Hollywood a jeho vplyv na svetový filmový priemysel. História Hollywoodu Ako začal Hollywood

Zrodenie planéty Hollywood

Takmer pred sto rokmi, začiatkom roku 1908, sa prví americkí filmári presťahovali z kolísky národného filmového priemyslu, New Yorku, na západné pobrežie, do Kalifornie. Takto sa objavil Hollywood – veľká továreň na sny a hlavné mesto ilúzií. Slovo Hollywood je odvodené z anglických slov holly – cezmína a drevo – les. V roku 1886 si istá Deida Wilcons z Kansas City so svojím manželom vytýčila pozemok v okolí Los Angeles a nazvala ho Hollywood. O niekoľko rokov neskôr si manželia začali prenajímať pozemky a do roku 1930 sa okolo ranča rozrástla celá dedina, pripojená k Los Angeles ako predmestie. Prvým filmárom, ktorý vkročil na hollywoodsku pôdu, bol William Zelig, ktorý KU vypil časť pôdy, aby mohol umiestniť pobočku svojej filmovej spoločnosti v Chicagu.

Najsilnejšie centrum filmovej produkcie na svete vzniklo v dôsledku takzvanej patentovej vojny. Slávny vynálezca Thomas va Edison (1847-1931) stanovil svoje objavy. Každý, kto využíva výsledky objavov iných ľudí, za to musí zaplatiť. Kiná na začiatku 20. storočia rástli ako huby po daždi; koncom prvého desaťročia ich bolo v Amerike viac ako desaťtisíc – takmer viac ako v celej Európe. Nazývali sa nikel odeony (päťcentové kiná) a prinášali dobrý príjem: obchodník, ktorý kúpil nikel odeon za dvetisíc dolárov, svoje peniaze vrátil za tri mesiace. Keď Edisonova firma začala mať finančné ťažkosti, vynálezca sa rozhodol veci vylepšiť tým, že prinútil platiť tých, ktorí používali jeho zariadenia. Majitelia kín a distribútori sa však s peniazmi neponáhľali. Na každé Edisonovo odvolanie na súd odpovedali protinárokmi. Tak vypukla legálna patentová vojna.

Aby si bola istá, Edisonova firma sa spojila s ďalšími spoločnosťami, ktoré tiež vlastnili množstvo patentov. Zrodila sa spoločnosť Motion Pictures Patent Company (MPPC) (často označovaná jednoducho ako Patent Trust). Snažila sa prevziať plnú kontrolu nad výrobou a distribúciou filmov. 24. decembra 1908 na žiadosť trustu newyorská polícia uzavrela viac ako päťsto niklových odeónov v meste, ktoré neplatilo hold. Tento deň sa zapísal do dejín americkej kinematografie pod názvom Čierne Vianoce.

O pár mesiacov neskôr dôverujte. Rozšíril svoj vplyv na väčšinu amerického filmového trhu. Zjednotili sa aj neposlušní filmoví podnikatelia (začali ich nazývať „nezávislí“). Medzi MPPC a „nezávislými“ sa začal skutočný boj, agenti spoločnosti, ktorí sa neuspokojili so súdnymi opatreniami, rozbili projektory, naliali kyselinu sírovú do nádrží na vývoj filmu, niekoľko hercov bolo hospitalizovaných s vážnymi zraneniami na scéne.

Filmová produkcia sa potom sústredila v New Yorku a Chicagu. Aby sa predišlo prenasledovaniu zo strany MPPC, koncom roku 1907 a začiatkom roku 1908 sa „nezávislí“ začali z týchto miest sťahovať – na západné pobrežie. Zamilovali sa do Hollywoodu - vďaka miernemu podnebiu, množstvu slnečných dní potrebných na natáčanie, malebnej okolitej krajine: hory, lesy, púšte, kde bolo možné hrať širokú škálu scén. V roku 1909 boli na hollywoodskej Misha Road postavené pavilóny prvej továrne na stacionárne filmy.

Éra nemého filmu v Hollywoode

V roku 1907 dostal David Wark Griffith ponuku hrať vo filme Edwina Portera Saved from the Same Nest. A hoci sa mu film najprv nepáčil, do roka nakrútil 61 krátkych filmov. Griffith bol považovaný za jedného z najsľubnejších amerických režisérov. Koncom roku 1913 mal na svojom konte už cez 450 filmov a nie nadarmo sa mu hovorilo Shakespeare z plátna.

Dnes sa jeho tvorba premieta len veľmi zriedka, no Griffith sa do dejín kinematografie zapísal ako brilantný režisér, tvorca nového filmového jazyka, ktorý používala väčšina jeho kolegov až do 60. rokov minulého storočia.

Otec filmovej techniky

Na základe úspechov svojich predchodcov, priekopníkov hraných filmov, začal Griffith rozdeľovať scény do mnohých záberov, pričom menil vzdialenosť a uhol záberu, aby dodal akcii viac dramatickosti. Navyše, aby vytvoril maximálne napätie, postupne zvyšoval tempo paralelného strihu, kým akcia nedosiahla emocionálny vrchol. Táto metóda bola obzvlášť účinná pri predvádzaní „zázračných“ záchran, ktoré sa stali Griffithovou značkou.

Griffith sa stal inovátorom aj v oblasti herectva. Pochopil, že kamera sa nechtiac sústreďuje na každé gesto hercov, čo vyvoláva dojem, že sa neustále preháňajú. Výsledkom bolo, že mnohé scény vyzerali dosť hlúpo, najmä tie, ktoré boli natočené zblízka a mali zobrazovať násilné pocity postáv. Griffith na druhej strane od hercov vyžadoval jemnejšie herectvo, vďaka čomu boli jeho filmy presvedčivejšie.

Na zlepšenie kvality svojej práce Griffith vo veľkej miere využíval techniky a metódy požičané z iných foriem umenia. Vyhýbal sa maľovaným chrbtom bežne používaným v raných maľbách v prospech pevných kulís, aké sa používali v divadle. Takéto kulisy okrem vytvárania realistickej atmosféry umožňovali voľnejší pohyb kamery, čo zvyšovalo mieru zapojenia divákov do deja. Griffith, veľký fanúšik viktoriánskeho umenia, sa tiež pokúsil skomponovať každý rám ako umelec na plátne a vyplniť obrazovku rôznymi detailmi, ktoré mali pomôcť divákovi lepšie pochopiť osobnosť alebo činnosť postavy. Keď Griffith potreboval zaostriť na nejaký predmet alebo gesto, často používal špeciálnu metódu, pri ktorej je stmavená celá obrazovka okrem oblasti, kde sa nachádza požadovaný objekt.

