Všetci vieme, že v Holandsku po stáročia vznikali jedinečné umelecké diela. Čo sa však deje na súčasnej umeleckej scéne dnes? Ktorý z mladých umelcov bude môcť zaujať miesto v histórii? V Amsterdame, rovnako ako v mnohých iných veľkých holandských mestách, existuje veľa zaujímavých galérií, ktoré organizujú skvelé výstavy talentovaných kreatívnych umelcov z celej krajiny. Keďže súčasných holandských umelcov je veľké množstvo, známych doma aj v zahraničí, ich diela nájdete ako vo veľkých múzeách na úrovni Stedelijk, tak aj v malých galériách KochxBos Gallery či Nederlands Fotomuseum.

Nižšie je uvedených päť začínajúcich holandských umelcov, ktorí upútali pozornosť sveta a určite prispejú k dejinám umenia v Holandsku.

Daan Roosegaard

„Účelom mojej práce je prinútiť ľudí premýšľať o budúcnosti,“ hovorí Roosegaard. Tento umelec a inovátor je nositeľom viacerých ocenení. Vo svete súčasného umenia sa dostal do popredia svojou inštaláciou Duna z roku 2006. Interaktívne svetelné značenie inštalované pozdĺž rieky Meuse v Rotterdame otvorilo dvere umelcovi posadnutému technológiou, dizajnom a architektúrou. Roosegaard vo svojej práci vytvára futuristický svet, v ktorom ľudia a technológie navzájom harmonicky interagujú. Od februára do 5. mája bude Lotosový dóm vystavený v Beuningovej sieni v Rijksmuseum. Táto dvojmetrová kupola reaguje na prístup ľudí: rozkvitnú stovky hliníkových kvetov, ktoré cítia teplo návštevníkov.

Levy van Veluwe

Tradičné spôsoby tvorby umeleckých diel van Veluwu, umelca z Heuvelaken, zjavne nestačia. Jeho portfólio zahŕňa fotografie, sochy, kresby a inštalácie a použitie seba samého ako materiálu je charakteristickým znakom jeho tvorby. Nie náhodou jeho prvá výstava v galérii Ron Mandos v Amsterdame obsahovala sériu šiestich fotografií zobrazujúcich krásne detailné kresby guľôčkovým perom. Namiesto plátna si umelec maľoval na vlastnú tvár. Spojenie medzi telom a povrchom objavili povojnoví umelci, ktorí rozvinuli umenie performance na dovtedy nevídanú úroveň. Ale použitie každodenných predmetov, ako je pero, na vytvorenie umeleckého diela bolo nevyhnutné pre úspech van Veluwe. Rozvinutím myšlienky vo svojom vlastnom osobnom štýle mohol Levy van Veluwe predviesť svoju prácu v najlepších svetových múzeách a priniesť súčasné holandské umenie na medzinárodnú scénu.

Tony Van Til

Tony Van Til v roku 2007 ukončil štúdium výtvarných umení na inštitúcii St. Just v malom meste Breda na juhu. Po ukončení štúdia sa mladý umelec venuje zaujímavým projektom. Jedným z nich je „Sochy na Twitteri“. Od roku 2012 má účet na Twitteri, kde v 140 znakoch popisuje nápady na sochy. Jedným z nápadov je napríklad „portrét botoxovej krásky, zväčšený na veľkosť 4-poschodovej steny“, iné sú abstraktnejšie: vytváranie „tieňov s rastúcou bolesťou.“ Medzi ďalšie diela umelca patrí séria kresby obsahujúce viac námetov na sochy. Je tweetovanie kreatívne? Pre Van Tila je odpoveď áno.

Anouk Kruithof

Tento umelec so sídlom v Dordrechte používa fotografie ako zdrojový materiál pre sochy, inštalácie, knihy a brožúry na rozdávanie. Príležitostne vytvára anonymné predmety (ako sú pohľadnice a plagáty), ktoré si návštevníci môžu vziať domov. V múzeu Stedelijk sa v súčasnosti koná výstava jej a holandskej kolegyne Pauline Olsetenovej. Inštalácia na prvom poschodí predstavuje ich interpretáciu pouličnej fotografie. Charakteristickým znakom diel je podčiarknutý obdiv k ľuďom a cudzincom. Ďalším aspektom života, ktorý priťahuje jej pozornosť, je farba. Podľa umelkyne „vytvára poriadok v chaose“ metódou farebnej gradácie.

Harma Hykens

Je ťažké nespomenúť Harmu Heykens, keď hovoríme o súčasnom holandskom umení. Jej prvé výstavy siahajú do začiatku 90. rokov minulého storočia. Sochy v životnej veľkosti spájajú štýl manga so súčasným pouličným umením. Tvorbu Harmy Heykens nie je ľahké vnímať, najmä spočiatku. Mnohí ich dokonca nazývali „svojráznym gýčom“. Je to spôsobené tým, že umelec si vybral veľmi bolestivú tému: vykorisťovanie detí v konzumnej spoločnosti, kde sú hodnoty deformované. Jej sochy zobrazujú narušený svet chudobných a vykorisťovaných detí a pôsobia ako budíček pre diváka, aby riešil hlboko zakorenené sociálne problémy.

Medzitým je to špeciálna oblasť európskej kultúry hodná podrobnejšieho štúdia, ktorá odráža pôvodný život obyvateľov Holandska tých čias.

