आधुनिक दर्शनीय स्थल. दृश्यावली जो कार्यक्रम को विशिष्ट बनाती है

सीनोग्राफी दृश्यावली, वेशभूषा, श्रृंगार, प्रकाश व्यवस्था है - वह सब कुछ जो प्रोडक्शन डिजाइनर निर्धारित करता है, यानी पर्यावरण की स्थानिक परिभाषा। सीनोग्राफी भी प्लास्टिक की संभावनाएं हैं ढालना, जिसके बिना स्थानिक रचना असंभव है नाट्य कार्य(अभिनेता इस स्थान का एक मॉड्यूल है, वह इसे सेट और परिभाषित करता है; भले ही अभिनेता इस समय मंच पर नहीं है, दर्शक अभी भी जानता है कि उसे इस माहौल में कैसा होना चाहिए)। इसके अलावा, सीनोग्राफी यह दर्शाती है कि निर्देशक मिस-एन-सीन ड्राइंग में क्या बनाता है: ये मंच की तकनीकी क्षमताएं और अंतरिक्ष के वास्तुशिल्प डिजाइन हैं। रंगमंच में, कला के किसी अन्य रूप की तरह, प्रौद्योगिकी और मंच की तकनीकी क्षमताएं महत्वपूर्ण भूमिका निभाती हैं, जो मानव शरीर की गतिशीलता के अनुरूप होनी चाहिए। थिएटर भवन की वास्तुशिल्प निश्चितता की भूमिका भी महत्वपूर्ण है, मुख्य रूप से मंच की स्थलाकृति, आंतरिक और बाहरी डेटा। प्रदर्शन का स्थानिक समाधान तैयार करने में निर्देशक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। यह मंच कार्य के मुख्य उद्देश्यों को निर्धारित करता है और स्थानिक निश्चितता के मापदंडों को निर्धारित करता है। और यदि थिएटर कलाकार हमेशा मुख्य रूप से कलात्मक डिजाइन के माध्यम से काम की सामग्री को प्रकट करने के मुद्दों से चिंतित था, तो निर्देशक स्थानिक समाधानों के पूरे सेट के पूर्ण कवरेज में प्रदर्शन की दृश्यता से चिंतित था। और यह समझ में आता है, क्योंकि नाटकीय छवि के दृश्य महत्व का मुख्य बोझ अभिनेता द्वारा प्रदर्शन के मिस-एन-सीन चित्रण के निर्माण के माध्यम से वहन किया जाता है। मिस-एन-सीन निर्देशक का मुख्य व्यावसायिक कार्य है। लेकिन यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि कभी-कभी कलाकार द्वारा प्रस्तावित प्रदर्शन का स्थानिक समाधान, या एक निश्चित तकनीकी तकनीक, मंच कार्य के संपूर्ण समाधान को निर्धारित करती है। और मुख्य बात यह है कि ये सभी व्यावसायिक रूप से परिभाषित क्षण (जैसे मिसे-एन-सीन, अंतरिक्ष का कलात्मक समाधान और तकनीकी निश्चितता) इतनी बारीकी से जुड़े हुए हैं कि उनमें से प्रत्येक की भूमिका को परिभाषित करना मुश्किल है। सीनोग्राफी में समन्वयवाद शामिल है नाट्य कला, जिसके परिणामस्वरूप रचनात्मकता के स्थानिक रूपों को संश्लेषित करना संभव है। यह सामग्री की संपूर्ण श्रृंखला के उपयोग के माध्यम से विकसित होता है स्थानिक दृश्यदृश्य सौंदर्य बोध के नियमों पर आधारित कला। साथ ही, दृश्यात्मक कल्पना का निर्माण किया जाता है और यह काफी हद तक व्यक्तिगत स्थानिक कलाओं की उपलब्धियों और विकास के स्तर से निर्धारित होता है। कला के "सरल" रूपों का विकास, जिसमें एक निश्चित प्रकार की स्थानिक प्रकार की सामग्री हावी होती है, दृश्यांकन के लिए एक प्रकार का "प्रयोगशाला प्रयोग" है, जिसके परिणामस्वरूप इसके पहलुओं में से एक का परीक्षण किया जाता है। इसलिए, थिएटर कलाकार और निर्देशक अपनी खोजों में अक्सर स्थानिक कला रूपों की तकनीकों का उपयोग करते हैं: पेंटिंग, ग्राफिक्स, वास्तुकला, आदि।

नाटक "ऑल बॉयज़ आर फ़ूल्स!" के लिए दृश्यावली बनाते समय या फिर एक दिन!” उत्पादन सामग्री के विषय और विचार को ध्यान में रखा गया। जब आपने सेट का डिज़ाइन देखा, तो आप तुरंत प्रदर्शन की अंत-से-अंत गतिविधि को पढ़ सकते थे: मंच के बैकस्टेज को कार्टून चरित्रों के आकार की बहु-रंगीन गेंदों से सजाया गया था। प्रोसेनियम पर दो स्क्रीन लगाई गईं, जिनकी मदद से तकनीकी समूह ने पहले से तैयार किए गए टेम्पलेट्स को फेंकते हुए कार्रवाई के दृश्य को बदल दिया। पृष्ठभूमि पर पेंसिल से बनी बाड़ के रूप में एक कैनवास था जिस पर लिखा था "सभी छोटे बच्चे मूर्ख हैं!"

थियेट्रिकल सजावटी कला(अक्सर सीनोग्राफी भी कहा जाता है) एक प्रकार की दृश्य रचनात्मकता है जो नाटकीय प्रदर्शन के कलात्मक डिजाइन से जुड़ी होती है, यानी, रंगमंच मंचजीवित वातावरण जिसमें नाटकीय या संगीत-नाटकीय कार्य के नायक अभिनय करते हैं, साथ ही इन नायकों की उपस्थिति भी। नाट्य और सजावटी कला के मुख्य तत्व - दृश्यावली, प्रकाश व्यवस्था, सहारा और सहारा, वेशभूषा और अभिनेताओं का श्रृंगार - एक एकल कलात्मक संपूर्ण का निर्माण करते हैं जो अर्थ और चरित्र को व्यक्त करता है मंचीय कार्रवाई, प्रदर्शन की अवधारणा के अधीन। नाट्य और सजावटी कला का रंगमंच के विकास से गहरा संबंध है। कलात्मक डिजाइन के तत्वों के बिना मंच प्रदर्शन एक अपवाद है।

प्रदर्शन के कलात्मक डिजाइन का आधार कार्रवाई के स्थान और समय को दर्शाने वाले दृश्य हैं। दृश्यों का विशिष्ट रूप (रचना, रंग योजना, आदि) न केवल क्रिया की सामग्री से निर्धारित होता है, बल्कि इसकी बाहरी स्थितियों (क्रिया के दृश्य में अधिक या कम तीव्र परिवर्तन, दृश्यों की धारणा की ख़ासियत) से भी निर्धारित होता है। से सभागार, इसे कुछ निश्चित प्रकाश व्यवस्था आदि के साथ संयोजित करना)।

मंच पर सन्निहित छवि प्रारंभ में कलाकार द्वारा एक स्केच या मॉडल में बनाई जाती है। स्केच से लेआउट और मंच डिजाइन तक का मार्ग दृश्यों की सबसे बड़ी अभिव्यक्ति और इसकी कलात्मक पूर्णता की खोज से जुड़ा हुआ है। सर्वश्रेष्ठ थिएटर कलाकारों के काम में, एक स्केच न केवल मंच डिजाइन के लिए एक कार्य योजना के रूप में महत्वपूर्ण है, बल्कि कला के एक स्वतंत्र कार्य के रूप में भी महत्वपूर्ण है।

ए. एम. वासनेत्सोव। एन. ए. रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा "द लीजेंड ऑफ द इनविजिबल सिटी ऑफ काइटज़ एंड द मेडेन फेवरोनिया" के लिए सेट डिज़ाइन स्केच। 1906.

रंगमंच के दृश्यइसमें मंच की रूपरेखा, एक विशेष पर्दा (या पर्दे), मंच के मंच स्थान का दृश्य डिजाइन, पंख, पृष्ठभूमि आदि शामिल हैं। मंच पर रहने वाले वातावरण को चित्रित करने के तरीके विविध हैं। रूसी यथार्थवादी कला की परंपराओं में, सचित्र समाधान प्रमुख हैं। इस मामले में, लिखित तलीय तत्वों को आम तौर पर निर्मित तत्वों (वॉल्यूमेट्रिक या अर्ध-वॉल्यूमेट्रिक) के साथ एक समग्र छवि में जोड़ा जाता है, जिससे कार्रवाई के एकल स्थानिक वातावरण का भ्रम पैदा होता है। लेकिन सजावट का आधार आलंकारिक और अभिव्यंजक संरचनाएं, प्रक्षेपण, पर्दे, स्क्रीन आदि के साथ-साथ प्रतिनिधित्व के विभिन्न तरीकों का संयोजन भी हो सकता है। हालाँकि, मंच प्रौद्योगिकी का विकास और चित्रण के तरीकों का विस्तार, सामान्य रूप से नाटकीय और सजावटी कला के आधार के रूप में चित्रकला के महत्व को नकारता नहीं है। प्रत्येक व्यक्तिगत मामले में छवि पद्धति का चुनाव मंच पर सन्निहित कार्य की विशिष्ट सामग्री, शैली और शैली द्वारा निर्धारित किया जाता है।

पात्रों की वेशभूषा, कलाकार द्वारा बनाया गयादृश्यों के साथ एकता में, नाटक में पात्रों की सामाजिक, राष्ट्रीय और व्यक्तिगत विशेषताओं को चित्रित करें। वे दृश्यों के रंग में मेल खाते हैं (समग्र चित्र में "फिट"), और बैले प्रदर्शन में उनके पास एक विशेष "नृत्य" विशिष्टता भी होती है (उन्हें आरामदायक और हल्का होना चाहिए और नृत्य आंदोलनों पर जोर देना चाहिए)।

प्रकाश की सहायता से, न केवल दृश्यों की स्पष्ट दृश्यता (दृश्यता, "पठनीयता") प्राप्त की जाती है, बल्कि चित्रण भी किया जाता है अलग - अलग समयसाल और दिन, भ्रम प्राकृतिक घटनाएं(बर्फ, बारिश, आदि)। रंगीन प्रकाश प्रभाव मंचीय कार्रवाई के एक निश्चित भावनात्मक माहौल की भावना पैदा कर सकते हैं।

एस. वी. ओबराज़त्सोव की गुड़िया उनकी ओर से विभिन्न संख्याएँ: "त्यापाया (" एम. पी. मुसॉर्स्की द्वारा "लोरी") और एक उंगली पर एक गुड़िया का सिर ("हम आपके साथ बैठे थे...")।

नाटकीय और सजावटी कला समग्र रूप से कलात्मक संस्कृति के विकास के साथ बदलती है। यह प्रमुख कलात्मक शैली, नाटकीयता के प्रकार, ललित कला की स्थिति के साथ-साथ थिएटर परिसर और मंचों की व्यवस्था, प्रकाश तकनीक और कई अन्य विशिष्ट ऐतिहासिक स्थितियों पर निर्भर करता है।

उच्च स्तररूस में नाटकीय और सजावटी कला का विकास 19वीं और 20वीं शताब्दी के मोड़ पर हुआ, जब उत्कृष्ट कलाकार थिएटर में आए। वे प्रदर्शन के डिजाइन में महान चित्रात्मक संस्कृति लाए, मंच कार्रवाई की कलात्मक अखंडता, इसमें ललित कला की जैविक भागीदारी, नाटक और संगीत के साथ दृश्यों, प्रकाश व्यवस्था और वेशभूषा की एकता की मांग की। ये वे कलाकार थे जिन्होंने पहले ममोनतोव ओपेरा (वी. एम. वासनेत्सोव, वी. डी. पोलेनोव, एम. ए. व्रुबेल, आदि) में काम किया, फिर मॉस्को आर्ट थिएटर (वी. ए. सिमोव, आदि), इंपीरियल म्यूजिकल थिएटर (के. ए. कोरोविन, ए. हां) में काम किया। गोलोविन), डायगिलेव का "रूसी सीज़न" (ए.एन. बेनोइस, एल.एस. बक्स्ट, एन.के. रोएरिच, आदि)। नाटकीय और सजावटी कला के विकास के लिए एक शक्तिशाली प्रोत्साहन उन्नत निर्देशन (के.एस. स्टैनिस्लावस्की, वी.आई. नेमीरोविच-डैनचेंको, वी.ई. मेयरहोल्ड, कोरियोग्राफर एम.एम. फ़ोकिन और ए.ए. गोर्स्की) की रचनात्मक गतिविधियों द्वारा प्रदान किया गया था।

ई. ज़मोइरो. सेंट्रल के प्रदर्शन के लिए दृश्यों का मॉडल बच्चों का थिएटरएस. वी. मिखालकोव के नाटक पर आधारित "स्केट्स"। 1976.

सोवियत नाट्य और सजावटी कला में, रूसी नाट्य और सजावटी क्लासिक्स की परंपराएँ जारी और विकसित हुईं। उनका नवाचार नाटक के विकास और समाजवादी यथार्थवाद के रंगमंच से संबंधित नए विचारों, विषयों, छवियों के कारण था। इस कला के उत्कृष्ट उस्ताद कलाकार एफ . अन्य सभी प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता के साथ, नाटकीय और सजावटी कला (थिएटर और मंच कार्रवाई के साथ इसके संबंध के माध्यम से) हमारे देश में जीवन की संपूर्ण विविधता, हमारे समाज के इतिहास को प्रतिबिंबित करती है।

कलाकार फिल्मों, टेलीविजन नाटकों, विविध और सर्कस प्रदर्शनों के निर्माण में भी भाग लेते हैं। शानदार कलाओं को लाखों दर्शक देखते हैं और इसलिए यहां कलाकार की भूमिका बहुत महत्वपूर्ण है।

काम का अंत -

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स्थानिक प्लास्टिक = दृश्य - ग्राफिक्स, पेंटिंग, मूर्तिकला

और कला के प्रकार ऐतिहासिक रूप से स्थापित रूप हैं रचनात्मक गतिविधिजीवन को कलात्मक रूप से साकार करने की क्षमता होना.. कला के प्रकार.. स्थानिक प्लास्टिक बढ़िया ग्राफ़िक्सचित्रकारी मूर्तिकला..

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अवधारणाओं को परिभाषित करें: गाना बजानेवालों, गायन समूह, तिकड़ी, युगल, एकल
-गाना बजानेवालों (प्राचीन यूनानी χορός - भीड़) - गायन समूह, गायन समूह, संगीत समूहगायकों (कोरिस्ट, गाना बजानेवालों) से मिलकर; संयुक्त ध्वनि

है। बाख - जीवन और रचनात्मक पथ (शैलियां, पॉलीफोनी, धर्मनिरपेक्ष और सनकी सिद्धांत)
हर संगीत में - बाख बाख के संगीत में कुछ सार्वभौमिक, सार्वभौमिक, सर्वव्यापी है। जैसा कि कवि जोसेफ ब्रोडस्की ने लिखा है, "हर संगीत में बाख है, हम में से प्रत्येक में भगवान है।" बाख - खुलासा

रचना का इतिहास
पहला भाग बाख के कोथेन में रहने के दौरान रचा गया था, और दूसरा - जब बाख ने लीपज़िग में सेवा की थी। दोनों भागों को हस्तलिखित रूप में व्यापक रूप से प्रसारित किया गया था, लेकिन संग्रह टाइपोग्राफ़िक रूप से था

काम का मतलब
कार्य का शीर्षक उपयोग का सुझाव देता है कुंजीपटल उपकरण(आजकल ये रचनाएँ आमतौर पर पियानो या हार्पसीकोर्ड पर बजायी जाती हैं), जिसकी ट्यूनिंग से संगीत एक जैसा बजने लगता है

कहानी
निर्माण कार्य 1163 में फ़्रांस के लुई VII के अधीन शुरू हुआ। इतिहासकार इस बात पर असहमत हैं कि कैथेड्रल की नींव में पहला पत्थर किसने रखा - बिशप मौरिस डी सुली या पोप अलेक्जेंडर III

इतालवी ललित कला में उच्च पुनर्जागरण का सौंदर्यशास्त्र (लियोनार्डो दा विंची, राफेल सैंटी, माइकल एंजेलो बुओनारोटी)
राफेल सैंटी, माइकलएंजेलो बुओनारोटी)। इस युग की कला, सभी प्रकार के विशेष रूपों के साथ, सबसे महत्वपूर्ण सामान्य विशेषता है - वास्तविकता के सच्चे प्रतिबिंब की इच्छा।

लियोनार्डो दा विंसी
लियोनार्डो दा विंची, शायद पुनर्जागरण के अन्य सभी आंकड़ों से अधिक, होमो यूनिवर्सल की अवधारणा के अनुकूल हैं। यह असाधारण व्यक्ति सब कुछ जानता था और सब कुछ करने में सक्षम था - वह सब कुछ जो वह जानता था और करना जानता था

राफेल सैंटी
फ्लोरेंस में उफीजी गैलरी के कलात्मक खजानों में काले रंग की टोपी पहने एक असामान्य रूप से सुंदर युवक का चित्र है। टकटकी लगाने के तरीके को देखते हुए, यह स्पष्ट रूप से एक आत्म-चित्र है - जब वे इसी तरह दिखते हैं