Hoci sa Griffith špecializoval najmä na melodrámu, nakrúcal aj komédie, historické filmy, trilery, westerny, adaptácie Biblie, rôzne literárne diela, ale aj množstvo spoločenských filmov.

"Zrodenie národa"

V roku 1913 bol Griffith unavený z tvorby krátkych filmov, čo mu nedalo príležitosť naplno preukázať svoje filmárske schopnosti. Väčšina filmových producentov tej doby verila, že divák nemôže sedieť na obrazovke dlhšie ako 15 minút, no Griffith mal iný uhol pohľadu. O rok skôr mal možnosť sledovať reakcie divákov na francúzsky film „Kráľovná Alžbeta“, ktorý mal približne 50 minút, a neskôr na taliansky výpravný film „Kam ideš?“, ktorý trval takmer dve hodiny. Po škandále v súvislosti s dĺžkou jeho 42-minútovej Judith of Bethulia v 4 častiach (1913) Griffith opustil American Biograph Company a začal pracovať na svojom prvom celovečernom filme The Birth of a Nation.

Do tohto trojhodinového filmového eposu vložil Griffith všetky svoje vedomosti z oblasti réžie. The Birth of a Nation (1915), ktorý sledoval vzťah dvoch amerických rodín počas občianskej vojny a následného obdobia prestavby, bol najvýznamnejším filmom, aký bol v tej dobe v Amerike natočený. Veľkolepé boli najmä bojové scény, v ktorých boli zábery nasnímané v celkovom pláne zostrihané s detailmi, čo umožnilo divákovi sledovať priebeh bitky akoby zvnútra. Niektoré scény boli pre väčšiu vierohodnosť natočené na špeciálne farebný film.

Film Zrodenie národa mal taký obrovský úspech, že náklady na jeho výrobu sa vyplatili do dvoch mesiacov od prenájmu filmu. Publikum pozostávalo zo zástupcov všetkých spoločenských vrstiev, čo výrazne zvýšilo kultúrny status kinematografie. Zároveň bolo stvárnenie čiernych postáv vo filme otvorene rasistické, čo vyvolalo búrku protestov a viedlo k zákazu obrazu v mnohých amerických mestách.

Jeho neskoršie obrazy, ako napríklad „Broken Shoots“ (1919), boli dobre prijaté, vlastne prestal experimentovať, jeho tvorba bola čoraz staromódnejšia a sentimentálnejšia. V roku 1948, 18 rokov po uvedení svojho posledného filmu, zomrel, úplne zabudnutý (ako Méliès a mnohí iní) práve filmovým prostredím, do ktorého tak neoceniteľne prispel.

Filmové vojny

V roku 1907, keď sa Griffith začal zaujímať o kinematografiu, je svet kinematografie na pokraji chaosu. Tento svet ovládali najmä vynálezcovia podieľajúci sa na tvorbe premietacieho zariadenia. Mnohí z nich viedli vzájomné škriepky, známe ako „vojna patentov“, ktorej podstatou boli spory o vlastníctvo tohto zariadenia. Táto právna vojna vypukla už v roku 1897, no napriek nespočetným súdnym sporom sa spor nepodarilo vyriešiť – k rozvoju filmovej techniky prispelo príliš veľa ľudí. V roku 1909 však Thomas Edison vyhlásil prímerie, aby sa vážne zaoberal vážnejším problémom americkej kinematografie - pirátstvom.

Potom, v roku 1909, problém pre Edisona a ďalších filmových producentov spočíval v tom, že nič nebránilo distribútorom a majiteľom kín vyrábať nelegálne kópie populárnych filmov a premietať ich verejnosti bez toho, aby tvorcom čokoľvek platili. Na zastavenie tejto praxe sa Edison a osem jeho konkurentov rozhodli založiť patentovú spoločnosť. Táto organizácia odmietla poskytovať filmy tým filmovým distribútorom, ktorí sa zaoberali pirátmi alebo nakupovali filmy od spoločností, ktoré neboli jej členmi.

V reakcii na tento krok niekoľko filmových distribútorov vyhlásilo svoju nezávislosť a začali vyrábať vlastné filmy. V roku 1910 založili Independents svoju vlastnú organizáciu a zažalovali Patentovú spoločnosť, pričom ju obvinili z nezákonného pokusu prevziať kontrolu nad celým filmovým biznisom vytvorením monopolu alebo trustu. Následná „vojna dôvery“ bola jednou z najvýraznejších epizód v histórii americkej kinematografie: ozbrojené jednotky Patentovej spoločnosti zaplavili krajinu, terorizovali nezávislé filmové štáby a skonfiškovali ich vybavenie. Podľa legendy sa filmový priemysel usadil v Hollywoode, v bývalom mestečku, kde sa pestovali pomaranče, jednoducho preto, že sa nachádzal blízko mexických hraníc a nezávislí mohli opustiť krajinu skôr, ako ich predbehli žoldnieri patentovej spoločnosti.

V skutočnosti mal Hollywood množstvo iných cností. Slnka bolo toľko, koľko ste chceli, okolo sa rozprestierala nádherná krajina – hory, údolia, ostrovy, jazerá, pláže, púšte, lesy – kde ste mohli znovu vytvoriť akúkoľvek prírodu na planéte. Pôda tu bola lacná, v okolí bola veľká pracovná sila na výstavbu a údržbu filmových štúdií. Do roku 1915 sa tu sústredilo 60 % americkej filmovej produkcie a v priebehu nasledujúcich piatich rokov sa vytvoril systém filmových štúdií, ktorý umožnil Hollywoodu stať sa hlavným mestom kinematografie sveta.

Vznik žánrov

Filmografi chceli produkovať zábavné produkty najvyššej kvality, ale neboli ochotní podstúpiť riziko uvádzania filmov, ktorých komerčný úspech bol pochybný. Aby toto riziko minimalizovali, začali svoje úsilie zameriavať na filmy určitých žánrov. V takýchto filmoch sa opakovane prehrávali najobľúbenejšie zápletky, postavy, známe témy, čo zabezpečilo pokladničné príjmy.

Najobľúbenejšie žánre boli detektívky, horory, komédie, melodrámy, dobrodružné filmy a westerny. Úspech najziskovejších filmov zabezpečili šikovné reklamné kampane, v ktorých centre stáli filmové hviezdy.