História vzhľadu

Svetlí predstavitelia umenia sa začali objavovať v krajine v sedemnástom storočí. Francúzski kulturológovia im dali spoločný názov – „malí Holanďania“, ktorý nesúvisí so škálou talentov a označuje pripútanosť k určitým témam z každodenného života, na rozdiel od „veľkého“ štýlu s veľkými plátnami na historické či mytologické námety. História vzniku holandského maliarstva bola podrobne opísaná v devätnástom storočí a tento termín používali aj autori prác o ňom. „Malí Holanďania“ sa vyznačovali sekulárnym realizmom, obracali sa k svetu okolo seba a ľuďom, používali maľbu bohatú na tóny.

Míľniky vývoja

Dejiny vzniku holandského maliarstva možno rozdeliť do niekoľkých období. Prvá trvala približne od roku 1620 do roku 1630, keď sa v národnom umení udomácnil realizmus. Druhé obdobie holandského maliarstva zažilo v rokoch 1640-1660. Toto je čas, kedy padá skutočný rozkvet miestnej umeleckej školy. Napokon, tretie obdobie, doba, kedy holandské maliarstvo začalo upadať – od roku 1670 do začiatku osemnásteho storočia.

Stojí za zmienku, že kultúrne centrá sa počas tejto doby zmenili. V prvom období pôsobili v Haarleme poprední umelci a hlavným predstaviteľom bola Halsa. Potom sa centrum presunulo do Amsterdamu, kde najvýznamnejšie diela zahrali Rembrandt a Vermeer.

scény každodenného života

Pri vymenovávaní najdôležitejších žánrov holandského maliarstva treba určite začať každodenným životom – najvýraznejším a najoriginálnejším v histórii. Boli to práve Flámovia, ktorí otvorili svetu výjavy z každodenného života obyčajných ľudí, roľníkov a mešťanov či mešťanov. Priekopníkmi boli Ostade a jeho nasledovníci Oudenrogge, Bega a Dusart. V Ostadeho raných obrazoch ľudia hrajú karty, hádajú sa a dokonca bojujú v krčme. Každý obraz sa vyznačuje dynamickým, trochu brutálnym charakterom. Holandská maľba tých čias vypovedá aj o pokojných scénach: v niektorých dielach sa roľníci rozprávajú pri fajke a hrnčeku piva, trávia čas na jarmoku alebo so svojimi rodinami. Vplyv Rembrandta viedol k širokému používaniu jemného zlatého šerosvitu. Mestské scény inšpirovali umelcov ako Hals, Leyster, Molenaer a Codde. V polovici 17. storočia majstri zobrazovali lekárov, vedcov v procese práce, vlastných dielní, domácich prác či Každá zápletka mala byť zábavná, niekedy až groteskne didaktická. Niektorí majstri inklinovali k poetizácii každodenného života, napríklad Terborch zobrazoval scény hrania hudby alebo flirtovania. Metsu použil svetlé farby, zmenil každodenný život na dovolenku a de Hooch sa inšpiroval jednoduchosťou rodinného života, zaliateho rozptýleným denným svetlom. Neskorí predstavitelia tohto žánru, ako napríklad holandskí majstri Van der Werf a Van der Neer, často v snahe o elegantné zobrazenie vytvorili trochu náročné námety.

Príroda a krajina

Okrem toho je holandská maľba široko zastúpená v žánri krajiny. Prvýkrát vznikol v práci takých majstrov Haarlemu ako van Goyen, de Moleyn a van Ruisdael. Práve oni začali vykresľovať vidiecke zákutia v istom striebristom svetle. V dielach sa do popredia dostala materiálna jednota prírody. Samostatne stojí za zmienku o morských krajinách. Medzi námorných maliarov v 17. storočí patrili Porcellis, de Vlieger a van de Capelle. Nesnažili sa ani tak sprostredkovať určité morské výjavy, ako skôr znázorniť samotnú vodu, hru svetla na nej a na oblohe.

V druhej polovici 17. storočia sa v žánri objavili emotívnejšie diela s filozofickými myšlienkami. Jan van Ruisdael maximalizoval krásu holandskej krajiny, zobrazil ju v celej jej dramatickosti, dynamike a monumentálnosti. Hobbem, ktorý uprednostňoval slnečné krajiny, sa stal pokračovateľom jeho tradícií. Koninck zobrazoval panorámy, zatiaľ čo van der Neer sa zaoberal tvorbou nočnej krajiny a prenosom mesačného svitu, východu a západu slnka. Pre mnohých umelcov je charakteristické aj zobrazovanie zvierat v krajine, napríklad pasúce sa kravy a kone, ale aj poľovačky a výjavy s jazdcami. Neskôr sa umelci začali angažovať v cudzej prírode – Bot, van Laer, Venix, Berchem a Hackert zobrazovali Taliansko zaliate lúčmi južného slnka. Priekopníkom žánru bol Sanredam, ktorého najlepšími nasledovníkmi sú bratia Berkheide a Jan van der Heydenovci.

Obrázok interiérov

Scény s kostolom, palácom a domácimi miestnosťami možno nazvať samostatným žánrom, ktorý odlišoval holandské maliarstvo počas jeho rozkvetu. Interiéry sa objavili v maľbách druhej polovice 17. storočia majstrov z Delftu - Haukgest, van der Vliet a de Witte, ktorí sa stali hlavným predstaviteľom smeru. Pomocou Vermeerových techník umelci zobrazili scény zaliate slnkom, plné emócií a objemu.

Malebné riady a náčinie

Napokon ďalším charakteristickým žánrom holandskej maľby je zátišie, najmä obraz raňajok. Po prvýkrát sa umenia chopili Klas a Kheda z Harlemu, ktorí maľovali prestreté stoly luxusným riadom. Malebný neporiadok a zvláštne stvárnenie útulného interiéru napĺňa striebristo-šedé svetlo, charakteristické pre strieborné a cínové náčinie. Utrechtskí umelci maľovali svieže kvetinové zátišia a v Haagu boli majstri úspešní najmä v zobrazovaní rýb a morských plazov. V Leidene vznikol filozofický smer žánru, v ktorom lebky a presýpacie hodiny susedia so symbolmi zmyslového potešenia alebo pozemskej slávy, ktoré majú pripomínať pominuteľnosť času. Demokratické kuchynské zátišia sa stali charakteristickým znakom rotterdamskej umeleckej školy.

