Naša doba je charakteristická rýchlou zmenou módnych cyklov. Znakom vývoja módy je ich sezónny obrat: jar - leto a jeseň - zima. V tomto smere sme svedkami rýchlej zmeny módnych trendov, formovania nových foriem oblečenia. Zdrojom poznatkov o premene foriem a štruktúr je predovšetkým historický kostým, ktorý sa formoval a schvaľoval po stáročia. Ľudový odev je neoceniteľnou integrálnou vlastnosťou kultúry ľudí, nahromadenej v priebehu storočí. S históriou a estetickými názormi tvorcov je úzko späté oblečenie, ktoré vo svojom vývoji prešlo dlhú cestu. Umenie moderného kroja sa nemôže rozvíjať izolovane od ľudových, národných tradícií. Bez hlbokého štúdia tradícií je progresívny rozvoj akéhokoľvek druhu a žánru súčasného umenia nemožný.

Ľudový odev je nielen jasným originálnym prvkom kultúry, ale aj syntézou rôznych druhov dekoratívneho umenia, ktoré prinieslo tradičné prvky strihu, ornamentu, použitia materiálov a dekorácií, ktoré boli v minulosti až do polovice r. 20. storočia.

Formovanie prvkov kompozície, strihu a zdobenia ruského kroja bolo ovplyvnené geografickým prostredím a klimatickými podmienkami, ekonomickou štruktúrou a úrovňou rozvoja výrobných síl. Dôležitými faktormi boli historické a spoločenské procesy, ktoré prispeli k vytváraniu osobitých foriem odevu, významná bola úloha miestnych kultúrnych tradícií.

Košeľa je právom považovaná za najstarší druh oblečenia. Už v VI storočí. v kroji našich predkov - Slovanov - zaujímala popredné miesto a niekedy bola jediným kusom odevu. Dámska košeľa sa od pánskej líšila v podstate len dĺžkou a bohatším strihom.

Košeľa zrejme pochádza zo slova „rub“, čo v jazyku predkov znamenalo kus, kus látky, no zároveň slúžilo ako názov celého komplexu. Sedliak, obyvateľ mesta a šľachtic mali na sebe košeľu rovnakého strihu, rozdiel bol len v kvalite látky.

Najbežnejším materiálom dodnes zostáva ľan. V starom ruskom jazyku existovali dva výrazy: "hlast" - "plátno", "tlstyna" - nebielená tkanina a "náboj" - bielené plátno na označenie hlavného materiálu. Odpradávna sa ženy zaoberali pradením a tkaním plátna. Verili, že len dobré ženské ruky, ktoré nedržia zbrane, môžu byť poverené výrobou odevov, prvým obrancom človeka. Takmer všetky ženy vo vidieckych rodinách a najskôr v mestských rodinách vlastnili toto remeslo.

Najstaršie košele boli šité z jedného dlhého plátna, preloženého na polovicu na pleciach. Do bokov boli všité klinovité vložky, získané diagonálnym rezaním obdĺžnika, čím sa lem rozšíril. Potom prerezali štrbinu brány av strede hrudníka. Po skončení rezu teda nezostal ani jeden úlomok navyše.

Postup zdobenia košele sa vyvinul aj v pohanských časoch a dodnes sa prísne dodržiava v ľudovom kroji.V starovekom Rusku slúžili ako ozdoba odevov šľachty perly, úlomky s polodrahokamami a farebné sklá, drahé vrkoče a šnúry. Odevy hlavnej časti obyvateľstva boli tradične zdobené ručnou výšivkou alebo vzorovaným tkaním. Ozdobné pruhy a neskôr aj stuhy, vrkoče, nášivky zo zakúpených látok a farebné čipky boli nevyhnutne umiestnené pozdĺž lemu, okrajov rukávov, na pleciach, pozdĺž goliera a pozdĺž zárezu na hrudi. Takýto zvláštny systém ochranných línií v kombinácii s opaskom, ktorý bol podľa starovekých presvedčení nevyhnutne opásaný akoukoľvek košeľou, chránil životne dôležité časti tela. Ozdoby umiestnené po okrajoch odevov zároveň chránili odhalené časti tela pred zlými duchmi.

Slávnostné a slávnostné košele nosené v určité dni boli obzvlášť silne zdobené. V prvý deň zberu tráv to teda malo vyjsť v „kosení“ so širokým vzorovaným pruhom na leme. Vo sviatok žatvy sa obliekli do „žatvy“ košele. Posledný týždeň pred svadbou mali dievčatá na sebe košeľu s 1 veľmi dlhými rukávmi, nazývanú „zabijak“. Nevesta sa v ňom mala rozplakať strachom z prichádzajúceho rodinného života v cudzom dome. Ale svadobná košeľa bola právom považovaná za najkrajšiu. Bol vyšívaný viacfarebnými vzormi, kde hlavné miesto zaujímala červená. Mladá manželka si ho počas veľkých sviatkov obliekla ešte niekoľko rokov a potom si ho starostlivo uschovala.

V ruskom národnom kroji, rovnako ako v kostýmoch iných národností, po mnoho storočí existuje nepísané pravidlo: venovať väčšiu pozornosť ženskému oblečeniu, pretože je primárne určené na ochranu zdravia predka rodiny.

V južných oblastiach bol rovný strih košieľ zložitejší, vykonával sa pomocou takzvaných polikov - strihových detailov spájajúcich prednú a zadnú časť pozdĺž línie ramien. Poliky by mohli byť rovné a šikmé. Obdĺžnikové poliky spájali štyri plátna široké 32-42 cm. Šikmé poliky (vo forme lichobežníka) boli spojené širokou základňou s rukávom, úzkym - s podšívkou krku. Obe konštruktívne riešenia boli zdôraznené dekoratívne.

Sarafan (perzský serapa, turkicko-tatársky „od hlavy po päty“) je národným krojom ruských žien. Nosí sa cez košeľu s nafúknutými rukávmi. Ak sa to robí cez hlavu, potom sa na hrudník prišije množstvo ozdobných gombíkov. Šaty sa dajú odopnúť aj vpredu.

Je známych niekoľko rôznych druhov sarafanov, ktorých formovanie rezu a výzdoba boli ovplyvnené črtami danej oblasti.

Jeho najstaršia forma je šikmá na prieramkoch alebo širokých popruhoch. Predný a zadný panel tejto letnej šaty boli po stranách spojené ďalšími klinmi. Predný rovný panel nemal stredný šev. V provincii Tver bol nazývaný "kostolan", v severných oblastiach - "hrbáč".

Sundress v severozápadných provinciách (Novgorod, Olonets, Pskov atď.) Mali iný strih. Bol uzavretejší, a preto ho prezývali „šušun“ alebo „tetrev“. Starí veriaci nosili takéto slnečné šaty.

Tieto slnečné šaty boli ušité z látky preloženej cez plecia so skosenými klinmi na bokoch. Zo zadnej strany sa prišívali dlhé, často falošné rukávy.

Šikmé šaty s rozparkom vpredu s gombíkmi a pútkami.

Bol distribuovaný v 19. storočí vo všetkých provinciách stredného Ruska. V provinciách Jaroslavľ a Tver sa nazýval "feryaz", v Moskve - "Sayan", Smolensk - "sorokoklin". Boli aj také mená - "kumashnik", "modrý". Tieto letné šaty boli šité nasledovne: dva predné panely a jeden zadný panel boli rovné, boli k nim prišité silne skosené kliny, ktoré rozširovali oblečenie. Rozparok vpredu bol ozdobený červenou čipkou, vrkočom, strapcom a pod. Niekedy sa predný rozparok prišíval a ako ozdoba sa ponechali gombíky a slučky. Niekedy mladé dievčatá šili také sundresses s popruhmi.

Rovné alebo okrúhle letné šaty boli ušité z niekoľkých rovných látok (od 4 do 7), prebytočná látka sa zhromaždila na vrchu v malej zostave a uzavrela sa úzkou stuhou alebo lemom. Úzke krátke popruhy na chrbte boli zošité a vpredu oddelene. Pozdĺž spodnej a hornej časti letných šiat boli vyrobené ozdoby vo forme ozdobných výšiviek, vrkočov atď. V moskovskej a vladimirskej provincii ho nazývali kožuch. Takéto sundress nosili mladé aj staršie ženy. Rozdiel bol len vo farbe: mladí šili sundresses zo svetlých látok, starší používali tmavé farby.