माइकलएंजेलो बुओनारोटी
और पुनर्जागरण का तीसरा पर्वत शिखर माइकल एंजेलो बुओनारोटी है। उनका लंबा जीवन हरक्यूलिस का जीवन है, उन करतबों की एक श्रृंखला जो उन्होंने शोक और पीड़ा सहते हुए किए, जैसे कि उनकी अपनी स्वतंत्र इच्छा से नहीं, बल्कि मजबूर होकर

सिस्टिन चैपल की पेंटिंग
विडंबना यह है कि उनका सबसे पूरा काम मूर्तिकला नहीं, बल्कि सचित्र था - सिस्टिन चैपल की छत की पेंटिंग। हालाँकि माइकल एंजेलो ने अनिच्छा से इस कमीशन को स्वीकार कर लिया, लेकिन उन्होंने खुद को पेंटिंग नहीं माना

वी.ए/. मोजार्ट - जीवन और रचनात्मक पथ
बचपन के वर्ष. वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट का जन्म 27 जनवरी, 1756 को साल्ज़बर्ग शहर में हुआ था। आल्प्स में स्थित साल्ज़बर्ग उस समय की राजधानी थी

प्राचीन ग्रीस की मूर्तिकला में आदर्श। मायरोन "डिस्कोबोलस", फ़िडियास "एथेना द वर्जिन इन द पार्थेनन", अलेक्जेंडर "एफ़्रोडाइट ऑफ़ मिलो", "नाइके ऑफ़ सामो-फ़्रांसिया"
प्राचीन यूनानी मूर्तिकलाप्राचीन संस्कृति की एक आदर्श रचना है, जो कई मायनों में अभी भी एक आदर्श और उदाहरण के अर्थ को बरकरार रखती है। के बारे में आधुनिक विचार यूनानी मूर्तिकलाअधूरा, अनेक

सिंथेटिक कला और छवि. सिंथेटिक कला के प्रकार
सिंथेटिक कलाएँ कलात्मक रचनात्मकता के वे प्रकार हैं जो एक कार्बनिक संलयन या विभिन्न प्रकार की कलाओं के अपेक्षाकृत मुक्त संयोजन का प्रतिनिधित्व करते हैं

हागिया सोफिया का आंतरिक भाग। कीव. पैलेस ऑफ़ वर्सेलिस। मिरर गैलरी
19वीं-20वीं शताब्दी की संस्कृति में कला का संश्लेषण इस तथ्य के कारण हुआ कि दृश्य तकनीकों का उपयोग न केवल चित्रकला और मूर्तिकला में, बल्कि साहित्य और संगीत में भी किया जाने लगा। आजकल इसका प्रचलन व्यापक है

रंगमंच और स्क्रीन दृश्य कल्पना के दो पहलू हैं। तातारस्तान गणराज्य के थिएटर
रंगमंच (ग्रीक - मुख्य अर्थ - चश्मे के लिए जगह, फिर - तमाशा, मैं देखता हूं, मैं देखता हूं) - कला का एक शानदार रूप, जो विभिन्न कलाओं का संश्लेषण है - साहित्य, संगीत, नृत्यकला

सिनेमा का इतिहास
सिनेमैटोग्राफी - (ग्रीक आंदोलन से, लिखना, चित्र बनाना; यानी, "रिकॉर्डिंग आंदोलन") मानव गतिविधि की एक शाखा जिसमें चलती छवियों का निर्माण शामिल है। सिनेमा का इतिहास शुरू होता है

तातारस्तान गणराज्य के थिएटर
अलमेतयेव्स्क तातार स्टेट ड्रामा थिएटर पता: तातारस्तान गणराज्य, अलमेतयेवस्क, लेनिन सेंट, 37 निदेशक: इस्मागिलोवा फरीदा बागिसोवना मुख्य निदेशक

अभिनय की ललित कलाएँ
यह एक अभिनेता द्वारा अपने स्वयं के मनोभौतिक तंत्र का उपयोग करके, एक जीवित छवि बनाने की कला है जो समय और स्थान में मौजूद होती है। अभिनय की कला, अनुष्ठान प्रदर्शनों में उत्पन्न होती है

ओपेरा से लेकर आपरेटा तक
ओपेरा (इतालवी ओपेरा - व्यवसाय, काम, काम; अव्यक्त ओपेरा - काम, उत्पाद, काम, ओपस से बहुवचन) - संगीत और नाटकीय कला की एक शैली जिसमें सामग्री संगीत के माध्यम से सन्निहित है

जैकोपो पेरी
16वीं शताब्दी के अंत में, ऐसे कार्यों में मोनोफोनिक गायन (मोनोडी) को शामिल करने के प्रयासों ने ओपेरा को उस पथ पर ला दिया जिस पर इसका विकास तेजी से आगे बढ़ा। इन प्रयासों के लेखकों ने इन्हें संगीतमय कहा है

गाथागीत ओपेरा
अर्ध-ओपेरा, अर्ध-ओपेरा, ओपेरा "आधा" (अर्ध-लैटिन आधा) - अंग्रेजी बारोक ओपेरा का एक रूप जो मौखिक नाटक (शैली) नाटक, गायन को जोड़ता है

ललित कलाओं और अभिव्यंजक साधनों का विकास। वॉल्यूमेट्रिक - स्थानिक, ललाट, गहरी - स्थानिक रचनाएँ
मानव रचनात्मक गतिविधि दो अलग-अलग दिशाओं में विकसित होती है, एक तरफ, आसपास की दुनिया की कुछ वस्तुओं और घटनाओं को ड्राइंग, मूर्तिकला या रंग में प्रतिबिंबित करने की इच्छा व्यक्त करती है।

ललाट रचना
ललाट रचना का सबसे सरल प्रकार समतलीय रचना है। समतलीय संरचना की एक विशिष्ट विशेषता एक ही तल में दो दिशाओं में रूप तत्वों का वितरण है

वॉल्यूमेट्रिक रचना
यह एक ऐसा रूप है जिसकी सतह अपेक्षाकृत बंद होती है और इसे सभी तरफ से देखा जा सकता है। वॉल्यूमेट्रिक कंपोजीशन8 हमेशा पर्यावरण के साथ इंटरैक्ट करता है। बुधवार मई

गहराई-स्थानिक रचना
यह भौतिक तत्वों, आयतनों, सतहों और स्थान के साथ-साथ उनके बीच के अंतराल से बना है। इस प्रकारवास्तुकला में रचनाओं का उपयोग हर जगह किया जाता है: समाधान से लेकर

कलाकार और कलात्मक प्रौद्योगिकियाँ: पेंसिल से कंप्यूटर तक । कला रिले. सिनेमा, टेलीविजन, वीडियो, कंप्यूटर, एनीमेशन
कार्टून की दुनिया में एक क्रांति 1995 में हुई, जब पिक्सर की टॉय स्टोरी सामने आई - पहला पूर्ण लंबाई वाला कार्टून जो पूरी तरह से कंप्यूटर पर बनाया गया था। नई टेक्नोलॉजी

उपसंहार. एनिमेशन का भविष्य
अगले दशक में, हम दो कलाओं - सिनेमा और 3डी एनीमेशन - का विलय और एक नया प्रभाग देखेंगे। यह प्रक्रिया पहले से ही चल रही है: सुपरहीरो वाली ब्लॉकबस्टर फिल्में, सरल कहानियाँऔर बहुत कुछ विशेष

फोटोग्राफी कला की दृश्य संभावनाओं का विस्तार है। कैमरा, फोटोग्राफ, छवि. स्थान, विषय और शूटिंग कोण चुनना
प्रत्येक प्रकार की कला की अपनी भाषा होती है और वह अपनी संकेतों की प्रणाली के माध्यम से कलात्मक जानकारी प्रदान करती है। फोटोग्राफी में, ऐसे चित्रात्मक चिह्न प्रकाश, छाया और स्वर हैं। प्रकाश एवम् छाया। से दृश्य

सही रचना
तो, एक अनुभवहीन व्यक्ति अपने हाथों में एक वीडियो कैमरा रखता है और एक वस्तु से दूसरी वस्तु तक, ऊपर और नीचे, बाएँ और दाएँ सब कुछ फिल्माता है। इसका परिणाम क्या है? आपको संभवतः कम से कम एक बार ऐसा करना पड़ा होगा

पृष्ठभूमि, परिप्रेक्ष्य का चयन करना
एक तस्वीर जिसमें आप अंतरिक्ष की गहराई को महसूस कर सकते हैं, तुरंत ध्यान आकर्षित करती है। ऐसी तस्वीरें ज्यादा अच्छी लगती हैं और देखने में ज्यादा दिलचस्प होती हैं। योजनाओं का प्रत्यावर्तन - अग्रभूमि, मध्य और दूरी

कठपुतली थिएटर कलाकार

कठपुतली थिएटर कलाकार
हम कठपुतली थिएटर को एक उज्ज्वल तमाशा, कल्पना और अद्भुत परिवर्तनों से भरा हुआ मानते हैं। क्या यह अन्यथा हो सकता है? आख़िरकार, एक गुड़िया की शुरुआत एक चमत्कार से होती है - इसमें निर्जीव सामग्री "जीवित" होती है। इसकी ताकत

कलाओं का संश्लेषण, शैलियों, शैलियों, कला के प्रकारों का मिश्रण, रूप, रंग, रचना के साथ प्रयोग तेजी से आम होते जा रहे हैं।
3) शैली की प्रवृत्तियाँ प्रकट होती हैं - प्रतीकवाद, आधुनिकतावाद, अवंत-गार्डे शैली आंदोलन - फ़ौविज़्म, अभिव्यक्तिवाद, क्यूबिज़्म, भविष्यवाद, अमूर्तवाद, अतियथार्थवाद और इसी तरह। 4)सा

पुनर्जागरण की एक विशिष्ट विशेषता है
***संस्कृति की धर्मनिरपेक्ष प्रकृति और मनुष्य और उसकी गतिविधियों में रुचि ***प्राचीन संस्कृति में रुचि ऐसी प्रतीत होती है, मानो उसका "पुनरुद्धार" हो रहा हो

उन्होंने रूपक छवियां बनाईं जो अपनी उत्कृष्टता में मनोरम थीं और दुनिया को महिला सौंदर्य का आदर्श दिया
उपनाम "बॉटिसेलो" - "बैरल" - उनके बड़े भाई जियोवानी से विरासत में मिला था। शुक्र का जन्म, 1482 वसंत, 1477-1478 उफीजी गैलरी, फ़्लो

अपने काम से, उन्होंने गॉथिक से नई कला में परिवर्तन में योगदान दिया, मनुष्य और उसकी दुनिया की महानता का महिमामंडन किया
ऊर्जावान काले और सफेद मॉडलिंग प्लास्टिक भौतिकता आंकड़ों की त्रि-आयामीता स्मारकीयकरण और

प्रारंभिक मध्ययुगीन वास्तुकला
एक प्रेरित गॉथिक स्थान के बजाय - दृष्टिगत रूप से स्पष्ट सीमाओं वाला एक तर्कसंगत स्थान। गॉथिक तनाव के बजाय टूटी हुई लाइनें- सख्त, ज्यादातर मामलों में आयताकार

संघटन। रचना के बुनियादी नियम
रचना के बुनियादी नियम प्रसिद्ध सोवियत ग्राफिक कलाकार ई.ए. किब्रिक द्वारा तैयार किए गए थे। लेख में "ललित कलाओं में रचना के वस्तुनिष्ठ नियम।" (जर्नल "प्रश्न के दर्शन", 196

रूसी परिदृश्य कलाकार
1) मनुष्य प्रकृति से अटूट रूप से जुड़ा हुआ है, वह उसका हिस्सा है। और प्रकृति का आनंद, उसमें अपनी भावनाओं, अपने आदर्शों के साथ सामंजस्य खोजने की इच्छा हमेशा लेखकों के लिए रचनात्मकता का स्रोत रही है।

संगीत शैलियों की अवधारणा
संगीत शैली एक बहु-मूल्यवान अवधारणा है जो विभिन्न शैलियों और प्रकारों की विशेषता बताती है संगीत रचनात्मकताउनकी उत्पत्ति के संबंध में, साथ ही उनके निष्पादन और धारणा के तरीके और शर्तों के संबंध में। अवधारणा

प्राथमिक और माध्यमिक संगीत शैलियाँ
ओ.वी. सोकोलोव ने शैली वर्गीकरण के सिद्धांत का प्रस्ताव रखा, जिसमें शैलियों के विभाजन को कलात्मक और व्यावहारिक में और उनके विभाजन को संगीत (वाद्य) में जोड़ा गया।

शैलियों का विकास
घुड़सवार सेना मार्च (तेज़, आमतौर पर जी पर), जवाबी, गंभीर और शोक मार्च सैन्य मार्च से "अलग" हो जाती है। शैली विकास का एक अन्य तरीका पहले से ही परतों का इंटरैक्शन, संश्लेषण है

यूरोपीय पेशेवर संगीत की मुख्य शैलियाँ
टोकाटा प्रस्तावना की लंबाई काफ़ी अधिक है। XVI में - XVIII सदियों("प्राचीन" टोकाटा) इसकी विशेषता मार्ग-गुण और मधुर-वर्णन समय के विकल्प के साथ एक स्वतंत्र रचना थी।

सीनोग्राफी की कला

विकासशील कला के व्यावहारिक हितों ने कलात्मक प्रदर्शनों, एनीमेशन कार्यक्रमों, प्रदर्शनी कार्यक्रमों आदि की योजना बनाने और विकसित करने के लिए मूल आधार के रूप में प्राकृतिक दृश्यों को आगे बढ़ाया है; इसकी समग्र अस्पष्टता केवल प्राकृतिक गतिविधियों के आगे के विकास की आवश्यकता की पुष्टि करती है;

इसलिए, कलात्मक अवधारणा को समझने और समझने और लेखक द्वारा कल्पना की गई स्थानिक समाधानों के कार्यान्वयन के लिए दृश्यावली का महत्व स्पष्ट है।

सीनोग्राफी में किसी भी उत्पादन की कलात्मक अखंडता के एक आवश्यक तत्व के रूप में मंच डिजाइन शामिल होना चाहिए; इसे प्रदर्शन में अभिनेताओं और प्रतिभागियों की गतिविधियों और प्रदर्शन के दौरान प्रदर्शन के सिद्धांतों को तैयार करना चाहिए। प्रत्येक कार्यक्रम का स्थानिक डिज़ाइन चुने हुए विषय और समग्र रूप से प्रदर्शन की संरचना में प्रतिभागियों के कार्यों के अनुरूप होना चाहिए।

सबसे सामान्य परिभाषा में scenography- यह एक प्रकार की कलात्मक गतिविधि है, जो किसी प्रदर्शन, प्रदर्शन, सृजन के डिजाइन पर आधारित है आलंकारिक छवि, जिसे दर्शकों और प्रतिभागियों द्वारा एक संपूर्ण रूप में माना जाता है, जो मंच के रूप, समय और स्थान में विद्यमान है।

सीनोग्राफी किसी प्रदर्शन को बनाने और मंचित करने के कलात्मक और तकनीकी साधनों का विज्ञान है। सभी कलात्मक, सजावटी और तकनीकी साधन जो किसी मंच कार्यक्रम या कार्यक्रम के कार्यान्वयन में उपयोग किए जाते हैं, उन्हें दृश्यावली द्वारा ऐसे तत्वों के रूप में माना जाता है जो प्रदर्शन का एक कलात्मक रूप बनाते हैं।

व्यावहारिक दृष्टि से दर्शनशास्त्र सृजन है दृश्य छविदृश्यावली, प्रकाश व्यवस्था, मंचन उपकरण के साथ-साथ स्क्रिप्ट की भावना के अनुसार अभिनेताओं के लिए वेशभूषा बनाकर कार्यक्रम स्थल को डिजाइन करके प्रदर्शन। वास्तव में, किसी प्रदर्शन का मंचन करना और दर्शकों और प्रतिभागियों के बीच सही धारणा बनाना इस बात पर निर्भर करता है कि दृश्यांकन की प्रक्रिया में प्रदर्शन के तत्वों को कितने व्यवस्थित रूप से चुना जाता है।

सेट डिज़ाइन का अर्थ है सेट, वेशभूषा, प्रकाश व्यवस्था और उत्पादन तकनीकों के माध्यम से एक दृश्य छवि बनाना। विशेष मनोरंजन और जटिल प्रभावों के लिए मंच तंत्र के काम की आवश्यकता होती है, जो पर्दे के पीछे या जनता के सामने दृश्यों को बदल सकता है।

सीनोग्राफी प्राचीन ग्रीस में दिखाई दी, संभवतः "सीनोग्राफी" शब्द से ली गई है, जिसे एक समय में "सीन पेंटिंग" के रूप में समझा जाता था, अर्थात, मंच के डिजाइन में "सुरम्य दृष्टिकोण" का उपयोग।

पहली नज़र में, सीनोग्राफी शब्द की संरचना ही कलाकार की डिज़ाइन गतिविधियों की विशिष्टता पर संकेत देती है। लेकिन अगर हम दृश्यावली को केवल कलात्मक डिज़ाइन के रूप में समझते हैं, तो सवाल उठता है: क्या दृश्यावली केवल दृश्यों और अभिनेताओं की वेशभूषा तक ही सीमित है।

हालाँकि, प्रदर्शन और प्रदर्शन की संरचना में सीनोग्राफी का महत्व व्यापक है, क्योंकि दृश्यों पर जो दर्शाया गया है, वह सबसे पहले, एक निश्चित तरीके से अभिनेताओं के कार्यों का विकास है। स्थानिक वातावरणप्रस्तुति के दायरे में. यानी वास्तव में, सीनोग्राफी एक शब्द है जिसकी सामग्री शब्द के प्रत्यक्ष अर्थ से कहीं अधिक व्यापक है। प्रदर्शन की संरचना में दृश्यावली की सामग्री का अर्थ न केवल दृश्यों और वेशभूषा पर छवि है, बल्कि अभिनेताओं की मंचन गतिविधियाँ भी हैं। इसके अलावा, यह सब प्रस्तुति के विषय द्वारा निर्धारित ढांचे के भीतर किया जाता है।

इसके अलावा, यदि दृश्यों का निर्माण मुख्य रूप से विभिन्न कलाकारों, चित्रकारों आदि की सामग्री का अध्ययन करके किया जाता है, तो समग्र रूप से सेट डिज़ाइन को प्रदर्शन की संपूर्ण स्थानिक व्याख्या पर ध्यान केंद्रित करना चाहिए, हर उस चीज़ पर जो मंचन के दृश्य महत्व को बनाती है छवि। प्रतिनिधित्व का सबसे सरल उदाहरण होगा क्रिसमस ट्री. उदाहरण के लिए, अचानक प्रकट होना सेलफोनसांता क्लॉज़ नए साल की छुट्टियों में बनाई गई छवि को नष्ट कर देगा। हालाँकि, यदि आप इसे एक मजाक के रूप में प्रस्तुत करते हैं और कार्यक्रम को इसके अनुकूल बनाते हैं आधुनिक सुविधाएँ, यह दर्शकों द्वारा पर्याप्त रूप से माना जाएगा और कोई अप्रिय प्रभाव पैदा नहीं करेगा।

दर्शनीय स्थल के प्रकार

दृश्यावली तीन प्रकार की हो सकती है:

1. विस्तृत दृश्यावली,
2. लैकोनिक सीनोग्राफी;
3. न्यूनतम दृश्यावली.