História ktorejkoľvek krajiny nachádza svoj výraz v umení a tento vzor je obzvlášť charakteristický na príklade maľby. Najmä na príklade maľby Holandska, ktorá prežila revolúciu, ktorá do veľkej miery ovplyvnila budúci osud kedysi jednotného štátu. V dôsledku revolúcie v 17. stor Holandsko bolo rozdelené na dve časti: do Holandska a Flámska (územie moderného Belgicka), ktoré zostali pod nadvládou Španielska.

historické sa vyvíjali rôznymi spôsobmi. ako aj kultúrne. To znamená, že bolo možné rozdeliť kedysi bežný koncept holandského maliarstva na holandské a flámske.

Holandská maľba

Kultúra Holandska v 17. storočí je živým stelesnením triumfu štátu, ktorý získal nezávislosť. Umelci, inšpirovaní príchuťou slobody, naplnili tento čas pátosom spoločenskej a duchovnej obnovy a po prvý raz pozorne sledovali svoje okolie. - príroda, obraz človeka. Holandskí žánroví umelci sa inšpirujú rutina, malé každodenné epizódy, ktorá sa stáva jednou z charakteristických čŕt holandského realizmu.

Okrem toho sa hlavnými zákazníkmi umenia stali nielen predstavitelia elitnej elity, ale aj obchodníci a roľníci. To čiastočne ovplyvnilo vývoj maľby ako interiérového predmetu a prispelo aj k nárastu záujmu verejnosti o témy každodenného života.

Holandské umenie 17. storočia je známe rozvetvený žánrový systém maľby.

Napríklad medzi krajinármi boli námorní maliari, umelci zobrazujúci pohľady na rovinaté miesta či lesné húštiny, nechýbali ani majstri zimnej krajiny či maľby s mesačným svetlom; boli žánroví maliari špecializovaní na postavy sedliakov, mešťanov a výjavy domáceho života; boli majstrami rôznych typov zátiší - „raňajky“, „dezerty“, „obchody“.

Striktná koncentrácia maliara na jeden subsystém žánru prispela k detailizácii a zdokonaleniu celej holandskej maľby ako celku.

17. storočie je naozaj zlatý vek holandského maliarstva.

Umelecké vlastnosti

Svetlo a jemný zmysel pre farby hrajú hlavnú úlohu v obrazoch holandských umelcov.

Napríklad ako na obrázkoch Rembrandt - umelca, ktorý sa stal zosobnením celej éry holandského maliarstva. Rembrandt sa nebál realistické detaily, v rozpore s kánonmi obrazu reality, a teda medzi súčasníkmi bol známy ako „maliar škaredosti“.

Ako prvý zdôraznil Rembrandt hra svetlačo mu umožnilo vymyslieť niečo iné ako ostatné štýl písania. Podľa André Felibien,"... často len nanášal široké ťahy štetcom a nanášal hrubé vrstvy farby jednu za druhou, pričom si nerobil tú námahu urobiť hladšie a jemnejšie prechody z jedného tónu do druhého."

"Návrat márnotratného syna", 1666-1669

Ján Vermeer(Vermeer/Vermeer z Delftu ) - maliar harmónie a jasnosť videnia sveta. Známy svojou silou nápadité riešenia a imidžový trend poetizovaná atmosféra každodenného života, venoval osobitnú pozornosť farebná nuansa, čo umožnilo sprostredkovať charakter svetlovzdušného priestoru.

"Mladá žena s džbánom vody", 1660-1662

Jacob van Ruisdael napísal monumentálne krajiny v studených farbách ktorý stelesňoval jeho jemný zmysel pre dramatickosť až pochmúrnosť premenlivosť sveta.

"Židovský cintorín", 1657

Albert Cuyp známy svojou nezvyčajnou víziou zloženie krajina - u neho je spravidla dané, z nízkeho uhla pohľadu,čo umožňuje sprostredkovať rozľahlosť pozorovaného priestoru.

"Kravy na brehu rieky", 1650

Frans Hals (Hals/Hals) známe vynikajúce žánrové a skupinové portréty, ktoré sú atraktívne svojou špecifickosťou.

"Cigán", 1628-1630

Flámska maľba

Vo Flámsku bolo kultúrne pozadie výrazne odlišné od Holanďanov. Feudálna šľachta a katolícka cirkev stále zohrávali významnú úlohu v živote krajiny a boli hlavnými zákazníkmi umenia . Preto hlavnými typmi diel flámskeho maliarstva zostali obrazy pre zámky, pre mestské domy bohaté a majestátne oltárne obrazy pre katolícke kostoly. Výjavy starovekej mytológie a biblické výjavy, obrovské zátišia, portréty významných zákazníkov, obrazy veľkolepých slávností sú hlavnými umeleckými žánrami vo Flámsku v 17. storočí.

Flámske barokové umenie (veselé, materiálne zmyselné, veľkolepé v hojnosti foriem) sa formovalo zo znakov talianskej a španielskej renesancie v lomu jej národnej farebnosti, čo sa prejavilo najmä v maliarstve.

Flámska živosť je iná monumentálnosť foriem, dynamický rytmus a triumf dekoratívneho štýlu. To sa prejavilo najmä v práci Peter Paul Rubens, ktorý sa stal ústrednou postavou flámskeho maliarstva.

