Escenografía - ¿qué es? Tipos de escenografía. Escenografía moderna Desarrollo de la función de juego

Lección 3

Sujeto: La escenografía y las artes escénicas y decorativas como un tipo especial de creatividad artística.

Ejercicio. Creación de un boceto de paisaje (en cualquier técnica) a partir de una fotografía o pintura que represente un interior o un paisaje.

Objetivos: averiguar cuál es el papel de la imagen y la proporción del uso de medios de expresión pictóricos y gráficos en la creación de la imagen artística de la actuación; familiarizarse con la actividad artística del escenógrafo; formarse una idea de los medios expresivos de la escenografía; introducir a los estudiantes a los tipos de diseño de escenarios; formar la capacidad de determinar el tipo de decoración escénica; promover enseñar a los estudiantes la capacidad de justificar sus respuestas, ilustrándolas con ejemplos; mejorar las habilidades de la actividad artística y visual; contribuir a la formación de una cultura comunicativa; contribuir a la formación de la sensibilidad moral y estética a lo bello y lo feo en la vida y el arte; determinar el papel del artista de teatro en la creación de una actuación para mejorar su estructura emocional y figurativa; discutir y analizar fotografías de maquetas y bocetos de teatro; establecer una conexión obligatoria entre el contenido de la escenografía teatral y las características de género de la representación; desarrollar habilidades de composición espacial; desarrollar la cultura de la información, la imaginación creativa, la educación de la actitud emocional y sensual hacia las obras de artes musicales y visuales; desarrollar habilidades para dibujar paisajes.

Alcance visual: Ilustraciones sobre el tema.

durante las clases

Organizando el tiempo. El tema de la lección.

Diapositiva número 1. Muchos de ustedes han estado en el teatro y probablemente conozcan la sensación cuando se apagan las luces en la sala, se levanta el telón y todos en la sala se ven envueltos en una sensación de magia y misterio. Todavía no ves a los héroes de la actuación, pero ya comienza otra vida extraordinaria en el escenario, se abre un nuevo mundo.

-¿Gracias a qué, desde los primeros momentos, estamos inmersos en este maravilloso mundo del milagro teatral?

Por supuesto, las razones de este fenómeno radican en el hecho de que los artistas que trabajan en el teatro están pasando gradualmente de trabajar en la escenografía a trabajar en la representación como un todo, uno de cuyos resultados es la escenografía.

Conversación introductoria.

Los artistas de teatro se manifiestan no solo en las funciones habituales del artista (determinar la forma, el color, la escala, la iluminación de los objetos en el escenario), sino también en la acción tanto de estos objetos como de los actores asociados con estos objetos. Naturalmente, en tales condiciones, es absolutamente imposible considerar el trabajo del artista en la escenografía y el vestuario por separado de otras funciones. Los artistas de teatro deben ser diversos.

Aprendiendo material nuevo.

Diapositiva número 2. Escenografía- Este es un tipo de creatividad artística que se ocupa del diseño de la actuación y la creación de su imagen plástico-visual que existe en el tiempo y el espacio escénicos. En una actuación, el arte de la escenografía incluye todo lo que rodea al actor, todo lo que trata: escenografía, vestuario, utilería, maquillaje, luz.

Diapositiva número 3. Una variedad de servicios teatrales están involucrados en la creación de una imagen holística de la representación:

Diapositiva número 4. taller de carpintería,

Diapositiva número 5-6. sastrería,

Diapositiva número 7. tienda de utilería,

Diapositiva número 8. tienda de luces,

Diapositiva número 9. tienda de maquillaje,

Diapositiva número 10. taller de montaje.

Diapositiva número 11. El espacio de cualquier teatro donde se lleva a cabo una actuación se puede dividir condicionalmente en 2 partes: el auditorio y el escenario. El auditorio de cualquier teatro debe incluir un número suficiente de asientos. Los cómodos asientos principales están en la platea y el anfiteatro ligeramente elevado que le sigue.

Patio de butacas- el plano del suelo del auditorio con asientos para espectadores, normalmente por debajo del nivel del escenario.

Anfiteatro- un edificio, que es un escalón como imponentes filas de asientos.

Sobre los asientos del público en el parterre y el anfiteatro se elevan los palcos del entrepiso, y luego hay 4 gradas con balcones y palcos, como se puede ver en la imagen del auditorio.

Presentar- en un interior teatral tradicional, un grupo de butacas separadas de las vecinas por tabiques o barreras laterales.

diapositiva número 12. – ¿Cómo está montado el escenario? Escena- una plataforma donde se lleva a cabo una representación teatral.

escenario de teatro - la parte principal del edificio del teatro, un palco cerrado (palco de escenario), adyacente al auditorio y conectado a él por una abertura de portal.

diapositiva número 13. El escenario está separado del auditorio por un telón. Le permite ocultar al espectador los preparativos para la actuación, la apertura de la cortina marca claramente el comienzo de la actuación, así como también se logra un claro final de la acción cerrándolo.

telón de teatro- una tela que cubre el escenario del auditorio.

Las cortinas son: levantarse, separarse y acercarse en diagonal a las esquinas del espejo del escenario (cortina griega).

Foso de orquesta - una sala especial para la orquesta en el teatro, ubicada frente al escenario. Situado por debajo del nivel de la platea, el foso de la orquesta está separado de ésta por una pequeña barrera.

Proscenio- la parte delantera del escenario se prolonga un poco hacia el auditorio.

Sofito Los s son herrajes metálicos para colgar luminarias sobre el escenario, subidos y bajados con accionamiento eléctrico.

Fondo - una pintura sobre tela, que está suspendida en forma estirada. El telón de fondo es el telón de fondo para el diseño de la actuación y se encuentra detrás de otro escenario.

- ¿Qué es la decoración?

Diapositiva número 14.

Decoración- es una imagen pictórica o arquitectónica del lugar y escenario de la acción teatral instalada en el escenario.

Hay dos tipos de escenografía: pictórica y arquitectónica y constructiva.

Diapositiva número 15. La base del paisaje pictórico es un boceto pintoresco, una obra de pintura bidimensional. El desglose del boceto en planos, la transferencia de sus partes individuales a una serie de planos ubicados a diferentes profundidades del escenario, se hacen como un medio inevitable para que los actores tridimensionales vivos encajen en el espacio escénico.

El paisaje pintoresco de hoy se ha conservado solo en las representaciones de ballet, donde se necesita un gran escenario vacío, libre para bailar.

