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V Festival de Invierno del Lejano Oriente dedicado a

55 aniversario del Instituto Estatal de Artes del Lejano Oriente

En 2017, el Instituto Estatal del Lejano Oriente celebra su 55 aniversario.

La primera universidad en Rusia que combinó tres tipos de arte (música, teatro, pintura) se estableció como el Instituto Pedagógico de las Artes del Lejano Oriente. En el año de su 30 aniversario (1992), pasó a llamarse Instituto Estatal de Artes del Lejano Oriente, en 2000 el instituto se convirtió en una academia, en 2015 volvió a llamarse Instituto Estatal de Artes del Lejano Oriente.

En la formación conjunta de músicos, artistas, dramaturgos y directores, se suponía encontrar muchos puntos de contacto: disciplinas comunes o afines, amplias oportunidades que se abren en el campo de las artes sintéticas, por ejemplo, la ópera, donde la música, la pintura y el teatro se combinan, comunicación creativa mutuamente enriquecedora.

El Ministerio de Cultura tomó en serio la creación de una nueva universidad. Se emitieron las órdenes correspondientes: sobre la asignación de patrocinio sobre la Facultad de Música - el Conservatorio Estatal de Moscú. Chaikovski; sobre la facultad teatral - al Instituto Estatal de Arte Teatral. Lunacharski; sobre la facultad de arte - el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura. Repin. Además, se ordenó a estas instituciones educativas donar de sus fondos caballetes, libros de arte, obras académicas, moldes de cabezas antiguas para dibujar, instrumentos musicales, apuntes, libros para la biblioteca. Instituciones educativas secundarias: para proporcionar un número suficiente de solicitantes para el Instituto Pedagógico de Artes del Lejano Oriente.

La creación del Instituto de las Artes se convirtió en un acontecimiento en la vida cultural de Primorsky Krai y de todo el Lejano Oriente. Hubo oportunidad de formar personal altamente calificado para teatros, orquestas, maestros de escuelas y colegios, y artistas.

Los cimientos para la educación superior en el campo del arte en el Lejano Oriente fueron establecidos por excelentes maestros, graduados de universidades centrales: el Conservatorio de Moscú: V.A. Guterman, M. R. Dreyer, V. M. Kasatkin, E. A. Kalganov, AV Mitin; graduados del Conservatorio de Leningrado: A.S. Vvedensky, E.G. Urinson; Conservatorio de los Urales - A.I. Zhilin, Conservatorio de Odessa - S.L. Yaroshevich, GITIS - O.I. Starostin y B.G. Kulnev, graduado del Instituto de Arte de Leningrado. Repin VA Goncharenko y otros. El departamento de música comenzó a estudiar de acuerdo con el plan habitual de los conservatorios, el departamento de arte, de acuerdo con el plan del Instituto. Surikov, teatral - según el plan de la escuela. Shchepkin.

Desde el principio hasta el presente, el Instituto Estatal de Artes del Lejano Oriente ha sido el centro de educación musical, teatral y artística profesional en el Lejano Oriente. El Instituto ha creado un sistema de educación artística de tres niveles (escuela de arte para niños - colegio - universidad creativa):

centro de estética infantil "World of Art", escuela de arte infantil;

Facultad de Música;

universitarios: programas de especialización, licenciatura, maestría, posgrado y pasantías de asistente; programas adicionales de formación avanzada y reciclaje profesional.

El Instituto incluye tres facultades: música (conservatorio), teatro y arte, se ha creado un departamento extranjero (desde 1998).

El Instituto Estatal de Artes del Lejano Oriente es miembro del Consejo Conjunto de Disertación D 999.025.04 en la Universidad Federal del Lejano Oriente (especialidades 17.00.02 - Arte Musical (Historia del Arte) y 24.00.01 - Teoría e Historia de la Cultura (Historia del Arte) y Estudios Culturales).

La actividad científica y creativa del Instituto es extensa y variada. Estos son solo algunos de los proyectos más significativos:

"Cultura del Lejano Oriente de Rusia y los países de la región de Asia y el Pacífico: Este - Oeste" - una conferencia científica anual

I y II Concurso de Música de toda Rusia (etapas regionales).

Concurso internacional de jóvenes músicos-intérpretes "Musical Vladivostok"

"Arte Vladivostok" - Exposición-concurso internacional de trabajos creativos de estudiantes y jóvenes artistas del Lejano Oriente, Rusia y países APEC.

Olimpiada de toda Rusia en temas teóricos musicales "Obras maestras de la cultura musical mundial" para estudiantes de instituciones educativas profesionales y escuelas de arte para niños.

Escuela creativa regional "Surf teatral"

"El debut de jóvenes músicos-intérpretes, laureados de concursos internacionales, residentes de ciudades y pueblos del Lejano Oriente".

Desarrollo profesional de los docentes. instituciones educativas de la rama de cultura y arte de la cultura y escuelas de educación general de la “Academia de las Artes”.

I Certamen-festival de música pop del Lejano Oriente.

Festival regional de la creatividad infantil.

Festival de las Artes de Invierno del Lejano Oriente

Concurso del Lejano Oriente de artes escénicas "Golden Key" para profesores de escuelas de música para niños y escuelas de arte para niños que llevan su nombre. G.Ya.Nizovsky.

I Festival Internacional de Arte Infantil Ruso-Chino "Caleidoscopio Oriental".

Concurso de lectores del Lejano Oriente "Mi amor es mi Rusia"

Concurso Regional de Intérpretes de Música Contemporánea.

Concurso a la mejor interpretación de obras de compositores de la segunda mitad del siglo XX

"Lecturas de Tkachev" - competencia de lectores. Artista del Pueblo de la Federación Rusa L.A. Tkachev, "Esperanza Teatral"

"Plein air"

Clases magistrales a distancia utilizando el Disklavier. Vladivostok - Moscú.

« De la historia de las escuelas creativas del Instituto de Artes: orígenes, tradiciones, maestros destacados…”.

EQUIPO CREATIVO ACTUAL:

Orquesta Sinfónica - laureado del Gran Premio del VII concurso del Lejano Oriente de música instrumental "Metrónomo".

Orquesta de Instrumentos Populares- ganador de los primeros premios de los concursos internacionales IV y V para jóvenes músicos-intérpretes "Musical Vladivostok" 2005–2007, ganador del Gran Premio del V Concurso de toda Rusia que lleva su nombre. N. N. Kalinina (San Petersburgo, 2009)

coro académico - Laureado del concurso regional "Singing Ocean", ganador del Gran Premio del VI Concurso Internacional "Musical Vladivostok".

Conjunto de música de cámara "Concertone" - Laureado del Concurso Internacional Shenderev (1997, III premio), II Concurso Internacional de Beijing (1999, II premio).

Trío instrumental ruso "Vladivostok" en la misma composición desde su fundación en 1990: Artistas de Honor de la Federación Rusa Nikolai Lyakhov (balalaika), Alexander Kapitan (acordeón a botones), Sergey Arbuz (balalaika contrabajo).

Laureados: Concurso internacional que lleva su nombre. G.Shendereva (Rusia, 1997 - Diploma de Plata); 17° Concurso Internacional "Grand Prix" (Francia, Bischwiller, 1997 - Gran Premio y Medalla de Oro); II Concurso internacional de acordeonistas bayan (China, Beijing, 1999 - 1er premio); 38º Concurso Internacional de Acordeón Bayan, (Alemania, Klingenthal, 2001 - 3er premio).

estudio de opera- Laureado del 1er Premio del Concurso Internacional "Musical Vladivostok" (2014, 2016)

Trío "Expecto" - laureado de concursos internacionales para acordeonistas bayan en Harbin (RPC, 2014, 1 premio), en Castelfidardo (Italia), 2015, 1 premio, "medalla de oro".

Cuarteto "Collage" laureado de concursos internacionales para acordeonistas bayan en Harbin (PRC, 2016, 1 premio).

Trío "Oriente" laureado del concurso internacional de Lanciano (Italia, 2014, 1 premio).

Graduados que hayan hecho una contribución significativa al desarrollo de la cultura,

artes y educación artística

Musicólogos, Doctores en Historia del Arte: Profesor de la Universidad Pedagógica Estatal Rusa. Hercena E.V. Gertsman, Profesor del Conservatorio de San Petersburgo, Trabajador de Arte de Honor de Karelia U Gen-Ir, Profesor del Conservatorio Estatal de Moscú. PI. Tchaikovsky R. L. Pospelova, profesora de la Academia Rusa de Ciencias. Gnesinykh E.M. Alkon, Profesor del Departamento de Bellas Artes de la Escuela de Arte de la Cultura y el Deporte de la Universidad Federal del Lejano Oriente G.V. Alekseeva, profesora del Instituto Estatal de Cultura de Moscú N.I. Efimova, profesora, actuación Jefe del Departamento de Filosofía, Historia, Teoría de la Cultura y el Arte, Instituto Estatal de Música de Moscú. AG Schnittke A.G. Alyabiev, profesor del Instituto Estatal de Artes del Lejano Oriente O.M. Shushkova, Yu.L. Fidenko.

Músicos intérpretes: Artista de Honor de la Federación Rusa, jefe del conjunto "Jang" N.I. Erdenko, Artista de Honor de la Federación Rusa, Jefe del Departamento de Dirección Orquestal, Profesor de la Academia Rusa de Música. Gnesinykh B.S. Raven, Artista de Honor de la Federación Rusa, Profesor F.G. Kalman, Artista de Honor de la Federación Rusa, Profesor A.K. Capitán, Laureado del concurso internacional, Artista de Honor de la RS (Y), Profesor del Departamento de Instrumentos Orquestales de Cuerda de la Escuela Superior de Música de la RS (Y) (Instituto) que lleva su nombre. VIRGINIA. Bosikova O.G. Koshelev.

Actores: Artistas del Pueblo de la Federación Rusa A. Mikhailov, S. Stepanchenko, Yu. Kuznetsov, S. Strugachev, Laureado del Premio Estatal V. Priemykhov, Artista de Honor de la Federación Rusa V. Tsyganova; Artistas del Pueblo de la Federación Rusa, actores del Teatro Dramático Regional de Primorsky. Gorky, profesor del departamento de habilidad del actor A.P. Slavsky, V.N. Sergiyakov, Artista del Pueblo de la Federación Rusa, ganador del Premio del Gobierno Ruso en el campo de la cultura, director artístico del Teatro Académico Regional de Primorsky que lleva el nombre de M. Gorky E.S. Zvenyatsky, artistas honrados A.I. Zaporozhets, S. Salakhutdinova.

Artistas de Honor de la Federación Rusa S.A. Litvinov, S.M. Cherkasov, I. I. Dunkay.

Invitamos a todos a los conciertos.

V Festival de las Artes de Invierno del Lejano Oriente,

Información sobre conciertos - en el sitio www.dv-art.ru

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Dmitry Borovsky, mayo de 1998

Arte: Resumen del Lejano Oriente

La vasta región, conocida convencionalmente como el Lejano Oriente, incluye China, Japón, Corea, Mongolia y el Tíbet, países que tienen una serie de similitudes, pero al mismo tiempo diferencias significativas en la cultura.

Todos los países del Lejano Oriente fueron influenciados por las antiguas civilizaciones de China e India, donde ya en el primer milenio antes de Cristo, surgieron enseñanzas filosóficas y religiosas que sentaron las bases para el concepto de la naturaleza como un Cosmos integral, vivo y espiritualizado. organismo que vive de acuerdo con sus propias leyes.

La naturaleza estuvo en el centro de las búsquedas filosóficas y artísticas de todo el período medieval, y sus leyes se consideraban universales, determinando la vida y las relaciones de las personas. Se comparó el mundo interior del hombre con las diversas manifestaciones de la naturaleza. Esto influyó en el desarrollo del método simbólico en las artes visuales, definiendo su lenguaje poético alegórico. En China, Japón y Corea, bajo la influencia de tal actitud hacia la naturaleza, se formaron tipos y géneros de arte, se construyeron conjuntos arquitectónicos estrechamente relacionados con el paisaje circundante, nació el arte de la jardinería paisajística y, finalmente, amaneció la pintura de paisajes.

Bajo la influencia de la antigua civilización india, el budismo comenzó a extenderse y el hinduismo también comenzó a extenderse en Mongolia y el Tíbet. Estos sistemas religiosos trajeron no solo nuevas ideas a los países del Lejano Oriente, sino que también tuvieron un impacto directo en el desarrollo del arte. Gracias al budismo, apareció en todos los países de la región un nuevo lenguaje artístico de escultura y pintura hasta ahora desconocido, se crearon conjuntos, cuyo rasgo característico fue la interacción de la arquitectura y las bellas artes.