Koncom 19. - začiatkom 20. storočia sa objavili slnečné šaty s nasadeným živôtikom. a boli akési pološaty. Jeho sudy boli rezané pozdĺž šikmej nite.

Svadobné slnečné šaty boli obzvlášť odlišné. Napríklad v provincii Riazan sa nevesta vydávala v čiernych slnečných šatách s bielou šatkou na hlave, ktorá sa zvyčajne nosila počas smútku. Hneď v prvý deň ich spoločného života sa mladá žena objavila vo svojich najlepších slnečných šatách – najčastejšie v rôznych odtieňoch červenej. V provinciách Vologda a Kostroma boli modro-ružové, karmínové sarafány šité z drahých látok. Boli zdobené spriadaným zlatom, vrkočom, perlami.

Podmienky historického vývoja od XII - XIII storočia. určilo najcharakteristickejšie rozdelenie foriem ruského kroja na severné a južné. V XIII - XV storočia. severné oblasti (Vologda, Archangelsk, Veliky Ustyug, Novgorod, Vladimir atď.), na rozdiel od južných, neboli spustošené nájazdmi kočovníkov. Intenzívne sa tu rozvíjali umelecké remeslá, prekvital zahraničný obchod.

Počnúc XVIII storočím. Sever sa ukázal byť vzdialený od rozvíjajúcich sa priemyselných centier, a preto si zachoval integritu ľudového života a kultúry. Preto sa v ruskom kostýme Severu hlboko odrážajú národné črty a nezažívajú cudzie vplyvy.

Južný ruský kroj (Rjazaň, Tula, Tambov, Voronež, Penza, Orel, Kursk, Kaluga atď.) Je z hľadiska oblečenia oveľa rozmanitejší. Viacnásobná migrácia obyvateľov v dôsledku nájazdov kočovníkov a potom počas formovania moskovského štátu vplyv susedných národov (Ukrajinci, Bielorusi, národy regiónu Volga) viedol k častejšej zmene oblečenia a rozmanitosti jeho typov. .

V južnom ruskom kostýme sa namiesto letných šiat častejšie používala poneva - opaskové oblečenie z vlnenej tkaniny, niekedy lemované plátnom. Látka používaná na ponevu je najčastejšie tmavomodrá, čierna, červená, s károvaným alebo pásikavým (s priečnym pásikom) vzorom. Každodenné ponevy vyšli skromne: vlnený podomácky utkaný vzorovaný vrkoč (opasok) na spodku. Slávnostné ponevy boli bohato zdobené výšivkami, vzorovaným vrkočom, vložkami z kalika, farbením, pozlátkovou čipkou a trblietkami. Široký horizontálny pruh lemu bol kombinovaný so švami, vertikálnymi farebnými vložkami. Farebná schéma poníkov bola obzvlášť svetlá a farebná vďaka ich tmavému pozadiu.

Poneva je v skutočnosti tiež sukňa, iba jej podlahy spravidla neboli šité. Volalo sa to rastopolka, teda hojdanie. Poneva sa držala na plyne (pás, lano, šnúra, oplet).

Spravidla boli vyrobené z kockovanej podomácky pranej vlny, boli „láskavé“, „sväté“, „zasvätené“ a „posledné“. A ponev sa delili na modriny (plná modrá) a červená (červená) so vzorom. Poneva najviac pripomína naše rovné sukne.

Zástera

Najozdobnejšou a najbohatšie zdobenou súčasťou severného aj južného ženského kroja bola zástera, čiže záves, zakrývajúci ženskú postavu spredu. Zástera bola zvyčajne vyrobená z plátna a zdobená výšivkami, tkanými vzormi, farebnými ozdobnými vložkami a hodvábnymi vzorovanými stuhami. Okraj zástery bol zdobený zubami, bielou alebo farebnou čipkou, strapcom z hodvábnych alebo vlnených nití a riasením rôznej šírky.

Teplejšia duša

V oblečení ruského severu, zo starovekého ruského kostýmu, "epanechki" a dushegrey sa zachovali krátke kožušinové kabáty, prešívané na vatu, s rukávmi. Dushegreya - dámske hrudné oblečenie bez rukávov vyrobené z drahých továrenských tkanín. Na týchto miestach sa dushegrei šili z brokátu. A je strihaný tak, že látka vzadu vo veľkých záhyboch leží a vpredu majú police lichobežníkový tvar. Pri strihaní sa brokát spevňoval (lepil) hrubou plátennou látkou, niekedy sa podšíval novinami, aby sa zachoval rovný tvar políc, na zadnej strane boli záhyby. Na úzkych popruhoch - úzky galón alebo čipka. Sprchový ohrievač sa zapínal len na brošňu, ktorá sa hore prišpendlila alebo uviazala na mašľu zo širokých stúh. To naznačuje, že sa predtým nosila s letnými šatami.

Vrstvením kostýmu, ktorý mal rôzne dĺžky súčasne nosených košieľ, ponevy, zástery, podbradníka, sa vytvorilo horizontálne členenie siluety, opticky rozširujúce postavu.

Klobúky

V ruskom ľudovom kroji sa zachovali starodávne pokrývky hlavy a samotný zvyk, že vydatá žena skryje vlasy, pre dievča ich nechá odkryté. Tento zvyk je spôsobený formou ženskej čelenky vo forme uzavretej čiapky, dievčenskej - vo forme obruče alebo obväzu. Rozšírené sú kokošniky, "straky", rôzne obväzy a korunky.

Zo šperkov sa používajú perlové, korálkové, jantárové, koralové náhrdelníky, prívesky, korálky, náušnice.

Látky, farba, ornament

Hlavnými látkami na ľudový sedliacky odev boli podomácky tkané plátno a vlna jednoduchej plátnovej väzby a od polovice 19. stor. - továrensky vyrobený hodváb, satén, brokát s ornamentom sviežich kvetinových girland a kytíc, kaliko, chintz, satén, farebný kašmír.

Vzorované tkanie, výšivky a potlače boli hlavnými spôsobmi zdobenia bytového textilu. Pruhované a kárované vzory sú tvarovo aj farebne rôznorodé. Technika ľudového vzorovaného tkania, ako aj vyšívanie počítaním nití viedli k priamočiarym, geometrickým obrysom, absencii zaoblených obrysov vo vzore. Najbežnejšie prvky ornamentu: kosoštvorce, šikmé kríže, osemhranné hviezdy, rozety, vianočné stromčeky, kríky, štylizované postavy ženy, vtáka, koňa, jeleňa. Vzory, tkané a vyšívané, sa vyrábali z ľanových, konopných, hodvábnych a vlnených nití, farbených rastlinnými farbivami, ktoré dávali tlmené odtiene. Paleta farieb je viacfarebná: biela, červená, modrá, čierna, hnedá, žltá, zelená. O viacfarebnosti sa rozhodovalo najčastejšie na základe bielej, červenej a modrej (alebo čiernej) farby.

Od polovice XIX storočia. podomácky tkané tkaniny sú nahradené továrenskými tkaninami s potlačenými kvetinovými, kockovanými, pruhovanými vzormi.

Ľudové tradície v modernom oblečení

Ľudové umenie zostáva skutočným skladom nápadov pre módnych návrhárov a dizajnérov. V 70. rokoch minulého storočia sa v zbierkach módnych návrhárov oceňovali prejavy „národného ducha“, nie však v etnografickom zmysle, ale v kontexte „medzinárodného štýlu“: ruský štýl, ázijský štýl atď. .

21. storočie priniesol do moderného módneho dizajnu nové národné tradície – estetiku postmoderny. Pri vytváraní modelu oblečenia sa používa metóda "citátov". "Citát" môže byť detail národného kroja, prvok dekoru, zväčšený alebo zdeformovaný ornamentálny motív, strih alebo farebná schéma. Kombináciou rôznych „citátov“, miešaním prvkov kostýmov rôznych národov vytvára dizajnér nový obraz so špecifickým a rozpoznateľným kreatívnym zdrojom.

Tínedžerské oblečenie je do istej miery ovplyvnené „dospeláckou“ módou, no nevyznačuje sa častými zmenami a radikálnymi prevratmi. Je stabilnejší, čo súvisí so zvláštnosťami postavy vekových skupín detí. Hlavné požiadavky na tínedžerské odevy (jednoduchosť strihu, maximálna účelnosť foriem, zvučnosť a sviežosť farebných schém) sa naplno prejavujú v ľudovom odeve, kde je krása a funkčnosť neoddeliteľne spätá.

farebná harmónia

Nevyhnutnou podmienkou krásy oblečenia je súlad farieb v ňom, to znamená súlad, súlad v kombinácii farieb. Na vytvorenie kostýmu (toto je výber látky, dokončovacie materiály) sme študovali harmóniu farieb.

