ ภาพนั้นเต็มไปด้วยความสูงส่งทางจิตวิญญาณและบทกวีที่เป็นธรรมชาติได้ปรากฏออกมาแล้ว คนที่ยอดเยี่ยมซึ่งจะเปิดเผยอย่างเต็มที่ในผลงานของจอร์โจเนและทิเชียนรุ่นเยาว์ "The Boy" Bellini - นี่คือวัยเด็กของหนุ่ม "Brocardo" Giorgione

งานช่วงปลายของเบลลินีมีลักษณะพิเศษด้วยภาพเหมือนอันน่าทึ่งของ Doge (ก่อนปี 1507) โดดเด่นด้วยสีที่เปล่งประกายเจิดจ้า การสร้างแบบจำลองปริมาณที่ยอดเยี่ยม และการถ่ายทอดเอกลักษณ์เฉพาะตัวของชายชราผู้นี้ได้อย่างแม่นยำและแสดงออกซึ่งเต็มไปด้วย พลังที่กล้าหาญและชีวิตทางปัญญาที่เข้มข้น

โดยทั่วไปศิลปะของ Giovanni Bellini - หนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลี - หักล้างความคิดเห็นที่ครั้งหนึ่งเคยแพร่หลายเกี่ยวกับลักษณะการตกแต่งที่โดดเด่นและ "งดงาม" ล้วนๆของโรงเรียนเวนิส แท้จริงแล้วในการพัฒนาเพิ่มเติมของโรงเรียน Venetian การเล่าเรื่องที่เกิดขึ้นจริงและแง่มุมที่น่าทึ่งภายนอกของโครงเรื่องจะไม่ครองตำแหน่งผู้นำในบางครั้ง แต่ปัญหาความมั่งคั่งของโลกภายในของบุคคล ความสำคัญทางจริยธรรมของบุคลิกภาพของมนุษย์ที่สวยงามทางร่างกายและจิตวิญญาณ ซึ่งถ่ายทอดทางอารมณ์และความรู้สึกอย่างเป็นรูปธรรมมากกว่าในศิลปะของทัสคานี มักจะครอบครองสถานที่สำคัญใน กิจกรรมสร้างสรรค์อาจารย์ใหญ่ของโรงเรียนเวนิส

ปรมาจารย์คนหนึ่งในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 15 และ 16 ซึ่งผลงานของเขาก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลอันเด็ดขาดของจิโอวานนี เบลลินี คือ Giambattista Cima da Conegliano (ประมาณปี 1459-1517/18) ในเมืองเวนิสเขาทำงานระหว่างปี 1492-1516 Cima เป็นเจ้าขององค์ประกอบแท่นบูชาขนาดใหญ่ซึ่งตาม Bellini เขาได้ผสมผสานร่างเข้ากับกรอบสถาปัตยกรรมอย่างชำนาญโดยมักจะวางไว้ในช่องโค้ง (“ John the Baptist กับนักบุญสี่คน” ในโบสถ์ซานตามาเรียเดลออร์โตในเวนิสยุค 1490, “ ความไม่เชื่อของโธมัส"; เวนิส, Accademia, "St. Peter the Martyr", 1504; Milan, Brera) การเรียบเรียงเหล่านี้มีความโดดเด่นด้วยการจัดวางรูปปั้นที่กว้างขวางและฟรี ซึ่งช่วยให้ศิลปินสามารถแสดงพื้นหลังทิวทัศน์ที่อยู่ด้านหลังได้อย่างกว้างขวาง สำหรับลวดลายภูมิทัศน์ Cima มักจะใช้ภูมิประเทศของ Conegliano บ้านเกิดของเขา โดยมีปราสาทอยู่บนเนินเขาสูง เข้าถึงได้ด้วยถนนที่คดเคี้ยวสูงชัน มีต้นไม้โดดเดี่ยว และท้องฟ้าสีฟ้าอ่อนพร้อมเมฆสีอ่อน อย่างไรก็ตาม Cima ไม่ถึงจุดสูงสุดทางศิลปะของ Giovanni Bellini เช่นเดียวกับเขาในผลงานที่ดีที่สุดของเขาผสมผสานการวาดภาพที่ชัดเจนความสมบูรณ์ของพลาสติกในการตีความตัวเลขที่มีสีสันที่หลากหลายสัมผัสด้วยโทนสีทองเดียวเล็กน้อย Cima ยังเป็นผู้แต่งภาพโคลงสั้น ๆ ของภาพ Madonnas ของชาวเวนิสและใน "Introduction to the Temple" ที่น่าทึ่งของเขา (เดรสเดน, แกลเลอรีรูปภาพ) เขาได้ยกตัวอย่างการตีความโคลงสั้น ๆ - เล่าเรื่องของธีมด้วยการพรรณนาที่ละเอียดอ่อนของ ลวดลายในชีวิตประจำวันของแต่ละคน

ขั้นตอนต่อไปหลังจากงานศิลปะของ Giovanni Bellini คือผลงานของ Giorgione อาจารย์คนแรกของโรงเรียน Venetian ซึ่งทั้งหมดเป็นของ High Renaissance Giorgio Barbarelli แห่ง Castelfranco (1477/78-1510) ชื่อเล่น Giorgione เป็นเด็กร่วมสมัยและเป็นลูกศิษย์ของ Giovanni Bellini Giorgione เช่นเดียวกับ Leonardo da Vinci เผยให้เห็นถึงความกลมกลืนที่ละเอียดอ่อนของบุคคลที่ร่ำรวยทางจิตวิญญาณและสมบูรณ์แบบทางร่างกาย เช่นเดียวกับ Leonardo งานของ Giorgione มีความโดดเด่นด้วยสติปัญญาเชิงลึกและความฉลาดที่ดูเหมือนเป็นผลึก แต่ต่างจาก Leonardo ตรงที่การแต่งเนื้อเพลงอย่างลึกซึ้งซึ่งงานศิลปะของเขาถูกซ่อนไว้มากและในขณะเดียวกันก็อยู่ภายใต้ความน่าสมเพชของปัญญาชนที่มีเหตุผลหลักการโคลงสั้น ๆ ในข้อตกลงที่ชัดเจนกับหลักการที่มีเหตุผลใน Giorgione ทำให้ตัวเองรู้สึกมีพลังพิเศษ ในขณะเดียวกัน ธรรมชาติ และสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติในงานศิลปะของจอร์โจเนก็เริ่มมีบทบาทสำคัญมากขึ้นเรื่อยๆ

หากเรายังไม่สามารถพูดได้ว่า Giorgione พรรณนาถึงสภาพแวดล้อมทางอากาศเดียวที่เชื่อมโยงบุคคลและวัตถุของภูมิทัศน์เข้ากับอากาศโดยรวมเพียงแห่งเดียว ไม่ว่าในกรณีใดก็ตาม เรามีสิทธิ์ที่จะยืนยันว่าบรรยากาศทางอารมณ์ที่เป็นรูปเป็นร่างซึ่งทั้งวีรบุรุษและ ธรรมชาติที่อาศัยอยู่ใน Giorgione คือ บรรยากาศที่มีอยู่ทั่วไปในการมองเห็นทั้งสำหรับพื้นหลังและสำหรับตัวละครในภาพ

มีผลงานเพียงไม่กี่ชิ้นของจอร์โจเนเองหรือแวดวงของเขาที่รอดมาได้จนถึงทุกวันนี้ การระบุแหล่งที่มาหลายประการมีข้อขัดแย้ง อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่านิทรรศการผลงานเต็มรูปแบบครั้งแรกของ Giorgione และ "Giorgionesques" ซึ่งดำเนินการในปี 1958 ในเมืองเวนิส ทำให้ไม่เพียงแต่แนะนำการชี้แจงหลายประการเกี่ยวกับผลงานของอาจารย์เท่านั้น แต่ยังรวมถึง เพื่ออ้างถึงผลงานที่มีการถกเถียงกันก่อนหน้านี้หลายชิ้นว่าเป็นของจอร์โจเน และช่วยนำเสนอลักษณะงานของเขาโดยทั่วไปได้ครบถ้วนและชัดเจนยิ่งขึ้น

ผลงานในช่วงแรกๆ ของจอร์โจเนซึ่งดำเนินการก่อนปี ค.ศ. 1505 ได้แก่ Adoration of the Shepherds จากพิพิธภัณฑ์วอชิงตัน และ Adoration of the Magi จากหอศิลป์แห่งชาติในลอนดอน ใน "The Adoration of the Magi" (ลอนดอน) แม้จะมีการกระจายตัวของภาพวาดที่รู้จักกันดีและความแข็งแกร่งของสีอย่างไม่ลดละ แต่เราก็สามารถสัมผัสได้ถึงความสนใจของอาจารย์ในการถ่ายทอดโลกแห่งจิตวิญญาณภายในของเหล่าฮีโร่

ช่วงเริ่มต้นของงานของ Giorgione จบลงด้วยการประพันธ์ที่น่าทึ่งของเขา “Madonna da Castelfranco” (ประมาณปี 1505; Castelfranco, Cathedral) ในผลงานช่วงแรกๆ และผลงานชิ้นแรกในช่วงวัยผู้ใหญ่ของเขา Giorgione มีความเชื่อมโยงโดยตรงกับแนวการแสดงความเป็นวีรบุรุษที่ยิ่งใหญ่ ซึ่งร่วมกับแนวการเล่าเรื่องประเภทต่างๆ ได้ถ่ายทอดผ่านงานศิลปะทั้งหมดของ Quattrocento และความสำเร็จที่ปรมาจารย์ของ รูปแบบโดยรวมที่ยิ่งใหญ่ของยุคเรอเนซองส์สูงอาศัยเป็นหลัก ดังนั้นใน "Madonna of Castelfranco" ตัวเลขจึงถูกจัดเรียงตามรูปแบบการเรียบเรียงแบบดั้งเดิมที่ปรมาจารย์หลายคนในยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีตอนเหนือนำมาใช้สำหรับหัวข้อนี้ แมรี่นั่งอยู่บนแท่นสูง ไปทางขวาและซ้ายของเธอยืนต่อหน้าผู้ชมนักบุญฟรานซิสและนักบุญท้องถิ่นของเมือง Castelfranco Liberale แต่ละร่างซึ่งครอบครองสถานที่หนึ่งในองค์ประกอบที่สร้างขึ้นอย่างเคร่งครัดและเป็นอนุสรณ์และอ่านได้ชัดเจนยังคงปิดอยู่ในตัวมันเอง องค์ประกอบโดยรวมมีลักษณะค่อนข้างนิ่งเคร่งขรึม II ในเวลาเดียวกันการจัดเรียงร่างที่ผ่อนคลายในองค์ประกอบที่กว้างขวางจิตวิญญาณอันนุ่มนวลของการเคลื่อนไหวอันเงียบสงบของพวกเขาและบทกวีของภาพของแมรี่เองที่สร้างขึ้นในภาพนั้นบรรยากาศของความฝันที่ค่อนข้างลึกลับและหม่นหมองนั่นคือ ลักษณะเฉพาะของศิลปะของ Giorgione ที่เป็นผู้ใหญ่ซึ่งหลีกเลี่ยงรูปแบบการชนกันอย่างน่าทึ่ง

ในปี 1505 ช่วงเวลาแห่งวุฒิภาวะเชิงสร้างสรรค์ของศิลปินเริ่มต้นขึ้น ซึ่งในไม่ช้าก็ถูกขัดจังหวะด้วยความเจ็บป่วยร้ายแรงของเขา ในช่วงห้าปีสั้นๆ นี้ ผลงานชิ้นเอกหลักของเขาถูกสร้างขึ้น: “Judith”, “The Thunderstorm”, “Sleeping Venus”, “Concert” และภาพบุคคลส่วนใหญ่ ในงานเหล่านี้มีการเปิดเผยความเชี่ยวชาญของภาพเฉพาะและความสามารถในการแสดงออกเชิงเปรียบเทียบของการวาดภาพสีน้ำมันซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ของโรงเรียนเวนิส แท้จริงแล้วคุณลักษณะเฉพาะของโรงเรียน Venetian คือการพัฒนาที่โดดเด่นของการวาดภาพสีน้ำมันและการพัฒนาที่อ่อนแอของการวาดภาพปูนเปียก

ในระหว่างการเปลี่ยนจากระบบยุคกลางไปสู่การวาดภาพเหมือนจริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ชาวเวนิสโดยธรรมชาติแล้วกระเบื้องโมเสกที่ถูกทิ้งร้างเกือบทั้งหมด สีสันที่สดใสและการตกแต่งที่เพิ่มขึ้นซึ่งไม่สามารถบรรลุเป้าหมายทางศิลปะใหม่ได้อย่างเต็มที่อีกต่อไป จริงอยู่ที่ความสว่างที่เพิ่มขึ้นของภาพวาดโมเสกที่ส่องแสงแวววาวแม้ว่าจะเปลี่ยนทางอ้อมก็มีอิทธิพลต่อภาพวาดยุคเรอเนซองส์ของเมืองเวนิสซึ่งมักมุ่งสู่ความชัดเจนของเสียงดังและความสมบูรณ์ของสีที่เปล่งประกาย แต่เทคนิคโมเสคนั้นเป็นเพียงอดีตไปแล้ว โดยมีข้อยกเว้นที่หาได้ยาก การพัฒนาจิตรกรรมอนุสาวรีย์เพิ่มเติมจะเกิดขึ้นทั้งในรูปแบบของจิตรกรรมฝาผนังและจิตรกรรมฝาผนัง หรือบนพื้นฐานของการพัฒนาจิตรกรรมสีน้ำมันและอุบาทว์

ภาพปูนเปียกในสภาพอากาศชื้นแบบเวนิสเผยให้เห็นความไม่มั่นคงตั้งแต่เนิ่นๆ ดังนั้นจิตรกรรมฝาผนังของลานเยอรมัน (1508) ซึ่งดำเนินการโดย Giorgione โดยมีส่วนร่วมของ Titian รุ่นเยาว์จึงถูกทำลายเกือบทั้งหมด มีเพียงเศษชิ้นส่วนที่จางหายไปครึ่งหนึ่งซึ่งถูกทำลายด้วยความชื้นเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ หนึ่งในนั้นยังมีร่างของหญิงสาวเปลือยที่สร้างโดยจอร์โจเน ซึ่งเต็มไปด้วยเสน่ห์แบบแพรซิเทเลียน ดังนั้นสถานที่วาดภาพฝาผนังในความหมายที่เหมาะสมของคำจึงถูกยึดโดยแผ่นผนังบนผืนผ้าใบที่ออกแบบมาสำหรับห้องเฉพาะและดำเนินการโดยใช้เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมัน

การวาดภาพสีน้ำมันได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางและสมบูรณ์ในเมืองเวนิส ไม่เพียงเพราะมันเป็นเทคนิคการวาดภาพที่สะดวกที่สุดในการเปลี่ยนจิตรกรรมฝาผนัง แต่ยังเป็นเพราะความปรารถนาที่จะถ่ายทอดภาพของบุคคลที่มีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติของเขา ความสนใจในความสมจริง รูปลักษณ์ของวรรณยุกต์และสีสันอันอุดมสมบูรณ์ของโลกที่มองเห็นสามารถเปิดเผยได้ด้วยความสมบูรณ์และความยืดหยุ่นโดยเฉพาะในเทคนิคการวาดภาพสีน้ำมัน ในเรื่องนี้มีค่าสำหรับความเข้มของสีขนาดใหญ่ความดังที่ส่องประกายอย่างชัดเจน แต่การตกแต่งในธรรมชาติมากขึ้นการวาดภาพสีฝุ่นบนกระดานสำหรับองค์ประกอบขาตั้งจะต้องหลีกทางให้กับน้ำมันอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ซึ่งสื่อถึงสีแสงและเฉดสีเชิงพื้นที่ของสภาพแวดล้อมได้อย่างยืดหยุ่นมากขึ้น ปั้นรูปร่างของร่างกายมนุษย์ให้นุ่มนวลและมีเสียงดังยิ่งขึ้น สำหรับจอร์โจเนซึ่งทำงานค่อนข้างน้อยในสาขาการจัดองค์ประกอบภาพขนาดใหญ่ โอกาสที่มีอยู่ในการวาดภาพสีน้ำมันเหล่านี้มีค่าอย่างยิ่ง

ผลงานชิ้นหนึ่งของจอร์โจเนในยุคนี้ ซึ่งลึกลับที่สุดในความหมายของพล็อตเรื่องคือ “The Thunderstorm” (Venice Academy)

เป็นเรื่องยากสำหรับเราที่จะบอกว่าพล็อตเรื่อง "พายุฝนฟ้าคะนอง" เขียนไว้โดยเฉพาะอะไร

แต่ไม่ว่าความหมายภายนอกของพล็อตเรื่องจะคลุมเครือเพียงใดสำหรับเรา ซึ่งเห็นได้ชัดว่าทั้งตัวอาจารย์เองหรือผู้เชี่ยวชาญที่มีความซับซ้อนและผู้เชี่ยวชาญในงานศิลปะของเขาในสมัยนั้นไม่ได้ให้ความสำคัญอย่างเด็ดขาด เราก็รู้สึกอย่างชัดเจนถึงความปรารถนาของศิลปินที่จะทำซ้ำสิ่งพิเศษบางอย่าง สถานะของจิตวิญญาณผ่านการเปรียบเทียบภาพที่ตัดกันอย่างแปลกประหลาด ด้วยความเก่งกาจและความซับซ้อนของความรู้สึกที่โดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ของอารมณ์โดยรวม บางทีนี่อาจเป็นผลงานชิ้นแรก ๆ ของปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่ ยังคงซับซ้อนเกินไปและสับสนภายนอกเมื่อเทียบกับผลงานในภายหลังของเขา แต่คุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์ผู้ใหญ่ของ Giorgione ก็แสดงออกมาอย่างชัดเจน

ตัวเลขดังกล่าวอยู่ในสภาพแวดล้อมแนวนอนอยู่แล้ว แม้ว่าจะยังอยู่เบื้องหน้าก็ตาม ความหลากหลายของสิ่งมีชีวิตตามธรรมชาตินั้นแสดงให้เห็นอย่างละเอียดอย่างน่าประหลาดใจ: ฟ้าผ่าที่แวบวับจากเมฆหนาทึบ; กำแพงเถ้าเงินของอาคารในเมืองอันห่างไกล สะพานข้ามแม่น้ำ น้ำบางครั้งก็ลึกและไม่เคลื่อนไหวบางครั้งก็ไหล ถนนคดเคี้ยว; บางครั้งก็เรียวบางเปราะบางบางครั้งก็มีต้นไม้และพุ่มไม้เขียวชอุ่มและใกล้กับเบื้องหน้ามากขึ้น - เศษของเสา จารึกไว้ในภูมิประเทศที่แปลกตานี้ ผสมผสานกันอย่างน่าอัศจรรย์ และจริงใจในรายละเอียดและอารมณ์ทั่วไป เป็นรูปเปลือยลึกลับที่มีผ้าพันคอพาดอยู่บนไหล่ รูปผู้หญิงกำลังให้นมลูก และคนเลี้ยงแกะหนุ่ม องค์ประกอบที่ต่างกันทั้งหมดนี้ก่อให้เกิดความแปลกประหลาดและค่อนข้างลึกลับ ความนุ่มนวลของคอร์ด ความดังของสีที่เงียบงัน ราวกับถูกปกคลุมไปด้วยลักษณะอากาศกึ่งสนธยาของแสงก่อนพายุ ทำให้เกิดความสามัคคีของภาพ ซึ่งภายในความสัมพันธ์อันยาวนานและการไล่ระดับของโทนสีจะพัฒนาขึ้น ชายหนุ่มสวมเสื้อคลุมสีส้มแดง เสื้อเชิ้ตสีขาวอมเขียวเป็นประกาย เสื้อคลุมสีขาวของผู้หญิงเป็นโทนสีฟ้าอ่อน สีมะกอกสีบรอนซ์ของต้นไม้เขียวขจี บางครั้งก็เป็นสีเขียวเข้มในสระน้ำลึก บางครั้งก็มีน้ำเป็นประกายแวววาว ของแม่น้ำในกระแสน้ำเชี่ยวกรากเมฆสีน้ำเงินตะกั่วหนัก - ทุกสิ่งถูกปกคลุม รวมกันในเวลาเดียวกันด้วยแสงลึกลับที่สำคัญและน่าเหลือเชื่อ

เป็นเรื่องยากสำหรับเราที่จะอธิบายเป็นคำพูดว่าทำไมตัวเลขที่ตรงกันข้ามเหล่านี้จึงปรากฏตัวที่นี่อย่างไม่อาจเข้าใจได้ด้วยเสียงฟ้าร้องที่ดังกึกก้องจากระยะไกลและงูสายฟ้าที่แวบวับส่องสว่างด้วยแสงที่น่ากลัวถึงธรรมชาติที่เงียบงันอย่างระมัดระวังในความคาดหมาย “พายุฝนฟ้าคะนอง” สื่อถึงความตื่นเต้นที่ควบคุมไม่ได้ของจิตวิญญาณมนุษย์อย่างลึกซึ้ง ปลุกให้ตื่นจากความฝันด้วยเสียงสะท้อนของฟ้าร้องอันห่างไกล

ภาพประกอบหน้า 256-257

ความรู้สึกของความซับซ้อนอันลึกลับของโลกจิตวิญญาณภายในของบุคคลนี้ซึ่งซ่อนอยู่เบื้องหลังความงามที่โปร่งใสที่ดูเหมือนชัดเจนของรูปลักษณ์ภายนอกอันสูงส่งของเขาพบการแสดงออกใน "จูดิธ" ที่มีชื่อเสียง (ก่อนปี 1504; เลนินกราด, อาศรม) “Judith” เป็นเพลงประกอบอย่างเป็นทางการตามธีมของพระคัมภีร์ ยิ่งไปกว่านั้น ไม่เหมือนกับภาพวาดของ Quattrocentists จำนวนมาก มันเป็นองค์ประกอบในธีม ไม่ใช่ภาพประกอบ เป็นลักษณะเฉพาะที่ปรมาจารย์ไม่ได้พรรณนาถึงช่วงเวลาสำคัญจากมุมมองของการพัฒนาของเหตุการณ์ดังที่ปรมาจารย์ของ Quattrocento มักทำ (จูดิธฟาดโฮโลเฟอร์เนสที่มึนเมาด้วยดาบหรือถือศีรษะที่ถูกตัดขาดด้วยสาวใช้) .

ท่ามกลางฉากหลังของภูมิทัศน์อันเงียบสงบก่อนพระอาทิตย์ตกดินใต้ร่มเงาของต้นโอ๊ก จูดิธผู้ผอมเพรียวยืนพิงราวบันไดอย่างครุ่นคิด รูปร่างที่นุ่มนวลของเธอตัดกับลำต้นขนาดใหญ่ของต้นไม้อันยิ่งใหญ่ เสื้อผ้าสีแดงสดอันอ่อนนุ่มเต็มไปด้วยจังหวะการพับที่ขาดกระสับกระส่ายราวกับเสียงสะท้อนที่ห่างไกลของลมบ้าหมูที่ผ่านไป ในมือของเธอเธอถือดาบสองคมขนาดใหญ่ ปลายอันแหลมคมของมันวางอยู่บนพื้น ความแวววาวและความตรงที่เยือกเย็นซึ่งตรงกันข้ามกับการเน้นความยืดหยุ่นของขาครึ่งเปลือยที่เหยียบย่ำศีรษะของโฮโลเฟอร์เนส รอยยิ้มครึ่งยิ้มที่เข้าใจยากปรากฏบนใบหน้าของจูดิธ ดูเหมือนว่าการจัดองค์ประกอบนี้สื่อถึงเสน่ห์ทั้งหมดของภาพลักษณ์ของหญิงสาวที่สวยงามและชัดเจนอย่างเย็นชาซึ่งสะท้อนออกมาราวกับดนตรีประกอบด้วยความชัดเจนอันนุ่มนวลของธรรมชาติอันเงียบสงบ ในเวลาเดียวกัน ดาบที่ตัดอย่างเย็นชา ความโหดร้ายที่คาดไม่ถึงของลวดลาย - เท้าเปล่าที่อ่อนโยนเหยียบย่ำศีรษะที่ตายแล้ว - ทำให้เกิดความรู้สึกวิตกกังวลและกระสับกระส่ายที่คลุมเครือในภาพอารมณ์ที่ดูเหมือนกลมกลืนกันและเกือบจะงดงาม

โดยทั่วไปแล้ว แรงจูงใจหลักยังคงความบริสุทธิ์ที่ชัดเจนและสงบของอารมณ์ชวนฝัน อย่างไรก็ตามความสุขของภาพและความโหดร้ายอันลึกลับของลวดลายของดาบและหัวที่ถูกเหยียบย่ำความซับซ้อนที่เกือบจะซ้ำซากของอารมณ์คู่นี้ทำให้ผู้ชมยุคใหม่ตกอยู่ในความสับสน แต่เห็นได้ชัดว่าผู้ร่วมสมัยของ Giorgione รู้สึกประทับใจน้อยกว่ากับความโหดร้ายของความแตกต่าง (มนุษยนิยมในยุคเรอเนซองส์ไม่เคยโดดเด่นด้วยความอ่อนไหวมากเกินไป) มากไปกว่าการถูกดึงดูดด้วยเสียงสะท้อนที่ละเอียดอ่อนของพายุที่อยู่ห่างไกลและความขัดแย้งอันน่าทึ่งกับพื้นหลังของการได้มาซึ่ง ความสามัคคีที่ละเอียดอ่อน สภาวะแห่งความสุขของความงามในฝันที่ชวนฝันนั้นสัมผัสได้ถึงจิตวิญญาณของมนุษย์โดยเฉพาะ

มันเป็นลักษณะเฉพาะของจอร์โจเนที่เขาสนใจภาพลักษณ์ของบุคคลไม่มากนักในเรื่องความแข็งแกร่งและความสว่างที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวละครที่แสดงออกเป็นรายบุคคล แต่สนใจในความซับซ้อนอย่างละเอียดและในขณะเดียวกันก็รวมอุดมคติของมนุษย์ที่สมบูรณ์แบบเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืน หรือที่เจาะจงกว่านั้นคืออุดมคติของสภาพจิตวิญญาณที่บุคคลอาศัยอยู่ ดังนั้นในการประพันธ์ของเขาแทบจะไม่มีความเฉพาะเจาะจงในแนวตั้งของตัวละครซึ่งมีข้อยกเว้นบางประการ (เช่น Michelangelo) ปรากฏอยู่ในการเรียบเรียงที่ยิ่งใหญ่ของปรมาจารย์ส่วนใหญ่ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลี ยิ่งไปกว่านั้น การเรียบเรียงของ Giorgione เองก็เรียกได้ว่าเป็นอนุสรณ์ในระดับหนึ่งเท่านั้น ตามกฎแล้วจะมีขนาดเล็ก พวกเขาไม่ได้จ่าหน้าถึงคนจำนวนมาก รำพึงอันประณีตของ Giorgione - นี่คือศิลปะที่แสดงออกโดยตรงที่สุดถึงโลกแห่งสุนทรียศาสตร์และศีลธรรมของชนชั้นสูงที่มีมนุษยธรรมในสังคมเวนิส ภาพวาดเหล่านี้ออกแบบมาเพื่อการไตร่ตรองความสงบในระยะยาวโดยนักเลงศิลปะที่มีโลกแห่งจิตวิญญาณภายในที่ละเอียดอ่อนและพัฒนาอย่างซับซ้อน นี่คือเสน่ห์เฉพาะของปรมาจารย์ แต่ยังรวมถึงข้อจำกัดบางอย่างของเขาด้วย

ในวรรณคดีมักมีความพยายามที่จะลดความหมายของงานศิลปะของจอร์โจเนให้เหลือเพียงการแสดงออกถึงอุดมคติของชนชั้นสูงผู้รักชาติเล็กๆ ที่รู้แจ้งอย่างมีมนุษยธรรมแห่งเวนิสในขณะนั้นเท่านั้น อย่างไรก็ตาม นี่ไม่เป็นความจริงทั้งหมด หรือไม่ใช่เพียงเท่านั้น เนื้อหาวัตถุประสงค์ของงานศิลปะของ Giorgione นั้นกว้างกว่าและเป็นสากลมากกว่าขอบเขตทางสังคมแคบ ๆ ที่เกี่ยวข้องกับงานของเขาโดยตรง ความรู้สึกของความสูงส่งอันประณีตของจิตวิญญาณมนุษย์ ความปรารถนาที่จะได้ภาพที่สมบูรณ์แบบในอุดมคติของบุคคลที่อยู่ร่วมกับสิ่งแวดล้อมและโลกรอบตัว ก็มีความสำคัญก้าวหน้าโดยรวมอย่างมากต่อการพัฒนาวัฒนธรรม

ดังที่กล่าวไปแล้ว ความสนใจในความคมชัดของภาพบุคคลไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของงานของจอร์โจเน นี่ไม่ได้หมายความว่าตัวละครของเขาเช่นภาพศิลปะโบราณคลาสสิกนั้นปราศจากความคิดริเริ่มเฉพาะใดๆ เลย นี่เป็นสิ่งที่ผิด โหราจารย์ของเขาใน Adoration of the Magi ยุคแรกและนักปรัชญาใน The Three Philosophers (ประมาณปี 1508) มีความแตกต่างกันไม่เพียงแต่ในเรื่องอายุเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรูปลักษณ์ส่วนตัวด้วย อย่างไรก็ตาม นักปรัชญาที่มีความแตกต่างในภาพลักษณ์ของตน มักถูกมองว่าไม่มากเท่ากับบุคคลที่มีลักษณะเฉพาะ สดใส มีลักษณะเป็นภาพเหมือน หรือโดยเฉพาะอย่างยิ่งเป็นภาพที่มีอายุสามวัย (เยาวชน สามีที่เป็นผู้ใหญ่ และชายชรา) แต่ แทนที่จะเป็นศูนย์รวมของด้านต่างๆ แง่มุมต่างๆ ของจิตวิญญาณมนุษย์

การถ่ายภาพบุคคลของ Giorgione เป็นการผสมผสานระหว่างบุคคลในอุดมคติและเป็นรูปธรรมที่มีชีวิต ลักษณะที่โดดเด่นที่สุดประการหนึ่งคือภาพเหมือนอันงดงามของอันโตนิโอ โบรคาร์โด (ประมาณปี 1508-1510; บูดาเปสต์, พิพิธภัณฑ์) มันถ่ายทอดลักษณะภาพบุคคลของชายหนุ่มผู้สูงศักดิ์ได้อย่างแม่นยำและชัดเจนอย่างแน่นอน แต่พวกเขาก็นุ่มนวลและด้อยกว่าภาพลักษณ์ของผู้ชายที่สมบูรณ์แบบอย่างชัดเจน

การเคลื่อนไหวของมือชายหนุ่มอย่างอิสระอย่างง่ายดาย พลังงานที่สัมผัสได้ในร่างกายครึ่งหนึ่งซ่อนอยู่ใต้เสื้อคลุมกว้างหลวม ความงามอันสูงส่งของใบหน้าซีดเซียว ศีรษะโค้งคำนับบนคอที่แข็งแรงและเรียวยาว ความงามของรูปร่าง ของปากที่โค้งงออย่างยืดหยุ่นความฝันอันหม่นหมองของการจ้องมองที่มองไปในระยะไกลและห่างจากผู้ชม - ทุกสิ่งนี้สร้างภาพลักษณ์ของบุคคลที่เต็มไปด้วยความแข็งแกร่งอันสูงส่งที่จมอยู่ในความคิดที่ลึกล้ำชัดเจนและสงบ เส้นโค้งที่อ่อนโยนของอ่าวที่มีน้ำนิ่งสงบชายฝั่งภูเขาอันเงียบสงบพร้อมอาคารที่เงียบสงบอย่างเคร่งขรึมสร้างพื้นหลังแนวนอนซึ่งเช่นเคยกับ Giorgione ไม่ได้ทำซ้ำจังหวะและอารมณ์ของบุคคลหลักพร้อมกัน แต่เป็นเช่นนั้น สอดคล้องกับอารมณ์นี้โดยอ้อม

