"Hráči kariet"

Autor

Paul Cezanne

Krajina Francúzsko
Roky života 1839–1906
Štýl postimpresionizmu

Umelec sa narodil na juhu Francúzska v malom mestečku Aix-en-Provence, no maľovať začal v Paríži. Skutočný úspech sa mu dostavil po samostatnej výstave, ktorú zorganizoval zberateľ Ambroise Vollard. V roku 1886, 20 rokov pred odchodom, sa presťahoval na okraj svojho rodného mesta. Mladí umelci nazvali výlety k nemu „púťou do Aix“.

Rozmer 130 x 97 cm
1895
cena
250 miliónov dolárov
predané v roku 2012
na súkromnej aukcii

Cezannova práca je ľahko pochopiteľná. Jediným pravidlom umelca bol priamy prenos predmetu alebo sprisahania na plátno, takže jeho obrazy nespôsobujú zmätok diváka. Cezanne spojil vo svojom umení dve hlavné francúzske tradície: klasicizmus a romantizmus. Pomocou farebnej textúry dodal forme predmetov úžasnú plasticitu.

Séria piatich obrazov „Hráči kariet“ bola napísaná v rokoch 1890-1895. Ich zápletka je rovnaká – niekoľko ľudí s nadšením hrá poker. Diela sa líšia len počtom hráčov a veľkosťou plátna.

Štyri obrazy sa uchovávajú v múzeách v Európe a Amerike (Múzeum d'Orsay, Metropolitné múzeum umenia, Barnesova nadácia a Courtauld Institute of Art) a piaty bol donedávna ozdobou súkromnej zbierky Grécky miliardár, majiteľ lode George Embirikos. Krátko pred smrťou, v zime 2011, sa ho rozhodol dať na predaj. Potenciálnymi kupcami Cezannovho „voľného“ diela boli obchodník s umením William Aquavella a svetoznámy galerista Larry Gagosian, ktorí zaň ponúkli približne 220 miliónov dolárov. V dôsledku toho sa obraz dostal do kráľovskej rodiny arabského štátu Katar za 250 miliónov.Najväčší obchod s umením v histórii maľby bol uzavretý vo februári 2012. Pre Vanity Fair o tom informovala novinárka Alexandra Pierce. Zistila cenu obrazu aj meno nového majiteľa a následne informácia prenikla do médií po celom svete.

V roku 2010 bolo v Katare otvorené Arabské múzeum moderného umenia a Katarské národné múzeum. Teraz sa ich zbierky rozrastajú. Možno piatu verziu The Card Players získal šejk práve na tento účel.

Najviacdrahý obrázokvo svete

Vlastník
Šejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani vládne Kataru už viac ako 130 rokov. Asi pred polstoročím tu boli objavené obrovské zásoby ropy a plynu, vďaka ktorým sa Katar okamžite stal jedným z najbohatších regiónov sveta. Vďaka exportu uhľovodíkov zaznamenala táto malá krajina najväčšie HDP na obyvateľa. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani prevzal moc v roku 1995, keď bol jeho otec vo Švajčiarsku, s podporou rodinných príslušníkov. Zásluha súčasného vládcu je podľa odborníkov v jasnej stratégii rozvoja krajiny, vytváraní úspešného obrazu štátu. Katar má teraz ústavu a premiéra a ženy získali právo voliť v parlamentných voľbách. Mimochodom, bol to katarský emír, ktorý založil spravodajský kanál Al-Džazíra. Orgány arabského štátu venujú veľkú pozornosť kultúre.

2

"Číslo 5"

Autor

Jackson Pollock

Krajina USA
Roky života 1912–1956
Štýl abstraktný expresionizmus

Jack the Sprinkler – takú prezývku dala Pollockovi americká verejnosť pre jeho špeciálnu techniku ​​maľovania. Umelec opustil štetec a stojan a farbu nalial na povrch plátna alebo drevovláknitej dosky počas nepretržitého pohybu okolo nich a vnútri nich. Už od malička mal v obľube filozofiu Jiddu Krishnamurti, ktorej hlavným posolstvom je, že pravda sa odhaľuje pri voľnom „výleve“.

Rozmery 122 x 244 cm
1948
cena
140 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na aukcii Sotheby's

Hodnota Pollockovej práce nie je vo výsledku, ale v procese. Autor svoje umenie nenazval náhodou „akčnou maľbou“. S jeho ľahkou rukou sa stala hlavným majetkom Ameriky. Jackson Pollock zmiešal farbu s pieskom, rozbitým sklom a písal kúskom kartónu, paletovým nožom, nožom, lopatou. Umelec bol taký populárny, že v 50. rokoch boli v ZSSR dokonca imitátori. Obraz „Číslo 5“ je uznávaný ako jeden z najpodivnejších a najdrahších na svete. Jeden zo zakladateľov DreamWorks, David Geffen, ho kúpil do súkromnej zbierky a v roku 2006 ho predal v Sotheby`s za 140 miliónov dolárov mexickému zberateľovi Davidovi Martinezovi. Advokátska kancelária však čoskoro vydala v mene svojho klienta tlačovú správu, v ktorej uviedla, že David Martinez nie je vlastníkom obrazu. Len jedna vec je istá: mexický finančník skutočne nedávno zhromaždil diela súčasného umenia. Je nepravdepodobné, že by mu ušla taká „veľká ryba“, akou je Pollockovo „Číslo 5“.

3

"Žena III"

Autor

Willem de Kooning

Krajina USA
Roky života 1904–1997
Štýl abstraktný expresionizmus

Rodák z Holandska v roku 1926 emigroval do Spojených štátov amerických. V roku 1948 sa uskutočnila osobná výstava umelca. Umeleckí kritici ocenili zložité, nervózne čiernobiele kompozície, v ktorých autor uznával veľkého modernistického umelca. Väčšinu života trpel alkoholizmom, ale radosť z tvorby nového umenia je cítiť v každom diele. De Kooning sa vyznačuje impulzívnosťou maľby, širokými ťahmi, a preto niekedy obraz nezapadá do hraníc plátna.

Rozmer 121 x 171 cm
1953
cena
137 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na súkromnej aukcii

V 50. rokoch sa na de Kooningových obrazoch objavujú ženy s prázdnymi očami, mohutnými prsiami a škaredými črtami. "Žena III" bola posledná práca z tejto série, ktorá sa zúčastnila aukcie.

Od 70. rokov 20. storočia bol obraz uchovávaný v teheránskom múzeu moderného umenia, no po zavedení prísnych morálnych pravidiel v krajine sa ho snažili zbaviť. V roku 1994 bolo dielo odvezené z Iránu a o 12 rokov neskôr jeho majiteľ David Geffen (ten istý producent, ktorý predal „Číslo 5“ Jacksona Pollocka) predal obraz milionárovi Stephenovi Cohenovi za 137,5 milióna dolárov. Zaujímavosťou je, že v jednom roku začal Geffen predávať svoju zbierku obrazov. To vyvolalo veľa klebiet: napríklad, že sa producent rozhodol kúpiť Los Angeles Times.

Na jednom z umeleckých fór bol vyjadrený názor na podobnosť „Ženy III“ s obrazom Leonarda da Vinciho „Dáma s hranostajom“. Za zubatým úsmevom a neforemnou postavou hrdinky znalec maľby rozpoznal ladnosť osoby kráľovskej krvi. Svedčí o tom aj zle vysledovaná koruna korunujúca hlavu ženy.

4

„Portrét AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Krajina Rakúsko
Roky života 1862–1918
Štýl moderné

Gustav Klimt sa narodil v rodine rytca a bol druhým zo siedmich detí. Traja synovia Ernesta Klimta sa stali umelcami a iba Gustav sa preslávil po celom svete. Väčšinu svojho detstva prežil v chudobe. Po smrti svojho otca bol zodpovedný za celú rodinu. V tom čase Klimt vyvinul svoj štýl. Pred jeho obrazmi každý divák zamrzne: pod tenkými zlatými ryhami je jasne viditeľný úprimný erotizmus.

Rozmer 138 x 136 cm
1907
cena
135 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na aukcii Sotheby's

Osud obrazu, ktorý sa volá „rakúska Mona Lisa“, by sa pokojne mohol stať podkladom pre bestseller. Dielo umelca sa stalo príčinou konfliktu celého štátu a jednej staršej dámy.

Takže „Portrét Adele Bloch-Bauer I“ zobrazuje aristokratku, manželku Ferdinanda Blocha. Jej poslednou vôľou bolo preniesť obraz do Rakúskej štátnej galérie. Bloch však dar vo svojom závete zrušil a nacisti obraz vyvlastnili. Neskôr Zlatú Adelu galéria takmer nevykúpila, no potom sa objavila dedička - Maria Altman, neter Ferdinanda Blocha.

V roku 2005 sa začal vysokoprofilový proces „Maria Altman proti Rakúskej republike“, v dôsledku čoho s ňou obraz „odišiel“ do Los Angeles. Rakúsko prijalo bezprecedentné opatrenia: vyjednávali sa pôžičky, obyvateľstvo darovalo peniaze na kúpu portrétu. Dobro nikdy neporazilo zlo: Altman zvýšil cenu na 300 miliónov dolárov. V čase súdneho procesu mala 79 rokov a do dejín sa zapísala ako osoba, ktorá zmenila vôľu Bloch-Bauerovej v prospech osobných záujmov. Obraz kúpil Ronald Lauder, majiteľ New Gallery v New Yorku, kde je dodnes. Nie pre Rakúsko, pre neho Altman znížil cenu na 135 miliónov dolárov.

5

"kričať"

Autor

Edvard Munch

Krajina Nórsko
Roky života 1863–1944
Štýl expresionizmus

Munchova prvá maľba, ktorá sa preslávila po celom svete, „Choré dievča“ (existuje v piatich kópiách) je venovaná umelcovej sestre, ktorá zomrela na tuberkulózu vo veku 15 rokov. Muncha vždy zaujímala téma smrti a osamelosti. V Nemecku jeho ťažká, maniakálna maľba dokonca vyvolala škandál. Napriek depresívnym zápletkám však jeho obrazy majú zvláštny magnetizmus. Vezmite si aspoň "Scream".

Rozmer 73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 milióna dolárov
predaný v 2012
na aukcii Sotheby's

Celý názov obrazu je Der Schrei der Natur (v preklade z nemčiny „výkrik prírody“). Tvár či už človeka alebo mimozemšťana vyjadruje zúfalstvo a paniku – rovnaké emócie prežíva aj divák pri pohľade na obraz. Jedno z kľúčových diel expresionizmu varuje pred témami, ktoré sa stali akútnymi v umení 20. storočia. Podľa jednej verzie ho umelec vytvoril pod vplyvom duševnej poruchy, ktorou trpel celý život.

Obraz bol dvakrát ukradnutý z rôznych múzeí, ale bol vrátený. Mierne poškodený po krádeži bol The Scream obnovený a bol pripravený na opätovné vystavenie v Munchovom múzeu v roku 2008. Pre predstaviteľov popkultúry sa dielo stalo zdrojom inšpirácie: Andy Warhol vytvoril sériu svojich kópií a maska ​​z filmu „Scream“ bola vytvorená podľa obrazu a podoby hrdinu obrázka.

Pre jednu zápletku napísal Munch štyri verzie diela: tá v súkromnej zbierke je vyrobená v pastelových farbách. Nórsky miliardár Petter Olsen ho dal 2. mája 2012 do aukcie. Kupcom sa stal Leon Black, ktorý na „Scream“ nešetril rekordnou sumou. Zakladateľ Apollo Advisors, L.P. a Lion Advisors, L.P. známy svojou láskou k umeniu. Black je patrónom Dartmouth College, Múzea moderného umenia, Lincoln Art Center a Metropolitného múzea umenia. Má najväčšiu zbierku obrazov súčasných umelcov a klasických majstrov minulých storočí.

6

"Nahá na pozadí busty a zelených listov"

Autor

Pablo Picasso

Krajina Španielsko, Francúzsko
Roky života 1881–1973
Štýl kubizmus

Pôvodom je to Španiel, ale duchom a miestom bydliska je to pravý Francúz. Picasso si otvoril vlastné umelecké štúdio v Barcelone, keď mal iba 16 rokov. Potom odišiel do Paríža a strávil tam väčšinu svojho života. Preto je v jeho priezvisku dvojitý stres. Štýl, ktorý vymyslel Picasso, je založený na popretí názoru, že objekt zobrazený na plátne je možné vidieť iba z jedného uhla.

Rozmer 130 x 162 cm
1932
cena
106,482 milióna dolárov
predané v roku 2010
na aukcii Christie's

Počas svojej práce v Ríme sa umelec stretol s tanečnicou Olgou Khokhlovou, ktorá sa čoskoro stala jeho manželkou. Skoncoval s potulkami, presťahoval sa s ňou do luxusného bytu. V tom čase uznanie našlo hrdinu, ale manželstvo bolo zničené. Jeden z najdrahších obrazov na svete vznikol takmer náhodou – z veľkej lásky, ktorá, ako vždy u Picassa, mala krátke trvanie. V roku 1927 sa začal zaujímať o mladú Marie-Therese Walterovú (ona mala 17 rokov, on 45). Tajne od svojej manželky odišiel so svojou milenkou do mestečka neďaleko Paríža, kde namaľoval portrét znázorňujúci Máriu Teréziu v podobe Daphne. Obraz kúpil newyorský obchodník Paul Rosenberg a v roku 1951 ho predal Sidneymu F. Brodymu. Brodyovci ukázali svetu obraz iba raz, a to len preto, že umelec mal 80 rokov. Po manželovej smrti dala pani Brodyová dielo v marci 2010 do aukcie v Christie's. Za šesť desaťročí sa cena zvýšila viac ako 5000-krát! Neznámy zberateľ ho kúpil za 106,5 milióna dolárov. V roku 2011 sa v Británii konala „výstava jedného obrazu“, kde uzrel svetlo sveta už druhýkrát, no meno majiteľa je stále neznáme.