Diapositiva número 16. La naturaleza de la arquitectura escénica: aquellos edificios que, según la decisión del artista y el director, aparecen en el escenario para una producción determinada, determinan la naturaleza de las futuras puestas en escena: los movimientos de los actores. Como buena arquitectura y escultura monumental, diseñada para ser vista desde todos los lados, el diseño arquitectónico y constructivo del escenario podía verse con el mismo efecto desde todos los lugares del auditorio.

Quiero llamar su atención sobre el hecho de que las imágenes coloridas de la actuación, el brillo de la representación teatral, todo esto atrajo a los mejores pintores para trabajar en la creación de escenarios.

- ¿Qué opinas, cuál de los artistas destacados vinculó su trabajo con el teatro?

diapositiva número 17.A. Golovin. Reino de Kashcheevo. Boceto de la escenografía de la ópera. I. Stravinsky "Pájaro de fuego".- ¿Qué ves en este paisaje? ¿Qué sentimientos te evoca?

- ¿Con la ayuda de qué medios visuales el artista logra esto?(El paisaje en el que aparece el pájaro de fuego, el silencioso y extraño reino de Kashcheyevo, está pintado como si tuviera colores sobrenaturales, "de otro mundo").

-¿Qué tipo de música puede sonar en este fondo?(La música realza la impresión de brillantez fantástica. Las voces del mago y las brujas y gnomos furiosos parecen escucharse en la orquesta)

diapositiva número 18.N. Roerich. Decoración para el ballet I. Stravinsky "La consagración de la primavera".(La imagen en el escenario refleja la acción real del "crecimiento primaveral").

Escucha la introducción al ballet.

- Comparte tus impresiones.(El tema inicial, una melodía, es interpretado por un fagot, en su contorno que se asemeja a un tallo que se estira constantemente, se precipita hacia arriba. Así como el tallo de una planta está constantemente cubierto de hojas, la línea melódica está constantemente cubierta de matices. Shepherd's las melodías de flauta se van convirtiendo gradualmente en un grueso tejido musical en el que se escucha el canto de los pájaros.)

diapositiva número 19.A. Benois. Boceto de la escenografía para el ballet. I. Stravinsky "Petrushka".

(Vemos que la acción del ballet tiene lugar durante Maslenitsa, una fiesta que siempre ha sido muy celebrada en la Rus. Festivales folclóricos, ferias, bailes, un abuelo burlón que divierte a la multitud: todo se refleja en el paisaje).

Escuchando un extracto del ballet.

- ¿Tienes la sensación de que los instrumentos musicales suenan al azar, como si se interrumpieran entre sí? ¿Por qué? (Se transmite el estado de ánimo de la feria, las festividades: gritos, alboroto, bailes).

diapositiva número 20.

N. Goncharova. Boceto de la escenografía de la ópera. N. Rimsky-Korsakov "El gallo de oro"

diapositiva número 21.

I. Ya. Bilibin. Boceto de la escenografía de la ópera. N. A. Rimsky-Korsakov "El gallo de oro"

(Tenga en cuenta que la misma escena es representada por diferentes artistas, pero se conserva el carácter de la trama).

diapositiva número 22.

D. Stelletsky. Boceto de la escenografía de la ópera. N. Rimsky-Korsakov "La doncella de nieve".

El comienzo de la primavera. Medianoche. Spring-Red desciende a Red Hill. Una vez se convirtió en la esposa del severo Frost, y desde entonces el país de los Berendey ha estado sujeto a inviernos severos y primaveras frías. Papá Noel sale del bosque. Al amanecer, debe dejar la tierra, pero le preocupa el destino de la Doncella de las Nieves: Yarilo planeó destruirla, sembrando un fuego de amor en su corazón.

El artista representa una especie de misterio: algo está a punto de suceder. La escenografía muestra que la acción se desarrolla en el bosque. El suelo y las ramas de los árboles todavía están cubiertos de nieve, el río está cubierto de hielo, pero el aire ya está lleno del aliento primaveral de la primavera.

Escuchando el Prólogo de la ópera.

- Intentar identificar tres temas principales de la composición.(La ópera comienza con una pequeña introducción orquestal que representa la llegada anticipada de la primavera. Luego suena el tema de Santa Claus. Su carácter es pesado, severo, contenido, como si estuviera "encadenando". Poco a poco, la naturaleza comienza a cobrar vida: el aire se llena del canto discordante de los pájaros que vuelan desde el mar, de un hueco aparece el duende que se despereza perezosamente y anuncia el final del invierno).

Diapositiva número 23-26. Considere el diseño de escenarios de artistas famosos para otras actuaciones musicales.

diapositiva número 27.- Entonces, ¿qué hace un decorador antes de empezar a trabajar? Estudiar una obra, guiónSeleccionar material sobre un tema diapositiva número 28. Realización de bocetos de paisajes. diapositiva número 29. Hacer un diseño de escenario diapositiva número 30. Haciendo un dibujo de un paisaje diapositiva número 31. Hacer la base del paisaje según el dibujo. diapositiva número 32. decorando, decorando diapositiva número 33. Instalación de escenografía en el escenario.

Diapositiva número 34-49. Considere el diseño de escenarios para diferentes actuaciones.

Actualización de conocimientos.

Hoy, en la lección, tendrá que probarse a sí mismo en el papel de decorador e intentar dibujar el escenario para cualquier actuación que elija.

Pero antes de comenzar, veamos la secuencia de trabajo en la decoración.

Diapositiva número 50-86.

Trabajo practico.

Creación de un boceto de paisaje (en cualquier técnica) a partir de una fotografía o pintura que represente un interior o un paisaje.

Resumen de la lección.

Tarea.

Si tratamos de presentar una imagen de la escenografía del mundo moderno en su totalidad, encontraremos que está compuesta por una multitud inagotable de las más diversas decisiones artísticas individuales. Cada maestro trabaja a su manera y crea el diseño más variado de una acción escénica, dependiendo de la naturaleza de la obra dramática o musical y de la lectura de su director, que es la base metodológica del sistema de escenografía eficaz.

Muchas representaciones entraron en la historia del arte gracias a las más interesantes decisiones del escenógrafo. A menudo, los bocetos teatrales décadas después siguen siendo una evidencia documental única de una producción en particular: después de todo, el escenario y el vestuario en sí rara vez se conservan. En varios casos, los dibujos del escenógrafo son el único rastro de la intención del director, cuyo proyecto nunca se llevó a cabo.