Jeho štýl sa vyznačuje sviežim, živým obrazom veľké ťažké postavy v rýchlom pohybe. Rubens sa vyznačuje teplými bohatými farbami, ostrými kontrastmi svetla a tieňa, všeobecným duchom víťaznej dovolenky. Eugene Delacroix povedal:

„Jeho hlavnou vlastnosťou, ak ho uprednostňujete pred mnohými inými, - to je prenikavý duch, teda prenikavý život; bez toho žiadny umelec nemôže byť skvelý... Tizian a Paolo Veronese vedľa neho vyzerá strašne ticho.

Všetko, čo je vlastné jeho štetcom, sa stalo spoločným znakom celej školy.

"Spojenie zeme a vody", 1618

čl Jacob Jordaens priťahuje veselosť, monumentálnosť, no zároveň s úprimnou bezprostrednosťou – Jordansovou láskou k obrazu bohaté hostiny(opakované opakovanie zápletky „kráľa fazule“ to potvrdzuje. Mimochodom, za fazuľového kráľa bol na hostinách zvolený každý, kto našiel vo svojom kúsku koláča zapečenú fazuľu) a hrdinovia kresťanských legiend ako zdraví Flámovia stelesňujú duch kultúry Flámska 17. storočia.

"Sviatok kráľa fazule", 1655

Anthony Van Dyck- portrétista, ktorý vytvoril typ aristokratického portrétu, naplneného najjemnejším psychologizmom, vyjadreným v pozornosti dynamike siluety a celkovej expresivite postáv.

"Portrét Karola I. na love", 1635

Frans Snyders známy tým, že zobrazuje zmyselnú povahu vecí, reprezentovanú farebnosťou a monumentálnosťou dekoratívnych zátiší, maľby zvierat.

Obchod s ovocím, 1620

Jan Brueghel mladší- vnuk umelca Pietera Brueghela staršieho, pamätný pre jeho zručnú zmes krajinomaľby a každodennej maľby, krajiny a alegorických mytologických námetov, ako aj talentovaný prenos efektu panorámy vďaka vysokému horizontu.

"Flóra na pozadí krajiny", 1600-1610

Hlavné rozdiely medzi holandskou a flámskou maľbou

1. V Holandsku sa stáva hlavným odberateľom umenia obyvateľstvo pracujúcej triedy vo Flámsku – kráľovský dvor a šľachta.
2. Pozemky. Rôzni klienti žiadajú rôzne veci. Obyčajní ľudia záujem o obrazy zobrazujúce okolitý každodenný život, medzi šľachtou očakáva sa, že bude dopyt antické a biblické výjavy, ukážka luxusu.
3. Spôsob písania. charakteristický jemný zmysel pre šerosvit sa stáva črtou holandskej maľby. Odteraz je to hlavný nástroj, ktorý vám umožní zušľachtiť obraz nevzhľadnej reality. Vo flámskej maľbe zaujíma ústrednú pozíciu o prostriedky umeleckého vyjadrenia charakteristické pre baroko - nádhera foriem, brilantná farba, hojnosť a luxus.

Koniec éry holandského a flámskeho maliarstva možno nazvať podobným – pod vplyvom francúzskeho vkusu a názorov postupne slabne holandské aj flámske národné povedomie, a preto sa pojem flámskeho a holandského maliarstva stáva historickou minulosťou.

Udalosti 17. storočia v Holandsku a Flámsku dali svetu vynikajúcich autorov a svieži pohľad na všeobecný vývoj svetových maliarskych trendov.

Zdroje:

1. Malé dejiny umenia. Západoeurópske umenie XVII.

2. Flámske a holandské umenie 17. storočia. Ako dva póly svetonázoru dňa // banauka.ru/6067.html.

3. Éra renesančného umenia v Holandsku // http://m.smallbay.ru/article/later_renaiss_niderland.html.

Holandsko. 17 storočie Krajina zažíva nebývalý rozkvet. Takzvaný „zlatý vek“. Koncom 16. storočia dosiahli viaceré provincie krajiny nezávislosť od Španielska.

Teraz sa protestantské Holandsko vydalo vlastnou cestou. A katolícke Flámsko (dnes Belgicko) pod krídlami Španielska – svoje.

V nezávislom Holandsku takmer nikto nepotreboval náboženské maľovanie. Protestantská cirkev neschvaľovala luxus výzdoby. Ale táto okolnosť „hrala do karát“ svetskej maľbe.

Lásku k tomuto druhu umenia prebudil doslova každý obyvateľ novej krajiny. Holanďania chceli na obrázkoch vidieť svoj vlastný život. A umelci im ochotne išli v ústrety.

Ešte nikdy nebola okolitá realita tak vykreslená. Obyčajní ľudia, obyčajné izby a najobyčajnejšie raňajky mestského obyvateľa.

Realizmus prekvital. Až do 20. storočia bude dôstojným konkurentom akademizmu s jeho nymfami a gréckymi bohyňami.

Títo umelci sa nazývajú „malí“ Holanďania. prečo? Obrazy boli malých rozmerov, pretože boli vytvorené pre malé domčeky. Takže takmer všetky obrazy Jana Vermeera nie sú vyššie ako pol metra.

Ale viac sa mi páči iná verzia. V Holandsku v 17. storočí žil a pracoval veľký majster, „veľký“ Holanďan. A všetci ostatní boli v porovnaní s ním „malí“.

Hovoríme, samozrejme, o Rembrandtovi. Začnime ním.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrét vo veku 63 rokov. Londýnska národná galéria z roku 1669

Rembrandt mal počas svojho života šancu zažiť najširšiu škálu emócií. Preto je v jeho raných dielach toľko zábavy a odvahy. A toľko zložitých pocitov – v tých neskorších.