Farba v oblečení. Nevyhnutnou podmienkou krásy oblečenia je súlad farieb v ňom, to znamená súlad, súlad v kombinácii farieb.

Pre vytvorenie farebnej harmónie obleku je dôležité nielen vedieť, ako sa farby kombinujú, rozlišovať medzi kompatibilnými a nekompatibilnými farbami, ale aj vedieť usporiadať detaily oblečenia podľa farieb a farebných proporcií do jedného celku. .

Základy teórie farieb položil Newton, ktorý sa ako prvý pokúsil systematizovať svet farieb objavením vzťahu medzi lomom svetla a farbou. Veril, že biele svetlo, ktoré bolo pred ním brané ako homogénne, sa po lomu v hranole rozkladá na mnoho rôznych svetelných vĺn. Newton zakrúžkoval farby svojho spektra a pridal chýbajúcu purpurovú, ktorá sa získava zmiešaním červenej a fialovej farby a pridáva sa k hladkému prechodu z fialovej na červenú. Ak sú spektrálne farby (od červenej po fialovú) usporiadané v poradí v kruhu, potom sa vytvorí chromatický kruh.

Celá paleta farieb je rozdelená do dvoch skupín - chromatické a achromatické.

Achromatické farby sú biela, čierna a všetky odtiene šedej – od bielej po čiernu.

Chromatické farby sú spektrálne farby a purpurová.

Podľa kombinácie existujú tri skupiny farieb – príbuzné, súvisiace-kontrastné a kontrastné.

Príbuzné farby majú vo svojom zložení aspoň jednu spoločnú (hlavnú) farbu. Existujú štyri skupiny príbuzných farieb – žlto-červená, modrozelená a zeleno-žltá. Starostlivo vybrané súvisiace farby poskytujú skvelé príležitosti pre riešenia kompozície farieb. Napríklad zelená a zelenomodrá sú príbuzné farby, dobre sa kombinujú v kompozíciách s rôznymi veľkosťami farebných škvŕn. Dobrým riešením je veľké množstvo škvŕn jednej farby a malé množstvo inej. Pri použití príbuzných farieb v kompozícii kostýmu sa zvyčajne jedna alebo obe používajú tlmené. Správna sila farieb sa dosiahne výberom príbuzných farieb takým spôsobom, aby neboli veľmi jasné. Žltá a žltozelená, zelená a zelenomodrá, modrá a fialová, fialová a červená, červená a oranžová atď. sú príbuzné farby.

V tónovej kompozícii sa silný efekt dosiahne prostredníctvom rôznej svetlosti použitých farieb - zavedením svetlých a tmavých tónov v kontraste. Harmonické kombinácie príbuzných farieb sú reaktívne, pokojné, mäkké, najmä ak sú farby mierne nasýtené a blízke v ľahkosti.

Súvisiace-kontrastné farby. Existujú aj skupiny príbuzných-kontrastných farieb - žlto-červená a červeno-modrá, červeno-modrá a modro-zelená, modrozelená a zeleno-žltá, zeleno-žltá a žlto-červená. Harmónia príbuzných kontrastných farieb je aktívnejšia a emotívnejšia v porovnaní s príbuznými.

Kontrastné farby. Sú to žlto-červené, modro-zelené, žltozelené a modro-červené. Kombinácia harmonických kontrastných farieb je obzvlášť aktívna, pretože farby sú dvojnásobne vyvážené ich opačnými vlastnosťami. Nie všetky kontrastné farby sú však harmonické. Napríklad žlto-červená a zeleno-modrá sú neharmonické kontrastné farby.

Na tvorbe zloženia kostýmu sa podieľajú aj achromatické farby: biela, čierna, modrá. Čierna a biela samotná alebo v kombinácii sú vnímané jasne, pretože sú v kontraste s pozadím. Obe - čierne aj biele - vyzerajú vznešene a výhodne. Šedá vyzerá veľkolepo v kombinácii s čiernou a bielou. Čierna farba má silný vplyv na chromatickú, najmä strednú svetlosť a vysoko nasýtenú červenú a zelenú farbu: tieto chromatické farby sa rozjasňujú, zvyšuje sa ich sýtosť, zdá sa, že žiaria. Biela, najmä ťahy chromatických farieb, dodávajú kompozícii zvláštnu chuť: farby sa stávajú vzdušnými, pastelovými; biela farba dodáva kostýmu eleganciu.

Harmonická farebná schéma obleku závisí nielen od kombinácie farieb, ale aj od toho, koľko z týchto farieb sa odoberie, aká je textúra látky. Odporúčané farebné kombinácie však nemožno brať ako záväzné.

Výber látky na oblek.

Pre scénický kostým "Sudarushka" sme na košeľu vybrali biely krepový satén, pretože biela farba sa hodí do akýchkoľvek farebných kompozícií a v starom ruskom kostýme bola košeľa vždy biela.

Pre letné šaty bola zvolená nasýtená modrá farba a súvisiace farby pre hlavné dokončovacie práce: modrá a svetlo modrá.

Pre emotívnejšie vnímanie kostýmu boli do výzdoby pridané kontrastné farby: červená a zelená. Trocha čiernej dodá celému obleku sýtosť.

Výber a odôvodnenie materiálu.

Krep, krepový satén. Súhrnný názov všetkých tkanín so zrnitým uzlíkovým povrchom získaným krepovým krútením priadze, prepletaním nití, razením látky.

Krepový satén: saténová väzba, stredná vráska, dobrá splývavosť, priedušnosť, nízka hygroskopickosť, stredná tepelná ochrana. Stredné prezliekanie odoláva, keďže má silný sklz, veľkému rozťahovaniu nite vo švíkoch. Pri WTO je potrebné vziať do úvahy tepelný režim, pretože tkanina je vyrobená zo syntetických a umelých vlákien a má tiež lesklý hladký povrch, na ktorom po navlhčení zostávajú škvrny.

Má dobré koloristické sfarbenie látky, má výrazný lesk, výrazné sfarbenie.

Analýza kostýmov.

Po analýze ľudových krojov sme skúmali košele, letné šaty, ponevy. Strih košele sa rozhodli nechať starý, ale na zdobenie použiť moderné materiály. Široké sarafány, poníky majú objemný tvar a neradi by sme zdôrazňovali dievčenskú postavu, zvolili sme letné šaty s podrezanými sudmi.

Výber modelu

Košeľa: strih košele, dlhé rukávy, čipkovaný lem.

Sundress: polopriliehajúca silueta, podrezané valčeky, úprava - nášivka, vyšívaný cop, saténová stuha, šikmá vložka.

Dokončenie produktu

Košeľa: po línii prieramku rukáva, spodok rukáva, výstrih, ukončenie modrou, šitie čipkou.

Sundress: stredná predná línia, spodná línia - modrý pásik z modrého krepového saténu. Aplikácia je symetrická od strednej línie po spodok sukne. Kontrastné lemovanie s vyšívaným vrkočom, vrkočom z viazanice, saténovou stuhou.

Stavebníctvo

Konštrukcia výkresu základu ramenného produktu s jednodielnym rukávom.

Modelovanie, príprava vzorov na strihanie

Rukáv: z bodu B2 pozdĺž čiary B2B5 zmerajte dĺžku ramena + dĺžku rukáva, z tohto bodu vytvorte pravý uhol. Nakreslite rovnobežnú čiaru z bodu G1 do priesečníka.

Krk: od bodu B2 odložíme 2 cm, od bodu B4 6 cm, spojíme oblúkom.

Vzory: odstrihnite rukáv cez body B1 a G2. Čiary B1B6 stredová čiara a záhyb rukávov. Získame tri časti: chrbát, policu, rukáv.

Prieramok: odložte si 10 cm od bodu B2 (šírka ramien). Výsledný bod spojte hladkou čiarou s bodom T.

Krk: 3 cm od bodu B2, 10 cm od bodu B4. Spojte hladkou čiarou. Prehĺbte golier na chrbte o 2 cm.

Na línii hrudníka od línie stredu vzoru odložte mieru stredu hrudníka. Nakreslite zvislú čiaru cez bod od línie ramena po spodnú čiaru.

Vzory: predná - stredná časť 1 kus, hlaveň - 2 kusy (rezané pozdĺž šikmo); chrbát - stredná časť 1 diel, hlaveň - 2 diely.