Las características de la imagen de las deidades budistas en la escultura y la pintura evolucionaron durante muchos siglos como un lenguaje simbólico especial que expresaba ideas sobre el universo, las leyes morales y el destino del hombre. Así, se consolidaron y preservaron la experiencia cultural y las tradiciones espirituales de muchos pueblos. Las imágenes del arte budista encarnaron las ideas de la confrontación entre el bien y el mal, la misericordia, el amor y la esperanza. Todas estas cualidades determinaron la originalidad y el significado universal de las creaciones sobresalientes de la cultura artística del Lejano Oriente.

Arte: Japón

Japón está ubicado en las islas del Océano Pacífico, que se extiende a lo largo de la costa este del continente asiático de norte a sur. Las islas japonesas están ubicadas en un área propensa a frecuentes terremotos y tifones. Los habitantes de las islas están acostumbrados a estar constantemente en guardia, contentos con una vida modesta, restaurando rápidamente sus hogares y hogares después de los desastres naturales. A pesar de los elementos naturales que amenazan constantemente el bienestar de las personas, la cultura japonesa refleja el deseo de armonía con el mundo exterior, la capacidad de ver la belleza de la naturaleza en grandes y pequeños. En la mitología japonesa, los esposos divinos, Izanagi e Izanami, eran considerados los ancestros de todo en el mundo. De ellos surgió una tríada de grandes dioses: Amaterasu, la diosa del Sol, Tsukiyomi, la diosa de la Luna y Susanoo, el dios de la tormenta y el viento. Según las ideas de los antiguos japoneses, las deidades no tenían una apariencia visible, sino que estaban encarnadas en la naturaleza misma, no solo en el Sol y la Luna, sino también en montañas y rocas, ríos y cascadas, árboles y pastos, que eran venerados como espíritus-kami (la palabra kami significa en japones Viento divino). Esta deificación de la naturaleza persistió durante todo el período de la Edad Media y se denominó sintoísmo - el camino de los dioses, convirtiéndose en la religión nacional japonesa; Los europeos lo llaman Shinto.

Los orígenes de la cultura japonesa tienen sus raíces en la antigüedad. Las primeras obras de arte datan del cuarto al segundo milenio antes de Cristo. El más largo y fructífero para el arte japonés fue el período de la Edad Media (siglo VI-XIX).

Arte: Japón: Arquitectura: Casa tradicional japonesa

El diseño de una casa tradicional japonesa desarrollado por los siglos XVII-XVIII. Es un marco de madera con tres paredes móviles y una fija. Los muros no cumplen las funciones de soporte, por lo que pueden separarse o incluso retirarse, sirviendo al mismo tiempo de ventana. En la estación cálida, las paredes eran una estructura de celosía, pegada con papel translúcido que dejaba pasar la luz, y en la estación fría y lluviosa se cubrieron o reemplazaron con paneles de madera. Con mucha humedad en el clima japonés, la casa debe ventilarse desde abajo. Por lo tanto, se eleva sobre el nivel del suelo en 60 cm Para proteger los pilares de soporte de la descomposición, se instalaron sobre cimientos de piedra.

El marco de madera liviana tenía la flexibilidad necesaria, lo que redujo la fuerza destructiva del empuje durante los frecuentes terremotos en el país. El techo, de teja o caña, tenía grandes marquesinas que protegían las paredes de papel de la casa de la lluvia y el sol abrasador del verano, pero no retenían la luz del sol en invierno, principios de primavera y finales de otoño. Debajo del dosel del techo había una galería.

El piso de las salas de estar estaba cubierto con esteras - tatamis, que en su mayoría estaban sentados en lugar de parados. Por tanto, todas las proporciones de la casa estaban enfocadas a una persona sentada. Como no había muebles fijos en la casa, dormían en el suelo, sobre colchones gruesos especiales, que se guardaban en los armarios durante el día. Comían, sentados sobre esteras, en mesas bajas, también servían para diversas actividades. Los tabiques internos corredizos, revestidos con papel o seda, podían dividir el local interno según las necesidades, lo que permitía utilizarlo de manera más diversa, sin embargo, era imposible que cada uno de sus habitantes se retirara por completo dentro de la casa, lo que afectaba intramuros. -relaciones familiares en la familia japonesa, y en un sentido más general - sobre las características del carácter nacional de los japoneses.

Un detalle importante de la casa - un nicho ubicado cerca de una pared fija - tokonama, donde podría colgarse un cuadro o una composición de flores - ikebana podría colocarse. Era el centro espiritual de la casa. En la decoración del nicho se manifestaron las cualidades individuales de los habitantes de la casa, sus gustos e inclinaciones artísticas.

La continuación de la casa tradicional japonesa fue jardín. Jugó el papel de una cerca y al mismo tiempo conectó la casa con el entorno. Cuando se separaron los muros exteriores de la casa, desapareció el límite entre el espacio interior de la casa y el jardín y se creó una sensación de cercanía con la naturaleza, de comunicación directa con ella. Esta fue una característica importante de la actitud nacional. Sin embargo, las ciudades japonesas crecieron, el tamaño del jardín disminuyó, a menudo fue reemplazado por una pequeña composición simbólica de flores y plantas, que cumplía el mismo papel de contacto entre la vivienda y el mundo natural.

Arte: Japón: Ikebana

El arte de colocar flores en jarrones - ikebana (flor de la vida) - se remonta a la antigua costumbre de depositar flores en el altar de una deidad, que se extendió a Japón junto con el budismo en el siglo VI. La mayoría de las veces, la composición está en el estilo de esa época: rikka (flores entregadas) - consistía en una rama de pino o ciprés y lotos, rosas, narcisos, instalados en antiguas vasijas de bronce.

Con el desarrollo de la cultura secular en los siglos X-XII, se instalaron composiciones florales en palacios y barrios residenciales de representantes de la clase aristocrática. En la corte imperial, se hicieron populares los concursos especiales de arreglo de ramos de flores. En la segunda mitad del siglo XV, apareció una nueva dirección en el arte del ikebana, cuyo fundador fue el maestro. Ikenobo Senei. Las obras de la escuela Ikenobo se distinguían por su especial belleza y sofisticación, se instalaban en altares domésticos y se presentaban como obsequios.

En el siglo XVI, con la difusión ceremonias del té se formó un tipo especial de ikebana para decorar un nicho - tokonoma en el pabellón de té. El requisito de simplicidad, armonía, colores sobrios, presentado a todos los objetos del culto del té, se extendió al diseño de flores. tiabana (ikebana para la ceremonia del té). famoso maestro del té Senno Rikyu creó un estilo nuevo y más libre - nageire (flores arregladas descuidadamente), aunque en el aparente desorden residía la especial complejidad y belleza de las imágenes de este estilo. Uno de los tipos de nageire era el llamado tsuribana, cuando las plantas se colocaban en un recipiente suspendido en forma de bote. Tales composiciones fueron presentadas a una persona que asumió el cargo o se graduó de la escuela, ya que simbolizaban "una salida al mar abierto de la vida".

En los siglos XVII-XIX, el arte del ikebana se generalizó y surgió la costumbre de entrenar obligatoriamente a las niñas en el arte de hacer ramos de flores. Sin embargo, debido a la popularidad del ikebana, las composiciones se simplificaron y hubo que abandonar las estrictas reglas de estilo. rikka a favor nageire de la que surgió otro nuevo estilo seika o shoka (flores naturales). A finales del siglo XIX el maestro Ohara usando creó un estilo moribana, cuya principal innovación fue que las flores se colocaron en recipientes anchos.

En la composición de ikebana, por regla general, hay tres elementos obligatorios, que denotan los tres principios: Cielo, Tierra y Hombre. Se pueden encarnar como una flor, una rama y una hierba. Su correlación entre sí y elementos adicionales crea obras de diferente estilo y contenido. La tarea del artista no es solo crear una composición hermosa, sino también transmitir de la manera más completa sus propios pensamientos sobre la vida de una persona y su lugar en el mundo. Las obras de destacados maestros de ikebana pueden expresar esperanza y tristeza, armonía espiritual y tristeza.

Según la tradición en ikebana, la época del año se reproduce necesariamente, y la combinación de plantas forma buenos deseos simbólicos muy conocidos en Japón: pino y rosa - longevidad; peonía y bambú: prosperidad y paz; crisantemo y orquídea - alegría; magnolia - pureza espiritual etcétera.

Arte: Japón: Escultura: Netsuke

Escultura en miniatura: el netsuke se generalizó en los siglos XVIII y XIX como uno de los tipos de artes y oficios. Su apariencia se debe al hecho de que el traje nacional japonés, el kimono, no tiene bolsillos y todos los artículos pequeños necesarios (pipa, bolsa, caja de medicamentos etcétera) se sujetan al cinturón con la ayuda de un llavero-contrapeso. Netsuke, por lo tanto, necesariamente tiene un orificio para un cordón, con la ayuda del cual se le une el objeto deseado. Anteriormente se usaban baratijas en forma de palos y botones, pero desde finales del siglo XVIII, maestros de renombre ya trabajaron en la creación de netsuke, poniendo su firma en las obras.

Netsuke es el arte de la clase urbana, de masas y democrática. De acuerdo con las tramas de netsuke, uno puede juzgar las necesidades espirituales, los intereses cotidianos, las costumbres y costumbres de la gente del pueblo. Creían en espíritus y demonios, que a menudo se representaban en esculturas en miniatura. Amaban las figuras de los "siete dioses de la felicidad", entre los cuales el dios de la riqueza Daikoku y el dios de la felicidad Fukuroku eran los más populares. Las tramas constantes de netsuke fueron las siguientes: berenjena partida con muchas semillas adentro, el deseo de una gran descendencia masculina, dos patos, un símbolo de felicidad familiar. Una gran cantidad de netsuke están dedicados a temas cotidianos y la vida cotidiana de la ciudad. Estos son actores y magos ambulantes, vendedores ambulantes, mujeres dedicadas a diversas actividades, monjes errantes, luchadores, incluso los holandeses en su ropa exótica, desde el punto de vista de los japoneses: sombreros de ala ancha, camisolas y pantalones.

Distinguidos por la diversidad temática, los netsuke conservaron su función original de llavero, y este propósito dictó a los artesanos una forma compacta sin detalles frágiles que sobresalgan, redondeada, agradable al tacto. La elección del material también está relacionada con esto: no muy pesado, duradero, que consta de una sola pieza. Los materiales más comunes fueron diferentes tipos de madera, marfil, cerámica, laca y metal.

Arte: Japón: pintura y gráfica

La pintura japonesa es muy diversa no solo en contenido, sino también en forma: se trata de pinturas murales, biombos, volutas verticales y horizontales, ejecutadas sobre seda y papel, hojas de álbumes y abanicos.

Sobre la pintura antigua solo se puede juzgar por referencias en documentos escritos. Las obras destacadas más antiguas que se conservan datan del período Heian (794-1185). Estas son ilustraciones del famoso "El cuento del príncipe Genji" del escritor Murasaki Shikibu. Las ilustraciones se realizaron en varios rollos horizontales y se complementaron con texto. Se atribuyen al pincel del artista Fujiwara Takayoshi (primera mitad del siglo XII).

Un rasgo característico de la cultura de esa época, creado por un círculo bastante estrecho de la clase aristocrática, fue el culto a la belleza, el deseo de encontrar en todas las manifestaciones de la vida material y espiritual su encanto inherente, a veces esquivo y esquivo. Pintura de esa época, más tarde llamada yamato-e (literalmente pintura japonesa), no transmitía una acción, sino un estado de ánimo.

Cuando los duros y valientes representantes de la clase militar llegaron al poder, la cultura de la era Heian comenzó a declinar. En la pintura de los rollos, se estableció el principio narrativo: se trata de leyendas sobre milagros llenas de episodios dramáticos, biografías de predicadores de la fe budista, escenas de batallas de guerreros.

En los siglos XIV-XV, bajo la influencia de las enseñanzas de la secta Zen, con su especial atención a la naturaleza, comenzó a desarrollarse la pintura de paisaje (inicialmente bajo la influencia de modelos chinos).

Durante un siglo y medio, los artistas japoneses dominaron el sistema artístico chino, convirtiendo la pintura monocromática de paisajes en propiedad del arte nacional. Su mayor floración está asociada al nombre del destacado maestro Toyo Oda (1420..1506), más conocido bajo el seudónimo de Sesshu. En sus paisajes, usando solo los tonos más finos de tinta negra, logró reflejar toda la multicoloridad del mundo natural y sus innumerables estados: la atmósfera saturada de humedad de principios de la primavera, el viento invisible pero sentido y la fría lluvia otoñal, el inmóvil quietud del invierno.