El estilo de Mikhail Larionov y Natalia Goncharova está asociado con un interés por las formas de arte popular. La deformación deliberada - importante técnica plástica del neoprimitivismo - es llevada por Goncharova al límite de la expresividad. “La tarea del disfraz no es vestir, sino materializar un personaje imaginario, su tipo, personaje”, dijo el artista. Sus bocetos para el ballet "Bogatyrs", basados ​​en el folclore ruso, no son solo disfraces decorativos espectaculares, sino imágenes expresivas de Khansha, Ilya Muromets y otros personajes épicos.

Igor Ilyinsky escribió sobre el diseño de la ópera Los cuentos de Hoffmann de Aristarkh Lentulov: "Esta actuación es uno de esos pocos fenómenos por los que puedes amar el teatro de todo corazón. El teatro en el que obtienes impresiones y placer estético en general, a partir de música sinfónica".

Los maestros de las vanguardias se caracterizan por el uso no solo de técnicas plásticas trasladadas al teatro desde la pintura, sino también por un enfoque innovador de la escenografía en general. En el experimento de Georgiy Yakulov, la obra "Zhirofle-Zhiroflya", la escenografía se basó en una estructura móvil, un sistema de "máquinas cinéticas". Yakulov creía que el principio principal de la acción teatral era "el principio del movimiento constante, un caleidoscopio de formas y colores". En el vestuario, planteó la idea de interpretar el papel, creyendo que el traje exactamente encontrado libera al actor de la necesidad de "pasar el rato y correr por el escenario".

Alexandra Exter en el diseño de la obra "Romeo y Julieta" buscó una síntesis plástica de estilización e innovación. En palabras de Abram Efros, “quería que fuera el cubismo más cubista del barroco barroco”.

El estándar del experimento teatral de vanguardia en Rusia es la obra legendaria "Victoria sobre el sol". Organizado por el artista Kazimir Malevich, el poeta Alexei Kruchenykh y el músico Mikhail Matyushin, combinó los últimos logros de la pintura, la música y la poesía. La ópera "Victoria sobre el sol" fue representada nuevamente en 1920 en Vitebsk por la alumna de Malevich, Vera Ermolaeva, cuya solución plástica apeló al cubismo y desarrolló las técnicas de la primera versión de la representación. En 1920-1921, Lazar Lissitzky desarrolló un proyecto para representar la ópera "Victoria sobre el sol" como una representación electromecánica: los actores fueron reemplazados por enormes títeres que debían moverse por el escenario con la ayuda de una instalación electromecánica. Parte de la escenografía fue el proceso de control de los títeres, así como los efectos de sonido e iluminación. Los cuadernos de bocetos siguieron siendo la única evidencia del plan innovador grandioso pero no realizado de Lissitzky.

Un ejemplo de cooperación fructífera entre un artista y un director, que están igualmente orientados hacia la experimentación, es el trabajo conjunto de Lyubov Popova y Vsevolod Meyerhold en la obra "The Magnanimous Cuckold". Esta es una simbiosis de estética de diseño constructivista y técnicas de dirección innovadoras. Popova encarnó la comprensión utópica del papel del teatro como "una organización ejemplar de la vida y las personas" en la instalación, un escenario universal para "El cornudo magnánimo".

Muchos de los artistas de vanguardia rusos vieron una tarea urgente no en el diseño de espectáculos específicos, sino en la decoración universal del espacio teatral a partir de las técnicas plásticas del movimiento artístico al que pertenecían. Así, Ivan Kudryashev, alumno de Malevich, utilizó los principios del suprematismo en bocetos para el diseño del Teatro de Oremburgo. El deseo de una reforma total del teatro motivó también el interés de los maestros de vanguardia por el diseño arquitectónico del propio edificio del teatro. Los proyectos de Alexey Babichev y Georgy Miller encarnan los principios innovadores de la organización del espacio teatral.

Paralelamente a las búsquedas vanguardistas en el arte teatral de las décadas de 1920 y 1930, también hubo un acercamiento tradicional a la escenografía. Esta línea está representada por maestros que no se inclinan por la innovación extrema y artistas que comenzaron su actividad creativa a finales del siglo XIX y XX y se mantuvieron fieles a sus convicciones. Por ejemplo, Boris Kustodiev e Ivan Bilibin colaboraron con teatros que conservaron los métodos tradicionales de puesta en escena.

Si consideramos la encarnación específica del arte taquigráfico en el escenario, como ejemplo podemos citar la obra "Tormenta de truenos" basada en la obra de A.N. Ostrovsky en el escenario del Teatro de Arte de Moscú.

En el programa, el texto explicativo se titula "En un espacio sin resolver". "¿Es realmente tan simple?" pregunta el autor anónimo. Y él mismo se responde con la misma pregunta: “Pues, ¿qué tal “no mates, no robes, no codicies la mujer de tu prójimo, honra a tu padre y a tu madre?” No, no se trata de lo que queremos dar hoy, a su vez, respuestas claras y sencillas, pero con el signo contrario, y el punto es el interés por las pasiones, los pensamientos humanos en este territorio misterioso del espacio más sin resolver de la existencia humana: Rusia.

Las últimas palabras, en toda su belleza y sinsentido, se materializan sobre el escenario en la escenografía de Leventhal: las pasarelas de la calle Kalinovskaya que van a ninguna parte, escaleras en las esquinas del escenario y dos vallas, tras las que flotan nubes a ambos lados o las nubes se oscurecen. Estas vallas, sin embargo, en el transcurso de la actuación se mueven hacia adentro y hacia afuera, convirtiéndose en un patio, o nuevamente en una calle, o incluso en una casa de baños (ciertamente con luz de luna), donde Tikhon y Boris están siendo desmantelados, quien se salva de una muerte segura. por Dikoy, Kuligin y, al parecer, el importantísimo Shapkin.

También puede citar como ejemplo el estreno de la obra "Ballena asesina" basada en la obra de A. Tolstov en el escenario del Teatro Maly. Esta comedia de Alexei Tolstoy fue presentada en el escenario del Teatro Maly por el director Vitaly Ivanov. Hablando de la escenografía de la función, se puede señalar lo siguiente: si no se trata de una empresa con sus camas eternas y un par de sillas, sino de cualquier teatro más o menos serio, entonces está listo para ofrecer al público no solo un elegante acompañamiento visual de la acción, pero también una cierta imagen de una actuación específica. El artista Alexander Glazunov es un artista experimentado y talentoso. Y en los Pequeños, en general, cualquier escenografía es capaz de ganarse el aplauso individual. Así es en Kasatka. Apenas se abre el telón en el segundo acto, la sala estalla en aplausos ante la inefable belleza del señorial plein air. Pero el problema es que tal séquito es apropiado en casi cualquier actuación, no tiene una conexión indisoluble con la interpretación actual de "Kasatka", no hay una idea claramente expresada de una actuación en particular. Como, sin embargo, difícilmente puedes encontrar esta idea de director aquí. Sin embargo, para Maly, donde la persona principal es un actor, no un director, esto es excusable, aunque nuevamente no encaja en el contexto teatral moderno.

