Orgie v Avignone. Čo povedal divadelný festival o Západe

Nemohlo byť lepšie nájsť niečo, čo spojilo následnú prehliadku morálnych a duševných deviácií, v zrkadle ktorých bol človek rozobratý do najtemnejších kútov duše. Oslávenie fyzickej či duchovnej smrti ako jediného možného východiska v prológu divadelných prázdnin nás samo o sebe prinútilo zamyslieť sa nad nenáhodnosťou výberu deja.

I. časť Avignon IN

Riaditeľ slávneho avignonského festivalu Olivier Pi si v stredu 6. februára prevzal Čestnú légiu za zásluhy o kultúru. Ocenenie sa uskutočnilo za prítomnosti „prvej dámy“ francúzskeho štátu Brigitte Macronovej a ďalších členov elity. Minister kultúry Frank Riester privítal nového člena rádu na Twitteri slovami: „Drahý Olivier Pi, ďakujem za svetlo, ktoré prinášaš s každým zdvihnutím opony. Ďakujeme vám za vaše neúnavné úsilie pri plnení ambicióznej úlohy, o ktorú sa s vami delíme: túžbu otvárať brány kultúry všetkým, umelcom aj divákom..

Príslušnosť k Rádu čestnej légie je najvyšším čestným vyznamenaním Francúzskej republiky, ktoré sa udeľuje za vynikajúce služby. Čo odráža svetlo, ktoré priniesol Olivier Py, aké sú jeho vynikajúce služby Francúzsku a čo sa stalo kultúrnym fenoménom založeným v minulom storočí na progresívnych a demokratických princípoch pod jeho vedením, vám umožní pochopiť malú retrospektívu divadelné fórum, ktoré minulý rok zorganizoval Olivier Py.

Od 6. júla do 29. júla 2018 sa už po 72. krát konal najväčší medzinárodný divadelný festival v Avignone (Francúzsko). Fórum bolo už tradične rozdelené na oficiálny Avignon IN, v rámci ktorého si diváci pozreli 40 inscenácií, a alternatívny Avignon OFF. Tej sa zúčastnilo 1000 ochotníckych a komunálnych divadiel, ktoré uviedli 1300 predstavení. Počet divákov divadelného fóra dosiahol 50 000 ľudí. Avignonský festival čo do počtu návštevníkov a prestíže skutočne nemá vo svete obdoby.

Ak je téma oficiálneho festivalu stlačená istými ideologickými usmerneniami, potom je Avignon OFF demokratickejší. Medzi profesionálnymi a amatérskymi divadlami nie sú žiadne rozdiely, až na to, že amatérske divadlá hrajú a prichádzajú na vlastné náklady. Pre mnohé regionálne súbory je to jedinečná príležitosť získať zákazky a financie, prejaviť sa v národnom a dokonca aj medzinárodnom meradle. Na festival prišlo hľadať talenty 3500 producentov, režisérov a novinárov. Podľa hlavnej webovej stránky Avignonu www.festival-avignon.com je festival "najväčší umelecký trh, počas ktorého je mesto pokryté letákmi a plagátmi a súbory pozývajú diváka priamo do ulíc". Napriek tomu sa divák v tomto chaose akosi zorientuje, oboznamuje sa s programom z recenzií a oznamov, prípadne sa spolieha na svoju intuíciu.

Avignonský festival založil v roku 1947 francúzsky režisér a herec Jean Vilard, ktorý zostal jeho stálym riaditeľom až do svojej smrti (1971). V rokoch 1951 až 1963 Jean Vilar stál aj na čele Národného ľudového divadla (TNP), ktoré urobilo veľa pre demokratizáciu divadelného umenia vo Francúzsku. Snažil sa v dobrom prostredí oboznámiť širokú verejnosť s klasickými dielami. Louis Aragon hovoril o vysokej úrovni divadla. Sprístupnením cien lístkov a zavedením systému predplatného umožnil priblížiť sa ku kultúre mnohým, ktorí boli predtým o túto možnosť zbavení. Jean Vilar veril, že divadlo nemôže stáť mimo politiky a postavil sa proti vojne v Alžírsku.

Festival zostáva politicky angažovaný aj dnes. Len jeho ideologická orientácia sa zmenila na nepoznanie.

Olivier Pi mal 24. júla na záver oficiálnej časti podrobnú tlačovú konferenciu o cieľoch festivalu. Predovšetkým uviedol, že hlavnou témou, ktorá dnes trápi francúzsku inteligenciu, je osud rôznych, a najmä „rodových menšín“ a mieni rozšíriť hranice diskusie o tejto téme tak, aby "dotknúť sa všetkých" . Vyzval, aby sa osobitná pozornosť venovala mládeži.

Olivier Pi podrobne hovoril o hlavných, z jeho pohľadu, problémoch našej doby, ktorými by sa malo umenie zaoberať: „Tento rok sme si zvolili rodovú tému ako hlavnú tému festivalu. …V mnohých hrách sme bojovali aj za ženy a feminizmus. … Bojovali sme za rodovú otázku, ktorá sa týka každého, a najmä za identitu transrodových ľudí, za ich práva. Bojovali sme za práva LGBT (CI? – to je skratka výrazov zo stále sa rozširujúceho zoznamu porušovania rodovej identity – pozn. red.) Ide o obrovskú komunitu, ktorá sa dotýka každého a ktorá je vo viacerých krajinách sveta stále nelegálna. Bojovali sme za utečencov, ktorých niektorí nazývajú migrantmi, veľa predstavení hovorilo o tomto probléme. Tento boj sa prelínal s bojom za komunity LGBT a žien. Bojovali sme za Európu v čase, keď si Európa neverí. Prirodzene, bojovali sme za kultúrnu Európu a nie za diktát finančníkov. Bojovali sme a bojujeme za národné vzdelanie. … Bojovali sme za muža menom Kirill Serebrennikov, ktorý je v domácom väzení až do procesu, pravdepodobne z politických dôvodov. Tiež podľa Oliviera Pi bojovali "za ľud Gazy, proti hrozným väzenským podmienkam, proti patriarchátu a divokému kapitalizmu..." Vo všeobecnosti by to bol obvyklý zmätený ľavicový diskurz, ak by v rukách tejto osoby neboli obrovské administratívne možnosti. Znepokojujúca bola najmä skutočnosť, že sa rozhodlo nasmerovať hlavný nápor propagandy na mladých ľudí.

Agresívny tón prejavu umeleckého riaditeľa znel na kultúrnom podujatí trochu nezvyčajne a opakované slovo „boj“ naznačovalo prítomnosť akéhosi kultúrneho frontu.

Francúzsky režisér však vedie svoju vojnu už dlho a nikdy sa netajil svojimi postojmi. Napriek niekedy kontroverznému postoju k svojmu umeniu sa Olivier Py preslávil ako režisér, herec a zakladateľ divadla, "spojenie kresťanskej mystiky s dionýzovským šialenstvom." Ukázal všestrannosť talentu, vystupoval v jazzových kluboch a kabaretoch pod pseudonymom „Miss Knife“ ako drag queen. Texty ním písané sú venované najmä "ťažkosti života v tomto svete", slasti, nešťastná láska a iné osobné problémy. Vydal niekoľko kníh, z ktorých posledná, The Parisian, bola uznaná niektorými literárnymi kritikmi "detské a nečitateľné", pričom nablýskané magazíny s kultúrnou tematikou ho prezentovali ako najlepší román sezóny. Ako politický novinár sa aktívne podieľal na protisrbskej kampani, obhajoval nelegálnu migráciu a homosexuálne „manželstvá“. Od roku 2013 - stály umelecký riaditeľ festivalu v Avignone.