El siglo XVI abre la era de la llamada Baja Edad Media, que duró tres siglos y medio. En este momento, las pinturas murales se generalizaron, decorando los palacios de los gobernantes del país y los grandes señores feudales. Uno de los fundadores de la nueva dirección de la pintura fue el famoso maestro Kano Eitoku, que vivió en la segunda mitad del siglo XVI. El grabado en madera (xilografía), que floreció en los siglos XVIII y XIX, se convirtió en otro tipo de bellas artes de la Edad Media. El grabado, como la pintura de género, se llamaba ukiyo-e (imágenes del mundo cotidiano). Además del artista que creó el dibujo y escribió su nombre en la hoja terminada, el grabado fue creado por un tallador y un impresor. Al principio, el grabado era monofónico, estaba pintado a mano por el propio artista o por el comprador. Luego se inventó la impresión en dos colores, y en 1765 el artista Suzuki Harunobu (1725-1770) utilizó por primera vez la impresión multicolor. Para hacer esto, el tallador colocó un papel de calco con un patrón en un tablero aserrado longitudinal especialmente preparado (de peral, cerezo o boj japonés) y recortó la cantidad requerida de tableros impresos, según el esquema de color del grabado. A veces había más de 30 y. Después de eso, la impresora, eligiendo los tonos correctos, realizó impresiones en papel especial. Su habilidad consistía en lograr una coincidencia exacta de los contornos de cada color, obtenidos de diferentes tablas de madera.

Todos los grabados se dividieron en dos grupos: teatral, que representaba a los actores del teatro Kabuki clásico japonés en varios roles, y escritura cotidiana, dedicada a la representación de bellezas y escenas de sus vidas. El maestro más famoso del grabado teatral fue Toshyushay Syaraku, quien representó los rostros de los actores en primer plano, enfatizando las características del papel que desempeñaban, los rasgos característicos de la persona reencarnada como el personaje de la obra: ira, miedo, crueldad, engaño.

Artistas tan destacados como Suzuki Harunobu y Kitagawa Utamaro se hicieron famosos en el grabado de la vida cotidiana. Utamaro fue la creadora de imágenes femeninas que encarnaban el ideal nacional de belleza. Sus heroínas parecen haberse congelado por un momento y ahora continuarán su movimiento suave y elegante. Pero esta pausa es el momento más expresivo cuando la inclinación de la cabeza, el gesto de la mano, la silueta de la figura transmiten los sentimientos que viven.

El grabador más famoso fue el brillante artista Katsushika Hokusai (1776-1849). El trabajo de Hokusai se basa en la cultura pictórica centenaria de Japón. Hokusai realizó más de 30.000 dibujos e ilustró unos 500 libros. Ya a la edad de setenta años, Hokusai creó una de las obras más importantes: la serie 36 Vistas de Fuji, que lo pone a la par de los artistas más destacados del arte mundial. Mostrando el Monte Fuji, el símbolo nacional de Japón, desde diferentes lugares, Hokusai revela por primera vez la imagen de la patria y la imagen del pueblo en su unidad. El artista vio la vida como un solo proceso en toda la diversidad de sus manifestaciones, que van desde los simples sentimientos de una persona, sus actividades diarias y terminando con la naturaleza circundante con sus elementos y belleza. La obra de Hokusai, que absorbió la experiencia secular del arte de su pueblo, es el último apogeo de la cultura artística del Japón medieval, su notable resultado.

Arte: Japón: fuentes de información

Enciclopedia Microsoft Encarta 97 Edición mundial en inglés. Microsoft Corp., Redmond, 1996;

Recursos de Internet (Worldwide Web);

"Enciclopedia para niños", Volumen 6 ("Religiones del mundo"), Segunda parte. Editorial "Avanta +", Moscú, 1996;

"Enciclopedia para niños", volumen 7 ("Arte"), primera parte. Editorial "Avanta +", Moscú, 1997;

Enciclopedia "Mitos de los pueblos del mundo". Editorial "Enciclopedia soviética", Moscú, 1991.

Arte: Japón: Glosario

Grabado- vista gráficos, en el que la imagen es una impresión impresa de un dibujo aplicado a un tablero de madera, linóleo, metal, piedra; la propia imagen sobre madera, linóleo, cartón etcétera.

Ikebana("flores vivas") - el arte japonés de arreglar ramos de flores; el propio ramo, compuesto según los principios de ikebana.

Kondo(Salón Dorado) - el templo principal del complejo del monasterio budista japonés; más tarde se hizo conocido como Hondo.

Kaizuma- en la arquitectura japonesa, un enorme techo a dos aguas de un santuario sintoísta; Estaba hecho de paja o corteza de ciprés, más tarde de tejas.

Xilografía - grabado en el árbol.

H´ etsuke- una figurilla en miniatura hecha de marfil, madera u otros materiales; servía como llavero con el que se sujetaban objetos pequeños (por ejemplo, una billetera) al cinturón; perteneciente al traje nacional japonés.

Pagoda- en la arquitectura budista de los países del Lejano Oriente y el Sudeste Asiático, una torre conmemorativa de varios niveles - relicario con un número impar (afortunado) de niveles.

R´ impa- Escuela de pintura japonesa 17..18 siglos; gravitado hacia temas literarios de siglos pasados; transmite las experiencias líricas de los personajes.

Relicario- un depósito para almacenar reliquias.

Tyaniva("jardín del té") - en la arquitectura de Japón, un jardín asociado con la ceremonia del té - tracción; forma un solo conjunto con un pabellón de té - chashitsu.

tyano´ Yu("ceremonia del té") - en la vida espiritual de Japón, un ritual filosófico y estético de unir a las personas, ayudándolas a desconectarse del ajetreo y el bullicio de la vida.

Ukiyo-e("imágenes del mundo cotidiano") - una escuela de pintura japonesa y xilografías 17..19 siglos, reflejando la vida y los intereses de la población urbana; heredó las tradiciones de la pintura de género de los siglos XV-XVI.

Hanivá("círculo de arcilla") - antigua cerámica funeraria japonesa; llamado así por el método de fabricación: los anillos de arcilla esculpidos a mano se colocan uno encima del otro; período del amanecer - 5..6 siglos.

Yamato-´ oh("Pintura japonesa") - en las bellas artes de Japón desde los siglos X - XI, una dirección independiente, opuesta a la pintura china; se reprodujeron tramas de cuentos, novelas y diarios japoneses medievales; siluetas, puntos de colores vivos, intercalados con lentejuelas doradas y plateadas se combinaron expresivamente.

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arte de la india

La primera civilización en suelo indio fue la cultura Harappa en el valle del Indo, que floreció en el 2500 a.C. Antes de desaparecer bajo la embestida de las tribus arias, se inmortalizó con una serie de maravillosas obras maestras de escultura y urbanismo. Con el tiempo, los arios se apoderaron de todo el norte de la India, pero durante mil años de dominio no dejaron ningún monumento artístico. Los cimientos de la tradición artística india se establecieron solo en el siglo III a.

El arte indio era originalmente de naturaleza religiosa y reflejaba las cosmovisiones del hinduismo, el jainismo y el budismo. Desde la antigüedad, los hindúes se han distinguido por una mayor percepción del mundo circundante, y la arquitectura ocupó legítimamente el lugar principal en su arte.

En las esculturas antiguas que salieron de debajo del cincel de los representantes del budismo ascético, aún no hay rastro de un amor desbordante por la vida. Hubo un tiempo en que incluso estaba prohibido crear imágenes de retratos de Buda. Sin embargo, después del levantamiento de la prohibición en la provincia nororiental de Gandhara, comenzaron a aparecer estatuas de Buda en forma de hombre, creadas en el estilo helénico "greco-budista", que tuvo un impacto notable en el arte de la toda la región.

En la provincia de Gandhara en los primeros siglos d.C. apareció una nueva escuela de arte que combinaba los cánones budistas tradicionales con algunos rasgos del arte griego, traída a la India por las tropas de Alejandro Magno (finales del siglo IV a. C.). Así, innumerables imágenes de Buda hechas de piedra y golpeando (una mezcla de yeso, virutas de mármol y pegamento) adquirieron un rostro alargado característico, ojos muy abiertos y una nariz fina.

Un estilo relativamente sobrio también prevaleció en la era clásica de Gupta (320-600 d. C.), aunque en ese momento el budismo había absorbido muchos elementos de los mitos hindúes. Por ejemplo, los yakshini, deidades femeninas del bosque, fueron representadas por escultores budistas en forma de bailarinas hinchadas de una manera muy alejada del ascetismo.

En cualquiera de las obras de arte indio, budista o hindú, la información religiosa y filosófica se codificó inicialmente en forma codificada. Entonces, la pose en la que se representa al Buda es extremadamente importante: la meditación o las enseñanzas. Hay rasgos canónicos de la apariencia de Buda: lóbulos de las orejas alargados, deformados por las condecoraciones que llevaba en su juventud, cuando era príncipe; cabello recogido en moños en espiral en la cabeza, etc. Dichos detalles le dan al espectador una pista para ayudar a determinar la idea y, en consecuencia, el ritual necesario para comunicarse con la deidad. El arte hindú también está fuertemente codificado. Cualquier detalle, incluso pequeño, es importante aquí: el giro de la cabeza de la deidad, la posición y el número de manos, el sistema de decoraciones. La famosa figura del dios danzante Shiva es toda una enciclopedia del hinduismo. Con cada salto de su danza crea o destruye Mundos; cuatro brazos significan poder infinito; un arco con llamas es un símbolo de energía cósmica; una pequeña figura femenina con cabello: la diosa del río Ganges, etc. El cifrado del significado es característico del arte de varios países del sudeste asiático que forman parte del área de la cultura hindú.

El estado de ánimo de los murales de los templos de las cuevas de Ajanta recrea una imagen vívida de la vida de la antigua India, que asombra con el brillo y la armonía de las composiciones de múltiples figuras.

Ajanta es una especie de monasterio, una universidad donde viven y estudian los monjes. Los templos de Ajanta están tallados en 29 rocas, que se encuentran junto a las coloridas orillas del río Wagharo. Las fachadas de estos templos rupestres pertenecen al período Guptu de lujosas esculturas decorativas.

Los monumentos escultóricos de Ajanta continúan con las viejas tradiciones, pero las formas son mucho más libres y mejoradas. Casi todo dentro del templo está inscrito. Los temas de la pintura están tomados de la vida de Buda y están conectados con las escenas mitológicas de la India antigua. Aquí se representan con maestría personas, pájaros, animales, plantas y flores.

La arquitectura india se puede llamar una especie de escultura, ya que muchos santuarios no se construyeron con adornos individuales, sino que se tallaron en un monolito de piedra y, en el curso del trabajo, se cubrieron con una rica alfombra de decoraciones escultóricas.

Este rasgo fue especialmente pronunciado en los miles de templos que surgieron durante el renacimiento hindú entre 600 y 1200 EC. Las torres de varios niveles parecidas a montañas están cubiertas con bajorrelieves y estatuas talladas, lo que le da a los templos de Mamallapuram y Ellora un aspecto inusualmente orgánico.

La influencia del arte budista e hindú se siente mucho más allá de la India. Angkor Wat es el más grande de los muchos templos hindúes construidos en Kalebodja en los siglos X-XII. Este es un enorme complejo con foso de cinco torres cónicas talladas, la central de las cuales se elevó 60 metros hacia el cielo. Entre los templos budistas, el santuario único en la colina no tiene igual. Borobudur, en la isla de Java, en el que la riqueza de la decoración escultórica está sujeta a un estricto diseño arquitectónico. En otros lugares - Tíbet, China y Japón - el budismo también dio lugar a tradiciones artísticas muy desarrolladas y originales.

Se produjeron cambios significativos en las tradiciones de la creatividad artística con la difusión de una nueva religión: el Islam, traído a la India por los conquistadores árabes en el siglo VIII. La influencia de la cultura islámica alcanzó su apogeo bajo los mogoles, que gobernaron la mayor parte de la India desde el siglo XVI. La construcción de magníficas mezquitas y tumbas se hizo famosa por el sultán Akbar (1556 - 1605) y sus sucesores, Dzhan-Igry y Shah Jahan.

Taj Mahal es una joya de la arquitectura india. En duelo por la muerte de su esposa al dar a luz, el emperador Shah Jahan erigió este mausoleo de mármol blanco en Agra, hábilmente decorado con un mosaico de piedras preciosas. Rodeada por un jardín, la tumba real se encuentra a orillas del río Jamna. El edificio de mármol blanco se eleva sobre un pedestal de siete metros. En planta, representa un octágono, o más bien un cuadrado con las esquinas recortadas. Todas las fachadas están cortadas con nichos altos y profundos. El mausoleo está coronado con una cúpula redonda de "cebolla", que los poetas compararon con una "nube que descansa sobre un trono de aire" por su ligereza y armonía. Su impresionante volumen se destaca por cuatro pequeñas cúpulas de minaretes que se alzan a lo largo de los bordes de la plataforma. El espacio interior es pequeño y está ocupado por dos cenotafios (tumbas falsas) de Mumtaz y el propio Shah Jahan. Los entierros en sí están en la cripta debajo de los edificios.