7

"Osem Elvisov"

Autor

Andy Warhole

Krajina USA
Roky života 1928-1987
Štýl
pop art

„Sex a párty sú jediné miesta, kde sa musíte objaviť osobne,“ povedal kultový popový umelec, režisér a jeden zo zakladateľov magazínu Interview, dizajnér Andy Warhol. Spolupracoval s Vogue a Harper's Bazaar, navrhoval obaly platní a navrhoval topánky pre I.Millera. V šesťdesiatych rokoch sa objavili maľby zobrazujúce symboly Ameriky: Campbellova polievka a Coca-Cola, Presley a Monroe - vďaka čomu sa stal legendou.

Rozmery 358 x 208 cm
1963
cena
100 miliónov dolárov
predané v roku 2008
na súkromnej aukcii

Warholove 60. roky – takzvaná éra pop artu v Amerike. V roku 1962 pracoval na Manhattane vo Factory Studio, kde sa zišla celá bohéma New Yorku. Jeho najjasnejší predstavitelia: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote a ďalšie známe osobnosti sveta. Warhol si zároveň vyskúšal techniku ​​sieťotlače – viacnásobné opakovanie jedného obrazu. Túto metódu použil aj pri tvorbe „Osem Elvisov“: divákovi sa zdá, že vidí snímky z filmu, kde hviezda ožíva. Všetko, čo umelec tak miloval, je tu: obojstranne výhodný verejný obraz, strieborná farba a predtucha smrti ako hlavné posolstvo.

V súčasnosti na svetovom trhu propagujú Warholovo dielo dvaja obchodníci s umením: Larry Gagosian a Alberto Mugrabi. Prvý v roku 2008 minul 200 miliónov dolárov na nákup viac ako 15 Warholových diel. Druhý kupuje a predáva svoje obrazy ako vianočné pohľadnice, len drahšie. Neboli to však oni, ale skromný francúzsky umelecký poradca Philippe Segalo, ktorý pomohol rímskemu znalcovi umenia Annibale Berlinghierimu predať Osem Elvisov neznámemu kupcovi za Warholovských rekordných 100 miliónov dolárov.

8

"Oranžová,Červená žltá"

Autor

Mark Rothko

Krajina USA
Roky života 1903–1970
Štýl abstraktný expresionizmus

Jeden z tvorcov farebnej maľby sa narodil v ruskom Dvinsku (dnes Daugavpils, Lotyšsko) v početnej rodine židovského lekárnika. V roku 1911 emigrovali do USA. Rothko študoval na umeleckom oddelení Yale University, získal štipendium, ale antisemitské nálady ho prinútili zanechať štúdium. Napriek všetkému kritici umenia zbožňovali umelca a múzeá ho prenasledovali celý život.

Rozmer 206 x 236 cm
1961
cena
86,882 milióna dolárov
predané v roku 2012
na aukcii Christie's

Prvé Rothkove výtvarné pokusy boli surrealistického zamerania, no postupom času zjednodušil dej na farebné škvrny, čím ich zbavil akejkoľvek objektivity. Najprv mali svetlé odtiene a v 60. rokoch sa naplnili hnedou, fialovou, do smrti umelca zhustli do čiernej. Mark Rothko varoval pred hľadaním akéhokoľvek významu v jeho obrazoch. Autor chcel povedať presne to, čo povedal: iba farbu, ktorá sa rozpúšťa vo vzduchu, a nič viac. Odporúčal pozerať sa na diela zo vzdialenosti 45 cm, aby bol divák „vtiahnutý“ do farby, ako do lievika. Pozor: pozeranie v súlade so všetkými pravidlami môže viesť k efektu meditácie, to znamená, že postupne prichádza uvedomenie si nekonečna, úplné ponorenie sa do seba, relaxácia, očista. Farba v jeho obrazoch žije, dýcha a má silný emocionálny vplyv (niekedy sa o nej hovorí, že je liečivá). Umelec povedal: „Divák by mal pri pohľade na ne plakať“ – a také prípady naozaj boli. Podľa Rothkovej teórie ľudia v tomto momente prežívajú rovnakú duchovnú skúsenosť, akú mal on v procese práce na obrázku. Ak sa vám to podarilo pochopiť na takej jemnej úrovni, potom sa nečudujte, že tieto diela abstrakcionizmu kritici často porovnávajú s ikonami.

Dielo „Oranžová, červená, žltá“ vyjadruje podstatu maľby Marka Rothka. Jeho počiatočná cena na aukcii Christie's v New Yorku je 35-45 miliónov dolárov. Neznámy kupec ponúkol cenu dvojnásobok odhadu. Meno šťastného majiteľa obrazu, ako to často býva, nezverejnili.

9

"triptych"

Autor

Francis Bacon

Krajina
Spojene kralovstvo
Roky života 1909–1992
Štýl expresionizmus

Dobrodružstvá Francisa Bacona, úplného menovca a navyše vzdialeného potomka veľkého filozofa, sa začali, keď sa ho jeho otec zriekol, nedokázal prijať synove homosexuálne sklony. Bacon šiel najskôr do Berlína, potom do Paríža a jeho stopy sú potom po celej Európe zmätené. Už za jeho života boli jeho diela vystavené v popredných kultúrnych centrách sveta vrátane Guggenheimovho múzea a Treťjakovskej galérie.

147,5 x 198 cm (každý)
1976
cena
86,2 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's

Prestížne múzeá sa usilovali vlastniť Baconove obrazy, no prvotriedna anglická verejnosť sa neponáhľala s hľadaním takéhoto umenia. Legendárna britská premiérka Margaret Thatcherová o ňom povedala: "Muž, ktorý maľuje tieto hrozné obrazy."

Za východiskové obdobie vo svojej tvorbe sám umelec považoval povojnové obdobie. Po návrate zo služby opäť začal maľovať a vytvoril hlavné majstrovské diela. Pred účasťou „Triptychu, 1976“ v aukcii bola Baconova najdrahšia práca „Štúdia k portrétu pápeža Inocenta X“ (52,7 milióna dolárov). V "Triptychu, 1976" umelec zobrazil mýtickú zápletku prenasledovania Oresta zúrivosťou. Samozrejme, Orestes je sám Bacon a fúrie sú jeho muky. Viac ako 30 rokov bol obraz v súkromnej zbierke a nezúčastňoval sa na výstavách. Táto skutočnosť mu dáva osobitnú hodnotu, a preto zvyšuje náklady. Čo je však pár miliónov pre znalca umenia a v ruštine ešte štedrých? Roman Abramovich začal svoju kolekciu vytvárať v 90. rokoch, v čom ho výrazne ovplyvnila jeho priateľka Dasha Zhukova, ktorá sa stala módnou galeristkou v modernom Rusku. Podľa neoficiálnych údajov vlastní podnikateľ diela Alberta Giacomettiho a Pabla Picassa, ktoré boli kúpené za sumy presahujúce 100 miliónov dolárov. V roku 2008 sa stal majiteľom Triptychu. Mimochodom, v roku 2011 bola získaná ďalšia cenná práca Bacona - "Tri náčrty pre portrét Luciana Freuda." Skryté zdroje hovoria, že kupcom sa opäť stal Roman Arkadievich.

10

"Jazierko s leknami"

Autor

Claude Monet

Krajina Francúzsko
Roky života 1840–1926
Štýl impresionizmus

Umelec je uznávaný ako zakladateľ impresionizmu, ktorý si túto metódu „patentoval“ na svoje plátna. Prvým významným dielom bol obraz „Raňajky v tráve“ (pôvodná verzia diela Edouarda Maneta). V mladosti kreslil karikatúry a na cestách po pobreží a pod holým nebom sa venoval skutočnej maľbe. V Paríži viedol bohémsky životný štýl a neopustil ho ani po službe v armáde.

210 x 100 cm
1919
cena
80,5 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Christie's

Okrem toho, že Monet bol veľký umelec, s nadšením sa venoval aj záhradníctvu, zbožňoval divokú prírodu a kvety. V jeho krajinách je stav prírody momentálny, objekty akoby rozmazané pohybom vzduchu. Dojem umocňujú veľké ťahy, od určitej vzdialenosti sa stávajú neviditeľnými a splývajú do textúrovaného, ​​trojrozmerného obrazu. V obraze neskorého Moneta zaujíma osobitné miesto téma vody a života v nej. V mestečku Giverny mal umelec vlastný rybník, kde pestoval lekná zo semienok, ktoré si špeciálne priviezol z Japonska. Keď odkvitli ich kvety, začal maľovať. Séria Lekná pozostáva zo 60 diel, ktoré umelec maľoval takmer 30 rokov, až do svojej smrti. Jeho zrak sa vekom zhoršoval, no neprestával. V závislosti od vetra, ročného obdobia a počasia sa pohľad na jazierko neustále menil a Monet chcel tieto zmeny zachytiť. Starostlivou prácou prišiel k pochopeniu podstaty prírody. Niektoré z obrazov zo série sú uložené v popredných svetových galériách: Národné múzeum západného umenia (Tokio), Orangerie (Paríž). Verzia nasledujúceho „Jazierka s leknami“ sa dostala do rúk neznámeho kupca za rekordnú sumu.

11

Falošná hviezda t

Autor

Jasper Johns

Krajina USA
Rok narodenia 1930
Štýl pop art

V roku 1949 Jones vstúpil do dizajnérskej školy v New Yorku. Spolu s Jacksonom Pollockom, Willemom de Kooningom a ďalšími je uznávaný ako jeden z hlavných umelcov 20. storočia. V roku 2012 dostal Prezidentskú medailu slobody, najvyššie civilné vyznamenanie v USA.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na súkromnej aukcii

Podobne ako Marcel Duchamp aj Jones pracoval so skutočnými predmetmi, zobrazoval ich na plátne a v sochách plne v súlade s originálom. Pre svoje diela používal jednoduché a pre každého zrozumiteľné predmety: fľašu od piva, vlajku či mapy. Na obrázku False Start nie je jasná kompozícia. Zdá sa, že umelec sa hrá s divákom, často „nesprávne“ podpisuje farby na obraze a obracia samotný pojem farby hore nohami: „Chcel som nájsť spôsob, ako farbu zobraziť tak, aby ju mohol určiť niekto iný. metóda.” Jeho najvýbušnejší a „neistý“ obraz podľa kritikov získal neznámy kupec.

12

"Sediacnahýna gauči"

Autor

Amedeo Modigliani

Krajina Taliansko, Francúzsko
Roky života 1884–1920
Štýl expresionizmus

Modigliani bol od detstva často chorý, počas horúčkovitého delíria spoznal svoj osud ako umelec. Študoval kresbu v Livorne, Florencii, Benátkach a v roku 1906 odišiel do Paríža, kde jeho umenie prekvitalo.

65 x 100 cm
1917
cena
68,962 milióna dolárov
predané v roku 2010
na aukcii Sotheby's

V roku 1917 sa Modigliani zoznámil s 19-ročnou Jeanne Hebuterne, ktorá sa stala jeho modelkou a neskôr manželkou. V roku 2004 sa jeden z jej portrétov predal za 31,3 milióna dolárov, čo je posledný záznam pred predajom filmu Sediaci akt na pohovke v roku 2010. Obraz kúpil neznámy kupec za momentálne maximálnu cenu pre Modiglianiho. Aktívny predaj diel sa začal až po smrti umelca. Zomrel v chudobe, trpel tuberkulózou a na druhý deň spáchala samovraždu aj Jeanne Hebuterne, ktorá bola v deviatom mesiaci tehotenstva.

13

"Orol na borovici"

Autor

Qi Baishi

Krajina Čína
Roky života 1864–1957
Štýl guohua

Záujem o kaligrafiu priviedol Qi Baishi k maľovaniu. Vo veku 28 rokov sa stal žiakom umelca Hu Qingyuana. Ministerstvo kultúry Číny mu udelilo titul „Veľký umelec čínskeho ľudu“, v roku 1956 dostal Medzinárodnú cenu mieru.

10x26 cm
1946
cena
65,4 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii China Guardian

Qi Baishi sa zaujímal o tie prejavy okolitého sveta, ktorým mnohí nepripisujú dôležitosť, a to je jeho veľkosť. Z človeka bez vzdelania sa stal profesor a vynikajúci tvorca v histórii. Pablo Picasso o ňom povedal: "Bojím sa ísť do vašej krajiny, pretože v Číne je Qi Baishi." Kompozícia „Orel na borovici“ je uznávaná ako najväčšie dielo umelca. Okrem plátna obsahuje dva hieroglyfické zvitky. Pre Čínu je suma, za ktorú bol produkt kúpený, rekordná – 425,5 milióna juanov. Len zvitok starovekého kaligrafa Huang Tingjian sa predal za 436,8 milióna dolárov.