Najžiarivejšie hviezdy nemých filmov – Mary Pickford a Douglas Fernbanks – patrili medzi najlepšie platených hercov na svete. Po sobáši v roku 1920 ich zaradili do akejsi hollywoodskej aristokracie. Mary Pickfordovú nazývali miláčikom Ameriky. Zvyčajne hrala nevinné mladé dievčatá vo filmoch ako Rebecca z farmy Sunnybrook (1917). Akonáhle však prijala rôzne úlohy, jej popularita okamžite klesla. Verejnosť si nechcela priznať, že ich obľúbenec jednoducho dospel. Douglas Fernbanks sa preslávil hlavnými úlohami vo viacerých spoločenských komédiách, no jeho mužnosť a atletická postava sa najlepšie hodili na závratné dobrodružstvá, ako napríklad vo filme Čierny pirát (1926). V roku 1919 sa pár spojil s Charliem Chaplinom a režisérom D.W. Griffith a spolu vytvorili vlastnú spoločnosť United Artists.

Kino jazzového veku

Po prvej svetovej vojne prešla Amerika dramatickými zmenami. Neodmysliteľnou súčasťou jej života boli autá, rádio, bulvár a nový smer v hudbe zvaný jazz. Mladšia generácia Američanov vnímala 20. roky 20. storočia ako začiatok novej éry a rozhodne sa zbavila mnohých predvojnových kultúrnych tradícií, ktoré sa im zdali zastarané. Základom tejto sociálnej revolúcie bol voľnejší pohľad na sex a morálku, čo Hollywood rýchlo využil.

Teraz boli herečky ako Theda Bari inzerované ako bohyne lásky, ktorých osobný život bol rovnako turbulentný ako vášne zúriace v ich filmoch. V konečnom dôsledku si Hollywood vďaka bohémskemu životnému štýlu hviezd vyslúžil prezývku „Tinsel City“. Začiatkom 20. rokov všetkých šokovala séria škandálov, ktoré sa týkali niektorých jeho celebrít. Politici začali požadovať objasnenie toho, ako sa veci vo filmovom biznise robia. Filmové štúdiá sa snažili nájsť kompromis. Aby sa vyhli vyšetrovaniu zo strany úradov, zaviedli vlastné veľmi prísne morálne požiadavky na morálny charakter svojich zamestnancov, na cenzúru uvádzaných filmových produktov. Bol vytvorený špeciálny orgán, takzvaný „Hayes Office“, medzi ktorého funkcie patrilo sledovanie dodržiavania morálneho kódexu a obnovenie atraktívneho mena Hollywoodu.

Filmoví režiséri sa však čoskoro naučili šikovne obchádzať morálny kódex so všetkými jeho zákazmi a obmedzeniami. Cecil B. DeMille, ktorý sa pred špecializáciou na erotickú komédiu preslávil vo westernoch a melodrámach, začal režírovať filmy ako biblický epos Desať prikázaní (1924).

Napriek mnohým scénam zmyselnosti, zhýralosti a násilia sa tieto filmy šťastne vyhli cenzúre, pretože neresť v nich bola vždy trestaná a cnosť bola odmenená.

Vysoko expresívny štýl DeMille bol v ostrom kontraste s vycibreným spôsobom nemeckého režiséra Ernsta Lubitscha, ktorého do Hollywoodu pozvala Mary Pickford. Erich von Stroheim, pôvodom Rakúšan, bývalý asistent D.W., sa vyznačoval rovnakým vycibreným štýlom. Griffith, ktorý sa preslávil počas prvej svetovej vojny ako herec, ktorý často hrával úlohy hrubých a krutých nemeckých dôstojníkov. Nazývali ho mužom, ktorého je príjemné nenávidieť. Ako režisér sa preslávil hlbokým skúmaním cudzoložstva a satiry viedenskej vysokej spoločnosti metódou mizanscén.

Doslova slovo „mizanscéna“ znamená „umiestnenie na javisko“ a vo vzťahu ku kinematografii to bol ďalší vývoj Griffithových metód pohybu kamery po scéne, aby upriamil pozornosť publika na dôležité alebo symbolické detaily. .

V snahe maximalizovať autentickosť svojich obrazov von Stroheim trval na tom, aby všetko v nich bolo čo najprirodzenejšie, no producenti považovali jeho štýl za príliš extravagantný a niektoré filmy boli cenzurované. Zasiahnuté bolo najmä hlavné majstrovské dielo režiséra, film „Chamtivosť“ (1923): zo 42 častí obrazu videla široká verejnosť iba 10. A hoci strihy narúšali harmóniu deja, tento film vďaka na režisérsku zručnosť von Stroheima sa stal jedným z najväčších úspechov svetovej kinematografie.

Západ slnka veľkého "Mute".

S príchodom zvukovej kinematografie v roku 1927 takmer okamžite zmizol záujem o nemú kinematografiu. Takýto náhly úpadok nemej kinematografie nemá v dejinách umenia obdobu. Napríklad vznik rock and rollu neviedol k zániku iných hudobných žánrov. Ale idoly éry „Veľkého ticha“ sú dnes takmer úplne zabudnuté a filmy tej doby, s výnimkou komédií a niektorých epických obrazov, sa na obrazovkách zobrazujú len veľmi zriedka.

A predsa, niektoré filmy nakrútené v tom čase v Hollywoode právom patria k najväčším majstrovským dielam v dejinách kinematografie. Režiséri nemých filmov sa síce často uchyľovali k názvom, ktoré divákov informovali o dôležitých informáciách, no hlavný dôraz sa kládol na vizuálne obrazy, a to nielen pri vývoji deja, ale aj pri sprostredkovaní myšlienok a pocitov. povahy. Pochopiteľne, divákovi trvalo, kým porozumel jazyku Veľkého ticha, no čoskoro sa naučil chápať význam určitých gest.

Nakrúcať celovečerné filmy v 20. rokoch minulého storočia nebolo jednoduché a tí, čo to robili, museli divákov vedieť nielen zabaviť, ale aj s nimi komunikovať. Systém filmového štúdia síce poskytoval len málo príležitostí na sebavyjadrenie umelca (na rozdiel od európskej kinematografie), no napriek tomu vyprodukoval mnoho talentovaných režisérov. Niektorí z nich, ako John Ford alebo King Vidor, sa dostali do talkshow, iní, ako James Cruise, Rex Ingram, Lewis Weber a Fred Niblo, upadli do tmy.

Americké filmové spoločnosti vysoko ocenili sofistikovanosť a umenie európskej kinematografie a pozvali do Hollywoodu mnohých režisérov, technikov a hercov z Európy. Vplyv nemeckej kinematografie je jasne viditeľný v klasickom štýle osvetlenia, scén a kinematografie Hollywoodu 30. rokov. No veľa Európanov tam vôbec nezostalo, keďže sa ťažko prispôsobovali in-line metóde hollywoodskych filmových štúdií. Vrátili sa do vlasti, aby prispeli do pokladnice svetovej kinematografie.