Podľa jeho priorít bola značná, ak nie najväčšia časť predstavení venovaná tragickým osudom ľudí s problémami sexuálnej identity a iných deviácií, ako aj feministkám a migrantom, teda celému súboru politicky korektných tém. .

Poctu otvoriť festival patril medzinárodne uznávanému francúzskemu režisérovi a hercovi Thomasovi Jollymu, ktorý si na to vybral jednu z najtemnejších Senecových tragédií, Fiestu. S nástupom noci sa začala akcia na hlavnom pódiu Avignonského festivalu v pápežskom paláci.

Tragédie Senecu, ktorý pôsobil v krutých časoch Caligulu a Nera, hovoria o nemožnosti víťazstva morálky nad hriešnymi vášňami a ranami osudu. Hlboké sklamanie filozofa je obzvlášť akútne v tejto tragédii, kde autor vidí iba smrť ako východisko z tragického rozporu. Výkrik zboru z tragédie Seneca - "Je chamtivý po živote, kto nechce zomrieť, keď svet umiera"- sa stáva leitmotívom celého festivalu.

Na otázku novinára o výbere námetu a o tom, prečo mali herci záujem hrať zloduchov a sám Tom Jolly si vybral toho najhoršieho z nich, Atreusa, režisér odpovedal takto: "Keď herci hrajú príšery, hľadajú v nich niečo ľudské... Keď v príšerách nachádzame človeka, kladieme si otázku a hľadáme v sebe niečo príšerné." A skutočne, temnota ľudskej duše Toma Jollyho bola plne vyjadrená. Inscenácia s veľkolepou scénografiou, kostýmami a efektmi vyhodila do vzduchu divadelnú sálu pod holým nebom. Predstavenie opísal jeden z kritikov takto: „Thomas Jolly, ktorý hrá úlohu hlavného monštra Atrea a režiséra Fiesty, reprodukoval súmrakú čiernu tragédiu rímskeho filozofa Senecu. Je to gýčom ovplyvnená rocková opera, prekypujúca depresívnou, šialenou redundanciou. Divoká odysea do hlbín koreňov, strašného zla, ktoré každý nosí v sebe.

Celé vystúpenie je možné si pozrieť.

„Fiest“ sa stal udalosťou a nastavil tón festivalu, ktorý sa začal. Nemohlo byť lepšie nájsť niečo, čo spojilo následnú prehliadku morálnych a duševných deviácií, v zrkadle ktorých bol človek rozobratý do najtemnejších kútov duše. Oslávenie fyzickej či duchovnej smrti ako jediného možného východiska v prológu divadelných prázdnin nás samo o sebe prinútilo zamyslieť sa nad nenáhodnosťou výberu zápletky.

Tu je stručný popis len niekoľkých vystúpení z programu, ktoré by mohli charakterizovať celkovú atmosféru fóra. Veď posúďte sami.

"Óda na vyskúšanie"- choreografia Jana Martensa a "Ben a Luke"- zmyselné pas de deux tanečníkov z Burkiny Faso.

"Medúza"- naturalistické rozprávanie o kanibalizme a živočíšnej povahe človeka, "boj s ktorým bude večný". (O procese s tými, ktorí utiekli na plti fregaty „Medúza“).

"Ďaleká krajina"- adaptácia autobiografického románu Jeana-Luca Lagarcea, ktorý zomrel na AIDS vo veku 38 rokov, od Christopha Rauka. Inscenácie sa zúčastnili absolventi divadelnej školy v Lille. Dej príbehu: mladý homosexuál, ktorý si uvedomuje blížiacu sa smrť, sa chce rozlúčiť so svojimi blízkymi. Akoby sa vracia do svojho rodičovského domu, kde jeho sklony nie sú schválené a „nerozumejú mu“. V tejto „ďalekej krajine“ dochádza k stretnutiu nielen so živými, ale už mŕtvymi príbuznými. Okrem toho je tu aj celý zástup jeho bývalých mileniek, s ktorými zúčtovanie pokračuje. Christoph Rauck o výbere diela povedal toto: „Nečakal som, že v divadelnej hre stretnem toľko humanizmu. Všetci sme niekedy zažili alebo zažili emócie a situácie, ktoré opísal Jean-Luc Lagarce. Pripomína mi Čechova". S ľahkou rukou sa dnes režisérovi Lagarceovi hovorí „moderný Čechov“.

"A prečo by som mal hovoriť ako ty?" Na prípravu tohto predstavenia sa herečka Anouk Greenberg vydala hľadať „surové texty“ v útulkoch, blázincoch, v kruhoch pekla chudobných a zabudnutých ľudí. Našla staré dokumenty archivované zdravotníkom, listy od obyvateľov domovov smútku. Číta ich jemným, dobre umiestneným hlasom. Niekedy sú texty jednoducho srdcervúce, podobné modlitbe, iné sú plné nádeje, majú spoločné len to, že na ne nikto neodpovie.

"Niektorí nikdy nevideli more"- sága o dramatickom osude mladých Japoniek, ktoré prišli do USA, aby sa stali manželkami japonských imigrantov. Hovoríme o ich bezprávnom a beznádejnom živote, ktorý sa skomplikoval začiatkom vojny medzi Japonskom a Spojenými štátmi.

Ďalšie predstavenie na antipatriarchálnu tematiku priniesol režisér z Egypta. V divadelnej hre "matka" hovorí sa, že ženy v egyptskej rodine sú ako strážkyne „patriarchálneho chrámu“ denne vystavené ponižovaniu. Z pohľadu autora sa vydávajú do „dobrovoľného otroctva“, z ktorého niet východiska.

Pozornosť upútala aj tvorba samotného Oliviera Pi - "Antigóna" Sofokles, čo si uvedomil s väzňami v Avignone. Všetky úlohy v hre hrajú muži. Ako píšu kritici, napriek neprofesionálnej dikcii hrajú väzni úprimne, každodenný boj o „dôstojnosť“ v hrozných francúzskych väzniciach je im blízky.

"Trance"- Režíroval Didier Ruiz. Slovo má sedem transsexuálov, ktorí počas celého predstavenia hovoria o prechode z jedného hraničného stavu do druhého.

"Vždy môže povedať, že je to z lásky k prorokovi" V divadelnom oratóriu v réžii Iránu Gurshad Shaiman rozpráva drámu mladých ľudí, ktorí utiekli z Maghrebu a na Blízky východ pre svoju sexuálnu orientáciu.

"Suchá sezóna"- tvrdý matriarchálny rituál, v ktorom vodca súboru Nova nova Fia Menard, muž s porušením sexuálnej identity, ktorý po terapii nadobudol ženskú podobu, vyhlási vojnu norme a patriarchátu. Hra sa začína scénou, v ktorej sedem nahých žien s nohami od seba leží pod tlakom nízkeho stropu, ktorý sa pohybuje vertikálne bez ohľadu na ich vôľu. Tá má podľa režisérovho zámeru symbolizovať zotročovanie, od ktorého sa možno oslobodiť jedine vzbura proti spoločnosti.

Podľa francúzskeho kritika: „Vo vizuálne úžasnej scénografii Obdobie sucha sa odohráva rituál zničenia patriarchálneho domova. Fia Menard, odhodlaná ukončiť mužský útlak, demonštruje pomstychtivú silu bez toho, aby sa vyhýbala stereotypom. „Plieskam ti mačičku“ – prvé slová predstavenia v podaní Fia Menarda znejú ako vyhlásenie vojny. V reakcii na tieto neslušné slová, ktoré zrejme v uličke počulo veľa žien a ktoré sú symbolom dominancie mužov, ktorí si z verejného priestoru urobili nepriateľské územie, sa líder skupiny Nova nova rozhodol ukončiť hru (zmeniť pohlavie ). Ťažké delostrelectvo, schopné strieľať červené gule na patriarchát... Oko za oko, zub za zub.“.