También cabe destacar la escenografía del escenógrafo Gottfried Piltz para la ópera El maestro y Margarita de York Höller (basada en la novela de M. Bulgakov). La ópera se estrenó en Colonia en 1991. La escenografía de Pilz es simbólica: no construye una escenografía sobre el escenario que imite la realidad circundante, ya sea un paisaje o un interior, y no viste a los personajes con trajes apropiados para la época y la nacionalidad, sino que crea un espacio que se modela principalmente por la luz y la sombra. En el escenario, desprovisto de "cualidades", no hay personajes sin propiedades, sino gente extremadamente moderna.

También puede considerar la escenografía del ballet "Cenicienta" de S. Prokofiev (Teatro Mariinsky de San Petersburgo, director artístico V. Gergiev, autores del escenario I. Utkin, E. Monakhov)

Es lógico esperar del escenario del ballet "Cenicienta" de Prokofiev una ilustración directa de la trama: un lindo cuento de hadas de Charles Perrault evoca interiores de palacios de cuentos de hadas con un tinte en parte infantil y magníficamente mágico. Pero esto se aplica solo a la trama, en cuanto a la música de Sergei Prokofiev, no es para nada tan serena y mágica. En la producción de Cenicienta, la naturaleza de la escenografía puede parecer inesperada: nítida, estructural y, a veces, incluso desafiante.

Este carácter de la escenografía se debe principalmente a que fue realizada por arquitectos y no por artistas teatrales. Los arquitectos querían crear exactamente el espacio de Cenicienta, y no solo una decoración para un cuento de hadas. Y por eso, antes de empezar a trabajar, sometieron la música y la trama a un análisis exhaustivo. Como resultado de la búsqueda, que incluso incluyó un intento de reescribir el libreto, los autores decidieron que la acción del ballet no tiene lugar en absoluto en la Edad Media y ni siquiera en el Renacimiento, sino en el siglo XX abstracto " en general". Esta decisión, encontrada o "escuchada" en la música de Prokofiev y apoyada por el director de ballet Alexei Ratmansky y el diseñador de iluminación Gleb Felshtinsky, determinó el estilo inusual de estructuras y telas en el escenario del Teatro Mariinsky. El mismo movimiento permitió a la diseñadora del vestuario, la arquitecta Elena Markovskaya, vestir a los héroes de Cenicienta con cierta ropa, señalando vagamente todo el período entre las dos guerras mundiales: ya fueran los "avanzados" años veinte, ligeramente condimentados con brillo cortesano, o "chic" de los años treinta, pero con mayor bohemia.

Los decoradores Ilya Utkin y Evgeny Monakhov se conocen tradicionalmente como "billeteros", participantes e incluso líderes del movimiento de finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, en el que el diseño ruso, la arquitectura de "papel" resultó ser capaz de hablar su propio idioma. fantástico, libre y, al mismo tiempo, inteligente e irónico. Al invitar a los arquitectos "wallpaper" al teatro, la dirección claramente contaba con recibir "grabados de escena completa" en forma de telones de fondo, es decir, con la misma fabulosidad esperada, pero con un acento tangiblemente moderno. Los arquitectos fueron más allá, tratando de crear su mundo con la ayuda de pocos pero poderosos trucos. Dado que estos dispositivos se desarrollan a lo largo de la actuación, intentaremos considerarlos en el orden en que aparecen.

Primero la cortina. Por su naturaleza, es, quizás, lo más “papelero” de todo lo que se ha hecho en Cenicienta. La cortina representa una ciudad de noche oscura con cientos de ventanas brillantes. La ciudad es claramente grande, alta, sus edificios van más allá del borde superior del tejido. La arquitectura es vaga, pero uno puede notar la forma arqueada de las ventanas y los hastiales generalizados. Ya sea Nueva York o Art Deco London. En una de las esquinas superiores brilla la ventana de Cenicienta, que resulta que vive, como nosotros, en la metrópolis. O vivió hace relativamente poco; después de todo, si la acción tiene lugar en el período de entreguerras, entonces la heroína pertenece a la generación de nuestras abuelas. Un comienzo tan sombrío.

Se abre el telón y aparece el escenario principal, a cuyos lados hay dos grandes estructuras con gradas y escaleras. El mostrador del talón es neutral y una especie de parrilla cuelga sobre el espacio central. Alguien sube a las estructuras todo el tiempo, hay baile en el medio del escenario, el fondo cambia de color. Nada de grabados, todo es rígido, estructural, irónico. Resulta el posmodernismo, pero no sobre el tema de los clásicos, sino sobre el tema de Meyerhold y el constructivismo.

Después de un tiempo, otra construcción aparece en el escenario: un gran círculo de metal con agujas de tejer está suspendido entre dos pilares. Este es un reloj que se eleva sobre el escenario y simbólicamente cuenta el tiempo de la heroína. Este círculo simple sobre soportes pertenece al mismo estilo que las estructuras escalonadas a los lados del escenario: una forma fuerte y "constructivista" (léase modernista) que define el espacio del escenario y casi desvía la atención del espectador de los detalles. de la acción sobre sí mismo. Cabe señalar que, al principio, Utkin y Monakhov diseñaron relojes en formas mucho más intrincadas, fabulosas y barrocas, con rizos, volutas. Pero en la versión final prevaleció la claridad y la rigidez.

Pero aproximadamente a la mitad de la actuación, aparece algo completamente nuevo: un telón de fondo con una gigantesca galería abovedada que retrocede en perspectiva. Esta galería de repente amplía el espacio, complica la acción y crea un telón de fondo sombrío y majestuoso para la escena del baile. El clásico aquí es distópico, tiene un regusto amargo y no es nada fabuloso. La galería a veces está flanqueada por escaleras-plataformas constructivistas, a veces liberadas de ellas. El reloj cambia de posición y se convierte en un candelabro, y el candelabro parpadea alarmantemente o gira amenazadoramente de nuevo en forma de reloj, acelerando el tiempo. Luego el pasillo desaparece, dando paso a los árboles brumosos del parque, sobre los cuales flotan las nubes, luego brilla la luna. Más cerca del final

el reloj también desaparece, el tiempo casi se detiene, se acerca un final feliz, que es precedido por una cortina translúcida intermedia.