Tu je mladý a bezstarostný na obraze „Márnotratný syn v krčme“. Na kolenách leží Saskiina milovaná manželka. Je obľúbeným umelcom. Objednávky sa hrnú.

Rembrandt. Márnotratný syn v krčme. 1635 Galéria starých majstrov, Drážďany

Ale toto všetko za nejakých 10 rokov zmizne. Saskia zomrie na konzumáciu. Popularita zmizne ako dym. Veľký dom s unikátnou zbierkou odvezú pre dlhy.

Ale objaví sa ten istý Rembrandt, ktorý zostane po stáročia. Nahé pocity postáv. Ich najtajnejšie myšlienky.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportrét. 1650 Metropolitné múzeum umenia, New York

Frans Hals je jedným z najväčších maliarov portrétov všetkých čias. Preto by som ho zaradil aj medzi „veľkých“ Holanďanov.

V Holandsku bolo v tom čase zvykom objednávať skupinové portréty. Takže tam bolo veľa podobných prác zobrazujúcich ľudí, ktorí spolupracujú: strelci z jedného cechu, lekári z jedného mesta, spravujúci dom dôchodcov.

V tomto žánri najviac vyčnieva Hals. Koniec koncov, väčšina z týchto portrétov vyzerala ako balíček kariet. Ľudia sedia pri stole s rovnakým výrazom v tvári a len pozerajú. Hals bol iný.

Pozrite si jeho skupinový portrét „Šípy cechu sv. George".

Frans Hals. Šípy Cechu sv. George. 1627 Frans Hals Museum, Haarlem, Holandsko

Tu nenájdete jediné opakovanie v postoji či výraze tváre. Zároveň tu nie je žiadny chaos. Existuje veľa postáv, ale nikto sa nezdá byť zbytočný. Vďaka prekvapivo správnemu usporiadaniu figúrok.

Áno, a v jedinom portréte Hals prekonal mnohých umelcov. Jeho modely sú prirodzené. Ľuďom z vyššej spoločnosti na jeho obrazoch chýba prehnaná vznešenosť a modelky zdola nepôsobia ponížene.

A jeho postavy sú veľmi emotívne: usmievajú sa, smejú sa, gestikulujú. Ako napríklad tento „Cigán“ so šibalským pohľadom.

Frans Hals. Cigánska. 1625-1630

Hals, podobne ako Rembrandt, skončil svoj život v chudobe. Z rovnakého dôvodu. Jeho realizmus išiel proti vkusu zákazníkov. Ktorí chceli vyšperkovať svoj vzhľad. Hals nešiel na vyslovené lichôtky, a tak si podpísal vlastnú vetu – „Oblivion“.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Autoportrét. 1668 Kráľovská galéria Mauritshuis, Haag, Holandsko

Terborch bol majstrom domáceho žánru. Bohatí a nie príliš mešťania rozprávajú pomaly, dámy čítajú listy a kupec sleduje dvorenie. Dve alebo tri blízko seba umiestnené postavy.

Bol to tento majster, ktorý vyvinul kánony domáceho žánru. Ktoré si potom požičia Jan Vermeer, Pieter de Hooch a mnohí ďalší „malí“ Holanďania.

Gerard Terborch. Pohárik limonády. 60. roky 17. storočia. Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad

Pohár limonády je jedným z najznámejších diel Terborchu. Ukazuje to ďalšiu výhodu umelca. Neuveriteľne realistický obraz látky šiat.

Terborch má tiež nezvyčajné diela. Čo hovorí o jeho túžbe ísť nad rámec požiadaviek zákazníkov.

Jeho „Mlynček“ ukazuje život najchudobnejších obyvateľov Holandska. Na obrázkoch „malých“ Holanďanov sme zvyknutí vidieť útulné dvory a čisté izby. Terborch si ale trúfol ukázať neatraktívne Holandsko.

Gerard Terborch. Brúska. 1653-1655 Berlínske štátne múzeá

Ako viete, takéto diela neboli žiadané. A sú ojedinelým výskytom aj v Terborchu.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Ján Vermeer. Umelcova dielňa. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Viedeň

Ako Jan Vermeer vyzeral, nie je isté. Je len zrejmé, že na obraze „Umelecká dielňa“ zobrazil sám seba. Pravda odzadu.

Preto je prekvapujúce, že nedávno sa stala známa nová skutočnosť zo života majstra. Je spojená s jeho majstrovským dielom „Street of Delft“.

Ján Vermeer. Delftská ulica. 1657 Rijksmuseum v Amsterdame

Ukázalo sa, že Vermeer strávil svoje detstvo na tejto ulici. Dom na obrázku patril jeho tete. Vychovala tam svojich päť detí. Možno sedí na prahu a šije, zatiaľ čo jej dve deti sa hrajú na chodníku. Sám Vermeer býval v dome oproti.

Častejšie však zobrazoval interiér týchto domov a ich obyvateľov. Zdalo by sa, že zápletky obrazov sú veľmi jednoduché. Tu je pekná dáma, bohatá obyvateľka mesta, ktorá kontroluje prácu svojich váh.

Ján Vermeer. Žena s váhami. 1662-1663 Národná galéria umenia, Washington

Ako Vermeer vynikal medzi tisíckami iných „malých“ Holanďanov?

Bol neprekonateľným majstrom svetla. Na obraze „Žena s váhami“ svetlo jemne obklopuje tvár hrdinky, látky a steny. Dáva obrazu neznámu spiritualitu.

A kompozície Vermeerových obrazov sú starostlivo overené. Nenájdete jediný detail navyše. Stačí odstrániť jeden z nich, obrázok sa „rozpadne“ a kúzlo zmizne.