A tu si mimovoľne všimnete, že napriek dôrazne prenasledovaným obrazom väčšiny divadelných inscenácií sa už spoza nich ozýva niečí rev, ktorý si dovoľuje ohrozovať spoločnosť v jazyku brány. Niekto vyhlasuje vojnu modernej kultúre a obrazu človeka v nej, volá po víťazstve archaických pudov nad ľudskou podstatou, vyžíva sa v hriechu a neresti. Tento námet, podobne ako postavy z obrazov Hieronyma Boscha, vytvára orgie „návratu“. V boji s patriarchátom je zapojený do ničenia tej tenkej kultúrnej vrstvy, ktorej vytváraním ľudstvo strávilo desiatky tisíc rokov. Treba si uvedomiť, že tento rozsiahly projekt sa uskutočňuje za plnej podpory elít, zmätku humanistickej inteligencie a nevzdoru ľudu.

Či agendu najväčšieho divadelného fóra vyčerpáva „gender“ a ako žije divadelné vnútrozemie – o tom v druhej časti článku Avignon OFF.

Najstarší divadelný festival v Európe neprestáva udivovať divákov sviežimi nápadmi a novými talentami.

Avignonský festival, ktorý založil vynikajúci divadelný režisér Jean Vilard, je už pol storočia hlavnou udalosťou francúzskeho letného kultúrneho kalendára. Na jeho javisku sa diváci zoznámia s premiérami najväčších štúdií v Európe a spoznajú najnovšie trendy v divadelnom umení.

Centrom Festivalu d "Avignon je už tradične vonkajší areál Courdoneur na nádvorí legendárneho Pápežského paláca s kapacitou až 2000 divákov. Hlavný program divadelného festivalu je uvedený aj na niekoľkých doplnkových scénach v okolí Starého Mesta Ročne tu vystupuje asi 20 umeleckých súborov z celého sveta. Okrem činohry sa tu prezentujú aj iné formy divadelného umenia - moderný tanec, muzikál, pantomíma, bábkové predstavenia.Cena vstupenky na predstavenie Avignonského festivalu je od r. 10 eur.

Okrem hlavného programu sa hostia avignonského festivalu zoznamujú s predstaveniami divadelného veľtrhu Festival du Off, podobného tomu slávnemu. Každý rok malé a experimentálne tímy predvádzajú svoje výtvory na námestiach, v parkoch, nočných kluboch, kostoloch, obchodoch a kultúrnych zariadeniach po celom meste.

Najpohodlnejší spôsob, ako sa dostať do Avignonu, je vysokorýchlostným vlakom z Paríža (3 hodiny na ceste).

Avignon je veľmi dobrý, skoro taký dobrý ako Avignon, ktorý ma nikdy neomrzí obdivovať. Mesto Avignon je administratívnym centrom departementu Vaucluse, ktorý sa nachádza v Provence, to je juh Francúzska. Tomuto mestu sme venovali len pol dňa, počas - to je veľmi málo na také malebné mesto s veľmi bohatou históriou, množstvom významných múzeí.

Najväčšou atrakciou Avignonu je samozrejme svetové dedičstvo UNESCO, podobne ako celému historickému centru, palácu som venoval samostatný článok. Ale samotné staré mesto je veľmi, veľmi malebné a zaujímavé.

V Avignone sa takmer celé zachovali starodávne trojmetrové múry z 13. – 14. storočia, len na niektorých miestach sa v nich pre pohodlie urobili zlomy. Hradby boli postavené počas avignonského zajatia pápežov, aby chránili kúriu počas tohto ťažkého obdobia.

Hradby Avignonu

Rád by som sa za iných okolností len tak prešiel pešo po hradbách, sú také dobré a tiež početné brány sú dobré. záhony a dokonca aj inštalácie v modernom štýle pred steny. Škoda, že som to všetko nenafotil.

Od roku 1947 sa v Avignone konajú divadelné festivaly, festival sme náhodou našli. Toto je pravdepodobne jeden z najlepších doplnkov k nádhernej architektúre a bohatej histórii. Divadelný festival prináša neopísateľný pocit osláv a zábavy.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

Umenie krotiť: „Avignonský festival – 2017“ sa skončil

Na juhu Francúzska sa skončil jeden z najväčších a najvýznamnejších divadelných festivalov planéty Festival d "Avignon. Podľa súhrnných výsledkov organizátorov sa na festivale za 20 dní odohralo 300 predstavení na 39 miestach, v r. Celkovo ju navštívilo 152 tisíc divákov z celého sveta, medzi nimi aj korešpondent Fontanka.

Festival d "Avignon je nielen najväčším, ale aj najstarším medzinárodným európskym divadelným festivalom s bohatou históriou. V roku 1947 ho zorganizoval známy francúzsky režisér Jean Vilar, zástanca ľudového divadla, divadla pre ľudí - ako arteterapiou pre povojnovú depresiu, ktorá sa v tom čase rozšírila po Európe.Z rovnakého dôvodu sa usadil práve na juhu Francúzska.V prvých rokoch sa naň schádzali len francúzske a zároveň viac-menej tradičné divadlá. Za čo bol Vilar najprv obvinený z revolučne zmýšľajúcej kritiky „nacionalizmu“ a dokonca „stalinizmu“ a potom, keď začal aktívne pozývať divadlá z iných európskych krajín – v „kozmopolitizme“. Divadelní revolucionári sa medzitým rozhodli organizovať svoj off-program v Avignone – na rozdiel od „rutiny“ – a urobili to v roku 1967 na nádvorí karmelitánskeho kláštora XIV. storočia, napriek tomu, že hlavným miestom konania festivalu Vilar bol Cour d „Honneur of the Pápežský palác (Avignon je považovaný za oficiálny sídlom pápežov od roku 1308). Bol teda dvojprogram festivalu – program In a program off.

Po smrti Vilara festival nezanikol, ale ďalej sa rozvíjal. Najvýraznejší rozkvet zažilo, keď 10 rokov - do roku 2013 vrátane - programovými riaditeľmi oficiálneho programu boli Vincent Baudrillet a Hortense Archambault, ktorí zbierali smotánku moderného svetového divadla, navyše malo revolučný charakter, tzn. , predstavenia režisérov, ktorí sa aktívne venovali hľadaniu nových radikálnych foriem a nového jazyka. Pod vedením Baudriera a Archabma sa pravidelne na Festival d "Avignon" stali Romeo Castellucci, Cathy Mitchell, Jan Fabre, Krzysztof Warlikowski, skupina Rimini Protokoll a mnohí ďalší headlineri svetového divadelného procesu a spontánny off-program každoročne zostavoval práve „divadlá pre ľudí“ z vlastnej iniciatívy prichádzajú do Avignonu, kupujú reklamné plochy, prenajímajú si priestory na predstavenia na vlastné náklady a sami pozývajú ľudí na svoje predstavenia.

Ak vám teda niektorý z vašich divadelných priateľov povie, že sa zúčastnil na festivale v Avignone, neponáhľajte sa obdivovať a gratulovať – najskôr sa opýtajte, na ktorom programe sa zúčastnil: In alebo Off.