ความนุ่มนวลของการแกะสลักใบหน้าและมือขาวดำนั้นค่อนข้างชวนให้นึกถึงสฟูมาโตของเลโอนาร์โด Leonardo และ Giorgione แก้ไขปัญหาในการรวมสถาปัตยกรรมที่ชัดเจนของพลาสติกในรูปแบบของร่างกายมนุษย์เข้ากับการสร้างแบบจำลองที่นุ่มนวลขึ้นพร้อมกันทำให้พวกเขาสามารถถ่ายทอดความสมบูรณ์ของพลาสติก แสงและเฉดสี - หรือพูดได้ว่า "ลมหายใจ" ของ ร่างกายมนุษย์. หากในเลโอนาร์โดเป็นเหมือนการไล่ระดับแสงและความมืดมากกว่า ซึ่งเป็นการแรเงารูปแบบที่ดีที่สุด ดังนั้นในจอร์โจเนก็จะเป็นสฟูมาโต ตัวละครพิเศษ- นี่เป็นเหมือนการจำลองปริมาตรของร่างกายมนุษย์ด้วยลำแสงอันกว้างไกลที่ท่วมพื้นที่ทั้งหมดของภาพวาด ดังนั้น สฟูมาโตของจอร์โจเนจึงสื่อถึงปฏิสัมพันธ์ของสีและแสงซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของภาพวาดเวนิสแห่งศตวรรษที่ 16 หากภาพเหมือนของลอราของเขา (ประมาณปี 1505-1506; เวียนนา) ค่อนข้างธรรมดา รูปภาพผู้หญิงอื่นๆ ของเขาโดยพื้นฐานแล้วก็คือศูนย์รวมของความงามในอุดมคติ

ภาพวาดเหมือนของจอร์โจเนเริ่มต้นพัฒนาการที่โดดเด่นของภาพเวนิส โดยเฉพาะทิเชียน ซึ่งเป็นภาพเหมือนของสมัยเรอเนซองส์ชั้นสูง ลักษณะเด่นของภาพเหมือนของจอร์โจเนจะได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมโดยทิเชียน ผู้ซึ่งต่างจากจอร์โจเนตรงที่มีความรู้สึกเฉียบแหลมและแข็งแกร่งกว่ามากเกี่ยวกับเอกลักษณ์เฉพาะตัวของตัวละครมนุษย์ที่ปรากฎ และมีการรับรู้โลกที่มีพลังมากกว่า

งานของ Giorgione จบลงด้วยผลงานสองชิ้น - "Sleeping Venus" ของเขา (ประมาณปี 1508-1510; Dresden) และ "คอนเสิร์ต" ของ Louvre ภาพวาดเหล่านี้ยังคงสร้างไม่เสร็จ และพื้นหลังทิวทัศน์ในนั้นก็เสร็จสมบูรณ์โดยทิเชียนผู้ยิ่งใหญ่ เพื่อนและนักเรียนรุ่นเยาว์ของจอร์โจเน นอกจากนี้ “Sleeping Venus” ยังสูญเสียคุณสมบัติที่งดงามบางอย่างไปเนื่องจากความเสียหายจำนวนมากและการบูรณะที่ไม่ประสบผลสำเร็จ แต่อาจเป็นไปได้ว่าในงานนี้เองที่อุดมคติของความสามัคคีของความงามทางร่างกายและจิตวิญญาณของมนุษย์ได้รับการเปิดเผยด้วยความสมบูรณ์ทางมนุษยนิยมและความชัดเจนเกือบโบราณ

วีนัสที่เปลือยเปล่าถูกแช่อยู่ในการนอนหลับอันเงียบสงบโดยมีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์ชนบทซึ่งเป็นจังหวะที่อ่อนโยนของเนินเขาซึ่งสอดคล้องกับภาพลักษณ์ของเธอ บรรยากาศที่มีเมฆมากทำให้รูปทรงทั้งหมดดูนุ่มนวลขึ้น และในขณะเดียวกันก็รักษารูปลักษณ์แบบพลาสติกของแบบฟอร์มไว้

เช่นเดียวกับผลงานสร้างสรรค์อื่นๆ ของยุคเรอเนซองส์ชั้นสูง ภาพวีนัสของจอร์โจเนถูกปิดด้วยความงามอันสมบูรณ์แบบ และในขณะเดียวกันก็เหินห่างทั้งจากผู้ชมและจากเสียงดนตรีของธรรมชาติโดยรอบ ซึ่งสอดคล้องกับความงามของมัน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เธอจมอยู่ในความฝันที่ชัดเจนของการหลับใหลอย่างเงียบสงบ มือขวาที่ถูกโยนไปด้านหลังศีรษะทำให้เกิดเส้นโค้งเป็นจังหวะเดียว ห่อหุ้มร่างกายและปิดทุกรูปแบบให้เป็นรูปทรงเรียบๆ เพียงอย่างเดียว

หน้าผากที่สงบนิ่ง คิ้วโค้งอย่างสงบ เปลือกตาที่ลดลงอย่างนุ่มนวล และปากที่สวยงามและเคร่งครัด ทำให้เกิดภาพความบริสุทธิ์ที่โปร่งใสจนไม่อาจอธิบายเป็นคำพูดได้ ทุกสิ่งเต็มไปด้วยความโปร่งใสดุจคริสตัล ซึ่งจะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อวิญญาณที่แจ่มใสและไร้มลทินอาศัยอยู่ในร่างกายที่สมบูรณ์แบบเท่านั้น

“คอนเสิร์ตในชนบท” (ประมาณ ค.ศ. 1508 - 1510; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) แสดงให้เห็นกลุ่มชายหนุ่มสองคนในชุดที่งดงามและผู้หญิงเปลือยสองคนโดยมีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์อันเงียบสงบ มงกุฎที่โค้งมนของต้นไม้ การเคลื่อนไหวช้าๆ ของเมฆชื้นนั้นประสานกันอย่างน่าทึ่งกับจังหวะที่อิสระและกว้างของเสื้อผ้าและการเคลื่อนไหวของชายหนุ่ม พร้อมด้วยความงามอันหรูหราของผู้หญิงเปลือย สารเคลือบเงาที่เข้มขึ้นตามเวลาทำให้ภาพวาดมีสีทองที่อบอุ่นและเกือบจะร้อน ในความเป็นจริง ภาพวาดของเธอเริ่มแรกมีความโดดเด่นด้วยความสมดุลของโทนสีโดยรวม เกิดขึ้นได้จากการวางโทนเย็นและโทนอุ่นปานกลางที่ลงตัวและลงตัวอย่างแม่นยำและละเอียดอ่อน ความเป็นกลางที่นุ่มนวลและละเอียดอ่อนของโทนสีโดยรวมที่ได้มาจากความแตกต่างที่บันทึกไว้อย่างแม่นยำ ซึ่งไม่เพียงแต่สร้างลักษณะเอกภาพของ Giorgione ระหว่างการแยกความแตกต่างที่ซับซ้อนของเฉดสีและความชัดเจนของสีสันทั้งหมดเท่านั้น แต่ยังทำให้อ่อนลงบ้างที่เย้ายวนอย่างสนุกสนาน เพลงสวดเพื่อความงามอันเขียวชอุ่มและความสุขของชีวิตซึ่งรวมอยู่ในภาพนี้

มากกว่าผลงานอื่นๆ ของจอร์โจเน ดูเหมือนว่า "The Rural Concert" จะเตรียมการปรากฏตัวของทิเชียน ในเวลาเดียวกันความสำคัญของงานช่วงปลายนี้ของ Giorgione ไม่เพียงอยู่ในบทบาทในการเตรียมการเท่านั้น แต่ยังเผยให้เห็นถึงเสน่ห์อันเป็นเอกลักษณ์ของผลงานของศิลปินคนนี้อีกครั้งซึ่งไม่มีใครทำซ้ำ ในอนาคต. ความปิติยินดีทางราคะของทิเชียนฟังดูเหมือนเพลงสวดที่สดใสและร่าเริงเพื่อความสุขของมนุษย์ ซึ่งเป็นสิทธิ์ในการได้รับความสุขตามธรรมชาติของเขา ใน Giorgione ความสุขอันเย้ายวนของลวดลายนี้บรรเทาลงด้วยการใคร่ครวญชวนฝัน อยู่ภายใต้ความกลมกลืนที่ชัดเจน สว่างไสว และสมดุลของมุมมองชีวิตแบบองค์รวม

นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมการใช้สีขององค์ประกอบทั้งหมดนี้จึงเป็นกลาง นั่นคือสาเหตุที่การเคลื่อนไหวของหญิงสาวที่สวยงามและมีความคิดถูกควบคุมอย่างสงบ นั่นคือสาเหตุที่ทำให้สีของเสื้อผ้าหรูหราของชายหนุ่มทั้งสองฟังดูเงียบลง นั่นคือสาเหตุที่ทำให้ทั้งสองคน ไม่ค่อยให้ความสำคัญกับการใคร่ครวญถึงความงามของเพื่อน ๆ มากนักเหมือนกับการจมอยู่ในโลกแห่งดนตรีอันเงียบสงบ พวกเขาหยุดพูดเสียงอันอ่อนโยนของไปป์ซึ่งความงามพรากไปจากริมฝีปากของเธอ คอร์ดของสายพิณที่ส่งเสียงเบา ๆ ในมือของชายหนุ่ม จากระยะไกลใต้กอต้นไม้สามารถได้ยินเสียงปี่อู้อี้เล่นโดยคนเลี้ยงแกะที่ดูแลแกะของเขา ผู้หญิงคนที่สองกำลังพิงบ่อหินอ่อน ฟังเสียงพึมพำอันเงียบสงบของลำธารที่ไหลจากภาชนะแก้วใส บรรยากาศของดนตรีที่ดังกระหึ่ม การดื่มด่ำกับโลกแห่งท่วงทำนองทำให้มีเสน่ห์อันสูงส่งเป็นพิเศษแก่วิสัยทัศน์ของความสุขที่สวยงามตระการตาที่ชัดเจนและไพเราะ

ผลงานของทิเชียน เช่น เลโอนาร์โด ราฟาเอล และไมเคิลแองเจโล ถือเป็นจุดสุดยอดของศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง ผลงานของทิเชียนรวมอยู่ในกองทุนทองคำแห่งมรดกทางศิลปะของมนุษยชาติตลอดไป ความน่าเชื่อถือของภาพที่สมจริง, ศรัทธาที่เห็นอกเห็นใจในความสุขและความงามของมนุษย์, การวาดภาพที่กว้าง, ยืดหยุ่นและเชื่อฟังต่อแผนของอาจารย์เป็นคุณลักษณะเฉพาะของงานของเขา

Tiziano Vecellio จาก Cadore เกิดตามข้อมูลดั้งเดิมในปี 1477 เสียชีวิตในปี 1576 จากโรคระบาด จากการวิจัยเมื่อเร็ว ๆ นี้ นักวิจัยหลายคนระบุวันเดือนปีเกิดในช่วงปี 1485-1490

ทิเชียนก็เหมือนกับไมเคิลแองเจโลที่อายุยืนยาว ทศวรรษสุดท้ายของงานของเขาเกิดขึ้นในบริบทของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนปลายในเงื่อนไขของการเตรียมการในสังคมยุโรปสำหรับการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ขั้นต่อไป

อิตาลีซึ่งในช่วงปลายยุคเรอเนซองส์ยังคงห่างไกลจากเส้นทางหลักในการพัฒนาความสัมพันธ์ทุนนิยมต่อไป ในอดีตไม่สามารถสร้างรัฐชาติเดียวได้ ตกอยู่ภายใต้การปกครองของมหาอำนาจต่างชาติ และกลายเป็นฐานที่มั่นหลักของระบบศักดินา ปฏิกิริยาคาทอลิก พลังแห่งความก้าวหน้าในอิตาลียังคงมีอยู่และทำให้ตนเองรู้สึกถึงวัฒนธรรม (Campanella, Giordano Bruno) แต่ฐานทางสังคมของพวกเขาอ่อนแอเกินไป ดังนั้นการอนุมัติแนวความคิดก้าวหน้าใหม่ๆ ในงานศิลปะอย่างต่อเนื่องและการสร้างระบบศิลปะใหม่แห่งความสมจริงจึงต้องเผชิญกับความยากลำบากเป็นพิเศษในภูมิภาคส่วนใหญ่ของอิตาลี ยกเว้นเมืองเวนิสที่ยังคงรักษาอิสรภาพและความเจริญรุ่งเรืองบางส่วนไว้ ในเวลาเดียวกันประเพณีอันสูงส่งของงานฝีมือที่สมจริงและความกว้างของอุดมคติด้านมนุษยนิยมของศตวรรษที่ครึ่งและการพัฒนาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้กำหนดความสมบูรณ์แบบทางสุนทรียะของงานศิลปะนี้ ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ ผลงานของทิเชียนในยุคปลายมีความโดดเด่นตรงที่เป็นตัวอย่างของงานศิลปะที่สมจริงแบบก้าวหน้า โดยอาศัยการประมวลผลและการพัฒนาความสำเร็จหลักของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการขั้นสูง และในขณะเดียวกันก็เตรียมการเปลี่ยนแปลงของศิลปะไปสู่ยุคต่อไป ขั้นตอนของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์

อิสรภาพของเวนิสจากอำนาจของสมเด็จพระสันตะปาปาและจากการครอบงำของผู้แทรกแซงจากต่างประเทศทำให้ง่ายต่อการแก้ไขปัญหาที่ทิเชียนเผชิญอยู่ วิกฤตสังคมในเมืองเวนิสเกิดขึ้นช้ากว่าพื้นที่อื่นๆ ของอิตาลี และเกิดขึ้นในรูปแบบที่แตกต่างกัน II ถ้าเราไม่ควรพูดเกินจริงถึง "เสรีภาพ" ของสาธารณรัฐผู้มีอำนาจของเวนิส แต่อย่างไรก็ตามการรักษาธรรมชาติของวัฒนธรรมทางโลกไว้ การอนุรักษ์ในช่วงเวลาหนึ่งของความเป็นอยู่ที่ดีทางเศรษฐกิจมีผลกระทบเชิงบวกต่อการพัฒนา ศิลปะ แม้ว่าโดยทั่วไปแล้วการเติบโตโดยทั่วไปและการเสริมสร้างปฏิกิริยาทำให้ตัวเองรู้สึกได้ในเวนิส

งานของทิเชียนจนถึงปี 1540 เกี่ยวข้องอย่างสมบูรณ์กับอุดมคติทางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ในช่วงทศวรรษที่ 1540-1570 เมื่อเวนิสเข้าสู่ช่วงเวลาแห่งวิกฤติ ทิเชียนจากมุมมองของแนวคิดขั้นสูงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา สะท้อนด้วยความกล้าหาญอันเข้มงวดและความจริงใจต่อตำแหน่งทางสังคมใหม่ของมนุษย์ สภาพทางสังคมใหม่สำหรับการพัฒนาของอิตาลี ทิเชียนประท้วงอย่างเด็ดเดี่ยวต่อทุกสิ่งที่น่าเกลียดและเป็นปฏิปักษ์ต่อศักดิ์ศรีของมนุษย์ ต่อต้านทุกสิ่งที่เวลาแห่งปฏิกิริยาที่เกิดขึ้นในอิตาลีนำมาซึ่งการชะลอตัวและชะลอความก้าวหน้าทางสังคมของชาวอิตาลีต่อไป จริงอยู่ที่ทิเชียนไม่ได้กำหนดหน้าที่ของตัวเองโดยตรงในการไตร่ตรองอย่างละเอียดและโดยตรงและการประเมินเชิงวิพากษ์เกี่ยวกับสภาพทางสังคมในชีวิตในยุคของเขา เวทีใหม่เชิงคุณภาพในประวัติศาสตร์แห่งความสมจริงนี้เกิดขึ้นในภายหลังและได้รับการพัฒนาที่แท้จริงในงานศิลปะเท่านั้น ของศตวรรษที่ 19

เราสามารถแยกแยะได้สองขั้นตอนหลักในงานของทิเชียน: ทิเชียน - ปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการขั้นสูง (และในระยะแรกเราสามารถแยกแยะช่วงต้น "ยุคจอร์เจียน" - จนถึงปี 1515/16) และทิเชียน - เริ่มตั้งแต่ประมาณปี 1540 - ปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย ในความคิดของเขาเกี่ยวกับความงามที่กลมกลืนกันและความสมบูรณ์แบบของมนุษย์ ทิเชียนในยุคแรกยังคงสานต่อประเพณีของบรรพบุรุษผู้ยิ่งใหญ่และผู้อาวุโสร่วมสมัยจอร์โจเนเป็นส่วนใหญ่

ในงานของเขา ศิลปินพัฒนาและเจาะลึกปัญหาด้านภาพที่เป็นเอกลักษณ์ของทั้ง Giorgione และโรงเรียน Venetian ทั้งหมดให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น มีลักษณะเฉพาะคือการเปลี่ยนแปลงอย่างค่อยเป็นค่อยไปจากการสร้างแบบจำลองที่นุ่มนวลของรูปแบบและความกระจ่างใสอันเย็นสบายของสีของ Giorgione ไปสู่ซิมโฟนีสีสันอันทรงพลังและเต็มไปด้วยแสงในช่วงเวลาแห่งการเติบโตอย่างสร้างสรรค์ ซึ่งเริ่มตั้งแต่ปี 1515-1516 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ในเวลาเดียวกัน ทิเชียนได้นำเสนอเฉดสีใหม่ที่สำคัญมากในการทำความเข้าใจความงามของมนุษย์ ให้กับโครงสร้างทางอารมณ์และอุปมาอุปไมยของภาษาของการวาดภาพเมืองเวนิส

วีรบุรุษของทิเชียนอาจจะได้รับการขัดเกลาน้อยกว่าวีรบุรุษของจอร์โจเน แต่ก็ลึกลับน้อยกว่า กระตือรือร้นเต็มที่กว่า องค์รวมมากกว่า และตื้นตันใจกว่าด้วยหลักการ "นอกรีต" ที่ชัดเจนและเย้ายวน จริงอยู่ "Concerto" ของเขา (ฟลอเรนซ์, Pitti Gallery) ซึ่งประกอบกับ Giorgione มายาวนานยังคงใกล้ชิดกับปรมาจารย์คนนี้มาก แต่ที่นี่เช่นกัน การเรียบเรียงองค์ประกอบก็เรียบง่ายกว่าในจังหวะของมัน ความรู้สึกของความสมบูรณ์ทางเย้ายวนของการดำรงอยู่ที่ชัดเจนและมีความสุขนั้นแฝงไปด้วยเฉดสีของบางสิ่งจริงๆ ของทิเชียน

“ ความรักทางโลกและสวรรค์” (ยุค 1510; โรม, หอศิลป์ Borghese) เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นแรกของทิเชียนซึ่งมีการเปิดเผยความคิดริเริ่มของศิลปินอย่างชัดเจน เนื้อเรื่องของหนังยังคงดูลึกลับ ไม่ว่าผู้หญิงที่สวมเสื้อผ้าและเปลือยเปล่าจะพรรณนาถึงการพบกันของ Medea และ Venus (ตอนจากวรรณกรรมเปรียบเทียบเรื่อง "The Dream of Polyphemus" ที่เขียนในปี 1467) หรือมีโอกาสน้อยที่จะเป็นสัญลักษณ์ของความรักทางโลกและสวรรค์ ซึ่งเป็นกุญแจสำคัญในการทำความเข้าใจเนื้อหา งานนี้ไม่ได้อยู่ที่การถอดรหัสโครงเรื่อง เป้าหมายของทิเชียนคือการถ่ายทอดสภาพจิตใจที่แน่นอน โทนสีที่นุ่มนวลและสงบของทิวทัศน์ ความสดชื่นของร่างกายที่เปลือยเปล่า ความดังที่ชัดเจนของเสื้อผ้าที่สวยงามและค่อนข้างเย็น (สีเหลืองทองเป็นผลมาจากกาลเวลา) สร้างความรู้สึกถึงความสุขสงบ การเคลื่อนไหวของร่างทั้งสองมีความงดงามตระการตาและในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยเสน่ห์อันสำคัญยิ่ง จังหวะอันเงียบสงบของทิวทัศน์ที่ทอดยาวไปด้านหลังดูเหมือนจะเน้นย้ำถึงความเป็นธรรมชาติและความสูงส่งของการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์ที่สวยงาม

การไตร่ตรองที่สงบและประณีตนี้ไม่มีอยู่ใน "อัสซุนตา" - "การอัสสัมชัญของพระแม่มารีย์" (1518; โบสถ์ซานตามาเรีย กลอรีโอซา เดย ฟรารี ในเวนิส) การเทียบเคียงกันของพระนางมารีย์ผู้ตื่นเต้นเร้าใจ งดงามในความงามแบบผู้หญิงของเธอ กับเหล่าอัครสาวก ผู้เข้มแข็งและสวยงามอย่างกล้าหาญ ซึ่งหันมองมาที่เธออย่างชื่นชม เต็มไปด้วยความรู้สึกของพลังงานในแง่ดีที่ไม่ธรรมดา และ ความมีชีวิตชีวา. ยิ่งไปกว่านั้น “อัสซุนตะ” ยังโดดเด่นด้วยลักษณะที่กล้าหาญและกล้าหาญของโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างทั้งหมด การมองโลกในแง่ดีอย่างกล้าหาญที่มีอยู่ในงานของทิเชียนหลังปี ค.ศ. 1516-1518 ดูเหมือนจะเกี่ยวข้องกับการเพิ่มขึ้นโดยทั่วไปในชีวิตฝ่ายวิญญาณและสังคมของเวนิส ซึ่งเกิดจากความรู้สึกถึงความยืดหยุ่นที่สำคัญของเมือง ซึ่งแสดงให้เห็นระหว่างการต่อสู้กับสันนิบาตคัมบรายและ สงครามภายหลังของสิ่งที่เรียกว่าสันนิบาตศักดิ์สิทธิ์ ไม่มี "ความเงียบแบบจอร์เจียน" ใน "Bacchanalia" ของเขา โดยเฉพาะใน "Bacchus และ Ariadne" (1532) ภาพนี้ถือเป็นเพลงสรรเสริญความงดงามและความแข็งแกร่งของความรู้สึกของมนุษย์ที่กล้าแสดงออก

องค์ประกอบของภาพเป็นแบบองค์รวมและปราศจากฉากและรายละเอียดรองที่รบกวนสมาธิ แบคคัสที่ร่าเริงร่าเริงหันไปหาเอเรียดเนด้วยท่าทางที่กว้างและอิสระ สีสันที่ร้อนแรง ความงดงามของการเคลื่อนไหวที่รวดเร็ว ทิวทัศน์ที่ตื่นเต้นซึ่งสอดคล้องกับอารมณ์ ล้วนเป็นคุณลักษณะเฉพาะของภาพนี้

การยืนยันถึงความยินดีของการเป็นพบการแสดงออกที่ชัดเจนใน "วีนัส" ของทิเชียน (ราวปี 1538; Uffizi) อาจดูสง่างามน้อยกว่า "วีนัส" ของจอร์โจเน แต่ด้วยราคานี้ ภาพจึงมีความมีชีวิตชีวามากขึ้นทันที การตีความแม่ลายพล็อตเรื่องที่เฉพาะเจาะจงและเกือบจะเฉพาะประเภทในขณะที่เพิ่มความมีชีวิตชีวาของความประทับใจในทันทีไม่ได้ลดเสน่ห์ทางบทกวีของภาพลักษณ์ของหญิงสาวสวย

เวนิสในสมัยของทิเชียนเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของวัฒนธรรมและวิทยาศาสตร์ขั้นสูงในยุคนั้น ความสัมพันธ์ทางการค้าที่กว้างขวาง ความมั่งคั่งที่สะสมมามากมาย ประสบการณ์ในการต่อเรือและการเดินเรือ และการพัฒนางานฝีมือ เป็นตัวกำหนดความเจริญรุ่งเรืองของวิทยาศาสตร์เทคนิค วิทยาศาสตร์ธรรมชาติ การแพทย์ และคณิตศาสตร์ การรักษาความเป็นอิสระและลักษณะทางโลกของรัฐบาล ความมีชีวิตชีวาของประเพณีมนุษยนิยมมีส่วนทำให้ปรัชญาและวัฒนธรรมศิลปะ สถาปัตยกรรม จิตรกรรม ดนตรี และการพิมพ์มีความเจริญรุ่งเรืองอย่างสูง เวนิสกลายเป็นศูนย์กลางกิจกรรมการพิมพ์ที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป วัฒนธรรมที่ก้าวหน้าของเวนิสมีลักษณะเฉพาะด้วยตำแหน่งที่ค่อนข้างเป็นอิสระของบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมที่โดดเด่นที่สุดและศักดิ์ศรีทางปัญญาที่สูงของพวกเขา

ตัวแทนที่ดีที่สุดของกลุ่มปัญญาชนซึ่งก่อตัวเป็นชั้นทางสังคมพิเศษได้ก่อตัวเป็นวงกลมที่มีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกันซึ่งหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดก็คือทิเชียน; ผู้ใกล้ชิดกับเขาคือ Aretino ผู้ก่อตั้งวารสารศาสตร์ นักเขียน นักประชาสัมพันธ์ “ภัยคุกคามจากทรราช” และ Jacopo Sansovino ตามผู้ร่วมสมัยพวกเขาได้ก่อตั้งกลุ่มสามกลุ่มซึ่งเป็นผู้บัญญัติกฎหมายของชีวิตทางวัฒนธรรมของเมือง นี่คือวิธีที่ผู้เห็นเหตุการณ์บรรยายถึงตอนเย็นวันหนึ่งที่ทิเชียนใช้เวลากับเพื่อน ๆ ก่อนพระอาทิตย์ตกดิน ทิเชียนและแขกได้ใช้เวลาร่วมกัน “ไตร่ตรองภาพมีชีวิตและภาพวาดที่สวยงามที่สุดในบ้าน พูดคุยถึงความงามและเสน่ห์ที่แท้จริงของสวน เพื่อความยินดีและความประหลาดใจของทุกคนซึ่งตั้งอยู่บน ชานเมืองเวนิสเหนือทะเล จากที่นั่นคุณสามารถมองเห็นหมู่เกาะมูราโน่และสถานที่ที่สวยงามอื่นๆ ได้ ส่วนหนึ่งของทะเลนี้ทันทีที่พระอาทิตย์ตกดินก็เต็มไปด้วยเรือกอนโดลาหลายพันลำ ประดับประดาด้วยผู้หญิงที่สวยที่สุด และเสียงเพลงที่ประสานกันอย่างน่าหลงใหล ซึ่งมาพร้อมกับอาหารค่ำอันสนุกสนานของเราจนถึงเที่ยงคืน”

อย่างไรก็ตาม คงเป็นเรื่องผิดที่จะลดงานของทิเชียนในช่วงเวลานี้ลงเพียงเพื่อถวายเกียรติแด่ความสุขทางราคะในชีวิตเท่านั้น ภาพของทิเชียนปราศจากสรีรวิทยาใดๆ ซึ่งโดยทั่วไปแล้วเป็นสิ่งที่แปลกสำหรับศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์ ภาพที่ดีที่สุดของทิเชียนนั้นสวยงามไม่เพียงแต่ทางร่างกายเท่านั้น แต่ยังสวยงามทางจิตวิญญาณด้วย พวกเขาโดดเด่นด้วยความสามัคคีของความรู้สึกและความคิดจิตวิญญาณอันสูงส่งของภาพลักษณ์ของมนุษย์

ดังนั้นพระคริสต์ในภาพวาดของเขาที่พรรณนาถึงพระคริสต์และฟาริสี (“Denarius of Caesar”, 1515-1520; Dresden Gallery) จึงถูกเข้าใจว่าเป็นมนุษย์ที่สมบูรณ์แบบที่กลมกลืนกัน แต่มีจริง ไม่ใช่มนุษย์ศักดิ์สิทธิ์เลย ท่าทางมือของเขาเป็นธรรมชาติและมีเกียรติ ใบหน้าที่แสดงออกและสวยงามของเขาทำให้ประหลาดใจกับจิตวิญญาณที่สดใส

จิตวิญญาณที่ชัดเจนและลึกซึ้งนี้สัมผัสได้จากรูปปั้นและองค์ประกอบแท่นบูชาของพระแม่มารีแห่งเปซาโร (ค.ศ. 1519-1526; โบสถ์ซานตามาเรีย กลอรีโอซา เดย ฟรารี) ในนั้น ปรมาจารย์สามารถมอบชีวิตทางจิตวิญญาณที่อุดมสมบูรณ์ ความสมดุลที่ชัดเจนของความแข็งแกร่งทางจิตใจแก่ผู้เข้าร่วมในฉากพิธีการนี้ซึ่งดูเหมือนจะเป็นเพียงพิธีการเดียว เป็นลักษณะเฉพาะที่ความดังก้องที่สำคัญของคอร์ดสีขององค์ประกอบ - ผ้าคลุมสีขาวที่ส่องแสงของแมรี่, สีฟ้า, เชอร์รี่, สีแดงเลือดนก, โทนสีทองของเสื้อผ้า, พรมสีเขียว - ไม่ได้เปลี่ยนภาพให้กลายเป็นปรากฏการณ์การตกแต่งภายนอกที่รบกวนการรับรู้ ภาพลักษณ์ของผู้คน ในทางตรงกันข้าม จานสีจิตรกรปรากฏขึ้นอย่างกลมกลืนกับตัวละครที่สดใส สีสัน และแสดงออกของตัวละครที่ปรากฎ ศีรษะของเด็กชายมีเสน่ห์เป็นพิเศษ ด้วยความมีชีวิตชีวาที่ควบคุมไม่ได้ เขาหันศีรษะไปทางผู้ชม ดวงตาของเขาเป็นประกายอย่างชุ่มชื้นและบริสุทธิ์ เต็มไปด้วยความสนใจและความใส่ใจต่อชีวิตแบบวัยรุ่น

ทิเชียนในยุคนี้ไม่ใช่คนแปลกจากประเด็นที่มีลักษณะดราม่า ซึ่งเกิดขึ้นตามธรรมชาติท่ามกลางความตึงเครียดของกองกำลัง ในการต่อสู้ที่ยากลำบากที่เวนิสเพิ่งประสบมา เห็นได้ชัดว่าประสบการณ์ของการต่อสู้อย่างกล้าหาญนี้และการทดลองที่เกี่ยวข้องกับการต่อสู้นั้นมีส่วนอย่างมากต่อความสำเร็จของการต่อสู้ที่เต็มไปด้วยความกล้าหาญและความน่าสมเพชอันยิ่งใหญ่ที่โศกเศร้าซึ่งทิเชียนเป็นตัวเป็นตนใน "Entombment" ของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (ค.ศ. 1520)

พระวรกายที่สวยงามและแข็งแกร่งของพระคริสต์ผู้สิ้นพระชนม์กระตุ้นจินตนาการของผู้ชมให้นึกถึงความคิดของนักสู้ฮีโร่ผู้กล้าหาญที่ล้มลงในการต่อสู้และไม่ใช่ผู้ทนทุกข์โดยสมัครใจที่สละชีวิตเพื่อชดใช้บาปของมนุษย์ การระบายสีที่ร้อนจัดของภาพวาดพลังของการเคลื่อนไหวและความแข็งแกร่งของความรู้สึกของผู้ที่แข็งแกร่งและกล้าหาญที่แบกร่างของผู้ตกสู่บาปความกะทัดรัดขององค์ประกอบซึ่งร่างที่นำมาไว้ด้านหน้าเติมเต็มระนาบทั้งหมดของ ผ้าใบทำให้ภาพวาดมีเสียงที่กล้าหาญซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะยุคเรอเนซองส์สูง ในผลงานละครเรื่องนี้ ไม่มีความรู้สึกสิ้นหวังหรือพังทลายภายในแต่อย่างใด ถ้านี่คือโศกนาฏกรรม ในแง่สมัยใหม่ มันคือโศกนาฏกรรมในแง่ดี โดยเชิดชูความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณมนุษย์ ความงาม และความสูงส่งของเขาแม้ในความทุกข์ทรมาน สิ่งนี้แตกต่างจากมาดริดในเวลาต่อมา "การฝังศพ" (1559) ซึ่งเต็มไปด้วยความโศกเศร้าอย่างสิ้นหวัง

ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ “Entombment” และโดยเฉพาะอย่างยิ่งใน “Murder of St.” ซึ่งเสียชีวิตในเหตุเพลิงไหม้ในปี พ.ศ. 2410 Peter the Martyr" (1528-1530) ระดับใหม่ที่ทิเชียนทำได้ในการถ่ายทอดความเชื่อมโยงระหว่างอารมณ์ของธรรมชาติกับประสบการณ์ของตัวละครที่ปรากฎนั้นเป็นสิ่งที่น่าสังเกต นั่นคือเสียงพระอาทิตย์ตกดินที่มืดมนและน่ากลัวใน “Entombment” ลมบ้าหมูที่สั่นสะเทือนต้นไม้ใน “The Murder of St. เปโตร” ซึ่งสอดคล้องกับการระเบิดของกิเลสตัณหาอันไร้ความปราณี ความเดือดดาลของฆาตกร และความสิ้นหวังของเปโตร ในงานเหล่านี้สภาพของธรรมชาติดูเหมือนจะเกิดจากการกระทำและความหลงใหลของผู้คน ในแง่นี้ ชีวิตแห่งธรรมชาติจึงขึ้นอยู่กับมนุษย์ซึ่งยังคงเป็น “เจ้าแห่งโลก” ต่อจากนั้นในทิเชียนตอนปลายและโดยเฉพาะอย่างยิ่งใน Tintoretto ชีวิตของธรรมชาติในฐานะศูนย์รวมของความสับสนวุ่นวายของพลังองค์ประกอบของจักรวาลได้รับพลังแห่งการดำรงอยู่โดยเป็นอิสระจากมนุษย์และมักจะเป็นศัตรูกับเขา

องค์ประกอบ "Introduction to the Temple" (1534-1538: Venetian Academy) เกือบจะถึงสองช่วงในงานของ Titian และเน้นย้ำถึงความเชื่อมโยงภายในของพวกเขา เมื่อเปรียบเทียบกับพระแม่มารีแห่งเปซาโรแล้ว นี่เป็นขั้นตอนต่อไปในทักษะการวาดภาพฉากกลุ่ม ตัวละครที่สดใสและแข็งแกร่งปรากฏขึ้นอย่างแน่ชัดและรวมกลุ่มกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยความสนใจร่วมกันในเหตุการณ์ที่กำลังดำเนินอยู่

ชัดเจนตั้งแต่แรกเห็น องค์ประกอบองค์รวมเข้ากันได้อย่างลงตัวกับการบรรยายรายละเอียดของเหตุการณ์ ทิเชียนเปลี่ยนความสนใจของผู้ชมอย่างต่อเนื่องจากญาติและเพื่อนของครอบครัวของแมรีไปยังกลุ่มคนที่อยากรู้อยากเห็นยืนอยู่โดยมีฉากหลังเป็นทิวทัศน์อันงดงาม จากนั้นจึงหันไปหาร่างเล็กของเด็กสาวแมรีที่กำลังปีนบันไดและหยุดอยู่ครู่หนึ่งบนขั้นบันได ของวัด ในเวลาเดียวกัน การลงบันไดที่เธอยืนดูเหมือนจะหยุดชั่วคราวในขั้นบันไดที่กำลังขึ้น ซึ่งสอดคล้องกับการหยุดการเคลื่อนไหวของมารีย์เอง และในที่สุด การเรียบเรียงก็จบลงด้วยรูปปั้นอันสง่างามของมหาปุโรหิตและสหายของเขา ภาพรวมเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งการเฉลิมฉลองและความรู้สึกถึงความสำคัญของงาน ภาพลักษณ์ของหญิงชราขายไข่เต็มไปด้วยความร่ำรวยพื้นบ้านที่สำคัญ ตัวละครประเภทนี้เป็นลักษณะของผลงานของศิลปินจำนวนหนึ่งในช่วงทศวรรษที่ 1530 เช่นเดียวกับภาพของสาวใช้ที่กำลังค้นหาหีบในภาพวาด "Venus of Urbino" (อุฟฟิซี). ดังนั้น ทิเชียนจึงนำเสนอบันทึกของความเป็นธรรมชาติที่เหมือนมีชีวิตในทันที ซึ่งทำให้ความอิ่มเอิบอันยิ่งใหญ่ของการเรียบเรียงของเขาอ่อนลง

ทิเชียนสามารถรวบรวมอุดมคติของบุคคลที่สวยงามทั้งทางร่างกายและจิตวิญญาณได้อย่างเต็มที่ โดยมอบให้ในความสมบูรณ์ที่สำคัญของการเป็นของเขาในภาพเหมือน นี่คือภาพเหมือนของชายหนุ่มที่สวมถุงมือขาด (ค.ศ. 1515-1520; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ภาพบุคคลนี้สื่อถึงความคล้ายคลึงกันของแต่ละบุคคลได้อย่างสมบูรณ์แบบ แต่ความสนใจหลักของศิลปินไม่ได้ถูกดึงไปที่รายละเอียดเฉพาะในรูปลักษณ์ของบุคคล แต่รวมไปถึงลักษณะทั่วไปของภาพของเขา ทิเชียนเผยให้เห็นถึงลักษณะเฉพาะทั่วไปของบุคคลในยุคเรอเนซองส์ผ่านเอกลักษณ์เฉพาะตัวของบุคลิกภาพ

ไหล่กว้าง มือที่แข็งแกร่งและแสดงออก ท่าโพสที่อิสระ เสื้อเชิ้ตสีขาวปลดกระดุมที่ปกเสื้อ ใบหน้าสีเข้มที่ดูอ่อนเยาว์ ซึ่งดวงตาโดดเด่นด้วยประกายแวววาว สร้างภาพที่เต็มไปด้วยความสดชื่นและมีเสน่ห์ของวัยเยาว์ ตัวละครถูกถ่ายทอดด้วยความเป็นธรรมชาติของชีวิต แต่ในคุณสมบัติเหล่านี้คุณสมบัติหลักและความกลมกลืนที่เป็นเอกลักษณ์ของบุคคลที่มีความสุขซึ่งไม่ทราบถึงความสงสัยอันเจ็บปวดและความบาดหมางภายในจะถูกเปิดเผย

“ไวโอลิน” ของเขา (เวียนนา) ซึ่งเต็มไปด้วยความสง่างามที่ค่อนข้างเย็นชาก็มีมาตั้งแต่สมัยนี้เช่นกัน เช่นเดียวกับภาพเหมือนของ Tommaso Mosti (Pitti) ซึ่งน่าประหลาดใจกับเสรีภาพที่งดงามของการแสดงลักษณะเฉพาะและความสูงส่งของภาพ

แต่ถ้าในภาพบุคคลของเขาทิเชียนที่มีความสมบูรณ์เป็นพิเศษถ่ายทอดภาพลักษณ์ของชายยุคเรอเนซองส์ที่เต็มไปด้วยพลังแห่งความตั้งใจและสติปัญญาที่มีสติสามารถทำกิจกรรมที่กล้าหาญได้ ในภาพเหมือนของทิเชียนก็พบว่าสภาพใหม่ของชีวิตมนุษย์ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายพบ การสะท้อนลึกของพวกเขา

ภาพเหมือนของอิปโปลิโต ริมินัลดี (ฟลอเรนซ์, หอศิลป์ Pitti) เปิดโอกาสให้เราเข้าใจการเปลี่ยนแปลงอันลึกซึ้งที่กำลังเกิดขึ้นในทศวรรษที่ 1540 ในงานของทิเชียน ใบหน้าที่บางเฉียบของริมินัลดีซึ่งมีเคราอันอ่อนนุ่มถูกทำเครื่องหมายด้วยการต่อสู้กับความขัดแย้งอันซับซ้อนของความเป็นจริง ภาพนี้สะท้อนภาพของหมู่บ้านเล็ก ๆ ของเช็คสเปียร์ในระดับหนึ่ง

ภาพวาดของทิเชียนซึ่งสร้างขึ้นในช่วงปลายยุคเรอเนสซองส์เริ่มต้นตั้งแต่ทศวรรษที่ 1540 ตื่นตาตื่นใจกับความซับซ้อนของตัวละครและความเข้มข้นของความหลงใหล ผู้คนที่เขาเป็นตัวแทนนั้นเกิดจากสภาวะที่ปิดสนิทหรือแรงกระตุ้นที่เรียบง่ายและครบถ้วนของความหลงใหลที่เป็นลักษณะเฉพาะของภาพของยุคเรอเนซองส์คลาสสิก การพรรณนาภาพและตัวละครที่ซับซ้อนและขัดแย้งกัน ซึ่งมักแข็งแกร่งแต่มักน่าเกลียดตามแบบฉบับของยุคใหม่นี้ ถือเป็นผลงานของทิเชียนในการวาดภาพบุคคล

ตอนนี้ทิเชียนสร้างภาพที่ไม่ธรรมดาของยุคเรอเนซองส์สูง นี่คือ Paul III ของเขา (1543; Naples) ซึ่งภายนอกชวนให้นึกถึงองค์ประกอบภาพเหมือนของ Julius II โดย Raphael แต่ความคล้ายคลึงกันนี้เน้นให้เห็นถึงความแตกต่างอย่างลึกซึ้งระหว่างภาพเท่านั้น ศีรษะของจูเลียสเป็นภาพที่มีความสงบอย่างมีวัตถุประสงค์ มันเป็นลักษณะเฉพาะและการแสดงออก แต่ก่อนอื่นภาพเหมือนนั้นสื่อถึงคุณสมบัติพื้นฐานที่มีลักษณะเฉพาะอย่างต่อเนื่องของตัวละครของบุคคลนี้

ใบหน้าที่มุ่งมั่น หม่นหมอง และเอาแต่ใจเข้มแข็งนั้นสอดคล้องกับมือที่สงบและมีอำนาจที่วางอยู่บนแขนของเก้าอี้ มือของพาเวลประหม่าอย่างร้อนรน รอยพับของเสื้อคลุมของเขาเต็มไปด้วยความเคลื่อนไหว โดยที่ศีรษะของเขาซุกอยู่ที่ไหล่เล็กน้อย ด้วยกรามที่หย่อนคล้อยและนักล่า และสายตาที่ระมัดระวังและเจ้าเล่ห์ เขามองมาที่เราจากภาพเหมือน

ภาพของทิเชียนในช่วงหลายปีที่ผ่านมาขัดแย้งและน่าทึ่งโดยธรรมชาติ ตัวละครถูกถ่ายทอดด้วยพลังของเช็คสเปียร์ ความใกล้ชิดกับเช็คสเปียร์นี้รู้สึกได้อย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพเหมือนกลุ่มที่วาดภาพพอลพร้อมกับหลานชายของเขาออตตาวิโอและอเลสซานโดร ฟาร์เนเซ (ค.ศ. 1545-1546; เนเปิลส์, พิพิธภัณฑ์คาโปดิมอนเต) ความระแวดระวังอย่างกระสับกระส่ายของชายชรามองย้อนกลับไปที่ออตตาวิโอด้วยความโกรธและไม่เชื่อสายตาตัวแทนของการปรากฏตัวของอเลสซานโดรคำเยินยอที่คืบคลานของออตตาวิโอหนุ่มผู้กล้าหาญในแบบของเขาเอง แต่เป็นคนหน้าซื่อใจคดที่เย็นชาและโหดร้ายสร้างฉากที่น่าประทับใจ ในละครของมัน มีเพียงบุคคลที่เลี้ยงดูมาด้วยความสมจริงแบบเรอเนซองส์เท่านั้นที่ไม่สามารถกลัวที่จะแสดงความแข็งแกร่งและพลังงานที่เป็นเอกลักษณ์ของคนเหล่านี้อย่างไร้ความปราณีและในขณะเดียวกันก็เผยให้เห็นแก่นแท้ของตัวละครของพวกเขา ความเห็นแก่ตัวที่โหดร้ายและปัจเจกนิยมที่ผิดศีลธรรมของพวกเขาถูกเปิดเผยด้วยความแม่นยำรุนแรงโดยปรมาจารย์ผ่านการเปรียบเทียบและการปะทะกัน เป็นความสนใจอย่างชัดเจนในการเปิดเผยตัวละครผ่านการเปรียบเทียบ ซึ่งสะท้อนถึงความสัมพันธ์ที่ขัดแย้งกันที่ซับซ้อนระหว่างผู้คน ซึ่งทำให้ทิเชียน - โดยพื้นฐานแล้วเป็นครั้งแรก - หันมาใช้ประเภทของการถ่ายภาพบุคคลกลุ่มซึ่งได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางในงานศิลปะของศตวรรษที่ 17 ศตวรรษ.

คุณค่าของมรดกภาพวาดเหมือนจริงของทิเชียนผู้ล่วงลับ บทบาทของเขาในการอนุรักษ์และการพัฒนาต่อไปของหลักการของความสมจริง มีความชัดเจนเป็นพิเศษเมื่อเปรียบเทียบภาพวาดของทิเชียนกับภาพเหมือนแนวแมนเนอริสม์ร่วมสมัย แท้จริงแล้ว ภาพเหมือนของทิเชียนขัดแย้งอย่างยิ่งต่อหลักการวาดภาพเหมือนของศิลปินเช่น Parmigianino หรือ Bronzino

สำหรับปรมาจารย์ด้านกิริยาท่าทาง ภาพบุคคลจะเต็มไปด้วยอารมณ์ความรู้สึกส่วนตัวและสไตล์ที่มีมารยาท พวกเขาให้ภาพลักษณ์ของบุคคลทั้งในรูปแบบที่ไม่สามารถเคลื่อนไหวได้เยือกแข็งและความแปลกแยกจากผู้อื่นอย่างเย็นชาหรือในแง่ของลักษณะทางศิลปะที่เผินๆ ที่ชี้ประหม่า ในทั้งสองกรณี การเปิดเผยตัวตนของบุคคลซึ่งเป็นโลกฝ่ายวิญญาณตามความเป็นจริงนั้นถูกผลักไสให้อยู่เบื้องหลังเป็นหลัก ภาพวาดของทิเชียนมีความโดดเด่นตรงที่ยังคงรักษาเส้นสายที่สมจริงของภาพเหมือนยุคเรอเนซองส์ให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น

สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในตัวอย่างภาพเหมือนของชาร์ลส์ที่ 5 นั่งบนเก้าอี้นวม (1548 มิวนิก) ภาพเหมือนนี้ไม่ได้เป็นบรรพบุรุษของภาพเหมือนบาโรกอย่างเป็นทางการในพิธีการแต่อย่างใด เขาประหลาดใจกับความสมจริงอันไร้ความปราณีซึ่งศิลปินวิเคราะห์โลกภายในของมนุษย์คุณสมบัติของเขาในฐานะบุคคลและในฐานะรัฐบุรุษ ด้วยวิธีนี้เขาจึงชวนให้นึกถึงภาพบุคคลที่ดีที่สุดของ Velazquez พลังที่มีสีสันของการแสดงลักษณะของบุคคลที่ซับซ้อนโหดร้ายเจ้าเล่ห์เจ้าเล่ห์และในเวลาเดียวกันคนที่มีความมุ่งมั่นและชาญฉลาดก็โดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ของพลาสติกและความสว่างที่งดงาม

ในภาพเหมือนนักขี่ม้าของ Charles V ซึ่งปรากฎในการรบที่ Mühlberg (1548; Prado) ความแข็งแกร่งของลักษณะทางจิตวิทยาของจักรพรรดิผสมผสานกับความฉลาดของการแก้ปัญหาด้วยภาพทั้งในด้านอนุสาวรีย์และการตกแต่งและสมจริงอย่างเต็มตา ภาพบุคคลนี้แตกต่างจากภาพมิวนิกตรงที่เป็นบรรพบุรุษของภาพบุคคลในพิธีการขนาดใหญ่ในยุคบาโรก ในขณะเดียวกัน ความต่อเนื่องของการจัดองค์ประกอบภาพบุคคลขนาดใหญ่ของ Velazquez ปรมาจารย์ด้านความสมจริงผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 17 ก็รู้สึกได้ชัดเจนไม่น้อย

ตรงกันข้ามกับภาพบุคคลเหล่านี้ ทิเชียนมีผลงานอื่นๆ อีกหลายชิ้นที่มีความเรียบง่ายในการจัดองค์ประกอบ (โดยปกติจะเป็นภาพช่วงหน้าอกหรือยาวถึงเข่าบนพื้นหลังที่เป็นกลาง) มุ่งความสนใจไปที่การเปิดเผยลักษณะนิสัยที่สดใสและองค์รวมในสาระสำคัญทั้งหมดของเขา บางครั้งพลังงานหยาบเช่นในภาพเหมือนของ Aretino (1545; Pitti) ถ่ายทอดพลังงานที่รวดเร็วสุขภาพและจิตใจที่เหยียดหยามได้อย่างสมบูรณ์แบบความโลภเพื่อความสุขและเงินของชายผู้น่าทึ่งคนนี้ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของเมืองเวนิสในยุคนั้น Pietro Aretino ผู้สร้างคอเมดีหลายเรื่องที่มีไหวพริบแม้ว่าจะไม่ใช่เรื่องสั้นและบทกวีที่ดีเลิศเสมอไป แต่ส่วนใหญ่มีชื่อเสียงในเรื่อง "การตัดสิน" การทำนายแบบกึ่งล้อเล่นบทสนทนาจดหมายซึ่งได้รับการตีพิมพ์อย่างกว้างขวางและเป็นผลงานที่สำคัญของ ธรรมชาติของนักข่าวที่ผสมผสานการปกป้องความคิดอิสระและมนุษยนิยมที่สดใสและกระตือรือร้น การเยาะเย้ยความคลั่งไคล้และปฏิกิริยากับการแบล็กเมล์โดยสิ้นเชิงของ "อำนาจที่เป็นอยู่" ทั่วยุโรป กิจกรรมด้านวารสารศาสตร์และการตีพิมพ์ตลอดจนการขู่กรรโชกที่ซ่อนเร้นไม่ดีทำให้ Aretino มีวิถีชีวิตแบบเจ้าชายอย่างแท้จริง ด้วยความละโมบในความสุขที่ตระการตา Aretino ในเวลาเดียวกันก็เป็นนักเลงศิลปะที่ฉลาดและชาญฉลาดและเป็นเพื่อนที่จริงใจของศิลปิน

ปัญหาของความสัมพันธ์ของมนุษย์ - ผู้ถืออุดมคติมนุษยนิยมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - กับกองกำลังปฏิกิริยาที่ไม่เป็นมิตรซึ่งครอบงำชีวิตของอิตาลีนั้นสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในงานทั้งหมดของทิเชียนผู้ล่วงลับ ภาพสะท้อนนี้เป็นทางอ้อม บางทีตัวศิลปินเองอาจไม่ได้ตระหนักรู้อย่างเต็มที่เสมอไป ดังนั้นในภาพวาด "Behold a Man" (1543; Vienna) ทิเชียนแสดงให้เห็นเป็นครั้งแรกถึงความขัดแย้งอันน่าสลดใจของฮีโร่ - พระคริสต์กับโลกรอบตัวเขาโดยมีกองกำลังที่เป็นศัตรูกับเขาซึ่งครอบงำในโลกนี้ซึ่งมีตัวตนอยู่ใน ชายอ้วนขี้เหร่ที่เหยียดหยามเหยียดหยามเหยียดหยามน่ารังเกียจและเยาะเย้ยพระคริสต์อย่างหน้าด้าน ปีลาต ในภาพที่ดูเหมือนจะอุทิศให้กับการยืนยันความสุขของชีวิต ได้ยินบันทึกที่น่าเศร้าใหม่อย่างชัดเจน

“Danae” ของเขาแล้ว (ประมาณปี 1554; มาดริด, ปราโด) มีคุณสมบัติใหม่เมื่อเทียบกับช่วงก่อนหน้า อันที่จริง “Danae” ต่างจาก “Venus of Urbino” ทำให้เราประหลาดใจด้วยละครที่แปลกประหลาดที่แทรกซึมทั่วทั้งภาพ แน่นอนว่าศิลปินหลงรักความงามที่แท้จริงของชีวิตบนโลกส่วน Danae ก็มีความสวยงามและความงามที่เย้ายวนตรงไปตรงมา แต่เป็นลักษณะเฉพาะที่ทิเชียนนำเสนอแรงจูงใจของประสบการณ์อันน่าทึ่ง ซึ่งเป็นแรงจูงใจของการพัฒนาความหลงใหล ภาษาศิลปะของอาจารย์เองก็เปลี่ยนไป ทิเชียนใช้ความสัมพันธ์ของสีและโทนสีอย่างกล้าหาญ ผสมผสานเข้ากับเงาที่ดูเหมือนส่องสว่าง ด้วยเหตุนี้ เขาจึงถ่ายทอดความเป็นเอกภาพอันเคลื่อนไหวของรูปแบบและสี รูปทรงที่ชัดเจน และการสร้างแบบจำลองปริมาตรที่นุ่มนวล ซึ่งช่วยสร้างธรรมชาติ เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหว และความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนและเปลี่ยนแปลงไป

ใน "Danae" ปรมาจารย์ยังคงยืนยันถึงความงามของความสุขของมนุษย์ แต่ภาพนั้นได้สูญเสียความมั่นคงและความสงบในอดีตไปแล้ว ความสุขไม่ใช่สภาวะถาวรของบุคคลอีกต่อไป แต่จะพบได้เฉพาะในช่วงเวลาแห่งความรู้สึกที่ปะทุออกมาอย่างสดใสเท่านั้น ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลเลยที่ความสง่างามที่ชัดเจนของ "ความรักทางโลกและสวรรค์" และความสุขอันเงียบสงบของ "Venus of Urbino" นั้นตรงกันข้ามกับความรู้สึกตื่นเต้นที่ปะทุออกมาด้วยความรู้สึกอันแรงกล้า

การเปรียบเทียบระหว่าง Danae กับสาวใช้ที่หยาบคายซึ่งหยิบเหรียญฝนสีทองอย่างตะกละตะกลามในผ้ากันเปื้อนที่ยื่นออกมาของเธออย่างตะกละตะกลามตามกระแสของมันนั้นแสดงออกได้อย่างชัดเจน การเหยียดหยามผลประโยชน์ของตนเองอย่างหยาบคายรุกรานภาพ: งานนี้เชื่อมโยงความสวยงามและความน่าเกลียดความประเสริฐและพื้นฐานเข้าด้วยกันอย่างมาก ความงามของความรู้สึกที่สดใสและเป็นอิสระของมนุษย์ Danae นั้นตรงกันข้ามกับความเห็นถากถางดูถูกและผลประโยชน์ส่วนรวม การปะทะกันของตัวละครนี้เน้นไปที่ความแตกต่างระหว่างมือที่หยาบกร้านของหญิงชรากับเข่าอันอ่อนโยนของ Danae ที่แทบจะแตะกัน

แม้ว่าภาพจะมีความแตกต่างกันในระดับหนึ่ง แต่ทิเชียนก็พบวิธีแก้ปัญหาที่ชวนให้นึกถึงองค์ประกอบของภาพวาด "Denarius of Caesar" ของเขา แต่ที่นั่น การเปรียบเทียบพระฉายาของพระคริสต์ซึ่งเต็มไปด้วยความงามทางศีลธรรม กับใบหน้าที่มืดมนและน่าเกลียดของฟาริสี รวบรวมไหวพริบอันหยาบคายและความปรารถนาอันแรงกล้าของมนุษย์ นำไปสู่การยืนยันถึงความเหนือกว่าโดยสิ้นเชิงและชัยชนะของหลักมนุษยธรรมเหนือ พื้นฐานและโหดร้าย

ใน Danae แม้ว่าทิเชียนจะยืนยันชัยชนะแห่งความสุข แต่พลังแห่งความอัปลักษณ์และความอาฆาตพยาบาทได้รับอิสรภาพบางอย่างแล้ว หญิงชราไม่เพียงแต่ทำให้ความงามของ Danae แตกต่างออกไปเท่านั้น แต่ยังต่อต้านเธออีกด้วย ในเวลาเดียวกัน ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาทิเชียนได้สร้างชุดภาพวาดที่สวยงามอย่างแท้จริงของเขาชุดใหม่ซึ่งอุทิศให้กับการเชิดชูเสน่ห์อันตระการตาของความงามของผู้หญิง อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้แตกต่างอย่างลึกซึ้งจากเสียงที่ชัดเจนซึ่งยืนยันชีวิตใน "ความรักทางโลกและสวรรค์" และจาก "Bacchanalia" (ทศวรรษ 1520) “Diana and Actaeon” ของเขา (1559; เอดินบะระ) “The Shepherd and the Nymph (เวียนนา) ค่อนข้างเป็นความฝันเชิงกวี เป็นเพลงเทพนิยายที่มีเสน่ห์และน่าตื่นเต้นเกี่ยวกับความงามและความสุข ปกคลุมไปด้วยโทนสีอบอุ่นที่เปล่งประกายด้วยความเร่าร้อนที่ควบคุมไม่ได้ แสงสีแดง, ทอง, น้ำเงินเย็นตา, นำไปสู่ความขัดแย้งอันน่าสลดใจในชีวิตจริง - ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ศิลปินเองก็เรียกภาพวาดประเภทนี้ว่า "บทกวี" เช่นเดียวกับ "Venus with Adonis" (ปราโด) ที่ยอดเยี่ยมของเขา ซึ่งโดดเด่นด้วยความหลงใหลในการแสดงละครมากกว่า "บทกวี" อื่นๆ ของเขาในเวลานี้ อย่างไรก็ตาม ความวิตกกังวลที่ซ่อนเร้น ความอ่อนล้าแห่งจิตวิญญาณ ได้ยินอยู่ในผลงานที่ดีที่สุดของทิเชียนของวัฏจักรปี 1559-1570 นี้ สิ่งนี้สัมผัสได้จากแสงและเงาที่กระสับกระส่าย และในความรวดเร็วอันตื่นเต้นของฝีแปรง และในความฝันที่ตื่นเต้นเร้าใจที่สุดของนางไม้ และในแอนิเมชั่นอันเร่าร้อนที่ควบคุมไม่ได้ของหนุ่มเลี้ยงแกะ (“Shepherd and Nymph”, เวียนนา) .

แนวคิดเชิงสุนทรีย์ของทิเชียนเกี่ยวกับชีวิตที่สม่ำเสมอและมีพลังในการวาดภาพพบการแสดงออกใน "Penitent Magdalene" (ทศวรรษ 1560) ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของคอลเลกชัน Hermitage

ภาพนี้วาดในหัวข้อที่มีลักษณะเฉพาะในยุคของการต่อต้านการปฏิรูป อันที่จริง ในภาพนี้ ทิเชียนยืนยันถึงพื้นฐานความเห็นอกเห็นใจและ "นอกรีต" ของงานของเขาอีกครั้ง นักสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งคิดใหม่อย่างเด็ดขาดเกี่ยวกับโครงเรื่องทางศาสนาและลึกลับสร้างผลงานที่มีเนื้อหาที่ไม่เป็นมิตรต่อแนวปฏิกิริยาและลึกลับในการพัฒนาวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายของอิตาลี

สำหรับทิเชียน ความหมายของภาพไม่ได้อยู่ในความน่าสมเพชของการกลับใจของคริสเตียน ไม่ใช่ในความอ่อนหวานของความปีติยินดีทางศาสนา และโดยเฉพาะอย่างยิ่งไม่ใช่ในการยืนยันถึงความเสื่อมทรามของเนื้อหนัง จาก "คุกใต้ดิน" ซึ่ง "วิญญาณที่หลุดออกมา" ” ของมนุษย์รีบไปหาพระเจ้า ใน "Magdalene" กะโหลกศีรษะซึ่งเป็นสัญลักษณ์ลึกลับของการเน่าเปื่อยของทุกสิ่งในโลก - สำหรับทิเชียนเป็นเพียงอุปกรณ์เสริมที่กำหนดโดยหลักการของพล็อตซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาถึงปฏิบัติต่อมันอย่างไม่เป็นทางการโดยเปลี่ยนมันให้กลายเป็นที่วางหนังสือที่เปิดอยู่

ศิลปินถ่ายทอดร่างของแม็กดาเลนให้เราฟังอย่างตื่นเต้นและเกือบจะตะกละตะกลามซึ่งเปี่ยมไปด้วยความสวยงามและสุขภาพผมหนาสวยงามของเธอหน้าอกอันนุ่มนวลที่หายใจอย่างแรงของเธอ การจ้องมองที่เร่าร้อน“ เต็มไปด้วยความเศร้าโศกของมนุษย์โลก Titian ใช้พู่กันที่สื่อถึงความสัมพันธ์ของสีและแสงที่แท้จริงอย่างแม่นยำอย่างไม่มีที่ติและตื่นเต้นและในเวลาเดียวกัน คอร์ดสีที่เข้มข้น กระสับกระส่าย การกะพริบของแสงและเงาอย่างน่าทึ่ง พื้นผิวแบบไดนามิก การไม่มีรูปทรงที่เข้มงวดซึ่งแยกปริมาตรด้วยพลาสติกความชัดเจนของรูปร่างโดยรวมสร้างภาพที่เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวภายใน ผมไม่ได้โกหก แต่ล้มลง หน้าอกหายใจออก มือมีการเคลื่อนไหว รอยพับของชุด แกว่งไปมาอย่างตื่นเต้น แสงวูบวาบบนเส้นผมอันเขียวชอุ่ม สะท้อนในดวงตาที่ปกคลุมไปด้วยความชื้น หักเหในแก้วขวด ต่อสู้กับเงาหนา ๆ แกะสลักรูปร่างของร่างกายอย่างมั่นใจและมั่งคั่ง สภาพแวดล้อมเชิงพื้นที่ทั้งหมดของ รูปภาพ ดังนั้นการพรรณนาถึงความเป็นจริงที่ถูกต้องจึงถูกรวมเข้ากับการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวชั่วนิรันดร์ของมันโดยมีลักษณะเป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์ที่ชัดเจน

แต่ความหมายสูงสุดของภาพที่สร้างขึ้นด้วยพลังแห่งภาพเช่นนั้นคืออะไร? ศิลปินชื่นชมแม็กดาเลน: บุคคลนั้นสวยงามความรู้สึกของเขาสดใสและมีความหมาย แต่เขากำลังทุกข์ทรมาน ความสุขที่สดใสและสงบสุขในอดีตก็พังทลายลงอย่างไม่อาจเพิกถอนได้ ล้อมรอบบุคคลสิ่งแวดล้อม โลกโดยรวม ไม่ได้เป็นพื้นหลังที่สงบอีกต่อไป ซึ่งยอมจำนนต่อมนุษย์อย่างที่เราเคยเห็นมาก่อน เงามืดทอดผ่านภูมิทัศน์ที่ทอดยาวออกไปเหนือเมืองมักดาเลน ท้องฟ้าเต็มไปด้วยเมฆฝนฟ้าคะนอง และในแสงสลัวของแสงสุดท้ายของวันที่จางหายไป ภาพของชายผู้โศกเศร้าก็ปรากฏขึ้น

หากใน "มักดาเลน" หัวข้อเรื่องความทุกข์ทรมานอันน่าสลดใจของคนสวยไม่ได้รับการถ่ายทอดออกมาอย่างสมบูรณ์ ดังนั้นใน "มงกุฎหนาม" (ประมาณปี 1570; มิวนิก, อัลเต ปินาโคเทค) และใน "นักบุญเซบาสเตียน" ก็ปรากฏด้วยความสุดโต่ง ความเปลือยเปล่า

ใน Crowning with Thorns ผู้ทรมานถูกมองว่าเป็นผู้ประหารชีวิตที่โหดร้ายและดุร้าย พระคริสต์ผู้ถูกมัดพระหัตถ์นั้นไม่ได้เป็นสัตภาวะแห่งสวรรค์แต่อย่างใด แต่เป็นมนุษย์บนโลก ที่มีคุณสมบัติเหนือกว่าทั้งทางร่างกายและศีลธรรมเหนือผู้ทรมานของพระองค์ และยังถูกตำหนิต่อพวกเขาอีกด้วย สีสันที่มืดมนของภาพ เต็มไปด้วยความวิตกกังวลและความตึงเครียดที่มืดมน ช่วยเพิ่มโศกนาฏกรรมของฉาก