Bajo los mogoles, floreció el arte en miniatura que vino de Persia. El término "miniatura" se utiliza para referirse a ilustraciones pintorescas de libros de cualquier formato. Sultan Akbar atrajo a artistas de toda la India, incluidos hindúes, para crearlos. En los talleres de la corte se desarrolló un enérgico estilo secular que difería en muchos aspectos de la tradición decorativa persa. Brillantes como gemas, llenas de dinamismo, las miniaturas de la era mogol nos ofrecen una imagen asombrosamente vívida de la vida india antes del reinado del fanático Aurangzeb (1658-1707).

arte de china

La civilización china es la única de todas que ha preservado la continuidad centenaria de las tradiciones culturales. Algunos rasgos típicos chinos -la afición por el juego de los medios tonos y la textura sedosa del jade- se remontan a tiempos prehistóricos. El gran arte chino se originó alrededor del 1500 a. C., en la era de la dinastía Shang-Yin, con el surgimiento de la escritura jeroglífica y la adquisición del gobernante supremo del estado divino de "hijo del cielo".

Este período de 500 años incluye una gran variedad de vasijas de bronce macizas y sombrías para sacrificios a los antepasados, decoradas con símbolos abstractos. De hecho, estas son imágenes extremadamente estilizadas de criaturas míticas, incluidos los dragones. El culto a los antepasados ​​inherente a muchas civilizaciones ha ocupado un lugar central en las creencias de los chinos. Sin embargo, en el arte de los siglos posteriores, el espíritu de misterio mágico dio paso gradualmente a la fría contemplación.

En la era de Shang-Yin, comenzó a formarse el antiguo plan circundante de ciudades (Anyang), en cuyo centro se construyeron el palacio y el templo del gobernante. Las casas residenciales y el palacio se construyeron con una mezcla sólida de tierra (loess) y un aditivo de madera sin piedras. Aparecieron pictografías y registros jeroglíficos, base del calendario lunar. Fue en este momento que se formó el estilo de ornamento, que se ha conservado durante muchos siglos. Los platos de bronce simples estaban decorados en el exterior con imágenes simbólicas, y en el interior, con inscripciones jeroglíficas, con los nombres de personas nobles o inscripciones dedicatorias. Durante este período, las imágenes simbólicas están alejadas de la realidad y se distinguen por una forma abstracta.

El sistema de taoísmo y confucianismo religioso y filosófico hizo una gran contribución a la cultura y el arte. A mediados del primer milenio antes de Cristo. formó los principios básicos de la arquitectura y la planificación urbana. Se construyeron muchas fortificaciones, los muros defensivos separados del norte del imperio comenzaron a unirse en una Gran Muralla China continua (siglo III a. C. - siglo XV; altura de 5 a 10 metros, ancho de 5 a 8 metros y una longitud de 5000 km.) con torres de vigilancia cuadrangulares. Se forman estructuras de marco, tipos de madera (más tarde ladrillo) de un plano de construcción rectangular. Los techos a dos aguas de los edificios estaban cubiertos con paja (más tarde tejas). Los mausoleos subterráneos de dos pisos se están extendiendo. Sus paredes y techos estaban decorados con pinturas murales, incrustaciones, cerca se colocaron estatuas de piedra de animales fantásticos. Aparecieron tipos característicos de la pintura china.

Después de siglos de conflictos civiles, China fue unida por el emperador de la dinastía Qin (c. 221 - 209 a. C.). Un hallazgo arqueológico único habla de la sed maníaca de auto-engrandecimiento de este señor. Tomada en 1974, se encontró en la tumba del emperador un ejército de guerreros de terracota (cerámica sin esmaltar) de tamaño humano destinados a servirle en el más allá.

Durante los años de la dinastía Han (209 a. C. - 270 d. C.), China se convirtió en un gran imperio con una estructura social compleja. El confucianismo, doctrina ética que predicaba la moderación y la fidelidad al deber familiar y cívico, tuvo un profundo impacto en la cosmovisión de los chinos, especialmente en la casta de los funcionarios eruditos, formada por el sistema de exámenes de admisión al servicio público. Los funcionarios, a menudo artistas y poetas, desempeñaron un papel destacado en el desarrollo del arte chino. El taoísmo introdujo nuevos elementos, una enseñanza intuitiva y mágica cercana a la naturaleza que surgió en la era Han.

El arte han ha llegado hasta nosotros principalmente en forma de obsequios funerarios: ropa, joyas y cosméticos, así como figurillas de bronce y cerámica, bajorrelieves y azulejos con figuras. El budismo, que vino de la India, inspiró a los maestros chinos a buscar nuevas formas y técnicas artísticas, que se manifestaron en templos rupestres tallados a la manera india y estatuas de Yunygan.

A juzgar por los pocos monumentos que nos han llegado, en la era Han se desarrollaron fuertes tradiciones de pintura, que se distinguen por una asombrosa ligereza y libertad de pincel. Posteriormente, la pintura se convirtió en un arte verdaderamente de masas, y durante muchos siglos China ha dado al mundo muchos artistas, escuelas y movimientos destacados. Una percepción sutil de la belleza de la naturaleza circundante puso de relieve el género del paisaje, especialmente el paisaje montañoso, que es muy importante en el arte chino; este género no tiene análogos en las culturas. Las imágenes a menudo se creaban como ilustraciones para poemas u otras obras, y la impecable caligrafía de las inscripciones se veneraba como un arte en sí mismo.

Aunque la cerámica se produce en China desde hace miles de años, en el período Tang (618-906) esta artesanía adquirió las características de un arte genuino. Fue en este momento cuando aparecieron nuevas formas y esmaltes de colores, dando a los productos un aspecto colorido. Entre los monumentos más famosos de esta dinastía se encuentran las figurillas funerarias de cerámica de personas y animales, que no eran inferiores en expresividad a las grandes formas estructurales. Hermosas figuras ecuestres de la era Tang se distinguen por su especial belleza y expresión.

En los albores de la era Tang, los chinos dominaron el secreto de la fabricación de porcelana. Este material delgado, duro, translúcido y de color blanco puro no tenía paralelo en finura, que fue perfeccionada por una mano de obra exquisita en la dinastía Song (960-1260) y las dinastías posteriores. La famosa porcelana azul y blanca se fabricó durante la dinastía mongola Yuan (1260-1368).

El antiguo libro chino de sabiduría y adivinación, llamado "Libro de los Cambios", desempeñó un papel importante en la historia de la cultura china. Aquí el mundo se entiende como una especie de embrión, dentro del cual se combinaron la fuerza luminosa masculina - yang y la fuerza oscura femenina - yin. Estos dos principios no existen uno sin el otro. El Libro de los Cambios tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior del pensamiento estético y el arte chino.

Al comienzo de la era Song, los chinos comenzaron a coleccionar obras de arte de dinastías pasadas, y los artistas a menudo revivieron los estilos de la antigüedad. Sin embargo, el arte de la era Ming (1368-1644) y de principios de la era Qing (1644-1912) es valioso en sí mismo, a pesar del desvanecimiento gradual de la energía creativa.

Durante las dinastías Ming y Qing, se formaron ciudades simétricas de planta regular con una parte interior y otra exterior. La capital Beijing fue casi reconstruida. El arte aplicado ha alcanzado tal nivel que ha creado la imagen de China en Europa.

Arte de Japón

De siglo en siglo, Japón se ha desarrollado al margen de todas las civilizaciones, con la excepción de China. El crecimiento de la influencia china comenzó en los siglos V y VI, cuando, junto con el nuevo sistema de gobierno estatal, la escritura, el budismo y diversas artes llegaron a Japón desde el continente. Los japoneses siempre han sido capaces de absorber las innovaciones extranjeras, dándoles características nacionales. Por ejemplo, la escultura japonesa le dio mucha más importancia a la semejanza del retrato que la china.

El desarrollo de la pintura japonesa se vio facilitado por los contactos con el continente, del cual, a principios del siglo VII, se tomó prestado el arte de hacer pinturas, papel y tinta.

De gran importancia para el destino de la pintura japonesa, así como de la escultura, fue la difusión del budismo en el país, ya que las necesidades de la práctica del culto budista crearon una cierta demanda de obras de este tipo de arte. Así, desde el siglo X, con el fin de difundir el conocimiento entre los creyentes sobre los acontecimientos de la historia sagrada budista, se crearon en masa los llamados emakimono (pergaminos largos horizontales), que representaban escenas de la historia sagrada budista o de parábolas relacionadas con ella. .

La pintura japonesa en el siglo VII todavía era muy simple y sin arte. Las pinturas del arca Tamamushi del templo Horyuji dan ideas al respecto, que mostraban las mismas escenas que se reproducían en el emakimono. Las pinturas están realizadas con pintura roja, verde y amarilla sobre fondo negro. Algunas pinturas en las paredes de los templos que datan del siglo VII tienen mucho en común con pinturas similares en la India.

A partir del siglo VII, comenzó el desarrollo de la pintura de género y paisaje en Japón. La pantalla bajo el nombre condicional "Mujer con plumas de pájaro" ha sobrevivido hasta nuestros días. La pantalla muestra a una mujer de pie debajo de un árbol, su cabello y su kimono están decorados con plumas. El dibujo está ejecutado con líneas ligeras y fluidas.

Inicialmente, los artistas japoneses, debido en parte a la naturaleza del tema en el que estaban trabajando (pintura budista), estaban fuertemente influenciados por China: pintaban al estilo chino o estilo kara-e. Pero con el tiempo, en contraste con las pinturas en el estilo chino de kara-e, comenzaron a aparecer pinturas seculares en el estilo japonés o estilo yamato-e (pintura de Yamato). En los siglos X-XII, el estilo yamato-e se volvió dominante en la pintura, aunque las obras de naturaleza puramente religiosa todavía se pintaban al estilo chino. Durante este período, se generalizó la técnica de aplicar los contornos de la imagen con la lámina de oro más pequeña.

Uno de los ejemplos de pintura histórica de la era Kamakura es el famoso pergamino Heiji Monogatari del siglo XIII, que representa el levantamiento levantado en 1159 por el jefe de un gran clan de samuráis, Yoshimoto Minamoto. Al igual que las miniaturas de las antiguas crónicas rusas, los pergaminos como el Heiji Monogatari no solo son obras de arte sobresalientes, sino también evidencia histórica. Combinando texto e imagen, reprodujeron en persecución los turbulentos acontecimientos de la lucha principesca de la segunda mitad del siglo XII, cantaron las hazañas militares y las altas cualidades morales de la nueva nobleza militar, los samuráis, que entraron en la arena de la historia.

El mayor artista del período Muromachi es Sesshu (1420-1506), quien creó su propio estilo. Posee una destacada obra de pintura japonesa "Pergamino largo de paisaje", fechada en 1486, con una longitud de 17 m y un ancho de 4 m. El pergamino representa las cuatro estaciones. Sesshu fue un excelente retratista, como lo demuestra su retrato de Masuda Kanetaka.

En las últimas décadas del período Muromachi se produjo un proceso de intensa profesionalización de la pintura. A principios del siglo XVI aparece la famosa escuela Kano, fundada por Kano Masanobu (1434-1530), quien sentó las bases de la dirección decorativa en la pintura. Una de las primeras obras de pintura de género de la escuela de Kano es la pintura del artista Hijori de una pantalla sobre el tema "Admirando arces en Takao".

Desde finales del siglo XVI, los murales y las pinturas sobre biombos se convirtieron en las principales formas de pintura. Las pinturas adornan los palacios de los aristócratas, las casas de los ciudadanos, los monasterios y los templos. El estilo de los paneles decorativos se está desarrollando: sí-mi-eh. Dichos paneles fueron pintados con colores vivos sobre láminas de oro.

Un signo del alto nivel de desarrollo de la pintura es la existencia a fines del siglo XVI de varias escuelas de pintura, incluidas Kano, Tosa, Unkoku, Soga, Hasegawa, Kaiho.

Durante los siglos XVII-XIX, varias escuelas que alguna vez fueron gloriosas desaparecen, pero otras nuevas toman su lugar, como la escuela de grabado en madera ukiyo-e, las escuelas Maruyama-Shijo, Nanga y la pintura europea. Junto a las antiguas ciudades de Nara y Kioto, la nueva capital de Edo (actual Tokio), Osaka, Nagasaki, etc., se convierten en centros de cultura y arte de la Baja Edad Media (se prolongó en Japón hasta casi el siglo XIX) .

El arte del período Edo (1615-1868) se caracteriza por un especial democratismo y una combinación de lo artístico y lo funcional. Un ejemplo de tal combinación es pintar en pantallas. Fue en las pantallas emparejadas donde se escribieron "Flores de ciruelo rojas y blancas", la más significativa y famosa de las obras sobrevivientes del gran artista Ogata Korin (1658-1716), una obra maestra, clasificada legítimamente entre las mejores creaciones de no solo Pintura japonesa, pero también mundial.