Na druhej strane sú to plagáty, ktoré úplne pokrývajú steny stredovekých budov, obliekajú stĺpiky na chodníkoch, hrajú rolu obrusov na stoloch v kaviarňach, ale aj skupiny ľudí v rôznych kostýmoch, organizujú mini predstavenia pred reštauráciami. , ktorý vám v úzkych uličkách vloží do rúk letáky, odpúta vašu pozornosť od rannej kávy v kaviarni k nekonečným príbehom o vystúpeniach a vytvorí tú špeciálnu atmosféru avignonského festivalu, akú nenájdete nikde inde na svete. Mesto žije festivalovým životom nonstop (viď fotoreportáž), davy na uliciach uschnú až o piatej ráno, verejná doprava premáva približne v rovnakom čase a je úplne nepochopiteľné, aká štandardná pravidelná autobusy zvládajú manévrovanie v úzkych uličkách a dokonca aj medzi radmi áut zaparkovaných na každej strane. Každý večer po návrate z posledného predstavenia – zvyčajne začínalo o 22-23 hodine a končilo hlboko po polnoci, a to z jednoduchého dôvodu, že divadelné osvetlenie „funguje“ len v úplnej tme a väčšina priestorov v Avignone je otvorená. nádvoria stredovekých kláštorov, kostoly, lýceá – z okna som sledoval manévre autobusu a bol to pohľad nemenej vzrušujúci ako dobrá hollywoodska akcia.

Krotitelia slov, alebo Cesty vyhnancov

Čo sa týka hlavného programu, s príchodom bývalého šéfa parížskeho divadla Odeon, režiséra a dramatika Oliviera Pi, sa experimenty upokojila a samozrejme nie na poslednom mieste pre monsieur Pi pri zostavovaní Avignonský plagát 2017, sa ukázal ako problém politickej korektnosti, inými slovami, problém imigrantov.

Tejto téme je priamo venované iba jedno predstavenie – „Saigon“ mladej francúzskej režisérky vietnamského pôvodu Caroliny Gwiely Nguyen. Ide o produkciu jej vlastnej spoločnosti Les Hommes Approximatifs (The Approximate People), ktorá existuje už sedem rokov. Carolina a jej podobne zmýšľajúci ľudia zbierajú hlboko osobné, intímne príbehy ľudí spojených s geopolitickými kataklizmami. „Saigon“ je venovaný rodinnej histórii samotnej Caroliny, ktorá sa narodila v Paríži zo zmiešaného manželstva vietnamského imigranta, ktorý utiekol zo Saigonu po tom, čo ho Francúzi v roku 1954 opustili, a rodeného Francúza. Myšlienka vytvoriť takéto predstavenie sa zrodila, keď režisérka a jej matka odišli do svojej historickej vlasti a požiadali ju, aby zjednávala na trhu. Mama hovorila vo svojom rodnom jazyku, čo sa predajcovia stretli s dobromyseľným smiechom, keď Karolíne vysvetlili, že jazyk, ktorým hovorí jej mama, je už dávno preč. "Šokovalo ma," povedala Carolina Nguyen pre noviny Liberation, "že moja matka myslí a nehovorí dokonca ani v inom jazyku, ale v inom čase." Ďalšiu formuláciu, ktorá režisérku napadla, si vypočula od jedného z opýtaných utečencov v Paríži: "Môj syn je môj prvý blízky cudzinec v mojom živote." "Pre naše matky sme naozaj cudzinci - je v tom hlboká dráma," zdôraznila Carolina. A hra „Saigon“ sa podľa nej zrodila preto, že zrazu chcela vidieť Vietnamcov na javisku, počuť ich jazyk.

Kulisou predstavenia je pavilón, do ktorého zapadá vietnamská reštaurácia „Saigon“, prerobená do detailov do detailov: kuchyňa posadená vľavo a priestranná sála pre návštevníkov. Dej pripomína mexický televízny seriál – ľudia sa hádajú, zmierujú, ženia sa, deti nerozumejú rodičom a naopak – no režisérka v žiadnej epizóde pre ňu nestráca kľúčovú tému: syn nielenže nerozumie jeho matka, nerozumie matke, ktorá sa zrazu obráti na neho - Vietnamca a ďalšia mladá Vietnamka prepadne hysterii, keď náhodou uvidí, že jej priateľ spieva z pódia reštaurácie po francúzsky a pre Francúzov. Ide o to, že mladý muž, ktorý zabudol svoj rodný jazyk, je postava 90. rokov a vlastenecká hrdinka 50. rokov. Akcia skáče medzi polovicou a koncom minulého storočia. A napriek tomu, že medzi vietnamskými umelcami sú aj ochotníci (režisérka podľa nej nenašla toľko etnických divadelníkov, koľko potrebovala), herci hrajú majstrovsky. Priblížiť divákom bolesť, zúfalstvo, nemohúcnosť obyčajných ľudí zoči-voči globálnym politickým otrasom. Jednou z najlepších úloh v hre je obraz staršej kuchárky Márie, ktorá celé predstavenie čaká na nájdenie svojho syna, s ktorým ich osud pri úteku rozviedol, no bližšie k finále sa dozvie od jedného z návštevníčky reštaurácie, Francúzka, manželka veľkého úradníka, že jej zomrel syn – hrá len amatérska herečka, ktorá v skutočnosti pracuje ako kuchárka. Carolina Gwiela Nguyen rozpráva kuriózny príbeh: po celý čas predstavenia sa jej nedarí presvedčiť účinkujúceho, že po scéne, keď žiarlivý manžel majiteľky reštaurácie vtrhne do kuchyne a prevráti ju hore nohami, sa neponáhľa s upratovaním. túto kuchyňu, že to urobia montéri. „Nie, zničil mi kuchyňu,“ narieka umelkyňa a okamžite sa pustí do seba, aby odstránila neporiadok.

Tolerantní Francúzi tento výraz pre imigrantov nepoužívajú a ani ich neoznačujú za utečencov. Na zdôraznenie pasívnej povahy situácií týchto ľudí (v zmysle, v ktorom existujú „pasívne príčastia“, príčastia opisujúce činnosť vykonanú na predmete inou osobou), používajú kombináciu en exil - vo vyhnanstve, vyhostení. Práve tento výraz sa nachádza vo francúzskom preklade (Pozn.: na festivale v Avignone nie sú žiadne iné preklady ako francúzsky, stalo sa tak historicky, len tento rok sa prvýkrát testovali okuliare na niekoľkých predstaveniach, čo vám umožnilo prečítať si text prekladu v angličtine, ale bolo potrebné ich objednať v dostatočnom predstihu a zatiaľ sa používajú v testovacom režime) počas predstavenia Kathy Mitchell „The Maids“ na motívy známej (aj v Rusku inscenovanej Romanom Viktyuk) hra Jeana Geneta o dvoch slúžkach, ktoré plánovali otráviť svoju milenku, ale tento podnik neuspel, v dôsledku čoho jedna podľa vlastného výberu išla na druhý svet a druhá do väzenia.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