दर्शनीय स्थल के प्रकार

विस्तृत दृश्यावलीशामिल पूर्ण पंजीकरणअपने कार्यक्रम के अनुसार प्रदर्शन के लिए स्थान, वेशभूषाधारी प्रतिभागी, एक विस्तृत स्क्रिप्ट, प्रत्येक चरण में सभी अभिनेताओं की समन्वित गतिविधियाँ और प्रदर्शन के दौरान बाहरी प्रभावों की पूर्ण अनुपस्थिति। परिवेश के पूर्ण अनुपालन में गंभीर विषयगत प्रदर्शनों का मंचन करने के लिए इसी तरह के तरीकों का उपयोग किया जाता है।

लैकोनिक दर्शनीय स्थलमतलब सामान्य डिज़ाइनविस्तार पर ध्यान दिए बिना प्रदर्शन के स्थान, अभिनेताओं की खराब विस्तृत वेशभूषा, अभिनेताओं की मुख्य पंक्तियों के साथ एक सामान्य स्क्रिप्ट। अधिकतर इस स्तर के प्रदर्शन और प्रदर्शन कॉर्पोरेट और सामाजिक कार्यक्रमों में आयोजित किए जाते हैं।

न्यूनतम दृश्यावलीइसमें प्रदर्शन स्थल को सजाए बिना, वेशभूषा के बिना अभिनेताओं का प्रदर्शन शामिल है। वास्तव में, न्यूनतम दृश्यावली संगीत संगत के साथ तैयार मंच पर एक प्रदर्शन है। इस दृष्टिकोण का उपयोग सबसे सरल प्रदर्शनों और प्रस्तुतियों में किया जाता है, उदाहरण के लिए, प्रस्तुतकर्ता - अभिनेता - दर्शक - प्रतियोगिताओं - पुरस्कारों की योजना के अनुसार आयोजित एनीमेशन कार्यक्रम।

सामान्य तौर पर, सामाजिक-सांस्कृतिक सेवाओं और पर्यटन के क्षेत्र में, सीनोग्राफी शब्द व्यापक हो गया है। अक्सर यह शब्द एनीमेशन कार्यक्रमों के प्रमुख बिंदुओं में से एक को संदर्भित करता है - घटना का स्थानिक समाधान।

आधुनिक दर्शनीय स्थल

कुछ हद तक, यह शब्द अपनी सामग्री में सीमित है क्योंकि इसके लिए कोई एकीकृत सैद्धांतिक आधार नहीं है यह दिशा. इस तथ्य के बावजूद कि नाट्य कला का यह घटक रंगमंच और प्रदर्शन की शुरुआत से ही अस्तित्व में है, दृश्यावली किसी भी विस्तृत सैद्धांतिक अवधारणा का दावा नहीं कर सकती है। इसके विपरीत, दृश्य-चित्रण के व्यावहारिक पहलुओं पर विस्तार से काम किया जाता है।

आधुनिक परिदृश्य में तत्वों की एक प्रणाली शामिल है जो प्रदर्शन और प्रदर्शन की प्रभावशीलता सुनिश्चित करती है।

इसके बावजूद, बहुत से लोग दृश्यकला से तात्पर्य केवल सजावटी कला से रखते हैं। यह बुनियादी तौर पर ग़लत है. शब्द "सजावटी कला" का शाब्दिक अर्थ है "सजाना, किसी चीज़ को सजाना" और यह मुख्य रूप से नाटकीय सजावट तकनीकों को संदर्भित करता है। दरअसल, नाट्य दृश्यकला तकनीकों ने प्रदर्शन और प्रदर्शन से संबंधित अन्य सभी क्षेत्रों में दृश्यलेखन की नींव रखी। उदाहरण के लिए, एक मनोरंजन सेवा ने घटनाओं को डिजाइन करने के लिए नाटकीय तरीकों और दृष्टिकोणों को उधार लिया। हालाँकि, सजावटी कला केवल नाट्य परिदृश्य का एक हिस्सा है, न कि इसकी पूर्ण सामग्री।

इसलिए, दृश्यावली न केवल किसी प्रदर्शन, प्रदर्शन, प्रदर्शन या अन्य कार्यक्रम के लिए स्थल की सजावट है, क्योंकि, वास्तव में, यह इसके सार के अनुरूप नहीं है, बल्कि केवल स्थल को तैयार करने की एक निश्चित विधि की विशेषता है। सीनोग्राफी में शामिल हैं सौंदर्यपरक स्थितिएक विशिष्ट विषय जिसके अंतर्गत प्रदर्शन या प्रस्तुति हो रही हो। नतीजतन, सीनोग्राफी के उपयोग की सार्वभौमिकता बहुत सशर्त है, क्योंकि सीनोग्राफी में क्या शामिल होना चाहिए यह प्रदर्शन की अवधारणा पर निर्भर करता है।

निर्देशक की योजना अभिनेताओं और दर्शकों को प्रदर्शन की स्थानिक और विषयगत निश्चितता को ध्यान में रखने के लिए मजबूर करती है। इसलिए, पर्यावरण की शास्त्रीय धारणा बदल जाती है, जिससे दर्शकों और प्रतिभागियों के लिए कार्रवाई में शामिल होना संभव हो जाता है। यह किसी भी प्रदर्शन और प्रदर्शन की सफलता की कुंजी है, जो दृश्यावली द्वारा सुनिश्चित की जाती है।

सामने आने वाली नई चुनौतियों और अवसरों की स्वीकृति आधुनिक रंगमंचऔर अभिनय कौशल, शायद सीनोग्राफी की संभावनाओं का विस्तार करके। कलात्मक छवियों के दृश्य महत्व, प्रस्तुति और मंचन की अखंडता, साथ ही दर्शकों के साथ अभिनेताओं और प्रतिभागियों के बीच संचार की अन्तरक्रियाशीलता विकसित करना आवश्यक है।

यदि दृश्यावली के माध्यम से कोई स्थान बनाया गया है जहां कलात्मक उत्पादन की कार्रवाई होती है, तो यह पहले से ही दर्शकों और प्रतिभागियों की छवि और धारणा को प्रभावित करता है। क्योंकि कलात्मक गतिविधिबहुत विशिष्ट है और उदाहरण के लिए, फिल्मों में अभिनेताओं के अभिनय से भिन्न है, तो दृश्यावली को अभिनेताओं को उनके अभिनय कौशल का एहसास कराने में मदद करनी चाहिए।

इसलिए, संगठित प्रदर्शन की विशिष्ट विशेषताओं के कारण, दृश्यावली में उत्पादन के कलात्मक संदर्भ पर स्पष्ट निर्भरता होती है। नतीजतन, सीनोग्राफी का विकास इस तथ्य के कारण होता है कि सीनोग्राफी के प्रत्येक नए कलात्मक उत्पादन के साथ, नए कार्य निर्धारित होते हैं, और हर बार वे अधिक जटिल और व्यापक हो जाते हैं।

व्यवहार में, थिएटर, सर्कस और अन्य कलात्मक समूहों की गतिविधियों में सेट डिजाइनर का एक अलग पद केवल बड़े सांस्कृतिक संस्थानों और सामाजिक-सांस्कृतिक सेवाओं में आवंटित किया जाता है। स्टेज डिजाइनर का पद छुट्टियों और कार्यक्रमों के आयोजन में शामिल बड़े उद्यमों में भी उपलब्ध है, जिनमें बड़े होटल, सेनेटोरियम आदि शामिल हैं। इस मामले में, सेट डिज़ाइनर एक प्रकार का प्रोडक्शन टेक्नोलॉजिस्ट, आर्किटेक्ट, डिज़ाइनर और प्रदर्शनों और कार्यक्रमों का इंजीनियर होता है।

लघु में रचनात्मक टीमेंसेट डिज़ाइनर के कार्य उनके सदस्यों और अभिनेताओं द्वारा स्वयं किए जाते हैं। उनके कार्यों में प्रदर्शन के लिए आवंटित स्थान का डिज़ाइन और डिज़ाइन किए गए उत्पादन की समग्र कलात्मक छवि का निर्माण दोनों शामिल हैं।

सबसे ज्यादा जो बाहर किया जाता है कला समूह, यह दृश्यों का उत्पादन है। साथ ही, कोई भी पेशेवर कलाकार दृश्यों का कलात्मक डिज़ाइन करने में सक्षम है यदि डिज़ाइन के लक्ष्य और उद्देश्य उसके सामने स्पष्ट रूप से निर्धारित हों। हालाँकि, कलाकार केवल विचारों को कलात्मक सजावट के रूप में मूर्त रूप देकर दृश्यों की भावना को व्यक्त करने में सक्षम नहीं होगा। इसलिए, दृश्यांकन केवल अंतरिक्ष के सजावटी डिजाइन में शामिल नहीं है। हालाँकि, दृश्यांकन के लिए नई माँगें लगातार सामने रखी जा रही हैं, हर बार एक नए उत्पादन की कलात्मक अखंडता बनाने में कलाकार की भूमिका का अलग-अलग आकलन किया जाता है, जिसके बदले में कलाकार को एक निश्चित विशेषज्ञता और इस प्रकार की गतिविधि पर ध्यान केंद्रित करने की आवश्यकता होती है।

कलात्मक प्रदर्शनों और प्रदर्शनों के पोस्ट-प्रोडक्शन के मुख्य तत्वों में से एक दृश्यावली और दृश्यात्मक तैयारी है। किसी प्रोडक्शन की कलात्मक छवि बनाने में सीनोग्राफी की भूमिका बहुत बड़ी होती है, क्योंकि सीनोग्राफी प्रौद्योगिकियों के माध्यम से दर्शकों में कलात्मक छवि की सही धारणा बनाने के लिए प्रत्येक प्रदर्शन और प्रदर्शन के लिए एक स्थानिक समाधान बनाया जाता है।

सीनोग्राफी में प्रस्तुतियों, प्रदर्शनों, प्रदर्शनों, प्रस्तुतियों और अन्य कार्यक्रमों के लिए कलात्मक और तकनीकी साधनों का उपयोग शामिल है। व्यावहारिक कार्यान्वयन के दृष्टिकोण से, सीनोग्राफी एक ज्वलंत दृश्य छवि का निर्माण है जिसे दर्शकों और प्रतिभागियों द्वारा माना जाता है।

इस प्रयोजन के लिए, एनीमेशन कार्यक्रम के स्थान के दृश्यों, प्रकाश व्यवस्था और मंचन उपकरणों के कलात्मक डिजाइन का उपयोग किया जाता है। इसके अलावा, सीनोग्राफी में अभिनेताओं के लिए वेशभूषा का निर्माण शामिल है, जो उत्पादन की कलात्मक अवधारणा के अनुरूप होना चाहिए।

सेट डिज़ाइन उत्पादन की अवधारणा के अनुपालन के सिद्धांत पर आधारित है। साथ ही, सीनोग्राफी की पद्धति और उपकरण व्यक्तिगत तत्वों को बनाने के लिए अनुकूलित किए जाते हैं जो समग्र रूप से एक जटिल रचनात्मक अवधारणा बनाते हैं, और कलात्मक अखंडता सीनोग्राफी का सार और मुख्य लक्ष्य है।

लेख की सामग्री

दृश्यावली,एक प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता जो किसी प्रदर्शन के डिज़ाइन और उसकी दृश्य और प्लास्टिक छवि के निर्माण से संबंधित होती है जो मंच समय और स्थान में मौजूद होती है। एक प्रदर्शन में, सीनोग्राफी की कला में वह सब कुछ शामिल होता है जो अभिनेता (दृश्यावली) को घेरता है, वह सब कुछ जिसके साथ वह निपटता है - नाटक, अभिनय (भौतिक गुण) और वह सब कुछ जो उसके चित्र पर है (पोशाक, श्रृंगार, मुखौटा, उसकी उपस्थिति में परिवर्तन के अन्य तत्व) ). उसी समय पर अभिव्यंजक साधनसीनोग्राफी का उपयोग किया जा सकता है: सबसे पहले, प्रकृति द्वारा क्या बनाया गया है, दूसरा, रोजमर्रा की जिंदगी या उत्पादन की वस्तुएं और बनावट, और तीसरा, कलाकार की रचनात्मक गतिविधि के परिणामस्वरूप क्या पैदा होता है (मुखौटे, वेशभूषा, सामग्री प्रॉप्स से लेकर पेंटिंग तक) ग्राफिक्स, मंच स्थान, प्रकाश, गतिशीलता, आदि)

प्रागितिहास - प्रीसेनोग्राफी।

सीनोग्राफी की उत्पत्ति में हैं पूर्व दृश्यावलीअनुष्ठान और औपचारिक प्री-थिएटर की गतिविधियाँ (प्राचीन, प्रागैतिहासिक और लोककथाएँ, जो आज तक अपने अवशिष्ट रूपों में संरक्षित हैं)। पहले से ही प्री-सीनोग्राफी में, एक "आनुवंशिक कोड" दिखाई दिया, जिसके बाद के कार्यान्वयन ने पुरातनता से लेकर आज तक सीनोग्राफी की कला के ऐतिहासिक विकास के मुख्य चरणों को निर्धारित किया। के कारण से " जेनेटिक कोड"इसमें सभी तीन मुख्य कार्य शामिल हैं जो सीनोग्राफी एक प्रदर्शन में कर सकती है: चरित्र, खेल, और कार्रवाई के स्थान को निर्दिष्ट करना। चरित्र - एक स्वतंत्र रूप से महत्वपूर्ण सामग्री, सामग्री, प्लास्टिक, दृश्य या किसी अन्य (अवतार के माध्यम से) चरित्र के रूप में मंच कार्रवाई में परिदृश्य को शामिल करना शामिल है - कलाकारों का एक समान भागीदार, और अक्सर मुख्य चरित्र। अभिनय का कार्य अभिनेता की उपस्थिति और उसके प्रदर्शन के परिवर्तन में परिदृश्य और उसके व्यक्तिगत तत्वों (पोशाक, श्रृंगार, मुखौटा, सामग्री सहायक उपकरण) की प्रत्यक्ष भागीदारी में व्यक्त किया जाता है। दृश्य को नामित करने का कार्य उस वातावरण को व्यवस्थित करना है जिसमें नाटक की घटनाएं घटित होती हैं।

चरित्र समारोहपूर्व-दृश्यांकन के चरण में प्रमुख था। अनुष्ठान क्रियाओं के केंद्र में एक वस्तु होती थी जो किसी देवता या किसी उच्च शक्ति की छवि का प्रतीक होती थी: अलग-अलग आंकड़े(शामिल प्राचीन मूर्तियाँ), सभी प्रकार की मूर्तियाँ, कुलदेवता, भरवां जानवर (मास्लेनित्सा, कार्निवल, आदि), अलग - अलग प्रकारचित्र (प्राचीन गुफाओं में समान दीवार चित्रों सहित), पेड़ और अन्य पौधे (आधुनिक नए साल के पेड़ तक), अलाव और अन्य प्रकार की आग, सूर्य की छवि के अवतार के रूप में।