14

"1949-A-#1"

Autor

Clifford Still

Krajina USA
Roky života 1904–1980
Štýl abstraktný expresionizmus

Vo veku 20 rokov navštívil Metropolitné múzeum umenia v New Yorku a bol sklamaný. Neskôr sa prihlásil na kurz študentskej umeleckej ligy, ale 45 minút po začiatku hodiny odišiel – ukázalo sa, že „nie je jeho“. Prvá osobná výstava vyvolala ohlas, umelec našiel sám seba a s ním aj uznanie

Rozmer 79 x 93 cm
1949
cena
61,7 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii Sotheby's

Všetky jeho diela, čo je viac ako 800 plátien a 1600 diel na papieri, stále odkázal americkému mestu, kde bude otvorené múzeum pomenované po ňom. Takýmto mestom sa stal Denver, ale pre úrady bola nákladná len výstavba a na jej dokončenie boli vydražené štyri diela. Stillove diela sa pravdepodobne nebudú ešte niekedy dražiť, čo vopred zvýšilo ich cenu. Obraz "1949-A-No.1" sa pre umelca vydražil za rekordnú sumu, hoci odborníci predpovedali predaj maximálne 25-35 miliónov dolárov.

15

"Suprematistické zloženie"

Autor

Kažimír Malevič

Krajina Rusko
Roky života 1878–1935
Štýl Suprematizmus

Malevich študoval maľbu na Kyjevskej umeleckej škole, potom na Moskovskej akadémii umení. V roku 1913 začal maľovať abstraktné geometrické obrazy v štýle, ktorý nazval suprematizmus (z latinčiny „dominancia“).

Rozmery 71 x 88,5 cm
1916
cena
60 miliónov dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's

Obraz bol asi 50 rokov uložený v mestskom múzeu v Amsterdame, no po 17-ročnom spore s Malevichovými príbuznými ho múzeum vydalo. Umelec namaľoval toto dielo v tom istom roku ako Manifest suprematizmu, takže Sotheby`s ešte pred aukciou oznámil, že nepôjde do súkromnej zbierky za menej ako 60 miliónov dolárov. A tak sa aj stalo. Je lepšie sa na to pozerať zhora: postavy na plátne pripomínajú letecký pohľad na zem. Mimochodom, pred niekoľkými rokmi tí istí príbuzní vyvlastnili ďalšiu „suprematistickú skladbu“ z múzea MoMA, aby ju predali vo Phillips za 17 miliónov dolárov.

16

"kúpajúci sa"

Autor

Paul Gauguin

Krajina Francúzsko
Roky života 1848–1903
Štýl postimpresionizmu

Do siedmich rokov žil umelec v Peru, potom sa so svojou rodinou vrátil do Francúzska, no spomienky z detstva ho neustále tlačili k cestovaniu. Vo Francúzsku začal maľovať, bol priateľom s Van Goghom. Strávil s ním dokonca niekoľko mesiacov v Arles, kým mu Van Gogh počas hádky neodrezal ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 miliónov dolárov
predané v roku 2005
na aukcii Sotheby's

V roku 1891 Gauguin zariadil predaj svojich obrazov, aby výťažok použil na cestu hlboko na ostrov Tahiti. Tam vytvoril diela, v ktorých cítiť jemné prepojenie prírody a človeka. Gauguin žil v slamenej chatrči a na jeho plátnach kvitol tropický raj. Jeho manželkou bola 13-ročná Tahiťanka Tehura, čo umelcovi nebránilo v promiskuite. Po ochorení na syfilis odišiel do Francúzska. Gauguin tam však bol stiesnený a vrátil sa na Tahiti. Toto obdobie sa nazýva „druhý Tahiťan“ – práve vtedy bol namaľovaný obraz „Bathers“, jeden z najluxusnejších v jeho tvorbe.

17

"Narcisy a obrus v modrej a ružovej"

Autor

Henri Matisse

Krajina Francúzsko
Roky života 1869–1954
Štýl fauvizmus

V roku 1889 mal Henri Matisse záchvat apendicitídy. Keď sa po operácii prebral, mama mu kúpila farby. Najprv Matisse z nudy kopíroval farebné pohľadnice, potom - diela veľkých maliarov, ktoré videl v Louvri, a na začiatku 20. storočia prišiel so štýlom - fauvizmus.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 milióna dolárov
predané v roku 2009
na aukcii Christie's

Obraz „Narcisy a obrus v modrej a ružovej“ dlho patril Yvesovi Saint Laurentovi. Po smrti návrhára prešla celá jeho zbierka umenia do rúk jeho priateľa a milenca Pierra Bergera, ktorý sa ju rozhodol dať do aukcie v Christie's. Perličkou predávanej kolekcie bol obraz „Narcisy a obrus v modrej a ružovej farbe“, maľovaný na obyčajný obrus namiesto plátna. Ako príklad fauvizmu je naplnený energiou farieb, farby akoby explodovali a kričali. Zo známej série obrazov obrusov je dnes toto dielo jediné, ktoré sa nachádza v súkromnej zbierke.

18

"Spiace dievča"

Autor

RoyLee

chtenstein

Krajina USA
Roky života 1923–1997
Štýl pop art

Umelec sa narodil v New Yorku a po skončení školy odišiel do Ohia, kde chodil na umelecké kurzy. V roku 1949 Lichtenštajnsko získalo titul Master of Fine Arts. Záujem o komiks a schopnosť byť ironický z neho urobili kultového umelca minulého storočia.

Rozmer 91 x 91 cm
1964
cena
44,882 milióna dolárov
predané v roku 2012
na aukcii Sotheby's

Raz sa Lichtenštajnsku dostala do rúk žuvačka. Prekreslil obrázok z vložky na plátno a stal sa slávnym. Táto zápletka z jeho životopisu obsahuje celé posolstvo pop-artu: konzum je nový boh a v žuvačkovom obale nie je o nič menej krásy ako v Mone Lise. Jeho obrazy pripomínajú komiksy a karikatúry: Lichtenstein hotový obraz jednoducho zväčšil, nakreslil rastre, použil sieťotlač a sieťotlač. Obraz „Spiace dievča“ patril takmer 50 rokov zberateľom Beatrice a Philipovi Gershovým, ktorých dedičia ho predali na aukcii.

19

„Víťazstvo. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

Krajina Holandsko
Roky života 1872–1944
Štýl neoplasticizmus

Jeho skutočné meno - Cornelis - umelec sa zmenil na Mondrian, keď sa v roku 1912 presťahoval do Paríža. Spolu s umelcom Theom van Doesburgom založil neoplastické hnutie. Programovací jazyk Piet je pomenovaný po Mondrianovi.

Rozmer 27 x 127 cm
1944
cena
40 miliónov dolárov
predané v roku 1998
na aukcii Sotheby's

Naj „hudobnejší“ z umelcov 20. storočia sa živil akvarelovými zátišiami, hoci sa preslávil ako neoplastický výtvarník. V 40. rokoch sa presťahoval do USA a tam strávil zvyšok života. Jazz a New York – to ho inšpirovalo najviac! Maľba „Víťazstvo. Boogie Woogie je toho najlepším príkladom. "Značkové" úhľadné štvorce boli získané pomocou lepiacej pásky - obľúbeného materiálu Mondrian. V Amerike ho nazývali „najslávnejším prisťahovalcom“. V šesťdesiatych rokoch vyrábal Yves Saint Laurent svetoznáme šaty „Mondrian“ s veľkou farebnou károvanou potlačou.

20

"Zloženie č. 5"

Autor

VasilijKandinsky

Krajina Rusko
Roky života 1866–1944
Štýl avantgarda

Umelec sa narodil v Moskve a jeho otec pochádzal zo Sibíri. Po revolúcii sa pokúsil spolupracovať so sovietskymi orgánmi, ale čoskoro si uvedomil, že zákony proletariátu neboli vytvorené pre neho, a nie bez problémov emigroval do Nemecka.

Rozmer 275 x 190 cm
1911
cena
40 miliónov dolárov
predané v roku 2007
na aukcii Sotheby's

Kandinsky bol jedným z prvých, ktorí úplne opustili objektové maľovanie, za čo získal titul génia. Počas nacizmu v Nemecku boli jeho obrazy klasifikované ako „degenerované umenie“ a neboli nikde vystavené. V roku 1939 Kandinsky prijal francúzske občianstvo, v Paríži sa slobodne zúčastnil umeleckého procesu. Jeho obrazy „znejú“ ako fúgy, a preto sa mnohé nazývajú „kompozície“ (prvá bola napísaná v roku 1910, posledná v roku 1939). „Kompozícia č. 5“ je jedným z kľúčových diel tohto žánru: „Slovo „kompozícia“ mi znelo ako modlitba,“ povedal umelec. Na rozdiel od mnohých nasledovníkov plánoval, čo zobrazí na obrovskom plátne, akoby si písal poznámky.

21

"Štúdia ženy v modrom"

Autor

Fernand Léger

Krajina Francúzsko
Roky života 1881–1955
Štýl kubizmus-postimpresionizmus

Leger získal architektonické vzdelanie a potom bol študentom na Škole výtvarných umení v Paríži. Umelec sa považoval za stúpenca Cezanna, bol apologétom kubizmu a v 20. storočí mal úspech aj ako sochár.

Rozmery 96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's

David Normann, prezident Sotheby's International Impressionism and Modernism, verí, že obrovská suma zaplatená za Dámu v modrom je úplne oprávnená. Obraz patrí do slávnej Legerovej zbierky (umelec namaľoval tri obrazy na jednom pozemku, posledný z nich je dnes v súkromných rukách. - red.) a povrch plátna sa zachoval v pôvodnej podobe. Toto dielo dal sám autor do galérie Der Sturm, potom skončilo v zbierke nemeckého zberateľa moderny Hermanna Langa a dnes patrí neznámemu kupcovi.

22

„Pouličná scéna. Berlín"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Krajina Nemecko
Roky života 1880–1938
Štýl expresionizmus

Pre nemecký expresionizmus sa Kirchner stal medzníkom. Miestne úrady ho však obvinili z príklonu k „degenerovanému umeniu“, čo tragicky zasiahlo do osudu jeho obrazov i do života umelca, ktorý v roku 1938 spáchal samovraždu.

Rozmer 95 x 121 cm
1913
cena
38,096 milióna dolárov
predané v roku 2006
na aukcii Christie's

Po presťahovaní do Berlína vytvoril Kirchner 11 náčrtov pouličných scén. Inšpiroval ho ruch a nervozita veľkomesta. Na obraze, ktorý sa predal v roku 2006 v New Yorku, je umelcova úzkosť obzvlášť akútna: ľudia na berlínskej ulici pripomínajú vtáky - pôvabné a nebezpečné. Bola to posledné dielo zo slávnej série, predané v aukcii, zvyšok je uložený v múzeách. V roku 1937 nacisti s Kirchnerom brutálne zaobchádzali: 639 jeho diel bolo zabavených v nemeckých galériách, zničených alebo predaných do zahraničia. Umelec to nemohol prežiť.

23

„Odpočinoktanečník"

Autor

Edgar Degas

Krajina Francúzsko
Roky života 1834–1917
Štýl impresionizmus

História Degasa ako umelca sa začala tým, že pracoval ako kopista v Louvri. Sníval o tom, že sa stane „slávnym a neznámym“ a nakoniec sa mu to podarilo. 80-ročný Degas na konci svojho života, nepočujúci a slepý, naďalej navštevoval výstavy a aukcie.

Rozmer 64 x 59 cm
1879
cena
37,043 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's

"Baleríny boli pre mňa vždy len zámienkou na zobrazovanie látok a zachytávanie pohybu," povedal Degas. Scény zo života tanečníkov sa zdajú byť odkukané: dievčatá nepózujú pre umelca, ale jednoducho sa stanú súčasťou atmosféry zachytenej Degasovým pohľadom. Resting Dancer sa v roku 1999 predal za 28 miliónov dolárov a o necelých 10 rokov neskôr bol kúpený za 37 miliónov dolárov – dnes je to najdrahšie dielo umelca, aké kedy bolo zaradené do aukcie. Degas venoval rámom veľkú pozornosť, sám ich navrhoval a zakázal ich meniť. Zaujímalo by ma, aký rám je nainštalovaný na predávanom obraze?

24

"maľovanie"

Autor

Juan Miro

Krajina Španielsko
Roky života 1893–1983
Štýl abstraktné umenie

Počas španielskej občianskej vojny bol umelec na strane republikánov. V roku 1937 utiekol pred fašistickou mocou do Paríža, kde žil v chudobe so svojou rodinou. V tomto období Miro maľuje obraz „Pomôž Španielsku!“, Upozorňujúci celý svet na dominanciu fašizmu.