Odoslanie dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

Podobné dokumenty

Hollywood je oblasť Los Angeles v Kalifornii. História začlenenia Hollywoodu ako samosprávy a rozvoja mesta. Vytvorenie slávneho pamätného reklamného nápisu, ktorý sa stal obchodnou značkou filmového priemyslu. Založenie prvého štúdia a uvedenie filmu.

prezentácia, pridané 13.04.2015


Obdobie umeleckej krízy v histórii hollywoodskeho filmového priemyslu v 60. rokoch. Charakteristika americkej kinematografie sedemdesiatych rokov. Hollywood očami diváka a Hollywood samotný, proti kríze. Zrod a vrchol Nového Hollywoodu, perspektívy do budúcnosti.

abstrakt, pridaný 29.08.2011


História vzniku Hollywoodu a jeho subkultúry. Hollywood ako centrum propagandy buržoáznej ideológie. Kinematografia v USA. Ronald Reagan ako herec, politik, verejná osobnosť. Dobročinné aktivity hollywoodskych hviezd a známych osobností.

abstrakt, pridaný 23.07.2009


Vplyv kinematografie na kultúru a umenie. Koncepcia a typy filmových štúdií. Nezávislé kino USA a moderné hollywoodske superštúdiá. Ekonomická výkonnosť hollywoodskych superštúdií. Najväčšie ruské štúdiá a nezávislé spoločnosti.

semestrálna práca, pridaná 24.04.2012


Vývoj žánrového spektra v hollywoodskej kinematografii. Vlastnosti obsadenia. Systém hlavných žánrov kinematografie. Nová hollywoodska stratégia a klasické kino. Periodicita hollywoodskej kinematografie. Súčasný stav kinematografie v Spojených štátoch.

semestrálna práca, pridané 04.08.2015


Koncept filmového umenia. Rozmanitosť filmových žánrov. Prehľad najznámejších filmov reprezentujúcich hlavné smery jeho vývoja. Životopis a dielo A.A. Alova a V.N. Naumov, ich tvorivé spojenie a najznámejšie režisérske diela.

abstrakt, pridaný 24.02.2014


Kultúrne dedičstvo filmového umenia 20. storočia. Prvé kroky svetovej kinematografie. Obraz prírody v kinematografii ako symbol vysokej kultúry ľudstva. Ruská kinematografia v prelomových obdobiach národných dejín. Možnosti kinematografie ako kultúrneho fenoménu na prelome 21. storočia.

S druhou časťou prednášok sa môžete zoznámiť

Hollywoodske filmy a kreslené filmy v prvom rade nie sú prostriedkom zábavy, ale nástrojom riadenia spoločnosti, ktorý, ako ukazujú, je zameraný hlavne na ničenie základných hodnôt a degradáciu dnešného človeka. To znamená, že hovoríme o cieľavedomej práci hollywoodskych spoločností s cieľom formovať medzi divákmi defektný svetonázor, vštepovať do spoločnosti mylné pravdy a privykať im deštruktívne vzorce správania.

Pozývame našich čitateľov, aby sa oboznámili s prednáškami, z ktorých každá svojim spôsobom odhaľuje uvedenú tému, okrem iného hovorí o histórii vývoja „továrne na sny“ a majiteľoch Hollywoodu. Sledovanie prednášok bude užitočné pre všetkých, ktorí nechcú byť bezmyšlienkovitým konzumentom „zábavného obsahu“, ale snažia sa vidieť a pochopiť procesy prebiehajúce v spoločnosti, ktorých významná časť je riadená a riadená prostredníctvom kinematografie.

Dmitrij Peretolchin. Hollywoodsky kult

Dmitrij Peretolchin hovorí o rozmanitosti prostriedkov podvedomého vplyvu na diváka, o skrytých zákonitostiach formovania verejnej mienky a tiež o tom, ako v psychofyzickom laboratóriu Hollywoodu vznikol moderný masový človek.

Témy preberané v prejave:

• Budúcnosť v Hollywoode je vždy apokalypsa
• Prečo vznikajú horory?
• v kine
• Overton a hollywoodske okná
• Telenovely a klesajúca pôrodnosť
• Hollywood je najväčší manipulátor na svete
• Vektor hollywoodskych cieľov
• Hviezdne vojny a téma LGBT
• Zníženie prahu psychologického vnímania násilia
• Vplyv na spoločnosť
• Protináboženská téma v aktivitách Hollywoodu (kresťanstvo možno kritizovať, judaizmus nie je povolený)
• Hollywood a prianie smrti
• Odkiaľ sa vzal obrázok k filmu Alien

Nikolaj Starikov. Prednáška o politike v kine

V prednáške spisovateľa a publicistu Nikolaja Starikova hovorí o tom, ako sa prostredníctvom kinematografie šíria v spoločnosti rôzne obrazy, myšlienky a hodnoty. Kto a akými nástrojmi riadi tento proces.

Kľúčové body prejavu:

• Kino nereflektuje, ale formuje názory spoločnosti
• Ruská kinematografia kráča v stopách Hollywoodu (za príklad sa považuje Bondarchukov film "Stalingrad")
• 5 princípov hollywoodskej kinematografie (pozitívny obraz USA / negatívny obraz iných krajín / vnucovanie behaviorálnych a sexuálnych zvráteností / otvorená propaganda antisociálneho životného štýlu / falšovanie histórie)
• Kto a ako stimuluje
• Prečo je väčšina rodín v amerických filmoch zobrazená ako rozvedená?
• Implementácia technológie Overton Window prostredníctvom kina
• Vytváranie obrazu človeka, pre ktorého sú hlavnou vecou v živote peniaze
• Prečo sú hlavní hrdinovia obdarení „hlúpymi“ povahovými črtami
• Opatrenia na boj proti deštruktívnej propagande vo filmoch
• „Voľný trh“ ako informačný kryt na vykonávanie informačnej sabotáže prostredníctvom kina
• Kto objednáva a platí preformátovanie myslí divákov?

Prednáška sa dotkne takých populárnych filmov ako seriál Spartakus, seriál The Walking Dead, Pán prsteňov, Rambo, séria Sherlock Holmes, House M.D. a ďalšie.

Oľga Chetveríková. Odvrátená strana Hollywoodu

Rozhovor s historičkou Oľgou Chetverikovou o riadenej psychologickej mutácii spoločnosti a človeka, majiteľoch, úlohách a histórii „Hollywoodu“. Preberané témy:

• O spolupráci Hollywoodu s Hitlerom
• a ich židovské korene
• O kabale v modernom filmovom priemysle
• Hollywood a Satanova cirkev

O. Chetverikova: „V Rusku vzniká a formuje sa národná kinematografia, podľa ktorej je na prvom mieste komerčný úspech a určitá ideologická a ideologická orientácia a v žiadnom prípade umenie, nie prebudenie nejakých vysokých citov či formovanie morálna osobnosť. Všetky naše najnovšie údajne vlastenecké filmy sú vytvorené podľa týchto hollywoodskych štandardov. Výsledkom je, že na obrazovke vidíme úplne mimozemských ľudí, ktorí nemajú s Rusmi vôbec nič spoločné a odzrkadľujú nám úplne cudziu mentalitu. Aj navonok majú títo hrdinovia viac amerických tvárí. Medzi hollywoodskym a ruským filmom nie je prakticky žiadny rozdiel...