Uno de los géneros más populares de las pequeñas artes plásticas japonesas fue el netsuke. En netsuke, el canon artístico de la Edad Media se refractó, combinado con la soltura del arte renacentista en la era Edo. Estas obras de escultura en miniatura parecían concentrar miles de años de experiencia plástica de Japón: desde el dogu salvaje de Jomon, el haniwa de los Kurgan tardíos hasta la cultura canónica de la Edad Media, los budas de piedra y el árbol Enku viviente. Los maestros de Netsuke tomaron prestada una riqueza de expresión, un sentido de la proporción, integridad y precisión de la composición, perfección de los detalles de la herencia clásica.

El material para netsuke era muy diferente: madera, marfil, metal, ámbar, laca, porcelana. Sobre cada cosa el maestro trabajó a veces durante años enteros. Su temática variaba infinitamente: imágenes de personas, animales, dioses, personajes históricos, personajes de creencias populares. El apogeo de ese arte aplicado puramente urbano cae en la segunda mitad del siglo XVIII.

En un momento del siglo pasado, Europa, y luego Rusia, fue a través del grabado que se familiarizaron por primera vez con el fenómeno del arte japonés. Los maestros de ukiyo-e lograron la máxima simplicidad e inteligibilidad tanto en la elección de las tramas como en su implementación. Las tramas de los grabados eran en su mayoría escenas de género de la vida cotidiana de la ciudad y sus habitantes: comerciantes, artistas, geishas.

Ukiyo-e, como escuela de arte especial, ha presentado una serie de maestros de primera clase. La etapa inicial en el desarrollo del grabado de tramas está asociada con el nombre de Hisikawa Moronobu (1618-1694). El primer maestro del grabado multicolor fue Suzuki Haranobu, que trabajó a mediados del siglo XVIII. Los motivos principales de su trabajo son escenas líricas con una influencia predominante no en la acción, sino en la transmisión de sentimientos y estados de ánimo: ternura, tristeza, amor.

Al igual que el antiguo arte refinado de la era Heian, los maestros de ukiyo-e revivieron en el nuevo entorno urbano una especie de culto a la refinada belleza femenina, con la única diferencia de que, en lugar de los aristócratas de la montaña Heian, las elegantes geishas de los distritos de entretenimiento de Edo se convirtieron en las heroínas de los grabados.

El artista Utamaro (1753-1806) es, quizás, un ejemplo único de un maestro en la historia de la pintura mundial, que dedicó su trabajo por completo a la representación de mujeres, en diferentes circunstancias de la vida, en varias poses y aseos. Una de sus mejores obras es Geisha Osama.

El género del grabado japonés alcanzó su máximo esplendor en la obra de Katsushika Hokusai (1760-1849). Se caracteriza por una cobertura completa de la vida previamente desconocida en el arte japonés, un interés en todos sus aspectos, desde una escena callejera al azar hasta fenómenos naturales majestuosos.

A la edad de 70 años, Hokusai creó su serie de grabados más famosa, "36 Views of Fuji", seguida de la serie "Bridges", "Big Flowers", "Journey through the Waterfalls of the Country", el álbum "100 Views de fuji". Cada grabado es un valioso monumento del arte pictórico, y la serie en su conjunto da un profundo concepto original del ser, del universo, del lugar de la persona en él, tradicional en el mejor sentido de la palabra, es decir, arraigado en la historia milenaria del pensamiento artístico japonés, y completamente innovador, a veces atrevido, en cuanto a los medios de ejecución.

El trabajo de Hokusai conecta adecuadamente las tradiciones artísticas centenarias de Japón con los escenarios modernos de la creatividad artística y su percepción. Reviviendo brillantemente el género del paisaje, que en la Edad Media produjo obras maestras como el Paisaje de invierno de Sesshu, Hokusai lo sacó del canon de la Edad Media directamente a la práctica artística de los siglos XIX y XX, influenciando e influenciando no solo a los impresionistas franceses. y postimpresionistas (Van Gogh, Gauguin, Matisse), pero también en artistas rusos del Mundo del Arte y otras escuelas ya modernas.

El arte del grabado en color ukiyoe fue, en general, un excelente resultado, y tal vez incluso una especie de finalización de los caminos únicos de las bellas artes japonesas.



Pequeña historia de las artes. Arte de los países del Lejano Oriente. Vinogradova N.A., Nikolaeva N.S.

M.: 1979. - 374 págs.

Este volumen de "Pequeña Historia del Arte" está dedicado al arte de los países del Lejano Oriente. Pertenece a la pluma de los investigadores soviéticos N. Vinogradova y N. Nikolaeva. En un vasto territorio, convencionalmente designado como el Lejano Oriente, se desarrolló una cultura vibrante y original, dejando obras sobresalientes del genio humano en literatura, filosofía y bellas artes. Sobre el material de arquitectura, escultura, pintura y artesanías decorativas de China, Corea, Japón y Mongolia, cubriendo el marco cronológico desde la antigüedad hasta finales del siglo XIX, los autores muestran de manera convincente que el arte de los países del Lejano Oriente , al no estar aislado del proceso histórico y cultural, obedeciéndolo a las leyes más generales, al mismo tiempo es un fenómeno independiente en el arte mundial. El libro está equipado con un aparato científico: una tabla sincrónica, un diccionario, una bibliografía. Ricamente ilustrado con ilustraciones en color y tono.

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CONTENIDO
6 Prólogo de Ya. S. Nikolaev
9 CHINA N. A. Vinogradova
10 Introducción
16 Arte de las épocas más antiguas y antiguas (IV milenio a.C. - siglo III d.C.)
31 Arte de los siglos IV-VI
47 Arte de los siglos VII-XIII
117 Arte de finales del siglo XIII-XIV
125 Arte de finales del siglo XIV-XIX
153 COREA N. A. Vinogradova
154 Introducción
158 Arte de los períodos más antiguos y antiguos (3er milenio aC - primeros siglos aC)
163 Arte del Período de los Tres Reinos - Goguryeo, Baekje y Silla (siglo I a. C. - siglo VII d. C.)
177 Arte de los siglos VIII-IX. Período de Silla Unificada
189 Arte de los siglos X-XIV. Período Goryeo
196 Arte del siglo XIV - principios del XIX
207 JAPÓN N. S. Nikolaeva
208 Introducción
211 Arte de las épocas más antiguas y antiguas (IV milenio a.C. - siglo VI d.C.)
220 Arte de los siglos VI-VIII
242 Arte de los siglos IX-XII
263 Arte de los siglos XIII-XV
289 Arte del siglo XVI - principios del XVII
306 Arte de la segunda mitad de los siglos XVII-XIX
329 MONGOLIA N.A. Vinogradova
330 Introducción
333 Arte de épocas antiguas y antiguas
337 Arte del período feudal (XIII - principios del siglo XX)
353 APLICACIONES
354 Glosario de términos
357 Tabla de sincronización
367 Breve bibliografía
371 Índice de nombres
artistas y arquitectos

Este volumen está dedicado a la historia del arte de los pueblos de China, Corea, Japón y Mongolia desde la antigüedad hasta el siglo XIX. A lo largo de varios milenios, se desarrolló una cultura vibrante y original en un vasto territorio, designado convencionalmente como el Lejano Oriente, que dejó obras sobresalientes del genio humano en literatura, filosofía, bellas artes y arquitectura.
El largo período histórico considerado en el libro incluye dos tipos sucesivos de cultura: la antigua y la medieval. Ya en la antigüedad, los pueblos del Lejano Oriente crearon importantes monumentos de cultura espiritual y material. Pero su principal contribución a la cultura de la humanidad son las destacadas obras de pintura, escultura, arquitectura y artes decorativas creadas en la Edad Media.

La historia oficial de la organización comenzó en octubre de 1938 por iniciativa de V. V. Bezrodny. Artista, maestro y figura pública Vasily Vasilyevich Bezrodny se graduó de la Academia de Artes de San Petersburgo. I. E. Repin, Departamento de Diseño Teatral. Según los contemporáneos, era una persona de mentalidad moderna con conocimiento y alta cultura artística.

En Vladivostok de esos años, la educación superior en arte era algo raro. Las habilidades profesionales y la visión del arte de V. V. Bezrodny se formaron en la antigua Academia Imperial de las Artes, donde A. P. Ostroumova-Lebedeva, I. I. Brodsky, M. P. Bobyshev, B. V. Ioganson, D. N. Kardovsky.

El ambiente en la academia de esos años se puede juzgar por una sala especial inaugurada en 2013 en el Museo de Investigación de la Academia Rusa de las Artes (NIM RAH) en San Petersburgo. Esta es una sala dedicada a la Academia de las Artes en uno de sus períodos difíciles: la década de 1920 y principios de la de 1930, cuando había una imagen inusual y colorida de varias tendencias, a veces mutuamente excluyentes. Esto influyó en la formación del artista.

Una de las cualidades de V. V. Bezrodny, formada en ese momento, puede llamarse la versatilidad de su naturaleza creativa. Esto afectó la atmósfera en la organización recién creada en Primorye y la naturaleza de la actividad del propio V. V. Bezrodny, quien no solo se ocupaba de los asuntos del sindicato local de artistas, sino que también se esforzaba por establecer la educación artística.

Sobre los primeros pasos de la Organización de Artistas de Primorye, V. I. Kandyba escribió lo siguiente: “El 10 de octubre de 1938, por primera vez en la historia de la región, se reunieron artistas de diferentes partes de Primorye.

Esta reunión se convirtió en la fundacional. Su resultado fue la formación del comité organizador de la Unión de Artistas de Primorye, que el 1 de agosto de 1939 fue registrado por el comité organizador de la Unión de Artistas Soviéticos en Moscú.

V. V. Bezrodny fue elegido presidente, V. F. Inozemtsev vicepresidente y presidente del comité de exposición y T. G. Aleshunin secretario técnico. Los famosos "jueves" en N. I. Kramskoy con dibujo, hablando de arte se transformaron en Vladivostok en un estudio de formación avanzada para artistas. Hubo reuniones regulares, trabajo en ti mismo. Aquí reinó el estudio, un espíritu único de compañerismo, solidaridad, entusiasmo y aspiraciones creativas. No sin razón, ya en 1939, según el plan del comité organizador, se inauguró una exposición conjunta de obras de artistas de Primorye. Asistieron 18 personas con 120 obras.

La organización creativa incluyó a I. A. Zyryanov, P. V. Muldin, O. I. Bogashevskaya-Sushkova, S. S. Serezhin, M. A. Tsyganov, V. M. Fomin, N. A. Mazurenko, V. M. Sviridov, F. I. Rodionov, S. P. Kolabukhov, D. S. Budrin, D. P. Pravednikov, A. V. Zevin, T. I. Obrazkov , I. F. Palshkov (Suchan, p. 1972 - Partizansk), P. P. Medvedev (Artem), V. M. Zotov (Ussuriysk), S. P. Chaika (Ussuriysk), I. S. Dereka (Ussuriysk), S. F. Arefin (Ussuriysk), Y. L. Ars (Ussuriysk), G. K. Aslanov (Ussuriysk).

Los miembros de la primera composición de la organización tenían diferentes niveles educativos y diferentes experiencias profesionales. Entonces, M. A. Tsyganov se graduó del departamento de instructores del club de la escuela técnica en Rostov, luego trabajó en el club del regimiento como artista durante su servicio en el Ejército Rojo (1932-34), P. V. Muldin comenzó su carrera como estudiante. del artista del cine Ussuri. S. F. Arefin recibió formación en el Studio of War Artists. I. F. Palshkov (1887-1954) se graduó de la Escuela Central de Dibujo Técnico de Baron Stieglitz en 1912 y tuvo experiencia trabajando en las fábricas de impresión de chintz de Serpukhov, Ivano-Voznesensk, así como la experiencia de participar en exposiciones de la Sociedad de Artistas sin partido en San Petersburgo (1914-1915) y ganó reconocimiento por sus paisajes, estudios y dibujos. En 1916, I. F. Palshkov participó en la construcción de una iglesia en la escuela de arte popular de la emperatriz Alexandra Feodorovna, por lo que recibió un precioso prendedor con la imagen del emblema estatal. Pero, a pesar de estas diferencias, los artistas estaban unidos por una cosa: su trabajo reflejaba la naturaleza y la vida multifacética de Primorsky Krai.

En 1939, el Comité Organizador de la Asociación de Artistas de Primorye trabajó en la casa de V. V. Bezrodny en Pushkinskaya, 12. Esta casa no se ha conservado. V. V. Bezrodny se mudó a Vladivostok desde Ussuriysk en 1936.

Comienza a trabajar en el teatro de la Flota del Pacífico, crea bocetos de escenografía y vestuario. Al mismo tiempo, el artista presenta iniciativas educativas: crea el "Estudio de Artistas Navales" en el Club de Marineros, que en ese momento estaba ubicado en el edificio de la iglesia luterana, donde están los soldados de la Armada Roja y el Ejército Rojo. comprometido.