उसी समय, प्री-सीनोग्राफी ने दो अन्य कार्य किए: दृश्य को व्यवस्थित करना और एक खेल खेलना। अनुष्ठान क्रियाओं एवं प्रदर्शनों का स्थान तीन प्रकार का होता था। पहला प्रकार (कार्रवाई का सामान्यीकृत दृश्य) सबसे प्राचीन है, पौराणिक चेतना से जन्मा है और ब्रह्मांड का अर्थपूर्ण अर्थ रखता है (वर्ग पृथ्वी का प्रतीक है, वृत्त सूर्य है; विभिन्न विकल्प ऊर्ध्वाधर मॉडलअंतरिक्ष: विश्व वृक्ष, पर्वत, स्तंभ, सीढ़ी; अनुष्ठान जहाज, नाव, नाव; अंत में, मंदिर ब्रह्मांड की एक वास्तुशिल्प छवि के रूप में)। दूसरा प्रकार (क्रिया का विशिष्ट स्थान) व्यक्ति के जीवन के आसपास का वातावरण है: प्राकृतिक, औद्योगिक, रोजमर्रा: जंगल, समाशोधन, पहाड़ियाँ, पहाड़, सड़क, सड़क, किसान यार्ड, घर और उसका आंतरिक भाग - उज्ज्वल कमरा। और तीसरा प्रकार (प्री-स्टेज) अन्य दो का हाइपोस्टैसिस था: कोई भी स्थान, दर्शकों से अलग होकर और खेल के लिए जगह बनकर, एक मंच बन सकता है।

खेल दृश्यावली - पुरातनता, मध्य युग।

इस क्षण से, थिएटर स्वयं शुरू होता है स्वतंत्र प्रजातिकलात्मक रचनात्मकता, और शुरू होता है खेल परिदृश्य , उनके प्रदर्शन के लिए ऐतिहासिक रूप से पहली डिज़ाइन प्रणाली के रूप में। साथ ही, नाट्य प्रदर्शन के सबसे प्राचीन रूपों में, विशेष रूप से प्राचीन और पूर्वी रूपों में (जो अनुष्ठानिक पूर्व-थिएटर के सबसे करीब रहे), एक ओर, दृश्यात्मक पात्र एक महत्वपूर्ण स्थान पर बने रहे, और दूसरी ओर, ब्रह्मांड की छवियों के रूप में कार्रवाई के अन्य, सामान्यीकृत दृश्य (उदाहरण के लिए, प्राचीन ग्रीक त्रासदी में ऑर्केस्ट्रा और प्रोसेनियम)। जैसे-जैसे खेल परिदृश्य का हिस्सा बढ़ता गया ऐतिहासिक आंदोलनपौराणिक कथाओं से धर्मनिरपेक्ष तक रंगमंच। इस आंदोलन का चरम पुनर्जागरण से उत्पन्न इटालियन कमेडिया डेल'आर्टे और शेक्सपियरियन थिएटर था। यहीं पर दृश्यों के तत्वों के साथ अभिनेताओं के गेम-एक्शन-हेरफेर पर आधारित प्रदर्शन डिजाइन की प्रणाली अपने चरम पर पहुंची, जिसके बाद कई शताब्दियों तक (20वीं शताब्दी तक) इसे एक अन्य डिजाइन प्रणाली द्वारा प्रतिस्थापित किया गया - सजावटी कला, जिसका मुख्य कार्य कार्रवाई के स्थानों की एक छवि बनाना था।

सजावटी कला - पुनर्जागरण और आधुनिक काल।

सजावटी कला(जिनके तत्व पहले मौजूद थे, उदाहरण के लिए, प्राचीन रंगमंच और यूरोपीय मध्ययुगीन में - एक साथ (एक साथ कार्रवाई के विभिन्न स्थानों को दिखाते हुए: स्वर्ग से नरक तक, मंच पर एक सीधी रेखा में सामने स्थित) वर्गाकार रहस्यों की सजावट), जैसे प्रदर्शनों को डिजाइन करने के लिए एक विशेष प्रणाली, तथाकथित के रूप में, 15वीं-16वीं शताब्दी के अंत में इतालवी कोर्ट थिएटर में पैदा हुई थी। सजावटी परिप्रेक्ष्य जो एक व्यक्ति के चारों ओर की दुनिया को चित्रित करते हैं (पुनर्जागरण चित्रकारों के चित्रों के समान): चौराहे और शहर आदर्श शहरया उत्तम ग्रामीण परिदृश्य. ऐसे पहले सजावटी परिप्रेक्ष्यों में से एक के लेखक महान वास्तुकार डी. ब्रैमांटे थे। इन्हें बनाने वाले कलाकार सार्वभौमिक स्वामी (एक ही समय में वास्तुकार, चित्रकार और मूर्तिकार) थे - बी. पेरुज़ी, बास्टियानो डी सांगालो, बी. लांसी, और अंत में एस. सेर्लियो, जिन्होंने इस ग्रंथ में मंच के बारे मेंपरिप्रेक्ष्य दृश्यों के तीन विहित प्रकार तैयार किए गए (त्रासदी, कॉमेडी और देहाती के लिए) और अभिनेताओं के संबंध में उनकी व्यवस्था का मुख्य सिद्धांत: अग्रभूमि में कलाकार, पृष्ठभूमि में चित्रित दृश्य, एक सचित्र पृष्ठभूमि के रूप में। इस इतालवी सजावट प्रणाली का आदर्श अवतार ए. पल्लाडियो की वास्तुशिल्प उत्कृष्ट कृति थी - विन्सेन्ज़ो में ओलम्पिको थिएटर (1580-1585)।

सजावटी कला के विकास की अगली शताब्दियाँ, एक ओर, विश्व संस्कृति की मुख्य कलात्मक शैलियों के विकास के साथ, और दूसरी ओर, विकास की इंट्रा-थिएटर प्रक्रिया और मंच स्थान के तकनीकी उपकरणों के साथ निकटता से जुड़ी हुई हैं। .

इस प्रकार, 17वीं शताब्दी की सजावटी कला में बारोक शैली निर्णायक बन गई। अब यह एक ऐसा वातावरण बन गया है जो उन्हें हर तरफ से घेरता है और स्टेज-बॉक्स स्पेस के पूरे वॉल्यूम में बनता है। साथ ही, स्थानों के प्रकार में भी काफी विस्तार हुआ है। कार्रवाई पानी के नीचे के राज्यों में चली गई और आकाशीय गोले. सजावटी चित्रों ने दुनिया की अनंतता और असीमता के बारोक विचार को व्यक्त किया, जिसमें मनुष्य अब सभी चीजों का माप नहीं है (जैसा कि पुनर्जागरण में मामला था), लेकिन इस दुनिया का केवल एक छोटा सा कण है। 17वीं सदी के दृश्यों की एक और विशेषता। - उनकी गतिशीलता और परिवर्तनशीलता: मंच पर (और "पृथ्वी" पर, और "जल" के नीचे, और "स्वर्ग" में) कई सबसे शानदार, पौराणिक रूपांतर, घटनाएं और परिवर्तन हुए। तकनीकी रूप से, एक चित्र से दूसरे चित्र में तात्कालिक परिवर्तन सबसे पहले टेलारि (त्रिफलकीय घूमने वाले प्रिज्म) की मदद से किए गए, फिर मंच के पीछे तंत्र और नाटकीय मशीनों की एक पूरी प्रणाली का आविष्कार किया गया। 17वीं शताब्दी के सजावटी बारोक के अग्रणी स्वामी। - बी. बुओंटालेंटी, जी. और ए. पारिगी, एल. फर्टेनबैक, आई. जोन्स, एल. बर्नासिनी, जी. माउरो, एफ. सैंटुरिनी, सी. लोटी, और अंत में जी. टोरेली, जिन्होंने प्रदर्शन डिजाइन की इस इतालवी प्रणाली को लागू किया पेरिस में, जहां एक ही समय में एक और सजावटी शैली उभर रही थी - क्लासिकिज़्म।

उनका कैनन पुनर्जागरण परिप्रेक्ष्य के कैनन के करीब था: दृश्यावली फिर से अभिनेताओं के लिए पृष्ठभूमि बन गई। वह, एक नियम के रूप में, एकजुट और अपूरणीय थी। आकाश की ओर निर्देशित ऊर्ध्वाधर बारोक सजावट के बजाय - फिर से क्षैतिज। दुनिया की अनंतता के विचार का विरोध एक बंद दुनिया की अवधारणा द्वारा किया गया था, जो तर्कसंगत रूप से, तर्क के नियमों के अनुसार, सामंजस्यपूर्ण रूप से सामंजस्यपूर्ण, सख्ती से सममित, मनुष्य के अनुरूप आयोजित की गई थी। तदनुसार, कार्रवाई के स्थानों की संख्या कम कर दी गई (बारोक की तुलना में)। यह फिर से (सर्लिओ की तरह) तीन मुख्य कथानकों पर आ गया, जो, हालांकि, अब थोड़ा अलग चरित्र प्राप्त कर चुका है - अधिक से अधिक आंतरिक।

चूंकि क्लासिकिस्ट दृश्यों के लेखक अक्सर वही स्वामी होते थे (टोरेली, जे. बफ़ेक्विन, सी. विगरानी, ​​जी. बेरेन), जो एक ही समय में, अन्य प्रदर्शनों में, बारोक दृश्यों के लेखक थे, एक प्राकृतिक अंतर्विरोध था इन दो शैलियों के परिणामस्वरूप, एक नई शैली का निर्माण हुआ: बारोक क्लासिकिज़्म, जो तब, 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में था। क्लासिकिस्ट बारोक में चले गए।

इस आधार पर, 18वीं सदी की सजावटी बारोक की कला विकसित हुई, जिसे गैली बिब्बिएना परिवार के उत्कृष्ट इतालवी उस्तादों द्वारा पूरी सदी में सबसे स्पष्ट रूप से दर्शाया गया था। परिवार के मुखिया, फर्डिनेंडो ने मंच पर "आध्यात्मिक वास्तुकला" (ए बेनोइस की अभिव्यक्ति) की छवियां बनाईं, जिनमें से शानदार बारोक रचनाएं उन्होंने तैनात कीं, हालांकि (पिछली शताब्दी के बारोक थिएटर कलाकारों के विपरीत) विमानों पर किसी चित्रित पृष्ठभूमि, पंख या पर्दे का। फर्डिनेंडो के भाई फ्रांसेस्को, उनके बेटे एलेसेंड्रो, एंटोनियो और विशेष रूप से ग्यूसेप (जो "विजयी बारोक" की रचनाओं में सद्गुण और शक्ति की वास्तविक ऊंचाइयों तक पहुंचे), और, आखिरकार, उनके पोते कार्लो ने उसी भावना से काम किया। सजावटी कला की इस दिशा के अन्य प्रतिनिधि एफ. जुवरा, पी. रिघिनी और जी. वेलेरियानी हैं, जिन्होंने "विजयी बारोक" की शैली को रूसी अदालत के दृश्य में लाया, जहां दो दशकों (18 वीं शताब्दी के 40 और 50 के दशक) तक उन्होंने इटालियन ओपेरा सेरिया की सजी हुई प्रस्तुतियाँ।

18वीं शताब्दी के मंच प्रदर्शन की कला में सजावटी बारोक के समानांतर। अन्य शैलीगत रुझान भी थे: एक ओर, रोकोको शैली से, दूसरी ओर, क्लासिकिस्ट से। उत्तरार्द्ध प्रबुद्धता के सौंदर्यशास्त्र से जुड़े थे, और उनके प्रतिनिधि जी. सर्वंडोनी, जी. ड्यूमॉन्ट, पी. ब्रुनेटी और सबसे बढ़कर पी. डि जी. गोंजागा, जो 19वीं शताब्दी के अंत में पहले से ही एक उत्कृष्ट सज्जाकार थे। और रूस में अपने काम के वर्षों के दौरान लिखे गए कई सैद्धांतिक ग्रंथों के लेखक। इन कलाकारों ने कई मायनों में बिब्बियन के अनुभव का अनुसरण करते हुए परिचय दिया महत्वपूर्ण परिवर्तनसबसे पहले, सजावटी छवियों की प्रकृति में: उन्होंने चित्रित किया, हालांकि आदर्शीकृत (क्लासिकिज्म की भावना में), लेकिन फिर भी, वास्तविक उद्देश्यों के रूप में, उन्होंने सत्यता और स्वाभाविकता के लिए (ज्ञानोदय सौंदर्यशास्त्र की भावना में) प्रयास किया। कलाकारों का यह रुझान - विशेष रूप से गोंजागो के काम में - 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के रोमांटिक थिएटर की सजावट के सिद्धांतों की अपेक्षा करता है।

सजावटी कला में अग्रणी स्थान पर अब कब्जा नहीं था इतालवी कलाकार, और जर्मन, जिसके नेता के.एफ. शिंकेल थे (सार्वभौमिक प्रकार के अंतिम प्रमुख कलाकारों में से एक: एक उत्कृष्ट वास्तुकार, एक कुशल चित्रकार, मूर्तिकार, सज्जाकार); अन्य देशों में प्रमुख प्रतिनिधियोंइस दिशा के थे: पोलैंड में - जे. स्मुगलेविच, चेक गणराज्य में, फिर वियना में - जे. प्लेज़र, इंग्लैंड में - एफ. डी लॉटरबर्ग, डी.आई. रिचर्ड्स, ग्रीव परिवार, डी. रॉबर्टो, के. स्टैनफ़ील्ड; फ़्रांस में - सिसेरी। रूस में, जर्मन रोमांटिक दृश्यों का अनुभव ए. रोलर, उनके छात्रों और अनुयायियों द्वारा महसूस किया गया था, सबसे प्रसिद्ध में से एक के. वाल्ट्ज़ थे, जिन्हें "मंच का जादूगर और जादूगर" कहा जाता था।

रोमांटिक सजावट का पहला विशिष्ट गुण इसकी गतिशीलता है (इस संबंध में, यह एक नए चरण में 17वीं शताब्दी की बारोक सजावट की निरंतरता है)। मंच कार्यान्वयन की मुख्य वस्तुओं में से एक प्रकृति की स्थिति थी, जो अक्सर विनाशकारी होती थी। और जब इन भयानक तत्वों ने अपनी मंचीय "भूमिकाएँ" निभाईं, तो गीतात्मक परिदृश्य दर्शकों के सामने खुल गए, ज्यादातर रात में - परेशान करने वाले फटे बादलों के पीछे से चाँद झाँकते हुए; या चट्टानी, पहाड़ी; या नदी, झील, समुद्र। साथ ही, कलाकारों ने अपनी सभी अभिव्यक्तियों में प्रकृति को नाटकीय पृष्ठभूमि के स्तर पर चित्रित करके नहीं, बल्कि संपूर्ण रूप से मंच मशीनरी, प्रकाश, आंदोलन और संपूर्ण तीन को "पुनर्जीवित" करने के लिए विभिन्न अन्य तकनीकों की मदद से मूर्त रूप दिया। मंच स्थान का आयामी आयतन और उसका परिवर्तन। रोमांटिक सज्जाकारों ने मंच को एक खुली दुनिया में बदल दिया, जो किसी भी चीज़ से अप्रतिबंधित थी, जो गतिविधि के सभी संभावित स्थानों की विविधता को समायोजित करने में सक्षम थी। इस संबंध में, शेक्सपियर उनके लिए एक आदर्श थे; उन्होंने स्थान और समय की एकता के क्लासिकिस्ट सिद्धांत के खिलाफ संघर्ष में उन पर भरोसा किया।

19वीं सदी के उत्तरार्ध में. रोमांटिक दृश्यावली सबसे पहले वास्तविक ऐतिहासिक दृश्यों के मनोरंजन के लिए विकसित होती है, केवल रोमांटिक रूप से रंगीन और काव्यात्मक रूप से सामान्यीकृत। फिर - तथाकथित "पुरातात्विक प्रकृतिवाद" (जिसे सबसे पहले चार्ल्स कीन द्वारा 50 के दशक की अंग्रेजी प्रस्तुतियों में सन्निहित किया गया था), फिर रूसी थिएटर में (एम. शिशकोव, एम. बोचारोव द्वारा काम, आंशिक रूप से पी. इसाकोव द्वारा) वी. स्टासोव का आधिकारिक संरक्षण) और, अंत में, मंच पर विस्तृत सजावटी सचित्र रचनाओं के निर्माण के लिए ऐतिहासिक विषय(मीनिंगेन थिएटर की प्रस्तुतियां और जी इविंग द्वारा प्रस्तुतियां)।

सजावटी कला के विकास में अगला चरण (सीधे पिछले चरण से अनुसरण करते हुए, लेकिन पूरी तरह से अलग सौंदर्य सिद्धांतों पर आधारित) प्रकृतिवाद है। रोमांटिक लोगों के विपरीत, जो, एक नियम के रूप में, प्रकृतिवादी रंगमंच (ए एंटोनी - फ्रांस में, ओ ब्रह्म - जर्मनी में, डी ग्रेन - इंग्लैंड में) के प्रदर्शन में, मंच पर सुदूर अतीत की तस्वीरें बनाने की ओर मुड़ गए। , अंततः, के. स्टैनिस्लावस्की और कलाकार वी.सिमोव - मॉस्को आर्ट थिएटर की पहली प्रस्तुतियों में) सेटिंग आधुनिक वास्तविकता थी। मंच पर, नाटक के नायक के अस्तित्व के लिए एक पूरी तरह से वास्तविक सेटिंग के रूप में, "जीवन से कट-आउट" को फिर से बनाया गया था।