Rozmer 89 x 115 cm
1927
cena
36,824 milióna dolárov
predané v roku 2012
na aukcii Sotheby's

Druhý názov obrazu je „Modrá hviezda“. Umelec to napísal v tom istom roku, keď oznámil: „Chcem zabiť maľbu“ a nemilosrdne sa vysmieval plátnam, poškriabal farbu klincami, prilepil perie na plátno, zakryl dielo odpadkami. Jeho cieľom bolo vyvrátiť mýty o tajomstve maľby, ale keď sa s tým Miro vyrovnal, vytvoril svoj vlastný mýtus - neskutočnú abstrakciu. Jeho „Maľba“ odkazuje na cyklus „obrazy-sny“. Na aukcii oň bojovali štyria kupci, no jeden inkognito telefonát spor vyriešil a „Obraz“ sa stal umelcovým najdrahším obrazom.

25

"Modrá ruža"

Autor

Yves Klein

Krajina Francúzsko
Roky života 1928–1962
Štýl monochromatická maľba

Umelec sa narodil v rodine maliara, no študoval orientálne jazyky, navigáciu, remeslo pozlacovača rámov, zen budhizmus a mnoho ďalšieho. Jeho osobnosť a drzé huncútstva boli mnohokrát zaujímavejšie ako monochromatické maľby.

Rozmery 153 x 199 x 16 cm
1960
cena
36,779 milióna dolárov
predaný v roku 2012
na aukcii Christie's

Prvá výstava jednoliatych žltých, oranžových, ružových diel záujem verejnosti nevzbudila. Klein sa urazil a nabudúce predstavil 11 rovnakých plátien, maľovaných ultramarínom zmiešaným so špeciálnou syntetickou živicou. Túto metódu si dokonca nechal patentovať. Farba vošla do histórie ako „International Klein Blue“. Umelec predával aj prázdnotu, tvoril obrazy vystavovaním papiera dažďu, podpaľovaním kartónu, vytváraním odtlačkov ľudského tela na plátno. Jedným slovom, experimentoval som, ako som najlepšie vedel. Na vytvorenie "Modrej ruže" som použil suché pigmenty, živice, kamienky a prírodnú špongiu.

26

"Hľadá sa Mojžiš"

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Krajina Spojene kralovstvo
Roky života 1836–1912
Štýl neoklasicizmus

Sám sir Lawrence pridal k svojmu priezvisku predponu „alma“, aby sa v umeleckých katalógoch objavilo ako prvé. Vo viktoriánskom Anglicku boli jeho obrazy také žiadané, že umelec získal rytiersky titul.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii Sotheby's

Hlavnou témou Alma-Tademovej tvorby bola antika. Na obrazoch sa snažil do najmenších detailov zobraziť éru Rímskej ríše, preto sa dokonca venoval archeologickým vykopávkam na Apeninskom polostrove a vo svojom londýnskom dome reprodukoval historický interiér tých rokov. Ďalším zdrojom inšpirácie sa pre neho stali mytologické príbehy. Umelec bol počas svojho života veľmi žiadaný, no po smrti sa na neho rýchlo zabudlo. Teraz záujem ožíva, o čom svedčia aj náklady na obraz „Hľadám Mojžiša“, sedemkrát vyššie ako predpredajový odhad.

27

"Portrét spiaceho nahého úradníka"

Autor

Lucian Freud

Krajina Nemecko,
Spojene kralovstvo
Roky života 1922–2011
Štýl figuratívna maľba

Umelec je vnukom Sigmunda Freuda, otca psychoanalýzy. Po nastolení fašizmu v Nemecku jeho rodina emigrovala do Veľkej Británie. Freudove diela sú vo Wallace Collection v Londýne, kde doteraz žiadny súčasný umelec nevystavoval.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Christie's

Kým módni umelci 20. storočia vytvárali pozitívne „farebné škvrny na stene“ a predávali ich za milióny, Freud maľoval mimoriadne naturalistické obrazy a predával ich za ešte viac. „Zachytávam výkriky duše a utrpenie vädnúceho mäsa,“ povedal. Kritici veria, že toto všetko je „dedičstvo“ Sigmunda Freuda. Obrazy boli tak aktívne vystavované a úspešne predávané, že odborníci pochybovali: majú hypnotické vlastnosti? "Portrét spiaceho nahého úradníka", predaný v aukcii, podľa Slnka získal znalec krásy a miliardár Roman Abramovič.

28

"Husle a gitara"

Autor

Xjeden gris

Krajina Španielsko
Roky života 1887–1927
Štýl kubizmus

Narodil sa v Madride, kde vyštudoval Školu umeleckých remesiel. V roku 1906 sa presťahoval do Paríža a vstúpil do kruhu najvplyvnejších umelcov éry: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, spolupracoval aj so Sergejom Diaghilevom a jeho súborom.

5x100 cm
1913
cena
28,642 milióna dolárov
predané v roku 2010
na aukcii Christie's

Gris sa podľa vlastných slov zaoberal „planárnou, farebnou architektúrou“. Jeho obrazy sú precízne premyslené: nezanechal jediný náhodný ťah, vďaka čomu je kreativita spojená s geometriou. Umelec vytvoril svoju vlastnú verziu kubizmu, hoci veľmi rešpektoval Pabla Picassa, zakladateľa hnutia. Nástupca mu dokonca venoval svoje prvé kubistické dielo Pocta Picassovi. Obraz „Husle a gitara“ je v umelcovej práci uznávaný ako vynikajúci. Počas svojho života bol Gris známy, obľúbený u kritikov a historikov umenia. Jeho diela sú vystavené v najväčších svetových múzeách a sú uložené v súkromných zbierkach.

29

„PortrétEluardove polia»

Autor

Salvador Dalí

Krajina Španielsko
Roky života 1904–1989
Štýl surrealizmus

„Surrealizmus som ja,“ povedal Dalí, keď ho vylúčili zo surrealistickej skupiny. Postupom času sa stal najznámejším surrealistickým umelcom. Dalího práca je všade, nielen v galériách. Bol to napríklad on, kto vymyslel obal pre Chupa-Chups.

25 x 33 cm
1929
cena
20,6 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii Sotheby's

V roku 1929 prišiel básnik Paul Eluard a jeho ruská manželka Gala navštíviť veľkého provokatéra a bitkára Dalího. Stretnutie bolo začiatkom milostného príbehu, ktorý trval viac ako pol storočia. Obraz „Portrét Paula Eluarda“ bol namaľovaný práve počas tejto historickej návštevy. „Cítil som, že mi bola zverená povinnosť zachytiť tvár básnika, z ktorého Olympu som ukradol jednu z múz,“ povedal umelec. Pred stretnutím s Galou bol panna a bol znechutený myšlienkou na sex so ženou. Milostný trojuholník existoval až do smrti Eluarda, po ktorej sa stal duetom Dali-Gala.

30

"výročie"

Autor

Marc Chagall

Krajina Rusko, Francúzsko
Roky života 1887–1985
Štýl avantgarda

Moishe Segal sa narodil vo Vitebsku, ale v roku 1910 emigroval do Paríža, zmenil si meno a zblížil sa s poprednými avantgardnými umelcami tej doby. V 30. rokoch, keď sa moci chopili nacisti, odišiel s pomocou amerického konzula do USA. Do Francúzska sa vrátil až v roku 1948.

Rozmer 80 x 103 cm
1923
cena
14,85 milióna dolárov
predaný v roku 1990
na aukcii Sotheby's

Obraz "Jubileum" je uznávaný ako jedno z najlepších diel umelca. Má všetky znaky jeho tvorby: vymazávajú sa fyzikálne zákony sveta, v kulisách malomeštiackeho života sa zachováva pocit rozprávky a v centre deja je láska. Chagall nekreslil ľudí z prírody, ale len z pamäti či fantazírovania. Obraz „Jubileum“ zobrazuje samotného umelca s manželkou Belou. Obraz bol predaný v roku 1990 a odvtedy sa o ňom neponúkalo. Zaujímavosťou je, že newyorské múzeum moderného umenia MoMA uchováva presne to isté, len pod názvom „Narodeniny“. Mimochodom, bolo to napísané skôr - v roku 1915.

návrh pripravený
Tatyana Palašová
hodnotenie zostavené
podľa zoznamu www.art-spb.ru
časopis tmn №13 (máj – jún 2013)

Úvod str.3
1. Umelci a umelecké spolky 20. rokov s.5
2. Umelci a umelecké združenia 30. rokov str.11
Referencie str.20

Úvod

Október 1917 otvoril novú éru nielen v spoločenskom živote, ale aj v živote umenia. Akákoľvek revolúcia niečo zničí a potom sa začne vytvárať nová. Nejde o jednoduchý vývoj, ale o rozhodujúce opätovné vybavenie základov bývalých spoločenských, politických, ideologických a iných štruktúr, vrátane umenia.
Revolúcia vyvolala minimálne dva problémy. Prvým problémom je triedna povaha umenia. Pokus o úzke prepojenie s triednym bojom viedol k narušeniu jeho multifunkčnosti. Zvlášť ostro zjednodušené chápanie triedneho charakteru umenia sa prejavilo v aktivitách notoricky známeho Proletcultu. Prvok boja viedol k ničeniu kultúrnych pamiatok, spôsobených nielen vojenskými operáciami počas občianskej vojny a zahraničnou intervenciou, ale aj politikou zameranou na rozdrvenie buržoáznej kultúry. Tak boli zbúrané alebo zničené mnohé sochárske pamiatky, diela antickej architektúry spojené s náboženským uctievaním.
Druhým problémom je problém triednej politiky v umení. Do jeho riešenia boli zapojené všetky sily: „buržoázne“ aj „proletárske“, deštruktívne i konštruktívne, sovietske aj nesovietske, „ľavicové“ aj „pravicové“, kultúrne aj ignorantské, profesionálne i amatérske.
Štátom hlásané princípy spoločenského rozvoja do značnej miery určovali postupný pohyb umenia. Nastalo akési rozvrstvenie síl, z ktorých sčítania sa vytvoril vektor skutočného stavu umenia. Na jednej strane je to sila sebarozvoja umenia, ktorá ovplyvnila vzorce pohybu foriem obsiahnuté v povahe umeleckej tvorivosti; na druhej strane vplyv spoločenských síl, verejných inštitúcií, zaujímajúcich sa o toto a nie iné hnutie umenia, v jeho určitých podobách. Po tretie - diktát štátnej politiky, ktorý, spoliehajúc sa na sociálne sily alebo na ne, mal bezpodmienečný vplyv na štruktúru umenia, na jeho podstatu, na jeho evolučný a revolučný potenciál. Politika od konca 20. rokov 20. storočia zreteľne začala deformovať normálny vývoj umenia, vyvíjala naň určitý tlak zákazom alebo odsudzovaním niektorých „neproletárskych“ prejavov.