En 1939, en el Club de Marineros (hoy Teatro Pushkin, calle Pushkinskaya, 27), por iniciativa de Bezrodny, se creó una escuela de estudio, en la que estudiaron de acuerdo con el programa de la escuela secundaria de arte. La conciencia de la necesidad de una educación profesional (en lugar de un estudio) impulsa a V. V. Bezrodny a perseverar en la creación de la Escuela de Arte de Vladivostok. En 1943, el Comisariado Popular de Educación de la URSS aprobó la decisión de abrir una escuela de arte en Vladivostok, cuyo director era T. G. Aleshunin (luego transferido al Instituto Pedagógico de Artes del Lejano Oriente, organizado en 1962, al cargo de Vice -Rector de Asuntos Económicos). En 1944 se realizó la primera matrícula de alumnos, para el siguiente año académico 1945-1946 la escuela contaba con dos cursos en los departamentos de pintura y teatro y uno en escultura.

En 2014, la Escuela de Arte de Vladivostok celebró su 70 aniversario y actualmente se está recopilando material para crear un álbum dedicado a la historia de la escuela y su papel en la formación y el desarrollo de la educación artística en el Territorio de Primorsky y el Lejano Oriente. En este artículo, me gustaría enfatizar la conexión entre la organización creativa y la escuela: los maestros de la VCU de ese período V. V. Bezrodny, B. F. Lobas, V. S. Zdanovich, G. M. Tsaplin, F. N. Babanin, K. I. Shebeko, V. I. Prokurov, A. M. Rodionov , M. A. Kostin, N. P. Zhogolev, D. P. Kosnitsky, Yu. I. Gerasimov, N. M. Timofeev, E. E. Makeev, L. A. Kozmina, A. A. Obmanets, M. V. Kholmogorova, A. P. Zhogoleva, V. V. Medvedev y otros fueron y son miembros de la organización Primorsky de la Unión de Artistas de Rusia.

Con el tiempo, el trabajo organizativo y creativo de la Organización de Artistas de Primorsky alcanzó un nivel cualitativamente nuevo: las exposiciones de arte regionales se hicieron regulares, los graduados de la Escuela de Arte de Vladivostok llegaron a la vida artística. En 1959, la organización Primorsky se mudó a un nuevo edificio en la calle. Aleutskaya, 14a.

Una nueva y brillante etapa comenzó en la vida de la Unión de Artistas de Primorsky a mediados de la década de 1950. Estos son los años de formación profesional de I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, K. P. Koval, N. A. Mazurenko, S. F. Arefina, V. N. Gerasimenko, T. M. Kushnareva, V. M. Medvedsky, V. M. Sviridov, B. F. Lobasa, A. V. Teleshov, etc. Durante estos años, las primeras revisiones del trabajo de los artistas de Primorye apareció en la revista "Khudozhnik". V. I. Kandyba formuló una descripción general de esta década: "... es más bien un período de formación y acumulación de fuerza, arraigando en el suelo costero de un joven crecimiento de artistas pioneros". El papel de los artistas pioneros en el desarrollo artístico de la realidad del Lejano Oriente es grande.

A fines de la década de 1950 se establecieron aquellas características que permitieron convocar al arte costero en posteriores exposiciones zonales. Este es el papel predominante del paisaje, el deseo de dominar el género de la imagen temática de la trama asociada con la historia de la región, la naturaleza del trabajo en ella (Primorsky Krai es el territorio de marineros, pescadores, mineros), interés en el tema del Norte, Chukotka, Kamchatka, las Kuriles.

Se considera que I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko son los descubridores del tema del norte no solo en el Lejano Oriente, sino también en el arte soviético. La exposición "Tres maestros" en las salas de la sucursal de Primorsky de la "Unión de artistas de Rusia" de VTOO en 2014 con la participación de I. V. Rybachuk y K. I. Shebeko hizo posible ver este material desde el punto de vista de lo moderno. visión del tema en el arte y evaluar nuevamente la escala de lo realizado. El Norte atrajo a V.M. Medvedsky, I.A. Ionchenkova, N. D. Volkova (Ussuriysk) y otros artistas, impulsándolos a buscar medios artísticos especiales para reflejar adecuadamente la naturaleza y el hombre del Norte.

Otro tema no menos significativo en el arte de los artistas de Primorye fue el tema de Shikotan. Habiéndose convertido en el tema de las últimas investigaciones en relación con la atención al arte doméstico de la década de 1960 en general, este tema resultó estar asociado con el trabajo de más de dos docenas de artistas del Territorio de Primorsky y se prolongó durante décadas, dando impulso. a la existencia del grupo Shikotan. El primer período de existencia del grupo está asociado con los nombres de Y. I. Volkov, I. A. Kuznetsov, V. S. Rachev, E. N. Korzha. La historia de la creación del grupo está relacionada con la personalidad de O. N. Loshakov, después de graduarse del Instituto de Arte de Moscú. V. I. Surikov, quien vino a Vladivostok para enseñar en una escuela de arte. Paisaje, retrato, imagen temática de la trama: estos géneros se plasmaron en docenas de lienzos, cuyo contenido principal era "la naturaleza del Lejano Oriente, entonces: una persona en una relación simple y fuerte con ella". En las obras de Shikotans, se realizó un estilo severo: una tendencia en el arte de la década de 1960, breve en el tiempo, pero, a pesar de esto, influyó en la actitud posterior de los artistas soviéticos hasta fines de la década de 1980. Se realizaron exposiciones colectivas en Vladivostok, Moscú.

O. N. Loshakov participa en la exposición de otoño de 2014 como invitado de honor.

El período de la década de 1960, V. I. Kandyba y los críticos de arte de la capital, están asociados con el desarrollo de la pintura temática argumental: “La segunda mitad de la década de 1960 estuvo marcada por un evento de gran importancia para la pintura costera: la formación de la pintura trama-temática. De una invitada rara pero siempre bienvenida, se ha convertido en una habitual obligada en la mayoría de nuestras exposiciones.

El déficit agudo claramente ha disminuido”. V. I. Bochantsev, Y. I. Volkov, V. N. Doronin, N. P. Zhogolev, K. I. Shebeko, S. A. Litvinov y otros se encuentran entre los "artistas". Héroe de la época "y evaluado positivamente por los críticos, fue un retrato. El tema más importante de la exposición "Extremo Oriente soviético", que se inauguró en 1965 en Vladivostok, fue una historia sobre un contemporáneo: "marineros, balleneros, pescadores, constructores, pastores de renos: estos son placeres dorados de personajes asombrosos". I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, V. A. Goncharenko, V. N. Doronin, A. V. Teleshov, M. I. Tabolkin trabajan en este género. Este período se distingue por el deseo de una amplia cobertura de temas que reflejen todos los aspectos de la vida de Primorye y el Lejano Oriente. Los éxitos en esta área están asociados con eventos importantes en la vida artística.

En 1962, se organizó el Instituto Pedagógico de Artes del Lejano Oriente con facultades de música, teatro y arte (así se llamó hasta 1992, de 1992 a 2000 - Instituto Estatal de Artes del Lejano Oriente, desde 2000 - Academia Estatal de Artes del Lejano Oriente ). Este paso se debió a la situación del personal en las organizaciones creativas, que el primer rector del instituto, G. V. Vasiliev, en un memorando al Ministro de Cultura de la RSFSR A. I. Popov, calificó de "catastróficamente malo". V. A. Goncharenko, decano del instituto y rector de 1973 a 1993, escribe que la apertura de la universidad en Vladivostok fue percibida por artistas (incluidos) como “un regalo del destino, una oportunidad inesperada e inesperada. Y, debo decir, todos lo usaron en la mayor medida de sus capacidades. De ellos (estudiantes de la primera graduación - nota del autor) salieron artistas brillantes y maestros maravillosos: Yu.I. Volkov, O. P. Grigoriev, I. A. Ionchenkov, D. P. Kosnitsky, P. J. Rogal, V. A. Snytko, Y. V. Sobchenko, V. N. Starovoitov, G. M. Tsaplin. Destaco especialmente a S. A. Litvinov, quien creció en nuestra Academia, el primer profesor de pintura en el Lejano Oriente, moldeado total y completamente por la vida artística de Primorye”.

Los graduados de las universidades de arte de Leningrado y Moscú, V. A. Goncharenko, K. I. Shebeko, V. I. Kandyba (crítico de arte) llegaron al instituto recién formado para enseñar: Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura. I. E. Repina, V. N. Doronin, V. I. Bochantsev - Instituto de Arte de Moscú. V. I. Surikov. En 1967, S. A. Litvinov y Y. V. Sobchenko, de entre los graduados del instituto de la primera graduación, pusieron un pie en el camino pedagógico.

En 1977, N. P. Zhogolev (Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura que lleva el nombre de I. E. Repin) se convirtió en uno de los profesores. Su trabajo pedagógico y creativo, la participación en exposiciones, la creatividad de sus alumnos hicieron de la vida artística de la región "una parte orgánica, igual y creativamente original de la vida de toda Rusia". No solo los graduados de la Escuela de Arte de Vladivostok, sino también las escuelas de Siberia y Rusia central (Irkutsk, Kemerovo, Blagoveshchensk, Novoaltaisk, Ivanovo, Ryazan, etc.) comenzaron a ingresar a la facultad de pintura en el Instituto Estatal del Lejano Oriente.

El segundo factor que influyó en el desarrollo de la vida artística fue la organización de la zona del Lejano Oriente.

En 1960, se creó la Unión de Artistas de la Federación Rusa. En 1960, se llevó a cabo en Moscú la primera exposición republicana "Rusia soviética", y antes de ella, las organizaciones locales realizaron exposiciones zonales en las que participan todos los miembros de los equipos creativos. El trabajo serio de los comités de exhibición contribuye a un gran retorno profesional, y los artistas también tienen la oportunidad de correlacionar su trabajo con el trabajo de artistas de otros territorios. Sobre la base de los resultados de las exposiciones zonales, se seleccionaron obras para el nivel de toda Rusia. Este sistema se conservó durante muchos años, permitiéndole entrar en la vida artística general del país, y se mantiene en la actualidad. Por cierto, Vladivostok fue tres veces sede de la exposición zonal, en 1967, 1974 y 1985.

Las tradiciones establecidas en la década de 1960 continuaron hasta finales de la década de 1980. Las exposiciones individuales de los artistas de Primorye se llevan a cabo en Moscú, los álbumes de reproducciones de K. I. Shebeko y K. P. Koval se publican en la serie "Artistas de la Federación Rusa". El éxito de los artistas de Primorsky no es solo en pintura, sino también en gráficos de caballete y libros, arte de carteles (el artista más notable en esta dirección fue E. I. Datsko, quien participa en esta exposición como invitado de honor), escultura, artes y artesanías. y arte monumental.

Entonces, para Far Eastern Book Publishing House, la editorial de Far Eastern State University, Dalnauka Publishing House, un grupo de artistas que han hecho una contribución notable al desarrollo de gráficos de libros en el Territorio de Primorsky, V. S. Chebotarev, S. M. Cherkasov, F. G. Zinatulin, E. I. Petrovsky, V. I. Vorontsov, V. G. Ubiraev, S. V. Gorbach y otros "La facultad de arte se ha convertido en una facultad exclusivamente de pintura", la Escuela de Arte de Vladivostok impartió capacitación en el campo de los gráficos. Aquí, desde 1960, V. S. Chebotarev, quien se graduó del Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura que lleva el nombre de V.S. I. E. Repin (taller de A. F. Pakhomov, con especialización en artista gráfico). V. S. Chebotarev participa en exposiciones con obras gráficas. Obras para editoriales de libros del Lejano Oriente. El auge de la gráfica costera, que se asocia con el nombre del artista, hace que muchos de sus egresados ​​comiencen a trabajar en esta área del arte.

En 1978, apareció una sección de artes y oficios en la organización Primorsky, reunió a artistas de Vladivostok, Artem, Nakhodka, el pueblo. Kavalerovo. En relación con la apertura de una fábrica de alfombras y una fábrica de porcelana en Artyom, una fábrica de recuerdos y una fábrica de porcelana en Vladivostok, una fábrica de cerámica artística en Spassk-Dalniy, llegaron a Primorsky Krai artistas jóvenes y creativamente activos, que se graduaron de la Moscú Escuela Superior de Arte Industrial, Escuela de Arte de Odessa. M. Grekova, Escuela Superior de Arte Industrial de Leningrado, Instituto Tecnológico de Moscú, Escuela Superior de Arte Industrial de Leningrado. V. Mukhina, Escuela de Artes de Irkutsk.