To všetko nebolo pre Vermeera ľahké. Takáto úžasná kvalita si vyžadovala starostlivú prácu. Len 2-3 obrazy ročne. V dôsledku toho nemožnosť uživiť rodinu. Vermeer tiež pracoval ako obchodník s umením a predával diela iných umelcov.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Peter de Hooch. Autoportrét. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoch je často porovnávaný s Vermeerom. Pracovali v rovnakom čase, dokonca bolo obdobie v tom istom meste. A to v jednom žánri – domácnosť. V Hochu tiež vidíme jednu alebo dve postavy v útulných holandských dvoroch alebo izbách.

Otvorené dvere a okná robia priestor jeho obrazov viacvrstvovým a zábavným. A postavy do tohto priestoru zapadajú veľmi harmonicky. Ako napríklad v jeho obraze „Sluha s dievčaťom na dvore“.

Peter de Hooch. Slúžka s dievčaťom na dvore. 1658 Londýnska národná galéria

Až do 20. storočia bol Hoch veľmi cenený. Málokto si ale všimol tých pár diel jeho konkurenta Vermeera.

V 20. storočí sa však všetko zmenilo. Hochova sláva pohasla. Je však ťažké nespoznať jeho úspechy v maľbe. Len málokto dokázal tak kompetentne skĺbiť prostredie a ľudí.

Peter de Hooch. Hráči kariet v slnečnej miestnosti. 1658 Royal Art Collection, Londýn

Upozorňujeme, že v skromnom dome na plátne "Hráči kariet" je obraz v drahom ráme.

To opäť hovorí o tom, aké populárne bolo maľovanie medzi obyčajnými Holanďanmi. Obrázky zdobili každý dom: dom bohatého mešťana, skromného mestského obyvateľa a dokonca aj sedliaka.

6. Ján Steen (1626-1679)

Ján Stan. Autoportrét s lutnou. 70. roky 17. storočia Múzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je snáď najveselší „malý“ Holanďan. Ale láskavé moralizovanie. Často zobrazoval krčmy alebo chudobné domy, v ktorých sa našli neresti.

Jeho hlavnými postavami sú milovníci a dámy ľahkej cnosti. Chcel diváka pobaviť, no implicitne ho varovať pred začarovaným životom.

Ján Stan. Chaos. 1663 Umeleckohistorické múzeum, Viedeň

Stan má aj tichšie diela. Ako napríklad „Ranná toaleta“. Ale aj tu umelec prekvapuje diváka príliš úprimnými detailmi. Sú tam stopy žuvačky a nie prázdny hrniec. A nejako to vôbec nie je tak, ako pes leží priamo na vankúši.

Ján Stan. Ranná toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Ale napriek všetkej márnomyseľnosti sú Stanove farebné schémy veľmi profesionálne. V tomto predčil mnohých „malých Holanďanov“. Pozrite sa, ako sa červená pančucha dokonale hodí k modrému saku a žiarivo béžovému kobercu.

7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1882)

Portrét Ruisdaela. Litografia z knihy z 19. storočia.

"Burgerský" barok v holandskej maľbeXVII v. - obraz každodennosti (P. de Hoch, Vermeer). "Luxusné" zátišie Kalf. Skupinový portrét a jeho črty v Hals a Rembrandt. Výklad mytologických a biblických predmetov od Rembrandta.

Holandské umenie 17. storočia

V 17. storočí Holandsko sa stalo vzorovou kapitalistickou krajinou. Viedla rozsiahly koloniálny obchod, mala silnú flotilu, stavba lodí bola jedným z popredných odvetví. Protestantizmus (kalvinizmus ako jeho najtvrdšia forma), ktorý úplne nahradil vplyv katolíckej cirkvi, viedol k tomu, že duchovenstvo v Holandsku nemalo taký vplyv na umenie ako vo Flámsku a ešte viac v Španielsku či Taliansku. V Holandsku cirkev nehrala úlohu objednávateľa umeleckých diel: chrámy neboli zdobené oltárnymi obrazmi, pretože kalvinizmus odmietal akýkoľvek náznak luxusu; Protestantské kostoly mali jednoduchú architektúru a vo vnútri neboli nijako zdobené.

Hlavný úspech holandského umenia XVIII storočia. - v maliarskom stojane. Človek a príroda boli objektmi pozorovania a zobrazovania holandských umelcov. Každodenná maľba sa stáva jedným z popredných žánrov, ktorých tvorcovia v histórii dostali názov „malí Holanďania“. Zastúpené sú aj maľby na evanjeliových a biblických výjavoch, no nie v takom rozsahu ako v iných krajinách. Holandsko nikdy nemalo spojenie s Talianskom a klasické umenie nehralo rovnakú úlohu ako vo Flámsku.

Osvojenie si realistických tendencií, formovanie určitého okruhu tém, diferenciácia žánrov ako jednotný proces boli zavŕšené 20. rokmi 17. storočia. Dejiny holandského maliarstva 17. storočia. dokonale demonštruje vývoj tvorby jedného z najväčších holandských portrétnych maliarov Fransa Halsa (približne 1580-1666). V 10-30 rokoch Hals veľa pracoval v žánri skupinových portrétov. Z plátien týchto rokov vyzerajú veselí, energickí, podnikaví ľudia, ktorí sú si istí svojimi schopnosťami a budúcnosťou („St. Adrian’s Shooting Guild“, 1627 a 1633;

Strelecký cech sv. Juraj", 1627).

Jednotlivé portréty Khalov niekedy výskumníci nazývajú žánrovými portrétmi kvôli špeciálnej špecifickosti obrazu. Hulsov útržkovitý štýl, jeho odvážne písanie, keď ťah štetcom vyrezáva tvar aj objem a vyjadruje farbu.