Anglická režisérka Cathy Mitchell už dve desaťročia predvádza výbornú tvorivú formu takmer bez neúspechov, pričom pôsobí najmä v Nemecku. Preslávila sa najmä originálnym využitím videa, ktoré v jej vystúpeniach nie je online prenosom diania na javisku, nie zväčšením plánov a nie príležitosťou pre diváka nahliadnuť do tých zákutí. priestoru, ktoré sú neprístupné diváckemu pohľadu z publika. Mitchell začal nakrúcať video ako paralelnú realitu, úzko spätú s realitou predstavení, ako montáž asociácií – niekedy postáv, inokedy samotného režiséra – ilustrujúcich skryté plány udalostí, osobné i situačné. Sama Kathy však tieto experimenty ukončila a oficiálne vyhlásila ich ukončenie. Vo filme The Maids, ktorý režíroval Mitchell v Holandsku, nie je v divadelnej spoločnosti Toneelgroep Amsterdam vôbec žiadne video, no sú tam nečakané dejové zvraty. Ukáže sa, že slúžky sú poľskí prisťahovalci a Madame je transvestita s nechutnou povahou. Absencia videa vôbec nezrušila úžasný dar Katie Mitchell preniesť navonok hlboké vnútorné drámy postáv: rituál premeny muža na ženu je pôsobivý nielen v šperkoch, ale aj v pocite absolútneho. prirodzenosť toho, čo sa deje – s uťahovaním korzetu, inštaláciou umelých pŕs a „zmiznutím“ najvýraznejšej časti mužského tela – ale aj nevyhnutnými a tiež celkom prirodzenými mukami dvoch slúžok, ktoré pochádzali z jednej najnábožnejších krajín sveta a ponorili sa do jednotného betlehema. Zdôrazňujem: neexistuje žiadny pátos, žiadne pokrytectvo, žiadna fanabéria – je tu veľmi pochopiteľné genetické odmietnutie cudzieho excentrického životného štýlu, ktorému sú Claire a Solange odsúdené slúžiť. Existenciálny exil je umocnený tým, že režisér obdaruje Claire konzumom, takže jej rozhodnutie vypiť otrávený lipový čaj pripravený pre Madame a monológ, ktorý Solange vyslovila nad svojou priateľkou, oblečenou v bielych šatách milenky a ležiacej pierka hostesky, odchádza do iného sveta, je jednoznačne vnímaná ako obrad oslobodenia. Vrátane a vďaka skvelej práci hercov, ktorí sa pre väčšiu autentickosť obrazov naučili poľský jazyk.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

Mimochodom, o jazyku. Stojí za zmienku, že európske divadlo sa z prílišnej vizuality celkom hmatateľne a sebavedomo posúva k verbálnosti. Na plagáte nie sú takmer žiadne predstavenia „žiadna reč“ a „málo rečových prejavov“ – ak nejde o výtvory plastického zmyslu, ako sú diela sicílskej režisérky Emmy Dante a gréckeho režiséra Dimitrisa Papaioannoua, o ktorých sa hovorí nižšie. Divadelní spisovatelia sa väčšinou prestali vyhýbať slovám – text z javiska znie natoľko, že bežiaca línia prekladu im nestíha. No treba priznať, že nielen jazykovo neznalí hostia festivalu, ale aj rodení Francúzi priznávajú, že v priemere čítajú len tretinu prekladu, radšej sa pozerajú na „hovoriace pózy, gestá, mizé- en-scénach“. Samozrejme, nie je zlé pochopiť, že v hre „Kabala svätých. Život monsieur de Molière“ podľa Bulgakovových textov žijúceho klasika nemeckého divadla Franka Castorffa, ktorý mu dal pod oči svojej vlády v berlínskom Volksbühne Ľudovít XIV., pričom arcibiskupa všemožne provokoval a ponižoval. tlačí naňho Molièrov text z „Bláznivej cesty“ – práve ten, ktorému idiotskému hrdinovi pomáhajú urobiť „veľký objav“, o ktorom hovorí v próze. Ale aj bez toho nenecháva videosekvencia pochybnosti o interpretáciách. A hra technických a ironických hercov od Castorfa vám umožní jedným dychom sledovať šesťhodinovú akciu o geniálnom umelcovi - večnom mučeníkovi a vyhnancovi, ktorý je odmenený tak od úradov, ako aj od pokrytcov vôbec. úrovne a od žien a od obdivovateľov len „milión múk“. "The Cabal of the Saints" sa hral v pavilóne Parc des Expositions, dvadsať minút jazdy autom od centra Avignonu: na obrovskom pódiu posiatom pilinami (čo si úrady nemysleli, že umelca treba skrotiť ako cirkusové zvieratá) , tri pavilóny v barokovom štýle, no akcia začína tým, že Stalin zavolá hlavnému hrdinovi a ten ho pošle do pekla. Molière, Bulgakov, samotný Castorff, s ktorými berlínske úrady ani len nepomysleli na obnovenie zmluvy, motivovali svoje činy režisérovým dôchodkovým vekom a barbarsky zničili najlepšie divadlo v Nemecku – všetci sa v predstavení ukázali ako bratia-dvojičky, a stáročia vzdialené od seba sú poskladané ako stránky kníh o harmonike v škôlke a ukážu sa ako jediný okamih umelca, ktorý je pre neho nepríjemný, neprijíma jeho proroctvá, tvrdohlavo a vždy ho vyháňa z divadla, von. štátu a dokonca aj mimo života. Keď sa Castorf šiel pokloniť, publikum - po šiestich, opakujem, hodinách akcie - prepuklo v polhodinové ovácie, a keď Castorf dlho kráčal v zákulisí bezrozmerným priestorom javiska, bez toho, aby sa otočil, mnohí vytiahli z tašiek vreckovky a utreli si slzy. Došlo k úplnej zhode divadla a reality, čo sa stáva len u veľkých Majstrov.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

O niečo menej času – takmer päť hodín – bolo predstavenie Ibsena Huisa v podaní Austrálčana Simona Stonea, začínajúceho režiséra, ktorý si však už všimla verejnosť aj kritici. Ibsen's House, podobne ako The Maids od Katie Mitchellovej, je produktom Toneelgroep Amsterdam. Stone odviedol skvelú prácu, keď zozbieral text svojej vlastnej tvorby z početných zápletiek nórskeho dramatika Ibsena, ktoré si okamžite prečítajú divadelní znalci, a zvyšok možno vynechať: zápletka je sama o sebe dosť cenná. Polstoročie trvajúce predstavenie o histórii jednej rodiny (je to už tretie predstavenie, kde čas skáče vpred a vzad desaťročiami ako blcha, čo len zvyšuje dramatické napätie) je zabalené v dvojposchodovom dome, ktorý sa otáča okolo seba. os pred publikom, otvárajúc očiam verejnosti – rovnako ako videokamera Castorfa v predchádzajúcom predstavení – všetky interiéry a všetky rodinné tajomstvá, na ktorých sa krúti zápletka. Zločin, uznanie, samovražda, incest, milostný trojuholník atď. – by stačilo na päť sérií, no Stoneov výkon nie je ako seriál. Detailné herectvo vám umožňuje skúmať osudy, budovať kauzálne vzťahy z generácie na generáciu a rozprávať sa o žánri ságy.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

Divadlo sa tiež prestalo báť veľkých žánrov, tak ako sa prestalo báť nadbytku textu – naopak, spolieha sa na ne. Aj rozprávka pre deti s názvom „Smútok a radosti v živote žiráf“ podľa divadelnej hry portugalského režiséra a dramatika Thiaga Rodrigueza je inscenovaná ako hra zhmotňovania slov, v ktorej sa nastoľujú celkom globálne problémy. Práve pomocou slov v tomto predstavení sa veci a hrdinovia vo všeobecnosti stávajú veľmi konkrétnymi vecami a hrdinami. Miniprednášku o „nie čajke vo všeobecnosti, ale veľmi špecifickej veci, ktorá je pre mňa veľmi dôležitá, a preto sa stala mojou prácou“ číta z javiska postava menom Čechov a herci počas celého predstavenia stelesňujú jeho lekcie. - hovoria o niečom pre nich veľmi dôležitom, od politiky po pedofíliu, začínajúc slovami: „To som ja. Som žirafa“ – a nič viac nie je potrebné, žiadne kulisy, žiadne kostýmy: postavy a scéna sú oblečené priamo do slov, čo prebúdza predstavivosť divákov. No, možno kvôli divadelnému vtipu si jeden z umelcov zrazu oblečie absurdnú medvediu kombinézu z detského matiné.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