इस दिशा में अगला कदम मॉस्को आर्ट थिएटर की प्रस्तुतियों में उठाया गया, मुख्य रूप से चेखव में, जहां स्टैनिस्लावस्की ने मनोवैज्ञानिक रूप से जीवन से एक स्थिर "कट" को "पुनर्जीवित" करने की कोशिश की, इसे राज्य के आधार पर समय के साथ परिवर्तनशीलता की गुणवत्ता दी। दिन के अलग-अलग समय पर प्रकृति का और एक ही समय पर आंतरिक पात्रों के अनुभवों का। थिएटर ने एक मंच "माहौल" और एक मंच "मनोदशा" बनाने के तरीकों (मुख्य रूप से हल्के स्कोर की मदद से) की तलाश शुरू कर दी, प्रदर्शन के डिजाइन में नए गुण जिन्हें प्रभाववादी के रूप में वर्णित किया जा सकता है। प्रभाववाद के प्रभाव को संगीत थिएटर में कुछ अलग तरीके से अनुवादित किया गया - के. कोरोविन के सेट और वेशभूषा में, जो उनके अनुसार, मंच पर सृजन करना चाहते थे बोल्शोई रंगमंचसुरम्य "आंखों के लिए संगीत", दर्शकों को रंग के गतिशील तत्व में डुबो देता है, सूरज, हवा, आसपास की दुनिया की "रंग सांस" को व्यक्त करता है।

19वीं सदी के अंत - 20वीं सदी की शुरुआत। विश्व रंगमंच की सजावटी कला के विकास में एक अवधि, जब रूसी उस्तादों ने इसमें अग्रणी स्थान लिया। ललित कलाओं से मंच पर आते हुए, वे - पहले मास्को में, ममोनतोव ओपेरा (वी. वासनेत्सोव, वी. पोलेनोव, एम. व्रूबेल, शुरुआती कोरोविन और ए. गोलोविन) में, फिर सेंट पीटर्सबर्ग में, जहां की दुनिया कला समाज बनाया गया (ए. बेनोइस, एम. डोबज़िन्स्की, एन. रोएरिच, एल. बक्स्ट, आदि) - उच्चतम दृश्य मनोरंजन के साथ थिएटर को समृद्ध किया, और उनकी दिशा में वे नव-रोमांटिक थे, जिनके लिए मुख्य मूल्यपिछली शताब्दियों की कलात्मक विरासत थी। उसी समय, "कला की दुनिया" सर्कल के उस्तादों ने पुनरुद्धार से संबंधित सुंदर खोज शुरू की - आधुनिक प्लास्टिक और नाटकीय संस्कृति (विशेष रूप से प्रतीकवाद और आधुनिकतावादी शैलियों) के आधार पर - प्रदर्शन डिजाइन करने के पूर्व-सजावटी तरीके: पर एक ओर, गेमिंग ( बैले पोशाकएल. बकस्ट, अभिनेताओं के साथ "नृत्य", और बनाम मेयरहोल्ड के नाटकीय प्रयोगों में - खेल के लिए सहायक उपकरण एन. सैपुनोव, एस. सुदेइकिन, के. एवसेव, वाई. बौंडी द्वारा सजाए गए थे, दूसरी ओर, चरित्र -आधारित (एन. सैपुनोव द्वारा सुरम्य पैनल और ए. गोलोविन द्वारा उसी बनाम मेयरहोल्ड की प्रस्तुतियों में पर्दे, प्रदर्शन के विषय को व्यक्त करते हुए)।

मालेविच का यह अनुभव भविष्य के सामने एक परियोजना बन गया। 19वीं और 20वीं शताब्दी के मोड़ पर घोषित मंचीय विचार भी डिज़ाइन प्रकृति के थे। स्विस ए अप्पिया और अंग्रेज जी क्रेग, क्योंकि यद्यपि वे दोनों मंच पर इन विचारों को आंशिक रूप से साकार करने में कामयाब रहे, फिर भी, उन्हें 20 वीं शताब्दी के कलाकारों की बाद की नाटकीय खोजों में अपना सच्चा और बहुमुखी विकास प्राप्त हुआ। इन उत्कृष्ट उस्तादों की खोजों का सार यह था कि उन्होंने सजावटी कला को मंच स्थान में सामान्यीकृत मंच वातावरण की छवियों के निर्माण की ओर मोड़ दिया। अप्पिया के लिए, यह दुनिया अपने अस्तित्व के प्रारंभिक पौराणिक चरण में है, जब यह अराजकता से उभरने और कुछ सामंजस्यपूर्ण सार्वभौमिक आर्क-वास्तुशिल्प रूपों को प्राप्त करने की शुरुआत कर रही थी, जो उनके साथ लयबद्ध आंदोलन के लिए स्मारकीय प्लेटफार्मों और पेडस्टल के रूप में निर्मित थे - एक में आर. वैगनर के संगीतमय नाटकों के पात्रों का खुला चमकदार स्थान। क्रेग में, इसके विपरीत, ये घन और समान्तर चतुर्भुज के भारी मोनोलिथ, शक्तिशाली दीवारें, मीनारें, तोरण, एक आदमी की छोटी आकृति के चारों ओर के खंभे हैं, जो उसका विरोध करते हैं और उसे धमकाते हैं, मंच स्थान की पूरी ऊंचाई और उससे भी अधिक तक बढ़ते हैं, दर्शकों की दृश्यता से परे. और यदि अप्पिया ने एक खुला, मौलिक मंचीय वातावरण बनाया, तो इसके विपरीत, क्रेग ने एक कसकर बंद, निराशाजनक वातावरण बनाया जिसमें शेक्सपियर की त्रासदियों की खूनी कहानियाँ खेली जानी थीं।

प्रभावी दृश्यावली आधुनिक समय की है।

20वीं सदी का पूर्वार्ध. विश्व परिदृश्य आधुनिक अवांट-गार्डे कलात्मक आंदोलनों (अभिव्यक्तिवाद, क्यूबो-फ्यूचरिज्म, रचनावाद, आदि) के मजबूत प्रभाव के तहत विकसित हुआ, जिसने एक ओर, कार्रवाई के विशिष्ट स्थानों और पुनरुद्धार के निर्माण के नवीनतम रूपों के विकास को प्रेरित किया। (अप्पिया और क्रेग के बाद) सबसे प्राचीन, सामान्यीकृत, और दूसरी ओर, सक्रियण और यहां तक ​​​​कि दर्शनीय स्थल के अन्य कार्यों का भी सामने आना: गेमिंग और चरित्र।

1900 के दशक के मध्य में, कलाकार एन. सैपुनोव और ई. मुंच ने बनाम मेयरहोल्ड और एम. रेनहार्ड्ट की प्रस्तुतियों के लिए जी. इबसेन द्वारा नाटकों की रचना की। हेडा गैबलरऔर भूत) पहला दृश्य, जो कार्रवाई के आंतरिक दृश्यों की एक छवि रहते हुए, एक ही समय में अवतार बन गया भावनात्मक दुनियाइन नाटकों के मुख्य पात्र. फिर इस दिशा में प्रयोग एन. उल्यानोव और वी. ईगोरोव द्वारा के. स्टैनिस्लावस्की के प्रतीकात्मक प्रदर्शन में जारी रखे गए ( जीवन का नाटकऔर मानव जीवन). इस खोज का शिखर मंचीय नाटक के लिए एम. डोबज़िंस्की की सजावट थी निकोले स्टावरोगिनमॉस्को आर्ट थिएटर में, जिन्हें मनोवैज्ञानिक सजावट का अग्रदूत माना जाता है, जिसने बदले में, अभिव्यक्तिवादी थिएटर की सजावटी कला के अनुभव को काफी हद तक अवशोषित कर लिया। इस दिशा का सार यह था कि मंच पर चित्रित कमरे, सड़कें, शहर, परिदृश्य स्पष्ट रूप से अतिशयोक्तिपूर्ण दिखाई देते थे, अक्सर एक प्रतीकात्मक संकेत तक कम हो जाते थे, जो उनके वास्तविक स्वरूप की सभी प्रकार की विकृतियों के अधीन होते थे, और ये विकृतियाँ नायक की मनःस्थिति को व्यक्त करती थीं, प्रायः अतिनाटकीय, दुखद वीभत्सता के कगार पर। ऐसी सजावट बनाने वाले पहले जर्मन कलाकार थे (एल. सीवर्ट, जेड. क्लेन, एफ. शेफ़लर, ई. बारलाच), फिर उनके बाद चेक गणराज्य (डब्ल्यू. हॉफमैन), पोलैंड (वी. ड्रेबिक) के सेट डिजाइनर आए। , स्कैंडिनेविया और विशेष रूप से रूस। यहां, इस तरह के कई प्रयोग 1910 के दशक में यू. एनेनकोव द्वारा और 1920 के दशक में यहूदी थिएटर के कलाकारों (एम. चैगल, एन. ऑल्टमैन, आई. राबिनोविच, आर. फ़ॉक) द्वारा किए गए थे। पेत्रोग्राद-लेनिनग्राद - एम. ​​लेविन और वी. दिमित्रीव, जो 1930-1940 के दशक में मनोवैज्ञानिक सजावट के अग्रणी मास्टर बन गए ( अन्ना करएनीना, तीन बहने, आखिरी शिकारमॉस्को आर्ट थिएटर में)।

साथ ही, सजावटी कला ने विशिष्ट स्थानों के प्रकारों में भी महारत हासिल की। यह, सबसे पहले, "पर्यावरण" है (अभिनेताओं और दर्शकों दोनों के लिए एक सामान्य स्थान, जो किसी भी रैंप से अलग नहीं होता है, कभी-कभी पूरी तरह से वास्तविक होता है, जैसे, उदाहरण के लिए, एक फैक्ट्री का फर्श गैस मास्कएस. आइज़ेंस्टीन में, या कलाकार ए. रोलर की कला द्वारा आयोजित - बर्लिन सर्कस, लंदन ओलंपिक हॉल, साल्ज़बर्ग चर्च आदि में एम. रेनहार्ड्ट द्वारा प्रस्तुतियों के लिए, और जे. स्टॉफ़र और बी. नॉब्लॉक द्वारा - के लिए मॉस्को रियलिस्टिक थिएटर में एन. ओख्लोपकोवा द्वारा प्रदर्शन); 20वीं सदी के उत्तरार्ध में. एक "पर्यावरण" के रूप में नाटकीय स्थान का डिज़ाइन ई. ग्रोटोव्स्की के "गरीब थिएटर" में वास्तुकार ई. गुरवस्की के काम का मुख्य सिद्धांत बन गया, और फिर विभिन्न विकल्पों में (प्राकृतिक, प्राकृतिक, सड़क सहित) औद्योगिक - फ़ैक्टरी कार्यशालाएँ, रेलवे स्टेशन और आदि) सभी देशों में व्यापक रूप से उपयोग किया जाने लगा है। दूसरे, मंच पर एक एकल संस्थापन बनाया गया था, जिसमें नाटक के नायकों के "घर-निवास" को उसके अलग-अलग कमरों के साथ दर्शाया गया था, जो एक साथ दिखाए गए थे (इस प्रकार वर्गाकार मध्ययुगीन रहस्यों की एक साथ सजावट की याद दिलाते हैं)। तीसरा, सजावटी पेंटिंग, इसके विपरीत, स्टेज सर्कल के घूमने या ट्रक प्लेटफार्मों की गति की मदद से गतिशील रूप से एक दूसरे को बदल देती हैं। अंततः, लगभग पूरी 20वीं सदी के दौरान। शैलीकरण और पूर्वव्यापीकरण की कला की दुनिया की परंपरा व्यवहार्य और बहुत फलदायी रही - पिछले ऐतिहासिक युगों के सांस्कृतिक वातावरण का मंच पर मनोरंजन और कलात्मक संस्कृतियाँ- किसी विशेष नाटक के नायकों के विशिष्ट और वास्तविक आवास के रूप में। (वरिष्ठ विश्व कलाकारों ने इस भावना से काम करना जारी रखा - पहले से ही रूस के बाहर, और मॉस्को और लेनिनग्राद में - एफ. फेडोरोव्स्की, पी. विलियम्स, वी. खोडासेविच, आदि जैसे विभिन्न स्वामी। विदेशी कलाकारों में, अंग्रेजी एच. स्टीवेन्सन ने इसका अनुसरण किया दिशा, आर. व्हिस्लर, जे. बोयस, एस. मेसेल, मोटली, जे. पाइपर;

अप्पिया की परियोजनाओं के बाद, कार्रवाई के सबसे प्राचीन, सामान्यीकृत स्थानों को पुनर्जीवित करने की प्रक्रिया में, सबसे महत्वपूर्ण योगदान मॉस्को के कलाकारों द्वारा किया गया था। चैम्बर थियेटर: ए. एक्सटर, ए. वेस्निन, जी. याकुलोव, भाई वी. और जी. स्टेनबर्ग, वी. रिंडिन। उन्होंने ए. ताईरोव के विचार को मूर्त रूप दिया मुख्य तत्वडिज़ाइन - मंच क्षेत्र की प्लास्टिसिटी, जो, निर्देशक के अनुसार, "वह लचीला और आज्ञाकारी कीबोर्ड है जिसकी मदद से वह (अभिनेता - वी.बी.) अपनी रचनात्मक इच्छा को पूरी तरह से प्रकट कर सकता है।" इस थिएटर के प्रदर्शनों में सामान्यीकृत छवियाँ प्रदर्शित की गईं जो कि सर्वोत्कृष्टता का प्रतीक थीं ऐतिहासिक युगऔर उसकी कलात्मक शैली: पुरातनता ( फैमिरा किफ़रेडऔर फ़ेदरा) और प्राचीन यहूदिया ( Salome), गॉथिक मध्य युग ( घोषणाऔर पवित्र मैंजोआना) और इटालियन बारोक ( राजकुमारी ब्रैम्बिला), रूसी 19वीं सदी। ( आंधी) और आधुनिक शहरीकरण ( इंसान, जो गुरूवार था). रूसी थिएटर के अन्य कलाकारों ने 1920 के दशक में इसी दिशा का अनुसरण किया (के. मालेविच, ए. लाविंस्की और वी. खरकोवस्की, एन. ऑल्टमैन - जब उन्होंने मंच पर "संपूर्ण ब्रह्मांड" बनाया, पूरे विश्व को कार्रवाई के दृश्य के रूप में बनाया रहस्य-प्रेमी, या आई. राबिनोविच, जब उन्होंने प्रोडक्शन में "ऑल ऑफ़ हेलस" की रचना की लिसिस्ट्रेटा), साथ ही अन्य यूरोपीय देशों के कलाकार ( जर्मन अभिव्यक्तिवादी 1920 के दशक में जी. हैंडेल के ओपेरा की प्रस्तुतियों की श्रृंखला में एल. जेसनर या एच. हेक्रोथ द्वारा निर्देशित प्रदर्शनों में ई. पिरहान) और अमेरिका में (मंच संस्करण के लिए वास्तुकार एन. बेल-गेडेस की प्रसिद्ध परियोजना) ईश्वरीय सुखान्तिकी).