Hay bastantes movimientos escenográficos en la obra, y están provistos de varias combinaciones de algunas técnicas: una araña-reloj, un salón-galería, estructuras en los costados y fondos. Pero este conjunto es suficiente para constantes variaciones que acompañan toda la acción, para cambios de planos y espacios, no tanto aplicados e ilustrativos, como argumentales y casi independientes. Y, sin embargo, lo más recordado en la escenografía de "Cenicienta" es precisamente la interminable galería con formas clásicas severas y hasta rapaces.

Esta sala es una especie de clave para el escenario de la actuación. Los arquitectos hacen todo lo posible para crear un cuento de hadas modernizado con estructuras de celosía, relojes formidables que se convierten en otra cosa como un hombre lobo, con luces de fondo parpadeantes que cambian de color. Sin embargo, la acción "recoge" un espacio arquitectónico, ordenado y clásico, en algún lugar que aleja la vista del escenario. Este camino, este corredor con un desnivel al final, podía brillar y seducir la mirada con formas reflexivas barrocas o neorrenacentistas. En cambio, abruma el escenario con sus volúmenes, elevados a una altura inusual y fabulosa. La pesada pisada de los pilones de alguna manera cancela tanto el final feliz inevitable como los problemas lamentables del principio.

También cabe destacar la producción de la ópera "Ruslan and Lyudmila" del Teatro Mariinsky en la escenografía del artista belga Thierry Bosquet. Este escenógrafo, que recreó escenografías y vestuario a partir de bocetos de Korovin y Golovin para la famosa representación de Mariinsky en 1904, hizo un gran trabajo. No solo pasó medio año en los talleres del teatro dibujando detalles, sino que también recorrió personalmente las tiendas de Europa y Nueva York, eligiendo telas para todos los trajes de Ruslan. El derroche de colores presentado por Thierry Bosquet arrancó un estruendoso aplauso en el estreno de 1994. El belga actuó como un excelente estilista en esta obra suya: el escenario respira el color primordial del modernismo ruso, recordando tanto el lujo bizantino de las cámaras como el crepúsculo de bosques de robles épicos.

Como parte del programa, los estudiantes dominarán el trabajo con el espacio en términos de su interacción con una persona, el drama visual y la escenografía dinámica. Los estudiantes adquirirán habilidades para trabajar con escenarios, vestuario, uso de medios y tecnologías escénicas, aprenderán a crear proyectos para escenarios y lugares de exposición, representaciones, teatro experimental y multimedia, arte de instalación, teatro de búsqueda y también obtendrán una experiencia profunda en la implementación. proyectos reales, trabajo con materiales, interacción con coautores creativos.

Durante el curso, los estudiantes tocarán prácticas performativas y prepararán varios proyectos reales en formato de teatro musical contemporáneo y multimedia inmersivo. También pasará por todo el ciclo de creación de un proyecto desde una idea hasta una reunión con la audiencia.

Para quien

El programa está destinado a estudiantes con varias especializaciones básicas (artistas, arquitectos, actores, performers, videoartistas, directores y especialistas en arte contemporáneo) y aquellos que quieran dominar las especificidades del trabajo con el espacio en diferentes áreas de las artes escénicas.

mensaje del curador

¿Qué hace que el programa sea único?

¿Qué hace que el programa sea único?

los mejores maestros

El programa está impartido por destacados artistas teatrales contemporáneos que cuentan con una dilatada experiencia en el campo de la escenografía, el montaje teatral, la interpretación y utilizan medios de expresión tanto tradicionales como modernos en sus decisiones sobre la organización del espacio.

estudio de teatro propio

El amplio estudio de teatro de la Escuela introduce a los estudiantes en una amplia gama de áreas posibles del diseño teatral, permite lecturas y proyecciones abiertas, estimula los experimentos creativos y la búsqueda de nuevas soluciones escenográficas.

Programa más interdisciplinario

El diseño teatral incluye áreas tales como diseño de vestuario, ilustración, arquitectura, diseño de interiores, gráficos por computadora, diseño de movimiento, diseño interactivo y animación. La creación de proyectos escenográficos se lleva a cabo con la participación de estudiantes de otros programas: Diseño en un Ambiente Interactivo (BHSAD), Ilustración (BHSAD), Ingeniería de Sonido y Diseño de Sonido (MShK), Habilidades de Actuación (MShK), Maquillador "( MSHK) y otros.

Soluciones teatrales innovadoras

Los principios del diseño artístico de la actuación utilizados en el programa corresponden a las principales tendencias en el arte teatral mundial: interactividad, simultaneidad, multidimensionalidad.

Escenografía multimedia

El modelado de escenografías, gráficos tridimensionales, instalaciones de video, escenografía electrónica con pantallas multimedia, efectos especiales de iluminación, vestuario LED, elementos estructurales, mapeo 3D son dominados por los estudiantes en clases de computación moderna, laboratorios HP, laboratorios estéreo, estudios de fotografía digital y analógica.

oradores notables

El programa incluye encuentros y clases magistrales de destacados escenógrafos, artistas contemporáneos, directores, críticos y teóricos del teatro. En varias ocasiones, los siguientes oradores actuaron en la Escuela: German Vinogradov, Vyacheslav Polunin, Yuri Kvyatkovsky, Andrei Bartenev, Vladimir Arefiev, Maria Tregubova, Ksenia Peretrukhina, Dmitry Brusnikin y muchos otros.

producciones en vivo

En el proceso de aprendizaje, los estudiantes participan en la creación de producciones, adquiriendo experiencia trabajando con varias compañías de teatro. Como trabajos de diploma, los estudiantes desarrollan proyectos que posteriormente se implementan en los principales teatros y salas de exposiciones, como Boyar Chambers, Stanislavsky Electrotheatre, Moscow Drama Theatre. Pushkin, Museo de Arquitectura. Shchusev.

Construcciones teatrales de bricolaje.

El programa estudia los materiales escénicos, los mecanismos, la disposición de los diferentes tipos de escenarios, los sistemas de iluminación y los cambios de escenografía. Y en los talleres de linóleo y serigrafía, maquetación y creación de prototipos, la Academia de Impresión de Roland DG y los talleres de sastrería, los estudiantes diseñan decorados, atrezo y vestuario.