Najdôležitejšia myšlienka, ktorú by diváci mali pochopiť, je, že americká kinematografia je v súčasnosti hlavným nástrojom a zbraňou na reštrukturalizáciu vedomia, na skutočné zničenie nášho tradičného hodnotového systému.

Armand Boshyan. Staroveký Hollywood.

Hollywood bol vynájdený pred tisíckami rokov. O histórii manažérskeho myslenia sa diskutuje na prednáškach Jerevanského geopolitického klubu.

Hlavné tézy:

• Architektúra ako jeden z hlavných nástrojov neštruktúrovaného riadenia spoločnosti v staroveku
• Prečo boli v starovekom Egypte postavené chrámy?
• Umenie vždy bolo a bude súčasťou politiky
• Moderné prostriedky vizuálneho riadenia spoločnosti
• . Prečo sa to propaguje?

V kontakte s

Bratia Lumierovci, ktorí sú považovaní za zakladateľov kinematografie, usporiadali svoje prvé verejné premietanie 22. 1895 v Paríži, hoci sa stále počíta s dátumom narodenia 28. decembra v tom istom roku, keď sa v salóne Grand Cafe konala prvá komerčná prehliadka. Na verejnosť táto novinka zapôsobila, pohyblivý obraz spôsobil ľuďom poriadny šok. Existuje verzia, že ľudia pri premietaní krátkeho filmu „Príchod vlaku“ vystrašene vyskočili zo sedadiel. Počas nasledujúcich dvoch rokov sa výstavy konali v popredných svetových hlavných mestách a mestách. New York bol jedným z tých miest.

Salón "Grand Cafe", 28.12.1895

presne tak New York sa stal prvým centrom americkej kinematografie. Začiatkom 20. storočia tam už bolo malé množstvo filmových štúdií. Ale, ako viete, neskôr mnohé postavy presunuli centrum priemyslu na západné pobrežie. Stalo sa tak v dôsledku viacerých faktorov.

Po prvé, v New Yorku bol prenájom drahý. Po druhé, New York mal okrem nedostatočne vyvinutej osvetľovacej techniky aj nevhodné poveternostné podmienky – zamračené a daždivé počasie prekážalo pri filmovej produkcii. Po tretie, Thomas Edison, ktorý sa v roku 1909 pokúsil monopolizovať filmový priemysel, vystrašil všetkých nezávislých „filmových tvorcov“, čo ich viedlo k úteku do oblastí San Francisca a Los Angeles.

Edison Film Trust Existovala do roku 1913, kedy bola po súdnom spore zatvorená, keďže jej činnosť bola v rozpore s protimonopolnými zákonmi. Za roky svojej práce mal samozrejme nielen negatívny vplyv, ktorý spočíval v brzdení práce nezávislých filmárov, čo následne viedlo k poklesu kvantity a kvality výstupov, ale aj pozitívny - Edison zabránil prieniku do európskej kinematografie, aby sa vyhol konkurencii, ktorá, ako sa mi zdá, dávala americkej originalite a jedinečnosti.

Najobľúbenejším miestom na ospravedlnenie kinematografov na západnom pobreží bola dedina Hollywood ktorý dnes pozná takmer každý. Na konci 19. storočia to bol len obrovský ranč.



Okrem klimatických výhod (viac ako 300 slnečných dní v roku) malo toto miesto aj geografické výhody: neďaleko boli hory a tichomorské pobrežie. Los Angeles slúžilo ako zdroj pracovnej sily a stavebného materiálu.

Americká kinematografia sa už pri svojom vzniku prelínala s politickými témami a otvorene vyjadrovala svoj postoj k nim. V roku 1898 bol pri pobreží Havany vyhodený do vzduchu americký krížnik Maine, čo vyvolalo americko-španielsku vojnu. James Stuart Blackton nakrútil film v prvý deň konfliktu Strhnutie španielskej vlajky"a neskôr film vydali" Pozdvihnutie starej slávy nad hradom Morro". Oba filmy vyjadrujú autorov postoj k španielskej tyranii.

Prvý celovečerný film vyrobený priamo v štúdiu v Hollywoode - Manžel indickej ženy od Cecil B. deMille. Toto je tichý western, ktorý vyšiel v roku 1914. Jeho trvanie je 72 minút.

Squaw Man, 1914

Prvé kiná v Spojených štátoch sa volali „ nickelodeons“, boli veľmi lacné, vstup stál 5 centov. V roku 1908 ich bolo asi tri tisíc, no každým rokom ich počet stúpal, pretože kino bolo veľmi žiadané. Konkurencia viedla ku kolapsu malých štúdií, začali vznikať veľké filmové trusty, ktoré sa spájali s požičovňami.

V roku 1912 sa objavujú Universal Studios a Paramount Pictures. Taký gigant na poli kinematografie ako „bratia Warnerovci“ bol založený až v roku 1923 a o rok neskôr vzniknú „Metro-Goldwyn-Mayer“ a „Columbia Pictures“.


Logo bratov Warner, 1923

V 20. roku sa Hollywood konečne stáva centrom amerického filmového priemyslu. Ročne sa tam premietlo 800 filmov. Rástol počet veľkých filmových štúdií, objavil sa systém filmových hviezd.

Žiaľ, veľký dopyt po kinematografii vyvolal orientáciu kinematografie na diváka, a nie na režiséra. Režiséri boli vo svojich autorských nápadoch mimoriadne obmedzení. Do popredia sa dostali herci a filmoví producenti. Výstupom boli „efektné“ filmy, ktoré boli navrhnuté tak, aby uspokojili masovú verejnosť.

Obdobie klasického Hollywoodu.

Toto obdobie sa začína v roku 1928 vytvorením filmového štúdia RKO Pictures. Vyznačuje sa takzvaným štúdiovým systémom, kde 8 najväčších filmových trustov ovládalo 95 % amerického filmového trhu. Tieto veľké štúdiá sa zaoberali nielen produkciou, ale aj uvádzaním filmov a vlastnili aj celé siete kín.