नाटक और चरित्र कार्यों को सक्रिय करने की प्रक्रिया में पहल भी रूसी थिएटर के कलाकारों की थी (1920 के दशक में, 1910 के दशक की तरह, वे विश्व परिदृश्य में अग्रणी स्थान पर बने रहे)। प्रदर्शनों की एक पूरी श्रृंखला बनाई गई जिसमें कॉमेडिया डेल'आर्टे और इतालवी कार्निवल संस्कृति (आई. निविंस्की) के गेम डिज़ाइन के पुनर्विचार सिद्धांतों का उपयोग किया गया राजकुमारी टुरंडोट, जी याकुलोव में राजकुमारी ब्रैम्बिला को, वी. दिमित्रीव में पुल्सिनेला), यहूदी लोक प्रदर्शन पुरिमस्पिल(आई. राबिनोविच इन जादूगरनी), रूसी लोकप्रिय प्रिंट (बी. कस्टोडीव इन लेफ्टी, वी. दिमित्रीव में एक लोमड़ी, एक मुर्गा, एक बिल्ली और एक राम के बारे में एक कहानी), अंत में, सर्कस प्रदर्शन, नाटक परिदृश्य की सबसे पुरानी और सबसे स्थिर परंपरा के रूप में (यू. एनेनकोव इन पहला डिस्टिलर, वी. खोडासेविच सर्कस कॉमेडी में एस. रैडलोव, जी. कोज़िंटसेव द्वारा मंचित शादीएस. आइज़ेंस्टीन में समझदार). 1930 के दशक में, इस श्रृंखला को जिप्सी थिएटर "रोमेन" में ए. टायश्लर के कार्यों द्वारा जारी रखा गया था, और दूसरी ओर, बी.जी. नोब्लोक, वी. गित्सेविच, वी. कोरेत्स्की और सबसे ऊपर, एन. , अभिजात. दृश्य छविये सभी प्रदर्शन वेशभूषा, सामग्री सहायक उपकरण और मंच स्थान के साथ अभिनेताओं के विविध प्रदर्शन पर बनाए गए थे, जिन्हें कलाकारों द्वारा विभिन्न शैलियों में डिजाइन किया गया था: विश्व-कलात्मक से लेकर क्यूबो-फ्यूचरिस्टिक तक। नाट्य रचनावाद भी उनके पहले और मुख्य कार्य - प्रोडक्शन में इस प्रकार की दृश्यावली के एक रूप के रूप में प्रकट हुआ उदार व्यभिचारी पतिबनाम मेयरहोल्ड और एल. पोपोवा, जहां एक एकल रचनावादी स्थापना "खेलने के लिए उपकरण" बन गई। साथ ही, इस प्रदर्शन में (अन्य मेयरहोल्ड प्रस्तुतियों की तरह) नाटक की दृश्यावली प्राप्त हुई आधुनिक गुणवत्ताकार्यात्मक परिदृश्य, जिसका प्रत्येक तत्व मंचीय कार्रवाई के लिए उसकी समीचीन आवश्यकता से निर्धारित होता है। ई. पिस्केटर के जर्मन राजनीतिक थिएटर में विकसित और पुनर्विचार किया गया, और फिर अंदर महाकाव्य रंगमंचबी. ब्रेख्त, आखिरकार, चेक थिएटरग्राफ में - ई. ब्यूरियन - एम. ​​कौरज़िल का लाइट थिएटर, कार्यात्मक दृश्यावली का सिद्धांत 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के थिएटर में कलाकारों के काम के मुख्य सिद्धांतों में से एक बन गया। , जहां इसे व्यापक रूप से और, एक निश्चित अर्थ में, सार्वभौमिक रूप से समझा जाने लगा: कैसे मंच कार्रवाई का डिज़ाइन "आनुवंशिक कोड" में निहित सभी तीन तरीकों से समान रूप से होता है - गेमिंग, चरित्र और मंच वातावरण का संगठन। एक नई व्यवस्था सामने आई है - प्रभावी दृश्यावली, जिसने ऐतिहासिक रूप से पिछली दोनों प्रणालियों (खेल और सजावट) के कार्यों को संभाला।

20वीं सदी के उत्तरार्ध के प्रयोगों की विशाल विविधता के बीच। (फ्रांसीसी शोधकर्ता डी. बबले ने इस प्रक्रिया को बहुरूपदर्शक के रूप में वर्णित किया), विभिन्न देशों के सिनेमाघरों में आयोजित किया गया और नवीनतम खोजेंयुद्ध के बाद प्लास्टिक अवंत-गार्डे की लहर, और इंजीनियरिंग और प्रौद्योगिकी में सभी प्रकार की प्रगति (विशेष रूप से मंच प्रकाश व्यवस्था और कैनेटीक्स के क्षेत्र में), दो सबसे महत्वपूर्ण रुझानों की पहचान की जा सकती है। पहले को दृश्यांकन द्वारा एक नए सार्थक स्तर की महारत की विशेषता है, जब कलाकार द्वारा बनाई गई छवियां प्रदर्शन में नाटक के मुख्य विषयों और उद्देश्यों को स्पष्ट रूप से मूर्त रूप देने लगीं: मौलिक परिस्थितियाँ नाटकीय संघर्ष, नायक का विरोध करने वाली ताकतें, उसकी आंतरिक आध्यात्मिक दुनिया, आदि। इस नई क्षमता में, दृश्यावली सबसे महत्वपूर्ण और कभी-कभी प्रदर्शन का परिभाषित चरित्र बन गई। डी. बोरोव्स्की, डी. लीडर, ई. कोचेरगिन, एस. बरखिन, आई. ब्लमबर्ग्स, ए. फ्रीबर्ग्स, जी. गुनिया और 1960 के दशक के उत्तरार्ध के सोवियत थिएटर के अन्य कलाकारों के कई प्रदर्शनों में यही स्थिति थी - 1970 के दशक का पूर्वार्ध, जब यह प्रवृत्ति अपने चरमोत्कर्ष पर पहुँच गयी। और फिर विपरीत प्रकृति की एक प्रवृत्ति सामने आई, जो मुख्य रूप से पश्चिमी रंगमंच के उस्तादों के कार्यों में प्रकट हुई और 20वीं सदी के अंत और 21वीं सदी की शुरुआत के रंगमंच में अग्रणी स्थान ले लिया। इस प्रवृत्ति से जन्मी दिशा (इसके सबसे प्रमुख प्रतिनिधि जे. स्वोबोडा, वी. मिंक्स, ए. मंटेई, ई. वोंडर, जे. बारी, आर. कोल्टाई हैं) को वाक्यांश द्वारा निर्दिष्ट किया जा सकता है स्टेज डिज़ाइन, इस बात को ध्यान में रखते हुए कि अंग्रेजी भाषा के साहित्य में एक ही वाक्यांश आम तौर पर सभी प्रकार के प्रदर्शन डिजाइन को परिभाषित करता है - सजावटी, खेल और चरित्र)। यहां कलाकार का मुख्य कार्य मंचीय कार्रवाई के लिए स्थान डिजाइन करना और इस कार्रवाई के हर पल के लिए सामग्री, सामग्री और प्रकाश प्रदान करना है। साथ ही, अपनी प्रारंभिक अवस्था में, अंतरिक्ष अक्सर अपने लेखक के नाटक और शैली के संबंध में पूरी तरह से तटस्थ दिख सकता है, और इसमें होने वाली घटनाओं के समय और स्थान का कोई वास्तविक संकेत नहीं होता है। मंचीय कार्रवाई की सभी वास्तविकताएं, उसका स्थान और समय प्रदर्शन के दौरान ही दर्शकों के सामने आते हैं, जब उसकी कलात्मक छवि पैदा होती है, जैसे कि "कुछ भी नहीं" से।

यदि हम आधुनिक विश्व परिदृश्य की तस्वीर को उसकी संपूर्णता में प्रस्तुत करने का प्रयास करते हैं, तो इसमें न केवल ये दो रुझान शामिल हैं - इसमें सबसे विषम व्यक्तिगत कलात्मक समाधानों की एक अतुलनीय विविधता शामिल है। प्रत्येक मास्टर अपने तरीके से काम करता है और नाटकीय कार्रवाई की प्रकृति के आधार पर मंचीय कार्रवाई का एक बहुत अलग डिज़ाइन बनाता है संगीतऔर उनके निर्देशक के पढ़ने से, जो है पद्धतिगत आधारप्रभावी दर्शनीय प्रणाली.

विक्टर बेरेज़्किन

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लेख की सामग्री

दृश्यावली,एक प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता जो किसी प्रदर्शन के डिज़ाइन और उसकी दृश्य और प्लास्टिक छवि के निर्माण से संबंधित होती है जो मंच समय और स्थान में मौजूद होती है। एक प्रदर्शन में, सीनोग्राफी की कला में वह सब कुछ शामिल होता है जो अभिनेता (दृश्यावली) को घेरता है, वह सब कुछ जिसके साथ वह निपटता है - नाटक, अभिनय (भौतिक गुण) और वह सब कुछ जो उसके चित्र पर है (पोशाक, श्रृंगार, मुखौटा, उसकी उपस्थिति में परिवर्तन के अन्य तत्व) ). साथ ही, अभिव्यंजक साधन के रूप में, परिदृश्य का उपयोग किया जा सकता है: सबसे पहले, प्रकृति द्वारा क्या बनाया गया है, दूसरा, रोजमर्रा की जिंदगी या उत्पादन की वस्तुएं और बनावट, और तीसरा, कलाकार की रचनात्मक गतिविधि के परिणामस्वरूप क्या पैदा होता है (से) मुखौटे, वेशभूषा, पेंटिंग के लिए भौतिक सहारा, ग्राफिक्स, मंच स्थान, प्रकाश, गतिशीलता, आदि)

प्रागितिहास - प्रीसेनोग्राफी।

सीनोग्राफी की उत्पत्ति में हैं पूर्व दृश्यावलीअनुष्ठान और औपचारिक प्री-थिएटर की गतिविधियाँ (प्राचीन, प्रागैतिहासिक और लोककथाएँ, जो आज तक अपने अवशिष्ट रूपों में संरक्षित हैं)। पहले से ही प्री-सीनोग्राफी में, एक "आनुवंशिक कोड" दिखाई दिया, जिसके बाद के कार्यान्वयन ने पुरातनता से लेकर आज तक सीनोग्राफी की कला के ऐतिहासिक विकास के मुख्य चरणों को निर्धारित किया। इस "जेनेटिक कोड" में वे सभी तीन मुख्य कार्य शामिल हैं जो सीनोग्राफी किसी प्रदर्शन में कर सकती है: चरित्र, खेल, और कार्रवाई के स्थान को निर्दिष्ट करना। चरित्र - एक स्वतंत्र रूप से महत्वपूर्ण सामग्री, सामग्री, प्लास्टिक, दृश्य या किसी अन्य (अवतार के माध्यम से) चरित्र के रूप में मंच कार्रवाई में परिदृश्य को शामिल करना शामिल है - कलाकारों का एक समान भागीदार, और अक्सर मुख्य चरित्र। अभिनय का कार्य अभिनेता की उपस्थिति और उसके प्रदर्शन के परिवर्तन में परिदृश्य और उसके व्यक्तिगत तत्वों (पोशाक, श्रृंगार, मुखौटा, सामग्री सहायक उपकरण) की प्रत्यक्ष भागीदारी में व्यक्त किया जाता है। दृश्य को नामित करने का कार्य उस वातावरण को व्यवस्थित करना है जिसमें नाटक की घटनाएं घटित होती हैं।

चरित्र समारोहपूर्व-दृश्यांकन के चरण में प्रमुख था। अनुष्ठान अनुष्ठान क्रियाओं के केंद्र में एक वस्तु होती थी जो किसी देवता या किसी उच्च शक्ति की छवि का प्रतीक होती थी: विभिन्न आकृतियाँ (प्राचीन मूर्तियों सहित), सभी प्रकार की मूर्तियाँ, कुलदेवता, भरवां जानवर (मास्लेनित्सा, कार्निवल, आदि), विभिन्न सूर्य की छवि के अवतार के रूप में छवियों के प्रकार (प्राचीन गुफाओं में समान दीवार चित्र सहित), पेड़ और अन्य पौधे (आधुनिक नए साल के पेड़ तक), अलाव और अन्य प्रकार की आग।

उसी समय, प्री-सीनोग्राफी ने दो अन्य कार्य किए: दृश्य को व्यवस्थित करना और एक खेल खेलना। अनुष्ठान क्रियाओं एवं प्रदर्शनों का स्थान तीन प्रकार का होता था। पहला प्रकार (कार्रवाई का सामान्यीकृत दृश्य) सबसे प्राचीन है, पौराणिक चेतना से पैदा हुआ है और ब्रह्मांड का अर्थपूर्ण अर्थ रखता है (वर्ग - पृथ्वी का संकेत, सर्कल - सूर्य; ब्रह्मांड के ऊर्ध्वाधर मॉडल के लिए विभिन्न विकल्प: विश्व वृक्ष, पर्वत, स्तंभ, सीढ़ी; अनुष्ठान जहाज, नाव, अंततः, ब्रह्मांड की एक वास्तुशिल्प छवि के रूप में एक मंदिर)। दूसरा प्रकार (क्रिया का विशिष्ट स्थान) व्यक्ति के जीवन के आसपास का वातावरण है: प्राकृतिक, औद्योगिक, रोजमर्रा: जंगल, समाशोधन, पहाड़ियाँ, पहाड़, सड़क, सड़क, किसान यार्ड, घर और उसका आंतरिक भाग - उज्ज्वल कमरा। और तीसरा प्रकार (प्री-स्टेज) अन्य दो का हाइपोस्टैसिस था: कोई भी स्थान, दर्शकों से अलग होकर और खेल के लिए जगह बनकर, एक मंच बन सकता है।

खेल दृश्यावली - पुरातनता, मध्य युग।

इस क्षण से, थिएटर स्वयं एक स्वतंत्र प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता के रूप में शुरू होता है, और शुरू होता है खेल परिदृश्य, उनके प्रदर्शन के लिए ऐतिहासिक रूप से पहली डिज़ाइन प्रणाली के रूप में। साथ ही, नाट्य प्रदर्शन के सबसे प्राचीन रूपों में, विशेष रूप से प्राचीन और पूर्वी रूपों में (जो अनुष्ठानिक पूर्व-थिएटर के सबसे करीब रहे), एक ओर, दृश्यात्मक पात्र एक महत्वपूर्ण स्थान पर बने रहे, और दूसरी ओर, ब्रह्मांड की छवियों के रूप में कार्रवाई के अन्य, सामान्यीकृत दृश्य (उदाहरण के लिए, प्राचीन ग्रीक त्रासदी में ऑर्केस्ट्रा और प्रोसेनियम)। नाटक परिदृश्य की हिस्सेदारी में वृद्धि पौराणिक कथाओं से धर्मनिरपेक्ष तक रंगमंच के ऐतिहासिक आंदोलन के रूप में हुई। इस आंदोलन का चरम पुनर्जागरण से उत्पन्न इटालियन कमेडिया डेल'आर्टे और शेक्सपियरियन थिएटर था। यहीं पर दृश्यों के तत्वों के साथ अभिनेताओं के गेम-एक्शन-हेरफेर पर आधारित प्रदर्शन डिजाइन की प्रणाली अपने चरम पर पहुंची, जिसके बाद कई शताब्दियों तक (20वीं शताब्दी तक) इसे एक अन्य डिजाइन प्रणाली द्वारा प्रतिस्थापित किया गया - सजावटी कला, जिसका मुख्य कार्य कार्रवाई के स्थानों की एक छवि बनाना था।

सजावटी कला - पुनर्जागरण और आधुनिक काल।

सजावटी कला(जिनके तत्व पहले मौजूद थे, उदाहरण के लिए, प्राचीन रंगमंच और यूरोपीय मध्ययुगीन में - एक साथ (एक साथ कार्रवाई के विभिन्न स्थानों को दिखाते हुए: स्वर्ग से नरक तक, मंच पर एक सीधी रेखा में सामने स्थित) वर्गाकार रहस्यों की सजावट), जैसे प्रदर्शनों को डिजाइन करने के लिए एक विशेष प्रणाली, तथाकथित के रूप में, 15वीं-16वीं शताब्दी के अंत में इतालवी कोर्ट थिएटर में पैदा हुई थी। सजावटी परिप्रेक्ष्य जो एक व्यक्ति के चारों ओर की दुनिया को चित्रित करते हैं (पुनर्जागरण चित्रकारों के चित्रों के समान): एक आदर्श शहर के चौराहे और शहर या एक आदर्श ग्रामीण परिदृश्य। ऐसे पहले सजावटी परिप्रेक्ष्यों में से एक के लेखक महान वास्तुकार डी. ब्रैमांटे थे। इन्हें बनाने वाले कलाकार सार्वभौमिक स्वामी (एक ही समय में वास्तुकार, चित्रकार और मूर्तिकार) थे - बी. पेरुज़ी, बास्टियानो डी सांगालो, बी. लांसी, और अंत में एस. सेर्लियो, जिन्होंने इस ग्रंथ में मंच के बारे मेंपरिप्रेक्ष्य दृश्यों के तीन विहित प्रकार तैयार किए गए (त्रासदी, कॉमेडी और देहाती के लिए) और अभिनेताओं के संबंध में उनकी व्यवस्था का मुख्य सिद्धांत: अग्रभूमि में कलाकार, पृष्ठभूमि में चित्रित दृश्य, एक सचित्र पृष्ठभूमि के रूप में। इस इतालवी सजावट प्रणाली का आदर्श अवतार ए. पल्लाडियो की वास्तुशिल्प उत्कृष्ट कृति थी - विन्सेन्ज़ो में ओलम्पिको थिएटर (1580-1585)।

सजावटी कला के विकास की अगली शताब्दियाँ, एक ओर, विश्व संस्कृति की मुख्य कलात्मक शैलियों के विकास के साथ, और दूसरी ओर, विकास की इंट्रा-थिएटर प्रक्रिया और मंच स्थान के तकनीकी उपकरणों के साथ निकटता से जुड़ी हुई हैं। .