Duración de estudio

Nivel de admisión

costo de la educacion

362,000 rublos por año (Es posible el pago a plazos)

Fecha de inicio

Lenguaje de instrucción

Modo de aprendizaje

DOS O TRES TARDES ENTRE SEMANA Y UN FIN DE SEMANA

APLICAR

Estructura del programa

teatro moderno
El curso de conferencias introduce la historia del pensamiento teatral moderno, rastrea la conexión entre varios fenómenos teatrales y soluciones innovadoras desde principios del siglo XX hasta la actualidad.

El programa introduce en el contexto del teatro actual, da una comprensión de las diferentes direcciones, formas teatrales, desarrolla la capacidad de pensamiento crítico, el análisis de una obra escénica, la capacidad de aplicar criterios en la propia práctica.

Dominio de la escenografía
Familiarización de los estudiantes con los conceptos básicos del diseño teatral. Análisis de la metodología para la creación de escenografías y soluciones artísticas para espectáculos, danza, obras cinematográficas, instalaciones, toda la variedad de áreas que forman parte de la actividad profesional de un artista teatral. Esto incluye habilidades prácticas para trabajar con una obra escénica: creación de bocetos, diseños, cortes, trabajo con luz, sonido, implementación de proyectos en vivo, ensayos.

Composición
La disciplina está destinada al estudio de la composición plana y espacial, y varios medios expresivos. Una parte de la disciplina se basa en el trabajo con un volumen real -el diseño de la escena, la otra- en la transferencia de la impresión lograda en el diseño por medio de gráficos. Además de los medios puramente compositivos (estática y dinámica, escala, contrastes tonales y de color, textura y textura), el programa incluye trabajar con los conceptos básicos del dibujo: el uso de líneas y tonos, luces y sombras, la transferencia del espacio por medio de gráficos

tecnología de producción teatral
Conocimiento del aspecto técnico de la actuación: trabajo en varios lugares de teatro, las posibilidades de equipamiento escénico, normas y estándares adoptados en el teatro. La sección de producción escenográfica del programa incluye el estudio de las tecnologías teatrales básicas, tanto las tradicionales como las más modernas. Se presta mucha atención a la preparación de la documentación del proyecto: bocetos, dibujos, descripciones técnicas.

Historia de la Danza Moderna

Fundamentos de dirección y actuación.

Cabo pprácticas

Nuevas tecnologías

ciencia arte

Arte Moderno

Conceptos básicos de sonido

Fundamentos de la luz

Dramaturgia

arte de performance

Consultas de proyectos de grado

Defensa de proyectos de grado

maestros

Condiciones de admisión

Para ingresar al programa, debe completar un formulario de solicitud en el sitio web y pasar con éxito una entrevista en la transmisión seleccionada.

Documentos requeridos

Formulario de aplicación
- Original o copia certificada del documento educativo
- 2 fotos tamaño 3x4
- Pasaporte (a presentar al presentar los documentos)

Duración de estudio

1 año (2 semestres académicos)

costo de la educacion

RUB 362.000 en el año*

La forma estándar de pago de los servicios educativos es pagos iguales, dos veces al año. La Escuela también opera su propio programa de pago a plazos, que le permite pagar la matrícula mensualmente.

Gastos adicionales de los estudiantes durante el período de estudio.

Durante su capacitación, es posible que necesite suministros de arte, papelería, suministros para proyectos, servicios de impresión y copiado, y otros servicios y suministros. Su lista, el grado de obligación y el costo depende de los requisitos del programa y los detalles de las tareas de capacitación.

Una lista aproximada de los materiales de arte más utilizados por nuestros estudiantes: cuaderno de bocetos, carpeta zip A2, lápices suaves y de dureza media, lápiz negrita negro, sacapuntas, carboncillo, goma de borrar, goma de mascar, rotuladores de colores, rotuladores negros, tinta negra, pinceles sintéticos, cinta adhesiva, tijeras, una paleta, un juego de pinturas acrílicas, un álbum para dibujar, un juego de rotuladores capilares, rotuladores, cinta de colores, barra de pegamento, rodillo de espuma, papel de acuarela A4, papel de colores A4, pasteles secos, pegatinas de colores, papel artesanal, etc. d.

La lista completa dependerá de los detalles del proyecto y el método elegido para su implementación.

Asimismo, se incluirá en el plan de estudios un proyecto, cuyo resultado podrá ser un espectáculo (performance o acción pública similar). La escuela cubrirá algunos de los costos del proyecto, pero también debe planificar el costo de dar vida a su visión artística en dicho proyecto.

*Esta oferta no es una oferta, el costo de los servicios está sujeto a cambios. El costo de los servicios y las condiciones para su prestación se especifican en el contrato.

Pruebas de ingreso

Se consideran portafolios los desarrollos de cualquier autor en áreas como el diseño, la gráfica, la pintura, la escenografía, la arquitectura, la ilustración y la fotografía, presentados en forma impresa o en fotografías. El portafolio debe incluir un proyecto para el desarrollo de una solución escenográfica (al menos 3 bocetos de escenografía, un concepto, un proceso de búsqueda). En ausencia de un proyecto de escenografía, se invita al solicitante a realizar una tarea creativa. Los trabajos y videos animados se proporcionan como enlaces o en medios flash.

Trayectoria profesional de los egresados

En los estudios teatrales, las críticas y en la práctica del teatro se ha generalizado el término “escenografía”, con el que se intenta designar uno de los momentos clave de una obra teatral: la solución espacial de la representación.

Se sabe que un término se convierte en un concepto en toda la riqueza de su contenido solo en teoría, donde en el proceso de formación cada faceta de este contenido ingresa al sistema, formando una serie de conceptos auxiliares. Pero también es cierto que la teoría comienza con un análisis de los términos clave de significación conceptual, propuestos espontáneamente por la práctica, ya que es en ellos donde se prevé intuitivamente toda la estructura de la futura teoría.

Entendiendo la importancia y el significado de esta etapa inicial en la construcción de la teoría de la solución espacial de la representación, intentaremos analizar las principales facetas del contenido del término "escenografía" que se ha desarrollado en el contexto del teatro moderno y el estado de la ciencia al respecto.