Rozšírenie pozdĺž spodnej línie: roztiahnite stredné časti prednej a zadnej časti pozdĺž spodnej línie od línie pása, roztiahnite bočné detaily na oboch stranách.

Technológia výroby

Košeľa: spojte ramenné švy na chrbte a vpredu, spojte ich s rukávmi a vytvorte vložku z čipky. Spodok rukáva ozdobte naberanou čipkou. Šiť peplum na elastický pás. Dekolt dokončite nariasenou čipkou. Šijeme pozdĺž bočnej línie, spodnú časť spracujeme lemovým švom s uzavretým rezom. Vložte elastický pás pozdĺž spodnej línie rukávu.

Sundress: predtým: spojte strednú časť s valcami, prišite pásik dokončovacej látky pozdĺž línie stredu prednej strany. Aplikáciu preveďte na oboch stranách ukončovacím pásikom.

Chrbát: strednú časť spojte s sudmi.

Pripojte detaily produktu, spracujte prieramky a krk červeným šikmým lemom. Ošetrite spodnú časť výrobku pásikom dokončovacej tkaniny. Šijeme pozdĺž línie krku pozdĺž rezov dokončovacích pásikov s vyšívaným vrkočom, červenou saténovou stuhou.

ekonomická kalkulácia

Materiál Cena Množstvo Cena

krep - satén 90 rub. 3 m. 270 rubľov.

šitie čipky 24 rub. 4 m. 56 rub.

vrkoč vyšívaný 8 rub. 5 m. 40 rubľov

saténová stuha 4 rub. 8 m. 32 rub.

dublirin 50 rub. 1 m. 50 cm 75 rubľov

nite (rôzne farby) 10 rub. 6 cievok 60 rub.

Celkom: 533 rubľov.

Na výrobu kostýmu sme minuli 533 rubľov. Tabuľka ukazuje, že hlavné náklady boli na nákup látky. Na nášivku bola použitá chlopňa, ktorá zostala pri šití ostatných výrobkov.

"Časťou scény, ktorá je v rukách hercov, je jeho kostým."
Francúzska encyklopédia.

„Kostým je druhou škrupinou herca, je to niečo neoddeliteľné od jeho bytia, je to viditeľná maska ​​jeho javiskového obrazu, ktorá s ním musí tak integrálne splývať, aby sa stala neoddeliteľnou...“
A. Ya. Tairov.

Divadlo je syntetická forma umenia, ktorá nám umožňuje nielen počuť, nielen si predstaviť, ale aj pozerať, vidieť. Divadlo nám dáva možnosť byť svedkom psychologických drám a účastníkom historických činov a udalostí. Divadlo, divadelné predstavenie vzniká úsilím mnohých umelcov, od režiséra a herca až po produkčného dizajnéra, pretože predstavenie je „kombináciou rôznych umení, z ktorých každé sa transformuje a získava novú kvalitu v tomto pláne. ... ".

Divadelný kostým je zložkou javiskového obrazu herca, sú to vonkajšie znaky a vlastnosti stvárňovanej postavy, ktoré napomáhajú hercovej reinkarnácii; prostriedky umeleckého vplyvu na diváka. Pre herca je kostým hmotou, formou inšpirovanou zmyslom roly.

Tak ako herec slovom a gestom, pohybom a zafarbením hlasu vytvára novú podstatu javiskového obrazu, vychádzajúc z toho, čo je dané v hre, tak umelec, vedený rovnakými údajmi hry, stelesňuje obraz prostriedky jeho umenia.

Počas stáročnej histórie divadelného umenia dizajn kulís neustále prechádzal evolučnou premenou spôsobenou nielen zdokonaľovaním javiskovej techniky, ale aj všetkými peripetiami štýlov a módy zodpovedajúcich čias. Záviselo to od charakteru literárnej štruktúry hry, od žánru dramaturgie, od sociálneho zloženia publika, od úrovne javiskovej techniky.

Obdobia stabilných architektonických štruktúr staroveku ustúpili primitívnym etapám stredoveku, ktoré zase ustúpili kráľovským dvorným divadlám so sebestačným luxusom predstavení. Boli to predstavenia v látke, v zložitých konštruktívnych kulisách, len v svetelnom dizajne, úplne bez dekorácie - na holom javisku, na pódiu, len na chodníku.

Úloha kostýmu ako „pohyblivej“ kulisy bola vždy dominantná. Zmenil sa pohľad na jeho „vzťah“ s hercom, dobou a históriou a napokon aj s priamym „partnerom“ – výtvarným stvárnením scény.

V procese progresívneho rozvoja umenia moderného divadla, inovácii réžie, premene spôsobu výtvarného stvárnenia rola kostýmového umenia neutícha – práve naopak. S rastom svojich mladších a flexibilnejších náprotivkov - kina a televízie - divadlo nepochybne získava pri hľadaní a trápení nové formy veľkolepých techník, presne také, ktoré by bránili a definovali postavenie divadla ako trvalej hodnoty nezávislého. druh umenia. Kostým ako najpohyblivejší prvok divadelnej kulisy sa v tomto hľadaní dostáva na prvé miesto.

Vysoká moderná kultúra divadelného umenia, jemná a hlboká režijná práca na hre a predstavení, talentovaný herecký prejav vyžaduje od kostýmového výtvarníka, ktorý inscenáciu navrhuje, obzvlášť dôkladný prienik do dramaturgie predstavenia, úzky kontakt s Smer. Moderný dizajn nie je kanonizovaný pravidlami. Je to individuálne a konkrétne v každom konkrétnom prípade. „Práca režiséra je neoddeliteľná od práce umelca. Najprv musí režisér nájsť svoje vlastné odpovede na základné scénografické problémy. Umelec zase musí cítiť úlohy prostredia a vytrvalo hľadať výrazové prostriedky ... “. Divadelný kostým vzniká najskôr vizuálnymi prostriedkami, teda skicou.

Každé predstavenie či predstavenie hrané na javisku má priniesť divákovi okrem iného aj estetický pôžitok z toho, čo videl. Preto je také dôležité obliecť postavy do vhodných divadelných kostýmov. Potom bude ľahké cítiť ducha éry diela, zachytiť charakter postáv a užiť si krásu podívanej.

Divadelné kostýmy od staroveku po súčasnosť

Oblečenie hercov prešlo zmenami od vzniku divadla ako takého až do súčasnosti:

• Snažili sa vytvárať javiskové obrazy v staroveku, experimentovali s improvizovanými materiálmi. Už v starovekej Číne a Japonsku bolo možné pozorovať hercov v špecifických odevoch, najmä na slávnostných či rituálnych predstaveniach. V Indii sa v staroveku pouliční tanečníci obliekali aj do nezvyčajných žiarivých sárí, aby upútali pozornosť. A s príchodom umenia maľovania prírodnými farbivami sa sárí nestalo monofónnym, ale vzorovaným.
• Je to „divadlo“, ktoré možno nazvať kostýmom, ktorý sa objavil v starovekom Grécku. Boli použité groteskné masky, mejkap a špeciálna farba oblečenia postáv naznačovala postavenie či povolanie hrdinu predstavenia.
• Potom sa európske divadlo začalo rozvíjať v ére feudalizmu, keď predstavenia, tzv. „záhady“ dávali potulní umelci – histrióny. Vzhľad postáv sa vyznačoval eleganciou a bohatými prvkami dekorácie.
• Renesancia so svojimi komédiami dell'arte sa vyznačuje grotesknosťou. Pomocou oblečenia, účesov a parochní, pokrývok hlavy, topánok, masiek a mejkapu vznikali vtipné obrázky, zdôrazňovali sa prirodzené črty konkrétnych postáv, ktoré zosmiešňovali alebo tešili diváka (efektné pierka na klobúkoch, farebné pantalóny).
• V nasledujúcich storočiach boli v každom európskom a východnom štáte rôzne divadlá, muzikálové salóny, opery, balety atď. Kostýmy boli čoraz rozmanitejšie, často sprostredkujúce ducha historickej doby, moderné oblečenie, oslobodzujúce sa od nadmernej štylizácie. Na javisku tak bolo možné vidieť ako divákovi známe obrazy, tak aj prerobené historické kostýmy, naturalistické zjavy a fantazijné líčenie.