ใน ภาพวาดในภายหลังทิเชียนแสดงให้เห็นถึงความขัดแย้งอันโหดร้ายระหว่างมนุษย์กับสิ่งแวดล้อม ด้วยพลังแห่งปฏิกิริยาที่ไม่เป็นมิตรต่อมนุษยนิยมและเหตุผลอันเสรี สิ่งสำคัญอย่างยิ่งคือ "นักบุญเซบาสเตียน" (ประมาณปี 1570; เลนินกราด อาศรม) เซบาสเตียนแสดงให้เห็นถึงไททันยุคเรอเนซองส์อย่างแท้จริงในด้านความแข็งแกร่งและความยิ่งใหญ่ของตัวละคร แต่เขาถูกล่ามโซ่และโดดเดี่ยว แสงสะท้อนครั้งสุดท้ายดับลง ค่ำคืนตกลงสู่พื้น เมฆหนาทึบเคลื่อนผ่านท้องฟ้าที่สับสน ธรรมชาติทั้งหมด โลกอันกว้างใหญ่เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวที่เป็นอันตรายตามธรรมชาติ ภูมิทัศน์ของทิเชียนยุคแรกซึ่งสอดคล้องกับโครงสร้างทางจิตวิญญาณของวีรบุรุษของเขาอย่างเชื่อฟังตอนนี้ได้รับชีวิตที่เป็นอิสระและยิ่งกว่านั้นยังเป็นศัตรูกับมนุษย์

สำหรับทิเชียน มนุษย์คือคุณค่าสูงสุด ดังนั้นแม้ว่าเขาจะเห็นความหายนะอันน่าสลดใจของฮีโร่ของเขา แต่เขาไม่สามารถตกลงกับความหายนะนี้ได้และเต็มไปด้วยความน่าสมเพชที่น่าเศร้าและความโศกเศร้าอย่างกล้าหาญ ภาพลักษณ์ของเซบาสเตียนกระตุ้นให้เกิดความรู้สึกของการประท้วงอย่างโกรธเคืองต่อกองกำลังที่เป็นศัตรูกับเขา โลกแห่งศีลธรรมของทิเชียนผู้ล่วงลับ ภูมิปัญญาที่โศกเศร้าและกล้าหาญของเขา ความภักดีต่ออุดมคติของเขาอย่างอดทนนั้นรวมอยู่ในภาพเหมือนตนเองที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของเขาจากปราโด (ทศวรรษ 1560)

ป่วย หน้า 264-265

ผลงานสร้างสรรค์ทางความคิดและความรู้สึกที่ลึกซึ้งที่สุดชิ้นหนึ่งของทิเชียนผู้ล่วงลับไปแล้วคือ “ปีเอตา” ซึ่งสร้างเสร็จหลังจากศิลปินเสียชีวิตโดยนักเรียนของเขา Palma the Younger (Venice Academy) ท่ามกลางฉากหลังของช่องที่กดขี่อย่างหนักซึ่งสร้างด้วยหินสกัดอย่างหยาบๆ ล้อมรอบด้วยรูปปั้นสองรูป ผู้คนกลุ่มหนึ่งที่ถูกเอาชนะด้วยความโศกเศร้าก็ปรากฏตัวขึ้นท่ามกลางแสงสนธยาที่ค่อยๆ จางหายไปอย่างสั่นเทา มาเรียอุ้มร่างเปลือยของฮีโร่ผู้ล่วงลับไว้บนตักของเธอ เธอตัวแข็งทื่อด้วยความโศกเศร้าอย่างล้นเหลือราวกับรูปปั้น พระคริสต์ไม่ใช่นักพรตที่ผอมแห้งและไม่ใช่ "ผู้เลี้ยงแกะที่ดี" แต่เป็นสามีที่พ่ายแพ้ในการต่อสู้ที่ไม่เท่าเทียมกัน

ชายชราผู้ทรุดโทรมมองดูพระคริสต์ด้วยความโศกเศร้า ท่าทางที่รวดเร็วของการยกมือของแม็กดาเลนนั้นเหมือนกับเสียงร้องแห่งความสิ้นหวังดังก้องอยู่ในความเงียบของโลกพระอาทิตย์ตกดินที่ถูกทิ้งร้าง ผมสีแดงทองสลวยของเธอ สีสันที่ตัดกันอย่างไม่หยุดยั้งของการแต่งกายของเธอโดดเด่นอย่างชัดเจนจากความมืดมิดของโทนสีที่ริบหรี่ของภาพ สีหน้าและการเคลื่อนไหวของรูปปั้นหินของโมเสสทั้งหมดซึ่งส่องสว่างด้วยความวูบวาบสีเทาอมฟ้าของวันที่กำลังร่วงโรย โกรธและโศกเศร้า

ด้วยพลังอันพิเศษ ทิเชียนได้ถ่ายทอดความเศร้าโศกของมนุษย์อันล้ำลึกอันล้ำลึกและความงามอันโศกเศร้าทั้งหมดบนผืนผ้าใบนี้ ภาพวาดที่ทิเชียนสร้างขึ้นในปีสุดท้ายของเขา ชีวิต - บังสุกุลอุทิศให้กับภาพที่กล้าหาญที่ชื่นชอบในยุคที่สดใสของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการที่กำลังเสื่อมถอย

วิวัฒนาการทักษะการวาดภาพของทิเชียนเป็นประโยชน์อย่างยิ่ง

ในช่วงปี ค.ศ. 1510-1520 และในเวลาต่อมาเขายังคงยึดหลักการกำหนดโครงร่างเงาของบุคคล ซึ่งเป็นการเปรียบเทียบจุดสีขนาดใหญ่อย่างชัดเจนซึ่งโดยทั่วไปแล้วจะสื่อถึงสีที่แท้จริงของวัตถุ ความสัมพันธ์ของสีที่หนักแน่นและมีเสียงดัง ความเข้มของสีสัน ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับการโต้ตอบของโทนสีเย็นและอบอุ่น พลังพลาสติกของการแกะสลักรูปทรงด้วยความช่วยเหลือของความสัมพันธ์ของโทนสีที่แม่นยำอย่างไร้ที่ติ และการสร้างแบบจำลองแสงและเงาที่ละเอียดอ่อน ถือเป็นคุณลักษณะเฉพาะของ Titian ความเชี่ยวชาญด้านภาพ

การเปลี่ยนแปลงของทิเชียนผู้ล่วงลับไปเป็นการแก้ปัญหาทางอุดมการณ์และอุปมาอุปไมยใหม่ทำให้เกิดการพัฒนาเพิ่มเติมในเทคนิคการวาดภาพของเขา ปรมาจารย์เข้าใจความสัมพันธ์ของน้ำเสียง กฎของไคอาโรสคูโรอย่างลึกซึ้งมากขึ้นเรื่อยๆ และเชี่ยวชาญการพัฒนาพื้นผิวและสีของรูปแบบอย่างสมบูรณ์แบบมากขึ้นเรื่อยๆ โดยค่อยๆ เปลี่ยนระบบภาษาศิลปะทั้งหมดของเขาในกระบวนการของงานนี้ เผยให้เห็นความสัมพันธ์หลักของรูปแบบและสีในการวาดภาพเขาสามารถแสดงให้เห็นถึงความน่าเกรงขามชีวิตที่ซับซ้อนและอุดมสมบูรณ์ของธรรมชาติในการก่อตัวนิรันดร์ สิ่งนี้ทำให้เขามีโอกาสที่จะเพิ่มความมีชีวิตชีวาในการถ่ายโอนเรื่องและในขณะเดียวกันก็เน้นย้ำสิ่งสำคัญในการพัฒนาปรากฏการณ์ สิ่งสำคัญที่ทิเชียนกำลังพิชิตอยู่ในขณะนี้คือการถ่ายทอดชีวิตในการพัฒนาในความสมบูรณ์ที่สดใสของความขัดแย้ง

ทิเชียนผู้ล่วงลับได้กล่าวถึงปัญหาเรื่องความกลมกลืนของสีในการวาดภาพอย่างละเอียด ตลอดจนปัญหาในการสร้างเทคนิคที่แสดงออกของลายเส้นจิตรกรที่อิสระและแม่นยำ หากใน "ความรักบนโลกและสวรรค์" พู่กันนั้นอยู่ภายใต้ภารกิจในการสร้างความสัมพันธ์ของสีและแสงพื้นฐานที่สร้างความสมบูรณ์ของภาพอย่างสมจริงจากนั้นในปี 1540 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งจากปี 1555 ฝีแปรงมีความสำคัญเป็นพิเศษ ฝีแปรงไม่เพียงแต่สื่อถึงพื้นผิวของวัสดุเท่านั้น แต่การเคลื่อนไหวของมันยังช่วยแกะสลักรูปทรงเดียวกัน นั่นก็คือความเป็นพลาสติกของวัตถุ ข้อได้เปรียบที่ยิ่งใหญ่ของภาษาศิลปะของทิเชียนผู้ล่วงลับคือพื้นผิวของพู่กันเป็นตัวอย่างของความสามัคคีที่สมจริงของช่วงเวลาที่เป็นภาพและการแสดงออก

นั่นคือเหตุผลที่ทิเชียนผู้ล่วงลับใช้สีขาวและน้ำเงินสองหรือสามขีดบนสีด้านล่างสีเข้ม เพื่อปลุกเร้าสายตาของผู้ชมไม่เพียงแต่ให้ความรู้สึกเหมือนพลาสติกอย่างยิ่งของรูปทรงภาชนะแก้ว (“แมกดาเลน”) เท่านั้น แต่ยังรวมถึง ความรู้สึกของการเคลื่อนที่ของรังสีแสงที่เลื่อนและหักเหในกระจก ราวกับเผยให้เห็นรูปร่างและพื้นผิวของวัตถุต่อหน้าต่อตาของผู้ชม เทคนิคช่วงปลายของทิเชียนมีลักษณะเฉพาะในตัวเขา คำพูดที่มีชื่อเสียง Boschini ตาม Palma the Younger:

“ทิเชียนคลุมผืนผ้าใบของเขาด้วยสีจำนวนมาก ราวกับว่าทำหน้าที่เป็นเตียงหรือรากฐานสำหรับสิ่งที่เขาต้องการจะแสดงในอนาคต ตัวฉันเองเคยเห็นภาพเขียนด้านล่างที่มีพลังเช่นนี้ ซึ่งใช้แปรงที่มีสีอิ่มตัวอย่างหนาในโทนสีแดงบริสุทธิ์ ซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อร่างโครงร่างฮาล์ฟโทนหรือด้วยสีขาว ด้วยแปรงอันเดียวกัน จุ่มสีแดงก่อน บางครั้งก็เป็นสีดำ บางครั้งก็เป็นสีเหลือง เขาจึงวาดภาพนูนของส่วนที่ส่องสว่าง ด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยมเช่นเดียวกัน เพียงสี่จังหวะ เขาทำให้คำสัญญาของรูปร่างที่สวยงามปรากฏขึ้นจากการลืมเลือน หลังจากวางรากฐานอันล้ำค่าเหล่านี้แล้ว เขาก็หันภาพวาดหันหน้าไปทางผนัง และบางครั้งก็ปล่อยให้ภาพเหล่านั้นอยู่ในตำแหน่งนี้เป็นเวลาหลายเดือน โดยไม่ยอมแม้แต่จะมองดูเลย เมื่อเขาพาพวกเขาขึ้นมาอีกครั้ง เขาก็ตรวจสอบพวกเขาด้วยความสนใจอย่างเข้มงวดราวกับว่าพวกเขาเป็นศัตรูที่เลวร้ายที่สุดของเขา เพื่อดูว่ามีข้อบกพร่องในตัวพวกเขาหรือไม่ และในขณะที่เขาค้นพบลักษณะต่างๆ ที่ไม่สอดคล้องกับแผนการอันละเอียดอ่อนของเขา เขาก็เริ่มทำตัวเหมือนศัลยแพทย์ที่ดีโดยปราศจากความปรานี ลบเนื้องอก ตัดเนื้อ ออก วางแขนและขา... จากนั้นเขาก็คลุมโครงกระดูกเหล่านี้ซึ่ง เป็นตัวแทนของสารสกัดชนิดหนึ่งจากร่างกายที่มีชีวิตที่สำคัญที่สุด ขัดเกลาร่างกายด้วยการขีดซ้ำหลายครั้งจนดูเหมือนขาดเพียงลมหายใจ”

พลังที่สมจริงของเทคนิคของทิเชียนซึ่งเป็นเครื่องมือที่ยืดหยุ่นสำหรับความรู้ทางศิลปะที่ลึกซึ้งอย่างแท้จริงของโลก มีผลกระทบมหาศาลต่อการพัฒนาภาพวาดที่เหมือนจริงในศตวรรษที่ 17 ดังนั้นการวาดภาพของ Rubens และ Velazquez จึงมีพื้นฐานมาจากมรดกของ Titian อย่างมั่นคงโดยพัฒนาและปรับเปลี่ยนเทคนิคการวาดภาพของเขาในขั้นตอนประวัติศาสตร์ใหม่ในการพัฒนาความสมจริง อิทธิพลโดยตรงของทิเชียนต่อภาพวาดเวนิสร่วมสมัยมีความสำคัญ แม้ว่าไม่มีนักเรียนคนใดของเขาพบความเข้มแข็งที่จะสานต่อและพัฒนางานศิลปะที่โดดเด่นของเขาก็ตาม

นักเรียนที่มีพรสวรรค์มากที่สุดและผู้ร่วมสมัยของ Titian ได้แก่ Jacopo Nigreti ชื่อเล่น Palma Vecchio (ผู้อาวุโส), Bonifacio de Pitati ชื่อเล่น Veronese นั่นคือ Veronese, Paris Bordone, Jacopo Palma the Younger หลานชายของ Palma the Elder พวกเขาทั้งหมด ยกเว้น Palma the Younger เกิดที่ Terrafarm แต่ใช้ชีวิตสร้างสรรค์เกือบทั้งหมดในเวนิส

Jacopo Palma the Elder (ประมาณปี 1480-1528) เช่นเดียวกับเพื่อนร่วมงานของเขา Giorgione และ Titian เรียนกับ Giovanni Bellini ในรูปแบบความคิดสร้างสรรค์ของเขาเขาใกล้ชิดกับทิเชียนมากที่สุดแม้ว่าเขาจะด้อยกว่าเขาทุกประการก็ตาม องค์ประกอบทางศาสนาและตำนานตลอดจนภาพวาดของศิลปินมีความโดดเด่นด้วยสีสันที่ดังก้องกังวานและน่าเบื่อหน่าย (คุณสมบัติเหล่านี้มีอยู่ในเทคนิคการจัดองค์ประกอบของเขาด้วย) เช่นเดียวกับความร่าเริงในแง่ดีของภาพ คุณลักษณะที่สำคัญของงานของ Palma คือการสร้างสรรค์ผู้หญิงชาวเวนิสประเภทศิลปะซึ่งเป็นความงามสีบลอนด์อันเขียวชอุ่ม ความงามของผู้หญิงประเภทนี้มีอิทธิพลต่อศิลปะของทิเชียนในวัยเยาว์อยู่บ้าง ผลงานที่ดีที่สุดของเขาคือ “Two Nymphs” (ค.ศ. 1510-1515; แฟรงก์เฟิร์ต อัม ไมน์), “Three Sisters” (ค.ศ. 1520) และ “Jacob and Rachel” (ค.ศ. 1520) ซึ่งผลงานหลังนี้ตั้งอยู่ในเมืองเดรสเดน “ภาพเหมือนของมนุษย์” ของเขาถูกเก็บไว้ในอาศรม

หนึ่งในภาพบุคคลชายที่ดีที่สุดที่ปรมาจารย์สร้างขึ้นคือเยาวชนที่ไม่รู้จักของเขาในพิพิธภัณฑ์มิวนิก เขามีสไตล์ใกล้เคียงกับจอร์โจเน แต่ก็แตกต่างจากจอร์โจเนในการถ่ายทอดหลักการที่มีความมุ่งมั่นอย่างแรงกล้า การหันศีรษะที่เต็มไปด้วยพละกำลังที่ควบคุมไม่ได้คุณสมบัติที่มีพลังอันทรงพลังของใบหน้าที่สวยงามท่าทางที่แทบจะยกมือขึ้นถึงไหล่การบีบถุงมือความตึงเครียดที่ยืดหยุ่นของรูปทรงนั้นทำลายจิตวิญญาณของการปิดตัวเองอย่างมีนัยสำคัญ ลักษณะการดูดซับของภาพของจอร์โจเน

การพัฒนาภายใต้อิทธิพลโดยตรงของทิเชียน Bonifacio Veronese (1487-1553) ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตของเขาไม่ได้เป็นอิสระจากอิทธิพลบางประการของลัทธิลักษณะนิสัย ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่อุทิศให้กับตอนต่างๆ จากประวัติศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์ ผสมผสานการตกแต่งเข้ากับการเล่าเรื่องประเภทต่างๆ (The Feast of Lazarus, The Massacre of the Innocents, 1537-1545; ทั้งใน Venetian Academy และอื่นๆ)

Paris Bordone นักเรียนของ Titian (1500-1571) โดดเด่นด้วยความเชี่ยวชาญด้านสีที่ไม่ธรรมดาและการตกแต่งภาพวาดที่สดใส เหล่านี้คือของเขา" ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์"(มิลาน, เบรรา), "การนำเสนอวงแหวนของนักบุญมาร์กถึงโดจ" (ยุค 1530; เวนิส, อคาเดเมีย) ในงานชิ้นหลังของ Paris Bordone เราจะสัมผัสได้ถึงอิทธิพลอันแข็งแกร่งของกิริยาท่าทางและทักษะที่ลดลง ภาพบุคคลของเขาโดดเด่นด้วยความจริงของลักษณะชีวิต ควรกล่าวถึงเป็นพิเศษว่าเป็น "Venetian Lovers" (Brera) ซึ่งเต็มไปด้วยเสน่ห์เย้ายวนที่ค่อนข้างเย็นชา

Palma the Younger (1544-1628) ลูกศิษย์ของ Titian ผู้ชราภาพ ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของ Tintoretto ในเวลาเดียวกัน มีพรสวรรค์ (เขาจัดการได้สำเร็จมากด้วยการทำปีเอตาให้สำเร็จ งานสุดท้ายทิเชียน) แต่เป็นปรมาจารย์ที่เป็นอิสระน้อยกว่า ในระหว่างที่เขาอยู่ในโรม เขารู้สึกตื้นตันใจกับอิทธิพลของกิริยาท่าทางที่ล่วงลับ ซึ่งสอดคล้องกับที่เขายังคงทำงานต่อไปจนกระทั่งบั้นปลายชีวิตของเขา ในช่วงการกำเนิดของศิลปะบาโรก ในบรรดาผลงานของเขาที่เกี่ยวข้องกับสไตล์ของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายในเวนิส การกล่าวถึงควรเป็นภาพเหมือนตนเอง (Brera) และศีรษะของชายชราที่แสดงออกอย่างมาก (Brera) ซึ่งก่อนหน้านี้ประกอบกับ Bassano แนวคิดเกี่ยวกับการประพันธ์ขนาดใหญ่ของเขาซึ่งใกล้เคียงกับจิตวิญญาณในยุคปลายนั้นได้รับจากจิตรกรรมฝาผนังของ Oratorio dei Crociferi ในเมืองเวนิส (1581 - 1591)

ในศิลปะของโรงเรียน Venetian ผลงานของกลุ่มศิลปินที่เรียกว่า terraferma ซึ่งก็คือ "ดินแดนที่มั่นคง" ของการครอบครองของชาวเวนิสที่ตั้งอยู่ในส่วนของอิตาลีที่อยู่ติดกับทะเลสาบมักจะโดดเด่น

โดยทั่วไปแล้ว อาจารย์ใหญ่ของโรงเรียน Venetian ส่วนใหญ่เกิดในเมืองหรือหมู่บ้านของ terraferma (Giorgione, Titian, Paolo Veronese) แต่พวกเขาใช้เวลาทั้งหมดหรือเกือบทั้งหมดในเมืองหลวงนั่นคือในเวนิสเองทำงานให้กับเมืองหรือปราสาทของ Terraferma เป็นครั้งคราวเท่านั้น ศิลปินบางคนที่ทำงานอย่างต่อเนื่องใน Terraferma นำเสนอผลงานของพวกเขาเฉพาะโรงเรียนในเมืองเวนิสในเวอร์ชันจังหวัดเท่านั้น

ในขณะเดียวกันวิถีชีวิตและ "บรรยากาศทางสังคม" ในเมือง Terraferma ก็แตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากเมืองเวนิสซึ่งกำหนดความคิดริเริ่มของโรงเรียน Terraferma เวนิส (เมืองท่าการค้าขนาดใหญ่และศูนย์กลางทางการเงินในเวลานั้น) โดยเฉพาะอย่างยิ่งจนถึงปลายศตวรรษที่ 15 มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับดินแดนทางตะวันออกอันมั่งคั่งและการค้าขายในต่างประเทศมากกว่าพื้นที่ห่างไกลจากตัวเมืองของอิตาลี ซึ่งในนั้นมีวิลล่าหรูหราของ ขุนนางชาวเวนิสตั้งอยู่

อย่างไรก็ตาม ชีวิตในเมืองเล็กๆ ที่เงียบสงบ ซึ่งมีกลุ่มเจ้าของที่ดินที่มั่งคั่งจำนวนมากซึ่งได้รับรายได้จากเศรษฐกิจที่มีการจัดการอย่างมีเหตุผล มีแนวทางที่แตกต่างจากในเมืองเวนิสหลายประการ ในระดับหนึ่ง วัฒนธรรมของพื้นที่เหล่านี้ของ Terraferma มีความใกล้ชิดและเข้าใจได้กับชีวิตและศิลปะของเมือง Emilia, Lombardy และภูมิภาคทางตอนเหนือของอิตาลีอื่น ๆ ในเวลานั้น ควรระลึกไว้ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 15 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากสิ้นสุดสงครามกับสันนิบาตคัมเบร ชาวเวนิสเมื่อการค้าทางตะวันออกลดลง พวกเขาได้ลงทุนทุนอิสระในด้านการเกษตรและงานฝีมือดินเผา ช่วงเวลาแห่งความเจริญรุ่งเรืองเริ่มต้นขึ้นในส่วนนี้ของอิตาลี ซึ่งไม่ได้รบกวนวิถีชีวิตในต่างจังหวัดเลย

ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่ศิลปินทั้งกลุ่ม (Pordenone, Lotto และคนอื่น ๆ ) ปรากฏตัวขึ้นซึ่งงานศิลปะยังคงห่างไกลจากการแสวงหาที่เข้มข้นและขอบเขตการสร้างสรรค์ที่กว้างขวางของโรงเรียนเวนิสเอง ความกว้างของภาพในนิมิตอันยิ่งใหญ่ของทิเชียนถูกแทนที่ด้วยการตกแต่งองค์ประกอบแท่นบูชาที่เย็นกว่าและเป็นทางการมากขึ้น แต่ลักษณะพิเศษของชีวิตที่สังเกตได้โดยตรง ซึ่งเห็นได้ชัดเจนในศิลปะที่กล้าหาญของทิเชียนที่เป็นผู้ใหญ่และตอนปลาย หรือในความคิดสร้างสรรค์ที่ยกระดับเทศกาลของ Veronese หรือโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานที่หลงใหลและกระสับกระส่ายของ Tintoretto ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางเป็นพิเศษในหมู่ศิลปิน Terraferma บางคน แล้วตั้งแต่สามแรกของศตวรรษที่ 16

จริงอยู่ที่ความสนใจในชีวิตประจำวันที่สังเกตได้ลดลงบ้าง เป็นความสนใจอย่างสงบในรายละเอียดที่น่าขบขันของชีวิตบุคคลที่อาศัยอยู่อย่างสงบสุขในเมืองที่เงียบสงบมากกว่าความปรารถนาที่จะค้นหาวิธีแก้ไขปัญหาทางจริยธรรมอันยิ่งใหญ่ในสมัยนั้นในการวิเคราะห์ชีวิตซึ่งทำให้ศิลปะของพวกเขาแตกต่าง จากผลงานของนักสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคหน้า

ในช่วงสามแรกของศตวรรษ หนึ่งในศิลปินที่ดีที่สุดในบรรดาศิลปินเหล่านี้คือ Lorenzo Lotto (1480-1556) ผลงานในช่วงแรกของเขายังคงเกี่ยวข้องกับประเพณี Quattrocento สิ่งที่ใกล้เคียงที่สุดกับอุดมคติมนุษยนิยมอันยิ่งใหญ่ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงคือภาพเหมือนชายหนุ่มในยุคแรกของเขา (1505) ซึ่งมีความโดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวาในการรับรู้ของแบบจำลอง

แท่นบูชาที่รู้จักกันดีและองค์ประกอบในตำนานของล็อตโต้ที่เป็นผู้ใหญ่มักจะรวมเอาความรู้สึกหมองคล้ำภายในเข้ากับความสวยงามภายนอกขององค์ประกอบ โดยทั่วไปแล้วสีที่เย็นชาและพื้นผิวที่ "น่าพึงพอใจ" ที่เรียบเนียนนั้นค่อนข้างซ้ำซากและใกล้เคียงกับกิริยาท่าทาง การขาดความคิดและความรู้สึกที่ลึกซึ้งบางครั้งได้รับการชดเชยด้วยรายละเอียดในชีวิตประจำวันที่ได้รับการแนะนำอย่างชาญฉลาด ซึ่งเป็นภาพที่ศิลปินเต็มใจมุ่งความสนใจไปที่ ดังนั้นใน "การประกาศ" ของเขา (ปลายทศวรรษที่ 1520; Recanati โบสถ์ซานตามาเรียโซปราเมอร์คานตี) ผู้ชมปล่อยให้ตัวเองถูกเบี่ยงเบนความสนใจจากบุคคลหลักที่ถูกตีความอย่างไม่หยุดยั้งไปจนถึงแมวตกใจกลัวที่ปรากฎอย่างน่าขบขัน และพุ่งออกไปจากอัครเทวดาที่บินกะทันหัน

ต่อจากนั้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการถ่ายภาพบุคคล คุณลักษณะของความสมจริงในชีวิตที่เป็นรูปธรรมในงานของศิลปินเพิ่มขึ้น (“ ภาพเหมือนของผู้หญิง”; อาศรม, “ ภาพเหมือนสามคนของผู้ชาย”) ด้วยความสนใจที่ลดลงในการเปิดเผยความสำคัญทางจริยธรรมของแต่ละบุคคลและความแข็งแกร่งของตัวละครของเขา ภาพวาดของ Lotto เหล่านี้ยังคงต่อต้านแนวกิริยาท่าทางที่ต่อต้านความสมจริงอย่างเปิดเผยในระดับหนึ่ง แนวโน้มที่สมจริงและเป็นประชาธิปไตยที่สำคัญที่สุดในงานของ Lotto แสดงออกผ่านวงจรการวาดภาพของเขาจากชีวิตของ St. ลูเซีย (1529/30) ซึ่งด้วยความเห็นอกเห็นใจอย่างชัดเจนเขาพรรณนาถึงฉากทั้งหมดราวกับถูกพรากไปจากชีวิตในยุคของเขา (เช่น คนขับวัวจาก "ปาฏิหาริย์แห่งเซนต์ลูเซีย" ฯลฯ ) ในนั้น ปรมาจารย์ดูเหมือนจะค้นพบความสงบและความสงบสุขจากความรู้สึกที่ขัดแย้งกันโดยสิ้นเชิงที่เกิดขึ้นในตัวเขาในบริบทของวิกฤตการณ์ทางการเมืองและเศรษฐกิจโดยทั่วไปที่เพิ่มขึ้นในอิตาลี และซึ่งทำให้ผลงานประพันธ์ของเขาหลายชิ้นในเวลาต่อมามีโทนของความกังวลใจและความไม่แน่นอนเชิงอัตวิสัย นำเขาออกจากประเพณีมนุษยนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ที่มีความหมายมากกว่านั้นมากคือผลงานของ Girolamo Savoldo ซึ่งเป็นชาวเบรสเซียร่วมสมัยของ Lotto (ประมาณปี 1480-1548) ในงานของซาโวลโดผู้ล่วงลับ ผู้ซึ่งประสบกับความพินาศชั่วคราวของประเทศบ้านเกิดของเขาอย่างลึกซึ้งระหว่างสงครามกับสันนิบาตกัมเบร การผงาดขึ้นในระยะสั้นของเวนิสหลังปี 1516 และต่อจากนั้นคือวิกฤตทั่วไปที่กลืนกินอิตาลี ความขัดแย้งอันน่าเศร้าของ ศิลปะยุคเรอเนซองส์ได้รับการเปิดเผยด้วยวิธีที่มีเอกลักษณ์และมีพลังอันยิ่งใหญ่

ระยะเวลาของประเพณี Quattrocentist ซึ่งเป็นลักษณะของชีวิตในต่างจังหวัดของ Terraferma (จนถึงต้นศตวรรษที่ 16) อิทธิพลที่เห็นได้ชัดเจนภาพวาดของยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือที่มีการเล่าเรื่องที่ดูธรรมดา ความอยากในประเภทและความสนใจในชีวิตจิตวิทยา คนธรรมดางานของซาโวลโดผสมผสานเข้ากับหลักมนุษยนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและช่วยให้เขาสร้างงานศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่สมจริงในเวอร์ชันที่เป็นประชาธิปไตย ซึ่งในหลาย ๆ ด้านคาดว่าจะมีการแสวงหาปรมาจารย์แห่งหนึ่งในสามแรกของศตวรรษที่ 17

ในงาน Quattrocentist ในยุคแรกๆ ที่ค่อนข้างแห้งแล้งของซาโวลโด (เช่น "The Prophet Elijah"; Florence, Leser collection) เราสัมผัสได้ถึงความสนใจของเขาที่มีต่อคนธรรมดาสามัญอยู่แล้ว “ความรักของคนเลี้ยงแกะ” ที่สวยงามของเขา (ยุค 1520; ตูริน, Pinacoteca) สื่อถึงบรรยากาศของสมาธิที่รู้แจ้งของความรู้สึกของคนเลี้ยงแกะสามคนอย่างจริงใจโดยใคร่ครวญทารกแรกเกิดด้วยความคิดที่ลึกซึ้ง จิตวิญญาณที่ชัดเจน ความกลมกลืนที่สดใสและเศร้าเล็กน้อยของจังหวะการเคลื่อนไหวอันเงียบสงบของผู้เข้าร่วมงาน และโครงสร้างสีทั้งหมดขององค์ประกอบ บ่งบอกถึงความเชื่อมโยงระหว่างศิลปะของซาโวลโดที่เป็นผู้ใหญ่กับประเพณีของจิออร์จิโอเนอย่างชัดเจน แต่การขาดความสูงส่งในอุดมคติของภาพ ความจริงใจตามธรรมชาติ และความเรียบง่ายของชีวิต ทำให้ภาพนี้มีความคิดริเริ่มที่พิเศษมาก ต่อจากนั้นความสนใจในการเขียนบทกวีตามความเป็นจริงของภาพคนธรรมดาก็ทวีความรุนแรงมากขึ้น (ตัวอย่างเช่นภาพคนเลี้ยงแกะที่หรูหรากับพื้นหลังของภูมิทัศน์ในชนบท - "The Shepherd"; Florence, collection of Contini-Bonacossi) การมีส่วนร่วมของศิลปินคนอื่น ๆ ที่อยู่ในโรงเรียนที่จัดตั้งขึ้นในเบรสชานั้นมีความสำคัญน้อยกว่าอย่างแน่นอน อย่างไรก็ตาม ในหมู่พวกเขาเราควรพูดถึงอเลสซานโดร บอนวิซิโน ชื่อเล่นโมเร็ตโต (ประมาณ ค.ศ. 1498-1554) ซึ่งมีงานตามประเพณีคลาสสิกมีความโดดเด่นด้วยสีเงินอ่อน ๆ ค่อนข้างเป็นจังหวัด ครุ่นคิด เคร่งขรึมจริงจัง อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่ไร้ซึ่ง บทกวี (“ มาดอนน่ากับนักบุญ "; แฟรงค์เฟิร์ต) คุณสมบัตินี้สังเกตเห็นได้ชัดเจนยิ่งขึ้นใน ตัวละครรองการเรียบเรียงของเขามีคุณค่ามากที่สุดใน ภาพวาดขนาดใหญ่(เช่น ร่างของคนรับใช้ในภาพวาด “พระคริสต์ที่เอมมาอูส”) ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ “St. จัสตินากับผู้บริจาคของเธอ” การมีส่วนร่วมของโมเรตโตในการพัฒนาการวาดภาพบุคคลในยุคเรอเนซองส์มีความสำคัญ “ภาพเหมือนของมนุษย์” ของเขา (ลอนดอน) เป็นหนึ่งในภาพบุคคลขนาดเต็มเรื่องแรกๆ