La escenografía puede interpretarse, en primer lugar, como sinónimo de arte decorativo. El término "arte decorativo", que literalmente significa: "decorar, decorar algo", está condicionado históricamente. Por lo tanto, según algunos investigadores, no corresponde a la esencia del arte moderno, sino que solo caracteriza un cierto período en el desarrollo de la "decoración" escénica, basada en técnicas "puramente pictóricas" de pintura de caballete. Aparecido en la década de 1920, el término "diseño material de una actuación" reflejaba la posición estética de una cierta corriente teatral y no podía pretender ser una especie de aplicación universal. Es por eso que el término "escenografía" se ha convertido ahora en sinónimo de "arte decorativo".

A primera vista, la estructura misma de la palabra escenografía sugiere que refleja más plenamente las especificidades del trabajo del artista en el teatro. Pero al mismo tiempo, si entendemos "escenografía" como gráficos escénicos (lo que, en nuestra opinión, es bastante natural por analogía con el uso de la palabra "gráficos" en el arte), entonces surge la pregunta: ¿se reduce solo a la escenografía y el vestuario?

El significado de la gráfica escénica en la estructura de la actuación es más amplio, ya que lo que se representa en el escenario es, en primer lugar, el desarrollo del dibujo de la puesta en escena de la plasticidad del actor en un entorno espacial determinado. Además, si la historia del arte decorativo se crea principalmente mediante el estudio del material de boceto de los artistas, entonces la historia de los gráficos escénicos debe centrarse en toda la interpretación espacial de la actuación, en todo lo que forma el significado visual de la imagen teatral.

En una serie de trabajos de investigación, el término "escenografía" se interpreta como una determinada etapa en el desarrollo del arte teatral. En la forma más detallada, esta idea es expresada por V.I. Berezkin en el libro "Teatro Joseph Svoboda". En él, el autor destaca una serie de etapas de evolución en la génesis histórica y refiere la última etapa -desde principios de siglo hasta nuestros días- al desarrollo de la escenografía propiamente dicha. "El aislamiento de la escenografía se expresó en el desarrollo de sus propios medios específicos de expresión, su propio material: espacio escénico, tiempo, luz, movimiento". Y luego el autor escribe: "La escenografía se afirmó como un arte, en el buen sentido de la palabra, funcional, sujeto a las leyes generales de una obra sintética compleja: una actuación y calculada en la interacción más cercana con el actor, texto dramático, música. A través de esta coordinación de acciones, se revelan las imágenes de la actuación".

No menos popular es el término "escenógrafo", derivado de "escenografía". A través de él, los trabajadores creativos involucrados en la organización del espacio escénico de la actuación enfatizan las especificidades de su profesión en el teatro.

Anteriormente, se creía (y esta opinión persiste incluso ahora) que cualquier artista profesional, ya sea un pintor de caballete o un artista gráfico, es capaz de "diseñar" de manera competente una actuación. Esto es cierto si las tareas del artista se reducen al diseño de una actuación lista para el contenido, es decir, a la introducción en una obra teatral, en su estructura figurativa de trazos pictóricos adicionales (es decir, de alguna manera externos y opcionales) tomados de dicho arte. formas como pintura. gráficos, etc. Sin embargo, el teatro, especialmente el moderno, plantea otros requisitos, considera de manera diferente el papel del artista teatral en la creación de la integridad artística de la actuación, que a su vez requiere especialización, enfoque en el teatro.

La formación de un artista de teatro moderno, su creciente papel en la creación de una actuación se puede rastrear en la historia del teatro. El establecimiento de la profesión de artista teatral se produjo junto con otras profesiones teatrales, lo que fue provocado por la conciencia en la génesis de este arte de cada una de las facetas de su imagen artística. En particular, dirigir está asociado con plantear el problema de la integridad artística de la actuación, lo que, a su vez, necesitaba concretización, certeza del significado visual de la obra teatral: la actuación.

También hay que señalar que la escenografía ha estado durante mucho tiempo en una especie de vacío de investigación. Por un lado, nadie negaba a los artistas teatrales el derecho a ser llamados creadores independientes, todos reconocían la importancia de la escenografía teatral, la solución espacial de la actuación como parte integrante del arte sintético del teatro. Los nombres de los artistas teatrales ocupan un lugar honroso junto a los directores más destacados en la programación teatral, en los estudios de historiadores del arte y en libros dedicados a diversas épocas del desarrollo del arte teatral. Hay muchas obras que consideran etapas específicas en la historia del arte teatral y decorativo, las características del escenario de Shakespeare, paisajes pintorescos, mucho se ha escrito sobre la influencia del constructivismo en la estructura material de las representaciones en el teatro ruso y mundial de los años 20. y años 30 del siglo XX. A.A. escribió sobre la aparición de actuaciones en varias épocas históricas. Anikst y A. K. Dzhivelegov, G. N. Boyadzhiev y S.S. Mokulsky, A. V. Bartoshevich y B.V. Alpers. Hay muchas monografías y estudios dedicados al trabajo de artistas de teatro individuales, tanto rusos como extranjeros.

Solo recientemente se ha comenzado a llenar el vacío en esta área de la ciencia teatral. La Editorial URSS, en colaboración con el Instituto Estatal de Estudios de Arte, publicó la primera enciclopedia de las artes escénicas y decorativas, la monografía de Viktor Berezkin "El arte de la escenografía teatral mundial. Desde los inicios hasta mediados del siglo XX". Este es un estudio realmente profundo que examina la historia de la escenografía teatral desde sus inicios (incluidas sus formas prateatrales y rudimentarias) hasta el período en que se formaron casi por completo los principios básicos del teatro moderno, en toda su diversidad ideológica y estética. .

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El arte de la escenografía El arte de la escenografía

Escenógrafo es un artista involucrado en el diseño de la actuación y en la creación de su imagen figurativo-plástica. El teatro es el trabajo principal de un escenógrafo profesional. El diseñador de producción en el teatro no solo encarna la intención del director, sino que junto con él encuentra los medios artísticos para transmitir la idea de la representación, su atmósfera y estado de ánimo. Los detalles del trabajo de un escenógrafo: un escenógrafo es pintor, artista gráfico, arquitecto, diseñador y tecnólogo, todo en uno. El escenógrafo, por regla general, no trabaja solo en el diseño de la actuación. Es asistido por instaladores, maquilladores y utileros, diseñador de iluminación, diseñador de vestuario, tecnólogo. Pero en el teatro, el escenógrafo todavía controla todo el proceso de creación de una actuación y ocupa el puesto de artista principal.