En las exposiciones de artes y oficios, los artistas de la sección exhibieron textiles artísticos (tapicería, batik, macramé), porcelana, cerámica, artículos decorativos de metal, madera, piedra con motivos del Lejano Oriente. A lo largo de los años, la sección incluyó a A. V. Katsuk, P. F. Fedotov, A. S. Pesegov, O. P. Grigoriev, O. G. y A. G. Kalyuzhny, A. P. Onufrienko, V. F. . Kosenko, V. K. Zakharenko (Nakhodka), T. G. Matyukhina (Artem), T. G. Limonenko, G. M. Maksimyuk, G. G. Dobrynina, T. M. Suslova y otros, E. V. Barsegov, N. M. Shaymordanova, V. G. Nenazhivin.

En publicaciones dedicadas a la organización Primorsky de la Unión de Artistas de Rusia, notan el equilibrio de diferentes géneros de pintura, en una gran cantidad de obras de gráficos, esculturas, artes y oficios y arte monumental. Los artistas de Primorye son autores de un buen nivel de obras de caballete, participan activamente en exposiciones regionales, republicanas y de toda Rusia, contribuyen a la formación de la imagen de la ciudad (paneles de mosaico, formas de arte en varias partes de la ciudad, interior diseño y fachadas de edificios públicos). En conjunto, los años 1960-1980 pueden considerarse el período de formación de un arte marinero polifacético y con rostro propio.

En la década de 1990, los cambios que se dieron en la vida sociopolítica del país se reflejan en la vida artística. La tesis principal de esta época, los artistas que llegaron al arte a fines de los 80, la formularon en el cuadernillo de la exposición “Generación de los 80”: “La generación de los 80 tuvo un tiempo en el que, como pionera, fueron les permite crear fuera de cualquier ideología, por su cuenta… Libertad total de expresión, a la que, sin embargo, todavía hay que acostumbrarse. La generación que creció en un tiempo y se ve obligada a vivir en otro es la más difícil. Aquí sobreviven los más fuertes, o mejor dicho, los obsesionados, para quienes la pintura es vida. El principal problema es, por un lado, la búsqueda de oportunidades a través del arte para expresar la visión problemática de la vida moderna, por otro lado, el deseo de individualidad, que determina el lugar del artista en la serie general. Durante este período, los jóvenes artistas juegan un papel especial. Sus exposiciones apuntan a “la existencia de tendencias y direcciones diametralmente opuestas en el arte, la incompatibilidad de actitudes y gustos, enfoques mutuamente excluyentes para representar a una persona. La paleta de búsquedas estéticas de los jóvenes pintores... se ha vuelto más compleja,... varias formas de interpretar la realidad pretenden ser el principio rector a la vez, desde la revelación incondicional de la naturaleza y las declaraciones directas sobre el mundo hasta las imágenes alegóricas y las construcciones simbólicas, así como como un conglomerado completo de técnicas tomadas de los arsenales técnicos del modernismo moderno”. Esta tesis la revelan las exposiciones de los grupos creativos Vladivostok, Shtil, Lik, cuya actividad se sitúa a finales de los años ochenta y principios de los noventa.

Una de las exposiciones históricas de esta época puede considerarse la segunda exposición de jóvenes artistas del "Territorio de la Esperanza" del Lejano Oriente (1995, Vladivostok). Al analizar el material presentado, V. I. Kandyba escribe: “Ahora estamos dolorosamente hablando mucho sobre las dificultades de la vida de un artista en Rusia. Pero cómo quisiera que a pesar de ellos, a pesar de todo, nuestro Lejano Oriente se convirtiera en un bendito territorio de esperanza para la creatividad. Así como esta exposición es para nosotros, irradiando la luz de la juventud y la esperanza”. ¿Qué motiva a uno de los principales críticos de arte del Lejano Oriente a mirar al futuro con optimismo? Además del pronóstico general, señala los trabajos de L. A. Kozmina, I. G. y O. G. Nenazhivina, E. A. Tkachenko, A. G. Filatova, I. I. Butusova y otros, aunque no los consideran accesibles para todos, pero notan el trabajo con forma y color, significados y asociaciones. Desde el punto de vista de los artistas de hoy, cuyos nombres fueron nombrados en su artículo por V. I. Kandyba, respondieron a los desafíos de la época, su obra es una confirmación incondicional de ello.

Pero en la década de 1990, estos desafíos se agudizaron. El problema de las nuevas formas, planteadas por el progreso tecnológico, era de actualidad: en la vida artística se forma el arte real, no asociado a las habilidades tradicionales del artista. La crisis se produjo también en el campo de la crítica de arte, que antes analizaba y generalizaba los fenómenos de la vida artística, y en las nuevas condiciones comenzaba a parecerse al periodismo de arte, aunque contribuyendo a la creación de una imagen del día, pero incapaz de reflejar la situación en su conjunto.

Si hablamos de unión creativa como organismo económico, cambios cardinales también han afectado a esta esfera de la vida: el fondo de arte, como forma de organizar el empleo del artista, deja de existir en el Territorio de Primorsky. Por supuesto, la década de 1990 puede llamarse un período de crisis para el arte de la región.

Al mismo tiempo, la vida nos anima a buscar nuevas formas de relación con la sociedad. En 1992, Vladivostok pierde su condición de ciudad portuaria cerrada, los contactos con artistas de otros países se vuelven posibles y se desarrollan. Los residentes de Primorye están comenzando a participar en importantes eventos artísticos en la región de Asia-Pacífico e ingresan al mercado del arte. Aparecieron las galerías no estatales "Artetage" (fundador y director A. I. Gorodniy), "Arka" (fundador y director V. E. Glazkova). Gracias a ellos se forma una comprensión primaria de la figura del curador, quien plantea la idea de la exposición de acuerdo con su propia visión del proceso artístico, el tema y vela por su realización. Cabe señalar los esfuerzos de A. I. Gorodny en la formación de exposiciones colectivas con un gran número de participantes, miembros de la Unión de Artistas, dando una muestra representativa de uno u otro fenómeno artístico: "110 autorretratos", "Niños retrato", "Vladivostok: paisajes y rostros", "Artistas en Andreevka" y otros. La experiencia de trabajar en estos sitios, que permitió familiarizarse con el arte de artistas de otras regiones de Rusia y del extranjero, que representan el arte contemporáneo. , la fotografía, ciertamente necesita una investigación profunda y generalización. En este artículo, notamos lo siguiente: tanto el Museo Artetage como la Galería Arka han trabajado y continúan trabajando con artistas que son miembros de la Unión de Artistas de Rusia. "Artetage" es un socio constante de la sucursal de Primorsky en la realización de exposiciones a gran escala (la organización Primorsky de la VTOO "Unión de Artistas de Rusia": 70 años, "Academia Estatal de Artes del Lejano Oriente: 50 años", "Artistas para la Flota", etc.)

En la década de 2000, estaba tomando forma una imagen moderna de la vida artística. Los miembros del sindicato creativo participan activamente en exposiciones de varios niveles en Rusia y en el extranjero, en las ferias de arte más grandes de la región de Asia y el Pacífico (KIAF, Guangzhou Art Fair, etc.). Se realizaron importantes exposiciones de arte con la participación de artistas de Vladivostok como parte de la cumbre APEC 2012, la Bienal de Artes Visuales de Vladivostok, etc. Los artistas inician varias acciones. Entre los más significativos se encuentran la serie de cruceros de arte organizados por S. D. Gorbachev en el yate Allegro a mediados de la década de 1990.

La idea de crear en 2001 el movimiento "Casa de Prishvin" (encabezado por el Artista de Honor de la Federación Rusa V. I. Oleinikov), que unió a escritores, artistas e historiadores locales en relación con el replanteamiento creativo de la estancia de M. Prishvin en Primorye, condujo no solo a una serie de exposiciones, sino también a una serie de reuniones creativas en las bibliotecas de Primorsky Krai.

En 2006, a V. F. Kosenko, A. P. Onufrienko y otros artistas, diseñadores y arquitectos se les ocurrió la idea del proyecto Harmony of the Environment, que incluía varias exposiciones. La más llamativa de ellas fue la exposición "Ciudad, mar, viento, vela" (fue programada para coincidir con el cumpleaños de Vladivostok). Se presentaron proyectos de arte monumental, pintura, gráfica, artes y oficios, arquitectura y diseño. La idea de la exposición es determinar el lugar del artista en el entorno urbano. Cuando se formó la exposición, ya había habido una experiencia positiva de restauración de la estación de tren y el Arco Tsesarevich en Vladivostok por parte de miembros de la Organización Primorsky de la Unión de Artistas de Rusia. El proyecto fue acompañado por una serie de publicaciones en periódicos, lo que habla de intentos no solo de crear un producto artístico real, sino de formar una opinión pública (esta idea ha continuado en la etapa actual: en septiembre de 2014, la Alliance Francaise Vladivostok presentó el proyecto educativo “Arte Contemporáneo en la Arquitectura de la ciudad”, que causó gran entusiasmo entre los estudiantes de arquitectura y diseño). En cierto sentido, en 2006, los artistas de Primorye se adelantaron a su tiempo. Y en 2013, la continuación del proyecto fue el diseño del cine Vladivostok con una serie de paneles cerámicos de G.G. Dobrynina y V. F. Kosenko.

Otra iniciativa interesante fue la creación de la Fundación sin fines de lucro para las Artes Visuales "MOST" en 2009, cuyo autor fue A. L. Arsenenko y V. N. Starovoitov. La actividad principal de los organizadores llamó la actividad en el campo del arte. Una de las acciones del fondo "Regalos de los Reyes Magos" es una exposición benéfica de obras de artistas de Primorye en el complejo de museos y exposiciones del P.I. V. K. Arseniev en la calle. Peter the Great, 6 - según el plan de los organizadores, se llevó a cabo para la posterior transferencia de fondos de la venta de pinturas para crear un espacio apropiado en el museo para personas con movilidad reducida.

Estos ejemplos indican que en la etapa actual se ha ampliado el campo de búsqueda creativa del artista.

La Academia Estatal de las Artes del Lejano Oriente también está ampliando su ámbito habitual de actividades. Para el 2009, se formó un nuevo cuerpo docente en el Departamento de Pintura. El departamento renovado se declara con una exposición en los pasillos de la Galería de Arte Estatal Primorsky "Painted", que en sí mismo es un paso extraordinario. En el artículo introductorio al catálogo de la exposición, V.I.Kandyba escribe que durante casi medio siglo de existencia de la academia, no había idea de una exposición colectiva de profesores de la facultad. La exposición marcó un hito, significó un cambio de generaciones no solo en los talleres, sino también en las aulas de la Academia, donde en 2009 I. I. Butusov, A. V. Glinshchikov, A. A. Enin, E. E. Makeev, V V. Medvedev, I. B. Obukhov, N. A. Popovich, quienes "convirtiéndose en miembros de un solo equipo, artistas y maestros en una sola persona, juntos encarnan tanto el potencial creativo de la facultad como el camino principal de su desarrollo en el futuro".

En 2009, por primera vez, por iniciativa de la Academia Estatal de Artes del Lejano Oriente, se llevó a cabo un concurso internacional para artistas jóvenes "ArtVladivostok", que terminó con una exposición basada en los resultados. Las exposiciones en las salas de la sucursal de Primorsky de la "Unión de Artistas de Rusia" de VTOO y la Galería de Arte Estatal de Primorsky después de los resultados de los plein-airs y la segunda y tercera competencia "ArtVladivostok" se vuelven anuales. En la lista de exposiciones y eventos artísticos, los artistas jóvenes, recién graduados de la academia, indican plein-airs en San Petersburgo, Florencia, participación en eventos artísticos de toda Rusia (la exposición "¡Es genial!" en el museo Artetazh en preparación para los Juegos Olímpicos de 2014).

Durante el período de trabajo como presidente de A. A. Pyrkov, gracias a los esfuerzos del decano de la facultad de pintura N. A. Popovich, se formó una sección juvenil de la rama de Primorsky de la "Unión de Artistas de Rusia" de VTOO.

Actualmente, la rama de Primorsky de la Unión de Artistas de Rusia VTOO tiene 124 personas, incluidos los críticos de arte: Doctor en Historia del Arte V. M. Markov, Candidato a Historia del Arte O. I. Zotova, Trabajadora de Cultura de la Federación Rusa L. I. Varlamova, Trabajadora de Cultura de Honor de la Federación Rusa N. A. Levdanskaya. También miembro de la Unión de Artistas es el director del museo "Artetazh" A. I. Gorodniy.