นักเรียนที่มีพรสวรรค์ของเขาคือจิโอวานนี โมโรนี (ประมาณปี 1523-1578) ซึ่งทำงานส่วนใหญ่ในแบร์กาโม เขาไม่เพียงแต่ยังคงมุ่งมั่นที่จะใช้วิธีการที่เหมือนจริงเช่นเดียวกับครูของเขาเท่านั้น แต่ภาพบุคคลของเขายังเป็นตัวแทนที่มีนัยสำคัญและเป็นต้นฉบับต่อการพัฒนาแนวศิลปะที่สมจริงของยุคเรอเนซองส์ตอนปลาย ภาพเหมือนของโมโรไนในยุคผู้ใหญ่ เริ่มตั้งแต่คริสต์ทศวรรษ 1560 มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการนำเสนอรูปลักษณ์และอุปนิสัยของตัวแทนจากชั้นทางสังคมเกือบทั้งหมดของเมืองในฟาร์มดินในขณะนั้น (“ภาพเหมือนของนักวิทยาศาสตร์”, “ ภาพเหมือนของ Pontero”, “ ภาพเหมือนของช่างตัดเสื้อ” ฯลฯ ) ภาพบุคคลสุดท้ายมีความโดดเด่นด้วยการขาดการยกย่องของภาพและการแสดงความคล้ายคลึงภายนอกและลักษณะของบุคคลที่ถูกนำเสนออย่างแม่นยำอย่างระมัดระวัง ในเวลาเดียวกันนี่เป็นตัวอย่างของการจัดประเภทภาพบุคคลที่แปลกประหลาดซึ่งทำให้ภาพมีความเป็นรูปธรรมและความถูกต้องเหมือนมีชีวิตเป็นพิเศษ ช่างตัดเสื้อเป็นภาพที่ยืนอยู่ที่โต๊ะทำงานโดยมีกรรไกรและผ้าอยู่ในมือ เขาหยุดงานชั่วคราวและมองดูผู้ชมที่ดูเหมือนจะเข้ามาในห้องอย่างระมัดระวัง หากการส่งผ่านรูปแบบที่ชัดเจนและพลาสติกตำแหน่งที่โดดเด่นของร่างมนุษย์ในองค์ประกอบเป็นลักษณะของศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดังนั้นการตีความประเภทของบรรทัดฐานการแต่งเพลงก็จะเกินขอบเขตของความสมจริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยคาดหวังการแสวงหาของ ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 17

โรงเรียนเฟอร์ราราอยู่ในตำแหน่งพิเศษที่เกี่ยวข้องกับโรงเรียนแห่งเทอร์ราเฟอร์มา ในเฟอร์รารา รัชสมัยของ Dukes d'Este ยังคงอยู่ จากที่นี่คุณลักษณะของเอิกเกริกที่สง่างามนั้นมาซึ่งเมื่อรวมกับการแยกประเพณีที่เป็นที่รู้จักกันดีในระดับจังหวัดได้กำหนดรูปแบบศิลปะเฟอร์ราราที่ค่อนข้างครุ่นคิดและเย็นชา ของศตวรรษที่ 16 ซึ่งเต็มไปด้วยรายละเอียดการตกแต่งซึ่งล้มเหลวในการพัฒนางานที่น่าสนใจของ Quattrocentist รุ่นก่อน ศิลปินที่สำคัญที่สุดในยุคนี้คือ Dosso Dossi (ค.ศ. 1479 - 1542) ซึ่งใช้ชีวิตวัยเยาว์ในเมืองเวนิสและมานตัวและตั้งรกราก ในเฟอร์ราราตั้งแต่ปี 1516

ในงานของเขา Dosso Dossi อาศัยประเพณีของ Giorgione และ Francesco Cossa ซึ่งเป็นประเพณีที่ยากจะเชื่อมโยง ประสบการณ์บนเวทีทิเชียนยังคงเป็นเรื่องแปลกสำหรับเขา องค์ประกอบส่วนใหญ่ของ Dossi ที่เป็นผู้ใหญ่นั้นโดดเด่นด้วยภาพวาดที่ยอดเยี่ยมและเย็นชาพลังของร่างที่ค่อนข้างครุ่นคิดและรายละเอียดการตกแต่งที่มากเกินไป ("ความยุติธรรม"; เดรสเดน, "เซนต์เซบาสเตียน"; มิลาน, เบรรา) ลักษณะที่น่าสนใจที่สุดในงานของดอสซีคือความสนใจของเขาในพื้นหลังทิวทัศน์อันกว้างขวาง ซึ่งบางครั้งอาจครองตำแหน่งที่โดดเด่นในภาพ (Circe, c. 1515; Borghese Gallery) Dosso Dossi ยังเป็นเจ้าขององค์ประกอบภูมิทัศน์ที่เสร็จสมบูรณ์จำนวนหนึ่งซึ่งหาได้ยากมากในช่วงเวลานั้น ตัวอย่างคือ "Landscape with Figures of Saints" (Moscow, A. S. Pushkin Museum of Fine Arts)

สถานที่พิเศษในงานศิลปะของ Terraferma ถูกครอบครองโดยผลงานของปรมาจารย์คนสำคัญที่สุด Jacopo del Ponte of Bassano (1510/19-1592) ซึ่งเป็นผลงานร่วมสมัยของ Tintoretto เมื่อเปรียบเทียบกับงานศิลปะของใคร บางทีอาจเป็นผลงานของเขา ควรได้รับการพิจารณา. แม้ว่าบาสซาโนใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในบ้านเกิดของเขาที่บาสซาโนซึ่งตั้งอยู่บริเวณเชิงเขาของเทือกเขาแอลป์ แต่เขามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวงกลมของภาพวาดเวนิสในช่วงปลายยุคเรอเนซองส์ตอนปลาย โดยครอบครองสถานที่ที่เป็นเอกลักษณ์และสำคัญมากในนั้น

บางทีในบรรดาปรมาจารย์ของอิตาลีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 บาสซาโนเข้าใกล้การเป็นตัวเอกของภาพยนตร์เรื่องนี้มากที่สุด คนธรรมดาของเวลาของมัน จริงอยู่ในผลงานยุคแรก ๆ ของศิลปิน (“ Christ at Emmaus”) ประเภทและช่วงเวลาในชีวิตประจำวันสลับกับแผนการดั้งเดิมในการแก้ปัญหาประเภทนี้ ต่อมาอย่างแม่นยำมากขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1540 งานศิลปะของเขากำลังประสบกับจุดเปลี่ยน ภาพจะกระสับกระส่ายและมีความดราม่าภายในมากขึ้น จากการพรรณนาตัวละครแต่ละตัวที่จัดเรียงเป็นกลุ่มที่มั่นคงและสมดุลตามหลักการของยุคเรอเนซองส์สูงซึ่งบาสซาโนยังไม่ชำนาญมากนักปรมาจารย์ก็ก้าวไปสู่การพรรณนาถึงกลุ่มมนุษย์และฝูงชนที่ถูกจับโดยความวิตกกังวลทั่วไป .

คนธรรมดา - คนเลี้ยงแกะ ชาวนา - กลายเป็นตัวละครหลักในภาพวาดของเขา นั่นคือ "การพักผ่อนบนเที่ยวบินสู่อียิปต์", "ความรักของคนเลี้ยงแกะ" (1568; บาสซาโน, พิพิธภัณฑ์) และอื่น ๆ

โดยพื้นฐานแล้ว "การกลับมาของยาโคบ" ของเขาคือการผสมผสานเรื่องราวที่แปลกประหลาดในธีมของพระคัมภีร์กับรูปภาพของ "งานและวันเวลา" ของผู้อยู่อาศัยธรรมดาในเมืองเล็ก ๆ บนเทือกเขาแอลป์ อย่างหลังมีชัยเหนือโครงสร้างเชิงเปรียบเทียบทั้งหมดของภาพอย่างชัดเจน ในผลงานหลายชิ้นของเขาในช่วงปลายยุค บาสซาโนได้ปลดปล่อยตัวเองอย่างสมบูรณ์จากโครงเรื่องอย่างเป็นทางการที่เกี่ยวข้องกับธีมทางศาสนาและตำนาน

“ ฤดูใบไม้ร่วง” ของเขาเป็นความสง่างามที่เชิดชูความสุขสงบในช่วงเวลาแห่งฤดูใบไม้ร่วงที่สุกงอม ภูมิทัศน์อันงดงาม บทกวีของกลุ่มนักล่าที่เดินทางไกล ปกคลุมไปด้วยบรรยากาศฤดูใบไม้ร่วงสีเงินชื้น ถือเป็นเสน่ห์หลักของภาพนี้

ในงานของบาสซาโน ศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายในเวนิสใกล้เคียงที่สุดกับการสร้างระบบแนวเพลงใหม่ๆ ที่กล่าวถึงชีวิตจริงโดยตรงในรูปแบบของการพัฒนาในแต่ละวัน อย่างไรก็ตาม ขั้นตอนสำคัญนี้ไม่สามารถดำเนินการได้บนพื้นฐานของการสิ้นสุดของชีวิต วันสุดท้ายความยิ่งใหญ่ของเวนิส - นั่นคือนครรัฐยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและบนพื้นฐานของวัฒนธรรมที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของรัฐชาติ บนพื้นฐานของเวทีใหม่ที่ก้าวหน้าในประวัติศาสตร์ของสังคมมนุษย์

นอกจากมีเกลันเจโลแล้ว ทิเชียนยังเป็นตัวแทนของคนรุ่นไททันในยุคเรอเนซองส์ชั้นสูงที่ติดอยู่ครึ่งทางของชีวิตด้วยวิกฤตอันน่าสลดใจที่มาพร้อมกับการเริ่มต้นของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายในอิตาลี แต่พวกเขาแก้ไขปัญหาใหม่ในยุคนั้นจากตำแหน่งของนักมานุษยวิทยาซึ่งมีบุคลิกภาพซึ่งมีทัศนคติต่อโลกในยุคที่กล้าหาญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ศิลปินรุ่นต่อไป รวมถึงชาวเวนิส กลายเป็นบุคคลที่สร้างสรรค์ภายใต้อิทธิพลของเวทีที่จัดตั้งขึ้นแล้วในประวัติศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา งานของพวกเขาคือการแสดงออกทางศิลปะตามธรรมชาติของเขา เช่น Jacopo Tintoretto และ Paolo Veronese ผู้ซึ่งรวบรวมแง่มุมต่างๆ และด้านต่างๆ ในยุคเดียวกันที่แตกต่างกันออกไป

ในผลงานของเปาโล กาลยารี (ค.ศ. 1528-1588) ซึ่งมีชื่อเล่นตามบ้านเกิดของ Veronese พลังและความแวววาวของภาพวาดสีน้ำมันที่ตกแต่งและยิ่งใหญ่สไตล์เวนิสถูกเปิดเผยด้วยความสมบูรณ์และความหมายโดยเฉพาะ นักเรียนของ Antonio Badile ปรมาจารย์ Veronese ผู้ไม่สำคัญ Veronese ทำงานครั้งแรกที่ Terraferma โดยสร้างจิตรกรรมฝาผนังและองค์ประกอบน้ำมันจำนวนมาก (จิตรกรรมฝาผนังใน Villa Emo ของต้นปี 1550 และอื่น ๆ ) แต่แล้วในปี 1553 เขาย้ายไปเวนิสซึ่งพรสวรรค์ของเขาเติบโตขึ้น

“The History of Esther” (1556) เป็นหนึ่งในวัฏจักรที่ดีที่สุดของ Veronese รุ่นเยาว์ ซึ่งตกแต่งเพดานของโบสถ์ San Sebastiano องค์ประกอบของโป๊ะสามดวงนั้นเต็มไปด้วยตัวเลขขนาดใหญ่และกำหนดพลาสติกอย่างชัดเจนจำนวนค่อนข้างน้อย ศิลปะแห่งการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ที่แข็งแกร่งและสวยงาม รวมถึงมุมการเลี้ยงม้าอันงดงามนั้นน่าทึ่งมาก เราพอใจกับความแข็งแกร่งและความเบาของเสียงดัง การผสมสีตัวอย่างเช่น การเทียบม้าขาวดำในเพลง "ชัยชนะแห่งโมรเดคัย"

โดยทั่วไปแล้ว รายละเอียดที่ชัดเจนของพลาสติกแต่ละบุคคลจะทำให้วัฏจักรนี้ใกล้เคียงกับงานศิลปะในยุคเรอเนซองส์สูง เช่นเดียวกับผลงานในยุคแรกๆ ของ Veronese อย่างไรก็ตาม ความร่าเริงภายนอกและการแสดงละครของตัวละครส่วนใหญ่ทำให้พวกเขาขาดความแข็งแกร่งภายในของจิตวิญญาณ ความยิ่งใหญ่ที่แท้จริงที่ทำให้วีรบุรุษแห่งการประพันธ์ที่ยิ่งใหญ่ของยุคเรอเนซองส์ตอนต้นและสูงตั้งแต่ Masaccio และ Castagno ไปจนถึง " โรงเรียนแห่งเอเธนส์» ราฟาเอลและเพดานโบสถ์ซิสทีน โดย Michelangelo คุณลักษณะของงานศิลปะของ Veronese รุ่นเยาว์นี้เห็นได้ชัดเจนที่สุดในองค์ประกอบพิธีการอย่างเป็นทางการเช่น "Juno Distributing Gifts to Venice" (ราวปี 1553; เวนิส, พระราชวัง Doge) ซึ่งความแวววาวในการตกแต่งของภาพวาดไม่ได้แลกกับความเอิกเกริกภายนอกของการออกแบบ .

ภาพของ Veronese มีความรื่นเริงมากกว่าความกล้าหาญ แต่ความร่าเริง พลังการตกแต่งที่สดใส และในขณะเดียวกัน ความสมบูรณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุดของรูปแบบภาพนั้นไม่ธรรมดาอย่างแท้จริง การผสมผสานระหว่างเอฟเฟ็กต์ภาพการตกแต่งและอนุสรณ์สถานโดยทั่วไปกับความสัมพันธ์ของสีที่แตกต่างกันอย่างมากยังปรากฏชัดในโป๊ะโคมแห่งความศักดิ์สิทธิ์ของซานเซบาสเตียโนและในองค์ประกอบอื่น ๆ อีกจำนวนหนึ่ง

สถานที่สำคัญในงานของ Veronese ที่เป็นผู้ใหญ่นั้นถูกครอบครองโดยจิตรกรรมฝาผนังของ Villa Barbaro (ใน Maser) ซึ่งสร้างโดย Palladio บนดินเผาซึ่งอยู่ไม่ไกลจาก Treviso วิลลาและพระราชวังขนาดเล็กโดดเด่นด้วยความสง่างาม ได้รับการบูรณาการอย่างสวยงามเข้ากับภูมิทัศน์ชนบทโดยรอบ และล้อมรอบด้วยสวนดอกไม้ มีภาพสถาปัตยกรรมที่สอดคล้องกับความสมบูรณ์ การเคลื่อนไหวของแสงและสีสันที่ก้องกังวานของจิตรกรรมฝาผนังของ Veronese วงจรนี้สลับการแต่งเพลงที่เต็มไปด้วย "ความสนุกสนานในการเต้นรำ" ในรูปแบบที่เป็นตำนานอย่างง่ายดาย - โป๊ะโคม "โอลิมปัส" และอื่น ๆ - พร้อมลวดลายที่ไม่คาดคิดอย่างมีไหวพริบที่แย่งชิงไปจากชีวิต: ตัวอย่างเช่นรูปประตูที่ชายหนุ่มรูปหล่อเข้ามาในห้องโถง ทรงโค้งหมวกเหมือนกล่าวกับเจ้าของบ้าน อย่างไรก็ตาม ในลวดลาย "ทุกวัน" ประเภทนี้ ปรมาจารย์ไม่ได้กำหนดหน้าที่ของตัวเองในการเปิดเผยทางศิลปะผ่านวิถีชีวิตตามธรรมชาติของคนธรรมดาสามัญที่มีลักษณะทั่วไปทั้งหมดของความสัมพันธ์ของพวกเขา

เขาสนใจเฉพาะชีวิตที่สนุกสนานและรื่นเริงเท่านั้น ลวดลายในชีวิตประจำวันที่ถักทอเป็นวงจรหรือเป็นองค์ประกอบเดี่ยวๆ ควรทำให้ทั้งส่วนรวมมีชีวิตชีวาเท่านั้น ขจัดความรู้สึกเอิกเกริกที่เคร่งขรึมออกไป และพูดอีกอย่างคือ สร้างสรรค์องค์ประกอบขึ้นมา และเพิ่มความรู้สึกโน้มน้าวใจของบทกวีที่เปล่งประกายเกี่ยวกับการเฉลิมฉลองอันปีติยินดีของชีวิตที่ Veronese สร้างขึ้น ในภาพวาดของเขา ความเข้าใจเกี่ยวกับ "ประเภท" นี้เป็นลักษณะของ Veronese ไม่เพียงแต่ในการตกแต่ง (ซึ่งเป็นธรรมชาติโดยสมบูรณ์) แต่ยังรวมถึงองค์ประกอบพล็อตทั้งหมดของปรมาจารย์ด้วย แน่นอนว่าผลงานหลากสีสันของ Veronese ไม่ใช่แค่นิทานบทกวีเท่านั้น พวกเขาเป็นจริงและไม่ เฉพาะในรายละเอียดประเภทเฉพาะเท่านั้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งการใช้งานอย่างไม่เห็นแก่ตัวโดยปรมาจารย์ในช่วงเวลาที่สร้างสรรค์ของเขาเต็มที่ แท้จริงแล้ว เทศกาลเฉลิมฉลองซึ่งเป็นคุณลักษณะหนึ่งของชีวิตของชนชั้นสูงผู้มีพระคุณแห่งเวนิส ซึ่งยังคงร่ำรวยและมั่งคั่ง ถือเป็นด้านที่แท้จริงของชีวิตในยุคนั้น นอกจากนี้ สาธารณรัฐและเพื่อประชาชนยังจัดให้มีการแสดง ขบวนแห่ และมหกรรมมหกรรมอีกด้วย และเมืองนี้ก็ประหลาดใจกับความอลังการของรูปลักษณ์ทางสถาปัตยกรรม

ช่วงวัยเจริญพันธุ์ของ Veronese มีความโดดเด่นด้วยการเปลี่ยนแปลงระบบภาพของเขาอย่างค่อยเป็นค่อยไป การเรียบเรียงของเขามีแนวโน้มที่จะหนาแน่นมากขึ้นเรื่อยๆ ความซับซ้อนและอุดมไปด้วยเอฟเฟกต์พลาสติกและรูปภาพ การเคลื่อนไหวของผู้คนจำนวนมาก - ฝูงชน - ถูกมองว่าเป็นสิ่งมีชีวิตเดี่ยว ซิมโฟนีของสีที่ซับซ้อน การเคลื่อนไหวที่เร้าใจอย่างสมบูรณ์ที่ผสมผสานกันสร้างเสียงที่แตกต่างจากพื้นผิวที่มีสีสันของภาพมากกว่าในสมัยเรอเนซองส์สูง ลักษณะพิเศษของงานศิลปะสำหรับผู้ใหญ่ของ Veronese เหล่านี้ได้รับการเปิดเผยอย่างชัดเจนที่สุดใน "การแต่งงานที่คานา" (1563; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ขนาดใหญ่ (10x6 ม.) เมื่อเทียบกับฉากหลังของสถาปัตยกรรมที่เพรียวบางและเขียวชอุ่มของระเบียงและระเบียงของผ้าสักหลาด ฉากของงานฉลองเผยให้เห็นโดยรวมตัวกันประมาณหนึ่งร้อยสามสิบร่าง คนรับใช้ในชุดเวนิสหรือเสื้อผ้าโอเรียนเต็ลแฟนซี นักดนตรี ตัวตลก คนหนุ่มสาวที่ร่วมงานเลี้ยง ผู้หญิงสวยที่แต่งตัวหรูหรา ผู้ชายมีหนวดมีเครา ผู้เฒ่าผู้น่านับถือ ก่อให้เกิดองค์ประกอบที่มีสีสันเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหว หัวบางอันเป็นภาพเหมือนโดยธรรมชาติ นี่คือภาพของอธิปไตยของยุโรปตั้งแต่สุลต่านสุไลมานที่ 1 ถึงชาร์ลส์ที่ 5 ในกลุ่มนักดนตรี Veronese วาดภาพทิเชียน, บาสซาโน, ตินโตเร็ตโตและตัวเขาเอง

ภาพประกอบหน้า 272-273

ด้วยลวดลายที่หลากหลาย รูปภาพจึงกลายเป็นองค์ประกอบภาพเดียว ตัวละครจำนวนมากถูกจัดเรียงไว้ตามริบบิ้นหรือชั้นที่มีลวดลายเป็นผ้าสักหลาดสามเส้นที่พาดอยู่เหนือกันและกัน การเคลื่อนไหวของฝูงชนที่มีเสียงดังกระสับกระส่ายถูกปิดที่ขอบของภาพด้วยเสา ศูนย์กลางถูกเน้นโดยกลุ่มที่ตั้งอยู่อย่างสมมาตรรอบๆ พระคริสต์ผู้นั่งอยู่ ในแง่นี้ Veronese ยังคงรักษาประเพณีการจัดองค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่อย่างสมดุลของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง

และในแง่ของสี Veronese ได้เน้นองค์ประกอบตรงกลางของรูปสำคัญของพระคริสต์ด้วยโครงสร้างสีที่หนาแน่นและมั่นคงที่สุด ผสมผสานสีแดงและน้ำเงินของเสื้อคลุมที่ดังกึกก้องและเป็นวัสดุอย่างมากเข้ากับรัศมีสีทองที่เปล่งประกาย อย่างไรก็ตาม พระคริสต์ทรงเป็นจุดศูนย์กลางของภาพเฉพาะในสีแคบและองค์ประกอบทางเรขาคณิตเท่านั้น เขาเป็นคนสงบและภายในค่อนข้างไม่มีนัยสำคัญ ไม่ว่าในกรณีใดเขาก็ไม่มีความแตกต่างด้านจริยธรรมจากตัวละครอื่นเลย

โดยทั่วไปแล้ว เสน่ห์ของภาพนี้ไม่ได้อยู่ที่ความแข็งแกร่งทางศีลธรรมหรือความหลงใหลอันน่าทึ่งของตัวละคร แต่เป็นการผสมผสานระหว่างความมีชีวิตชีวาในทันทีและความสง่างามที่กลมกลืนกันของภาพของผู้คนที่เฉลิมฉลองวันหยุดแห่งชีวิตอย่างมีความสุข สีของภาพเต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวา: สดชื่น, ดังก้อง, ด้วยแสงวาบสีแดงสดใส, จากสีชมพู - ไลแลคไปจนถึงไวน์, เฉดสีเข้มที่ร้อนแรงและชุ่มฉ่ำ ชุดสีแดงปรากฏขึ้นพร้อมกับความแวววาวเย็นของสีน้ำเงิน เขียวอมฟ้า รวมถึงโทนสีมะกอกและน้ำตาลทองที่อบอุ่นกว่าพร้อมเสียงที่นุ่มนวล ทั้งหมดนี้รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยบรรยากาศสีเงินอมฟ้าที่ปกคลุมทั่วทั้งภาพ บทบาทพิเศษในแง่นี้เป็นของสีขาวบางครั้งก็เป็นสีฟ้าบางครั้งเป็นสีม่วงบางครั้งก็เป็นสีเทาอมชมพู จากความหนาแน่นของสีของแอมโฟเรสีเงินและผ้าไหมยืดหยุ่นเปราะผ่านผ้าปูโต๊ะลินินไปจนถึงเถ้าสีน้ำเงินของเสาสีขาวความปุยของเมฆแสงที่ลอยอยู่บนท้องฟ้าสีเขียวน้ำเงินที่ชื้นของทะเลสาบสีนี้พัฒนาและค่อยๆละลายไป ไข่มุกสีเงินทั่วไปของแสงของภาพ

ความฟุ้งซ่านที่มีเสียงดังของฝูงชนแขกที่มาร่วมงานในชั้นล่างขององค์ประกอบถูกแทนที่ด้วยความสง่างามอันสง่างามของการเคลื่อนไหวของร่างที่หายากของชั้นบนซึ่งเป็นระเบียงด้านบนของระเบียงที่มีเงาสะท้อนกับท้องฟ้า ทุกอย่างจบลงด้วยวิสัยทัศน์ของอาคารที่ห่างไกล แปลกตา หมอกหนา และท้องฟ้าที่ส่องแสงนวลๆ

ในด้านการถ่ายภาพบุคคล ความสำเร็จของ Veronese มีความสำคัญน้อยกว่า ถ่ายทอดความคล้ายคลึงภายนอกได้อย่างยอดเยี่ยม ในขณะเดียวกันก็บรรลุถึงอุดมคติของภาพโดยมีขอบเขตอยู่ที่การตกแต่ง Veronese ไม่ได้มุ่งความสนใจไปที่การเปิดเผยอย่างลึกซึ้งของตัวละครของบุคคลที่ปรากฎ โดยที่ในความเป็นจริงแล้วไม่มีงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ ของการถ่ายภาพบุคคล อย่างไรก็ตามความฉลาดของภาพวาดอุปกรณ์ที่ทาสีอย่างยอดเยี่ยมท่าโพสที่ง่ายดายของชนชั้นสูงทำให้ภาพบุคคลของเขาดูน่ามองมากและ "พอดี" เข้ากับการตกแต่งภายในพระราชวังอันหรูหราของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเวนิสตอนปลาย ภาพบุคคลในยุคแรก ๆ ของเขาบางภาพมีความโดดเด่นด้วยความฝันโรแมนติกที่คลุมเครือ - "ภาพเหมือนของผู้ชาย" (บูดาเปสต์, พิพิธภัณฑ์) มีเพียงภาพบุคคลแรกสุดเพียงไม่กี่ภาพเท่านั้น เช่น เคานต์ดาปอร์โตกับลูกชาย ศิลปินหนุ่มสร้างภาพที่น่าดึงดูดใจอย่างไม่คาดคิดด้วยความจริงใจและแรงจูงใจที่ไม่โอ้อวดตามธรรมชาติ ในอนาคต กระแสนี้จะไม่พัฒนา และความสง่างามอันงดงามของผลงานต่อมาของเขายังคงดำเนินต่อไปตามโครงร่างในภาพเหมือนของบูดาเปสต์ที่กล่าวถึงแล้ว (เช่น ภาพเหมือนของ Bella Nani ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์)

ผืนผ้าใบของ Veronese ดูเหมือนจะพาศิลปินออกจากการต่อสู้จากความขัดแย้งของความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์ นี่เป็นความจริงบางส่วน อย่างไรก็ตาม ในบรรยากาศของการต่อต้านการปฏิรูป ความก้าวร้าวทางอุดมการณ์ของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกที่เพิ่มมากขึ้น ภาพวาดอันร่าเริงของเขา ไม่ว่าอาจารย์ต้องการมันหรือไม่ก็ตาม ก็ครอบครองสถานที่หนึ่งในการต่อสู้ทางอุดมการณ์ในยุคของเขา สิ่งเหล่านี้คือ "ครอบครัวของดาริอัสก่อนอเล็กซานเดอร์มหาราช" (ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ), "การแต่งงานที่คานา" (เดรสเดน), "งานเลี้ยงในบ้านเลวี" (เวนิส) คริสตจักรไม่สามารถให้อภัย Veronese สำหรับความร่าเริงทางโลกและนอกรีตของการแต่งเพลงในพระคัมภีร์ของเขาซึ่งขัดแย้งอย่างมากกับแนวคริสตจักรในงานศิลปะนั่นคือการฟื้นฟูเวทย์มนต์ศรัทธาในการเน่าเปื่อยของเนื้อหนังและความเป็นนิรันดร์ของวิญญาณ ดังนั้นคำอธิบายอันไม่พึงประสงค์จากการสืบสวนที่ Veronese ต้องมีเกี่ยวกับลักษณะ "นอกรีต" ของ "งานเลี้ยงในบ้านเลวี" ของเขา (1573) มีเพียงลักษณะทางโลกที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้ของรัฐบาลในสาธารณรัฐการค้าเท่านั้นที่ช่วย Veronese จากผลที่ตามมาที่ร้ายแรงกว่า

นอกจากนี้ วิกฤติทั่วไปของสาธารณรัฐเวนิสส่งผลกระทบต่องานของอาจารย์โดยตรงมากขึ้น ส่วนใหญ่อยู่ในช่วงปลายงานของเขา มีอยู่แล้วใน "Madonna of the House of Cuccin" (เดรสเดน) ที่สร้างขึ้นราวปี 1570 ที่สร้างขึ้นอย่างชาญฉลาดไม่ใช่ทุกสิ่งจะเงียบสงบและสนุกสนานอย่างสมบูรณ์ แน่นอนว่าองค์ประกอบนั้นดูเคร่งขรึมและงดงาม แรงจูงใจของการเคลื่อนไหวส่วนบุคคลและประเภทของผู้คนถูกแย่งชิงไปจากชีวิตอย่างชาญฉลาด เด็กชายที่เกาะติดกับเสาหินอ่อนสีอย่างอ่อนโยนและเหน็ดเหนื่อยเล็กน้อยนั้นมีเสน่ห์เป็นพิเศษ แต่ในการแสดงออกทางสีหน้าของ Kuccin เองอาจารย์อาจถ่ายทอดความรู้สึกขมขื่นและความวิตกกังวลที่ซ่อนอยู่โดยไม่สมัครใจ

ละครไม่ใช่จุดแข็งของ Veronese และโดยทั่วไปแล้ว เป็นคนแปลกจากการแต่งหน้าตัวละครของเขาอย่างสร้างสรรค์ ดังนั้นบ่อยครั้งแม้ในขณะที่กำลังพล็อตเรื่องดราม่า Veronese ก็ถูกเบี่ยงเบนความสนใจไปจากการถ่ายทอดการปะทะกันของตัวละครได้อย่างง่ายดายจากประสบการณ์ภายในของตัวละครไปจนถึงช่วงเวลาที่สดใสและมีสีสันของชีวิตไปจนถึงความสวยงามของภาพวาด แต่บันทึกแห่งความโศกเศร้าและความโศกเศร้าเริ่มดังขึ้นใน “การลงมาจากไม้กางเขน” ของเขาในเวลาต่อมา โดยเฉพาะอย่างยิ่งความรู้สึกนี้ในบูดาเปสต์และโดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาดของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ซึ่งเต็มไปด้วยความรู้สึกโศกเศร้าและความโศกเศร้าอย่างแท้จริง

ในช่วงต่อมาในผลงานบางชิ้นของ Veronese อารมณ์ในแง่ร้ายทะลุผ่านพลังที่ไม่คาดคิด นั่นคืออาศรมของเขา "คร่ำครวญถึงพระคริสต์" (ระหว่างปี 1576 ถึง 1582) อย่างสงบสุขและเงียบเสียง จริงอยู่ที่ท่าทางของทูตสวรรค์ที่โค้งงอเหนือพระคริสต์นั้นค่อนข้างแตกต่างไปจากความสง่างามที่แทบจะเป็นราชสำนัก แต่มีการรับรู้เกี่ยวกับภาพโดยรวมในลักษณะเดียวกับที่เรารับรู้ถึงการเคลื่อนไหวพันธุ์แท้ที่สง่างามที่ลื่นไถลโดยไม่ตั้งใจ ผ่าน - ท่าทางจากที่รักที่เพิ่งเอาชนะด้วยความเศร้าโศกอย่างจริงใจพ่ายแพ้ต่อโชคลาภ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Veronese ยังคงดำเนินการตามคำสั่งสำหรับงานพิธีการและงานรื่นเริงต่อไป ในปี 1574 จากเหตุเพลิงไหม้ครั้งใหญ่หลายครั้ง พื้นที่สำคัญภายในพระราชวัง Doge ก็ถูกไฟไหม้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งผลงานจิตรกรรมอันน่าทึ่งของเบลลินีทั้งสองก็สูญหายไป มีการสั่งซื้อวงจรใหม่และ Tintoretto และ Veronese มีส่วนร่วมในการนำไปปฏิบัติ ภาพหลังได้เสร็จสิ้นภาพวาดจำนวนหนึ่ง: “The Betrothal of St. Catherine”, “ชัยชนะของเวนิส” ในเชิงเปรียบเทียบ (ประมาณปี 1585; เวนิส, พระราชวัง Doge) ซึ่งอันที่จริงไม่ได้รับชัยชนะหรือชัยชนะอีกต่อไปแล้ว และ องค์ประกอบอื่นๆ ในลักษณะนี้ โดยธรรมชาติแล้วการประพันธ์เหล่านี้ขัดแย้งกับชีวิตอย่างมากจึงดำเนินการโดยปรมาจารย์ผู้สูงวัยและมีประสบการณ์มากขึ้นเรื่อย ๆ อย่างไม่แยแสด้วยมือที่ไม่แยแสมากขึ้น ตรงกันข้ามกับงานพิธีการเหล่านี้ "การคร่ำครวญของพระคริสต์" ที่กล่าวไปแล้ว "การตรึงกางเขน" ที่โศกเศร้าจากพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และบูดาเปสต์ และงานขาตั้งขนาดเล็กอื่นๆ ที่สร้างขึ้น "เพื่อตัวเอง" ซึ่งเต็มไปด้วยบทกวีเศร้าและความโศกเศร้า มีคุณค่ามากที่สุด ในงานบั้นปลายของพระศาสดาเมื่อครั้งนั้นหลงรักความปีติยินดีและความงดงามของการดำรงอยู่