1. Umelci a umelecké združenia 20. rokov.

Dvadsiate roky minulého storočia boli pre umenie búrlivým obdobím. Bolo veľa rôznych frakcií. Každý z nich predložil platformu, každý vystúpil s vlastným manifestom. Umenie, posadnuté myšlienkou hľadania, bolo rôznorodé; kypela a kypela, snažiac sa držať krok s dobou a pozerať sa do budúcnosti.
Najvýznamnejšie zoskupenia, ktorých deklarácie a tvorivá prax odrážali hlavné tvorivé procesy tej doby, boli AHRR, OST a „4 Arts“ (8, s. 87).
Skupina AHRR (Asociácia umelcov revolučného Ruska) vznikla v roku 1922 (v roku 1928 bola premenovaná na AHRR - Asociácia umelcov revolúcie). Jadro AHRR tvorili najmä bývalí členovia Asociácie putovných výstav. Vyhlásenie AHRR bolo uvedené v katalógu výstavy z roku 1922: „Našou občianskou povinnosťou voči ľudstvu je umelecké a dokumentárne zaznamenanie najväčšieho momentu histórie v jej revolučnom impulze. Dnes budeme zobrazovať: život Červenej armády, život robotníkov, roľníkov, vodcov revolúcie a hrdinov práce.
Umelci AHRR sa snažili sprístupniť svoj obraz masovému publiku tej doby. Vo svojej tvorbe často mechanicky používali každodenný spisovný jazyk zosnulých Wandererovcov. AHRR zorganizovalo množstvo tematických umeleckých výstav, ktorých názvy sú: „Život a život robotníkov“ (1922), „Život a život Červenej armády“ (1923), „Revolúcia, život a práca“ (1924 - 1925), „Život a život národov ZSSR“ (1926) - hovoria o úlohách priameho odrazu modernej reality.
Zvláštnosťou praxe „Achrovitov“ bolo, že išli do tovární a závodov, do kasární Červenej armády, aby tam pozorovali život a život svojich hrdinov. Počas prípravy výstavy „Život a život národov ZSSR“ jej účastníci navštívili najodľahlejšie kúty sovietskej krajiny a priniesli značné množstvo náčrtov, ktoré tvorili základ ich diel. Významnú úlohu pri osvojovaní nových tém zohrali umelci AHRR, ktorí ovplyvnili predstaviteľov rôznych umeleckých skupín tej doby.
Medzi umelcami AHRR vyniká dielo I. I. Brodského (1883 - 1939), ktorý si dal za úlohu presnú, dokumentárnu reprodukciu udalostí a hrdinov revolúcie. Jeho plátna venovaná aktivitám V.I. Lenina získali veľkú popularitu. Narodenie malebnej Leniniany vychádzalo z Brodského obrazu z roku 1929 „Leninova reč v Putilovovej továrni“ a jedného z jeho najznámejších diel „Lenin v Smolnom“ (1930), ktorý zobrazuje Lenina v jeho kancelárii v práci. Brodskij videl Lenina mnohokrát a urobil si z neho náčrty (12, s. 92).
Brodského diela majú dôležitú vlastnosť – autentickosť, ktorá má veľký historický a poznávací význam. Túžba po dokumente však niekedy viedla k empirickej, naturalistickej interpretácii udalosti. Výtvarný význam Brodského malieb znižoval aj suchý naturalizmus a diétna farebnosť charakteristická pre značnú časť jeho diel.
Majster portrétnej maľby G. G. Rjažskij (1895 - 1952) vstúpil do AHRR v roku 1923. Jeho najznámejšie diela sú Delegát (1927) a Predsedníčka (1928), v ktorých umelkyňa odhaľuje typické sociálno-psychologické črty ženy novej spoločnosti, aktívneho účastníka priemyselného a spoločenského života krajiny. Jeho „predsedníčka“ je aktivistka. V jej postoji, geste, sebaúcte, uvoľnenosti sa odhaľujú dôkazy o postavení ženy v novej pracujúcej spoločnosti.
S. V. Malyutin (1859 - 1937) zohral významnú úlohu medzi portrétistami AHRR. Galéria portrétov, ktorú založil pred revolúciou, bola v sovietskych časoch doplnená o portréty V. K. Byalynitského-Biruliho, A. V. Lunacharského a mnohých ďalších. Medzi nimi najzaujímavejší portrét Dmitrija Furmanova, namaľovaný v roku 1922, presvedčivo odhaľuje obraz spisovateľa bojovníka, predstaviteľa novej, sovietskej inteligencie.
Aktívnym účastníkom výstav AHRR bol významný ruský maliar prelomu 19. - 20. storočia. A. E. Arkhipov. V 20. rokoch 20. storočia vytvoril Arkhipov obrazy sedliackych žien – „Žena s džbánom“, „Sedliacka žena v zelenej zástere“, „Sedliacka žena s ružovou šatkou v ruke“ atď. Tieto obrazy boli maľované široký štetec, temperamentne a farebne.
E. M. Cheptsov (1874 - 1943), ktorý pokračoval v tradíciách putovania v oblasti každodenného žánru, poznačil tvorbu E. M. Cheptsova pozorným pozorovaním a pozornosťou k novým javom života. Známy je jeho obraz „Stretnutie dedinskej bunky“ (1924), ktorý zobrazuje dedinských aktivistov v prvých rokoch revolúcie. Autorov postreh a úprimnosť, jednoduchosť vzhľadu jeho postáv, neumelosť okolitých doplnkov urobili z Cheptsovho malého, skromného maliarskeho diela jeden z najzaujímavejších príkladov umenia AHRR.
To isté možno povedať o jednom z diel krajinára B. N. Jakovleva (1880 - 1972). Jeho „Doprava sa zlepšuje“ (1923) je skromným a zároveň hlbokým príbehom o neľahkej ére prvých rokov revolúcie, o každodennej práci ľudí. Pokojne a jednoducho namaľovaný obraz je jedným z prvých príkladov priemyselnej krajiny v sovietskej maľbe.
Osobitné miesto v maľbe AHRR zaujíma dielo M. B. Grekova (1882-1934), zakladateľa bojového žánru v sovietskom umení. Desaťročie a pol - až do konca svojho života - bol zaneprázdnený tvorbou série obrazov venovaných prvej jazdeckej armáde, na ktorej kampaniach a bitkách sa umelec zúčastnil. Vo svojej práci, najmä v ranom období, sa tradície Vereščagina jasne prejavujú. Hlavným hrdinom Grekova sú ľudia, ktorí na seba vzali všetky ťažkosti vojny. Grekovove diela sú život potvrdzujúce. V takých obrazoch z polovice dvadsiatych rokov ako „Tachanka“ (1925) je putovná presnosť obrazu kombinovaná s romantickým nadšením. Neskôr, nadväzujúc na pôvodnú obrazovú kroniku Prvej jazdeckej armády, Grekov vytvára epické plátna, medzi ktorými vynikajú obrazy „Kubánovi“ a „Trubkári Prvej jazdeckej armády“ (obe – 1934).
Popri AHRR, v ktorom boli umelci staršej a strednej generácie, ktorí už v čase revolúcie mali bohaté tvorivé skúsenosti, zohrala aktívnu úlohu v umeleckom živote tých rokov aj skupina OST (Society of Easel Painters). , organizovaný v roku 1925. Združoval umeleckú mládež prvej sovietskej umeleckej univerzity – VHU-TEMAS. (3)
Hlavnou úlohou združenia bol boj za oživenie a ďalší rozvoj malieb na stojane na modernú tému alebo s moderným obsahom, umelci OST, podobne ako „Achroviti“, považovali zápas za oživenie a ďalší rozvoj maľovanie na stojane. Tvorivé ašpirácie a metódy umelcov OST však mali charakteristické rozdiely. Snažili sa v jednotlivých faktoch reflektovať nové kvality svojej súčasnej epochy vo vzťahu k predchádzajúcej epoche. Ich hlavnou témou bola industrializácia Ruska, nedávno ešte agrárneho a zaostalého, túžba ukázať dynamiku vzťahu modernej výroby a človeka.
Jedným z najtalentovanejších predstaviteľov skupiny OST bol A. A. Deineka. Najbližšími vyhláseniami OST sú jeho obrazy: „Pri výstavbe nových dielní“ (1925), „Pred zostupom do bane“ (1924), „Futbalisti“ (1924), „Textilní robotníci“ (1926). Obrazný pátos Deineky - Ostovets našiel východisko v novinárskej grafike, v ktorej umelec pôsobil ako ilustrátor v časopisoch na všeobecné čítanie - ako napríklad "Pri obrábacom stroji", "Bezbožný pri obrábacom stroji", "Spotlight", "Mládež" atď. Ústredným dielom Deineka z ostovského obdobia sa stal obraz "Obrana Petrohradu", napísaný v roku 1928 pre tematickú výstavu "10 rokov Červenej armády". Táto práca odhaľuje hlavný pátos a význam inovatívnych tradícií OST, najživotaschopnejších a rozvinutých v sovietskom umení nasledujúcich období. Deineka vložil do tohto obrazu všetku originalitu svojho štýlu, zredukoval výrazové prostriedky na minimum, no urobil ich veľmi aktívnymi a účinnými (8, s. 94).
Z ostatných členov OST sú povahou svojich diel štýlovo najbližší Deinekovi Yu.I. Pimenov, P. V. Williams, S. A. Lučiškin. Diela „Ťažký priemysel“ od Pimenova, „Hamburské povstanie“ od Williamsa, „Lopta odletela“ a „Milujem život“ od Lučiškina, ktoré vznikli v rovnakom období, odhaľovali a inovatívne odrážali dôležité kvality modernej reality,
Na rozdiel od mládežníckej skupiny Ostovo v jej zložení existujú dve ďalšie tvorivé skupiny, ktoré zaujímali dôležité miesto v umeleckom živote tých rokov - „4 Arts“ a OMX. (Spoločnosť moskovských umelcov), - združovala majstrov staršej generácie, tvorivo formovaných ešte v predrevolučných časoch, ktorí s osobitnou úctou pristupovali k problémom zachovania obrazovej kultúry a považovali jej jazyk a plastickú formu za veľmi dôležité časť práce. 4 Arts Society vznikla v roku 1925. Najvýznamnejšími členmi tejto skupiny boli P. V. Kuznecov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan, N. P. Uljanov, K. N. Istomin, V. A. Favorskij.
Diela Petrova-Vodkina - ako napríklad "Po bitke" (1923), "Dievča pri okne" (1928), "Úzkosť" (1934), najplnšie vyjadrujú etický význam rôznych období - míľniky vo vývoji sovietskej spoločnosti. Jeho obraz „Smrť komisára“ (1928), podobne ako Deinekova „Obrana Petrohradu“, napísaný v súvislosti s výstavou „10 rokov Červenej armády“, na rozdiel od špecifickej publicistiky – základu Deinekových obrazných rozhodnutí – dáva svoje vlastné filozofické riešenie úlohy: cez fakty, ktoré zovšeobecňujú predstavy o udalostiach odohrávajúcich sa na celej planéte Zem, cez odhaľovanie etickej podstaty týchto udalostí. Komisár je osoba, ktorá v živote aj vo svojej smrti vykonáva čin v mene ľudskosti. Jeho obraz je vyjadrením nepremožiteľnosti svetlých myšlienok, ktoré zvíťazia v budúcnosti bez ohľadu na smrť najaktívnejších nositeľov týchto myšlienok a napriek tomu. Pohľad na rozlúčku umierajúceho komisára je ako slovo na rozlúčku pre oddiel bojovníkov pred útokom – je plný viery vo víťazstvo.
Filozofické myšlienky Petrova-Vodkina nachádzajú adekvátne plastické vyjadrenie. Zobrazený priestor sa akoby rozprestiera po guľovom povrchu planéty. Kombinácia priamej a spätnej perspektívy presvedčivo a ostro sprostredkúva „planetárnu“ panorámu toho, čo sa deje. Obrazné problémy sú prehľadne riešené v koloristickom systéme. Vo svojej maľbe sa umelec drží princípu trikolóry, akoby stelesňoval hlavné farby zeme: studený modrý vzduch, modrá voda; hnedo-červená zem; zeleň sveta rastlín.
Výraznú stopu v histórii sovietskeho maliarstva zanechali umelci skupiny OMX, organizovanej v roku 1927. Mnohí z nich sa zblížili v predrevolučných rokoch v spolku Jack of Diamonds. V OMC boli najaktívnejší P. P. Končalovskij, I. I. Maškov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, V. V. Roždestvenskyj a A. A. Osmerkin.
Vo svojom vyhlásení umelci OMHa uviedli: „Od umelca požadujeme čo najväčšiu účinnosť a výraznosť formálnych aspektov jeho tvorby, ktoré tvoria neoddeliteľnú súčasť ideovej stránky diela.“ V tomto programe existuje príbuznosť so skupinou 4 Arts.
Jedným z najvýznamnejších predstaviteľov tohto programu v sovietskom umení v prvých rokoch bol P. P. Končalovskij. Snažil sa skombinovať tendencie „jack of diamonds“ s odkazom ruských realistických umelcov, čo výrazne rozšírilo jeho tvorivý rozsah a pomohlo mu organickejšie vstúpiť do sovietskeho umenia 20. rokov. Koloristická celistvosť s intenzitou jednotlivých farieb odlišuje také diela majstra ako „Autoportrét s manželkou“ (1922), „Portrét O. V. Konchalovskej“ (1925), „Portrét Natašinej dcéry“ (1925). V tých istých rokoch sa P. P. Konchalovsky pokúsil vytvoriť tematické obrazy, medzi ktorými sú najlepšie Novgorodčania (1921) a Z veľtrhu (1926). Umelec sa zaujíma o tradičné obrazy „ruských sedliakov“ – mocných, podsaditých, žijúcich obklopení známymi predmetmi, podľa zákonov starých zvykov a spolu s prostredím tvoriacim niečo typicky národné.