Hasta 2003, la sucursal de Nakhodka (hoy N SUCURSAL EN LA CIUDAD DE AKHODKA VTOO "UNIÓN DE ARTISTAS DE RUSIA"). El Grupo de Artistas Nakhodka fue fundado en 1980 por iniciativa de los líderes de la ciudad de Nakhodka. Se invitó a los graduados de las universidades de arte del país y se les proporcionó alojamiento: V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko, graduados de la Escuela Superior de Arte Industrial de Moscú, V. E. Ezhkov, graduado del Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura. ES DECIR. Repina, Y. A. Reznichenko, N. P. Saunin son graduados del Instituto de Artes del Lejano Oriente. En 1982, se invitó a un miembro de la Unión de Artistas de la URSS, ganador del Premio Primorsky Komsomol V. P. Lakhansky. Desde 1982, fue elegido miembro de la junta directiva de la organización Primorsky y dirigió el grupo creativo de Nakhodka. Al mismo tiempo, los artistas N. M. Kublov, V. P. Vodnev, V. A. Gorban, V. P. Popov, Y. I. Tukhov, G. A. Omelchenko y otros trabajaron en la ciudad en la década de 1980. Olga P. Kozich (graduada del Instituto de Artes del Lejano Oriente) se declaró a sí misma. Los gráficos de Kozich se distinguen por la precisión de la solución compositiva, un patrón seguro y un esquema de color complejo. V. P. Bykov hizo una gran contribución al arte de los gráficos (en la época soviética, los artistas viajaban mucho por Chukotka, capturando el norte en una serie de hojas gráficas) y F. F. Konyukhov. El trabajo de G. A. Omelchenko está relacionado con Nakhodka. En la 1ª exposición zonal "Extremo Oriente soviético" el artista participó en las series gráficas "Fishing Weekdays" y "Far Eastern Frontiers", pero luego se dedicó por completo a la pintura. El descubrimiento se convirtió en uno de los temas principales del cartelista V. A. Gorban. Un fenómeno notable fue el trabajo del paisajista N. P. Saunin. Desde 1964 N. M. Kublov vivió y trabajó en Nakhodka, el tema principal de sus obras fue el tema del amor por una pequeña patria, plasmado en lienzos ricos en color. Desde 1983, el escultor E. K. Sambursky vive y trabaja en Nakhodka (se graduó en Frunze Art College, taller de N. I. Ladyagin). En 1987, los graduados del Instituto de Artes del Lejano Oriente V. K. y N. S. Usov fueron invitados a Nakhodka.

La década de 1980 fue un período creativo. El núcleo del grupo: jóvenes artistas y miembros de la Unión de Artistas V. P. Lakhansky y G. A. Omelchenko, trabajaron activamente en pintura, gráficos, artes y artesanías. Exposiciones anuales de la ciudad (desde 1980 hasta el presente): en las salas del Museo y Centro de Exposiciones, en las que participan artistas de diferentes generaciones, atraen la atención de los residentes de la ciudad. Además, los artistas participan en exposiciones regionales, zonales, republicanas y de toda la Unión, establecen relaciones internacionales. Entonces, V. P. Lakhansky, V. V. Zakharenko, V. P. Bykov se convirtieron en participantes del proyecto internacional en la ciudad de Otaru (Japón), G. A. Omelchenko, V. P. Lakhansky, V. P. Bykov fueron participantes de la exposición en la ciudad de Maizuru (Japón), se realizaron intercambios de exposiciones. celebrada entre los artistas de la ciudad de Nakhodka y los artistas de las ciudades de Maizuru y Otaru (Japón). Se realizan viajes creativos a las dachas académicas de la Unión de Artistas, se realizan plein-airs, se organizan encuentros entre artistas y espectadores, encuentros con estudiantes de las escuelas de arte de la ciudad, se realizan concursos. Artistas V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko, V. P. Bykov, F. F. Konyukhov, N. P. Saunin, Y. A. Reznichenko, V. E. Ezhkov, O. P. Kozich, V. K. Usov, N. S. Usova. Gracias al liderazgo de la ciudad, casi todos los miembros de la Unión de Artistas contaron con talleres creativos.

La década de 1990 resultó ser la misma crisis para los artistas de Nakhodka que para otros. Debido a la lejanía territorial de la ciudad de Nakhodka de Vladivostok (180 km) y la composición de los miembros de la Unión de Artistas en la ciudad de Nakhodka, más de 10 personas, por iniciativa de Konstantin R. Avarsky, se tomó una decisión. hecho para crear la rama Nakhodka de la Unión de Artistas. El registro por parte de la Oficina de Justicia del Territorio de Primorsky tuvo lugar en junio de 2003.

Hasta 1990, la organización Primorsky incluía la rama Ussuri de la Unión de Artistas de Rusia (hoy U ORGANIZACIÓN DE LA CIUDAD DE SSURI VTOO "UNIÓN DE ARTISTAS DE RUSIA"). Ussuriysk es el segundo centro artístico de Primorsky Krai. Las tradiciones artísticas se establecieron aquí en la década de 1940. La organización Ussuri de la VTOO "Unión de Artistas de Rusia" se formó el 20 de junio de 1943 como una rama de la organización Primorsky de la Unión de Artistas de Rusia. El 12 de marzo de 1944, la organización inauguró la 1ª exposición de artistas Ussuri.

El Estudio de Artistas Militares, que fue fundado en enero de 1940 por los graduados de la Academia de Artes de San Petersburgo, los hermanos Fridman, jugó un papel importante en la creación del grupo creativo de artistas Ussuri: Ovsey Isakovich, director artístico. del estudio de artistas militares, profesor del departamento de pintura de batalla de la Academia de las Artes, y Rafail Isakovich, director del estudio y taller de arte. Para el estudio y el trabajo de los artistas en Ussuriysk, se construyó un edificio especial en la calle. Volodarsky, 42. Durante los años de guerra, el estudio en la casa de oficiales fue dirigido por A. N. Romashkin.

En la década de 1950 comenzaron a funcionar los talleres de arte y producción. La organización Ussuri no era numerosa: 10-15 personas componían su núcleo creativo. La vida de una pequeña organización siempre tiene sus aspectos positivos y negativos. En esta situación, fue positivo que un equipo compacto pudiera quedar cautivado por la idea de una persona: el líder. En la década de 1950, S. F. Arefin, quien comenzó a participar en exposiciones regionales a partir de la década de 1940, fue considerado el líder. S. F. Arefin creció en Ussuriysk, durante la Gran Guerra Patriótica sirvió en la sede del Distrito del Lejano Oriente, donde completó cursos para artistas militares. Al regresar a Ussuriysk, se unió a la Unión de Artistas, participando activamente no solo en el trabajo creativo, sino también en el trabajo social en la organización. En 1966, el artista se mudó a Vladivostok y prácticamente abandonó la pintura de caballete durante muchos años, convirtiéndose en artista de teatro.

Sin duda, K. P. Koval desempeñó un papel destacado en el desarrollo creativo. Sus obras aparecieron en exposiciones republicanas y de toda la Unión a fines de la década de 1950. Graduado del Estudio de artistas militares en Ussuriysk, consideró la escuela principal para sí mismo, la Dacha académica que lleva su nombre. I. E. Repina. Gracias a las visitas creativas del académico K. P. Koval era muy conocido en Moscú y se llamaba "Koval de Ussuriysk". Fue un maestro maravilloso, continuó la tradición de la educación de estudio en Ussuriysk y, de alguna manera, continuó la línea pedagógica de V. V. Bezrodny en la tierra de Ussuri. Los alumnos de su estudio se llamaban "herradores". K. P. Koval dedicó todo su generoso y fuerte talento al paisaje costero, cuyos méritos fueron señalados por el maestro paisajista A.A. Gritsai. El talento natural, la gran capacidad de trabajo permitieron a K. P. Koval convertirse en un artista altamente profesional, una persona con un "comienzo creativo". Gracias a él, la definición de la "escuela de pintura de Ussuri" apareció en exposiciones en la región del Lejano Oriente y en toda Rusia. El poder cautivador de su talento reunió e inspiró a los artistas de Ussuri. El editor del periódico de la ciudad de Ussuriysk, M. Dubranov, escribe sobre esto: “Hay personas que están destinadas por el destino a dejar una fecha límite en la historia humana. De ... la historia de Ussuriysk, el artista Kim Petrovich Koval se puede atribuir a esas personas sin exagerar.

En la década de 1940, S. F. Arefin, G. K. Aslanov, Yu. En las décadas de 1950 y 1970 se unieron y se convirtieron en miembros de la Unión de Artistas de Rusia por N. P. Borisov, B. A. Vyalkov, K. P. Koval, V. M. Medvedsky, N. Ya. Gritsuk, P. Ya. German, A. V. Tkachenko, B. N. Loshkarev, V. A. Lutchenko, N. D. Volkov, V. A. Serov, G. G. Lagerev, A. A. Usenko, en la década de 1980 - Yu P. Galyutin, O. K. Nikitchik, I. T. Nikitchik, A. V. Pikhtovnikov. En la década de 1990, nuevos miembros se unieron a la organización: Y. P. Larionov, M. R. Pikhtovnikova, E. A. Pikhtovnikov, N. N. Kazantsev, S. V. Gorbach, M. P. Sobolevsky.

El 18 de marzo de 1985, se inauguró el edificio de la Casa de los Artistas construido por los esfuerzos de los artistas de Ussuriysk. AV. Pikhtovnikov, quien encabezó la comisión de cultura en el consejo de diputados de la ciudad. Por su contribución al desarrollo del arte de Rusia y el Lejano Oriente, los artistas de la organización recibieron el título de Artista de Honor de la Federación Rusa y Artista de Honor de la Federación Rusa (K. P. Koval), Artista de Honor de la Federación Rusa (A. V. Tkachenko, V. A. Serov, N. D. Volkov, O. K. Nikitchik, I. I. Dunkai).

El tema de Creative Dacha en Andreevka está estrechamente relacionado con la organización Ussuri. Andreevka, conocida en el ambiente artístico como la "dacha de los artistas", resultó ser un lugar sorprendentemente atractivo no solo para la recreación y la pesca. Aquí, en las tierras del distrito Khasansky de Primorye, continuaron las tradiciones de las casas de creatividad de la franja central de Rusia. Uno de ellos es Academic Dacha. I. E. Repin en Vyshny Volochek sirvió como un lugar de comunicación y un lugar de aprendizaje para los residentes de Primorie, donde tanto los venerables artistas de Moscú, Leningrado y otras ciudades de la Unión Soviética, como aquellos que aún tenían que convertirse en maestros, participaron en carreras creativas.

Primortsy pavimentó un camino permanente a Vyshny Volochek. En las tierras primordialmente rusas, en estrecho contacto con los famosos artistas de los años sesenta A. A. Gritsai, V. N. Gavrilov, A. D. Romanychev, A. P. y S. P. Tkachev, hubo una comprensión de las profundidades de la profesión del artista. Todos en su equipaje creativo tienen un boceto del Académico, donde, por cierto, todavía están hoy, a pesar de las circunstancias radicalmente cambiadas de la vida artística.

En la década de 1970, después de una serie de largos viajes, se decidió hacer su propia dacha creativa: “varios pintores de Primorye K. Koval, A. Tkachenko, A. Teleshov, V. Prokurov, V. Medvedsky llegaron por primera vez a Andreevka. Andreevka es un pequeño pueblo en el sur de Primorye en el distrito de Khasansky, ubicado en la costa de la Bahía de Troitsa del Mar de Japón. El lugar es increíblemente hermoso. Aquí está ahora la casa de campo creativa "Andreevka". Contiene la organización Ussuri de la Unión de Artistas de Rusia. Artistas del Lejano Oriente: Primorye, Khabarovsk, Blagoveshchensk, vienen aquí para trabajar y descansar, y en los buenos tiempos, vinieron artistas de Moscú, Leningrado, los Estados bálticos y Rusia central ”, escribe R. P. Kosheleva, referente de la Unión de Artistas. de Rusia VTOO. El editor del periódico encontró un lugar para una publicación sobre Andreevka en la página con el título "En las casas de la creatividad" junto al material sobre Academic Dacha en Vyshny Volochek, lo cual no es casual. Andreevka fue un lugar de inspiración y trabajo para decenas de artistas de diferentes generaciones y al mismo tiempo una especie de vínculo con el centro de Rusia.

En 1990, con una plantilla de 10 personas, la sucursal de Ussuri se separó de la sucursal de Primorsky y adquirió el estatus de organización independiente.

Hoy en día, la sucursal de Primorsky, la ciudad de Nakhodka y las organizaciones de la ciudad de Ussuriysk de la "Unión de Artistas de Rusia" de VTOO cooperan estrechamente en la organización de exposiciones de arte y plein airs en Rusia y en el extranjero.

Olga ZÓTOVA

miembro de la VTOO "Unión de Artistas de Rusia",

secretario ejecutivo de la sucursal de Primorsky

VTOO "Unión de Artistas de Rusia",

Doctorado en Historia de las Artes,

Profesor Asociado, Facultad de Humanidades FEFU

© AL COPIAR Y CITAR MATERIALES DEL SITIO,

Actualmente, hay doce organizaciones creativas de artistas en el Lejano Oriente: la rama Primorsky de la VTOO "Unión de Artistas de Rusia" es la segunda más grande.

La actividad de la organización está estrechamente relacionada con la historia de las bellas artes no solo de Primorye y el Lejano Oriente, sino de toda Rusia.