ในหลาย ๆ ด้าน ศิลปะของจิตรกรชาวสลาฟที่มีพรสวรรค์อย่าง Dalmatian โดยกำเนิด Andrea Meldolla (Medulica) ชื่อเล่น Schiavone (1503/22-1563) ซึ่งแปลว่าชาวสลาฟ ได้เข้ามาสัมผัสกับความสนใจเชิงสร้างสรรค์ที่หลากหลายของ Tintoretto Schiavone ซึ่งเสียชีวิตตั้งแต่เนิ่นๆ ไม่มีเวลาเปิดเผยความสามารถของเขาอย่างเต็มที่ แต่ถึงกระนั้นการมีส่วนร่วมในการพัฒนาภาพวาดของชาวเวนิสก็ค่อนข้างชัดเจน

Schiavone ได้รับอิทธิพลบางอย่างจาก Parmigianino แต่จุดสนใจหลักของกิจกรรมของเขาถูกกำหนดโดยการติดตามศิลปะของ Titian ผู้ล่วงลับและอิทธิพลโดยตรงของ Tintoretto ที่มีต่อเขา ในช่วงแรก ศิลปะของ Schiavone มีความโดดเด่นด้วยอารมณ์อันงดงามในการแสดงฉากในตำนานที่ตีความประเภทต่างๆ (“Diana and Actaeon”; Oxford) ต่อมาการแต่งเพลงในตำนานของเขารวมถึงพระกิตติคุณ (เขาพูดถึงหัวข้อช่วงนี้ไม่บ่อยนัก) ก็มีตัวละครที่กระสับกระส่ายและน่าทึ่งมากขึ้น Schiavone ให้ความสนใจอย่างมากกับการพัฒนาสภาพแวดล้อมภูมิทัศน์ซึ่งเขาวางฮีโร่ในผลงานของเขาไว้ ความรู้สึกตื่นเต้นอย่างสมบูรณ์ของชีวิตองค์ประกอบของธรรมชาติที่ทรงพลังคือคุณภาพที่น่าทึ่งของผลงานของ Schiavone ที่เป็นผู้ใหญ่ (“ Jupiter และ Io”; Hermitage, “ Midas Judgement”; Venice Academy ฯลฯ ) เชียโวเนสามารถเปิดเผยตัวละครของมนุษย์และความรุนแรงอันน่าเศร้าของความขัดแย้งระหว่างพวกเขาโดยมีความลึกซึ้งและอำนาจในการสรุปน้อยกว่าทิเชียนหรือทินโทเร็ตโตผู้ล่วงลับไปแล้ว ด้วยความสนใจในปัญหาเหล่านี้ Schiavone ไม่สามารถปลดปล่อยตัวเองจากเทคนิคภายนอกในการแสดงภาพได้และในบางกรณีจากการเล่าเรื่องเชิงเปรียบเทียบที่มากเกินไป (ตัวอย่างเช่นอันมีค่าเชิงเปรียบเทียบ "ธรรมชาติเวลาและความตาย"; Venice Academy)

ความขัดแย้งที่น่าเศร้าที่ลึกซึ้งและแพร่หลายที่สุดในยุคนั้นแสดงออกมาในผลงานของ Jacopo Robusti ชื่อเล่น Tintoretto (1518-1594) Tintoretto มาจากแวดวงประชาธิปไตยในสังคมเวนิส เขาเป็นบุตรชายของคนย้อมผ้าไหม ดังนั้นชื่อเล่นของเขาคือ Tintoretto - ผู้ย้อม

แตกต่างจากทิเชียนและอาเรติโนชีวิตของลูกชายคนย้อมผ้าไหมมีความโดดเด่นด้วยความสุภาพเรียบร้อย Tintoretto อาศัยอยู่กับครอบครัวมาตลอดชีวิตในบ้านที่เรียบง่ายในย่านเล็กๆ ของเวนิส บน Fondamenta dei Mori ความเสียสละการไม่คำนึงถึงความสุขของชีวิตและการล่อลวงของความหรูหราเป็นคุณลักษณะเฉพาะของอาจารย์ บ่อยครั้งที่เขาพยายามอย่างเต็มที่เพื่อให้บรรลุถึงวิสัยทัศน์ที่สร้างสรรค์ของเขา เขามีค่าใช้จ่ายปานกลางมากจนเขาต้องดำเนินการจัดองค์ประกอบภาพขนาดใหญ่ให้เสร็จในราคาเพียงสีและผ้าใบเท่านั้น

ในเวลาเดียวกัน Tintoretto มีความโดดเด่นด้วยความสนใจแบบเห็นอกเห็นใจแบบเรอเนซองส์ล้วนๆ เขาเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มใกล้ชิดของตัวแทนที่ดีที่สุดของปัญญาชนชาวเวนิสในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย - นักวิทยาศาสตร์ นักดนตรี นักคิดทางสังคมขั้นสูง: Daniele Barbaro พี่น้อง Venier, Zarlino และคนอื่น ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Zarlino นักแต่งเพลงและวาทยากรมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับการเปลี่ยนผ่านของดนตรีไปสู่การประสานเสียงด้วยการสร้างจุดหักเหสองเท่ากับการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี ซึ่งสะท้อนถึงการประสานกันของความซับซ้อน เต็มไปด้วยพลวัตและการแสดงออกที่ไม่สงบ ของการวาดภาพโดย Tintoretto ผู้มีความสามารถทางดนตรีที่ไม่ธรรมดา

แม้ว่า Tintoretto จะศึกษาการวาดภาพกับ Bonifacio Veronese แต่เขายังมีประสบการณ์ที่ลึกซึ้งในด้านการสร้างสรรค์ของ Michelangelo และ Titian มากกว่ามาก

ศิลปะการพัฒนาที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันของตินโตเรตโตสามารถแบ่งคร่าวๆ ได้เป็น 3 ระยะ คือ ระยะแรก ซึ่งงานของเขายังคงเชื่อมโยงโดยตรงกับประเพณีของยุคเรอเนซองส์สูง ซึ่งครอบคลุมช่วงปลายสุดของทศวรรษที่ 1530 และเกือบตลอดทศวรรษที่ 1540 ในช่วงปี ค.ศ. 1550-1570 ในที่สุดภาษาศิลปะอันเป็นเอกลักษณ์ของ Tintoretto ในฐานะปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนปลายก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้นมาในที่สุด นี่เป็นช่วงที่สองของเขา สิบห้าปีสุดท้ายของการทำงานของอาจารย์เมื่อการรับรู้ชีวิตและภาษาศิลปะของเขาเข้าถึงพลังพิเศษและ พลังที่น่าเศร้าให้เป็นช่วงที่สามซึ่งเป็นช่วงสุดท้ายในการทำงานของเขา

งานศิลปะของ Tintoretto ก็เหมือนกับงานศิลปะของ Titian ที่มีความหลากหลายและสมบูรณ์อย่างผิดปกติ ซึ่งรวมถึงผลงานประพันธ์ขนาดใหญ่ในหัวข้อทางศาสนา และผลงานที่สามารถเรียกได้ว่าเป็นพื้นฐานสำหรับการก่อตัวของประเภทประวัติศาสตร์ในการวาดภาพ และ "บทกวี" ที่ยอดเยี่ยม และการเรียบเรียงในหัวข้อในตำนาน และภาพบุคคลจำนวนมาก

Tintoretto โดยเฉพาะอย่างยิ่งตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1550 มีลักษณะเด่นคือความปรารถนาที่จะแสดงประสบการณ์ภายในของเขาและการประเมินทางจริยธรรมของภาพที่เขารวบรวม ดังนั้นการแสดงออกทางอารมณ์อันเร่าร้อนของภาษาศิลปะของเขา

ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดสิ่งสำคัญซึ่งเป็นเนื้อหาพื้นฐานของภาพครอบงำในงานของเขาโดยคำนึงถึงผลประโยชน์ที่มีลักษณะทางเทคนิคและเป็นทางการอย่างเคร่งครัด ดังนั้นพู่กันของ Tintoretto จึงแทบจะไม่สามารถบรรลุถึงความยืดหยุ่นอันชาญฉลาดและความละเอียดอ่อนอันงดงามของภาษาศิลปะของ Veronese ได้ บ่อยครั้งที่ปรมาจารย์ทำงานอย่างดุเดือดและรีบด่วนเพื่อแสดงตัวตนสร้างภาพวาดที่เกือบจะประมาท "โดยประมาณ" ในการประหารชีวิต ในผลงานที่ดีที่สุดของเขา เนื้อหาทางจิตวิญญาณที่ผิดปกติในรูปแบบภาพของเขา แอนิเมชั่นที่หลงใหลในวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับโลกนำไปสู่การสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกที่ซึ่งความรู้สึกและความคิดที่สมบูรณ์สอดคล้องกับเทคนิคการวาดภาพที่ทรงพลังซึ่งเพียงพอกับความรู้สึกของศิลปิน และความตั้งใจ ผลงานของ Tintoretto เหล่านี้เป็นผลงานชิ้นเอกที่เชี่ยวชาญด้านภาษาการวาดภาพอย่างสมบูรณ์แบบเช่นเดียวกับการสร้างสรรค์ของ Veronese ในขณะเดียวกัน ความลึกซึ้งและพลังในการออกแบบของเขาทำให้ผลงานที่ดีที่สุดของเขาเข้าใกล้ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของทิเชียนมากขึ้น ความไม่เท่าเทียมกันในมรดกทางศิลปะของ Tintoretto ส่วนหนึ่งเนื่องมาจากข้อเท็จจริงที่ว่าปรมาจารย์ (แม้ว่าจะมีขอบเขตที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากชาวสเปน El Greco ร่วมสมัยที่อายุน้อยกว่าของเขา) ได้รวบรวมหนึ่งในลักษณะเฉพาะที่สุดของวัฒนธรรมทางศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายในงานของเขา ซึ่งเป็นทั้งด้านที่อ่อนแอและแข็งแกร่ง - นี่คือการเปิดเผยโดยตรงในงานศิลปะเกี่ยวกับทัศนคติส่วนตัวของศิลปินต่อโลกประสบการณ์ของเขา

ช่วงเวลาของการถ่ายทอดโดยตรงของประสบการณ์ส่วนตัว อารมณ์ทางอารมณ์ในลายมือ ในลักษณะของการประหารชีวิต อาจเป็นครั้งแรกที่สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในศิลปะของทิเชียนและมิเกลันเจโลผู้ล่วงลับ นั่นคือในช่วงเวลาที่พวกเขากลายเป็นผู้เชี่ยวชาญ ของยุคเรอเนซองส์ตอนปลาย ในช่วงเวลาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนปลายแรงกระตุ้นของศิลปินบางครั้งสับสนบางครั้งวิญญาณที่กระจ่างแจ้งจังหวะที่มีชีวิตในอารมณ์ของเขาไม่อยู่ภายใต้ภารกิจของการสะท้อนที่ชัดเจนอย่างกลมกลืนของทั้งหมดอีกต่อไป แต่ ในทางตรงกันข้ามพวกเขาจะสะท้อนให้เห็นโดยตรงในลักษณะของการประหารชีวิตโดยกำหนดมุมมองของปรากฏการณ์ที่ปรากฎหรือจินตนาการของชีวิต

ในบางกรณีสิ่งนี้อาจนำไปสู่การละทิ้งความรู้เกี่ยวกับโลก การดื่มด่ำกับ "ความเข้าใจ" ของจิตวิญญาณแบบอัตนัยดังที่เกิดขึ้นกับ El Greco ในกรณีอื่น ๆ มันนำไปสู่การเล่นศิลปะที่เย็นชาและความเห็นแก่ตัวด้วยรูปแบบเก๋ไก๋ที่มีมารยาท อยู่ภายใต้ความเด็ดขาดส่วนบุคคลหรือจินตนาการแบบสุ่ม - ในโรงเรียนแห่งกิริยาท่าทางของปาร์มา แต่ที่ซึ่งศิลปินถูกครอบงำด้วยความขัดแย้งอันน่าสลดใจครั้งใหญ่ในสมัยนั้น ซึ่งศิลปินพยายามอย่างกระตือรือร้นที่จะเรียนรู้ ประสบการณ์ และแสดงออกถึงจิตวิญญาณของยุคนั้น วัฒนธรรมด้านนี้ของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายได้ปรับปรุงการแสดงออกทางอารมณ์โดยตรงของศิลปะ ภาพลักษณ์ที่ให้ความรู้สึกตื่นเต้นเร้าใจด้วยความจริงใจของมนุษย์ ศิลปะด้านนี้ของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายพบว่ามีการแสดงออกที่สมบูรณ์เป็นพิเศษในผลงานของตินโตเร็ตโต

สิ่งใหม่ที่ Tintoretto นำมาสู่ศิลปะอิตาลีและศิลปะโลกไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการแสดงออกของความหลงใหลในการรับรู้โลกอย่างจริงใจและจริงใจ แต่แน่นอนว่ารวมอยู่ในช่วงเวลาอื่นที่สำคัญกว่า

Tintoretto เป็นศิลปินกลุ่มแรกในงานศิลปะในยุคนั้นที่สร้างภาพลักษณ์ของฝูงชนที่ได้รับความนิยม โดยถูกครอบงำด้วยแรงกระตุ้นทางอารมณ์เพียงประการเดียวหรือที่ขัดแย้งกันอย่างซับซ้อน แน่นอนว่า ก่อนหน้านี้ศิลปินยุคเรอเนซองส์ไม่เพียงพรรณนาถึงวีรบุรุษแต่ละคนเท่านั้น แต่ยังพรรณนาถึงกลุ่มคนทั้งหมดด้วย แต่ใน "School of Athens" ของราฟาเอล หรือ "The Last Supper" ของเลโอนาร์โด ไม่มีความรู้สึกว่ามวลมนุษย์เพียงกลุ่มเดียวเป็นกลุ่มที่มีส่วนสำคัญที่มีชีวิต มันเป็นกลุ่มของบุคคลที่มีอยู่อย่างอิสระซึ่งเข้าสู่ปฏิสัมพันธ์บางอย่าง ใน Tintoretto เป็นครั้งแรกที่ฝูงชนปรากฏตัวขึ้นซึ่งมีสภาพจิตใจที่เหมือนกันเป็นหนึ่งเดียวและซับซ้อนเคลื่อนไหวโยกเยกโพลีโฟนิก

ความขัดแย้งอันน่าสลดใจในการพัฒนาสังคมอิตาลีทำลายแนวคิดเรื่องมนุษยนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกี่ยวกับการครอบงำของคนที่สมบูรณ์แบบและสวยงามทั่วโลกรอบตัวเขาเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของวีรบุรุษที่มีความสุขอย่างมีความสุข ความขัดแย้งที่น่าเศร้าเหล่านี้สะท้อนให้เห็นในผลงานของ Tintoretto

ผลงานยุคแรกๆ ของ Tintoretto ยังไม่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณที่น่าเศร้านี้ การมองโลกในแง่ดีอันสนุกสนานของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงยังคงอยู่ในนั้น ถึงกระนั้นในงานแรก ๆ เช่น "The Last Supper" ในโบสถ์ Santa Marcuola ในเมืองเวนิส (1547) เรารู้สึกได้แล้วว่าความสนใจที่เพิ่มขึ้นในพลวัตของการเคลื่อนไหวในเอฟเฟกต์แสงที่ตัดกันอย่างคมชัดซึ่งดูเหมือนว่าจะทำนายต่อไป การพัฒนางานศิลปะของเขา งานช่วงแรกของ Tintoretto จบลงด้วยผลงานชิ้นใหญ่ของเขา "The Miracle of St. Mark" (1548; Venice Academy) นี่คือองค์ประกอบการตกแต่งและอนุสาวรีย์ที่มีขนาดใหญ่และตระการตา ชายหนุ่มคนหนึ่งที่นับถือศาสนาคริสต์ถูกคนต่างศาสนาถอดเสื้อผ้าและโยนลงบนทางเดิน ตามคำสั่งของผู้พิพากษาเขาถูกทรมาน แต่นักบุญมาร์กซึ่งบินลงมาจากสวรรค์อย่างรวดเร็วทำปาฏิหาริย์: ค้อนไม้และดาบทำลายร่างของผู้พลีชีพซึ่งได้รับความคงกระพันทางเวทย์มนตร์และกลุ่มผู้ประหารชีวิต และผู้ชมก็ก้มลงกราบด้วยความประหลาดใจอย่างหวาดกลัว การจัดองค์ประกอบเช่นเดียวกับยุคเรอเนซองส์ถูกสร้างขึ้นบนหลักการของการปิดที่ชัดเจน: การเคลื่อนไหวที่รุนแรงในศูนย์กลางจะถูกปิดด้วยการเคลื่อนไหวของร่างที่อยู่ในส่วนด้านขวาและด้านซ้ายซึ่งมุ่งไปที่กึ่งกลางของภาพ ปริมาตรของพวกเขาถูกจำลองแบบพลาสติกมาก การเคลื่อนไหวของพวกเขาเต็มไปด้วยการแสดงออกทางท่าทางที่สมบูรณ์แบบซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ร่างของหญิงสาวที่มีลูกอยู่ที่มุมซ้ายของภาพซึ่งนำเสนอในมุมมองที่เป็นตัวหนายังคงรักษาประเพณีของประเภทวีรบุรุษที่แปลกประหลาดซึ่งพบการแสดงออกในผลงานของทิเชียนในช่วงทศวรรษที่ 1520-1530 (“การนำมารีย์เข้าพระวิหาร”) อย่างไรก็ตามการบินอย่างรวดเร็ว - การล่มสลายของเซนต์มาร์กซึ่งพุ่งเข้ามาในองค์ประกอบของภาพจากด้านบนทำให้เกิดช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงที่ไม่ธรรมดาสร้างความรู้สึกของพื้นที่ขนาดใหญ่ที่อยู่นอกกรอบของภาพดังนั้นจึงคาดการณ์การรับรู้ของ เหตุการณ์นี้ไม่ใช่เหตุการณ์โดยรวมแบบปิด แต่เป็นหนึ่งในการระเบิดของกระแสเวลาและอวกาศที่เคลื่อนไหวตลอดเวลา ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะในยุคเรอเนซองส์ตอนปลาย

แนวคิดเดียวกันนี้ยังรู้สึกได้ในภาพวาดก่อนหน้านี้ของ Tintoretto เรื่อง "The Procession of Saint Ursula" ซึ่งขบวนแห่ที่ไหลอย่างสงบที่เคลื่อนตัวจากส่วนลึกถูกรุกรานโดยทูตสวรรค์ที่บินอย่างรวดเร็วจากนอกภาพ และบันทึกใหม่ยังปรากฏในการตีความธีมในตำนานดั้งเดิมของ Tintoretto นั่นคือการเทียบเคียงกันของความงามในวัยเยาว์ของดาวศุกร์ที่เปลือยเปล่า ทารกกามเทพที่กำลังหลับในเปลอย่างสงบ และการเคลื่อนไหวเชิงมุมของชายชราวัลแคนที่ถูกครอบงำด้วยความยั่วยวน (Venus and Vulcan, 1545-1547; Munich) เต็มไปด้วยความแตกต่างอันน่าทึ่ง .

ในช่วงทศวรรษที่ 1550 ในที่สุดคุณสมบัติของสิ่งใหม่ในผลงานของ Tintoretto ก็ได้รับชัยชนะเหนือแผนการเก่าที่ล้าสมัยไปแล้ว หนึ่งในที่สุด ลักษณะงานคราวนี้เป็น “การเสด็จมาของพระแม่มารีในพระวิหาร” ของพระองค์ (ประมาณปี ค.ศ. 1555 เมืองเวนิส โบสถ์ซานตามาเรียเดลออร์โต) ซึ่งแตกต่างไปจาก “การเสด็จเข้าพระวิหาร” ของทิเชียนที่เคร่งขรึมเหมือนผ้าสักหลาด บันไดสูงชันที่ทอดจากผู้ชมไปสู่ส่วนลึกของภาพนำไปสู่ห้องโถงของวัด ร่างของแต่ละคนกระจัดกระจายไปทั่วในมุมมองแนวทแยง เอาชนะด้วยความตื่นเต้นไม่หยุดยั้ง ที่ด้านบนสุดของบันได โดยมีพื้นหลังเป็นท้องฟ้าอันเงียบสงบ มีนักบวชสูงวัยผู้เคร่งครัดและเคร่งครัดรายล้อมไปด้วยคนรับใช้ ร่างที่เปราะบางของแมรี่กำลังเคลื่อนตัวเข้าหาเขาอย่างรวดเร็ว โดยปีนขึ้นบันไดขั้นสุดท้าย ความรู้สึกถึงความใหญ่โตของโลก, พลวัตอย่างรวดเร็วของอวกาศ, การแทรกซึมของผู้คนที่เข้าร่วมในการกระทำด้วยการเคลื่อนไหวที่เร้าใจและสั่นสะเทือนอย่างรวดเร็วทำให้องค์ประกอบทั้งหมดมีความตื่นเต้นเป็นพิเศษและมีความสำคัญเป็นพิเศษ

ใน "The Rape of the Body of St. Mark" (1562-1566; Venice Academy) คุณลักษณะอีกประการหนึ่งของผลงานของ Tintoretto ในยุคผู้ใหญ่มีความชัดเจนเป็นพิเศษ ในช่วงเวลาของการลักพาตัวร่างของนักบุญโดยชาวเวนิสผู้เคร่งศาสนา พายุก็พัดออกจากอเล็กซานเดรียซึ่งเป็นของ "พวกนอกศาสนา" ส่งผลให้ชาวอเล็กซานเดรียนที่สิ้นหวังต้องหลบหนี พลังที่น่าเกรงขามขององค์ประกอบต่างๆ การส่องสว่างอย่างไม่หยุดยั้งของภาพด้วยแสงแฟลช การดิ้นรนระหว่างแสงสว่างและความมืดของท้องฟ้าที่มีเมฆมากและมีพายุทำให้ธรรมชาติกลายเป็นผู้สมรู้ร่วมคิดที่ทรงพลังของเหตุการณ์ ช่วยเพิ่มอารมณ์ดราม่าโดยรวมของภาพ

ใน The Last Supper ในโบสถ์ San Trovaso นั้น Tintoretto ได้ฝ่าฝืนลำดับชั้นของตัวละครที่ชัดเจนและเรียบง่ายอย่างเด็ดขาด เช่น The School of Athens ของ Raphael หรือ The Last Supper ของ Leonardo ผู้ชมไม่ได้นำเสนอตัวเลขเหล่านี้ แต่ดูเหมือนว่าจะถูกแย่งชิงไปจากพื้นที่ของสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติ โต๊ะสี่เหลี่ยมที่พระคริสต์และอัครสาวกนั่งอยู่ที่ชั้นใต้ดินของโรงเตี๊ยมเก่าแสดงให้เห็นในมุมมองแนวทแยงที่คมชัด บรรยากาศที่ล้อมรอบอัครสาวกเป็นสถานที่ที่พบได้บ่อยที่สุดในโรงเตี๊ยมของคนทั่วไป เก้าอี้ถักฟาง, เก้าอี้ไม้, บันไดที่นำไปสู่ชั้นถัดไปของโรงเตี๊ยม, แสงไฟสลัวของห้องที่น่าสงสาร - ทั้งหมดนี้ดูเหมือนจะถูกพรากไปจากชีวิต ดูเหมือนว่า Tintoretto กำลังกลับมาสู่การเล่าเรื่องที่ไร้เดียงสาของศิลปะ Quattrocentist โดยพรรณนาตัวละครของเขาด้วยความรักโดยมีฉากหลังเป็นถนนหรือการตกแต่งภายในแบบร่วมสมัย

แต่ก็มีความแตกต่างที่สำคัญเช่นกัน ประการแรกตั้งแต่สมัยจอร์โจเน ชาวเวนิสวางร่างของตนไว้ในสภาพแวดล้อมโดยตรง ไม่ใช่กับพื้นหลังของห้อง แต่อยู่ในห้อง Tintoretto ไม่สนใจกับการพรรณนาถึงสิ่งของในชีวิตประจำวันอันเป็นที่รักและเป็นที่รักของ Quattrocentist เขาต้องการถ่ายทอดบรรยากาศของสภาพแวดล้อมจริงให้เป็นฉากแอ็กชั่นที่แสดงออกอย่างมีเอกลักษณ์สำหรับฮีโร่ ยิ่งไปกว่านั้น ซึ่งเป็นเรื่องปกติของความรู้สึกประชาธิปไตยแบบพอใจของเขา เขาได้เน้นย้ำถึงคนทั่วไปในสภาพแวดล้อมที่ลูกชายของช่างไม้และลูกศิษย์ของเขาทำงานอยู่

Tintoretto มุ่งมั่นเพื่อความสมบูรณ์ขององค์ประกอบซึ่งเป็นธรรมชาติสำหรับงานศิลปะที่สมบูรณ์ แต่เมื่อเปรียบเทียบกับปรมาจารย์ในขั้นตอนที่แล้ว เขาตระหนักดีถึงความซับซ้อนของชีวิต ที่ซึ่งสิ่งสำคัญที่ยิ่งใหญ่ไม่เคยปรากฏอยู่ในนั้น รูปแบบบริสุทธิ์

ดังนั้นการพรรณนาถึงช่วงเวลาหนึ่งซึ่งเต็มไปด้วยความสำคัญภายในของการไหลเวียนของชีวิต Tintoretto จึงอิ่มตัวด้วยแรงจูงใจที่หลากหลายและขัดแย้งภายนอก: พระคริสต์ตรัสคำพูดของเขาว่า "หนึ่งในพวกคุณจะทรยศฉัน" ในช่วงเวลาที่เพื่อนร่วมโต๊ะของเขายุ่งอยู่กับเรื่องกว้าง ๆ การกระทำที่หลากหลาย หนึ่งในนั้นถือถ้วยในมือซ้าย เอื้อมมือขวาไปหยิบไวน์ขวดใหญ่ที่ยืนอยู่บนพื้น อีกคนหนึ่งโน้มตัวลงบนจานอาหาร คนรับใช้ถือจานอยู่เลยกรอบรูปไปครึ่งทางแล้ว ผู้หญิงคนหนึ่งนั่งอยู่บนบันไดโดยไม่สนใจสิ่งที่เกิดขึ้นกำลังยุ่งอยู่กับการหมุน มันเป็นช่วงเวลาที่ผู้คนถูกเบี่ยงเบนความสนใจจากกิจกรรมที่หลากหลายเช่นนี้จนคำพูดของครูทำให้ทุกคนประทับใจ พวกเขาทั้งหมดรวมกันเป็นหนึ่งด้วยปฏิกิริยารุนแรงต่อสิ่งเหล่านี้ คำพูดที่น่ากลัว. ผู้ที่ไม่ยุ่งกับสิ่งใดก็สามารถตอบสนองต่อพวกเขาได้หลายวิธี คนหนึ่งเอนหลังด้วยความประหลาดใจ คนที่สองยกมือขึ้นอย่างขุ่นเคือง คนที่สามเอามือกุมหัวใจอย่างคร่ำครวญ และโค้งคำนับต่อครูที่รักของเขาอย่างตื่นเต้น นักเรียนที่ถูกฟุ้งซ่านจากกิจกรรมประจำวันของพวกเขาดูเหมือนจะหยุดนิ่งด้วยความสับสนชั่วขณะ มือยื่นออกไปที่ขวดที่แขวนอยู่ และไม่ยอมลุกไปเทเหล้าองุ่นอีกต่อไป คนที่ก้มทับจานจะไม่สามารถถอดฝาออกได้อีกต่อไป พวกเขายังถูกจับกุมด้วยความประหลาดใจอย่างขุ่นเคือง ด้วยวิธีนี้ Tintoretto พยายามถ่ายทอดความหลากหลายที่ซับซ้อนในชีวิตประจำวันไปพร้อมๆ กัน ชีวิตประจำวันและอารมณ์และความหลงใหลที่พลุ่งพล่านในทันทีทันใด ซึ่งรวมกลุ่มคนที่ดูแตกต่างกันนี้ให้กลายเป็นหนึ่งเดียว

ในช่วงปี ค.ศ. 1550-1560 Tintoretto ไม่เพียงสร้างผลงานที่มองเห็นความวุ่นวายอันน่าสลดใจในยุคนั้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชุดภาพวาดที่เต็มไปด้วยความปรารถนาที่จะหลบหนีจากความขัดแย้งของความเป็นจริงสู่โลกแห่งเทพนิยายบทกวีสู่โลกแห่งความฝัน แต่ถึงแม้ในตัวพวกเขา ความรู้สึกที่เฉียบแหลมของความแตกต่างและความไม่มั่นคงของการดำรงอยู่ที่เปลี่ยนแปลงได้ แม้ว่าจะเปลี่ยนเป็นรูปแบบที่เยี่ยมยอดและเป็นบทกวี แต่ก็ยังทำให้ตัวเองรู้สึกได้

ดังนั้นในเรื่องราวของฝรั่งเศสศตวรรษที่ 13 ที่เขียนบนบรรทัดฐาน ในภาพวาด "The Rescue of Arsinoe" ศิลปินสร้างขึ้นซึ่งดูเหมือนจะเป็นประเพณีของการวาดภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา "บทกวี" เรื่องราวที่มีเสน่ห์เกี่ยวกับการที่อัศวินและชายหนุ่มล่องเรือกอนโดลาไปที่เชิงหอคอยปราสาทที่มืดมนที่ตั้งตระหง่านอยู่ ออกจากทะเล ช่วยสาวงามสองคนที่ถูกล่ามโซ่ไว้ นี่คือบทกวีที่ยอดเยี่ยมที่นำบุคคลเข้าสู่โลกแห่งนิยายบทกวีจากความไม่มั่นคงในชีวิตจริงที่กระสับกระส่ายและไม่มั่นคง แต่ด้วยความฉุนเฉียวที่ปรมาจารย์วางเคียงคู่กับเกราะโลหะเย็นของอัศวิน โดยสัมผัสกับความอ่อนโยนอันอ่อนโยนของร่างกายผู้หญิง และการค้ำจุนที่ไม่มั่นคงและไม่มั่นคงเพียงใด - เรือเบาที่โยกไปบนคลื่นของทะเลที่ไม่แน่นอน

หนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดจากซีรีส์ "กวีนิพนธ์" คือ "ซูซานนา" ซึ่งอุทิศอย่างเป็นทางการให้กับตำนานในพระคัมภีร์จากแกลเลอรีเวียนนา (ประมาณปี 1560) ความมหัศจรรย์อันน่าหลงใหลขององค์ประกอบนี้ไม่อาจต้านทานได้ ประการแรก นี่คือหนึ่งในภาพวาดที่ไม่มีร่องรอยของความเร่งรีบ ซึ่งมักเป็นลักษณะเฉพาะของ Tintoretto มันถูกลงสีด้วยแปรงอัจฉริยะที่บางและแม่นยำ บรรยากาศทั้งหมดของภาพเต็มไปด้วยความเย็นสบายสีเงินอมฟ้าที่ละเอียดอ่อนเป็นพิเศษ ให้ความรู้สึกสดชื่นและเย็นสบายเล็กน้อย ซูซานนาเพิ่งออกจากอ่างอาบน้ำ ขาซ้ายของเธอยังคงจมอยู่ในน้ำเย็น ร่างกายที่เปล่งประกายถูกปกคลุมไปด้วยเงาสีฟ้าอ่อน ดูเหมือนทั้งหมดจะเปล่งประกายจากภายใน แสงเรืองรองของร่างกายอันเขียวชอุ่มและยืดหยุ่นของเธอนั้นตัดกับพื้นผิวที่หนืดกว่าของผ้าเช็ดตัวสีเขียวอมฟ้าที่ยับยู่ยี่ในเงามืด