2. Umelci a umelecké združenia 30. rokov.

Tridsiate roky v dejinách sovietskeho umenia sú ťažkým obdobím, ktoré odráža rozpory samotnej reality. Majstri umenia, ktorí vnímali značné posuny, ku ktorým došlo v spoločnosti, pátos industrializácie, zároveň takmer nevnímali veľké sociálne rozpory, nevyjadrovali sociálne konflikty spojené s posilňovaním Stalinovho kultu osobnosti (1).
Ústredný výbor strany prijal 23. apríla 1932 uznesenie „O reštrukturalizácii literárnych a umeleckých organizácií“. Tento dekrét odstránil všetky dovtedy existujúce umelecké zoskupenia a naznačil všeobecné spôsoby a formy stabilizácie a rozvoja všetkých tvorivých síl sovietskeho umenia. Rezolúcia oslabila konfrontáciu medzi jednotlivými spolkami, ktorá sa tak vyostrila na prelome 20. a 30. rokov 20. storočia. No na druhej strane v umeleckom živote zosilneli unifikačné tendencie. Avantgardné experimenty, ktoré sa prejavili v 20. rokoch minulého storočia, boli prerušené. Rozvinul sa boj proti takzvanému formalizmu, v dôsledku ktorého boli mnohí umelci nútení opustiť svoje predchádzajúce výdobytky.
Vytvorenie jedinej únie sa zhodovalo s ustanovením princípu socialistického realizmu, ktorý sformuloval A.M. Gorkij na prvom celozväzovom kongrese sovietskych spisovateľov. Socialistický realizmus prevzal dedičstvo tradícií realistického umenia 19. storočia. a zameriaval umelcov na zobrazovanie reality v jej revolučnom vývoji. Ako však ukázala ďalšia prax sovietskeho umenia, termín „socialistický realizmus“ sa ukázal ako nedostatočne priestranný a adekvátny zložitým a mnohovrstevným tendenciám novej kultúry. Jeho formálne uplatnenie v umeleckej praxi mu často dávalo úlohu dogmatickej brzdy rozvoja umenia. V podmienkach spoločenskej reštrukturalizácie v 80. rokoch bol pojem „socialistický realizmus“ predmetom diskusie v odborných kruhoch na rôznych úrovniach.
Mnohé progresívne trendy, ktoré sa objavili v 20. rokoch, sa rozvíjajú aj v 30. rokoch. Týka sa to napríklad plodnej interakcie rôznych národných škôl.
Na veľkých umeleckých výstavách organizovaných v 30. rokoch sa zúčastňujú umelci zo všetkých republík Sovietskeho zväzu. Zároveň sa v Moskve organizujú republikové výstavy v súvislosti s desaťročiami národného umenia. Otázky národného umenia zaujímajú najmä umelcov bratských republík.
V 30. rokoch sa rozšírila prax štátnych objednávok a tvorivých služobných ciest pre umelcov. Organizujú sa hlavné výstavy: "15 rokov Červenej armády", "20 rokov Červenej armády", "20 rokov Komsomolu", "Priemysel socializmu", "Výstava najlepších diel sovietskej maľby" atď. Sovietski umelci sa zúčastňujú na medzinárodných výstavách v Paríži a New Yorku, predvádzajú diela pre Všesväzovú poľnohospodársku výstavu v Moskve, v súvislosti s prípravou ktorých vzniklo značné množstvo monumentálnych a dekoratívnych diel, čo v podstate znamenalo významný etapa oživenia monumentálnej maľby ako samostatnej umeleckej formy, ktorá mala svoje ciele a vzory. V týchto dielach sa prejavila príťažlivosť sovietskeho umenia k monumentalizmu.
Jedným z najvýznamnejších predstaviteľov maliarskeho stojana tohto obdobia je umelec Boris Vladimirovič Ioganson (1893 - 1973), ktorý sa vo svojej tvorbe priklonil k najvyšším tradíciám ruského maliarstva 19. storočia. Interpretuje dedičstvo Surikova a Repina a do svojich diel vnáša nový revolučný obsah, ktorý je v súlade s dobou. Z tohto hľadiska sú dôležité najmä Iogansonove obrazy Výsluch komunistov (1933) a U starej továrne Ural (1937).
Obraz „Výsluch komunistov“ bol prvýkrát vystavený na výstave „15 rokov Červenej armády“. Umelec v ňom ukázal komunistov, ktorí sa postavili na obranu revolučnej vlasti, a ich odporcov – bielogvardejcov, ktorí sa počas občianskej vojny pokúsili uškrtiť sovietsky štát. Umelec uskutočňuje svoje historické zovšeobecnenie v tradícii Repina prostredníctvom demonštrácie konkrétnej akcie v špecifickom prostredí. Mená tu vyobrazených osôb nepoznáme, o to viac historicky obraz ako celok vnímame ako univerzálny. Komunisti na Iogansonovom obraze sú odsúdení na smrť. Umelec však ukazuje ich pokoj, odvahu, silu a vytrvalosť, ktoré kontrastujú s úzkosťou, nervozitou, psychickou nejednotou, ktorá vládne v skupine bielogvardejcov, bezmocných nielen v tejto situácii, ale akoby aj zoči-voči histórii. .
V obraze „Na starom Uralskom závode“, namaľovanom pre výstavu „Priemysel socializmu“, Ioganson dáva do kontrastu obrazy chovateľa a robotníka, v ktorých odhaľuje pocit rodiaceho sa triedneho vedomia a vnútornej nadradenosti nad vykorisťovateľom. Umelec týmto obrazom ukázal historický konflikt medzi starým a novým, reakčným a pokrokovým a potvrdil víťaznú silu revolučného a pokrokového. To sú nové charakteristické črty sovietskeho historicko-revolučného žánru na príklade Iogansonovej maľby.
Osobitné miesto v tomto období zaujíma mnohostranná tvorba Sergeja Vasiljeviča Gerasimova z hľadiska obrazov, tém a žánrov. Najvýraznejším dielom historického žánru v jeho tvorbe je obraz „Prísaha sibírskych partizánov“ (1933), nápadný svojou otvorenou expresivitou, odhalenou koloristickou expresivitou, ostrou kresbou a dynamickou kompozíciou. S. V. Gerasimov pri práci v každodennom žánri venoval hlavnú pozornosť roľníckej téme. Aby to vyriešil, umelec prešiel portrétom a vytvoril množstvo presvedčivých sedliackych obrazov. V období budovania JZD namaľoval jeden z najvýraznejších portrétov RZD (1933). Medzi najvýznamnejšie diela žánrovej maľby 30. rokov patril obraz Kolektívne prázdniny (1937), ktorý bol vystavený na výstave Priemysel socializmu. Akademik I. E. Grabar, najväčší sovietsky kritik umenia, presne a výstižne charakterizuje tento obraz: „Keď sa objavilo nádherné plátno „Collective Farm Holiday“, jeden z najlepších obrazov výstavy „Priemysel socializmu“, nový, mimoriadny rast majster sa stal zrejmým. Sotva ktokoľvek zo sovietskych umelcov, okrem Sergeja Gerasimova, by sa vyrovnal s takouto kompozičnou, svetelnou a farebnou úlohou, a to aj s pomocou takých jednoduchých prostriedkov a techník. Bol to najslnečnejší obraz v ruskom umení počas revolúcie, napriek tomu, že bol realizovaný v obmedzenom pláne“ (1, s. 189).
"Spevákom" sovietskeho roľníka bol Arkadij Alexandrovič Plastov (1893 - 1983), svojim pôvodom spojený s ruskou dedinou. Na celý život ho veľmi ovplyvnili dojmy z detstva stráveného v tesnom kontakte s prírodou, s pôdou, s roľníkmi žijúcimi na tejto pôde.
Po Veľkej októbrovej socialistickej revolúcii Plastov, unesený prácou v rodnej dedine Prislonikhe, ktorý svoj voľný čas venoval maľovaniu, nazbieral náčrty a dojmy pre svoje budúce diela venované roľníckemu životu. Jedno z prvých významných diel Plastov - plné vzduchu a svetla, obraz "Kúpanie koní" - vytvoril pre výstavu "20 rokov Červenej armády". Pre výstavu „Priemysel socializmu“ Plastov namaľoval veľké plátno „Kolektívne farmárske prázdniny“. Ďalším jasným dielom Plastova tej doby je „Kolektívne farmárske stádo“ (1938). Všetky tieto obrazy vykazujú niektoré spoločné črty. Plastov nemyslí na žánrovú scénu mimo krajiny, mimo ruskej prírody, vždy interpretovanú lyricky, odhaľujúcu jej krásu v najjednoduchších prejavoch. Ďalšou črtou žánrových diel Plastov je absencia akéhokoľvek konfliktu alebo zvláštneho momentu v zápletke zvolenej umelcom. Niekedy v jeho obrazoch, ako napríklad v „Kolektívnom farmárskom stáde“, nie sú vôbec žiadne udalosti, nič sa nedeje. Zároveň však umelec vždy dosahuje poetickú expresivitu obrazu.
V 30. rokoch sa talent A. A. Deineka rozvinul svojsky. Naďalej sa držal svojich niekdajších námetov, zápletiek, obľúbených obrazov, farebnosti a kompozičného systému. Je pravda, že jeho obrazový spôsob sa trochu zjemňuje, príkladmi ktorých sú najlepšie diela 30-tych rokov - „Matka“ (1932), „Prestávka na obed v Donbase“ (1935), „Budúci piloti“ (1938). Šport, letectvo, obnažené trénované telo, lakonizmus a jednoduchosť obrazového jazyka, zvučné kombinácie hnedo-oranžovej a modrej sú v niektorých prípadoch zjemnené lyrizmom, chvíľou zamyslenia. Deineka rozšíril aj tematický rámec svojej tvorby, o výjavy zo života cudziny, ktoré sa objavili v dôsledku ciest do USA, Francúzska, Nemecka a Talianska.
Ďalší bývalý člen OST, Yu.I. Pimenov (1903-1977), vytvoril jeden z najlepších obrazov 30. rokov, Nová Moskva (1937). Krajina centra Moskvy (Sverdlovovo námestie) sa zdá byť videná z uháňajúceho auta, ktoré šoféruje mladá žena otočená chrbtom k divákovi. Novo postavené budovy, rýchly chod auta, svetlé farby, množstvo vzduchu, šírka priestoru a rámec kompozície - všetko je presiaknuté optimistickým svetonázorom.
V 30. rokoch sa rozvíja krajinárstvo G. G. Nisského (1903 - 1987), prívrženca Ostovcov, ktorý si od nich osvojil lakonizmus, ostrosť kompozičných a rytmických riešení. Sú to jeho obrazy „Jeseň“ (1932) a „Na ceste“ (1933). V krajinách Nyssa je vždy viditeľná transformačná aktivita človeka.
Z krajinárov staršej generácie je zaujímavé dielo N. P. Krymova (1884 - 1958), ktorý vytvoril v roku 1937 slávny obraz „Ráno v Gorkij centrálnom parku kultúry a odpočinku v Moskve“. Široký panoramatický výhľad na park, diaľky, ktoré sa za ním otvárajú, rovná línia horizontu, ktorá vedie oko diváka za plátno – všetko dýcha sviežosťou a priestrannosťou.
A. Rylov, ktorého tvorba sa sformovala na začiatku 20. storočia, v obraze „Lenin v Razlivi“ (1934) spája krajinu s historickým žánrom, dosahuje zmysel pre rozlohu prírody, myslenie, cítenie, potvrdzuje historické optimizmus.
Príťažlivosť k panoramatickej krajine sa prejavila v dielach mnohých maliarov z rôznych republík. Táto gravitácia sa spájala s tým horlivým zmyslom pre vlasť, rodnú zem, ktorá sa v 30. rokoch posilnila a rozrástla. D. N. Kakabadze (1889 - 1952) vo svojej „Imeretskej krajine“ (1934) podáva široké rozpätie kaukazských hôr, tiahnucich sa do diaľky – hrebeň za hrebeňom, svah za svahom. V tvorbe M. S. Saryana sa 30. roky 20. storočia niesli aj v znamení záujmu o národnú krajinu, o panoramatické pohľady na Arménsko.
V tomto období sa plodne rozvíja aj portrétny žáner, v ktorom sa najobsiahlejšie odhaľujú umelci staršej generácie P. P. Konchalovský, I. E. Grabar, M. V. Nesterov a niektorí ďalší.
P. P. Končalovskij, známy svojimi dielami v najrozmanitejších žánroch maľby, vytvoril v 30. a 40. rokoch celý rad portrétov postáv sovietskej vedy a umenia. Medzi najlepšie portréty V. V. Sofronického pri klavíri (1932), S. S. Prokofieva (1934), V. E. Meyerholda (1937). V týchto dielach Končalovskij vnáša svoju vynikajúcu schopnosť vyjadrovať život cez plasticko-farebný systém. Spája najlepšie tradície starého umenia s inovatívnou ostrosťou farebného videnia, život potvrdzujúcim, hlavným emocionálne silným zvukom obrazu.
Skutočným vrcholom vývoja portrétu toho obdobia boli diela M. V. Nesterova. Počas celej svojej tvorby, ktorá spájala 19. a 20. storočie, si Nesterov zachoval živé spojenie so životom. V 30. rokoch 20. storočia zažil brilantný vzostup a znovu objavil svoj talent portrétneho maliara. Obrazným významom v Nesterovových portrétoch je potvrdenie tvorivého ducha doby prostredníctvom identifikácie tvorivého pátosu najrozmanitejších ľudí reprezentujúcich túto dobu. Kruh Nesterovových hrdinov tvoria predstavitelia sovietskej inteligencie staršej generácie, ľudia tvorivých profesií. Takže medzi najvýznamnejšie diela Nesterova patria portréty umelcov - bratia Korinovci (1930), sochár I. D. Shadr (1934), akademik I. P. Pavlov (1935), chirurg S. S. Yudin (1935), sochár V. I. Mukhina (1940). ). Nesterov pôsobí ako pokračovateľ portrétnych tradícií V. A. Serova. Zdôrazňuje vlastnosti, zdôrazňuje gestá, charakteristické postoje svojich postáv. Akademik Pavlov pevne zaťal päste položené na stole a táto póza odhaľuje silu mysle, ktorá kontrastuje so zjavnou starobou. Chirurg Yudin je tiež zobrazený z profilu, ako sedí pri stole. Ale expresivita tohto obrazu je založená na charakteristickom, „lietajúcom“ geste zdvihnutej ruky. Yudinove vystreté prsty sú typické prsty chirurga, šikovné a silné, pripravené splniť jeho vôľu. Mukhina je zobrazená v okamihu stvorenia. Vyrezáva sochu - sústredene, nevenuje pozornosť umelcovi, úplne poslúcha jej impulz.
Doplnky sú na týchto portrétoch stručne uvedené. Sú oprávnene a aktívne zahrnuté do charakteristík zobrazených ľudí svojou farbou, osvetlením, siluetou. Farebnosť portrétov je dramaticky aktívna, nasýtená zvučnými, jemne zladenými doplnkovými tónmi. Komplexná farebnosť v Pavlovovom portréte, postavená na kombinácii najjemnejších odtieňov studených a teplých tónov, teda charakterizuje duchovnú jasnosť a celistvosť vnútorného sveta vedca. A na portréte bratov Korinovcov zhustne do sýtomodrej, čiernej, sýto hnedej, čo vyjadruje dramatickosť ich tvorivého stavu. Nesterovove portréty vniesli do umenia zásadne nový, život potvrdzujúci začiatok, tvorivé horenie ako najtypickejšie a najživšie prejavy stavu ľudí v ére vysokého pracovného nadšenia.
K Nesterovovi má najbližšie umelec Pavel Dmitrievič Korin (1892 - 1967). Bol vychovaný medzi maliarmi Palekh, svoju kariéru začal maľovaním ikon a v roku 1911 na radu Nesterova vstúpil na Moskovskú školu maľby, sochárstva a architektúry. Korin, ktorý je veľmi náročný na seba a ľudí, niesol túto vlastnosť celou svojou prácou. A. M. Gorkij, s ktorým sa zoznámil v roku 1931, zohral významnú úlohu v jeho tvorivom rozvoji a vlastne aj v živote umelca vôbec. Gorkij pomohol Korinovi urobiť cestu do zahraničia za štúdiom najlepších pamiatok svetového umenia.
Možno aj preto sa portrétna galéria vedcov, umelcov, spisovateľov našej doby, ktorú Korin dlhé roky vytvára, začala obrazom A. M. Gorkého (1932). V podstate sa už v tomto diele odhaľujú hlavné črty portrétistu Korina. Portrét Gorkého je skutočne monumentálnym dielom, kde jasne definovaná silueta, kontrastné pozadie, široká farebná výplň veľkých plôch plátna, ostrá expresívna kresba vyjadrujú historické zovšeobecnenie osobnosti spisovateľa. Pre tento, ako aj pre iné portréty Korina, je charakteristický silný rozsah s množstvom tmavošedých, tmavomodrých, niekedy až čiernych tónov. Tento gamut, ako aj zreteľne vytvarovaná podoba hlavy a postavy portrétovanej osoby vyjadruje emocionálne kvality umelcovej povahy (6).
V 30. rokoch vytvoril Korin portréty hercov L. M. Leonidova a V. I. Kachalova, umelca M. V. Nesterova, spisovateľa A. N. Tolstého a vedca N. F. Gamaleya. Je zrejmé, že pre neho, ako aj pre jeho duchovného učiteľa M. V. Nesterova, záujem o tvorivého človeka nie je ani zďaleka náhodný.
Úspechy maľby v 30. rokoch neznamenajú, že cesta jej vývoja bola jednoduchá a bez rozporov. V mnohých dielach tých rokov sa rysy generované kultom I. V. Stalina objavili a stabilizovali. Ide o falošný pátos pseudohrdinského, pseudoromantického, pseudooptimistického postoja k životu, ktorý určuje podstatu a zmysel „slávnostného“ umenia. Medzi umelcami vznikla konkurencia v boji o nezameniteľné „superzápletky“ spojené s obrazom I. V. Stalina, úspechmi industrializácie, úspechmi roľníctva a kolektivizácie. Vzniklo množstvo umelcov, ktorí sa na danú tému „špecializujú“. Najviac tendenčný bol v tomto smere Alexander Gerasimov („Stalin a K. E. Vorošilov v Kremli“ a jeho ďalšie diela).