इस प्रकार, 17वीं शताब्दी की सजावटी कला में बारोक शैली निर्णायक बन गई। अब यह एक ऐसा वातावरण बन गया है जो उन्हें हर तरफ से घेरता है और स्टेज-बॉक्स स्पेस के पूरे वॉल्यूम में बनता है। साथ ही, स्थानों के प्रकार में भी काफी विस्तार हुआ है। कार्रवाई को पानी के नीचे के राज्यों और आकाशीय क्षेत्रों में स्थानांतरित कर दिया गया था। सजावटी चित्रों ने दुनिया की अनंतता और असीमता के बारोक विचार को व्यक्त किया, जिसमें मनुष्य अब सभी चीजों का माप नहीं है (जैसा कि पुनर्जागरण में मामला था), लेकिन इस दुनिया का केवल एक छोटा सा कण है। 17वीं सदी के दृश्यों की एक और विशेषता। - उनकी गतिशीलता और परिवर्तनशीलता: मंच पर (और "पृथ्वी" पर, और "जल" के नीचे, और "स्वर्ग" में) कई सबसे शानदार, पौराणिक रूपांतर, घटनाएं और परिवर्तन हुए। तकनीकी रूप से, एक चित्र से दूसरे चित्र में तात्कालिक परिवर्तन सबसे पहले टेलारि (त्रिफलकीय घूमने वाले प्रिज्म) की मदद से किए गए, फिर मंच के पीछे तंत्र और नाटकीय मशीनों की एक पूरी प्रणाली का आविष्कार किया गया। 17वीं शताब्दी के सजावटी बारोक के अग्रणी स्वामी। - बी. बुओंटालेंटी, जी. और ए. पारिगी, एल. फर्टेनबैक, आई. जोन्स, एल. बर्नासिनी, जी. माउरो, एफ. सैंटुरिनी, सी. लोटी, और अंत में जी. टोरेली, जिन्होंने प्रदर्शन डिजाइन की इस इतालवी प्रणाली को लागू किया पेरिस में, जहां एक ही समय में एक और सजावटी शैली उभर रही थी - क्लासिकिज़्म।

उनका कैनन पुनर्जागरण परिप्रेक्ष्य के कैनन के करीब था: दृश्यावली फिर से अभिनेताओं के लिए पृष्ठभूमि बन गई। वह, एक नियम के रूप में, एकजुट और अपूरणीय थी। आकाश की ओर निर्देशित ऊर्ध्वाधर बारोक सजावट के बजाय - फिर से क्षैतिज। दुनिया की अनंतता के विचार का विरोध एक बंद दुनिया की अवधारणा द्वारा किया गया था, जो तर्कसंगत रूप से, तर्क के नियमों के अनुसार, सामंजस्यपूर्ण रूप से सामंजस्यपूर्ण, सख्ती से सममित, मनुष्य के अनुरूप आयोजित की गई थी। तदनुसार, कार्रवाई के स्थानों की संख्या कम कर दी गई (बारोक की तुलना में)। यह फिर से (सर्लिओ की तरह) तीन मुख्य कथानकों पर आ गया, जो, हालांकि, अब थोड़ा अलग चरित्र प्राप्त कर चुका है - अधिक से अधिक आंतरिक।

चूंकि क्लासिकिस्ट दृश्यों के लेखक अक्सर वही स्वामी होते थे (टोरेली, जे. बफ़ेक्विन, सी. विगरानी, ​​जी. बेरेन), जो एक ही समय में, अन्य प्रदर्शनों में, बारोक दृश्यों के लेखक थे, एक प्राकृतिक अंतर्विरोध था इन दो शैलियों के परिणामस्वरूप, एक नई शैली का निर्माण हुआ: बारोक क्लासिकिज़्म, जो तब, 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में था। क्लासिकिस्ट बारोक में चले गए।

इस आधार पर, 18वीं सदी की सजावटी बारोक की कला विकसित हुई, जिसे गैली बिब्बिएना परिवार के उत्कृष्ट इतालवी उस्तादों द्वारा पूरी सदी में सबसे स्पष्ट रूप से दर्शाया गया था। परिवार के मुखिया, फर्डिनेंडो ने मंच पर "आध्यात्मिक वास्तुकला" (ए बेनोइस की अभिव्यक्ति) की छवियां बनाईं, जिनमें से शानदार बारोक रचनाएं उन्होंने तैनात कीं, हालांकि (पिछली शताब्दी के बारोक थिएटर कलाकारों के विपरीत) विमानों पर किसी चित्रित पृष्ठभूमि, पंख या पर्दे का। फर्डिनेंडो के भाई फ्रांसेस्को, उनके बेटे एलेसेंड्रो, एंटोनियो और विशेष रूप से ग्यूसेप (जो "विजयी बारोक" की रचनाओं में सद्गुण और शक्ति की वास्तविक ऊंचाइयों तक पहुंचे), और, आखिरकार, उनके पोते कार्लो ने उसी भावना से काम किया। सजावटी कला की इस दिशा के अन्य प्रतिनिधि एफ. जुवरा, पी. रिघिनी और जी. वेलेरियानी हैं, जिन्होंने "विजयी बारोक" की शैली को रूसी अदालत के दृश्य में लाया, जहां दो दशकों (18 वीं शताब्दी के 40 और 50 के दशक) तक उन्होंने इटालियन ओपेरा सेरिया की सजी हुई प्रस्तुतियाँ।

18वीं शताब्दी के मंच प्रदर्शन की कला में सजावटी बारोक के समानांतर। अन्य शैलीगत रुझान भी थे: एक ओर, रोकोको शैली से, दूसरी ओर, क्लासिकिस्ट से। उत्तरार्द्ध प्रबुद्धता के सौंदर्यशास्त्र से जुड़े थे, और उनके प्रतिनिधि जी. सर्वंडोनी, जी. ड्यूमॉन्ट, पी. ब्रुनेटी और सबसे बढ़कर पी. डि जी. गोंजागा, जो 19वीं शताब्दी के अंत में पहले से ही एक उत्कृष्ट सज्जाकार थे। और रूस में अपने काम के वर्षों के दौरान लिखे गए कई सैद्धांतिक ग्रंथों के लेखक। कई मायनों में बिब्बियन के अनुभव का अनुसरण करते हुए, इन कलाकारों ने, सबसे पहले, सजावटी छवियों की प्रकृति में महत्वपूर्ण बदलाव किए: उन्होंने चित्रित किया, हालांकि आदर्श बनाया (क्लासिकिज़्म की भावना में), लेकिन फिर भी, जैसे कि वास्तविक उद्देश्य, उन्होंने प्रयास किया ( आत्मज्ञान सौंदर्यशास्त्र की भावना में) सत्यसमानता और स्वाभाविकता के लिए। कलाकारों का यह रुझान - विशेष रूप से गोंजागो के काम में - 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के रोमांटिक थिएटर की सजावट के सिद्धांतों की अपेक्षा करता है।

सजावटी कला में अग्रणी स्थान अब इतालवी कलाकारों का नहीं, बल्कि जर्मन कलाकारों का था, जिनके नेता के.एफ. शिंकेल थे (सार्वभौमिक प्रकार के अंतिम प्रमुख कलाकारों में से एक: एक उत्कृष्ट वास्तुकार, एक कुशल चित्रकार, मूर्तिकार, सज्जाकार); अन्य देशों में, इस प्रवृत्ति के प्रमुख प्रतिनिधि थे: पोलैंड में - जे. स्मुग्लेविच, चेक गणराज्य में, फिर वियना में - जे. प्लेसर, इंग्लैंड में - एफ. डी लॉटरबर्ग, डी.आई. रिचर्ड्स, ग्रीव परिवार, डी. रॉबर्टो, के. स्टैनफ़ील्ड; फ़्रांस में - सिसेरी। रूस में, जर्मन रोमांटिक दृश्यों का अनुभव ए. रोलर, उनके छात्रों और अनुयायियों द्वारा महसूस किया गया था, सबसे प्रसिद्ध में से एक के. वाल्ट्ज़ थे, जिन्हें "मंच का जादूगर और जादूगर" कहा जाता था।

रोमांटिक सजावट का पहला विशिष्ट गुण इसकी गतिशीलता है (इस संबंध में, यह एक नए चरण में 17वीं शताब्दी की बारोक सजावट की निरंतरता है)। मंच कार्यान्वयन की मुख्य वस्तुओं में से एक प्रकृति की स्थिति थी, जो अक्सर विनाशकारी होती थी। और जब इन भयानक तत्वों ने अपनी मंचीय "भूमिकाएँ" निभाईं, तो गीतात्मक परिदृश्य दर्शकों के सामने खुल गए, ज्यादातर रात में - परेशान करने वाले फटे बादलों के पीछे से चाँद झाँकते हुए; या चट्टानी, पहाड़ी; या नदी, झील, समुद्र। साथ ही, कलाकारों ने अपनी सभी अभिव्यक्तियों में प्रकृति को नाटकीय पृष्ठभूमि के स्तर पर चित्रित करके नहीं, बल्कि संपूर्ण रूप से मंच मशीनरी, प्रकाश, आंदोलन और संपूर्ण तीन को "पुनर्जीवित" करने के लिए विभिन्न अन्य तकनीकों की मदद से मूर्त रूप दिया। मंच स्थान का आयामी आयतन और उसका परिवर्तन। रोमांटिक सज्जाकारों ने मंच को एक खुली दुनिया में बदल दिया, जो किसी भी चीज़ से अप्रतिबंधित थी, जो गतिविधि के सभी संभावित स्थानों की विविधता को समायोजित करने में सक्षम थी। इस संबंध में, शेक्सपियर उनके लिए एक आदर्श थे; उन्होंने स्थान और समय की एकता के क्लासिकिस्ट सिद्धांत के खिलाफ संघर्ष में उन पर भरोसा किया।

19वीं सदी के उत्तरार्ध में. रोमांटिक दृश्यावली सबसे पहले वास्तविक ऐतिहासिक दृश्यों के मनोरंजन के लिए विकसित होती है, केवल रोमांटिक रूप से रंगीन और काव्यात्मक रूप से सामान्यीकृत। फिर - तथाकथित "पुरातात्विक प्रकृतिवाद" (जिसे सबसे पहले चार्ल्स कीन द्वारा 50 के दशक की अंग्रेजी प्रस्तुतियों में सन्निहित किया गया था), फिर रूसी थिएटर में (एम. शिशकोव, एम. बोचारोव द्वारा काम, आंशिक रूप से पी. इसाकोव द्वारा) वी. स्टासोव का आधिकारिक संरक्षण) और, अंत में, ऐतिहासिक विषयों पर व्यापक सजावटी पेंटिंग रचनाओं के मंच पर निर्माण (मीनिंगन थिएटर की प्रस्तुतियों और जी. इविंग द्वारा प्रदर्शन)।

सजावटी कला के विकास में अगला चरण (सीधे पिछले चरण से अनुसरण करते हुए, लेकिन पूरी तरह से अलग सौंदर्य सिद्धांतों पर आधारित) प्रकृतिवाद है। रोमांटिक लोगों के विपरीत, जो, एक नियम के रूप में, प्रकृतिवादी रंगमंच (ए एंटोनी - फ्रांस में, ओ ब्रह्म - जर्मनी में, डी ग्रेन - इंग्लैंड में) के प्रदर्शन में, मंच पर सुदूर अतीत की तस्वीरें बनाने की ओर मुड़ गए। , अंततः, के. स्टैनिस्लावस्की और कलाकार वी.सिमोव - मॉस्को आर्ट थिएटर की पहली प्रस्तुतियों में) सेटिंग आधुनिक वास्तविकता थी। मंच पर, नाटक के नायक के अस्तित्व के लिए एक पूरी तरह से वास्तविक सेटिंग के रूप में, "जीवन से कट-आउट" को फिर से बनाया गया था।

इस दिशा में अगला कदम मॉस्को आर्ट थिएटर की प्रस्तुतियों में उठाया गया, मुख्य रूप से चेखव में, जहां स्टैनिस्लावस्की ने मनोवैज्ञानिक रूप से जीवन से एक स्थिर "कट" को "पुनर्जीवित" करने की कोशिश की, इसे राज्य के आधार पर समय के साथ परिवर्तनशीलता की गुणवत्ता दी। दिन के अलग-अलग समय पर प्रकृति का और एक ही समय पर आंतरिक पात्रों के अनुभवों का। थिएटर ने एक मंच "माहौल" और एक मंच "मनोदशा" बनाने के तरीकों (मुख्य रूप से हल्के स्कोर की मदद से) की तलाश शुरू कर दी, प्रदर्शन के डिजाइन में नए गुण जिन्हें प्रभाववादी के रूप में वर्णित किया जा सकता है। प्रभाववाद के प्रभाव को संगीत थिएटर में कुछ अलग तरीके से अनुवादित किया गया - के. कोरोविन के दृश्यों और वेशभूषा में, जिन्होंने अपने शब्दों में, बोल्शोई थिएटर के मंच पर सुरम्य "आंखों के लिए संगीत" बनाने की कोशिश की, विसर्जित किया रंग के गतिशील तत्व में दर्शक सूर्य, वायु, "रंग साँस लेना" आसपास की दुनिया को व्यक्त करते हैं।

19वीं सदी के अंत - 20वीं सदी की शुरुआत। विश्व रंगमंच की सजावटी कला के विकास में एक अवधि, जब रूसी उस्तादों ने इसमें अग्रणी स्थान लिया। ललित कलाओं से मंच पर आते हुए, वे - पहले मास्को में, ममोनतोव ओपेरा (वी. वासनेत्सोव, वी. पोलेनोव, एम. व्रूबेल, शुरुआती कोरोविन और ए. गोलोविन) में, फिर सेंट पीटर्सबर्ग में, जहां की दुनिया कला समाज बनाया गया ( ए. बेनोइस, एम. डोबज़िंस्की, एन. रोएरिच, एल. बक्स्ट, आदि) - थिएटर को उच्चतम दृश्य मनोरंजन से समृद्ध किया, और उनकी दिशा में वे नव-रोमांटिक थे, जिनके लिए मुख्य मूल्य था पिछली शताब्दियों की कलात्मक विरासत। उसी समय, "वर्ल्ड ऑफ़ आर्ट" सर्कल के मास्टर्स ने पुनरुद्धार से संबंधित सुंदर खोज शुरू की - आधुनिक प्लास्टिक और नाटकीय संस्कृति (विशेष रूप से प्रतीकवाद और आर्ट नोव्यू शैलियों) के आधार पर - प्रदर्शन डिजाइन करने के पूर्व-सजावटी तरीकों के : एक ओर, गेमिंग (एल. बक्स्ट द्वारा बैले वेशभूषा, "नृत्य" अभिनेताओं के साथ, और बनाम मेयरहोल्ड के नाटकीय प्रयोगों में - खेल के लिए सहायक उपकरण एन. सैपुनोव, एस. सुडेइकिन, के. द्वारा सजाए गए थे। एवसेव, वाई. बोंडी), दूसरी ओर, चरित्र-आधारित (एन. सैपुनोव द्वारा सुरम्य पैनल और उसी बनाम मेयरहोल्ड की प्रस्तुतियों में ए. गोलोविन द्वारा पर्दे, प्रदर्शन के विषय को व्यक्त करते हुए)।

मालेविच का यह अनुभव भविष्य के सामने एक परियोजना बन गया। 19वीं और 20वीं शताब्दी के मोड़ पर घोषित मंचीय विचार भी डिज़ाइन प्रकृति के थे। स्विस ए अप्पिया और अंग्रेज जी क्रेग, क्योंकि यद्यपि वे दोनों मंच पर इन विचारों को आंशिक रूप से साकार करने में कामयाब रहे, फिर भी, उन्हें 20 वीं शताब्दी के कलाकारों की बाद की नाटकीय खोजों में अपना सच्चा और बहुमुखी विकास प्राप्त हुआ। इन उत्कृष्ट उस्तादों की खोजों का सार यह था कि उन्होंने सजावटी कला को मंच स्थान में सामान्यीकृत मंच वातावरण की छवियों के निर्माण की ओर मोड़ दिया। अप्पिया के लिए, यह दुनिया अपने अस्तित्व के प्रारंभिक पौराणिक चरण में है, जब यह अराजकता से उभरने और कुछ सामंजस्यपूर्ण सार्वभौमिक आर्क-वास्तुशिल्प रूपों को प्राप्त करने की शुरुआत कर रही थी, जो उनके साथ लयबद्ध आंदोलन के लिए स्मारकीय प्लेटफार्मों और पेडस्टल के रूप में निर्मित थे - एक में आर. वैगनर के संगीतमय नाटकों के पात्रों का खुला चमकदार स्थान। क्रेग में, इसके विपरीत, ये घन और समान्तर चतुर्भुज के भारी मोनोलिथ, शक्तिशाली दीवारें, मीनारें, तोरण, एक आदमी की छोटी आकृति के चारों ओर के खंभे हैं, जो उसका विरोध करते हैं और उसे धमकाते हैं, मंच स्थान की पूरी ऊंचाई और उससे भी अधिक तक बढ़ते हैं, दर्शकों की दृश्यता से परे. और यदि अप्पिया ने एक खुला, मौलिक मंचीय वातावरण बनाया, तो इसके विपरीत, क्रेग ने एक कसकर बंद, निराशाजनक वातावरण बनाया जिसमें शेक्सपियर की त्रासदियों की खूनी कहानियाँ खेली जानी थीं।

प्रभावी दृश्यावली आधुनिक समय की है।

20वीं सदी का पूर्वार्ध. विश्व परिदृश्य आधुनिक अवांट-गार्डे कलात्मक आंदोलनों (अभिव्यक्तिवाद, क्यूबो-फ्यूचरिज्म, रचनावाद, आदि) के मजबूत प्रभाव के तहत विकसित हुआ, जिसने एक ओर, कार्रवाई के विशिष्ट स्थानों और पुनरुद्धार के निर्माण के नवीनतम रूपों के विकास को प्रेरित किया। (अप्पिया और क्रेग के बाद) सबसे प्राचीन, सामान्यीकृत, और दूसरी ओर, सक्रियण और यहां तक ​​​​कि दर्शनीय स्थल के अन्य कार्यों का भी सामने आना: गेमिंग और चरित्र।