เบื้องหน้าเธอในโครงบังตาที่เป็นช่องสีเขียวมะกอกเข้ม มีดอกกุหลาบเรืองแสงสีชมพูอมม่วง พื้นหลังมีแถบสีเงินของลำธารและด้านหลังทาสีด้วยแสงพิสตาชิโอโทนสีเทาเล็กน้อยทำให้ลำต้นบางของต้นป็อปลาร์ขนาดเล็กลุกขึ้น สีเงินของต้นป็อปลาร์ ความเปล่งประกายอันเยือกเย็นของดอกกุหลาบ แสงระยิบระยับของผืนน้ำอันเงียบสงบในสระน้ำและลำธาร ดูเหมือนจะสื่อถึงความเปล่งประกายของร่างกายที่เปลือยเปล่าของซูซานนา และเริ่มจากพื้นหลังสีน้ำตาลมะกอกของเงาและดิน เนรมิตบรรยากาศสีเงิน เย็นสบาย และแวววาวอันนุ่มนวลที่ปกคลุมทั่วทั้งภาพ

ซูซานนามองเข้าไปในกระจกที่วางอยู่บนพื้นต่อหน้าเธอ และชื่นชมเงาสะท้อนของเธอ เราไม่เห็นเขา บนพื้นผิวมุกที่สั่นไหวของกระจกที่วางเป็นมุมเข้าหาผู้ชม มีเพียงหมุดสีทองและปลายลูกไม้ของผ้าเช็ดตัวที่เธอใช้เช็ดเท้าเท่านั้นที่สะท้อนให้เห็น แต่นี่ก็เพียงพอแล้ว - ผู้ชมคาดเดาสิ่งที่เขาไม่เห็นตามด้วยการจ้องมองไปยังทิศทางของการจ้องมองของซูซานนาผมสีทองประหลาดใจเล็กน้อยกับความงามของเธอเอง

องค์ประกอบ“ ต้นกำเนิดของทางช้างเผือก” (ลอนดอน) สร้างขึ้นในปี 1570 ยังมีความงดงามในการวาดภาพมีชีวิตชีวาและสดใสอย่างตื่นเต้น ตามตำนานโบราณ ดาวพฤหัสบดีต้องการให้รางวัลลูกของเขาที่เกิดจากหญิงมรรตัยด้วยความเป็นอมตะสั่ง ให้กดลงบนหน้าอกของจูโน เพื่อว่าเมื่อดื่มนมของเทพธิดาแล้ว ตัวเขาเองก็จะเป็นอมตะ จากน้ำนมที่สาดกระเซ็น จูโนประหลาดใจและถอยกลับด้วยความกลัว ทำให้เกิดทางช้างเผือกล้อมรอบท้องฟ้า องค์ประกอบที่เต็มไปด้วยความกังวลใจกระสับกระส่าย สร้างขึ้นจากความแตกต่างระหว่างทาสของดาวพฤหัสบดีที่บุกเข้ามาอย่างรวดเร็วจากส่วนลึกของอวกาศ และตัวเรือนมุกอันเขียวชอุ่มอ่อนโยนของเทพธิดาเปลือยเอนกายกลับไปด้วยความประหลาดใจ ความแตกต่างระหว่างการหลบหนีอันเฉียบคมของสาวใช้และความอ่อนโยนของการเคลื่อนไหวของเทพธิดาที่สวยงามนั้นเต็มไปด้วยความฉุนเฉียวและมีเสน่ห์ที่ไม่ธรรมดา

แต่ความฝันอันแสนหวานของ "บทกวี" เหล่านี้เป็นเพียงแง่มุมเดียวในงานของปรมาจารย์ สิ่งที่น่าสมเพชหลักอยู่ที่อื่น การเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของมวลมนุษย์ที่เติมเต็มโลกอันกว้างใหญ่ดึงดูดความสนใจของศิลปินมากขึ้นเรื่อย ๆ

ภาพประกอบหน้า 280-281

ความขัดแย้งอันน่าสลดใจของเวลา ความเศร้าโศกและความทุกข์ทรมานของผู้คนแสดงออกมาด้วยพลังพิเศษ แม้ว่าในรูปแบบทางอ้อมตามแบบฉบับของยุคนั้นใน "การตรึงกางเขน" (1565) ที่สร้างขึ้นสำหรับ scuola di San Rocco และลักษณะเฉพาะ ของช่วงที่สองของงานของ Tintoretto ภาพวาดนี้เต็มผนังห้องสี่เหลี่ยมขนาดใหญ่ (ที่เรียกว่าอัลเบอร์โต) ซึ่งอยู่ติดกับห้องโถงด้านบนขนาดใหญ่ องค์ประกอบนี้ซึ่งไม่เพียงแต่ครอบคลุมฉากการตรึงกางเขนของพระคริสต์และโจรทั้งสองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเหล่าสาวกที่เกาะอยู่บนไม้กางเขนและฝูงชนของผู้คนที่อยู่รอบ ๆ พวกเขา มันให้ความรู้สึกที่เกือบจะพาโนรามาเนื่องจากมุมมองที่มอง เนื่องจากแสงที่ส่องผ่านหน้าต่างของผนังทั้งสองข้างดูเหมือนจะขยายทั้งห้องในความกว้าง การที่กระแสแสงสองสายมาบรรจบกันซึ่งเปลี่ยนเมื่อดวงอาทิตย์เคลื่อนตัว ทำให้ภาพดูมีชีวิตชีวาด้วยสีสันต่างๆ ที่ตอนนี้ริบหรี่แล้ว วูบวาบขึ้น และดับลงแล้ว องค์ประกอบนั้นจะไม่ปรากฏต่อหน้าผู้ชมทันทีโดยสมบูรณ์ เมื่อผู้ชมอยู่ในห้องโถงขนาดใหญ่ ในตอนแรกมีเพียงตีนไม้กางเขนและกลุ่มสาวกของผู้ที่ถูกตรึงกางเขนเท่านั้นที่มองเห็นได้ในช่องว่างของประตู บางคนกราบไหว้แม่ที่โศกเศร้าด้วยความห่วงใยและโศกเศร้า คนอื่นๆ หันไปมองครูที่ถูกประหารชีวิตด้วยความสิ้นหวังอย่างหลงใหล พระองค์ซึ่งถูกตรึงไว้สูงเหนือผู้คนด้วยไม้กางเขนนั้นยังไม่ปรากฏให้เห็น กลุ่มนี้สร้างองค์ประกอบที่สมบูรณ์ในตัวเอง โดยถูกจำกัดไว้อย่างชัดเจนด้วยกรอบประตู

แต่การเพ่งมองของยอห์นและก้านไม้กางเขนที่เพิ่มขึ้นบ่งบอกว่านี่เป็นเพียงส่วนหนึ่งขององค์ประกอบที่กว้างและครอบคลุมมากขึ้นเท่านั้น ผู้ชมเข้าใกล้ประตู และเขาก็มองเห็นพระคริสต์ที่เหนื่อยล้าจากความทุกข์ทรมาน เป็นชายที่สวยงามและแข็งแกร่ง ด้วยความโศกเศร้าอันอ่อนโยนก้มหน้าลงต่อครอบครัวและเพื่อนๆ ของเขา อีกขั้นหนึ่ง - และต่อหน้าผู้ชมที่เข้ามาในห้อง ภาพใหญ่ก็แผ่ขยายออกไป เต็มไปด้วยผู้คนจำนวนมาก สับสน อยากรู้อยากเห็น มีชัยชนะ และมีความเห็นอกเห็นใจ ท่ามกลางทะเลแห่งผู้คนที่ปั่นป่วนนี้ กลุ่มคนโดดเดี่ยวเกาะติดอยู่ที่เชิงไม้กางเขน

พระคริสต์ถูกรายล้อมไปด้วยแสงสีอันเจิดจ้าอย่างไม่อาจอธิบายได้ โดยมีแสงเรืองแสงตัดกับพื้นหลังของท้องฟ้าที่มืดมน แขนที่เหยียดออกของเขาถูกตอกตะปูเข้ากับคานประตู ดูเหมือนจะโอบกอดโลกที่วุ่นวายและอึกทึกใบนี้ไว้ด้วยการโอบกอดที่กว้าง ให้ศีลให้พร และการให้อภัย

“การตรึงกางเขน” มีจริง ทั้งโลก. มันไม่สามารถหมดไปในคำอธิบายเดียว เช่นเดียวกับในชีวิต ทุกสิ่งในชีวิตเป็นสิ่งที่คาดไม่ถึงและในขณะเดียวกันก็จำเป็นและสำคัญเช่นกัน การสร้างแบบจำลองตัวละครพลาสติกยุคเรอเนซองส์และการมีญาณทิพย์ที่ลึกซึ้งของจิตวิญญาณมนุษย์ก็น่าทึ่งเช่นกัน ด้วยความจริงอันโหดร้าย ศิลปินปั้นรูปผู้บัญชาการมีหนวดมีเคราบนหลังม้า มองการประหารชีวิตด้วยความเย่อหยิ่งอย่างเย่อหยิ่ง และชายชราก้มลงเหนือแมรี่ที่เหนื่อยล้าด้วยความอ่อนโยนอย่างโศกเศร้า และจอห์นหนุ่ม ด้วยความปีติยินดีอย่างโศกเศร้า หันมองเขา ถึงอาจารย์ที่กำลังจะตายของเขา

องค์ประกอบของ "การตรึงกางเขน" เสริมด้วยแผงสองแผ่นที่วางอยู่บนผนังด้านตรงข้ามที่ด้านข้างของประตู - "พระคริสต์ต่อหน้าปีลาต" และ "การแบกไม้กางเขน" ซึ่งรวบรวมขั้นตอนหลักของ "ความหลงใหลในพระคริสต์" เมื่อนำมารวมกัน ผลงานทั้ง 3 ชิ้นนี้รวมกันเป็นชุดที่สมบูรณ์ทั้งองค์ประกอบและเชิงเปรียบเทียบ

ความสนใจในวัฏจักรที่ยิ่งใหญ่เป็นคุณลักษณะเฉพาะของ Tintoretto ที่เป็นผู้ใหญ่และตอนปลายซึ่งมุ่งมั่นอย่างแม่นยำในการเปลี่ยนแปลงภาพที่ "โพลีโฟนิก" ที่สะท้อนและตัดกันระหว่างกันเพื่อถ่ายทอดความคิดของเขาเกี่ยวกับพลังธาตุและพลวัตที่ซับซ้อนของการดำรงอยู่ พวกเขาได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดอย่างแม่นยำในกลุ่ม Scuola di San Rocco ขนาดยักษ์ที่ไม่เคยมีมาก่อนสำหรับการวาดภาพสีน้ำมันประกอบด้วยผืนผ้าใบและโป๊ะหลายโหลด้านหลังขนาดใหญ่ด้านบน (ค.ศ. 1576-1581) และด้านล่าง (1583-1587) หนึ่งในนั้นคือ “The Last Supper” ที่เต็มไปด้วยดราม่าอย่างรวดเร็ว เปี่ยมไปด้วยความฝันอันงดงามและสัมผัสอันละเอียดอ่อนของการผสานจิตวิญญาณมนุษย์เข้ากับโลกธรรมชาติ “Mary of Egypt in the Desert” (ห้องโถงล่าง); เต็มไปด้วยความตึงเครียดและความวิตกกังวลที่ซ่อนอยู่ “การล่อลวงของพระคริสต์”; “โมเสสตัดน้ำออกจากหิน” ที่น่าเกรงขามอย่างน่าเกรงขาม แสดงให้เห็นการต่อสู้อันดุเดือดของไททันด้วยพลังธาตุที่มีลักษณะเป็นศัตรู

ในงานบางชิ้นของวงจร San Rocco พื้นฐานพื้นบ้านของงานของ Tintoretto มีความชัดเจนเป็นพิเศษ นี่คือ "ความรักของผู้เลี้ยงแกะ" ของพระองค์ การตกแต่งโรงนาสองชั้นตามแบบฉบับของฟาร์มชาวนาบน Terrafarm นั้นเป็นเรื่องปกติที่พรากไปจากชีวิต (บนพื้นของชั้นบนซึ่งเป็นที่เก็บหญ้าแห้งสำหรับปศุสัตว์ Mary และลูกของเธอได้รับการปกป้อง) ในเวลาเดียวกัน แสงที่แปลกตาและการเคลื่อนไหวอันน่าตื่นเต้นของคนเลี้ยงแกะที่นำของขวัญเล็กๆ น้อยๆ มามอบเปลี่ยนฉากนี้และเผยให้เห็นถึงความสำคัญภายในของงานนี้

การดึงดูดให้วาดภาพคนจำนวนมากในฐานะตัวละครหลักของงานนั้นเป็นเรื่องปกติของผลงานอื่นๆ จำนวนหนึ่งของ Tintoretto ในช่วงสุดท้าย

ดังนั้นในช่วงสุดท้ายของการทำงาน เขาจึงสร้างภาพวาดประวัติศาสตร์ชิ้นแรกๆ สำหรับพระราชวังดอจและเวนิสในความหมายที่เหมาะสม - "การต่อสู้แห่งรุ่งอรุณ" (ราวปี 1585) บนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่เต็มผนังทั้งหมด Tintoretto พรรณนาถึงฝูงชนที่กำลังต่อสู้อย่างบ้าคลั่ง อย่างไรก็ตาม ใน "The Battle of Dawn" Tintoretto ไม่ได้พยายามที่จะให้แผนที่แนวนอนของการต่อสู้ อย่างที่ปรมาจารย์ในศตวรรษที่ 17 บางครั้งทำในภายหลัง เขากังวลกับการถ่ายทอดจังหวะการต่อสู้ที่หลากหลายมากกว่า ภาพสลับกันระหว่างกลุ่มนักธนูขว้างลูกธนู จากนั้นทหารม้าก็ปะทะกันในสนามรบ จากนั้นกลุ่มทหารราบก็ค่อย ๆ เคลื่อนตัวเข้าโจมตี จากนั้นกลุ่มทหารปืนใหญ่ก็พยายามลากปืนใหญ่หนัก ธงสีแดงและสีทองที่วาบวับ เมฆควันดินปืนที่หนาทึบ ลูกธนูที่พุ่งอย่างรวดเร็ว แสงและเงาที่ริบหรี่บ่งบอกถึงความสว่างอันน่าทึ่งและความซับซ้อนของเสียงคำรามของการต่อสู้ที่กำลังดำเนินอยู่ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Tintoretto ตกหลุมรัก Surikov ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในการวาดภาพชีวิตพื้นบ้านซึ่งเป็นกลุ่มมนุษย์ที่ซับซ้อนและหลากหลายแง่มุม

“สวรรค์” ของเขา (หลังปี 1588) ก็เป็นของยุคต่อมาเช่นกันซึ่งเป็นองค์ประกอบขนาดใหญ่ที่ครอบครองผนังส่วนท้ายทั้งหมดของห้องโถงใหญ่อันยิ่งใหญ่ของวัง Doge ภาพถูกลงรายละเอียดค่อนข้างไม่ระมัดระวังและมืดมนไปตามกาลเวลา ความคิดเกี่ยวกับลักษณะภาพดั้งเดิมขององค์ประกอบนี้สามารถกำหนดได้จากภาพร่างขนาดใหญ่ที่จัดเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

แน่นอนว่า “Paradise” และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง “The Battle of Dawn” โดย Tintoretto ไม่ได้ขัดแย้งอย่างเป็นทางการกับวงดนตรีที่เฉลิมฉลองอย่างน่าประทับใจของ Doge’s Palace โดยเชิดชูพลังอันยิ่งใหญ่ของขุนนางเวนิสซึ่งกำลังจะเสื่อมถอยลงแล้ว ถึงกระนั้น รูปภาพ ความรู้สึก และความคิดที่พวกเขาปลุกเร้านั้นกว้างกว่าคำขอโทษต่อความยิ่งใหญ่ที่ค่อยๆ หายไปของอำนาจเวนิส และโดยพื้นฐานแล้วตื้นตันใจกับความรู้สึกถึงความสำคัญที่ซับซ้อนของชีวิตและประสบการณ์ หากไม่ใช่ ประชาชนในความเข้าใจของเรา แล้วฝูงชน มวลชน

เช่นเดียวกับแสงสุดท้ายที่ส่องสว่างของตะเกียงที่กำลังจะตาย ของขวัญของอาจารย์ที่ยืนอยู่ในตอนท้ายของการเดินทางอันยาวนานของเขาถูกเปิดเผยใน The Gathering of Manna และ The Last Supper ในโบสถ์ San Giorgio Maggiore (1594)

ผลงานชิ้นสุดท้ายของเขาโดดเด่นด้วยบรรยากาศที่ซับซ้อนของความรู้สึกตื่นเต้น ความโศกเศร้า และการคิดอย่างลึกซึ้ง การปะทะที่รุนแรงอย่างน่าทึ่ง การเคลื่อนไหวที่รุนแรงของฝูงชน การระเบิดที่รุนแรงของความหลงใหลอันแรงกล้า - ทุกสิ่งปรากฏที่นี่ในรูปลักษณ์ที่นุ่มนวลและกระจ่างแจ้ง

ในเวลาเดียวกัน การเคลื่อนไหวภายนอกที่ค่อนข้างควบคุมของอัครสาวกที่ติดต่อกับพระคริสต์นั้นเต็มไปด้วยพลังทางวิญญาณภายในที่รวมศูนย์มหาศาล แม้ว่าพวกเขาจะนั่งอยู่ที่โต๊ะที่ขยายออกไปในแนวทแยงมุมจนถึงส่วนลึกของห้องต่ำที่ยาว และเบื้องหน้าแสดงให้เห็นร่างของคนรับใช้และสาวใช้ที่เคลื่อนไหวอย่างกระตือรือร้น อัครสาวกนี่แหละที่ดึงดูดความสนใจของผู้ชม แสงสว่างที่ค่อยๆ เติบโต กระจายความมืดมิด ท่วมพระคริสต์และเหล่าสาวกของพระองค์ด้วยความเปล่งประกายอันมหัศจรรย์ของเรืองแสง เป็นแสงสว่างนี้เองที่เน้นพวกเขาและมุ่งความสนใจของเราไปที่พวกเขา

ซิมโฟนีที่กะพริบของแสงสร้างความรู้สึกมหัศจรรย์ เปลี่ยนเหตุการณ์ที่เรียบง่ายและดูธรรมดาให้กลายเป็นปาฏิหาริย์ที่เผยให้เห็นการสื่อสารทางจิตวิญญาณที่น่าตื่นเต้นของคนกลุ่มเล็ก ๆ เพื่อนแท้เพื่อน ครู และความคิดดีๆ กระแสแสงอันเจิดจ้าเล็ดลอดออกมาจากโคมไฟทองแดงขนาดเล็กที่ห้อยลงมาจากเพดาน เมฆไอระเหยของแสงที่หมุนวนควบแน่นกลายเป็นภาพเทวดาที่น่ากลัวและหลุดออกมา แสงแปลก ๆ อันน่าทึ่งแล่นผ่านพื้นผิวของการกะพริบซึ่งเป็นวัตถุธรรมดาของการตกแต่งห้องที่เรียบง่าย สว่างขึ้นด้วยแสงสีอันเงียบสงบ

ใน "Collecting Manna" แสงสีเงินอมเขียวที่ส่องประกายอ่อนโยนล้อมรอบระยะทางที่สดใส ค่อยๆ เลื้อยไปทั่วร่างกายและเสื้อผ้าของร่างที่อยู่เบื้องหน้าและตรงกลาง ราวกับเผยให้เห็นความงามและบทกวีของผู้คนที่ทำงานธรรมดาสามัญ: เครื่องปั่นด้ายที่เครื่องจักร ช่างตีเหล็ก หญิงซักล้างผ้าลินิน ชาวนากำลังขับล่อ และที่ไหนสักแห่งที่ด้านข้าง มีผู้หญิงหลายคนกำลังรวบรวมเม็ดมานา ไม่ แต่มานากำลังตกลงมาจากสวรรค์เพื่อเลี้ยงอาหารผู้คน ปาฏิหาริย์อยู่ที่อื่น ในบทกวีของงานที่ได้รับการชำระให้บริสุทธิ์ด้วยความงดงามทางศีลธรรม

ในงานอำลาของอัจฉริยะผู้รู้แจ้งเหล่านี้ Tintoretto อาจมีความใกล้ชิดกับปรมาจารย์ทุกคนแห่งศตวรรษที่ 16 มากที่สุด เข้าใกล้ Rembrandt ความรู้สึกของบทกวีที่ลึกซึ้งและความสำคัญของโลกแห่งศีลธรรมของคนธรรมดา แต่ที่นี่เองที่ความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างศิลปะของ Tintoretto และสัจนิยมที่ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 17 ได้รับการเปิดเผยอย่างชัดเจนที่สุด Tintoretto มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความปรารถนาที่จะมีผืนผ้าใบที่กว้างและหนาแน่น และการตีความภาพที่มาจากประเพณีเรอเนซองส์อย่างกล้าหาญและยกระดับ ในขณะที่ภาพของ Rembrandt เต็มไปด้วยสมาธิเล็กน้อย การซึมซับตนเอง ดูเหมือนว่าภาพเหล่านี้จะเผยให้เห็นความงามของศีลธรรมภายในของตนโดยไม่ได้ตั้งใจ โลก. กระแสแสงที่หลั่งไหลมาจากโลกใบใหญ่ท่วมท้นวีรบุรุษแห่งการแต่งเพลงของ Tintoretta ด้วยคลื่นของพวกเขา: ใน Rembrandt แสงอันนุ่มนวลราวกับปล่อยออกมาจากคนเศร้าโศกชื่นชมยินดีอย่างสงบฟังกันและกันกระจายความมืดมิดที่น่าเบื่อของพื้นที่โดยรอบ

แม้ว่า Tintoretto จะไม่ใช่นักวาดภาพเหมือนโดยกำเนิดเหมือนทิเชียน แต่เขาก็ยังทิ้งแกลเลอรีภาพบุคคลขนาดใหญ่ไว้ให้เรา แม้ว่าคุณภาพจะไม่สม่ำเสมอก็ตาม แน่นอนว่าภาพบุคคลที่ดีที่สุดมีความสำคัญทางศิลปะมากและมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาภาพบุคคลสมัยใหม่

ตินโทเร็ตโตในการถ่ายภาพบุคคลของเขาไม่ได้พยายามมากนักในการระบุถึงความเป็นปัจเจกบุคคลอันเป็นเอกลักษณ์ของบุคคล แต่เพื่อแสดงให้เห็นว่าอารมณ์ ประสบการณ์ และปัญหาทางศีลธรรมของมนุษย์ที่เป็นสากลบางอย่างตามแบบฉบับของเวลานั้นผ่านเอกลักษณ์เฉพาะตัวของมนุษย์อย่างไร หักเห ด้วยเหตุนี้จึงมีความนุ่มนวลในการถ่ายโอนคุณลักษณะของความคล้ายคลึงและลักษณะนิสัยของแต่ละบุคคลและในขณะเดียวกันก็เนื้อหาทางอารมณ์และจิตวิทยาที่ไม่ธรรมดาของภาพของเขา

ความคิดริเริ่มของสไตล์ภาพเหมือนของ Tintoretta ถูกกำหนดไว้ไม่ช้ากว่ากลางทศวรรษ 1550 ดังนั้น รูปภาพของการถ่ายภาพบุคคลก่อนหน้านี้ เช่น ภาพเหมือนของผู้ชาย (ค.ศ. 1553; เวียนนา) จึงมีความโดดเด่นด้วยการสัมผัสทางวัตถุที่มากขึ้น การเคลื่อนไหวที่จำกัดของท่าทาง และอารมณ์ที่คลุมเครือโดยทั่วไป ความฝันอันหม่นหมอง มากกว่าโดยความรุนแรงของภาพบุคคลเหล่านี้ สภาพจิตใจ

ในบรรดาภาพบุคคลในยุคแรกๆ เหล่านี้ ภาพที่น่าสนใจที่สุดอาจเป็นภาพเหมือนของสตรีชาวเวนิส (ช่วงปลายทศวรรษที่ 1540 - ต้นทศวรรษที่ 1550; Dresden Gallery) สภาวะทั่วไปของความฝันอันสูงส่งได้รับการถ่ายทอดที่นี่โดยเฉพาะอย่างละเอียดอ่อนและเป็นบทกวี สัมผัสของความเป็นผู้หญิงที่อ่อนโยนถูกถักทออย่างสุขุมรอบคอบ

ในภาพบุคคลในเวลาต่อมา เช่น ในภาพเหมือนของ Sebastiano Venier (เวียนนา) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพเหมือนของชายชราในกรุงเบอร์ลิน ภาพเหล่านี้บรรลุถึงความลึกซึ้งทางจิตวิญญาณ จิตวิทยา และพลังในการแสดงออกอย่างมาก ตัวละครในภาพบุคคลของ Tintoretta มักถูกครอบงำด้วยความวิตกกังวลอย่างลึกซึ้งและการไตร่ตรองอย่างโศกเศร้า

นี่คือภาพเหมือนตนเองของเขา (1588; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) จากความมืดมิดอันคลุมเครือของพื้นหลังที่ไม่มั่นคงอย่างไม่มีกำหนด ความโศกเศร้า ความกระสับกระส่าย ความไม่แน่นอน ราวกับแสงที่จางหายไปปรากฏขึ้น ใบหน้าซีดเซียวเจ้านายเก่า ปราศจากความเป็นตัวแทนหรือความงามทางกายใด ๆ นี่คือใบหน้าของชายชราที่เหนื่อยล้า หมดแรงจากความคิดหนัก ๆ และความทุกข์ทางศีลธรรม แต่ความงามทางจิตวิญญาณภายใน ความงามของโลกศีลธรรมของบุคคล เปลี่ยนใบหน้าของเขา ทำให้เขามีพลังและความสำคัญที่ไม่ธรรมดา ในเวลาเดียวกัน ในภาพบุคคลนี้ไม่มีความรู้สึกเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิด การสนทนาที่เงียบสงบและใกล้ชิดระหว่างผู้ชมกับบุคคลที่ถูกนำเสนอ หรือการมีส่วนร่วมของผู้ชมในชีวิตทางจิตวิญญาณของฮีโร่ ซึ่งเรารู้สึกได้ในภาพบุคคลของ แรมแบรนดท์ผู้ล่วงลับไปแล้ว ดวงตาที่เปิดกว้างและโศกเศร้าของ Tintoretto จ้องมองไปที่ผู้ชม แต่เขาเลื่อนผ่านเขาไป เขากลายเป็นระยะทางที่ไม่มีที่สิ้นสุดหรือซึ่งเป็นสิ่งเดียวกันภายในตัวเขาเอง ในเวลาเดียวกันในกรณีที่ไม่มีการแสดงท่าทางภายนอกใด ๆ (นี่คือภาพบุคคลที่มีความยาวหน้าอกซึ่งไม่ได้แสดงมือ) จังหวะแสงและเงาที่ไม่สงบความกังวลใจที่เกือบจะเป็นไข้ของฝีแปรงถ่ายทอดความรู้สึกด้วยแรงพิเศษ ของความวุ่นวายภายใน แรงกระตุ้นของความคิดและความรู้สึกที่ไม่สงบ นี่เป็นภาพที่น่าสลดใจของชายชราผู้ชาญฉลาดที่กำลังมองหาและไม่พบคำตอบสำหรับคำถามที่น่าเศร้าของเขาที่ส่งถึงชีวิตและโชคชะตา

ประติมากรรมยังได้รับการพัฒนาในเมืองเวนิสโดยมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับสถาปัตยกรรม ช่างแกะสลักแห่งเวนิสมักทำงานที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับการตกแต่งอนุสาวรีย์ของอาคารเวนิสอันงดงามมากกว่าการทำงานบนอนุสาวรีย์ประติมากรรมอิสระหรือรูปปั้นขาตั้ง ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ปรมาจารย์ด้านประติมากรรมเวนิสที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือสถาปนิก Jacopo Iansovino (1486-1570)

โดยธรรมชาติแล้วในผลงานที่ยิ่งใหญ่และการตกแต่งของเขา ประติมากร Sansovino รู้สึกอย่างละเอียดถึงความตั้งใจของสถาปนิก Sansovino งานสังเคราะห์ดังกล่าวซึ่งปรมาจารย์ทำหน้าที่เป็นทั้งประติมากรและสถาปนิกเช่นล็อกเก็ตที่สวยงามใน Piazza San Marco (1537) มีความโดดเด่นด้วยความสามัคคีที่กลมกลืนกันอย่างน่าทึ่งของรูปแบบสถาปัตยกรรมเทศกาลอันสูงส่งและภาพนูนต่ำนูนสูงและรูปปั้นทรงกลมที่ตกแต่ง พวกเขา.