V portrétoch Khalov neskorého obdobia (50-60-te roky) sa v postavách zobrazovaných osôb vytráca bezstarostná zdatnosť, energia a tlak. Ale práve v neskorom období kreativity dosahuje Hals vrchol majstrovstva a vytvára najhlbšie diela. Farba jeho obrazov sa stáva takmer monochromatickou. Dva roky pred svojou smrťou, v roku 1664, sa Hals opäť vrátil ku skupinovému portrétu. Maľuje dva portréty – regentov a regentov domova dôchodcov, v jednom z nich sám našiel na sklonku života úkryt. V portréte regentov niet kamarátstva predchádzajúcich kompozícií, modelky sú nejednotné, bezmocné, oči zakalené, na tvárach spustošenie.

Umenie Hals malo na svoju dobu veľký význam, malo vplyv na vývoj nielen portrétu, ale aj žánru každodenného života, krajiny, zátišia.

Zaujímavý je najmä krajinársky žáner Holandska v 17. storočí. Hollanda stvárňujú Jan van Goyen (1596-1656) a Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Rozkvet krajinomaľby v holandskej škole sa datuje do polovice 17. storočia. Najväčším majstrom realistickej krajiny bol Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), jeho diela sú zvyčajne plné hlbokej drámy, či už ide o lesné húštiny („Forest Swamp“),

krajinky s vodopádmi („Vodopád“) alebo romantická krajina s cintorínom („Židovský cintorín“).

Príroda v Ruisdael sa objavuje v dynamike, vo večnej obnove.

V úzkom spojení s holandskou krajinou je živočíšny žáner. Obľúbeným motívom Alberta Cuypa sú kravy na napájadle („Západ slnka na rieke“, „Kravy na brehu potoka“).

Brilantný vývoj dosahuje zátišie. Holandské zátišie je na rozdiel od flámskeho skromné ​​čo do veľkosti a motívov pre obrazy intímneho charakteru. Pieter Claesz (okolo 1597-1661), Billem Head (1594-1680/82) najčastejšie zobrazovali takzvané raňajky: jedlá so šunkou alebo koláčom na pomerne skromne obsluhovanom stole. Khedove „raňajky“ ustupujú Kalfovým honosným „dezertom“. Jednoduchý riad nahrádzajú mramorové stoly, kobercové obrusy, strieborné poháre, perleťové mušle a krištáľové poháre. Kalf dosahuje úžasnú virtuozitu pri prenášaní textúry broskýň, hrozna a krištáľových povrchov.

V 20-30 rokoch XVII storočia. Holanďania vytvorili zvláštny typ drobnej, malofigurálnej maľby. 40-60-te roky - rozkvet maľby, oslavujúca pokojný meštiansky život Holandska, odmeraná každodenná existencia.

Adrian van Ostade (1610-1685) zobrazuje najprv tienisté stránky života roľníkov ("Boj").

Od 40. rokov 20. storočia sa v jeho tvorbe čoraz častejšie nahrádzajú satirické poznámky humornými („V dedinskej krčme“, 1660).

Niekedy sú tieto malé obrázky kolorované s veľkým lyrickým cítením. Za Ostadeho majstrovské maliarske dielo sa právom považuje jeho „Maliar v ateliéri“ (1663), v ktorom umelec oslavuje tvorivú prácu.

No hlavnou témou „malých Holanďanov“ stále nie je sedliacky, ale meštiansky život. Zvyčajne sú to obrazy bez fascinujúcej zápletky. Najzábavnejším rozprávačom v obrazoch tohto druhu bol Jan Stan (1626-1679) ("Revelers", "The backgammon game"). Gerard Terborch (1617-1681) v tom dosiahol ešte väčšiu zručnosť.

Interiér sa stáva obzvlášť poetickým medzi „malými Holanďanmi“. Skutočným spevákom tejto témy bol Pieter de Hooch (1629-1689). Jeho izby s pootvoreným oknom, nedopatrením vyhodenými topánkami či ponechanou metlou sú často zobrazované bez ľudskej postavy.

Nová etapa žánrovej maľby začína v 50. rokoch a je spojená s takzvanou delftskou školou, s menami umelcov ako Karel Fabritius, Emmanuel de Witte a Jan Vermeer, známy v dejinách umenia ako Vermeer z Delftu (1632-1675 ). Zdá sa, že Vermeerove obrazy nie sú v žiadnom prípade originálne. Sú to tie isté obrazy zamrznutého meštianskeho života: čítanie listu, rozprávanie pána a dámy, slúžky zabývané v jednoduchej domácnosti, pohľady na Amsterdam či Delft. Tieto obrázky, ktoré sú jednoduché v akcii: „Dievča číta list“,

"Kavalier a dáma pri Spinete",

„Dôstojník a smejúce sa dievča“ atď. sú plné duchovnej jasnosti, pokoja a ticha.

Hlavné prednosti Vermeera ako umelca sú v prenose svetla a vzduchu. Rozpúšťanie predmetov vo svetlovzdušnom prostredí, schopnosť vytvárať túto ilúziu, v prvom rade určili uznanie a slávu Vermeera práve v 19. storočí.

Wermeer robil to, čo nikto iný v 17. storočí: maľoval krajiny z prírody („Ulica“, „Pohľad na Delft“).

Možno ich nazvať prvými príkladmi plenérovej maľby.

Vrcholom holandského realizmu, výsledkom obrazových výdobytkov holandskej kultúry 17. storočia, je dielo Rembrandta. Harmensz van Rijn Rembrandt (1606-1669) sa narodil v Leidene. V roku 1632 odišiel Rembrandt do Amsterdamu, centra umeleckej kultúry Holandska, čo mladého umelca prirodzene priťahovalo. Tridsiate roky boli časom najvyššej slávy, cestu ku ktorej maliarovi otvoril veľký objednaný obraz z roku 1632 – skupinový portrét, známy aj ako „Anatómia Dr. Tulpa“ alebo „Lekcia anatómie“.