Zvláštnu pozornosť si zaslúži ruský divadelný kostým. Za jeho prvých tvorcov sú považovaní bifľáci. Svetlé košele, kaftany s vlečkami, lykové topánky, čiapky so zvončekmi, nášivky na nohaviciach - všetky tieto prvky kostýmu pripomínali roľnícke oblečenie, ale v prehnanej satirickej podobe. Bolo tam cirkevné divadlo, kde boli účinkujúci oblečení v bielych šatách ako anjeli. V školských divadlách mali postavy svoje vlastné emblémy. A za cára Alexeja Michajloviča fungovalo profesionálne divadlo. Preto prvky panovníckeho kroja mali znaky kráľovskej dôstojnosti, používali sa zákazkové výšivky, ručne sa prišívali drahé kamene a nádherné ozdoby.

Druhy

Je obvyklé rozlišovať tri hlavné typy kostýmov:

1. Osobné. Tento typ je figuratívno-plastickou kompozíciou, ktorá je priamou súčasťou celého obrazu interpreta roly. V obleku je postava často úplne skrytá. Sám herec to uvedie do pohybu a nahovorí. Takže pre Pekingskú operu boli charakteristické obrazy posvätného chrámu alebo draka.
2. Hra. Je to prostriedok na transformáciu vzhľadu umelca a dôležitý prvok jeho hry. Premena postáv v rituálnych a folklórnych úkonoch podľa charakteru mala často základ v použití grotesky a paródie, napríklad keď sa mladí muži prezliekali za dievčatá.
3. Rovnako ako oblečenie postavy. Je to hlavný v moderných predstaveniach, často presne pripomínajúci tradičné oblečenie konkrétnej éry akčnej produkcie. Na základe takéhoto obleku vznikajú vyššie uvedené dva typy.

Vlastnosti krajčírstva

Šitie javiskových outfitov je pomerne zložitá a kreatívna činnosť. Je potrebné zvoliť správne materiály, doplnky, v prípade potreby vytvoriť výšivku a aplikáciu. Divadelný kostým musí spĺňať tieto požiadavky:

• Presne stelesniť éru, berúc do úvahy historické, etnografické, národné črty diela a postáv.
• Porovnajte zámer režiséra, aby vyjadril podstatu charakteru postavy.
• Dať efekt obrazu herca v očiach diváka.
• Je dobré sedieť podľa postavy jeho majiteľa.
• Pohodlie nosenia kostýmu (obzvlášť dôležité pre tanečníkov, ktorí sa zúčastňujú vystúpení).

Keďže kostýmový výtvarník vyberá divadelný kostým na konkrétnu rolu a konkrétneho herca, je potrebné ho ušiť na mieru. Na tento účel je lepšie obrátiť sa na profesionálov. Tailoring Factory je šijacia výroba v Moskve a Moskovskej oblasti, tu si môžete objednať ušitie kostýmu pre predstavenie, operu a balet. Vyberú sa najlepšie materiály a aplikujú sa moderné technológie šitia.

DIVADLO je syntetická forma umenia, ktorá nám umožňuje nielen počuť, nielen si predstavovať, ale aj pozerať, vidieť. Divadlo nám dáva možnosť byť svedkom psychologických drám a účastníkom historických činov a udalostí. Divadlo, divadelné predstavenie vzniká úsilím mnohých umelcov, od režiséra a herca až po produkčného dizajnéra, pretože predstavenie je „kombináciou rôznych umení, z ktorých každé sa v tomto pláne transformuje a získava novú kvalitu. ...”

Divadelný kostým je zložkou javiskového obrazu herca, sú to vonkajšie znaky a vlastnosti stvárňovanej postavy, ktoré napomáhajú hercovej reinkarnácii; prostriedky umeleckého vplyvu na diváka. Pre herca je oblek hmotou, formou inšpirovanou zmyslom roly.

Tak ako herec slovom a gestom, pohybom a zafarbením hlasu vytvára novú podstatu javiskového obrazu, vychádzajúc z toho, čo je dané v hre, tak umelec, vedený rovnakými údajmi hry, stelesňuje obraz prostriedky jeho umenia.

Počas stáročnej histórie divadelného umenia dizajn kulís neustále prechádzal evolučnou premenou spôsobenou nielen zdokonaľovaním javiskovej techniky, ale aj všetkými peripetiami štýlov a módy zodpovedajúcich čias. Záviselo to od charakteru literárnej štruktúry hry, od žánru dramaturgie, od sociálneho zloženia publika, od úrovne javiskovej techniky.

Obdobia stabilných architektonických štruktúr staroveku ustúpili primitívnym etapám stredoveku, ktoré zase ustúpili kráľovským dvorným divadlám so sebestačným luxusom predstavení. Boli to predstavenia v látke, v zložitých konštruktívnych kulisách, len v svetelnom dizajne, úplne bez dekorácie - na holom javisku, na pódiu, len na chodníku.

Úloha kostýmu ako „pohyblivej“ kulisy bola vždy dominantná. Zmenil sa pohľad na jeho „vzťah“ s hercom, dobou a históriou a napokon aj s jeho bezprostredným „partnerom“ – výtvarným stvárnením scény.

V procese progresívneho rozvoja umenia moderného divadla, inovácii réžie, premene spôsobu výtvarného stvárnenia rola kostýmového umenia neutícha – práve naopak. S rastom svojich mladších a flexibilnejších náprotivkov - kina a televízie - divadlo nepochybne získava pri hľadaní a mučení nové formy veľkolepých techník, presne také, ktoré by bránili a definovali postavenie divadla ako trvalej hodnoty nezávislého umenia. formulár. Kostým ako najpohyblivejší prvok divadelnej kulisy sa v tomto hľadaní dostáva na prvé miesto.

Vysoká moderná kultúra divadelného umenia, jemná a hlboká režijná práca na hre a predstavení, talentovaný herecký prejav vyžaduje od umelca, ktorý inscenáciu navrhuje, obzvlášť dôkladný prienik do dramaturgie predstavenia, úzky kontakt s Smer. Moderný dizajn nie je kanonizovaný pravidlami. Je to individuálne a konkrétne v každom konkrétnom prípade. „Práca režiséra je neoddeliteľná od práce umelca. Najprv musí režisér nájsť svoje vlastné odpovede na základné scénografické problémy. Umelec zase musí cítiť úlohy nastavenia a vytrvalo hľadať výrazové prostriedky ... “

Divadelný kostým vzniká najskôr vizuálnymi prostriedkami, teda skicou.

Odoslanie dobrej práce do databázy znalostí je jednoduché. Použite nižšie uvedený formulár

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

• 3
• 2. Antický divadelný kostým 5
• 7
• 9
• 5. Divadelný kostým Európy z XVIv. až po modernú dobu 13
• 17

1. Čo je to divadelný kostým?

Divadlo je druh umenia, ktoré nemôže existovať bez publika, takže všetko v ňom je určené na vonkajší efekt. Divadelný kostým (spolu s falošnými fúzmi a bradou, parochňami, kozmetikou, maskami) je súčasťou divadelného líčenia. Make-up (z francúzskeho "grimer" - "maľovať tvár") je umenie zmeniť vzhľad herca pre danú rolu a prostriedky na to potrebné.

Divadlo (a s ním aj make-up) sa zrodilo v hĺbke magického synkretického obradu staroveku. Ľudia v ňom videli liečivú silu, ktorá očisťuje telo od rôznych vášní.

Všetky národy sveta od pradávna majú sviatky spojené s každoročnými cyklami umierania a znovuzrodenia prírody. Tieto sviatky dali život divadlu.

Starí Gréci milovali a uctievali mladého boha Dionýza. Najvyššie božstvo - Zeus - uctievali len raz za štyri roky (olympijské hry); Athena - raz za dva roky; Apollo - raz za dva roky; ale Dionýzos trikrát do roka. Je to pochopiteľné: Dionýz bol bohom vinárstva.V marci prichádzali ľudia zo všetkých gréckych miest do Atén do Veľkej Dionýzie. Cez týždeň uzatvárali obchody, politické spojenectvá a len tak sa zabávali.

Sviatok sa začal dovozom dreveného Dionýza v člne na kolesách. Túto loď sprevádzal zbor satyrov-mámí. Preto bol vzhľad tohto božstva vždy spojený s obliekaním a karnevalovými kostýmami.