Meno dramaturga detskej hry nie je uvedené náhodou. Bol to Thiago Rodriguez, ktorý pomerne nedávno šéfoval Národnému divadlu v Lisabone, ktorý uviedol najkoncepčnejšie predstavenie Festivalu d "Avignon - 2017: Sopro (francúzsky Suffle, podstatné meno s rovnakým koreňom ako slovo "prompter", rusky. Breath Ide o symbiózu dokumentárneho a spisovateľského divadla - kurióznu, aj keď možno trochu zdĺhavú úvahu o divadle vo všeobecnosti. Hrdinka predstavenia Christina Vidal, korpulentná dáma v čiernych nohaviciach, košeli a s bielou plachtou v rukách neschádza z javiska od začiatku do konca akcie, navyše je skutočnou pohnútkou Národné divadlo - pokračuje vo svojej priamej práci - dávať postavám narážky, ale v priebeh akcie sa z čisto funkčného celku stáva demiurgom, meniacim texty klasikov v súlade so životnými situáciami umelcov svojho divadla, ktorých osudy vníma nabádateľ ako metahru.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

V kľúčových momentoch deja by podľa predstavy režiséra mali nad javiskom dunieť hromy a blýskať sa a práve v tomto čase na otvorenom priestranstve - nádvorí už spomínaného kláštora karmalitov - sa objavil najsilnejší mistrál, známy do niekoľkých juhofrancúzskych miest, fúkal. Vietor rozfúkal svetlé biele závesy kulís až po mreže, otvoril zákulisie a akoby konal v zhode s hlásateľom, ako hrdina nejakej veľmi univerzálnej hry, ktorej účastníkmi sa nečakane stali aj samotní diváci.

Zjavnejšiu mágiu slov, divadelnú mágiu, si vo všeobecnosti možno len ťažko predstaviť.

Nahí ľudia alebo dekonštrukcia Vivat!

Na festivale však boli aj dve výrazné vystúpenia úplne bez slov, no veľmi výrečne sa vyjadrujúce rečou plastu, veľmi originálne. Ide o „Monsters of the Stage“ od skúsenej režisérky zo Sicílie Emmy Dante a „The Great Tamer“ od umelca z Grécka Dimitrisa Papaioannoua. V oboch dielach sú na scéne nahí ľudia, obaja režiséri využívajú tieto telá ako východiskový materiál pre nové štruktúry – vyznávajú princíp „invenčnej dekonštrukcie“, ktorý hlásal kľúčový súčasný filozof Jacques Derrida, ale robia to úplne inak. . Zároveň každý svojím spôsobom (a opäť podľa logiky Derridu) zápasí s hlavnou neresťou dnešného vedomia – dogmatizmom.

Emma Dante okamžite zbaví svoj tím hercov akejkoľvek ochrany: akonáhle vyjdú na javisko vo svetlých šatách, okamžite tieto šaty zhodia a zostanú v tom, čo ich matka porodila - ale keďže postavy sú na javisku a nie, povedzme , v kúpeľnom dome sa nahota, nech to bude znieť paradoxne, okamžite stane ich „oblečením“ a vyvolá tok zodpovedajúcich asociácií. Nahí ľudia na holom javisku – a v predstavení nechýbajú ani kulisy či hudba – svojou bezmocnosťou pripomínajú zvieratá, deti či bláznov a hneď zapínajú stádový reflex, ktorý väčšinu scénického času vyzerá ako karnevalové svetlo a vtipný. No hlavná myšlienka práce Emmy Dante nie je vôbec vtipná: všetky reakcie týchto ľudí na javisku sú reakciami stáda, až po záverečnú scénu, keď postavy stoja, držia sa jedna druhej, nie vedieť, kde očakávať nebezpečenstvo – reakcie ľudí zredukované do zvieracieho stavu, ktoré v našej modernej realite, žiaľ, nie sú až také zriedkavé.

Foto: (c) Christophe Raynaud De Lage

„Veľký krotiteľ“ Dimitrisa Papaioannoua je azda najapolitickejším predstavením na tomto festivale. A možno aj najvtipnejší. Princípy dekonštrukcie a antidogmatizmu tu dosahujú absurdnú hranicu v tom najpozitívnejšom zmysle. Niečo, ale Papaioanna vynaliezavosť rozhodne nie je na zahodenie. Javisko pokryté pravouhlými kobercami, ktoré na seba narážajú ako dračie šupiny, odhaľuje v priebehu akcie mnoho skrytých poklopov. Odtiaľ sa dokonca neobjavujú telá, ale časti tiel. Režisér ich využíva ako konštruktér, pričom časti tiel hercov, ktoré nie sú potrebné pre žiadnu postavu, zakrýva čiernym oblečením. Takže z dvoch nôh rôznych mužov a jedného ženského tela sa získa nádherný kentaur a nohy a ruky osoby, ktorá sa objavila z útrob zeme, sa môžu „kotúľať“ vo vzdialenosti niekoľkých metrov od seba a posúvajte sa dlho a pomaly.

Epochou zároveň cvála aj samotný režisér. Trvá mu pár minút, kým pošle dokonalé telo starodávneho mladíka do anatomického divadla renesancie, kde sa bezpečne osvieži prípravou jedla zo svojho vnútra. Takýchto vtipov je po hre roztrúsených nespočetne a musím povedať, že to je v súčasnosti azda jediné správne a ušľachtilé povolanie v divadle: byť krotiteľom akýchkoľvek dogiem a tradícií – nemilosrdne im roztrhať útroby, rozsekať na tisíc kusov z tohto „Lega“ na vybudovanie novej divadelnej reality.

Zhanna Zaretskaya, Avignon - Petersburg, Fontanka.ru

1. ŠTART

V roku 1947 zorganizoval slávny francúzsky herec a režisér Jean Vilar prvý „Týždeň dramatického umenia“ v Avignone a inšpirovaný jeho úspechom premýšľal o každoročnom festivale. Sníval o vytvorení nového divadla, demokratickejšieho, slobodnejšieho, prístupného všetkým vrstvám obyvateľstva (ani teraz organizátori Avignonskej prehliadky, pamätajúc na jeho predpisy, nezvyšujú ceny lístkov nad 40 eur) a objavenie sa ďalšieho diváka - chytrý, moderný, s pokrokovými názormi a stabilnou psychikou, schopný "stráviť" akékoľvek experimenty. Vilar mal v niečom blízko k postmodernistom, ktorí priniesli elitné umenie masám. Sníval o „rekonštrukcii divadla... otvoriť umeniu čerstvý vzduch, aby sa nedusilo v salónoch a pivniciach; znovu spojiť architektúru s drámou." Odvtedy sa festival koná pod holým nebom a predstavenia sa hrajú v prírodnej scenérii (a často sú bez nich nepredstaviteľné a nikde inde sa neuvádzajú).

Vilar pozval na festival mladého Gerarda Philippa a Mariu Cazares, ktorí zažiarili v Orfeovi Jeana Cocteaua a do svojho súboru Národného ľudového divadla drasticky znížil ceny vstupeniek, starostlivo vybudoval repertoár, ktorý okrem francúzskej klasiky zahŕňal aj predstavenia napr. Kleist, Buchner a Brecht a prilákali najlepších umelcov a skladateľov, aby sa podieľali na produkciách. Francúzsko v tom momente zažívalo duchovný a intelektuálny vzostup a jeho odrazom sa stal divadelný festival v Avignone. Jean Vilar zostal na čele spoločnosti až do roku 1971.