Bibliografia

1. Vereščagin A. Umelec. Čas. História. Eseje o histórii ruskej historickej maľby XVIII - rané. XX storočia - L .: Umenie, 1973.
2. Maľba 20. - 30. roky / Ed. V.S.manin. - Petrohrad: Umelec RSFSR, 1991.
3. Zezina M. R., Koshman L. V., Shulgin V. S. Dejiny ruskej kultúry. - M.: Vyššie. škola, 1990.
4. Lebedev P.I. Sovietske umenie v období zahraničnej intervencie a občianskej vojny. - M., 1987.
5. Lichačev D. S. Ruské umenie od antiky po avantgardu. - M.: Umenie, 1992.
6. Ilyina T. V. Dejiny umenia. Domáce umenie. - M.: Vyššie. škola, 1994.
7. Dejiny umenia národov ZSSR. V 9 zväzkoch - M., 1971 - 1984.
8. Dejiny ruského a sovietskeho umenia / Ed. M. M. Allenová. - M .: Vyššia škola, 1987.
9. Polikarpov V.M. kulturológia. – M.: Gardarika, 1997.
10. Rozin V.M. Úvod do kultúrnych štúdií. – M.: Fórum, 1997.
11. Stepanyan N. Umenie Ruska XX storočia. Pohľad z 90. rokov. - Moskva: EKSMO-PRESS, 1999.
12. Suzdalev P.K. História sovietskej maľby. - M., 1973.

© Umiestňovanie materiálu na iné elektronické zdroje len s aktívnym odkazom

Testové práce v Magnitogorsku, testovacie práce na nákup, semestrálne práce z práva, ročníkové práce z práva, ročníkové práce v RANEPA, ročníkové práce z práva v RANEPA, diplomové práce z práva v Magnitogorsku, diplomy z práva v MIEP, diplomy a ročníkové práce v VSU, testy v SGA, diplomové práce z práva v Chelge.

Galéria "Naši umelci" dnes otvára výstavu "Na pamiatku zberateľa Alexandra Zavolokina". Prezentovaných je asi 120 grafických diel 20. a 30. rokov 20. storočia

Dnes, 30. mája, sa v galérii "Naši umelci" (chatová obec Borki, 36, 19. km diaľnice Rubľovo-Uspenskoe) otvára výstava "Na pamiatku zberateľa Alexandra Zavolokina".

Alexandra Zavolokina poznal každý, kto bol začiatkom 2000-tych rokov nejakým spôsobom spojený s umeleckým procesom, každý, kto sa podieľal na organizovaní výstav, kurátori, galeristi, múzejníci, umelci a kritici umenia. Alexander Zavolokin pôsobil niekoľko rokov na Ministerstve kultúry Ruskej federácie ako zástupca vedúceho oddelenia súčasného umenia Federálnej agentúry pre kultúru a kinematografiu Ruskej federácie. Vďaka jeho energii sa Bienále súčasného umenia konalo v Moskve, mnoho rokov svojho života a tvorby investoval do práce ruského pavilónu na bienále v Benátkach.

Láska a služba umeniu nemohli obísť jeho súkromný život. Dokonca aj tí, ktorí vedeli o zberateľskej činnosti Alexandra Zavolokina a v širokom okruhu jeho známych ich nebolo veľa, mali len malú predstavu o skutočnom rozsahu jeho koníčka. Teraz, dva roky po náhlej smrti A. Zavolokina, predstavuje galéria Naši umelci verejnosti asi 120 grafických diel zo zbierky Alexandry a Alexandra Zavolokinových. Myšlienkou výstavy je ukázať rukopis zberateľa, jeho vkus a zmysel pre éru. Expozícia pozostávala z kresieb, náčrtov kulís a kostýmov, exlibrisov a knižných ilustrácií najmä z 20. – 30. rokov 20. storočia od Leva Bruniho, Vasilija Vatagina, Alexandra Vedernikova, Very Ermolajevovej, Vladimíra Konaševiča, Nikolaja Kuprejanova, Borisa Kustodieva, Alexandra Labasa, Vladimír Lebedev, Dmitrij Mitrochin, Alexej Pakhomov, Alexandra Platunová, Vera Pestel, Ivan Puni, Sergej Romanovič, Michail Sokolov, Pavel Sokolov-Skal, Antonina Sofronová, Vera Favorskaja, Artur Fonvizin, Alexander Ševčenko, Vasilij Shukhaev a ďalší umelci.

„Stretnutie s akoukoľvek skutočnou kolekciou vždy prináša radosť a prekvapenie z objavovania, najskôr umeleckého a potom ľudského. Pri výbere diel na výstavu nás zarazila mierka grafickej zbierky manželov Zavolokinových. Kompletná publikácia diel by v podstate mohla pôsobiť ako dobrá referenčná kniha o histórii ruskej a sovietskej grafiky. Z veľkej zbierky Alexandry a Alexandra Zavolokinových sme vybrali časť obmedzenú na roky 1900-30 ako najzaujímavejšiu a ťažko zbierateľnú... Skutočný zberateľ, ktorý si z okolitého sveta vyberá to, čo sa mu zdá cenné a skutočné , vytvára ho pozdĺž čiary, ťahu, v obraze a výstava jeho zbierky formuje v mysli diváka jeho spôsob umeleckého chápania sveta,“ povedala Natalia Kourniková, umelecká riaditeľka galérie „Naši umelci. “, kurátor výstavy.

K vernisáži výstavy je pripravený katalóg, ktorý obsahuje eseje-memoáre o Alexandrovi Zavolokinovi jeho kolegov a priateľov Michaila Shvydkoya, Alexandry Golitsyny, Leonida Tiškova, Zoye Kirnozovej, Stefana Couturiera a ďalších.

Tie vôbec nie sú dielom profesionálnych fotografov, ktorých sa možno pokúsiť obviniť z jednostrannosti. Sú to fotografie zo súkromných albumov - skutočný život, ktorý žili obyčajní priemerní sovietski ľudia v 20. - 50. rokoch.
Samozrejme, nedajú sa porovnať s úrovňou práce profesionálnych fotoreportérov, väčšinou ich robili amatéri. Ale odzrkadľujú život tak, ako ho videli, tých ľudí a čiastočne sa im ho podarilo zachrániť na rodinných fotografiách...
V zákulisí toho zostalo veľa. Napríklad vzdelávacie programy, kde sa 80 % negramotného obyvateľstva krajiny učilo čítať a písať – odkiaľ mali vtedajší roľníci fotoaparáty? Ale nie je to tak. Pozrite sa, čo obklopuje sovietskych ľudí tých rokov, oblečenie, tváre, ktoré odrážajú ich dobu. Niekedy budú hovoriť o svojej dobe lepšie ako historici, propagandisti a analytici.

Deti v polovici 20. rokov
Školské učebnice – prvýkrát v živote. Vzdelávanie pre všetkých po prvýkrát na svete poskytla sovietska moc.


1926 Čerepovec. Oslava 1. mája
Deti bez domova vedľa pódia - dôsledky občianskej vojny. Bezdomovectvo bude odstránené až začiatkom 30. rokov.


1928 Krasnojarský kraj. kongres pracovníkov strany.
Pozrite sa, ako sú oblečení pracovníci strany – presne ako priemerný človek v tých rokoch.
V 20. rokoch nemal každý oblek. A stranícki pracovníci mali vo svojom obvyklom šatníku 2 tuniky, alebo dokonca jednu.


Rodinná oslava, 20-30

Fotografia ženy. 1930 Moskva


Skupina ľudí 1930. Miesto neznáme


Rada obce 30-te roky. Okres Pavlo-Posadsky, Moskovský región


Auto na drevo (!) Auto najazdené 1931
Nadšení dizajnéri 30. rokov. V tom čase to s ropou v ZSSR nebolo veľmi dobré – takmer všetky preskúmané zásoby boli sústredené na Kaukaze. Ropné polia Tatárie a Sibíri boli objavené až v 40. a 50. rokoch 20. storočia, keď sa vytvorila základňa pre geologické prieskumy. Predtým v krajine veľmi chýbali geológovia, vybavenie, inžinieri, doprava... prakticky nič. Toto všetko vzniklo v 30-tych rokoch.


1931 Najlepší tím pri výstavbe Kuzneckových železiarní, Novokuzneck.
Pokladajú sa základy ťažkého priemyslu.
Pozrite sa na tváre týchto ľudí. Oni, nešetrili sa, postavili továrne a mestá pre svojich potomkov, pre nás. O 10 rokov budú brániť to, čo urobili v najstrašnejšej vojne v dejinách ľudstva, umierať, aby sme my mohli žiť. A dovolili sme to všetko ukradnúť a zničiť. Mohli by sme sa im pozrieť do očí?


Rodina. Leningrad 1930-31
Inteligencia a špecialisti v tých rokoch zarábali veľmi dobré peniaze.


Odpočívaj na vode. Kirovský región 1932 - 1936


18. apríla 1934. „Pracovná brigáda“. Neverovsko-Sloboda poľnohospodársky artel "Lenin testament" S.Neverovo-Sloboda Ver.Landeh. Šujsk okres. env.
Poľnohospodárski robotníci v odľahlej sibírskej provincii. Artel je mimovládna organizácia a družstvo združených podnikateľov, ktorí sami uzavreli zmluvy so štátom a inými družstvami, platili dane atď.
Družstevné hnutie bolo mimoriadne rozvinuté v stalinistickom ZSSR. Okrem kolektívnych fariem, ktoré boli družstevnými organizáciami, vtedy existovalo vyše 114 000 priemyselných dielní, ktoré zamestnávali asi 2 milióny ľudí. Vyrábali takmer 6% hrubej priemyselnej produkcie ZSSR v jej zložení: 40% všetkého nábytku v krajine, 70% všetkého kovového riadu, 35% pleteného tovaru, takmer 100% hračiek.
V družstevných vidieckych arteloch boli robotníci (kolektívni aj individuálni farmári) zvyčajne zamestnaní na čiastočný úväzok. Zahŕňali v 30. rokoch až 30 miliónov ľudí.
Družstevné hnutie v ZSSR zničil Chruščov súčasne s rozvinutím antistalinskej hystérie.