Vrchol prázdnin nastal na tretí deň. V tento deň boli Dionýzovi obetované samce, pretože sa narodil zo stehna Zeusa a bol spojený s čisto mužským princípom. Obeťami mohli byť kohúti, býci, ale najčastejšie kozy. Keď zabili takého „obetného baránka“, spievali smutnú „koziu pieseň“ – tragédiu. Potom sa kôš s črevami a falusom kozy vyniesol na pole, aby zúrodnil zem, postupne sa opíjal vínom zasväteným Dionýzovi. Po návrate domov nosiči koša niekoho pokarhali (napríklad miestneho politika). Pri vstupe do mesta zavesili pri mužovom dome komos (črevá kozy). Táto akcia, tento dav a tie veselé piesne. ktoré spievala, sa nazývali komos ("bujarosti"). Odtiaľ pochádza komédia. Pravda, existujú aj iné verzie vzniku divadla.

Čo sa týka oblečenia účastníkov sviatku, je známe, že išlo o zvieracie kože (pre väčšiu podobnosť so satyrmi s kozími nohami). Neskôr sa vďaka súťaži básnikov na javisku stali tragické a komické piesne samostatnými divadelnými žánrami.

2. Antický divadelný kostým

Oficiálny rok zrodu antického divadla je 534 pred Kristom. e .. keď bola tragédia Thespides prvýkrát predstavená na Veľkej Dionýzii.

V tom čase už bol divadelný kostým veľmi odlišný od každodenného. Umelec, ktorý bol najprv len jeden, vyšiel na pódium vo veľkolepých a jasných šatách. Na tvári mal masku spojenú s parochňou a vybavený kovovým hlasovým rezonátorom umiestneným pri ústach. Maska mala otvory na oči. Herec sa obul do koturnov na vysokej platforme. To všetko sa počítalo na odľahlosť diváka, pretože do gréckeho divadla pod holým nebom sa zmestilo až 17 000 ľudí. Svetlé šaty, veľká maska, vysoké topánky umožnili lepšie vidieť umelca. Rezonátor zosilnil zvuk (hoci akustika v starovekých divadlách bola taká, že slovo vyslovené šeptom v strede javiska sa dostalo do posledných radov).

Rôznych druhov masiek bolo až sedemdesiat. Boli potrebné aj preto, že všetky úlohy vtedy hrali muži. Herec menil masku v priebehu akcie, keď účinkoval v novej úlohe a keď divákovi ukázal zmenu nálady svojej postavy. Masky sprostredkovali typický prejav radosti, smútku, podvodu a pod. Boli vyrobené z dreva alebo sadry a následne namaľované.

Dôležitú úlohu zohrala farebná symbolika. Vládcovia mali purpurové rúcha; ich ženy boli biele; vyhnanci sú čierni alebo modrí; mladí muži sú červení; obyčajné ženy sú žlté; getre sú pestré.

Kostýmy boli sprevádzané trvalými atribútmi, aby diváci ľahšie spoznali postavu. Vládca mal žezlo, pútnik mal palicu, Dionýz mal kvitnúcu vetvu plyšu (thyrsus), Apollo mal luk a šípy, Zeus mal blesky atď.

Tragickí herci vďaka dlhým šatám a vysokým topánkam pôsobili monumentálne a pohybovali sa plynulo. Komici uprednostňovali kratšie a obtiahnuté outfity. Tí, ktorí zobrazujú satyrov a silenov, si zahákli chvost, nasadili zvieraciu masku (alebo rohy), čo vyčerpalo ich make-up. Takéto oblečenie im umožnilo voľne skákať po pódiu. V Ríme boli viac milované ľahké žánre a tragédie uprednostňovali komédiu. Tam na javisko vstúpila pantomíma. Cirkusové vystúpenia boli veľmi obľúbené. Diváci ľahšie vnímajú flyaky (z gréckeho „flyax“ – „vtip“) – paródie na tragédie a komédie; memy - malé scénky na každodenné témy; atellani - vtipné improvizácie.

Kostým sa priblížil každodenným outfitom. Pravda, farebná symbolika bola stále zachovaná. V mímoch už neboli masky a diváci mohli pozorovať mimiku hercov. V týchto predstaveniach hrali nielen muži, ale aj ženy, čo umocňovalo erotický moment a vytváralo zámienky na verejný striptíz.

Grécko-rímsky divadelný kostým ovplyvňoval javiskový kostým aj v neskorších dobách.

3. Divadelný kostým európskeho stredoveku

V stredoveku ľudia nezabudli ani na antiku a takmer každý kresťanský sviatok sprevádzalo klaunské predstavenie naruby: koruna – šašo, čiapka – kráľ.

Histrions sa potulujú po Európe (z latinského "histrio" - "herec"), ktorí sa vo Francúzsku nazývajú žongléri, v Anglicku - miništranti. v Nemecku - shpilmans a v Rusku - bifľoši. Sú divadlom jedného herca, lebo vedia hrať, spievať. chodiť po lane, žonglovať. Kostým týchto ľudí bol vhodný pre akrobaciu: trikoty, mäkké topánky, krátka tunika s opaskom, vedľa histriónov cestovali tuláci - "trampi": polovzdelaní školáci, seminaristi, kňazi-rasstrigi. Hranice ako také ešte neexistovali a jazyky sa príliš nerozchádzali od jedného základu, čo umožnilo porozumieť všade. Oblečenie Vagantov sa nelíšilo od každodenného kostýmu stredovekej osoby.

Vaganti hrali zábavné predstavenia - comu, v ktorých bola cirkev zosmiešňovaná v podobe Matky blázna, kvôli ktorej predstavitelia oficiálneho náboženstva prenasledovali umelcov.

Aj cirkev však potrebovala zvýšiť spektákl svojich „zobrazení“, a tak priamo v chráme vzniká liturgická dráma. Epizódy z Biblie inscenovali samotní kňazi vo svojich uniformách. No čím viac sa moment hry v týchto inscenáciách zvyšoval, tým boli medzi múrmi kostola „neslušnejšie“. Preto sa predstavenie prenieslo najskôr na verandu a potom na námestie. Objavil sa nový žáner – zázrak („zázrak“), predstavujúci zázračné udalosti spojené s Pannou Máriou a Ježišom. Na základe zázraku sa objavuje záhada („tajomstvo“) – divadelná akcia, vzdialene spojená s biblickým príbehom.

Postavami mystérií mohli byť nielen Panna Mária, Ježiš a biblickí proroci, ale aj čerti, diabol a spravodliví mešťania. Preto sa kostým stal rozmanitejším. Kristus, apoštoli, proroci konali v rúchach kléru. A samotnými predstaviteľmi týchto rolí mohli byť kňazi alebo mnísi (to nebolo zakázané). Obchodníci, remeselníci a iní hrdinovia mali odevy mešťanov svojej doby. Fantastické postavy oblečené v zložitom kostýme s nepostrádateľnými atribútmi, ako sú rohy, chvosty a pre diablov vlčia alebo barania koža. Masky mohli mať personifikované choroby (mor, kiahne), hriechy (obžerstvo, lichotenie), cnosti (pravdivosť, nádej).

Často sa však nevyrábali špeciálne kostýmy (rovnako ako kulisy). Celkom stačilo nápisov „Raj“, „Peklo“, „Boh otec“ atď.

Svetlo bolo hlavnou kategóriou stredovekej estetiky, takže najdôležitejšie božské postavy boli v bielych a lesklých šatách a diablovi potomkovia boli v čiernom. Vera bola oblečená v bielych šatách. Nádej je zelená. Láska je v červenom.

Rovnako ako v antickom divadelnom kostýme mali hrdinovia konštantné atribúty: Viera mala kríž, Nádej mala kotvu, Láska mala srdce alebo ružu, Lakomosť mala peňaženku, Rozkoš mal pomaranč, Flattery mal líščí chvost.

Divadelný kostým sa postupom času čoraz viac podobal bežnému domácemu a ten domáci sa stával viac divadelným.

4 Divadelný kostým krajín juhovýchodnej Ázie

Synkretizmus primitívnej kultúry (neoddeliteľnosť rôznych druhov kultúrnej činnosti) sa prejavil v magických mestách, kde v hĺbke mytológie vedľa seba koexistovali tance, hudba, maľba, divadelné predstavenia atď. e. tanec a pantomíma boli súčasťou uctievania bohov v starovekej Indii. Eposy „Mahab-harap“ a „Ramayana“, ktoré sa objavili v 1. tisícročí pred Kristom. tvorili základ klasického divadla Indie a krajín, kde existuje hinduizmus, pretože tieto eposy sú posvätnými knihami tohto náboženstva. V rôznych formách (aktuálne divadlo, bábkové divadlo, tieňové divadlo, balet) stále existujú inscenácie epizód Mahábháraty a Rámájany. A teraz používajú veľmi svetlé, drahé kostýmy, masky alebo masky podobný make-up. Nie sú tu žiadne scenérie, všetko sa odohráva v lone majestátnej prírody.