2. PREMIÉROVÉ LABORATÓRIUM

Teraz je Avignonský festival veľkým divadelným fórom, ktoré profesionáli v oblasti umenia považujú za otvorené tvorivé laboratórium. Usilujú sa tu aktuálni režiséri z rôznych krajín, rodia sa tu nové trendy a formuje sa divadelný proces. Objavené nálezy sa následne replikujú po celom svete. To, čo sa u nás doma javí ako ultramoderné, sa už často nehodí do formátu na festivale v Avignone. Oficiálny program festivalu zahŕňa okolo 40 predstavení, ten neoficiálny - viac ako 300, nechýbajú ani výstavy, prednášky, verejné diskusie a okrúhle stoly o divadelnej a kultúrnej politike, stretnutia s hercami, čítania hier a scenárov. Neexistuje jednotná všeobecná línia, ktorú by mal každý dodržiavať, medzi účastníkmi sú ľudia opačných názorov a presvedčení: spolitizovaní aj málo spolitizovaní, cynici a snívatelia, satiri a filozofi, mizantropi a altruisti – 3500 odborníkov v oblasti múzických umení ročne.

Za vlády Vilara bol festival národný, no po roku 1971 sa načrtol kurz internalizácie a do stredovekého Avignonu sa hrnuli umelci z celého sveta. Festival vo výsledku prináša mestu zisk až 25 miliónov eur ročne.

3. KULTÚRA KARNEVALU

Okrem vysoko umeleckého, dôsledne vybraného a odborníkmi schváleného oficiálneho programu má Avignon aj takzvaný OFF program: desiatky divadelných spoločností organizujú zájazdy na vlastné náklady v nádeji na výťažok z predaja vstupeniek, získania štatútu „účastníka“. avignonského festivalu“ a verejné uznanie. Tu nikto neručí za kvalitu a diváci si vyberajú predstavenia na vlastné nebezpečenstvo a riziko – podľahnú presviedčaniu štekačov či vlastnej zvedavosti. No práve vďaka prítomnosti obrovského množstva pestrých, neznámych, arogantných a dotieravých, bezohľadných a talentovaných umelcov neoficiálneho programu sa Avignon na tri týždne festivalu premení, podobne ako Benátky počas karnevalu, a stáva sa tak atraktívnym. pre turistov. Steny domov nie je možné vidieť kvôli plagátom nalepeným na sebe, po uliciach sa potulujú mumraj, bábkari a mímovia, po bulvároch sa potulujú „hudobné káry“ – nikde inde taká atmosféra nie je a užasnuté publikum sa stáva súčasťou tejto divadelnej maškarády.

Avignonský festival vždy kládol dôraz na svoju demokraciu a nezávislosť – nemá sponzorov, žiadne hodnotenia, žiadne ceny. A dokonca aj samotný umelecký riaditeľ Olivier Pi jazdí po meste v bielej košeli na bicykli – očarujúce, jednoduché a dostupné pre každého.

4. OUTDOOR

„Spojenie architektúry s drámou“ pochopil doslovne Jean Vilar a navrhol, aby sa predstavenia odohrali na obrovskom nádvorí Pápežského paláca, ktorý stále zostáva hlavným javiskom festivalu v Avignone. Rímskokatolícka cirkev sa na juhu Francúzska usadila začiatkom 14. storočia a vládlo tu sedem legitímnych pontifikov – takzvané avignonské zajatie pápežov v rokoch 1309 až 1378. Celý ten čas sa dokončoval Pápežský palác, ktorý je teraz najväčšou gotickou stavbou v Európe. Mnohé z predstavení, ktoré boli uvedené v týchto stenách, sú bez nich nepredstaviteľné.

Celkovo má Avignonský festival asi 20 rôznych miest: toto je nádvorie karmelitánskeho kláštora; a kameňolom Boulbon – opustený kameňolom v horách, 15 kilometrov od mesta, kde Peter Brook prvýkrát ukázal svoju osemhodinovú Mahabharatu, ktorá sa skončila skutočným východom slnka; Louis, kde sa nachádza sídlo festivalu, a Dom Jeana Vilara a Kostol Celestínov, ktorý sa stal prirodzenou kulisou obrazu „Raj“ z „Božskej komédie“ Romea Castellucciho. Fotografia zatopeného chrámu, v strede ktorého je obhorený klavír, sa rozšírila po divadelných publikáciách sveta. A asi pred 15 rokmi tu Henrietta Yanovskaya ukázala Búrku a túžbu nahor, Bohu nábožnej Kateřiny, ktorá ľutuje, že ľudia nelietajú ako vtáky, sa stala zrozumiteľnou a predstavenie nadobudlo iný rozmer a rozsah.

5. nepokoje

História festivalu nie je ani zďaleka bez mráčika - niekoľkokrát vo svojej histórii bol ohrozený. V rebelskom roku 1968 sa v Avignone zišla rebelujúca mládež z celého Francúzska. Študenti vyhnali z divadla skvelého míma Jeana-Louisa Barraulta, nepodloženým obvinením skoro dostali Jean Vilarovú infarkt a narušili vystúpenie Mauricea Béjarta vyliatím na javisko priamo počas predstavenia. V programe festivalu zároveň nechýbali rebeli Godard a Truffaut, ale aj vystúpenia kultového American Living Theatre.

Druhý veľký škandál prišiel v roku 2003, keď sa francúzski divadelníci vzbúrili proti vládnej mzdovej reforme. Riaditeľ festivalu Bernard Favre d'Arcier podporil štrajkujúcich a osobne sa pokúsil vyriešiť konflikt s ministerstvom kultúry.Štát neurobil ústupky, prehliadka bola zrušená a riaditeľ prišiel o post.Počas tlačovej konferencie Bernard Favre d. Arcierov hlas sa triasol a jeho poslucháči plakali. A Avignon opäť utrpel straty v roku 2014, keď nový návrh zákona potvrdil podmienky pracovných zmlúv z roku 2003. Vlna protestov sa prehnala Francúzskom: v La Rochelle, Arles, Marseille, Aix-en-Provence, Montpellier. Olivier Pi, ktorý práve vtedy prevzal opraty recenzie, hoci obetoval šesť predstavení prvého týždňa, ju však odmietol úplne zrušiť.

6 TANEČNÍKOV S DOWNOVÝM SYNDRÓMOM A MAJSTROVSTVÁ V MATURBÁCIÍ

Publikum avignonského festivalu je otužilé, vzdelané a nie príliš agresívne: nikto nepíše výpovede na ministerstvo kultúry a nedáva prasacie hlavy pred brány divadla. Výkriky „buď“ a demonštratívne odchody sú dosť civilizovaným prejavom nespokojnosti. A často provokujú publikum: potom Thomas Ostermeier prinúti svojho nafúknutého Hamleta s pivným bruchom vydávať kliatby a jesť zem; potom Olivier Pi privedie na javisko páchnucu motorku, Cordeliu v tutu, s ústami prelepenými čiernou páskou, nahého Leara a Gloucestra, ktorým vydlabali oči polievkovou lyžicou; potom Angelica Liddell ukáže ženám, ako si rezajú kolená čepeľou; potom Jerome Belle zinscenuje balet o ľuďoch s Downovým syndrómom, čo spôsobí v publiku nepríjemný rozhovor, potom Alain Platel zariadi transvestitný kabaret so staršími mužmi v dámskych outfitoch, pričom bude skúmať črty sexuálnej identity, potom Jan Fabre v " Orgy of Tolerance“ otestuje publikum na silu pomocou fyziologicky dôveryhodného a depresívne dlhého šampionátu v masturbácii. Riaditelia festivalu v Avignone sa nehanbia nastoľovať ťažké témy, študovať fóbie a zvrátenosti pod lupou a prevracať európske hodnoty naruby.