1900 के दशक के मध्य में, कलाकार एन. सैपुनोव और ई. मुंच ने बनाम मेयरहोल्ड और एम. रेनहार्ड्ट की प्रस्तुतियों के लिए जी. इबसेन द्वारा नाटकों की रचना की। हेडा गैबलरऔर भूत) पहला दृश्य, जो एक्शन के आंतरिक दृश्यों की एक छवि बने रहने के साथ-साथ इन नाटकों के मुख्य पात्रों की भावनात्मक दुनिया का अवतार बन गया। फिर इस दिशा में प्रयोग एन. उल्यानोव और वी. ईगोरोव द्वारा के. स्टैनिस्लावस्की के प्रतीकात्मक प्रदर्शन में जारी रखे गए ( जीवन का नाटकऔर मानव जीवन). इस खोज का शिखर मंचीय नाटक के लिए एम. डोबज़िंस्की की सजावट थी निकोले स्टावरोगिनमॉस्को आर्ट थिएटर में, जिन्हें मनोवैज्ञानिक सजावट का अग्रदूत माना जाता है, जिसने बदले में, अभिव्यक्तिवादी थिएटर की सजावटी कला के अनुभव को काफी हद तक अवशोषित कर लिया। इस दिशा का सार यह था कि मंच पर चित्रित कमरे, सड़कें, शहर, परिदृश्य स्पष्ट रूप से अतिशयोक्तिपूर्ण दिखाई देते थे, अक्सर एक प्रतीकात्मक संकेत तक कम हो जाते थे, जो उनके वास्तविक स्वरूप की सभी प्रकार की विकृतियों के अधीन होते थे, और ये विकृतियाँ नायक की मनःस्थिति को व्यक्त करती थीं, प्रायः अतिनाटकीय, दुखद वीभत्सता के कगार पर। ऐसी सजावट बनाने वाले पहले जर्मन कलाकार थे (एल. सीवर्ट, जेड. क्लेन, एफ. शेफ़लर, ई. बारलाच), फिर उनके बाद चेक गणराज्य (डब्ल्यू. हॉफमैन), पोलैंड (वी. ड्रेबिक) के सेट डिजाइनर आए। , स्कैंडिनेविया और विशेष रूप से रूस। यहां, इस तरह के कई प्रयोग 1910 के दशक में यू. एनेनकोव द्वारा और 1920 के दशक में यहूदी थिएटर के कलाकारों (एम. चैगल, एन. ऑल्टमैन, आई. राबिनोविच, आर. फ़ॉक) द्वारा किए गए थे। पेत्रोग्राद-लेनिनग्राद - एम. ​​लेविन और वी. दिमित्रीव, जो 1930-1940 के दशक में मनोवैज्ञानिक सजावट के अग्रणी मास्टर बन गए ( अन्ना करएनीना, तीन बहने, आखिरी शिकारमॉस्को आर्ट थिएटर में)।

साथ ही, सजावटी कला ने विशिष्ट स्थानों के प्रकारों में भी महारत हासिल की। यह, सबसे पहले, "पर्यावरण" है (अभिनेताओं और दर्शकों दोनों के लिए एक सामान्य स्थान, जो किसी भी रैंप से अलग नहीं होता है, कभी-कभी पूरी तरह से वास्तविक होता है, जैसे, उदाहरण के लिए, एक फैक्ट्री का फर्श गैस मास्कएस. आइज़ेंस्टीन में, या कलाकार ए. रोलर की कला द्वारा आयोजित - बर्लिन सर्कस, लंदन ओलंपिक हॉल, साल्ज़बर्ग चर्च आदि में एम. रेनहार्ड्ट द्वारा प्रस्तुतियों के लिए, और जे. स्टॉफ़र और बी. नॉब्लॉक द्वारा - के लिए मॉस्को रियलिस्टिक थिएटर में एन. ओख्लोपकोवा द्वारा प्रदर्शन); 20वीं सदी के उत्तरार्ध में. एक "पर्यावरण" के रूप में नाटकीय स्थान का डिज़ाइन ई. ग्रोटोव्स्की के "गरीब थिएटर" में वास्तुकार ई. गुरवस्की के काम का मुख्य सिद्धांत बन गया, और फिर विभिन्न विकल्पों में (प्राकृतिक, प्राकृतिक, सड़क सहित) औद्योगिक - फ़ैक्टरी कार्यशालाएँ, रेलवे स्टेशन और आदि) सभी देशों में व्यापक रूप से उपयोग किया जाने लगा है। दूसरे, मंच पर एक एकल संस्थापन बनाया गया था, जिसमें नाटक के नायकों के "घर-निवास" को उसके अलग-अलग कमरों के साथ दर्शाया गया था, जो एक साथ दिखाए गए थे (इस प्रकार वर्गाकार मध्ययुगीन रहस्यों की एक साथ सजावट की याद दिलाते हैं)। तीसरा, सजावटी पेंटिंग, इसके विपरीत, स्टेज सर्कल के घूमने या ट्रक प्लेटफार्मों की गति की मदद से गतिशील रूप से एक दूसरे को बदल देती हैं। अंततः, लगभग पूरी 20वीं सदी के दौरान। शैलीकरण और पूर्वव्यापीकरण की कला की दुनिया की परंपरा व्यवहार्य और बहुत फलदायी रही - पिछले ऐतिहासिक युगों और कलात्मक संस्कृतियों के सांस्कृतिक वातावरण का मंच पर मनोरंजन - एक विशेष नाटक के नायकों के विशिष्ट और वास्तविक आवास के रूप में। (वरिष्ठ विश्व कलाकारों ने इस भावना से काम करना जारी रखा - पहले से ही रूस के बाहर, और मॉस्को और लेनिनग्राद में - एफ. फेडोरोव्स्की, पी. विलियम्स, वी. खोडासेविच, आदि जैसे विभिन्न स्वामी। विदेशी कलाकारों में, अंग्रेजी एच. स्टीवेन्सन ने इसका अनुसरण किया दिशा, आर. व्हिस्लर, जे. बोयस, एस. मेसेल, मोटली, जे. पाइपर;

अप्पिया की परियोजनाओं के बाद कार्रवाई के प्राचीन, सामान्यीकृत दृश्यों को पुनर्जीवित करने की प्रक्रिया में, सबसे महत्वपूर्ण योगदान मॉस्को चैंबर थिएटर के कलाकारों द्वारा किया गया था: ए. एक्सटर, ए. वेस्निन, जी. याकुलोव, भाई वी. और जी. स्टेनबर्ग, वी. रंडिन. उन्होंने ए. ताईरोव के विचार को मूर्त रूप दिया कि डिज़ाइन का मुख्य तत्व मंच मंच की प्लास्टिसिटी है, जो निर्देशक के अनुसार, "वह लचीला और आज्ञाकारी कीबोर्ड है जिसकी मदद से वह (अभिनेता - वी.बी.) पूरी तरह से प्रकट हो सकता है आपकी रचनात्मक इच्छाशक्ति।" इस थिएटर के प्रदर्शनों ने सामान्यीकृत छवियां प्रस्तुत कीं जो ऐतिहासिक युग और इसकी कलात्मक शैली की सर्वोत्कृष्टता का प्रतीक थीं: पुरातनता ( फैमिरा किफ़रेडऔर फ़ेदरा) और प्राचीन यहूदिया ( Salome), गॉथिक मध्य युग ( घोषणाऔर पवित्र मैंजोआना) और इटालियन बारोक ( राजकुमारी ब्रैम्बिला), रूसी 19वीं सदी। ( आंधी) और आधुनिक शहरीकरण ( इंसान, जो गुरूवार था). रूसी थिएटर के अन्य कलाकारों ने 1920 के दशक में इसी दिशा का अनुसरण किया (के. मालेविच, ए. लाविंस्की और वी. खरकोवस्की, एन. ऑल्टमैन - जब उन्होंने मंच पर "संपूर्ण ब्रह्मांड" बनाया, पूरे विश्व को कार्रवाई के दृश्य के रूप में बनाया रहस्य-प्रेमी, या आई. राबिनोविच, जब उन्होंने प्रोडक्शन में "ऑल ऑफ़ हेलस" की रचना की लिसिस्ट्रेटा), साथ ही अन्य यूरोपीय देशों में कलाकार (1920 के दशक में जी. हैंडेल के ओपेरा की प्रस्तुतियों की एक श्रृंखला में एल. जेसनर या एच. हेक्रोथ द्वारा निर्देशित प्रदर्शन में जर्मन अभिव्यक्तिवादी ई. पिरखान) और अमेरिका में (प्रसिद्ध परियोजना) मंच संस्करण के लिए वास्तुकार एन. बेल-गेडेस ईश्वरीय सुखान्तिकी).

नाटक और चरित्र कार्यों को सक्रिय करने की प्रक्रिया में पहल भी रूसी थिएटर के कलाकारों की थी (1920 के दशक में, 1910 के दशक की तरह, वे विश्व परिदृश्य में अग्रणी स्थान पर बने रहे)। प्रदर्शनों की एक पूरी श्रृंखला बनाई गई जिसमें कॉमेडिया डेल'आर्टे और इतालवी कार्निवल संस्कृति (आई. निविंस्की) के गेम डिज़ाइन के पुनर्विचार सिद्धांतों का उपयोग किया गया राजकुमारी टुरंडोट, जी याकुलोव में राजकुमारी ब्रैम्बिला को, वी. दिमित्रीव में पुल्सिनेला), यहूदी लोक प्रदर्शन पुरिमस्पिल(आई. राबिनोविच इन जादूगरनी), रूसी लोकप्रिय प्रिंट (बी. कस्टोडीव इन लेफ्टी, वी. दिमित्रीव में एक लोमड़ी, एक मुर्गा, एक बिल्ली और एक राम के बारे में एक कहानी), अंत में, सर्कस प्रदर्शन, नाटक परिदृश्य की सबसे पुरानी और सबसे स्थिर परंपरा के रूप में (यू. एनेनकोव इन पहला डिस्टिलर, वी. खोडासेविच सर्कस कॉमेडी में एस. रैडलोव, जी. कोज़िंटसेव द्वारा मंचित शादीएस. आइज़ेंस्टीन में समझदार). 1930 के दशक में, इस श्रृंखला को जिप्सी थिएटर "रोमेन" में ए. टायश्लर के कार्यों द्वारा जारी रखा गया था, और दूसरी ओर, बी.जी. नोब्लोक, वी. गित्सेविच, वी. कोरेत्स्की और सबसे ऊपर, एन. , अभिजात. इन सभी प्रदर्शनों की दृश्य छवि वेशभूषा, सामग्री सहायक उपकरण और मंच स्थान के साथ अभिनेताओं के विविध प्रदर्शनों पर बनाई गई थी, जिन्हें कलाकारों द्वारा विभिन्न शैलियों में डिजाइन किया गया था: विश्व-कलात्मक से लेकर क्यूबो-फ्यूचरिस्टिक तक। नाट्य रचनावाद भी उनके पहले और मुख्य कार्य - प्रोडक्शन में इस प्रकार की दृश्यावली के एक रूप के रूप में प्रकट हुआ उदार व्यभिचारी पतिबनाम मेयरहोल्ड और एल. पोपोवा, जहां एक एकल रचनावादी स्थापना "खेलने के लिए उपकरण" बन गई। साथ ही, इस प्रदर्शन में (मेयरहोल्ड की अन्य प्रस्तुतियों की तरह), नाटक दृश्यावली ने कार्यात्मक दृश्यलेखन की आधुनिक गुणवत्ता हासिल कर ली, जिसका प्रत्येक तत्व मंचीय कार्रवाई के लिए इसकी समीचीन आवश्यकता से निर्धारित होता है। ई. पिस्केटर के जर्मन राजनीतिक थिएटर में, और फिर बी. ब्रेख्त के महाकाव्य थिएटर में, और अंत में, चेक थिएटरग्राफ में - ई. ब्यूरियन - एम. ​​कौरज़िल के लाइट थिएटर में विकसित और पुनर्विचार किया गया, कार्यात्मक परिदृश्य का सिद्धांत 20वीं सदी के दूसरे थिएटर आधे में कलाकारों के काम के मुख्य सिद्धांतों में से एक बन गया, जहां इसे व्यापक रूप से और एक निश्चित अर्थ में, सार्वभौमिक रूप से समझा जाने लगा: सभी तीन तरीकों से समान रूप से मंच कार्रवाई के डिजाइन के रूप में अंतर्निहित "आनुवंशिक कोड" - गेमिंग, चरित्र और मंच के वातावरण का संगठन। एक नई व्यवस्था सामने आई है - प्रभावी दृश्यावली, जिसने ऐतिहासिक रूप से पिछली दोनों प्रणालियों (खेल और सजावट) के कार्यों को संभाला।

20वीं सदी के उत्तरार्ध के प्रयोगों की विशाल विविधता के बीच। (फ्रांसीसी शोधकर्ता डी. बबले ने इस प्रक्रिया को बहुरूपदर्शक के रूप में वर्णित किया), प्लास्टिक अवंत-गार्डे की युद्धोत्तर लहर की नवीनतम खोजों और प्रौद्योगिकी (विशेषकर क्षेत्र में) की सभी प्रकार की उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, विभिन्न देशों के थिएटरों में किया गया। मंच प्रकाश व्यवस्था और गतिकी की), दो सबसे महत्वपूर्ण रुझानों की पहचान की जा सकती है। पहले को दृश्यावली द्वारा एक नए सार्थक स्तर के विकास की विशेषता है, जब कलाकार द्वारा बनाई गई छवियां प्रदर्शन में नाटक के मुख्य विषयों और उद्देश्यों को स्पष्ट रूप से शामिल करना शुरू कर देती हैं: नाटकीय संघर्ष की मूल परिस्थितियां, विरोध करने वाली ताकतें नायक, उसकी आंतरिक आध्यात्मिक दुनिया, आदि। इस नई क्षमता में, दृश्यावली सबसे महत्वपूर्ण और कभी-कभी प्रदर्शन का परिभाषित चरित्र बन गई। डी. बोरोव्स्की, डी. लीडर, ई. कोचेरगिन, एस. बरखिन, आई. ब्लमबर्ग्स, ए. फ्रीबर्ग्स, जी. गुनिया और 1960 के दशक के उत्तरार्ध के सोवियत थिएटर के अन्य कलाकारों के कई प्रदर्शनों में यही स्थिति थी - 1970 के दशक का पूर्वार्ध, जब यह प्रवृत्ति अपने चरमोत्कर्ष पर पहुँच गयी। और फिर विपरीत प्रकृति की एक प्रवृत्ति सामने आई, जो मुख्य रूप से पश्चिमी रंगमंच के उस्तादों के कार्यों में प्रकट हुई और 20वीं सदी के अंत और 21वीं सदी की शुरुआत के रंगमंच में अग्रणी स्थान ले लिया। इस प्रवृत्ति से जन्मी दिशा (इसके सबसे प्रमुख प्रतिनिधि जे. स्वोबोडा, वी. मिंक्स, ए. मंटेई, ई. वोंडर, जे. बारी, आर. कोल्टाई हैं) को वाक्यांश द्वारा निर्दिष्ट किया जा सकता है स्टेज डिज़ाइन, इस बात को ध्यान में रखते हुए कि अंग्रेजी भाषा के साहित्य में एक ही वाक्यांश आम तौर पर सभी प्रकार के प्रदर्शन डिजाइन को परिभाषित करता है - सजावटी, खेल और चरित्र)। यहां कलाकार का मुख्य कार्य मंचीय कार्रवाई के लिए स्थान डिजाइन करना और इस कार्रवाई के हर पल के लिए सामग्री, सामग्री और प्रकाश प्रदान करना है। साथ ही, अपनी प्रारंभिक अवस्था में, अंतरिक्ष अक्सर अपने लेखक के नाटक और शैली के संबंध में पूरी तरह से तटस्थ दिख सकता है, और इसमें होने वाली घटनाओं के समय और स्थान का कोई वास्तविक संकेत नहीं होता है। मंचीय कार्रवाई की सभी वास्तविकताएं, उसका स्थान और समय प्रदर्शन के दौरान ही दर्शकों के सामने आते हैं, जब उसकी कलात्मक छवि पैदा होती है, जैसे कि "कुछ भी नहीं" से।

यदि हम आधुनिक विश्व परिदृश्य की तस्वीर को उसकी संपूर्णता में प्रस्तुत करने का प्रयास करते हैं, तो इसमें न केवल ये दो रुझान शामिल हैं - इसमें सबसे विषम व्यक्तिगत कलात्मक समाधानों की एक अतुलनीय विविधता शामिल है। प्रत्येक मास्टर अपने तरीके से काम करता है और मंचीय कार्रवाई का एक बहुत अलग डिज़ाइन बनाता है - नाटकीय या संगीत कार्य की प्रकृति और उसके निर्देशक के पढ़ने पर निर्भर करता है, जो प्रभावी परिदृश्य की प्रणाली का पद्धतिगत आधार है।

विक्टर बेरेज़्किन

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