Štúdiá úplne ovládli kreatívnu sféru. S hercami, režisérmi a ľuďmi iných filmových profesií boli uzatvorené dlhodobé zmluvy, za ktorých neplnenie hrozili vysoké pokuty. Nechcených tvorcov by sa dalo jednoducho vytlačiť z biznisu. Dokonale charakterizuje éru a pojem " hviezdicový dopravník“: Vedenie štúdia zobralo mladých nádejných hercov a povýšilo ich, vymyslelo im meno a životopis. Profesionálne ceny ticho rozdávali poprední filmoví magnáti.

Monopolizácia viedla nielen k predražovaniu, ale aj k tomu, že nezávislým kinám sa ponúkalo kúpiť naraz päť filmov, z ktorých bol hitom len jeden, zvyšok išiel „na kvantitu“.

Éra sa však niesla v znamení veľkých udalostí a pozoruhodných osobností.

Prvý zvukový film bol vydaný v roku 1927. jazzový spevák“, práve po tejto udalosti sa filmové štúdio bratov Warnerovcov stalo jedným z popredných „hráčov“.


Jazzový spevák, 1927

V roku 1933 nastala hodina triumfu pre obrazové štúdio RKO, ktoré sa dovtedy za chrbtom svojich výkonnejších kolegov vždy držalo v ústraní. Pre film" King Kong Stále sa robia prerábky.


"King Kong", 1933

Samostatne stálo štúdio United Artists, ktorého jedným zo zakladateľov bol Charlie Chaplin. Často pomáhala nezávislým filmárom. Pre Charlieho Chaplina, samozrejme, musíte urobiť samostatnú prezentáciu. Chcel by som povedať len toľko, že jeho nemé filmy sa ľuďom páčili aj po nástupe zvukových filmov v roku 1927 a pokračoval v ich tvorbe ďalšie desaťročie. Jeho prvým zvukovým filmom bol Veľký diktátor v roku 1940.




Táto éra je tiež poznačená objavením sa najprestížnejšieho ocenenia v oblasti kinematografie súčasnosti - “ Oscar". V roku 1929 sa v hoteli Roosevelt konalo prvé odovzdávanie cien, trvalo 15 minút, pričom vstupné stálo 5 dolárov, prišlo naň 250 ľudí. Vtipné je, že víťazi boli známi tri mesiace predtým a pokračovalo to až do roku 1945, až potom sa objavili zapečatené obálky. Tohtoročným víťazom sa stal „ Krídla«.

Oscar, 1929 Krídla, 1927

V tomto období boli populárne aj westerny Johna Forda, ktorý dostal štyroch Oscarov za réžiu, muzikály s Fredom Astaireom a kriminálne trilery od Hitchcocka.

Od konca 30. rokov minulého storočia sa vysokorozpočtové filmy natáčali farebne. Po vojne sa historický žáner stáva populárnym peplum- natáčajú sa veľkorozmerné filmy s veľkým načasovaním o starovekých témach. Dominujú im scény s pôsobivým množstvom komparzistov a kulís. Jedným z príkladov je film Ben Hur“, ktorý získal 11 Oscarov. Muzikály tiež zostali v trende a zaujali publikum.

Štúdiový systém stále zlyhal. Otázky sa začali objavovať od protimonopolnej agentúry, ktorá po zdĺhavom súdnom spore s Paramount Pictures dokázala, že spoločnosť porušila zákon o voľnej hospodárskej súťaži. Štúdio muselo predať svoje divadlá. Čoskoro urobilo to isté štúdio obrázkov RKO a do roku 1954 to urobili všetky štúdiá. Tak sa začína éra Nového Hollywoodu.

Éra Nového Hollywoodu.

Štúdiá začali prichádzať o väčšinu svojich ziskov (takmer 90 %), keďže rástli tantiémy distribútorom, ktorí navyše prestali nakupovať filmy v dávkach (napr. neúspešné filmy neprinášali štúdiám príjem). Ďalším problémom, ktorému filmový biznis čelil, bola klesajúca návštevnosť divadiel v dôsledku rozširovania televízie. Ľudia nechceli tráviť večery v kine, keď mohli niečo pozerať doma pred televíznou obrazovkou. Najslabšie firmy hospodárili so stratou, a tak na trh začali prichádzať cudzinci. Spoločnosť bola prvá Decca Records, ktorá v roku 1951 prevzala kontrolu nad Universal Pictures.

Ďalším dôsledkom krachu štúdií bolo zvýšenie honorárov hviezd. Ak predtým herci stáli ešte pod úrovňou štúdií a boli nútení pracovať na základe dlhodobých zmlúv pre štúdio, teraz sa dostávajú do popredia oni, keďže komerčný úspech filmu mohli zabezpečiť len známi herci. Mnohí agenti začali od štúdií požadovať od svojich hercov nie určitý plat za film, ale percentá zo zisku. Napríklad Hitchcock dostal ako režisér za svoj film Chytiť zlodeja 50 000 dolárov a herec, ktorý stvárnil hlavnú úlohu, dostal honorár 700 000 dolárov.


Hitchcock vľavo. Cary Grant (herec) - správne

Najslabšie z veľkých štúdií (RKO, United Artists a dokonca aj MGM) boli vytlačené z trhu. Zvyšok štúdií prevzal televízne projekty, ktoré boli veľmi žiadané, aby vyplnili vysielací čas, príležitostne investovali len do spoľahlivých projektov. Vďaka tomu bola v roku 1957 polovica filmov uvedená u nezávislých producentov.

Šéfovia štúdií nevedeli pochopiť, čo publikum potrebuje. Stratení v dohadoch začali pozývať mladých režisérov, ktorí nepotrebovali veľa peňazí a čo viedlo k experimentom na poli kinematografie. Často takíto ľudia z filmových škôl a malých štúdií porušili tradície, ktoré sa vyvinuli v kinematografii, prebrali nejaký štýl autorskej európskej kinematografie a dali produktu niečo úplne nové a úprimné.

V tejto dobe tvoria takí majstri ako Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Woody Allen a ďalší.


"Krstný otec" od F.F. Coppola

Záujem o experimenty sa vytratil koncom 70. rokov, keď film " nebeská brána' zlyhal pri pokladni. Dodnes sa považuje za jeden z najväčších kasových neúspechov. V tom čase boli hlavným zdrojom príjmov sci-fi a blockbustery ako Čeľuste Stevena Spielberga či Hviezdne vojny Georga Lucasa, a tak sa štúdiá rozhodli ísť osvedčenou cestou financovania projektov zameraných na komerčný úspech a masové publikum.

"Nebeská brána"

moderné obdobie.

Americkému filmovému trhu dnes dominuje šesť štúdií: Paramount Pictures, Warner Bros., Columbia Pictures, 20th Century Fox, Universal Studios a Walt Disney Company.