La tarea principal del artista es encontrar una nueva forma de revelar más profundamente el significado de la obra. Es por esto que el escenógrafo recibe su tarifa, y no por diseños y bocetos. El diseñador de producción, leyendo una obra que se está preparando para la producción, trata de sentir el texto, sentir la atmósfera y el estado de ánimo. Y después de eso, el escenógrafo comienza a buscar imágenes, discutiendo el material con el director. Al darse cuenta de la idea, debe tener en cuenta todo: el fondo del escenario debe estar bellamente pintado, la corona del rey del teatro debe brillar y las manzanas falsas deben verse apetitosas ... Como resultado, el diseñador de escena a menudo se convierte en un coautor de la obra.

En los orígenes de la historia. La escenografía como arte comenzaba a surgir en la sociedad más antigua, que aún carecía del escenario como estructura especial, y de los actores como profesión. Nuestros antepasados ​​tenían una pequeña herencia folclórica, los creadores de esa época también compusieron parábolas, cuentos y epopeyas. Sobre la base de este material, a menudo se realizaban tales actuaciones disfrazadas. De esta manera, se determinó el "código genético" en el que se basa la escenografía moderna. Estas son las tres funciones básicas, sin las cuales es impensable una producción teatral: personaje, juego y puesta en escena.

La preescenografía y sus personajes. El término "prescenografía" se utiliza cuando se refiere a la época posterior a la era de la antigüedad, dentro de la cual el teatro se definía como una forma de arte en toda regla. Hombres de las cavernas, los antiguos paganos ya tenían una experiencia considerable en las actividades escénicas, pero las actuaciones eran fundamentalmente diferentes de las modernas. La escenografía de la obra de entonces situaba en el centro de todos los acontecimientos a un determinado personaje, que era el protagonista principal. Inicialmente se trataba de pinturas rupestres, imágenes circulares (que simbolizaban al Sol como Deidad), diversos animales disecados y tótems. La actuación no era un evento secular, sino un ritual en el que se cantaban las fuerzas de la naturaleza, se rendía culto a deidades y antepasados ​​fallecidos. ¡Sorprendentemente, una de las antiguas representaciones paganas es relevante incluso hoy en día! Por si alguien aún no lo ha adivinado, estamos hablando de la tradición de poner un árbol de Navidad en casa, vestirlo y bailar danzas redondas a su alrededor. Para ser justos, notamos que nuestros antepasados ​​​​vistieron un árbol de hoja perenne de manera un poco diferente. De las ramas colgaban tótems y talismanes, así como partes de animales que se sacrificaban. Afortunadamente, los momentos más oscuros de esta tradición quedaron en el pasado, y solo los más hermosos han llegado hasta nosotros. Entonces, si desea imaginar claramente cómo era la escenografía antigua de la actuación, simplemente salga a la plaza central de su ciudad y admire los bailes de disfraces, los bailes, los villancicos y otros rituales de Año Nuevo.

El desarrollo de la función del juego Se puede decir con plena confianza que en la era de la antigüedad nació una escenografía completa, o arte teatral y decorativo. El teatro se está convirtiendo gradualmente en un evento secular, el guión ya no se basa solo en rituales y adoración de los dioses, sino también en situaciones de la vida descabelladas, y solo actores especialmente entrenados actúan en el escenario. En consecuencia, aparece una escenografía nueva y lúdica, un tipo especial de arte teatral. Se está creando la primera escenografía que acerca las representaciones a la realidad, se cosen disfraces y máscaras para los actores (el maquillaje aún queda lejos), se crea la iluminación necesaria y efectos especiales mínimos. De esta forma, el teatro pasó no sólo por la antigüedad, sino también por la Edad Media.

El Renacimiento es la era del renacimiento de la escenografía de los siglos XV y XVI, no solo la era del humanismo, que viene después de la oscura Edad Media, sino también el período durante el cual se formó completamente la escenografía. Esta es la época en la que trabajaron los más grandes artistas, escultores y arquitectos, en su mayoría italianos. Se convirtieron entonces en los autores de muchos elementos de utilería, sin los cuales el teatro actual es inimaginable. Se decidió crear un fondo para cada actuación, al igual que las pinturas de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Por primera vez, Donato Bramante, el gran arquitecto que construyó la perspectiva teatral, hizo frente a la tarea. Los actores con disfraces actuaron en primer plano, y los fondos correspondientes a la escena de acción descrita aparecieron en el fondo. Posteriormente, Sebastiano Serlio, el arquitecto teórico, dividió la escenografía en tres tipos: para la comedia, la tragedia y la bucólica. Luego de estos trabajos prácticos y teóricos, la escenografía, como arte y producción, se plasma en el Teatro Olimpico, que fue construido por las manos de Andrea Palladio en Vincenzo.

De la era del Clasicismo a la New Age A principios del siglo XVII, la escenografía como arte y producción ocupaba un segmento importante en la vida de todos los países europeos. Había fábricas enteras que se dedicaban a la fabricación de escenografías teatrales, por lo que hace tiempo que se han vuelto dinámicas y plásticas. El escenario puede constar de varios escenarios o niveles. Las ramas de los árboles, la luna o el sol, las nubes y hasta los propios actores se colocaban sobre las cuerdas, si el guión lo requería.

Hasta la primera mitad del siglo XX, el teatro y su escenografía duplicaron las principales corrientes estilísticas de la época actual, hasta que se decidió volver a la antigüedad. Por supuesto, nuestros contemporáneos no regresaron al escenario original, por el contrario, el equipo técnico de cualquier teatro, incluso el más simple, se volvió cada vez más perfecto. Pero las actuaciones, las escenas, los héroes, todo esto era a menudo una descripción de épocas pasadas. Hoy puedes ver una actuación sobre la vida de los pueblos antiguos o sobre los logros de la sociedad del Renacimiento. Hay producciones de estilo vanguardista, abstracto y surrealista, o nos muestran el máximo realismo.

¿Qué tiene de especial el teatro contemporáneo? En los últimos años, no será suficiente decir que la escenografía es un arte especial, porque esta rama ha cobrado protagonismo en el teatro. En cierto modo, incluso eclipsó la importancia de la actuación (perdone al gran Maestro) y recibió un nuevo nombre: diseño de escenarios. En las grandes producciones, se gasta mucho dinero y esfuerzo en montar el escenario, decorar el escenario y crear la atmósfera necesaria. Los principales diseñadores y constructores pueden participar en el proceso, y todos estos esfuerzos son solo por el bien de una actuación. Del mismo modo, los estilistas trabajan en las imágenes de los actores: el vestuario y el maquillaje se seleccionan cuidadosamente.