7. HLAVNÉ MENÁ

Podľa headlinerov avignonského festivalu sa dá študovať história európskeho a svetového divadla. V 60. rokoch to boli predstavenia Jeana Vilara, v ktorých zažiarili Gerard Philippe a Maria Cazares, či progresívne opusy mladých režisérov, ktoré vznikli pod vplyvom francúzskej novej vlny. V roku 1967 Maurice Béjart, ktorý obrátil našu myšlienku klasického baletu hore nohami, ukázal omšu pre súčasnosť v Avignone. V polovici 70. rokov sa do popredia dostal Američan Robert Wilson so svojou schopnosťou majstrovsky premiešať rôzne štýly a žánre a ohromujúcou vizuálnou predstavivosťou („Einstein on the Seashore“). V roku 1980 John Neumeier rozbúril verejnosť „rúhačským“ baletom „Sv. Matúšove pašie“ na Bachovu hudbu, v ktorom sa na javisku objavil aj on sám – a len dokonalé filologické vzdelanie, aj od jezuitských kňazov. poriadku, zachránil ho. Pina Bausch priniesla do Avignonu svoje nepochopiteľné, absurdné, revolučné Karafiáty, ktoré šokovali verejnosť. V roku 1988 tu Luke Bondi inscenoval svojho milovaného Shakespeara, v roku 2000 Peter Brook objavil možnosti kameňolomu Boulbon a Thomas Ostermeier premenil miesto majestátneho pápežského paláca na dvor metropoly zasypanej odpadkami („Woyzeck“). v roku 2010 Christoph Marthaler vyvolal náboženskú extázu pomocou obyčajného zvárania v „Papperlapapp“ – ságe o avignonskom „zajatí pápežov“, založenej na skutočných udalostiach.

8. RUSKÁ TÉMA

Predstavenia na motívy ruskej klasiky – od Dostojevského po Bulgakova – sa neustále objavujú na plagáte festivalu v Avignone, no ruskí režiséri nie sú na juhu Francúzska v obľube. „Ruské ročné obdobia“ sa v Avignone odohrali iba raz: v roku 1997 tam boli pozvaní Pyotr Fomenko, Anatolij Vasiljev, Sergej Zhenovach, Evgeny Kamenkovich, Valery Fokin, Kama Ginkas, Ivan Popovsky a Rezo Gabriadze, aby si vytvorili vlastnú predstavu o \u200b\ v modernom ruskom divadle. Len Anatolij Vasiliev si na festival „zvykol“ ako stály hosť. V roku 2006, keď bol pre nezhody s moskovským starostom Jurijom Lužkovom požiadaný, aby uvoľnil post umeleckého riaditeľa Školy dramatického umenia, Vasiliev priviedol Canto 23rd do Avignonu. Pochovanie Patrokla. Hry "a" Mozart a Salieri "a nikdy sa nevrátili do Ruska. O to zaujímavejší je teraz fakt, že po takmer desaťročnej absencii Rusov v Avignone tam už druhý rok chodí Kirill Serebrennikov. V roku 2015 sa na prehliadke s veľkým úspechom ukázali jeho „Idioti“ podľa scenára rovnomenného filmu Larsa von Triera, ktorého dej sa preniesol do modernej Moskvy. A na aktuálny, jubilejný, 70. ročník festivalu berie tvorca Gogoľovho centra Gogolove Mŕtve duše, kde Čičikova hrá Američan Odin Byron a Žid Semyon Steinberg. Ak jeden čas možno stále považovať za nehodu, potom je už dvakrát trendom, a to znamená, že Serebrennikov je „v klietke“ a je uznávaný ako jeden z lídrov európskej divadelnej avantgardy.

9. MÓDA PRE SLUŠNOSŤ

V histórii Avignonského festivalu bola aj tvorivá kríza, ktorá nesúvisela s udalosťami Červeného mája či vojnami o možnosť žiť 11 mesiacov v roku zo sociálnej pomoci. Po odstúpení Bernarda Faivreho d "Režisérmi sa stali Arcier, Hortense Archambault a Vincent Baudrillet smerujúci k neverbálnemu a rigidne sociálnemu divadlu. Plagát má modernejší tanec (Josef Naj, Jan Fabre), ktorý sa ani nedá nazvať tanec: provokácie, plastické skeče o násilí, agresivite, apokalyptickom stave sveta. Kritici hovorili o tom, ako experimenty s pohybom ako takým a elektronickou vizualitou nahrádzajú divadlo slov a veľkých myšlienok. Publikum túžilo po hĺbke a metafyzike a boli ponúkli pochmúrne predstavenia s nahými telami váľajúcimi sa po podlahe. Režiséri citlivo reagovali na nespokojnosť a začali každoročne pozývať nových umeleckých riaditeľov, aby tvorili program festivalu. Najprv to bol nemecký divadelný spravodajca č. 1 Thomas Ostermeier, potom „ grand style“, herečka Comédie-Française prima Valerie Drevil a režisér Romeo Castellucci, duchom post-avantgardný, no neodcudzený zmyselnosťou, emocionalitou a uhrančivou krásou. Súčasný režisér Ol Ivie Pi tvorí plagát sám, no pred radikálnymi plastickými experimentmi uprednostňuje aj klasický tréning a zmysluplnú prácu so slovom. S jeho príchodom bolo na zozname viac hviezd (Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Hanna Shigula) a teraz úctyhodnosť vytláča súčasné umenie z javiska.

10. AVIGNON FESTIVAL - 70!

Tento rok oslavuje najprestížnejší divadelný festival na svete 70. výročie. Koncom marca Olivier Pi urobil politické vyhlásenie („Ako žiť, keď politika neustále dokazuje svoju zradu?“, „Keď je revolúcia nemožná, divadlo zostáva“) a predstavil hlavné predstavenia prehliadky, ktorá sa bude konať v Avignone od 6. do 24. júla. Medzi hlavné témy patrí politika, vzostup nacionalizmu, Blízky východ a umelkyne. Festival otvorí scénická verzia epochálnej Viscontiho Smrť bohov v interpretácii belgického režiséra Iva van Hovea. Na programe je aj séria o histórii avignonského festivalu od talianskeho cestovateľského súboru La Piccola Familia, 12-hodinový maratón „2666“ od Juliena Gosselina, ktorý sa preslávil inscenáciou „Elementárne častice“ od Michela Houellebecqa „The Karamazovci“ od Jeana Belloriniho, „Plť Medúzy“ od Thomasa Jollyho, „Kroniky atentátu na Rabina“ od Amosa Gitaia s „Fasbinderovou múzou“ Hannou Shigulou a slávnou palestínskou herečkou „Námestie hrdinov“, pre ktorú Christian Lupa - národný hrdina Poľska - už získala všetky možné ceny, nové predstavenie Angeliky Liddell a balet Sidi Laby Sherkaoui "Biblia 7.16" a oveľa viac. Sám Olivier Pi pracuje na Aischylovej tragédii Prometheus Bound. Celkovo je v oficiálnom programe 26 dramatických predstavení, 7 tanečných a 14 interdisciplinárnych. Francúzi a cudzinci – rovnako. A symbolom festivalu bude turínsky kôň (ten, nad ktorého utrpením podľa legendy Nietzsche plakal, kým upadol do šialenstva), vyobrazený na plagáte od umelca Adela Abdessemeda, ktorý páchateľov buď odkopne, alebo prekoná prekážku. jedným skokom.