Ale produkty nezávislých spoločností (10-15%), ako sú Lionsgate, Dreamworks, The Weinstein Company a ďalšie, tiež zaberajú svoje miesto. Žiaľ, najziskovejšie filmy sú stále filmy orientované na show, teda s množstvom špeciálnych efektov a počítačovej grafiky. Najvydarenejšie sú aj pokračovania, prequely a remaky už senzačných hitov, čo naznačuje istú stagnáciu americkej kinematografie.

Existujú aj pozitívne aspekty. To je stále prístup k nezávislej kinematografii a stieranie hranice medzi ňou a komerčnými projektmi. Tento trend bol načrtnutý už v 90. rokoch, keď filmy Quentina Tarantina a bratov Coenovcov zhromaždili viac ako priemerné štúdiové snímky.

Napriek tomu je americká kinematografia stále najmasívnejšia a najpopulárnejšia na svete. Takmer polovica všetkých svetových filmov vychádza v Amerike. Z charakteristických čŕt amerického filmového priemyslu si možno všimnúť: monopolizáciu, ktorá viedla k vzniku „hviezdneho potrubia“ s následnou idealizáciou hercov a zvyšovaním ich honorárov, „hollywoodske známky“ a štandardizáciu ponúkaných filmov. Práve v Spojených štátoch sa na filmových plagátoch začali ukazovať poprední herci. Súčasťou hollywoodskych filmov sú aj dokonalé a čisté zábery, ktoré vám umožnia uniknúť z reality. Filmy sú často spájané s americkými hodnotami, životným štýlom a „americkým snom“.

Kino v Amerike nie je len zábava, je to celé finančné odvetvie, ktoré je také od samého začiatku. To je však pozitívny faktor z hľadiska veľkých možností na realizáciu aj negatívny – dnes sa podľa mňa pre veľké štúdiá všetko zvrhlo na trháky, také lákadlá na zarábanie peňazí.

10 hlasov

Hollywood vznikol na samom začiatku 20. storočia. Vznikol spontánne a rýchlo. Rovnakým spôsobom, ako vznikli všetky ostatné mestá amerického západu. Do krajín Kalifornie prúdili obrovské zástupy hľadačov zlata a dobrodružstva a za nimi potulní herci, majitelia putovných panoptik, jarmočných stánkov, herní. Cirkusantov a hudobníkov, ako všetkých, lákalo zlato, subtropické podnebie a večné leto.

Vstup do Hollywoodu

V tom čase popularita kina rástla. V Hollywoode boli podmienky na tvorbu filmovej produkcie najpriaznivejšie. Myšlienka masovej a lacnej zábavy oslovila miestnych podnikateľov. Investované peniaze sa veľmi rýchlo vrátili, pretože diváci húfne padali na rôzne filmy. Tak sa zrodila história Hollywoodu, ktorá sa začala v roku 1909.

No ľudia, ktorí stáli pri zrode kinematografie, vtedy ani len nepomysleli na to, aby nakrúcali skutočne hrané filmy a prinášali vysoké umenie masám. Všetko prišlo na to, ako zarobiť peniaze pomocou filmov. Preto povaha produktov.

Biznis Hollywoodu bol na vzostupe a reklama na tovar tvorila veľký podiel na zisku. Rôzne firmy boli veľmi ochotné zaplatiť filmovým obchodným žralokom, aby ukázali svoje produkty na plátnach kín. Veľa peňazí priniesli aj obľúbené filmy. Mnoho filmárov sa snažilo nájsť algoritmus na úspech konkrétneho filmu u širokej verejnosti. Boli vytvorené určité dogmy, ktorých porušenie sa rovnalo neúspechu.

Napríklad ten istý šéf United Artists Joseph Schenck požadoval, aby všetky scenáre zobrazovali kariéru mladého muža, ktorý prechádza od chudobných k bohatým. Argumentoval tým, že ak to tak nie je, tak film v pokladni prepadne. Kvalita samotného scenára šéfa veľmi nezaujímala. Dôležitá bola pre neho kariéra a šťastný koniec s kopou zelených bankoviek na konci.

Ale pán Meyer z MGM bol posadnutý „nenahraditeľnou stratou“. Požadoval rovnakú scénu vo všetkých filmoch: pár v úplnom tichu sedí dlho v mesačnom svite. Ak scenár nemal „nenahraditeľnú stratu“ a milencov pod mesiacom, nebol mu daný pohyb.

Spisovatelia boli ľudia z otroctva. Nemohli si diktovať svoje podmienky. Preto boli filmy nápadne monotónne. Ľudia videli na obrazovke buď šťastnú kariéru mladého muža, alebo milencov v striebristom svetle mesiaca, trpiacich „nenahraditeľnou stratou“.

História Hollywoodu a jeho podnikania by bola nemysliteľná bez vedeckého a technologického pokroku. Pozoruhodnou črtou amerických filmových tovární bola vysoká miera bezpečnosti, alebo inými slovami, skladové vybavenie.

Ak film potreboval 20 projektorov, tak sa ich zakúpilo 40. Proces výroby sa nemal zastaviť kvôli poruche povedzme 2 projektorov. Okamžite boli nahradené náhradnými. Ak bol potrebný jeden mikrofón, nainštalovali sa tri. Poškodený mikrofón by totiž mohol zdržať aj natáčanie, ak by zaň neexistovala náhrada.

Aby 100 mikrofónov fungovalo nepretržite v továrni Paramount, rovnaký počet zostal na sklade. Nič teda nemohlo oddialiť uvedenie filmov. Ich výroba išla hladko, ako na bežiacom páse. Nenastal ani minútový prestoj, čo svedčí o vysokej organizácii práce a úžasnej predvídavosti aj v maličkostiach.

Každý účastník komparzu si pod klobúkom (vtedy bolo rovnako neslušné ísť bez klobúka ako teraz bez nohavíc) maličké rádio so slúchadlami. Režisér dal príkaz cez svoj mikrofón a všetci ho dokonale počuli. V priebehu natáčania mohol režisér prísť s nejakou prestavbou, inými slovami, komparzisti okamžite vykonávali nové objednávky. Zároveň tam nebol žiaden zhon, zmätok a prestoje.

Väčšina veľkých filmových spoločností mala svoje vlastné filmové štúdiá. Pracovali v nich desiatky operátorov a technikov. Veľmi často títo ľudia urobili nejaké vylepšenia hotových mechanizmov. Vynález by sa dal okamžite patentovať. Patent sú predovšetkým peniaze, a teda bohatstvo. Dobrý vynález by mohol svojho tvorcu živiť do konca života.

Každý zvukár mal svoj vlastný zvukový pas. Na to boli špeciálne zvukové skúšky. Zisťovali, koľko vibrácií ucho testovanej osoby vníma. Na základe testovania bol urobený záver o vhodnosti zvukára ako zodpovedného pracovníka pri zvukových filmoch.