V Číne sa divadlo vyvinulo aj z tanečných a akrobatických prvkov, ktoré boli súčasťou posvätných obradov. V 7. – 10. storočí sa rozšírili tance na historické a hrdinské témy popretkávané malými divadelnými medzihrami. Prvýkrát sa objavili špeciálne divadelné kostýmy.

V 13. – 14. storočí dosiahlo čínske divadlo svoj vrchol v podobe zaju. Toto zmiešané predstavenie zahŕňalo hudbu, spev, tanec a akrobaciu.

Neboli tam žiadne kulisy, takže hra hercov a ich vzhľad boli obzvlášť dôležité. Všetky úlohy hrali muži. Najžalostnejšie scény sa odohrávali spomalene.

Všetky hnutia boli prísne kanonizované. Samotní herci o sebe hovorili ako o hrdinoch, určovali čas a miesto konania.

V nasledujúcich storočiach zaju nezomrelo, ale premenilo sa do rôznych podôb. Tak ako predtým, na javisku je málo rekvizít a to, čo tam je, sa používa polyfunkčne: stôl je hora, aj oltár a vyhliadková plošina; čierne vlajky symbolizujú vietor, červené vlajky oheň atď. Farebná symbolika sa používa v líčení a kostýme: červená je odvaha, biela je podlosť, žltá je farba cisára.

V Japonsku sa tiež rozvinulo niekoľko druhov divadelných predstavení, ktoré prežili dodnes. Kan'ami Kpetsugu a jeho syn Zeami na prelome 14. a 15. storočia vytvorili divadlo Noh z nesúrodých piesňových a tanečných čísel. Sami boli herci, inscenátori, autori a skladatelia (a Zeami bol tiež teoretikom divadla No). Ich práca prišla v čase, keď bol spôsob života Japoncov výrazne divadelný: vládcami sa stali ľudia nízkeho pôvodu a ako všetci nováčikovia sa obzvlášť držali rituálu. Túžba po predstavení vyvolala masívne čajové obrady alebo oslavy obdivovania čerešňových kvetov (čo je samo o sebe absurdné, pretože pre Japoncov je to niečo veľmi osobné). Divadelné predstavenia No sa stali povinnou súčasťou obradov a recepcií. Často mnohohodinové (a dokonca aj mnohodňové) predstavenia na historické a hrdinské témy začali meniť priebeh skutočných udalostí (napríklad priebeh dovolenky). Vládcovia si na obrazy javiskových hrdinov zvykli. A šógun (vojenský diktátor) Tojotomi Hideyoshi, z veľkého fanúšika divadla No, sa zmenil na jeho herca a v roku 1593 počas trojdňového predstavenia na počesť narodenia svojho syna exceloval v desiatich hrách. Hral sám seba.

Divadlo Noh má charakteristické črty, ktoré už boli spomenuté: nedostatok kulís, pomalosť pohybov na dôležitých miestach predstavenia, mužskí herci. Scény sa odvíjali pred obrazom borovice na zlatom pozadí. Obraz borovice sa vrátil k najstarším agrárnym magickým symbolom a zlato zosobňovalo slnko a bohyňu Amaterasu. Okrem toho takéto pozadie symbolizovalo splynutie s prírodou, najmä preto, že akcie mohli presiahnuť javisko a spojiť sa so skutočnou atmosférou recepcie alebo dovolenky.

Kostým herca do 17. storočia. sa nelíšil od domáceho kroja šľachty (neskôr sa začal vyrábať podľa rytín a vzoriek XIV-XV storočia). Existovala tradícia - dať hercom drahé šaty (rozšírilo sa to najmä za čias divadelného vládcu Tojotomiho Hidejošiho). V dôsledku toho sa divadlo Noh stalo aj múzeom luxusného oblečenia. V súčasnosti je najstarším odevom zachovaným v divadle šógunov kostým z 15. storočia.

V roku 1615 vládca Ieyasa Totkugawa vydal kódex upravujúci farby a kvalitu látok. Zákaz drahých materiálov sa dotkol aj divadla Noh. Režiséri začali hľadať iné obrazné vyjadrenie, už nie kvôli drahým outfitom. Látka kostýmu sa zmenila na symbolickú knihu, ktorá sa dala naplniť informáciami. Teraz štylizovaný kanonický kostým divadla No odhaľuje charakteristický obraz. Všetko v nej je symbolické – od strihu až po výšivku.

Farba hrá dôležitú úlohu. Biela znamená vznešenosť, červená patrí bohom a krásam, bledomodrá sa spája s vyrovnanosťou, hnedá znamená nízky rod.

Muži hrajú v divadle Noh, preto sú masky a fanúšikovia dôležité. Veľkosť, sfarbenie, vzor, ​​pohyb vejára charakterizuje postavu. Masky sú jednoduché, ale veľmi elegantné. Sú vyrobené z cyprusu, opatrené základným náterom a brúsené. Maska sa nosí cez parochňu a zapína sa pomocou viazačiek. Najmenšia zmena osvetlenia alebo uhla mu dáva nový výraz. Existujú masky rôznych pohlaví, veku, postáv a dokonca aj fantastických tvorov.

5. Divadelný kostým Európy zo 16. storočia. až po modernú dobu

V období renesancie sa v Európe začali objavovať prvé stále súbory pracujúce na profesionálnej báze. Túlajú sa alebo sú prikované na jednom mieste. Ľudia sa radšej smejú ako plačú, a tak herci nasadili svetlo, komické inscenácie, frašky a paródie. Potulní komedianti pokračovali v stredovekých tradíciách a (ako celá kultúra renesancie) sa obrátili k antickému dedičstvu. Po prvé, takéto skupiny vznikli v Taliansku. Práve tam sa objavilo divadlo commedia dell „arte“, teda „komédia masiek“.

V commedia dell'arte bola jedna scenéria - mestská ulica. Neexistovalo žiadne trvalé sprisahanie: opýtal sa ho vedúci súboru (kapokomiko) a herci improvizovali ako v starovekom atellani. Tie triky a poznámky, ktoré spôsobili súhlas verejnosti, sa opakovali a upevňovali. Akcia sa točila okolo lásky mladých, ktorej prekážali starí a pomáhalo služobníctvo.

Najdôležitejšiu úlohu v komédii zohrala maska. Čierna maska ​​​​môže pokrývať celú tvár alebo jej časť. Niekedy to bol zalepený nos alebo hlúpe okuliare. Hlavná vec je vytvoriť typickú tvár, poukazujúcu na karikatúru.

Na kostým boli kladené dve požiadavky: pohodlnosť a komickosť. Preto na jednej strane pripomínal odev stredovekých histriónov a na druhej strane bol doplnený o charakteristické vtipné detaily.

Napríklad Pantalone – skúpy obchodník – bol vždy so svojou peňaženkou. Jeho oblečenie pripomínalo oblečenie benátskych obchodníkov: sako previazané vlečkou, krátke nohavice, pančuchy, plášť a okrúhla čiapka. Ale jedného dňa umelec vyšiel na pódium v ​​širokých červených nohaviciach, publiku sa tento charakteristický detail páčil. Výsledkom bolo, že Pantalone a jeho nohavice splynuli v mysliach ľudí natoľko, že časom sa z osobného mena sformoval bežný názov pantaloonov pre dámsku spodnú bielizeň.

Doktor - ďalší hrdina commedia dell'arte - predniesol paródiu na vedca a vyšiel v čiernom akademickom rúchu s čipkovaným golierom a manžetami. V rukách mal vždy papierové zvitky na hlave – široký klobúk.

Kapitán, vojenský dobrodruh, mal na sebe kyrys, kvety, čižmy nad kolená s obrovskými ostrohami, krátky plášť a klobúk s pierkami. Jeho trvalým atribútom bol drevený meč, ktorý sa v prípade potreby určite zapichol do pošvy.

Najpočetnejšími a najrozmanitejšími postavami boli sluhovia (zanni), pretože práve oni pôsobili ako „motory pokroku“ v milostnom konflikte. Pulcinella mala obrovský zahnutý nos; Harlekýn má toľko nášiviek, že časom boli štylizované do šachovnicového vzoru, Pierrot má širokú bielu košeľu s prestrihnutým golierom a dlhé nohavice; Brighella má širokú bielu blúzku a zodpovedajúce nohavice.