โดยทั่วไป ศิลปะของซานโซวิโนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงแรกๆ ของงานของเขา มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับศิลปะในยุคเรอเนซองส์สูง ความคิดริเริ่มของผลงานในช่วงแรกของเขาคือสัมผัสอันละเอียดอ่อนของการเล่นอันนุ่มนวลของ Chiaroscuro ซึ่งเป็นจังหวะที่ลื่นไหลอย่างอิสระ ซึ่งเชื่อมโยงความเป็นพลาสติกของ Sansovino ก่อนที่เขาจะย้ายไปเวนิสด้วยแนวโน้มทั่วไปของศิลปะเวนิสโดยรวม กล่าวคือ ลักษณะที่งดงามของงานศิลปะพลาสติกของ Sansovino สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนเป็นครั้งแรกในรูปปั้น Bacchus วัยเยาว์ของเขา (1518) ซึ่งตั้งอยู่ในพิพิธภัณฑ์แห่งชาติ Florentine

Sansovino ตั้งรกรากในเมืองเวนิสหลังปี 1527 ซึ่งเป็นที่ที่ชีวิตสร้างสรรค์ทั้งหมดของศิลปินเกิดขึ้น ในช่วงเวลานี้ ในด้านหนึ่ง มีแนวโน้มเพิ่มขึ้นในการวาดภาพประกอบภาพนูนต่ำหลายร่างของซานโซวิโน เช่น ภาพนูนต่ำนูนทองสัมฤทธิ์ที่อุทิศให้กับชีวิตของนักบุญ มาร์ก (อาสนวิหารซานมาร์โกในเวนิส) แม้ว่าที่จริงแล้วภาพนูนต่ำนูนสูงเหล่านี้จะถูกสร้างขึ้นบนหลักการของการบรรเทามุมมอง แต่การเล่นที่เฉียบคมของ Chiaroscuro การละเมิดระนาบด้านหน้าของการบรรเทาด้วยมุมที่หนา และภาพของท้องฟ้าที่มีเมฆมากบนระนาบด้านหลังของการบรรเทา ความงดงามที่เด่นชัดและการเปลี่ยนแปลงทางอารมณ์ของผลงานเหล่านี้ ในภาพนูนต่ำนูนสำหรับประตูทองสัมฤทธิ์ของห้องศักดิ์สิทธิ์ของอาสนวิหารซานมาร์โกในเวลาต่อมา ซานโซวิโนหันไปใช้เทคนิคการบรรเทามุมมองอย่างสม่ำเสมอ และเพื่อที่จะถ่ายทอดความรู้สึกของความลึกของอวกาศได้ดียิ่งขึ้น เขาจึงทำให้พื้นผิวของประตูเว้า โดยพื้นฐานแล้ว ภาพนูนต่ำนูนสูงสีล่าสุดที่มี "ภาพที่งดงาม" ทางอารมณ์ สะท้อนถึงผลงานของทิเชียนผู้ล่วงลับและตินโทเร็ตโตในยุคแรกได้ในระดับหนึ่ง

ในงานประติมากรรมรูปปั้น Sansovino ที่เป็นผู้ใหญ่ยังคงสร้างภาพที่เต็มไปด้วยความงามและความยิ่งใหญ่อย่างกล้าหาญ มุ่งมั่นที่จะเชื่อมโยงภาพเหล่านี้กับสภาพแวดล้อมเชิงพื้นที่โดยรอบอย่างแข็งขันที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ด้วยเหตุนี้ เสรีภาพในมุมที่ "งดงาม" จึงเป็นความปรารถนา ในกรณีเหล่านั้นเมื่อเขาตกแต่งส่วนหน้าของอาคารด้วยรูปปั้นหลายรูป เพื่อเชื่อมโยงรูปปั้นเหล่านี้เข้าด้วยกันด้วยจังหวะที่เหมือนกัน ซึ่งเป็นเสียงสะท้อนการเรียบเรียงองค์ประกอบของแรงจูงใจของการเคลื่อนไหวที่วางชิดกัน แม้ว่าแต่ละคนจะถูกวางไว้ในช่องที่แยกจากกันและดูเหมือนว่าจะแยกจากกัน มีจังหวะสั่นไหวทั่วไปบ้าง แต่การโทรม้วนอารมณ์ที่แปลกประหลาดบางอย่างเชื่อมโยงพวกเขาเข้าด้วยกันเป็นภาพรวมทางอารมณ์เดียว

ในช่วงปลายผลงานของ Sansovino ผลงานของเขาแสดงถึงความรู้สึกพังทลาย ความกระวนกระวายใจเป็นจังหวะ ซึ่งเป็นลักษณะทั่วไปของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายของอิตาลี โดยเฉพาะอย่างยิ่งนี่คือภาพลักษณ์ของยอห์นผู้ให้บัพติศมาในวัยหนุ่มซึ่งถูกทรมานด้วยความขัดแย้งภายใน

Alessandro Vittoria (1525-1608) ทำงานตั้งแต่อายุยี่สิบปีในเวนิส เขาเป็นนักเรียนของ Sansovino และเข้าร่วมกับเขาในการดำเนินงานอนุสาวรีย์และการตกแต่งขนาดใหญ่ (เขาเป็นเจ้าของ caryatids ของประตูห้องสมุด Sansovino, 1555, รูปปั้นของ Mercury ในวัง Doge, 1559) หลุมศพของ Doge Venier (1555; เวนิส) สมควรได้รับการกล่าวถึง ในบรรดาผลงานของเขาในยุคปลาย ซึ่งเต็มไปด้วยอิทธิพลของลัทธิลักษณะนิยม “John the Baptist” (1583; Treviso) มีความโดดเด่น ภาพบุคคลของเขามีความโดดเด่น โดดเด่นด้วยลักษณะที่สดใสและองค์ประกอบที่มีประสิทธิภาพ นั่นคือรูปปั้นครึ่งตัวของ Marcantonio Grimani, Tommaso Rangone และคนอื่นๆ วิตโตเรียยังเป็นผู้สร้างผลงานประติมากรรมสำริดขนาดเล็กชุดที่น่าทึ่งซึ่งตกแต่งภายในอันหรูหราในยุคนั้น เช่นเดียวกับโบสถ์ต่างๆ เช่น เชิงเทียนชาเปลเดลโรซาริโอที่ดูแปลกตาอย่างหรูหรา ผลงานของเขาประเภทนี้มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาโดยทั่วไปของศิลปะประยุกต์ของอิตาลี

"การออกเดินทางของ Doge แห่งเวนิสเพื่อพิธีหมั้นสู่ทะเลเอเดรียติก"
1730

หลังจากเมืองมิลานที่มืดมนซึ่งถูกน้ำท่วมโดยทหารสเปน "ผู้เป็นที่รักแห่งเอเดรียติก" ซึ่งในขณะนั้นถูกเรียกชื่อเมืองที่น่าอัศจรรย์นี้ปรากฏตัวต่อหน้านักเดินทางที่มีความรุ่งโรจน์ทั้งหมดโผล่ออกมาจากส่วนลึกของทะเลพร้อมคลองและสะพาน ความอลังการของส่วนหน้าของพระราชวังที่ทำจากลูกไม้หินอ่อนและฝูงชนที่พูดได้หลายภาษา ทั้งหมดนี้ทำให้ชายหนุ่มตกตะลึงตั้งแต่วันแรกที่พวกเขามาถึง เมืองยังไม่คลี่คลายหลังจากเทศกาลคาร์นิวัลที่เพิ่งจบลง เมื่อผู้อยู่อาศัยทั้งเด็กและผู้ใหญ่ ตกอยู่ในความสนุกสนานอย่างบ้าคลั่งชั่วคราว โดยลืมทุกสิ่งในโลกไป แม้แต่คนจนหรือขอทานคนสุดท้ายก็ไม่ปฏิเสธตัวเองว่ามีความสุขที่ได้สวมชุดคาร์นิวัลและสวมหน้ากาก ดื่มสุราและสนุกสนานกับทุกคนจนหมดแรงทั้งวันทั้งคืน หน้ากากคาร์นิวัลทำให้ทุกคนเท่าเทียมกัน และสักพักหนึ่งผู้คนก็กลายเป็นครอบครัวเดียวกันและมีความสุขกับชีวิตไม่แพ้กัน
เทศกาลเวนิสคาร์นิวัลเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง และมีแขกจากเมืองและประเทศอื่นๆ มาร่วมงาน ตามกฎแล้วเมื่อวันก่อนโสเภณีจำนวนมากลงจอดในทะเลสาบและงานจริงรอพวกเขาอยู่ในสมัยของบาคานาเลียที่บ้าคลั่งที่กำลังจะมาถึง ตามประเพณีทุกอย่างเริ่มต้นด้วยหมู "สู้วัวกระทิง" - หมูที่นำมาล่วงหน้าจะถูกเก็บไว้ในคอกพิเศษในลานของวัง Doge และเสียงระฆังดังขึ้นราวกับได้รับคำสั่งทุกคนก็ถูกปล่อยเข้าสู่ป่าที่ ครั้งหนึ่ง. ในจัตุรัสซานมาร์โกและถนนรอบๆ เกิดเหตุโกลาหลทั่วไป และกำลังมีการล่าหมูที่ร้องเสียงแหลมด้วยความกลัว เทศกาลนี้ได้รับชื่อ "carnival" มาจากคำภาษาอิตาลี แคลิฟอร์เนียร.นจ- เนื้อสัตว์ เมื่อผู้กินเนื้อเริ่มก่อนเข้าพรรษาก็ถึงเวลาแห่งความตะกละและเมาสุราโดยทั่วไป

อเล็กซานเดอร์ มาคอฟ. "คาราวัจโจ".

อเล็กซานเดอร์ นิโคลาวิช มอร์ดวินอฟ
"ทิวทัศน์ของเมืองเวนิส"
1851.

วาเลนติน อเล็กซานโดรวิช เซรอฟ
"จัตุรัสเซนต์มาร์กในเวนิส"
1887.

เวนิส เมืองหลวงของจังหวัดเวนิส และแคว้นเวเนโต ทางตอนเหนือของอิตาลี ท่าเรือขนาดใหญ่บนทะเลเอเดรียติก 348.2 พันคน (2503) ตั้งอยู่บนเกาะ 118 เกาะ โดยมีคลองกั้นระหว่างกัน (ประมาณ 400 สะพาน) สะพานเชื่อมต่อเมืองเวนิสกับแผ่นดินใหญ่ ในเมืองเวนิสและชานเมืองมีอู่ต่อเรือ วิศวกรรมไฟฟ้า การผลิตกังหัน หม้อไอน้ำ อาวุธ โลหะวิทยาที่ไม่ใช่เหล็ก การกลั่นน้ำมัน เคมีภัณฑ์ และอุตสาหกรรมสิ่งทอ การผลิตหัตถกรรมจากงานศิลปะแก้ว กระเบื้องโมเสค ลูกไม้ ฯลฯ เวนิสก่อตั้งขึ้นในปี 452 ในยุคกลาง - สาธารณรัฐเวนิสผู้มีอำนาจ กลุ่มสถาปัตยกรรมของเมืองเวนิสก่อตัวขึ้นในยุคกลางและยุคเรอเนซองส์ ใจกลางเมืองถูกสร้างขึ้นโดยนักบุญ ทำเครื่องหมายโดยหันหน้าไปทางมหาวิหารเซนต์ มาระโก (ศตวรรษที่ 10-11) และอาคารของการจัดหา (ศตวรรษที่ 15-16) กลุ่มศูนย์กลางของเวนิสยังรวมถึงหอระฆัง, ศาล Doge (ศตวรรษที่ 14-15), ห้องสมุด San Marco (ศตวรรษที่ 16) ซึ่งมองเห็น Piazzetta ริมฝั่งคลองแกรนด์มีพระราชวัง (Ca' d'Oro, Rezzonico, Pesaro ฯลฯ)

พจนานุกรมสารานุกรม. "สารานุกรมโซเวียต". 1963.

วาซิลี อิวาโนวิช ซูริคอฟ
“เวนิส. อาสนวิหารเซนต์มาร์ก”
1884.

Blok เขียนเกี่ยวกับเวนิส (1909):

ลมเย็นจากลากูน
กอนโดลาเป็นโลงศพที่เงียบงัน
คืนนี้ฉันป่วยและยังเด็ก -
กราบที่เสาสิงโต

บนหอคอยพร้อมบทเพลงเหล็กหล่อ
พวกยักษ์โจมตีเวลาเที่ยงคืน
มาร์คจมน้ำตายในทะเลสาบดวงจันทร์
สัญลักษณ์ที่มีลวดลายของคุณเอง...

Blok พูดเกี่ยวกับเวนิสในจดหมายถึงแม่ของเขา:

“ฉันได้เข้ามามากมายที่นี่ การอาศัยอยู่ในเวนิสก็เหมือนกับในเมืองของฉันเองอยู่แล้ว และศุลกากร หอศิลป์ โบสถ์ ทะเล คลองเกือบทั้งหมดเป็นของฉันเอง ราวกับว่าฉันอยู่ที่นี่มานานแล้ว เวลา...น้ำเป็นสีเขียวทั้งหมด ทั้งหมดนี้เป็นที่รู้จักจากหนังสือ แต่เป็นเรื่องใหม่มาก ความแปลกใหม่ไม่ได้โดดเด่น แต่ให้ความรู้สึกผ่อนคลายและสดชื่น”

Gumilyov - เกี่ยวกับเวนิส (2455):

...สิงโตบนเสาและสดใส
ดวงตาของสิงโตกำลังลุกไหม้
ถือข่าวประเสริฐของมาระโก
เหมือนเซราฟิม มีปีก...

ตอนนี้ Akhmatova - เกี่ยวกับเวนิส (พ.ศ. 2455 ในปีนี้เธอเป็นภรรยาของ Gumilyov):

นกพิราบสีทองริมน้ำ
เขียวขจีและน่าปวดหัว
ลมเค็มพัดมา
ร่องรอยเรือดำแคบๆ...

...เหมือนบนผืนผ้าใบโบราณที่ซีดจาง
ท้องฟ้าสีครามหม่นจนหนาวเหน็บ...
แต่ก็ไม่ได้แคบในที่แคบนี้
และไม่อับชื้นในสภาพอากาศร้อนชื้น

ยูริ อันเนนคอฟ. "บันทึกการประชุมของฉัน" มอสโก "นวนิยาย" 1991.

วาซิลี อิวาโนวิช ซูริคอฟ
“เวนิส. ปาลาซโซ โดเจ”
1900.

วาซิลี อิวาโนวิช ซูริคอฟ
“เวนิส. ปาลาซโซ โดริโอ”
1900.

วาซิลี อิวาโนวิช ซูริคอฟ
"มหาวิหารเซนต์มาร์กในเวนิส"
1900.

วาซิลี อิวาโนวิช ซูริคอฟ
"เวนิส".

วาซิลี อิโกเรวิช เนสเตเรนโก
"มุมหนึ่งของเมืองเวนิสเก่า"
1992.

"ทิวทัศน์ของทะเลสาบเวนิส"
1841.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
"เวนิส".
1842.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
“พวกมคิตาร์บนเกาะเซนต์. ลาซารัส. เวนิส".
1843.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
“เวเนเชี่ยนลากูน ทิวทัศน์ของเกาะซานจอร์จิโอ
1844.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
"เวนิส".
1844.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
"วิวเมืองเวนิสจากลิโด้"
1855.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
"ค่ำคืนในเวนิส"
1861.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
"วิวเมืองเวนิสจากทะเลสาบยามพระอาทิตย์ตกดิน"
1873.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
"พระราชวังดอจในเมืองเวนิสข้างแสงจันทร์"
1878.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
"พระราชวัง Ca' d'Ordo ในเมืองเวนิส"
1878.

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
"เวนิส".
ยุค 1870

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
"เวนิสไนท์"

อีวาน คอนสแตนติโนวิช ไอวาซอฟสกี้
“ทิวทัศน์ยามค่ำคืน. เวนิส".

ไอแซค อิลิช เลวีตัน.
“เวนิส. ริวา เดกลี เชียโวนี่”
1890.

ไอแซค อิลิช เลวีตัน.
"คลองในเวนิส".
1890.

“เวนิส. สะพาน".
1997.

โอลกา อเล็กซานดรอฟนา เครสตอฟสกายา
“เวนิส. ยุคแห่งหน้ากาก”
2003.

โอลกา อเล็กซานดรอฟนา เครสตอฟสกายา
“เวนิส. ไฟกลางคืน".
2003.

"แกรนด์คาแนล เวนิส"
1874.
คอลเลกชันส่วนตัว

"คลองใหญ่ในเมืองเวนิส"
1875.
พิพิธภัณฑ์เมืองเชลบอร์น

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

แตกต่างจากศิลปะของอิตาลีตอนกลางที่ภาพวาดพัฒนาขึ้นโดยมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสถาปัตยกรรมและประติมากรรม ในเมืองเวนิสในศตวรรษที่ 14 จิตรกรรมครอบงำ ในผลงานของ Giorgione และ Titian มีการเปลี่ยนแปลงไปเป็นการวาดภาพแบบขาตั้งโดยใช้งานอยู่ สีน้ำมัน. เหตุผลประการหนึ่งของการเปลี่ยนแปลงนั้นพิจารณาจากสภาพอากาศของเมืองเวนิสซึ่งภาพปูนเปียกได้รับการอนุรักษ์ไว้ไม่ดี อีกเหตุผลหนึ่งก็คือการวาดภาพขาตั้งปรากฏขึ้นโดยเกี่ยวข้องกับการเติบโตของธีมทางโลกและการขยายขอบเขตของวัตถุที่รวมอยู่ในความสนใจของจิตรกร ควบคู่ไปกับการก่อตั้งภาพวาดขาตั้ง ความหลากหลายของประเภทก็เพิ่มขึ้น ดังนั้น ทิเชียนจึงสร้างภาพวาดโดยอิงจากวัตถุในตำนาน ภาพบุคคล และองค์ประกอบตามหัวข้อในพระคัมภีร์ ในผลงานของตัวแทนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย - Veronese และ Tintoretto - มีการวาดภาพอนุสาวรีย์เพิ่มขึ้นครั้งใหม่

จอร์โจ ดา คาสเตลฟรังโกตามชื่อเล่น จอร์โจเน(ค.ศ. 1477-1510) มีอายุสั้น ชื่อเล่นของเขามาจากคำว่า "ซอร์โซ" ซึ่งในภาษาถิ่นเวนิสแปลว่า "บุคคลที่เกิดมาต่ำที่สุด" Giorgione อยู่ในกลุ่มวัฒนธรรมของเวนิสเป็นอย่างดี วิชาภาพวาดของเขาเช่น "พายุฝนฟ้าคะนอง", "นักปรัชญาสามคน"ยากที่จะตีความ ผลงานที่ดีที่สุดบางส่วนของเขาคือ "สลีปปิ้งวีนัส" และ "จูดิธ"ซึ่งศิลปินได้รับความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ ทิเชียนศึกษาในสตูดิโอของศิลปินและเรียนรู้มากมายจากอาจารย์ของเขา ในปี 1510 Giorgione เสียชีวิตด้วยโรคระบาด

ทิเชียน เวเชลลิโอ(ค.ศ. 1476-1576) เรียนกับ Giovanni Bellini จากนั้นในปี 1507 เขาได้เข้าสู่เวิร์คช็อปของ Giorgione ซึ่งเป็นคนแรกที่มอบหมายให้ Titian ทำงานให้เสร็จ หลังจากจอร์โจเนเสียชีวิต ทิเชียนได้เปิดเวิร์คช็อปของตัวเองขึ้นหลังจากทำงานบางส่วนเสร็จและยอมรับคำสั่งหลายข้อ

ในเวลานี้ในภาพบุคคลจำนวนหนึ่งได้แก่ “ซาโลเม”, "ผู้หญิงที่ห้องน้ำ" และ "ฟลอรา"เขารวบรวมความคิดเรื่องความงามของเขา

ในปี ค.ศ. 1516 ศิลปินได้สร้างสรรค์ผลงาน “การเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของแม่พระ” (อัสซุนตะ)สำหรับโบสถ์ Santa Maria Gloriosa ในเมืองเวนิส - ภาพวาดแสดงให้เห็นว่ากลุ่มอัครสาวกท่าทางเคลื่อนไหวอย่างมีชีวิตชีวาเห็นพระมารดาของพระเจ้าเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ที่รายล้อมไปด้วยเหล่าทูตสวรรค์

ในปี 1525 ทิเชียนแต่งงานกับเซซิเลียผู้เป็นที่รักของเขา ซึ่งมีลูกชายสองคนด้วย ในเวลานี้ ศิลปินชื่นชอบภาพที่ดูมีสุขภาพดีและเย้ายวน และใช้สีที่เข้มและดังก้อง หลังจากการตายของเบลลินี ตำแหน่งศิลปินของ Venetian School of the Republic ก็ส่งต่อไปยังทิเชียน ทิเชียนยังคงปฏิรูปการวาดภาพต่อไปซึ่งเริ่มต้นโดยจอร์จิโอเน: เขาให้ความสำคัญกับผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่อนุญาตให้ใช้สีได้กว้างและอิสระ ในชั้นแรก ทันทีหลังจากที่แห้งแล้ว เขาใช้ลายเส้นที่มีความหนาแน่นมากขึ้นหรือน้อยลง ผสมกับวานิชที่โปร่งใสและเป็นมันเงา ( กระจก) ตกแต่งภาพให้สมบูรณ์โดยเพิ่มความเข้มของโทนสีและเงาที่สว่างที่สุดด้วยเส้นลายเส้นที่เกือบจะเกิดขึ้น ตัวละครคลังข้อมูล. ภาพร่างสอดคล้องกับการเตรียมอารมณ์โดยทั่วไป แต่ก็มีความสมบูรณ์ในตัวมันเองเช่นกัน

ตามคำเชิญของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 ทิเชียนจึงย้ายไปโรม ธีมใหม่ปรากฏในงานศิลปะของเขา - ละครแห่งการต่อสู้และความตึงเครียด จากนั้นทิเชียนและลูกชายของเขาไปที่เอาก์สบวร์กเพื่อเยี่ยมชาร์ลส์ที่ 5 ที่ราชสำนักอาจารย์วาดภาพมากมายและได้รับคำสั่งมากมายจากสเปนโดยเฉพาะ - กษัตริย์ฟิลิปที่ 2 สั่งภาพวาดหลายภาพให้เขา ในช่วงต้นทศวรรษที่ 50 ทิเชียนกลับมาเวนิส แต่ยังคงทำงานให้กับกษัตริย์สเปนต่อไป ภาพวาดของทิเชียนมีความโดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวา ใน "ภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 กับหลานชาย"มีการพบกันของคนสามคน ซึ่งแต่ละคนมีความเชื่อมโยงกับความรู้สึกลับอื่นๆ ในปี 1548 ทิเชียนเขียน สองภาพเหมือนของ Charles V. ประการหนึ่งเขาถูกนำเสนอว่าเป็นชัยชนะโดยได้รับชัยชนะสวมชุดเกราะและสวมหมวกกันน็อคที่มีขนนก ภาพที่สองแสดงให้เห็นจักรพรรดิในชุดสูทสีดำแบบสเปนดั้งเดิม นั่งอยู่บนเก้าอี้โดยมีชานเป็นพื้นหลัง

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 50 ทิเชียน ซึ่งได้รับมอบหมายจากพระเจ้าฟิลิปที่ 2 ซึ่งขึ้นเป็นจักรพรรดิหลังจากการสละราชสมบัติของพระบิดาชาร์ลส์ที่ 5 ทรงวาดภาพผืนผ้าใบเจ็ดผืนเกี่ยวกับเรื่องที่เป็นตำนาน ซึ่งเขาเรียกว่า "บทกวี" ซึ่งตีความเรื่องที่เป็นตำนานว่าเป็นคำอุปมาอุปมัย ชีวิตมนุษย์. โดยทั่วไปแล้วสมัยโบราณเป็นสิ่งที่ดึงดูดใจศิลปินมาก ท่ามกลาง ภาพวาดที่ดีที่สุดในเรื่องของสมัยโบราณ "วีนัสแห่งเออร์บิโน", "วีนัสและอิเหนา", "ดาเน", "แบคคัสและเอเรียดเน".

ในภาพวาดเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนา ศิลปินประสบความสำเร็จในด้านจิตวิทยาและการแสดงออกในระดับสูง ( "เดนาเรียสของซีซาร์", "แม็กดาเลนผู้สำนึกผิด").

ปีที่ผ่านมาทิเชียนอาศัยอยู่ในเมืองเวนิส ความวิตกกังวลและความผิดหวังเพิ่มมากขึ้นในผลงานของเขา เขาหันไปหาเรื่องที่น่าทึ่งมากขึ้น - ฉากแห่งความทรมานและความทุกข์ทรมานซึ่งยังได้ยินบันทึกที่น่าเศร้า (“ นักบุญเซบาสเตียน") ที่นี่ศิลปินใช้ สไตล์การเขียนอิมพาสโต– เป็นลายเส้นที่มีพื้นผิวหยาบและทรงพลัง

เปาโล เวโรเนเซ่(ค.ศ. 1528-1588) P. Caliari มีชื่อเล่นตามสถานที่เกิดของเขาเกิดที่เมืองเวโรนา เมื่อมาถึงเวนิส เขาได้รับชื่อเสียงทันทีจากผลงานของเขาใน Doge's Palazzo จนกระทั่งบั้นปลายชีวิตของเขาเป็นเวลา 35 ปี Veronese ทำงานเกี่ยวกับการตกแต่งและการเชิดชูเมืองเวนิส ( "การแต่งงานในเมืองคานาแห่งกาลิลี"). ภาพวาดของ Veronese ล้วนสร้างขึ้นจากการใช้สี เขารู้วิธีการวางสีของแต่ละบุคคลในลักษณะที่การสร้างสายสัมพันธ์นี้สร้างเสียงที่เข้มข้นเป็นพิเศษ พวกมันเริ่มถูกเผาไหม้เหมือนอัญมณีล้ำค่า ซึ่งแตกต่างจากทิเชียนซึ่งเป็นจิตรกรขาตั้งเป็นหลัก Veronese เป็นนักมัณฑนากรโดยกำเนิด ก่อนเวโรนีส ภาพวาดขาตั้งแต่ละภาพถูกวางบนผนังเพื่อตกแต่งภายใน และไม่มีเอกภาพในการตกแต่งโดยรวม เป็นการผสมผสานระหว่างภาพวาดและสถาปัตยกรรมสังเคราะห์ เวโรเนเซเป็นศิลปินชาวเวนิสกลุ่มแรกที่สร้างชุดตกแต่งทั้งหมด โดยวาดภาพผนังโบสถ์ อาราม พระราชวัง และวิลล่าต่างๆ จากบนลงล่าง โดยผสมผสานภาพวาดของเขาเข้ากับสถาปัตยกรรม เพื่อจุดประสงค์เหล่านี้เขาจึงใช้เทคนิคปูนเปียก ในภาพวาดของเขาและส่วนใหญ่ในโป๊ะโคม Veronese ใช้มุมที่ชัดเจน การตัดเชิงพื้นที่ที่ชัดเจน ออกแบบมาเพื่อดูภาพจากล่างขึ้นบน ( "ดาวศุกร์และอิเหนา", "ดาวศุกร์และดาวอังคาร"). ในโป๊ะโคมพระองค์ทรง “เปิดฟ้า”

ยาโคโป ตินโตเรตโต(ชื่อจริง ยาโคโป โรบัสตี, ค.ศ. 1518-1594) ภาพวาดของตินโตเรตโตถือเป็นการเสร็จสิ้นยุคเรอเนซองส์เวอร์ชันภาษาอิตาลี Tintoretto มุ่งความสนใจไปที่วัฏจักรของภาพที่มีลักษณะเฉพาะเรื่องที่ซับซ้อน เขาใช้วัตถุที่หายากและไม่เคยได้ยินมาก่อน วงจรเกี่ยวกับปาฏิหาริย์ของนักบุญ ตราประทับใน Venetian Academy และใน Brera (มิลาน) ของมิลานถูกนำเสนอในรูปแบบที่ห่างไกลจากการแก้ปัญหาด้วยภาพตามปกติ พงศาวดารทางประวัติศาสตร์ของวัง Doge ที่บรรยายถึงการต่อสู้แสดงให้เห็นถึงความหลากหลายที่หลากหลายและความกล้าหาญของการออกแบบ ในธีมเทพนิยายโบราณ Tintoretto ยังคงตีความลวดลายบทกวีอย่างอิสระต่อไป ซึ่งเริ่มต้นด้วย "บทกวี" ของทิเชียน ตัวอย่างที่เป็นภาพ “กำเนิดทางช้างเผือก”. เขาใช้แหล่งพล็อตใหม่ ในรูปภาพ "การช่วยเหลือของอาร์ซิโนเอ"ศิลปินเริ่มต้นจากการดัดแปลงบทกวีของนักเขียนชาวโรมัน Lucan ในตำนานยุคกลางของฝรั่งเศส และเขียน "Tancred และ Clorinda" ตามบทกวีของ Tasso

Tintoretto หันไปหาเนื้อเรื่องของ The Last Supper ซ้ำแล้วซ้ำอีก ในภาพวาดจากโบสถ์ Santa Trovaso พระวจนะของพระคริสต์ทำให้สาวกที่ตกตะลึงกระจัดกระจายราวกับถูกโจมตี ลักษณะเฉพาะของผลงานของ Tintoretto คือ การชี้นำ(ข้อเสนอแนะ) ไดนามิก ความสดใสที่สื่ออารมณ์ของลวดลายธรรมชาติ ความหลากหลายเชิงพื้นที่

VENETIAN SCHOOL of Painting หนึ่งในโรงเรียนสอนศิลปะหลักในอิตาลี ก่อตั้งขึ้นในเมืองเวนิสในช่วงศตวรรษที่ 14-18 โรงเรียนเวนิสในช่วงรุ่งเรืองมีความโดดเด่นด้วยความเชี่ยวชาญที่สมบูรณ์แบบในความสามารถในการแสดงออกของการวาดภาพสีน้ำมันและความเอาใจใส่เป็นพิเศษต่อปัญหาเรื่องสี ภาพวาดเวนิสแห่งศตวรรษที่ 14 มีความโดดเด่นด้วยการตกแต่งประดับประดา ความดังของสีสันในเทศกาล และการผสมผสานระหว่างประเพณีแบบโกธิกและไบแซนไทน์ (Lorenzo และ Paolo Veneziano) ในช่วงกลางศตวรรษที่ 15 กระแสเรอเนซองส์เกิดขึ้นในภาพวาดของโรงเรียนเวนิส โดยได้รับอิทธิพลจากโรงเรียนฟลอเรนซ์และดัตช์ (ผ่านการไกล่เกลี่ยของโรงเรียนอันโตเนลโล ดา เมสซีนา) ในผลงานของปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการเวนิสตอนต้น (กลางและปลายศตวรรษที่ 15; อันโตนิโอ, บาร์โตโลมีโอและอัลวิเซ่วิวารินี, จาโคโปและเจนติเลเบลลินี, วิตโตเรคาร์ปาชโช, คาร์โลคริเวลลี ฯลฯ ) หลักการทางโลกเพิ่มขึ้นความปรารถนาที่จะเป็นจริง การถ่ายโอนพื้นที่และปริมาตรมีความเข้มข้นมากขึ้น หัวข้อทางศาสนาและเรื่องราวแห่งปาฏิหาริย์ถูกตีความว่าเป็นภาพที่มีสีสันของชีวิตประจำวันในเมืองเวนิส ผลงานของจิโอวานนี่เบลลินีเตรียมการเปลี่ยนผ่านสู่ศิลปะยุคเรอเนซองส์สูง ความรุ่งเรืองของโรงเรียน Venetian ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของนักเรียนของเขา - Giorgione และ Titian การเล่าเรื่องที่ไร้เดียงสาทำให้เกิดความพยายามที่จะสร้างภาพทั่วไปของโลกที่มนุษย์ดำรงอยู่อย่างกลมกลืนตามธรรมชาติกับชีวิตที่ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของธรรมชาติ ในงานช่วงปลายของทิเชียน มีการเปิดเผยความขัดแย้งอันลึกซึ้งที่ลึกซึ้ง และสไตล์การวาดภาพของเขาได้รับการแสดงออกทางอารมณ์ที่ยอดเยี่ยม ในผลงานของปรมาจารย์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 (P. Veronese และ J. Tintoretto) ความมีคุณธรรมในการถ่ายทอดความมีชีวิตชีวาที่เต็มไปด้วยสีสันของโลกและความบันเทิงอยู่ร่วมกับความรู้สึกอันน่าทึ่งของความไม่มีที่สิ้นสุดของธรรมชาติและพลวัตของความยิ่งใหญ่ ฝูงมนุษย์

ในศตวรรษที่ 17 โรงเรียนเวนิสประสบกับช่วงเวลาตกต่ำ ในผลงานของ D. Fetti, B. Strozzi และ I. Liss เทคนิคการวาดภาพแบบบาโรก การสังเกตที่สมจริงและอิทธิพลของลัทธิคาราวัจด์อยู่ร่วมกับความสนใจแบบดั้งเดิมในการค้นหาสีสันสำหรับศิลปินชาวเวนิส การออกดอกใหม่ของโรงเรียนเวนิสแห่งศตวรรษที่ 18 มีความเกี่ยวข้องกับการพัฒนาภาพวาดที่ยิ่งใหญ่และการตกแต่งซึ่งผสมผสานการเฉลิมฉลองที่ร่าเริงเข้ากับพลวัตเชิงพื้นที่และความสว่างอันงดงามของช่วงสีสัน (G. B. Tiepolo) ประเภทจิตรกรรมกำลังได้รับการพัฒนา โดยถ่ายทอดบรรยากาศบทกวีในชีวิตประจำวันในเมืองเวนิส (G. B. Piazzetta และ P. Longhi) ภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรม (veduta) อย่างละเอียด ซึ่งบันทึกภาพลักษณะของเวนิส (A. Canaletto, B. Bellotto) ภูมิทัศน์ในห้องของ F. Guardi มีความโดดเด่นด้วยความใกล้ชิดที่ไพเราะ ความสนใจอย่างแรงกล้าของศิลปินชาวเวนิสในการวาดภาพสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อยคาดว่าจะเกิดขึ้นกับจิตรกรในศตวรรษที่ 19 ในลานอากาศ ในช่วงเวลาต่างๆ โรงเรียนเวนิสมีอิทธิพลต่อศิลปะของ H. Burgkmair, A. Dürer, El Greco และปรมาจารย์ชาวยุโรปคนอื่นๆ

แปลจากภาษาอังกฤษ: Pallucchini R. La pittura veneziana del cinquecento. โนวารา, 2487. ฉบับ. 1-2; ไอเดม ลาพิตตูรา เวเนตา เดล ควอตโตรเซนโต โบโลญญา 2499; ไอเดม ลาพิตตูรา เวเนเซียนา เดล เซเตเซนโต เวเนเซีย; โรม 2503; Smirnova I. A. Titian และภาพเหมือนของชาวเวนิสแห่งศตวรรษที่ 16 ม. 2507; Kolpinsky Yu.D. ศิลปะแห่งเวนิส ศตวรรษที่สิบหก ม., 1970; Levey M. จิตรกรรมในเมืองเวนิสศตวรรษที่สิบแปด ฉบับที่ 2 อ็อกซ์ฟ., 1980; Pignatti T. Venetian School: อัลบั้ม. ม. , 1983; ศิลปะแห่งเวนิสและเวนิสในงานศิลปะ ม. , 1988; Fedotova E. D. ภาพวาดเวนิสแห่งยุคแห่งการตรัสรู้ ม., 1998.