Špecialistu, ktorý dostal zvukový pas, umiestnili do malého prívesu, ktorý počas natáčania neúnavne sledoval kameru. Zvukár z okna prívesu videl všetko, čo sa deje a reguloval záznam zvuku.

Cez veľký dynamický reproduktor počúval zvuk vstupujúci do mikrofónu, a tak si všímal a opravoval prípadné chyby. Mikrofóny zavesil presne na diaľku, v takom uhle a sklone, čo maximalizovalo ideálny zvukový efekt.

Predprodukcia bola vždy ukážková. Každé hollywoodske štúdio pri nakrúcaní nepoužilo jednu súpravu, ale hneď niekoľko. To znamená, že v rovnakom čase bolo pripravených na natáčanie veľa rôznych scenérií. Režisér mal možnosť v priebehu práce odmietnuť nakrúcanie jednej scény a okamžite začať nakrúcať ďalšiu.

Hollywoodske filmové hviezdy si užívali veľké privilégiá. Medzi nimi a obyčajnými hercami bola priepasť. Hviezda dostávala obrovské peniaze za každú minútu práce a všetci ostatní umelci a technickí pracovníci na nej úplne záviseli.

Ak slávna herečka nemala v ten deň náladu alebo vyzerala zle, tak celá masa pracovníkov filmového štúdia musela okamžite prejsť na inú scénu. Vzhľadom na nepredvídané situácie nikto nepoľavil. Herci zapojení do filmu boli celý deň v kostýmoch a mejkape, keďže ich mohli kedykoľvek zavolať na natáčanie.

V amerických kinách boli plátna obrovské. Zodpovedali veľkosti opony Veľkého divadla v Moskve. Preto mali obrazy mimoriadnu expresivitu a silu. Ak na normálnej obrazovke epizóda vyzerala dosť obyčajne, potom keď sa niekoľkokrát zvýšila, už urobila úplne iný dojem. Pozrite sa na muchu na obrazovke počítača a potom si predstavte, že jej obraz zaberá celú stenu 9-poschodovej budovy. Účinok bude úplne iný.

Hollywood bol od prvých rokov svojej existencie dokonale zefektívnenou výrobou filmových produktov. O skutočnom umení však reč nebola. Charlie Chaplin o tom hovoril veľmi výrečne. Povedal: „V Hollywoode nerobia filmy, zarábajú peniaze tu. Musíte študovať kinematografiu, kde bola vyrobená „Bojová loď Potemkin“. Ale Rusko je ďaleko, takže budeme zarábať ďalej, pretože štúdium s prihliadnutím na cestu bude stáť príliš veľa.



Walt Disney so sovietskymi filmovými režisérmi, 1930. Zľava doprava: Alexandrov, Ejzenštejn, Walt Disney s Mickey Mousom a Tisse

História Hollywoodu by bola bez neho stratená otec animácie Walt Disney. Jeho kreslené postavičky na plátne boli často ľudskejšie a výraznejšie ako živé postavy, ktoré hrali herci. Disney mal spočiatku veľmi malú továreň na filmy. Začínal s krátkymi filmami. Práve tie mu priniesli úspech a uznanie.

Disney založil činy svojich kreslených postavičiek na hudobných témach a hudobných rytmoch. Práve hudba charakterizovala obrazy jeho kreslených hrdinov. Humorné a komické efekty boli veľmi často dosahované excentrickým podaním klasickej hudby.

V mechanike je excentrom koleso, ktorého os nie je v strede kruhu, ale je posunutá do strany. Ak sa os kolesa vozíka posunie, vozík začne „kulhať“. Všetci sa budú smiať, pretože to vyzerá veľmi vtipne.

Walt Disney použil rovnaký princíp. Oblieka si Griegov „Tanec smrti“ a v tejto vtipnej karikatúre je komédia situácie dosiahnutá tým, že tam tancujú kostlivci, ktorí odišli z cintorína. Najznámejším hrdinom je Mickey Mouse. Toto je obľúbený nápad otca animácie.

Disney mal svoj vlastný špeciálny spôsob natáčania. Vždy začínal fonogramom. Stala sa rámcom filmu. A potom sa dej spojil s fonogramom a zrodilo sa ďalšie majstrovské dielo.



Charlie Chaplin a sovietsky filmový režisér Alexandrov (vľavo), 1930

No, samozrejme. Ako by bola možná história Hollywoodu bez tohto skvelého režiséra a herca. Bol známy a obľúbený všade tam, kde mali ľudia možnosť pozerať filmy.

Aké je tajomstvo Chaplinovho úspechu? Tony kníh napísaných v rôznych častiach sveta sa na to snažia odpovedať už mnoho desaťročí. Ale sám veľký majster o svojom tajomstve úspechu povedal najlepšie: „Základom úspechu je poznanie ľudskej povahy. Komédia nemilosrdne odhaľuje skutočnú podstatu každého človeka. Diváci veľmi radi spoznávajú zložitý vnútorný svet postáv ľahkým a vtipným spôsobom. Ak by som začal točiť vážne filmy so zložitými psychologickými vzťahmi, stratil by som dve tretiny svojich fanúšikov.“

Tento muž s obrovskou zásobou vnútornej energie celý život tvrdo pracoval. Zároveň zvládal športovať, aby bol vždy v dobrej kondícii. Chaplin dobre plával, veľa času trávil gymnastikou. Bol dobrý najmä v tenise. Veľký majster bol ľavák. To mu pravdepodobne pomohlo poraziť svojich súperov.

Hollywoodsky biznis diktoval svoje prísne zákony. Filmoví šéfovia sa na verejnosť pozerali ako na ignorantskú masu ľudí so zlým vkusom. Medzi podnikateľmi prevládal názor, že je potrebné dopriať práve nižším inštinktom, aby sa ľudia čo najochotnejšie rozišli so svojimi peniazmi. Charlie Chaplin bol jedným z mála v Hollywoode, ktorý rešpektoval publikum. Podarilo sa mu zachovať si nezávislosť ako umelca, ale bolo to pre neho veľmi ťažké.

V súčasnosti sa Hollywood veľmi zmenil, veď od jeho založenia ubehlo už viac ako sto rokov. Stále však priťahuje milióny mladých ľudí. Cestujú z celej Ameriky, aby si vyskúšali rolu filmovej hviezdy v pavilónoch najslávnejšieho filmového centra sveta. Úspech a uznanie však prichádzajú na jednotku. The Great Movie Star Factory je vyberavý a rozmarný. Bola vytvorená nie pre kino, ale pre peniaze, a preto je výber veľmi ťažký..