1934 Kemping po gruzínskej vojenskej ceste
Viete si predstaviť robotníka v cárskom Rusku, ktorý sa vydal na túru na náklady štátu? Ako povedal G. Wells, toto je jediná krajina na svete, kde pracujúcim hrá klasická hudba.

"Po kúpaní" Polovica 30. rokov.
„Zastrašený sovietsky ľud. » © Vidíte, či je na týchto tvárach strach? na niektorej z fotografií. Otvorené, optimistické a svetlé tváre.


Kolektívni farmári. Kirovský región medzi rokmi 1932 a 1936
Obyčajní sovietski kolchozníci v sene.


Región Kolomna. Polovica 30. rokov.


1935, oblasť Oryol, motorest Bogdanovsky.
Celá krajina sa venovala športu. Sú to obyčajné sovietske dievčatá, vôbec nie gymnastický tím. Pokúste sa zopakovať to, čo robia.

Študenti vysokej školy pedagogickej, 1935, región Kirov
Uniformu dal študentom sovietsky štát. Je to krajina, ktorá pred niekoľkými rokmi nosila lykové topánky a nevedela čítať a písať.


Mladí muži 30. rokov, región Kirov.
Odznaky - prešli štandardmi TRP (Ready for Labor and Defense) a GTSO (rovnaké, ale hygienické). V tých rokoch bolo absolútne nevyhnutné, aby takýto odznak dostal chlapec, ktorý si váži sám seba. Osoba bola ocenená osobnými vlastnosťami, a nie peňaženkou a vzťahmi rodičov. Tými, ktorí používali konexie, sa opovrhovalo.
Takíto ľudia za pár rokov vyhrajú Vojnu, vybudujú svetovú veľmoc takmer od nuly, vypustia človeka do vesmíru.
Venujte pozornosť zhromaždeným, odhodlaným, dospelým tváram týchto chlapcov - majú asi 16 rokov. A porovnajte ich s tými súčasnými.


Hra „Pionierska lavička“. Pioniersky tábor 1937
Takmer zadarmo mohlo každé dieťa ísť na celé leto do pionierskeho tábora, kde ho vychovávali, trénovali a učili. V západných krajinách je to stále nemysliteľné. A to je bežné už od 30-tych rokov.


Snežný skúter na ľade Volhy pri Kanavdinskom moste. Polovica 30. rokov.
High-tech tých rokov. Zohrali dôležitú úlohu vo vývoji leteckých technológií a boli široko používané pri vývoji severnej, fínskej a svetovej vojny.

Vera Voloshina, 1. októbra 1941. O dva mesiace neskôr, 29. novembra, toto mimoriadne krásne dievča zomrie.
Osemmetrová plastika Dievča s veslom od úžasného sochára Ivana Šadra (Ivanova), predlohou bola úžasná sovietska atlétka Vera Voloshina, ktorá sa stratila v novembri 1941 počas sabotážnej operácie za nepriateľskými líniami.
Mesiac pred jej smrťou sochu zničila nemecká bomba. Až o štvrťstoročie neskôr sa dozvedeli podrobnosti o jej smrti – po návrate z misie bola vážne zranená, zajatá Nemcami a po dlhom mučení obesená v lese. Stalo sa to 10 km od miesta smrti Zoye Kosmodemyanskaya v ten istý deň. Vera Voloshina, ktorá dosiahla rovnaký čin, bola komsomolskou organizátorkou prieskumnej a sabotážnej skupiny, ktorej súčasťou bola aj Zoya.
Vera bola tiež vynikajúca parašutistka a sochár napoly žartom povedal, že ju špeciálne postavil, aby sa pozrela na padákovú vežu.


Študenti geológie 1937


O čo na fotke ide, je jasné z nápisu v hornej časti. Venujte pozornosť - takmer všetci mladí muži majú odznaky TRP. Byť dystrofickým členom Komsomolu bolo jednoducho divoké. Komsomolci a komunisti mohli mať osobné zbrane.


Obyčajná moskovská rodina 1939-1940


1939 Khakassia. Obec
Bicykel v krajine Sovietov sa stal samozrejmosťou – mohol si ho dovoliť takmer každý a ich deti. Napríklad na Západe si v tých rokoch bicykel nemohol dovoliť každý. Začal sa päťročný plán pre spotrebný tovar, ktorý sa uskutočnil s výnimočným úspechom. Životná úroveň sovietskeho ľudu rýchlo rástla od roku 1939 ... do 22. júna 1941.

1942, o dva mesiace zahynie v bojoch pri Vyazme.

Na ruinách rodného domu 1942. Moskovská oblasť.


Prísaha. 1944


1947 Vidiecka škola v regióne Vologda.
Na fotografiách z prvých rokov po vojne sú aj na detských tvárach viditeľné stopy ťažkého stresu a ťažkého života. Stopy vojny sú na ľudských tvárach viditeľné ešte začiatkom 50. rokov a potom sa postupne vytrácajú a tváre 10-ročných detí prestávajú byť nedetnými dospelými.
Takmer všetci stratili alebo vážne zranili niekoho zo svojich blízkych, ak nie z rodiny, tak od priateľov, svojich rodín, spolužiakov. Mnohé z ich matiek boli vdovy.


Country Boys 1947


4 „A“ triedy, koniec októbra 1948, obec pri Smolensku.


"Trojica, 1949". Kirovský región
Posledných 20 rokov „každý vie“, že náboženské obrady boli v ZSSR prísne zakázané a teror bol obzvlášť krutý za Stalina. Ako sme ubezpečení: položte kríž na hrob, oblečte vianočný stromček - a pochodujte v kolóne na Kolymu. A bolo to takto.


Trieda z roku 1950. Jedna z moskovských škôl.


"Rekreácia vonku" - koniec 40-tych rokov - začiatok 50-tych rokov


Pri stole v ústave. 1949, región Kirov


Sviatok októbrovej revolúcie. Začiatok 50. rokov


Vydanie Miestnych novín. Vypočujte si správy. Vladimírska oblasť, zač 50-te roky


Obyvatelia Kaunasu 1950


Študent, 50 rokov.

Mladý muž. Ufa, 1953.


Village Boys, vil. Chupakhino, oblasť Oryol 1953
Nejako v televízii hovorili, že „zips“ sa objavil v ZSSR až v 60-tych rokoch, v spotrebnom tovare bol tak ďaleko za „civilizovanými krajinami“. Znamenalo to: "načo potrebujeme priestor, keď nedokážeme vytvoriť blesk." Chlapík na ľavej strane obrázku zrejme stiahol kožu mŕtveho Američana.


1954. Pripravený na prácu a obranu. Splnenie noriem GTO.

"Nadya" - polovica 50-tych rokov, Moskva
Ich tváre už neodrážajú Vojnu, stávajú sa bezstarostnými a zlomyseľnými. Deti, ktoré sa v 50. rokoch po hladných vojnových rokoch snažili lepšie „vykŕmiť“.

Riga-50. roky.

V pomlčke spoločnosti Dynamo 1955


V novom byte. Personálny pracovník závodu "Červený október" Shubin A.I. Moskva, Tushino, 1956


Chlapci, Kolomná, 1958.


Kislovodsk. Obrad pitia minerálnej vody. 1957 Autor - Javad Baghirov


Kyjevský byt z roku 1957

Baku, choď unavený. 1959 Autor - Javad Baghirov


Zariadenia na predaj parfumov a kolínskej vody. 50-te roky
Od 50-tych rokov sa vo veľkých obchodoch dalo „nafúknuť“ parfémom či kolínskou vodou. Pred „Chruščovovou reformou“ to stálo 15 kopejok.

Ivanova Anna, žiačka 9. ročníka, SOŠ č.380

Táto práca obsahuje popis obdobia, hlavných trendov a smerov sovietskej maľby v 20-30-tych rokoch dvadsiateho storočia.

Stiahnuť ▼:

Náhľad:

https://accounts.google.com

Popisy snímok:

V 20. rokoch 20. storočia sa objavili združenia „Byť“ a „KNIFE“ (Nová spoločnosť maliarov). Umelci používali techniky primitivizmu, uprednostňovali krajinu a zátišia. Objavila sa Spoločnosť štyroch umení (1924-1931), do ktorej patrili okrem maliarov (P. Kuznecov, A. Kravčenko, Sorin atď.) a sochárov (Mukhina, Matveev) aj architekti (Žoltovskij, Ščusev, Ščuko atď.). ). Štyri umenia boli ostro proti avantgardizmu. "Makovets" (1921-1926) nie je len spolkom, ale aj časopisom pod rovnakým názvom. Do združenia patrili L. Žegin, N. Černyšev, V. Favorskij, A. Fonvizin, A. Ševčenko, S. Gerasimov.

V mene ruskej avantgardy vystúpili „Afirmatívci nového umenia“ – UNOVIS (1919-1920), ktorí sa najskôr usadili vo Vitebsku (Malevič, Chagall, Lissitzky, Leporskaja, Sterligov atď.), a potom sa rozšírili do iné mestá. V roku 1923 bol v Petrohrade založený GINHUK (Štátny inštitút umeleckej kultúry). V Moskve existoval INKhUK od roku 1920. Najprv bol jeho predsedom Kandinskij, po ňom Rodčenko, potom Osip Brik. Členovia UNOVIS a INHUK boli ostro agresívni voči tradičnému umeniu minulosti a hlásali „komunistickú kolektívnu kreativitu“.

Náhľad:

Ak chcete použiť ukážku prezentácií, vytvorte si Google účet (účet) a prihláste sa: https://accounts.google.com

Popisy snímok:

Lazar Lissitzky, „Lietajú na Zem z diaľky“ Anna Leporskaya, „Roľnícka žena v poli“ Kazimir Malevich, „Roľník“

Rôznorodé a protichodné javy ruskej kultúry na začiatku 20. storočia: symbolizmus, kubizmus, konštruktivizmus, rayonizmus, suprematizmus, futurizmus, kubofuturizmus.

Symbolisti sa snažili vyjadriť duchovný zážitok, emocionálne zážitky vo vizuálnych obrazoch. Symbolizmus mal „obliecť myšlienku do podoby pocitu“. Vrubel, "Démon" Borisov-Musatov, "Májové kvety"

Kubizmus je modernistické hnutie vo výtvarnom umení (hlavne v maliarstve), ktoré vzniklo v 1. štvrtine 20. storočia. Vznik kubizmu sa pripisuje roku 1907. Lentulov, "Krajina so žltou bránou" Chagall, "Ja a dedina"

Konštruktivizmus je maliarsky štýl, ktorý bol prvýkrát vytvorený v Rusku v roku 1913, keď ruský sochár Vladimir Tatlin počas svojej cesty do Paríža videl dielo Braquea a Picassa. Keď sa Tatlin vrátil do Ruska, začal vytvárať podobné diela. Stali sa začiatkom konštruktivizmu, ktorý mal zvláštny vzhľad na pozadí umenia tej doby. Alexander Radčenko Lyubov Popova

Rayonizmus je trend v ruskej avantgardnej maľbe, jeden z prvých trendov v abstraktnom umení. Je založená na posune svetelných spektier a priepustnosti svetla. Verilo sa, že človek nevníma samotný objekt, ale „súčet lúčov vychádzajúcich zo zdroja svetla, odrazených od objektu a zachytených v našom zornom poli“. Lúče na plátne sa prenášajú pomocou farebných čiar Michail Larionov, "Sklo" Romanovič, "Ľalie v rybníku"

Futuristi postavili akýsi prototyp budúcnosti prostredníctvom zničenia kultúrnych stereotypov. Boli ako revolucionári v umení, keďže cieľom bola všeobecná obnova ideológie a etického rozhľadu všetkých predchodcov. Gončarová, "Stĺpy soli" Exter, "Víno"

Realizmus v prvých rokoch revolúcie má inú „farbu“ v tvorbe rôznych umelcov: symbolickú – u Kustodieva, Yuona, Konenkova, propagandu – u Čechonina, romantickú – u Rylova. Konenkov Čehonin

Náhľad:

Ak chcete použiť ukážku prezentácií, vytvorte si Google účet (účet) a prihláste sa: https://accounts.google.com

Popisy snímok:

Sovietska maľba 20-30-tych rokov dvadsiateho storočia. Vyplnila študentka 9. ročníka, SOŠ č. 380 Ivanova Anna

Rylov, "V modrom priestore"

Boli vytlačené vo veľkom počte v rôznych národných jazykoch, a preto prenikli aj do najodľahlejších kútov krajiny. Prvý plagát vydavateľstva Všeruského ústredného výkonného výboru „Cár, pápež a päsť“ (1918) bol teda okamžite uverejnený v 10 jazykoch. Lakonizmus línie, silueta, farba, nápis, primitivizmus jazyka prispeli k rýchlej zrozumiteľnosti toho, čo bolo na plagáte zobrazené, k jeho ostro propagandistickej orientácii. Plagát bol prístupný negramotným a úplne negramotným, vyzýval na boj proti nepriateľovi formou zrozumiteľnou pre každého.

Maľovanie teda v 20.-30. rokoch v Sovietskom zväze začali kontrolovať úrady, ale existovali aj spoločnosti, kde umelci prinášali do života nové nápady, nápady, snažili sa každému sprostredkovať svoju víziu o dianí v krajine a svet.