Toto ľudové divadlo bolo vďaka svojim ľahkým zápletkám oveľa populárnejšie ako divadlá Shakespeare alebo Lope de Vega, ktoré dávali prednosť nie spektáklu, ale hĺbke obsahu. Pre diela Lope de Pega sa napríklad objavil aj názov „komédie s plášťom a mečom“, pretože umelci v nich hrali naozaj len v každodenných pre autora moderných kostýmoch.

Súbežne s vandrovkami existovali aj dvorné divadlá, ktorých kostýmy sa rátali na stovky a vyznačovali sa vysokou cenou. Boli zobrazené oddelene od predstavenia hry.

V XVII-XVIII storočia sa vývoj divadelného kostýmu znížil. K slovu sa dostáva, dialógy pohltia všetku pozornosť divákov. Na javisku je použitý domáci kostým zbavený historizmu. Toto je obvyklý módny oblek tej doby. Pravda, v hre neuvidíte otrhaného sluhu ani zle oblečenú pastierku. Kostým je ušľachtilý. To je dôsledok teatralizácie života. Divadlo je tak hlboko zakorenené v každodennom živote, že sa stiera hranica „divadelný – každodenný“ kostým. Treba poznamenať, že v storočiach XVII-XVIII divadelný kostým často určuje módu (čo už bolo spomenuté v predchádzajúcich kapitolách). Herci sa obliekali lepšie a extravagantnejšie ako ostatní. V 17. storočí pre Monsieur a la fashion boli na javisku usporiadané špeciálne miesta pre divákov, kde nielen sledovali predstavenie, ale diskutovali o umelcoch a ich kostýmoch.

V 17. – 18. storočí prekvitali syntetické žánre: opera, balet, cirkus (hoci boli známe už skôr). Tieto žánre zahŕňajú dramatickú akciu, kaskadérske kúsky, hudbu, spev a jasný, nezabudnuteľný make-up. Syntetické žánre absorbujú prvky každodenného života. Napríklad spoločenský tanec kankán (francúzsky kankán) s charakteristickým vysokým pohadzovaním nohami vznikol okolo 70. rokov 18. storočia. Postupne sa stáva neodmysliteľnou súčasťou operety – žánru hudobnej a tanečnej komédie.

V 19. storočí ožil záujem o históriu vo všetkých oblastiach kultúry. Vďaka archeologickým a literárnym nálezom bolo možné dozvedieť sa viac o kostýmoch staroveku, preto sa v historických hrách po prvýkrát pokúšajú reprodukovať pôvodné kostýmy minulosti.

Rozvoj kritického realizmu ako metódy umenia a spôsobu vnímania sveta vedie k tomu, že na javisku už neuvidíte sedliacke ženy v peignoiroch a naškrobených sluhov. V divadle sa objavujú také rekvizity, o ktorých sa predtým v slušnej spoločnosti nahlas nespomínalo. Hľadanie nových foriem výrazu vedie k naturalistickému líčeniu. Tu je to, čo V. A. Gilyarovsky píše vo svojich esejach o Moskve a Moskovčanoch:

"V roku 1879 bol chlapec v Penze s divadelným kaderníkom Shishkovom študent, malý Mitya. Bol obľúbencom podnikateľa Penzy V.P. Dalmatova, ktorý mu dovolil dotýkať sa iba jeho vlasov a naučil ho líčiť." “ a prikázal Miťovi pripraviť holohlavú parochňu, ktorá na predstavenie priniesla mokrý bovinný močový mechúr a začala ho Dalmatovovi dávať na upravené vlasy... Herci s plačom herca utekali do šatne.

- Si veľký umelec, Vasilij Panteleymonovič, ale dovoľ mi, aby som bol umelcom svojho vlastného podnikania! - zdvihol hlavu na vysokého V.P. Dalmatova, ospravedlňoval sa chlapec. - Len to skúste!

V.P. Dalmatov nakoniec súhlasil - a o pár minút neskôr bola bublina natiahnutá, miestami premastená a oči B.P. Dalmatova žiarili potešením: úplne nahá lebka s čiernymi očami a výrazným mejkapom pôsobila silným dojmom.

Trend modernizmu dáva na prelome 19. a 20. storočia vznik novým formám divadelného kostýmu. Outfity sú štylizované, menia sa na symboly. Európania objavili divadlá východu, čo sa odrazilo aj na scénickom kostýme.

V prvých rokoch po októbrovej revolúcii divadelný kostým úplne zmizol, nahradili ho „montérky“, keďže herci sú „pracovníci divadelnej práce“.

Postupne sa všetko vrátilo do starých koľají a na javisko sa opäť vrátil divadelný kostým. Navyše v XX storočí. bolo také nové divadlo ako divadlo módy. Prehliadky modelov sa zmenili na hudobno-dramatické predstavenia. A tak sa domáci kostým napokon otvorene „zosobášil“ s divadlom.

Zoznam použitej literatúry

2. Gelderod M. de. Divadlo: So.: Per. od fr. / Post-min. L. Andrea, p. 653-694

3. Komentujte. S. Shkunaeva; Umelecké N. Aleksejev. -M.: Umenie, 2003. -717 s.

4. Divadlo De Filippo E.: Hry: Per. s tým. /Neskôr. L. Veršinina, s. 759-775; Umelecké N. Aleksejev. -M.: Umenie, 2007. -775 s.

Podobné dokumenty

Charakteristika divadelného kostýmu. Požiadavky na jeho náčrt. Analýza obrazu ľudskej postavy; techniky a nástroje používané v grafických zdrojoch. Využitie grafických techník divadelného kostýmu pri tvorbe odevnej kolekcie.

semestrálna práca, pridaná 28.09.2013


Antropomorfologická charakteristika postavy. Analýza historického kostýmu. Vlastnosti mužského obleku. Zdôvodnenie výberu základného modelu. Umelecká a kompozičná analýza analógových modelov. Výpočet a konštrukcia výkresov navrhovaného výrobku.

semestrálna práca, pridaná 28.04.2015


Kostým ako objekt sociokultúrnej analýzy: história vývoja, význam, úloha, funkcie a typológia. Opis semiotických aspektov kostýmu, atribútov, doplnkov, sociálneho a psychologického základu. Analýza symboliky kostýmu „dandy“.

práca, pridané 24.01.2010


Pojem dekoratívneho umenia ako výrazového prostriedku divadelného umenia. Hlavné výrazové prostriedky divadelného umenia: úloha kulisy, kostýmu, mejkapu pri odhaľovaní obrazu postáv, vizuálna a optická úprava predstavenia.

kontrolné práce, doplnené 17.12.2010


História európskeho kroja 19. storočia. Rozdiely medzi empírovým štýlom a klasicizmom. Charakteristika zloženia kroja. estetický ideál krásy. Hlavné typy oblečenia, jeho dizajnové riešenia. Spoločenské šaty, topánky, klobúky, účesy, šperky.

ročníková práca, pridaná 27.03.2013


Historická charakteristika dynastie Ming. Národné čínske oblečenie ako súčasť histórie Číny. Ornament, ozdobné prvky a symbolika kroja. Zásady výtvarného stvárnenia kostýmu, jeho originalita. Všeobecná povaha farebnej schémy.

abstrakt, pridaný 23.05.2014


Úloha a význam kostýmu v starovekom svete: Egypt, Grécko, Rimma, India a Byzancia. Kroj západnej Európy v stredoveku. Renesančný kostým: taliansky, španielsky, francúzsky, nemecký, anglický. Empírový štýl a romantizmus, rokoko a baroko.

ročníková práca, pridaná 26.12.2013


Charakteristika vývoja barokového kostýmu, estetický ideál krásy a vlastnosti látok, farieb, ozdôb. Zvláštnosti dámskych a pánskych kostýmov, obuvi a účesov. Charakteristiky rezného systému barokovej éry, ich odraz v modernej móde.

ročníková práca, pridaná 12.7.2010


Všeobecná charakteristika kultúry a umenia Japonska. Opis princípov formovania japonského kostýmu. Druhy kimon, strih a doplnky. Moderná interpretácia japonského kostýmu v dielach známych dizajnérov (J. Galliano, A. McQueen, Is. Miyake, M. Prada).

abstrakt, pridaný 01.07.2013


Dámske účesy Byzantskej ríše. Charakteristické črty mužských účesov XV-XVI storočia. Vývoj dvorného kostýmu v Rusku v 18. storočí. "Románsky" štýl v modernom ženskom obraze. Vplyv šľachtického kroja na kroje iných vrstiev.