V roku 1634 sa Rembrandt ožení s dievčaťom z bohatej rodiny - Saskiou van Uylenborch. Začína sa najšťastnejšie obdobie jeho života. Stáva sa slávnym a módnym umelcom.

Celé toto obdobie je zahalené romantikou. Rembrandtov postoj z týchto rokov najjasnejšie vyjadruje slávny „Autoportrét so Saskiou na kolenách“ (okolo 1636). Celé plátno je preniknuté úprimnou radosťou zo života, jasotom.

Barokový jazyk má najbližšie k vyjadreniu povznesenej nálady. A Rembrandt je v tomto období do značnej miery ovplyvnený talianskym barokom.

V zložitých predzvestiach sa pred nami objavujú postavy obrazu z roku 1635 „Obeť Abraháma“. Kompozícia je mimoriadne dynamická, postavená podľa všetkých pravidiel baroka.

V tých istých 30-tych rokoch sa Rembrandt po prvýkrát začal vážne zaoberať grafikou, najmä leptaním. Rembrandtove lepty sú väčšinou biblické a gospelové námety, no v kresbe sa ako správny holandský umelec často odvoláva aj na žáner. Na prelome raného obdobia umelcovej tvorby a jeho tvorivej zrelosti sa nám predstavuje jeden z jeho najznámejších obrazov, známy ako Nočná hliadka (1642), skupinový portrét streleckej roty kapitána Banninga Cocka.

Rozšíril rozsah žánru a predstavil skôr historický obraz: na poplachový signál sa Banning Cockov oddiel vydáva na kampaň. Niektorí sú pokojní, sebavedomí, iní nadšení v očakávaní toho, čo príde, ale vo všetkých je výraz spoločnej energie, vlasteneckého nadšenia, triumfu občianskeho ducha.

Skupinový portrét pod štetcom Rembrandta prerástol do hrdinského obrazu doby a spoločnosti.

Obraz už stmavol natoľko, že bol považovaný za obraz nočnej scény, preto jeho nesprávny názov. Tieň, ktorý leží z postavy kapitána na svetlom oblečení poručíka, dokazuje, že toto nie je noc, ale deň.

Smrťou Saskie v tom istom roku 1642 nastáva Rembrandtov prirodzený rozchod s patricijskými kruhmi, ktoré sú mu cudzie.

40-50 roky sú časom tvorivej zrelosti. V tomto období sa často obracia na staré diela, aby ich prerobil novým spôsobom. Tak to bolo napríklad v prípade Danae, ktorý namaľoval v roku 1636. Keď sa pozrieme na obraz v 40. rokoch 20. storočia, umelec zintenzívnil svoj emocionálny stav.

Ústrednú časť s hrdinkou a slúžkou prepísal. Podaril Danae nové gesto zdvihnutej ruky a povedal jej veľké vzrušenie, vyjadrenie radosti, nádeje, výzvy.

V 40. a 50. rokoch 20. storočia Rembrandtova remeselná zručnosť neustále rástla. Na interpretáciu si vyberá najlyrickejšie, poetické aspekty ľudskej existencie, to ľudské, čo je večné, univerzálne: materinskú lásku, súcit. Sväté písmo mu dáva najväčší materiál a z neho - výjavy zo života svätej rodiny, Rembrandt zobrazuje jednoduchý život, obyčajných ľudí, ako na obraze „Svätá rodina“.

Posledných 16 rokov je najtragickejších rokov Rembrandtovho života; je na mizine, nemá žiadne príkazy. No tieto roky sú plné úžasnej tvorivej činnosti, v dôsledku ktorej vznikajú obrazové obrazy, výnimočné z hľadiska monumentality postáv a duchovna, hlboko filozofické diela. Aj drobné diela Rembrandta z týchto rokov vytvárajú dojem mimoriadnej vznešenosti a skutočnej monumentality. Farba získava zvučnosť a intenzitu. Zdá sa, že jeho farby vyžarujú svetlo. Portréty zosnulého Rembrandta sa veľmi líšia od portrétov 30. a dokonca 40. rokov. Ide o mimoriadne jednoduché (polovičné či generačné) obrazy ľudí, ktorí sú svojou vnútornou štruktúrou blízki umelcovi. Rembrandt dosiahol najväčšiu jemnosť charakteristík v autoportrétoch, ktorých sa k nám dostalo asi sto. Finále v histórii skupinového portrétu predstavovalo Rembrandtovo zobrazenie starších súkenníckej dielne – takzvaných „Sindiki“ (1662), kde Rembrandt skúpymi prostriedkami vytváral živé a zároveň odlišné ľudské typy, no najviac čo je dôležité, podarilo sa mu sprostredkovať zmysel pre duchovnú jednotu, vzájomné porozumenie a vzťahy medzi ľuďmi.

V rokoch zrelosti (hlavne v 50. rokoch) vytvoril Rembrandt svoje najlepšie lepty. Ako lepták nemá vo svetovom umení páru. Vo všetkých majú obrazy hlboký filozofický význam; rozprávajú o tajomstvách bytia, o tragédii ľudského života.

Veľa kreslí. Rembrandt po sebe zanechal 2000 kresieb. Ide o náčrty z prírody, náčrty na obrazy a prípravy na lepty.

V poslednej štvrtine XVII storočia. začína úpadok holandskej maliarskej školy, strata jej národnej identity a od začiatku 18. storočia sa začína koniec veľkej éry holandského realizmu.